существует огромное количество произведений живописи, на которых изображены музыкальные инструменты. Художники обращались к подобным сюжетам в разные исторические эпохи: с древнейших времен и до современности.
Брейгель Старший, Ян
СЛУХ (фрагмент). 1618
Частое использование изображений музыкальных инструментов в произведениях искусства обусловлено тесной связью музыки и живописи.
музыкальные инструменты на картинах художников не только
дают представление о культурной жизни эпохи и развитии музыкального инструментария того времени, но и имеют определенный символический смысл.
Мелоццо
да Форли
Ангел
1484
Издавна считалось, что любовь и музыка связаны неразрывно. И музыкальные инструменты на протяжении столетий ассоциировались с любовными чувствами.
Средневековая астрология считала всех музыкантов «детьми Венеры», богини любви. Во множестве лирических сцен у художников разных эпох музыкальные инструменты играют важную роль.
Ян Менс Моленар
Дама за спинетом
17 век
В течение долгого времени музыка ассоциировалась с любовью, подтверждением чего служит голландская поговорка XVII века: «Учись играть на лютне и спинете, ибо струны обладают силой похищать сердца»
Андреа Соларио
Женщина с лютней
В некоторых картинах Вермеера музыка оказывается главной темой. Появление в сюжетах этих полотен музыкальных инструментов трактуется как утончённый намёк на изысканные и романтические отношения героев.
«Урок музыки» (, Королевское собрание, Дворец Сент - Джеймс).
Вёрджинел, разновидность клавесина, — был очень популярен как музыкальный инструмент для домашнего музицирования. По точности изображения специалистам удалось определить, что его изготовили в мастерской Рюкерсов в Антверпене, знаменитой на весь мир. Латинская надпись на крышкевёрджинела гласит: «Музыка — спутница радости и целительница в горестях».
Музицирующие люди часто становились персонажами картин французского живописца, основоположника стиля рококо Жана Антуана Ватто.
Основным жанром творчества Ватто являются «галантные празднества»: аристократическое общество,
расположившееся на лоне природы, занятое беседой, танцами, музицированием и флиртом
Подобный круг образов был необычайно популярен в творческих кругах Франции. Об этом свидетельствует тот факт, что некоторые картины Ватто имеют те же названия, что и пьесы для клавесина композитора Франсуа Куперена, французского композитора, современника художника. Тонко чувствующие знатоки ценили не только живописность Ватто, но и его музыкальность. «Ватто принадлежит к сфере Ф. Куперена и К. Ф.Э. Баха», - утверждал великий философ искусства Освальд Шпенглер (Приложение II).
Также музыкальные инструменты могут быть связаны мифологическими персонажами.
Многие музыкальные инструменты символизируют муз и являются их непременными атрибутами. Так, для Клио, - музы истории — это труба; для Эвтерпы (музыка, лирическая поэзия) — флейта или какой-нибудь другой музыкальный инструмент; для Талии (комедия, пасторальная поэзия) — небольшая виола; для Мельпомены (трагедия) — горн; для Терпсихоры (танец и песня) — виола, лира или другой струнный инструмент;
для Эрато (лирическая поэзия) — тамбурин, лира, реже треугольник или виола; для Каллиопы (эпическая поэзия) — труба; для Полигимнии (героические гимны) — орган-портатив, реже — лютня или другой инструмент.
Все музы, кроме Урании, имеют среди своих символов или атрибутов музыкальные инструменты. Почему? Объясняется это тем, что в античную эпоху стихи самых разных жанров исполнялись нараспев и включали в себя в той или иной степени музыкальный элемент. Потому и музы, покровительствовавшие разным поэтическим жанрам, имели каждая свой инструмент
Дирк Халс
Музыканты
XVI в.
Символическое значение инструментов связано именно с этими персонажами. Например, арфа в европейской культуре средневековья и Возрождения прочно ассоциировалась с легендарным автором псалмов, библейским царем Давидом. Великий царь, политик, воин был и величайшим поэтом и музыкантом, через символику десяти струн Давидовой арфы святой Августин разъяснял смысл десяти библейских заповедей. На картинах Давида часто изображали в образе пастуха, играющим на этом инструменте.
Ян де Брей. Давид, играющий на арфе. 1670 г.
Такая трактовка библейского сюжета сближала царя Давида с Орфеем, который усмирял животных игрой на лире.
{C} Золотая арфа являлась атрибутом кельтского бога Дагды.Кельты говорили, что арфа способна издавать три священные мелодии. Первая мелодия - мелодия грусти и умиления. Вторая - вызывающая сон: когда слушаешь её, душа наполняется состоянием покоя и погружается в сон. Третья мелодия арфы - это мелодия радости и возвращения весны
В священных рощах под звуки арфы друиды, жрецы кельтов, обращались к богам, воспевали их славные поступки, совершали обряды. Во время сражений барды с маленькими арфами, увенчанными зелёными венками, поднимались на холмы и пели воинственные песни, вселяя в воинов мужество.-
Среди всех стран мира только на гербе Ирландии изображается музыкальный инструмент. Это золотая арфа, струны которой - серебряные. Долгое время арфа была геральдическим символом Ирландии. С 1945 года это еще и герб
У. Босха- "Сад радостей земных"-
есть изображение человека, распятого на струнах этого инструмента. Здесь, вероятно, отражены представления о символике натяжения струн, выражающей одновременно любовь и напряжение, страдания, потрясения, испытываемые человеком в течение его земной жизни
С распространением христианства и его священных книг частым становится изображение художниками ангелов с музыкальными инструментами. Ангелы, играющие на музыкальных инструментах, появляются в английских рукописях XII века. В дальнейшем количество таких изображений постоянно увеличивается.
Множество музыкальных инструментов в руках ангелов дает представление об их форме и конструкции, об особенностях их сочетаний, также позволяет узнать о существовавших в те времена музыкальных ансамблях.
В эпоху Возрождения наступает «звёздный час» для ангелов. Мастеров живописи всё чаще вдохновляют эти совершенные и гармоничные создания.
Сцены, прославляющие Бога, превращаются в работах художников Возрождения в настоящие ангельские концерты, по которым можно изучать музыкальную культуру того времени.Орган, лютня, скрипка, флейта, арфа, цимбалы, тромбон, виола-да-гамба…Это далеко не полный перечень инструментов, на которых играют ангелы.
Пьеро делла Франческа.
Рождество. Лондон. Национальная галерея. 1475 г.
изображения музыкальных инструментов можно разделить на несколько групп:
1) музыкальные инструменты используются в лирических сюжетах;
2) изображение музыкальных инструментов имеет связь с мифологией, например, античной, где они символизируют муз и являются их непременными атрибутами:
3) в сюжетах, связанных с христианством, музыкальные инструменты чаще всего олицетворяют наиболее возвышенные идеи и образы и сопровождают кульминационные моменты библейской истории;
4) изображения инструментов дают также представление об инструментальных ансамблях и приёмах музицирования,
существовавших в исторический период создания картины;
5) часто изображение тех или иных инструментов несет в себе философские идеи, как, например, в натюрмортах на тему Vanitas;
6) символика инструментов может меняться в зависимости от замысла художника и общего содержания картины (контекста), как, например, в картине Босха «Сад земных наслаждений».
увлекательная
и, порой, загадочная сторона искусства.
Ведь многие старинные инструменты, музыкальные ансамбли, приёмы игры можно увидеть теперь только на картинах.
Хендрик ван Бален
Аполлон и музы
Юдит Лейстер
Юный флейтист
1635 г.
Дама с арфой
1818 г.
Джон Мельюш Страдуик Вечерня
1897 г.
Жан ван Биглерт
Концерт
Э. Дега
Фагот (фрагмент)
ГЛАВА 2. Гитара завоевывает Европу
В XVII веке гитара продолжила завоевывать Европу.
Одна из гитар того времени принадлежит музею Королевского музыкального колледжа в Лондоне. Созданная в Лиссабоне в 1581 году неким Мельчиором Диасом.
Строение этой гитары обладает особенностями, которые будут повторять в своих работах мастера музыкальных инструментов на протяжении более чем двух веков.
Итальянская гитара баттенте 17 век из коллекции замка Сфорца, Милан.
Все гитары того времени были богато орнаментированы. Для изготовления такого изысканного предмета мастера используют ценные материалы: редкие породы дерева (в частности, черное – эбеновое), слоновую кость, черепаховый панцирь. Нижняя дека и обечайки декорируются инкрустацией. Верхняя дека, напротив, остается простой и делается из хвойных пород дерева (чаще всего из ели). Для того чтобы не подавлять вибрацию, деревянной мозаикой отделывают только резонаторное отверстие и края корпуса по всей его окружности.
Главный декоративный элемент – розетка, сделанная из тисненой кожи. Эта розетка не только соперничает с красотой всего корпуса в целом, но и смягчает извлекаемые звуки. Очевидно, что обладателей этих роскошных инструментов интересовала не столько сила и мощность, сколько изысканность звучания.
Один из первых дошедших до нас образцов гитар XVII века находится в коллекции Музея музыкальных инструментов Парижской консерватории. На нем обозначено имя мастера – венецианца Кристофо Коко, а также дата – 1602. Плоский корпус целиком сделан из пластинок слоновой кости, скрепленных узкими планками коричневого дерева.
Августин Квеснел Гитаристка 1610 г.
В 17 веке в значительной части Европы распространяется стиль разгеадо, занесенный из Испании, где он был популярен. Гитара тотчас же утрачивает то важное значение, которое она раньше имела для серьезных музыкантов. Отныне она употребляется только для аккомпанирования, для того, «чтобы петь, забавляться, плясать, скакать…топать ногами», как пишет Луи де Брисено в предисловии к своей «Методе» (Париж, 1626).
Теоретик из Бордо Пьера Трише тоже с сожалением замечает (ок. 1640): «Гитара, или гитерна, - широко применяемый инструмент у французов и итальянцев, но особенно у испанцев, которые пользуются ею так безудержно, как никакая другая нация». Она служит музыкальному сопровождению танцев, которые пляшут, «дергаясь всем телом, нелепо и смешно жестикулируя, так что игра на инструменте становится неясной и сбивчивой». И возмущаясь тем, что ему приходится наблюдать, Пьер Трише продолжает: «Во Франции дамы и куртизанки, знакомые с испанской модой, стараются ей подражать. В этом они напоминают тех, кто, вместо того чтобы добротно питаться в своем собственном доме, идет к соседу есть сало, лук и черный хлеб».
Девид Тениерс Младший Гитарист
Маттиа Претти Концерт 1630е г.
Несмотря на это гитара остается популярной во Франции. К гитаре охотно обращаются в балетах. В «Фее Сен - Жерменского леса» (1625) и в «Богатой вдове» (1626) ради большего правдоподобия на гитаре играют музыканты, одетые в испанские костюмы. В первом балете исполнители чаконы «приспосабливают звуки своих гитар к проворным движениям ног». Во втором, поставленном Его Величеством в Большом зале Лувра, антре гренадеров разворачиваются также под аккомпанемент гитары. По сообщению «Меркюр де Франс», в этом спектакле двум танцующим сарабанду аккомпанировал на гитаре сам Людовик XIII.
Геррит ван Хонтхорст Играющая на гитаре 1624 г.
Ян Вермеер Гитаристка 1672 г.
В середине XVII столетия начинается новый период расцвета гитары. И на этот раз обновление приходит из Франции. Для преподавания игры на гитаре молодому французскому королю ко двору призывают прославленного педагога и музыканта Франческо Корбетту (1656). Не осмеливаясь утверждать (в отличие от некоторых придворных) , что за восемнадцать месяцев Людовик XIV превзошел своего учителя, можно, однако, не сомневаться в истинном пристрастию короля к инструменту. В его правление гитара вновь становится любимицей аристократии и композиторов. И вновь мода на гитару завоевывает всю Европу.
Гравюра с обложки старинного издания Пьес для гитары. 1676 г.
Франсиско Гойя Танец на речном берегу 1777 г.
Франсиско Гойя Слепой гитарист 1788 г.
Рамон Байе Юноша с гитарой. 1789 г. Музей Прадо. Мадрид
К концу правления Людовика XIV (ум. 1715) в истории гитары наступает переломный момент – королевский двор становится к ней равнодушным.
Однако она по-прежнему популярна у народа. Мадмуазель де Шароле на заказанном ею портрете представлена с гитарой в руках, слегка перебирающей ее струны. Ватто и Ланкре вводят гитару в изображение любовных сцен. И вместе с тем - это инструмент балаганных актеров и странствующих комедиантов!
Творчество Ватто и Ланкре и гитара - это отдельная страница французской живописи, поэтому я решил посвятить этим художникам отдельные галереи в этом материале.
Жан-Антуан Ватто
Jean Antoine Watteau
Розальба Каррьера Портрет Жана-Антуана Ватто 1721 г.
Французский живописец и рисовальщик, основоположник и крупнейший мастер стиля рококо. В 1698–1701 Ватто учился у местного художника Жерена, по настоянию которого копировал произведения Рубенса, Ван Дейка и других фламандских живописцев. В 1702 Ватто уехал в Париж и вскоре нашел учителя и покровителя в лице Клода Жилло, театрального художника и декоратора, который писал картины со сценами из жизни современного театра. Ватто быстро превзошел в мастерстве своего учителя и ок. 1708 поступил в мастерскую декоратора Клода Одрана. В 1709 Ватто безуспешно пытался завоевать гран-при Академии художеств, однако его работы привлекли внимание нескольких влиятельных лиц, среди которых были меценат и знаток живописи Жан де Жюльенн, торговец картинами Эдмон Франсуа Жерсен, банкир и коллекционер Пьер Кроза, в доме которого художник жил некоторое время, и др. В 1712 Ватто был представлен к званию академика и в 1717 стал членом Королевской академии живописи и скульптуры. Умер Ватто в Ножан-сюр-Марн 18 июля 1721.
Жан-Антуан Ватто Итальянская комедия 1714 г.
Жан-Антуан Ватто View Through the Trees in the Park of Pierre Crozat 1714-16 г.г.
Жан-Антуан Ватто Жиль со своей семьей 1716 г.
Жан-Антуан Ватто Рассказ Пьеро
Жан-Антуан Ватто Песня любви 1717 г.
Жан-Антуан Ватто Mezzetin 1717-19 г.г.
Никола Ланкре
Nicolas Lancret
Никола Ланкре Автопортрет 1720 г.
Французский художник, родился в Париже. Учился сначала у Пьера Дюлена, а затем приблизительно с 1712 работал несколько лет под руководством Клода Жилло, через которого познакомился с Жаном Антуаном Ватто, оказавшим огромное влияние на его творчество. Ланкре обращался к тем же сюжетам, что и Ватто: писал персонажей итальянской комедии дель арте и сценки «галантных празднеств». Кроме того, он иллюстрировал басни Лафонтена и создавал жанровые картины. Умер Ланкре в Париже в 1743.
Никола Ланкре Концерт в парке 1720 г.
Никола Ланкре Праздник в саду
Никола Ланкре Концерт в парке
Никола Ланкре Галантная беседа
Новый взлет гитары, как утверждает Мишель Брене, связан с появлением двух талантливых певцов, выступающих в салонах. Они исполняют дуэты, сами себе аккомпанируя. Это прославленные Пьер Желиот и Пьер де ла Гард.
Знаменитое полотно Мишеля Бартоломео Оливье «Чай по-английски и концерт в доме у принцессы де Конти» передает атмосферу этих светских собраний.
РУССКАЯ МУЗЫКАЛЬНАЯ ЛИТЕРАТУРА
Русское народное песенное творчество
или русский музыкальный фольклор (с англ. фолк – народ, лоро – знание). Его возникновение уходит в глубокую старину, в языческие времена. Самые древние песни были связаны с религиозными обрядами.
Жанры русских народных песен:
обрядовые – а) календарные (колядки, масленичные, веснянки, посевные, купальские, жатвенные…);
б) семейно-бытовые (колыбельные, плачи, свадебные…)
эпические – былины, исторические
трудовые
военные (солдатские)
хороводные, плясовые, игровые
протяжные или лирические
шуточные, в том числе частушки
Основные жанры русских народных песен сложились к 17 веку и продолжают жить в народе.
Русский музыкальный фольклор распространялся благодаря скоморохам – бродячим артистам, музыкантам. В качестве аккомпанемента к песням и пляскам они использовали следующие инструменты: гусли, свирель, бубен, трещотки, погремушки.
В те далекие времена народные песни не записывались, а передавались из уст в уста, при этом неизбежно изменяясь. Имена авторов не сохранялись. Наиболее ранние нотные записи русских народных песен – во 2 половине 18 века.
Возникновение профессионального музыкального искусства на Руси
относится к 10 веку (расцвет Киевской Руси) и связано с принятием новой религии (988 год) – христианства в виде православия , которое пришло из Византии. До 17 века, в эпоху русского средневековья, профессиональная музыка на Руси (и другие виды искусства) была подчинена церкви и носила религиозный характер. В отличие от западно-христианской она была и есть только вокальная, хоровая . Главное православное богослужение – литургия (аналог западной мессы).
Основной вид русской профессиональной музыки с конца 10 в. по 17 в. – знаменный распев (знамена или крюки – знаки, обозначающие мелодию, это древнерусская музыкальная запись ).
Характерные черты знаменного распева:
3) древнегреческий язык
4) монотонность, тягучесть мелодии (плавное поступенное движение с редкими скачками на терцию, ровный ритм)
В 16 веке появились первые образцы церковного многоголосия – двух-, трехголосные обработки знаменных распевов.
При монастырях и соборах были открыты певческие школы , готовившие певчих для церковных хоров. Управляли хорами специально обученные люди – доместики.
История сохранила имена немногих музыкантов того времени, например, имя Федора Крестьянина , автора и исполнителя знаменных распевов (16 век).
Развитие русской музыки - 17 век.
Парсуна XVII век Парсуна XVII век Парсуна XVII век
Неизвестная Алексей Михайлович Петр I
На Руси XVII век - это период социальной напряженности: смутное время (нашествие поляков, которые желали занять русский престол), церковный раскол, крестьянские мятежи и войны (Степан Разин), стрелецкие бунты. Но одновременно это время и установления прочной царской власти- избрание на царство Михаила Романова.
XVII век в истории русской музыки – переход от средневековья к Новому времени, от византийского влияния к западноевропейскому. Знаменное пение переживает кризис. Официальным многоголосие в церковном пении становится с утверждением на Руси новой музыкальной записи – 5ти-линейной нотации (завезена из Западной Европы). В связи с этим произошло бурное развитие многоголосного пения – количество голосов в отдельных церковных песнопениях стало достигать 12. Исполнение такой сложной музыки стало возможным благодаря нотной записи , заменившей примитивные крюки-знамена. Церковные хоры стали делиться на партии – это группы голосов с определенным тембром и высотой, а пение получило называние партесное. Роль высоких голосов в хоре стали выполнять мальчики-певчие. Появились новые жанры, например
· партесный концерт – жанр церковной музыки, представляющий многоголосное хоровое произведение с ярким и сложным музыкальным языком.
Партесное пение (пение по партиям) – новый стиль церковной музыки, пришедший на Русь из Польши через Украину. Партесное пение опирается на аккордовое трех-четырехголосие. На основе партесного стиля формируются новые жанры: концерты, канты, псальмы.
Партесный концерт (от латинского partis-партия) назван был так потому, что в отличие от унисонного русского пения его пели по партиям. Его музыкальный стиль- с элементами полифонии. Количество голосов могло колебаться от 3-х до 16-ти.
В 17 веке церковным языком официально становится церковнославянский язык (после церковной реформы).
17 век – начало расцвета светской музыки, литературы, живописи на Руси, что связано с постепенным высвобождением искусства из-под власти церкви. В Москве при дворе царя Алексея Михайловича был открыт первый театр ; у царя был замечательный роговой оркестр. Московский двор увлекался органной потехой – в Грановитой палате Кремля был установлен механический орган. Модным было музицирование на клавесине . Многие из этих новых веяний пришли из Западной Европы.
В 1687 году была образована знаменитая Славяно-греко-латинская академия.
История сохранила имена многих замечательных русских музыкантов 17 века. Это Н. Дилецкий, Н. Калашников, В. Титов, Н. Бавыкин.
Орга́н
Сложный музыкальный инструмент, составленный из воздухонагнетательного механизма, набора деревянных и металлических труб разных размеров и из исполнительского пульта (кафедры), на котором расположены регистровые ручки, несколько клавиатур и педали.
Клавеси́н
Вёрджинел
Спинет
Спинет - небольшой клавесин квадратной, прямоугольной или пятиугольной формы.
Клавицитериум
Клавицитериум - клавесин с вертикально расположенным корпусом.
Клавикорд
Струнные смычковые
Барочная скрипка
Контрабас
Самый большой и низко звучащий смычковый инструмент оркестра. Играют на нём стоя или сидя на высоком табурете.
Струнные щипковые
Барочная лютня
В XVI веке наиболее распространенной была шестиструнная лютня (в XV известны пятиструнные инструменты), при переходе к XVII веку (эпохе позднего барокко) количество струн доходило до двадцати четырёх. Чаще всего струн было от 11 до 13 (9-11 парных и 2 одинарных). Строй- аккорд ре минор (иногда мажор).
Теорба
Теорба - басовая разновидность лютни. Количество струн от 14 до 19 (в основном одинарных, но были инструменты и с парными).
Китарроне
Китарроне - басовая разновидность т. н. итальянской гитары (инструмента с овальный корпусом, в отличие от испанской г.). Количество струн- 14 одинарных. Китарроне на вид практически ничем не отличается от теорбы, но имеет отличное от неё происхождение.
Архилютня
Меньшего размера, чем теорба. Чаще всего имела 14 струн, первые шесть в строе типичном для эпохи Ренессанса- (в отличие от барочной лютни, у которой первые шесть струн давали ре-минорный аккорд) строили в чистую кварту, кроме 3-й и 4-й, которые строили в большую терцию.
Ангелика
Мандора
Галлишон
Цитра
Архицитра
Мандолина
Барочная гитара
Основная статья: Барочная гитара
Барочная гитара имела обычно пять пар (хоров) жильных струн. Первые барочные или пятихоровые гитары известны с конца 16-го века. Именно тогда к гитаре добавлен пятый хор (до этого она снабжалась четырьмя парными струнами). Стиль rasgeado делает этот инструмент необыкновенно популярным.
Струнные иные
Колёсная лира
Колёсная лира имеет шесть-восемь струн, бо́льшая часть которых звучит одновременно, вибрируя в результате трения о колесо, вращаемое правой рукой. Одна-две отдельных струны, звучащая часть которых укорачивается или удлиняется с помощью стержней левой рукой, воспроизводят мелодию, а остальные струны издают монотонное гудение.
: Западноевропейская музыка 17 века
Инструментальная музыка исторически развивалась позднее вокальной и далеко не сразу выдвинулась на самостоятельное место в ряду музыкальных жанров. Во-первых, она довольно долго сохраняла прикладной, то есть служебный, чисто практический характер, сопровождая различные моменты в жизни людей (торжественные и траурные процессии, придворные балы, выезды на охоту и пр.) Во-вторых, долгое время инструментальная музыка находилась в прямой зависимости от вокальной, сопровождая пение и подчиняясь ему. Так, например, единственный инструмент католического богослужения - орган - на протяжении многих столетий не имел своего «лица», дублируя хоровое письмо.
В эпоху Возрождения (XV-XVI вв.) положение изменилось: инструментальное искусство шагнуло далеко вперед. Был создан обширный инструментальный репертуар. Однако большинство инструментальных композиций того времени ничем не отличалось от вокальных: инструменты попросту замещали вокальные голоса без учета специфики тембров. Эти пьесы могли исполняться на любых инструментах, лишь бы позволял диапазон (на скрипке то же, что и на тромбоне). Однако с годами инструментальная музыка все настойчивее стремится уйти от копирования вокальных образцов. И вот, наконец, в XVII веке происходит полное раскрепощение инструментальной музыки - этот факт считается одним из главных завоеваний данной исторической эпохи. Инструментальная музыка становится самостоятельной областью композиторского творчества, расширяется круг ее содержания. Ни один жанр профессиональной музыки не обходится теперь без участия музыкальных инструментов. Так, например, опера с самых первых дней своего существования опиралась на оркестровое звучание.
Появляется живой интерес к различным музыкальным тембрам . Композиторы начинают осознавать художественные и технические возможности того или иного инструмента и сочиняют для скрипки не так, как для органа или флейты.
Складываются различные инструментальные стили - , скрипичный, - с их специфическими выразительными средствами и исполнительскими приемами.
Возникают многообразные национальные инструментальные школы - немецких органистов, английских верджиналистов, испанских виуэлистов, итальянских скрипачей и т.д.
Возникают многообразные инструментальные жанры с их неповторимой спецификой: concerto grosso, сольный концерт, сюита, соната, полифонические жанры (что касается жанров более раннего времени, то они не имели четкой дифференциации: между ними было много общего, отличия одного от другого были весьма относительными).