Картины романтизма с названиями и авторами. Школьная энциклопедия. Французская романтическая школа

Искусство периода романтизма в основе своей идеи имеет духовно-творческую ценность личности, как главную тему для философии и размышлений. Он появился в конце XVIII и характеризуется романтичными мотивами, связанными с разнообразными странностями и живописными событиями или пейзажами. По своей сути появление этого направления было противопоставлением классицизму, и предвестником его появления стал сентиментализм, который был достаточно ярко выражен в литературе этого времени.

К началу XIX века романтизм расцвел и полностью погрузился в чувственные и эмоциональные образы. Кроме того, очень важным фактом явилось переосмысление в данную эпоху отношения к религии, а также появления выраженного в творчестве атеизма. Во главу ставятся ценности чувств и сердечных переживаний, а также происходит постепенное прилюдное признание наличия у человека интуиции.

Романтизм в живописи

Для направления характерно выделение возвышенной тематики, которая является основной для этого стиля в любых творческих деятельностях. Чувственность выражается любыми возможными и допустимыми способами, и это наиболее важное отличие этого направления.

(Кристиано Банти "Галилей перед римской инквизицией" )

Среди основателей философского романтизма можно выделить Новалиса и Шлейермахера, а вот в живописи отличился в этом плане Теодор Жерико. В литературе можно отметить особенно ярких писателей периода романтизма - братьев Гримм, Гофмана и Гейне. Во многих европейских странах этот стиль развивался под сильным германским влиянием.

Основными чертами можно назвать:

• явно выраженные в творчестве романтичные нотки;
• сказочные и мифологические нотки даже в совершенно несказочной прозе;
• философские размышления, посвященные смыслу жизни человека;
• углубление в тематику развития личности.

(Фридрих Каспар Давид "Восход луны над морем" )

Можно сказать, что романтизму свойственны нотки культивирования природы и естественности человеческой натуры, и природной чувственности. Прославляется и единение человека с природой, а также очень востребованными являются образы рыцарской эпохи, окруженные аурой благородности и чести, а также путешественники, легко пускающиеся в романтические путешествия.

(Джон Мартин "Макбет" )

События в литературе или живописи развиваются вокруг сильнейших страстей, которые испытывают персонажи. Героями всегда становились личности, склонные к авантюризму, играющие с роком и предопределенностью судьбы. В живописи романтизм прекрасно характеризуется фантастическими явлениями, которые демонстрируют процесс становления личности и духовное развитие человека.

Романтизм в русском искусстве

В русской культуре романтизм особенно ярко проявился в литературе, и считается, что первые проявления этого направления выражены в романтической поэзии Жуковского, хотя некоторые специалисты считают, что его произведения близки к классическому сентиментализму.

(В. М. Васнецов "Алёнушка" )

Русский романтизм характеризуется свободой от классический условностей, и для этого направления характерны романтические драматические сюжеты и длинные баллады. По сути, это новейшее представление о сущности человека, а также о значении поэзии и творчества в жизни людей. В этом плане та же поэзия приобретает более серьезное, осмысленное значение, хотя ранее написание стихов считалось обычной пустой забавой.

(Федор Александрович Васильев "Оттепель" )

Наиболее часто в российском романтизме создается образ главного героя, как одинокого и глубоко страдающего человека. Именно страданиям и душевным переживаниям уделяется наиболее большое внимание авторов как в литературе, так и в живописи. По сути, это вечное передвижение попутно с различными мыслями и размышлениями, и борьба человека с постоянными изменениями в мире, который его окружает.

(Орест Кипренский "Портрет лейб-гусарского полковника Е.В. Давыдова" )

Герой обычно достаточно эгоцентричный и постоянно бунтует против пошлых и материальных целей и ценностей людей. Пропагандируется избавление от материальных ценностей в пользу духовных и личностных. Среди российских наиболее популярных и ярких персонажей, созданных в рамках этого творческого направления, можно выделить главного героя из романа "Герой нашего времени". Именно этот роман очень ярко демонстрирует мотивы и ноты романтизма в тот период.

(Иван Константинович Айвазовский "Рыбаки на берегу моря" )

Для живописи характерны сказочные и фольклорные мотивы, романтичные и полные разнообразных мечтаний. Все произведения максимально эстетичны и имеют правильные, красивые построения и формы. В этом направлении нет места жестким линиям и геометрическим фигурам, а также чрезмерно ярким и контрастным оттенкам. При этом используются сложные конструкции и множество мелких, очень важных деталей на картине.

Романтизм в архитектуре

Архитектура эпохи романтизма похожа сама по себе на сказочные замки, и отличаются невероятной роскошью.

(Бленхеймский дворец, Англия )

Для наиболее ярких и известных построек этого времени характерно:

• применение металлоконструкций, которые были новым изобретением в этот период, и представляли собой достаточно уникальное новшество;
• сложные силуэты и конструкции, которые предполагают невероятные сочетания красивых элементов, включая башенки и эркеры;
• богатство и разнообразие архитектурных форм, обилие различных сочетаний технологий применения железных сплавов с камнем и стеклом;
• здание приобретает визуальную легкость, тонкие формы позволяют создавать даже очень большие здания с минимальной громоздкостью.

Наиболее известный мост этого периода был создан в 1779 году в Англии, и был перекинут через реку Северн. У него достаточно небольшая длина, чуть более 30 метров, но это было первое подобное сооружение. В дальнейшем были созданы мосты более 70 метров, а уже через несколько лет чугунные конструкции начали применять при строительстве зданий.

Строения имели до 4-5 этажей, а для планировок внутренних помещений характерны ассиметричные формы. Ассиметрия просматривает и в фасадах этой эпохи, а кованые решетки на окнах позволяют подчеркнуть соответствующее настроение. Можно также использовать витражные окна, что особенно актуально для церквей и соборов.

Подробности Категория: Разнообразие стилей и направлений в искусстве и их особенности Опубликовано 02.08.2015 17:33 Просмотров: 4575

Романтизм, сменив эпоху Просвещения и пройдя через сентиментализм, утвердился в европейской культуре конца XVIII-первой половины XIX вв.

Это идейно-художественное направление было противоположно классицизму и Просвещению. А предвестником романтизма был сентиментализм. Родиной романтизма является Германия.

Философия романтизма

Романтизм утверждал культ природы, чувств и естественного в человеке. Но, можете вы возразить, это же утверждал и сентиментализм. Так в чём же между ними разница?
Да, протест против бездуховности и эгоизма отражается уже в сентиментализме. Романтизм же выражает это неприятие наиболее остро. Романтизм вообще явление более сложное и противоречивое, чем сентиментализм. Если в сентиментализме идеалом является душа простого человека, которую сентименталисты видят не только равной душе аристократа, но порой и выше, и благороднее, то романтизм интересует не только добродетель, но и зло, которое он даже пытается облагородить; его интересует также диалектика добра и зла в человеке (вспомните главного героя романа М.Ю. Лермонтова «Герой нашего времени»).

М. Врубель. Иллюстрация к роману Лермонтова «Герой нашего времени». Дуэль Печорина с Грушницким

Поэты-романтики стали использовать образы ангелов, особенно падших, в своих произведениях. Например, интерес к образу демона: несколько стихотворений и поэма «Демон» у Лермонтова; цикл картин, посвящённых демону, у М. Врубеля.

М. Врубель «Демон сидящий»
Романтики стремились разгадать тайну человеческого бытия, обращаясь к природе, доверяя своему религиозному и поэтическому чувству. Но в то же время романтизм пытается даже переосмыслить религию.
Романтический герой является личностью сложной, страстной, с глубоким, но противоречивым внутренним миром – это целая вселенная. М.Ю. Лермонтов так и говорил в своём романе: «История души человеческой, хотя бы самой мелкой души, едва ли не любопытнее и не полезнее истории целого народа». Характерными чертами романтизма были интерес к сильным и ярким чувствам, всепоглощающим страстям, к тайным движениям души.
Другой особенностью романтизма является интерес к фольклору, мифу, сказке . В русском романтизме особенно популярными жанрами становятся баллада, романтическая драма. Благодаря переводам Жуковского, русские читатели познакомились с балладами, И.В. Гёте, Ф. Шиллера, В. Скотта, и после этого к жанру баллады обращаются многие поэты: А.С. Пушкин («Песнь о Вещем Олеге», «Утопленник»), М.Ю. Лермонтов («Воздушный корабль», «Русалка»), А.К. Толстой и др. И ещё один жанр литературы утвердился в России, благодаря В. Жуковскому, – элегия.
Романтиков интересовали различные исторические эпохи, их своеобразие, а также экзотические и таинственные страны и обстоятельства. Создание жанра исторического романа – также заслуга романтизма. Основоположником исторического романа является В. Скотт, но дальше этот жанр развивается в творчестве Ф. Купера, А. Виньи, В. Гюго и др.
И ещё одна особенность романтизма (далеко не единственная) – создание своего, особого мира, более прекрасного и реального, чем действительность. Романтический герой живёт в этом мире, страстно защищая свою свободу и считая, что он не подчиняется правилам внешнего мира, но только своим правилам.
В эпоху романтизма произошёл расцвет литературы. Но, в отличие от литературы сентиментализма, эта литература не отгораживалась от общественных и политических проблем.

И.К. Айвазовский, И.Е. Репин «Прощание Пушкина с морем» (1877)
Значительное место в творчестве романтиков (во всех видах искусства) занимает пейзаж – прежде всего, море, горы, небо, бурная стихия, с которой героя связывают сложные взаимоотношения. Природа может быть сродни страстной натуре романтического героя, но может и противостоять ему, оказываться враждебной силой, с которой он вынужден бороться.

И. Айвазовский «Девятый вал» (1850). Государственный Русский музей (Петербург)
В разных странах судьба романтизма имела свои особенности.

Романтизм в живописи

Т. Жерико

Многие художники из разных стран Европы писали в стиле романтизма. Но долгое время романтизм находился в борьбе с классицизмом. И только после появления картины Теодора Жерико «Плот «Медузы», которую считали новаторской, приверженцы академического стиля признали романтизм как новое художественное направление в искусстве, хотя первоначально картина была принята неодобрительно. Но именно эта картина и положила начало французскому романтизму. Во Франции были сильны традиции классицизма, и новому направлению пришлось преодолевать противодействие.

Т. Жерико «Плот «Медузы» (1819). Холст, масло. 491 х 716 см. Лувр (Париж)
Сюжет картины – история фрегата «Медуза», который из-за некомпетентности капитана потерпел крушение у берегов Сенегала в 1816 г. 140 пассажиров и членов команды попытались спастись, высадившись на плот. Только на 12-ый день их подобрал бриг «Аргус», но в живых остались лишь 15 человек. В 1817 г. двое из них инженер Корреар и хирург Анри Савиньи) напишут книгу об этой трагедии.
Теодор Жерико, как и многие другие, был потрясён произошедшим с «Медузой». Он беседует с очевидцами события, делает зарисовки казнённых и умирающих, пишет сотни этюдов бушующего моря. И хотя картина отличается монохромным цветом, главное её достоинство – в глубоком психологизме изображённой на полотне ситуации.
Другим предводителем романтического направления в европейской живописи был французский живописец и график Эжен Делакруа.

Эжен Делакруа «Автопортрет» (1837)
Его картина «Свобода, ведущая народ» (1830) создана по мотивам июльской революции 1830 г., положившей конец режиму Реставрации монархии Бурбонов.
Изображённая в центре картины женщина символизирует свободу. На голове у неё фригийский колпак (символ свободы или революции), в правой руке флаг республиканской Франции, в левой – ружьё. Обнаженная грудь символизирует самоотверженность французов того времени, которые с «голой грудью» шли на врага. Вокруг Свободы рабочий, буржуа, подросток, которые символизируют единство французского народа во время июльской революции. Некоторые искусствоведы и критики предполагают, что в виде мужчины в цилиндре слева от главной героини художник изобразил себя.

О. Кипренский «Автопортрет» (1828)
Орест Адамович Кипренский (1782-1836) – знаменитый русский художник, график и живописец, мастер портрета .

О. Кипренский «Портрет А.С. Пушкина» (1827). Холст, масло. 63 х 54 см. Государственная Третьяковская галерея (Москва)
Это, пожалуй, самый известный портрет Пушкина, заказанный художнику другом Пушкина, Дельвигом. На полотне Пушкин изображён по пояс, со скрещёнными на груди руками. На правое плечо поэта накинут клетчатый шотландский плед – именно этой деталью художник обозначает связь Пушкина с Байроном, кумиром эпохи романтизма.

К. Брюллов «Автопортрет» (1848)
Творчество русского художника К. Брюллова относят к академизму , но некоторые его картины являются вершиной позднего русского романтизма, с их ощущением трагизма и конфликтности жизни, интересом к сильным страстям, необычайным темам и ситуациям и к судьбам огромных человеческих масс.

К. Брюллов «Последний день Помпеи» (1830-1833). Холст, масло. 465,5 х 651 см. Государственный Русский музей (Петербург)
Брюллов соединил в картине драматизм действия, романтические эффекты освещения и скульптурную, классически совершенную пластику фигур.
На картине изображено известное извержение вулкана Везувий в 79 г. н. э. и разрушение города Помпеи близ Неаполя. «Последний день Помпеи» иллюстрирует романтизм русской живописи, смешанный с идеализмом, повышенным интересом к пленэру и тяготеющий к подобным историческим сюжетам. Свойственный романтизму глубокий психологизм помогает в каждом персонаже увидеть личность: добропорядочную и самоотверженную (группа людей в правом нижнем углу картины, несущая пожилого человека), жадную (фигура в белом, несущая украденное под шумок чьё-то имущество), любящую (юноша в правой части картины, старающийся спасти возлюбленную), преданную (мать, обнимающая дочерей в нижнем левом углу картины) и т.д.
Изображение художника в левом углу картины является автопортретом автора.
А вот брат художника, Брюллов Александр Павлович , был представителем романтизма в архитектуре (хотя был также и художником).

А. Брюллов «Автопортрет» (1830)
Он создавал проекты зданий в Петербурге и его окрестностях.

Здание Михайловского театра также построено по проекту А. Брюллова.

Православный храм святых апостолов Петра и Павла в посёлке Парголово (ныне территория Санкт-Петербурга)

Романтизм в музыке

М. Водзинская «Портрет Ф. Шопена» (1835)

Сложившись в 1820-е годы, романтизм в музыке захватил весь XIX в. и представлен целой плеядой талантливейших композиторов, из которых даже трудно выделить кого-то или нескольких, чтобы не обидеть других. Поэтому постараемся назвать как можно больше имён. Виднейшими представителями романтизма в музыке являются Франц Шуберт, Ференц Лист, а также поздние романтики Антон Брукнер и Густав Малер (Австро-Венгрия); Людвиг ван Бетховен (отчасти), Иоганнес Брамс, Рихард Вагнер, Анна Мария Вебер, Роберт Шуман, Феликс Мендельсон (Германия); Фредерик Шопен (Польша); Никколо Паганини, Винченцо Беллини, ранний Джузеппе Верди (Италия); А. А. Алябьев, М. И. Глинка, А.С. Даргомыжский, М.А. Балакирев, Н. А. Римский-Корсаков, М.П. Мусоргский, А.П. Бородин, Ц.А. Кюи, П. И. Чайковский (Россия).

Й. Крихубер «Портрет Р. Шумана» (1849)
Композиторы-романтики старались с помощью музыкальных средств выразить глубину и богатство внутреннего мира человека. Музыка становится более рельефной, индивидуальной. Получают развитие песенные жанры, в том числе баллада.

Основной проблемой романтической музыки является проблема личности в её конфликте с окружающим миром. Романтический герой всегда одинок. Тема одиночества – самая популярная во всем романтическом искусстве. Очень часто с ней связана мысль о творческой личности: человек одинок, когда он является именно незаурядной, одаренной личностью. Артист, поэт, музыкант – излюбленные герои в произведениях романтиков («Любовь поэта» Шумана, «Фантастическая симфония» Берлиоза с её подзаголовком- «Эпизод из жизни артиста», симфоническая поэма Листа «Тассо»).

П.И. Чайковский
Романтической музыке, как и другим видам романтического искусства, присущ глубокий интерес к человеческой личности, преобладание в музыке личного тона. Часто музыкальные произведения были с оттенком автобиографичности, который вносил в музыку особую искренность. Например, многие фортепианные произведения Шумана связаны с историей его любви к Кларе Вик. Автобиографический характер своих опер подчеркивал Вагнер. Автобиографичной можно назвать и музыку Шопена, который тоску по родине (Польше) выразил в своих мазурках, полонезах, балладах. Глубоко любивший Россию и русскую природу П.И. Чайковский во многих свои произведениях рисует картины природы, а цикл пьес для фортепьяно «Времена года» полностью ей посвящён.

Романтизм в литературе

Братья Гримм: Вильгельм и Якоб

Романтизм впервые возник в Германии, в кругу писателей и философов йенской школы. Это группа деятелей романтического движения, собравшихся в 1796 г. в университетском городе Йена (братья Август Вильгельм и Фридрих Шлегели, Людвиг Тик, Новалис). Они начинают выпускать журнал «Атенеум», где формулируют собственную эстетическую программу романтизма. В дальнейшем немецкий романтизм отличается интересом к сказочным и мифологическим мотивам (творчество братьев Вильгельма и Якоба Гримм, Гофмана).

Р. Уэстолл «Портрет Байрона»
Ярким представителем английского романтизма является Д.Г. Байрон, который, по выражению А.С. Пушкина «облек в унылый романтизм и безнадежный эгоизм». Его творчество проникнуто пафосом борьбы и протеста против современного мира, воспеванием свободы и индивидуализма.
К английскому романтизму относится творчество Шелли, Джона Китса, Уильяма Блейка.

Проспер Мериме
Романтизм получил распространение и в других европейских странах. Во Франции его представителями являются Шатобриан, Ж. Сталь, Ламартин, Виктор Гюго, Альфред де Виньи, Проспер Мериме, Жорж Санд. В Италии – Н.У. Фосколо, А. Мандзони. В Польше – Адам Мицкевич, Юлиуш Словацкий и др., в США – Вашингтон Ирвинг, Фенимор Купер, Эдгар По, Генри Лонгфелло и др.

Адам Мицкевич

Романтизм в русской литературе

К. Брюллов «Портрет В. Жуковского»

К поэтам-романтикам относятся К. Н. Батюшков, Е. А. Баратынский, Н. М. Языков. Ранняя поэзия А. С. Пушкина – в рамках романтизма. Вершиной русского романтизма считается поэзия М. Ю. Лермонтова, которого называли «русским Байроном».

П. Заболотский. «Портрет М.Ю. Лермонтова в ментике лейб-гвардии Гусарского полка» (1837)
Личность и душа – главные реальности бытия для Лермонтова, исследование личности и души человеческой – главная тема его произведений. Исследуя истоки добра и зла, Лермонтов приходит к выводу, что и добро, и зло существуют не вне человека, а в нём самом. Поэтому невозможно надеяться на то, что человек изменится к лучшему в результате изменения мира. Отсюда почти полное отсутствие у поэта призывов к борьбе за социальную справедливость. Главное внимание у Лермонтова – к душе человека и его духовному пути.
Философская лирика Ф. И. Тютчева завершает романтизм в России.

Ф. И. Тютчев (1860-1861). Фотография С. Левицкого
Ф.И. Тютчев не считал себя поэтом (он служил дипломатом), но вся его поэзия автобиографична и полна философских размышлений о мире и человеке в нём, о противоречиях, терзающих душу человека, о смысле жизни и смерти.

Молчи, скрывайся и таи
И чувства, и мечты свои –
Пускай в душевной глубине
Встают и заходят оне
Безмолвно, как звезды в ночи, –
Любуйся ими – и молчи.

Как сердцу высказать себя?
Другому как понять тебя?
Поймёт ли он, чем ты живёшь?
Мысль изречённая есть ложь.
Взрывая, возмутишь ключи, –
Питайся ими – и молчи.

Лишь жить в себе самом умей –
Есть целый мир в душе твоей
Таинственно-волшебных дум;
Их оглушит наружный шум,
Дневные разгонят лучи,-
Внимай их пенью – и молчи!..
_______________
* Молчание! (лат.)

Мы уже не раз говорили о том, что не всегда художник, поэт или композитор работает в одном каком-то художественном стиле. Кроме того, художественный стиль не всегда укладывается в определённый временной отрезок. Таким образом, черты любого художественного стиля можно встретить в любое время. Иногда это мода (например, совсем недавно вдруг снова стал популярен стиль ампир), иногда – потребность художника именно в таком способе самовыражения.

Романтизм как направление в живописи сформировался в Западной Европе еще в конце XVIII в. Своего расцвета романтизм в искусстве большей части западноевропейских стран достиг в 20-30-х гг. 19 столетия.

Сам термин «романтизм» берет начало от слова «роман» (в 17 столетии романами именовали литературные произведения, написанные не на латыни, а на происходящих от нее языках - французском, английском и др.). Позднее романтическим стали называть все непонятное и загадочное.

Как явление культуры романтизм сформировался из особого мировосприятия, порожденного итогами Великой французской революции. Разочарованные в идеалах эпохи Просвещения, романтики, стремившиеся к гармонии и целостности, создавали новые эстетические идеалы и художественные ценности. Главным объектом их внимания стали выдающиеся персонажи со всеми их переживаниями и стремлением к свободе. Герой романтических про-зведений - незаурядный человек, оказавшийся по воле судьбы в сложных жизненных обстоятельствах.

Хотя романтизм возник как протест против искусства классицизма, он был во многом близок последнему. Романтиками отчасти являлись такие представители классицизма, как Н. Пуссен, К. Лоррен, Ж. О. Д. Энгр.

Романтики внесли в живопись своеобразные национальные черты, т. е. то, чего не хватало искусству классицистов.
Крупнейшим представителем французского романтизма был Т. Жерико.

Теодор Жерико

Теодор Жерико, великий французский живописец, скульптор и график, родился в 1791 г. в Руане в состоятельной семье. Талант художника проявился в нем довольно рано. Часто, вместо того чтобы присутствовать на занятиях в школе, Жерико сидел в конюшне и рисовал лошадей. Уже тогда он стремился не только перенести на бумагу внешние черты животных, но и передать их нрав и характер.

Окончив лицей в 1808 г., Жерико становится учеником известного в то время мастера живописи Карла Верне, который славился умением изображать на полотне лошадей. Однако стиль Верне не понравился молодому художнику. Вскоре он оставляет мастерскую и поступает на обучение к другому, не менее талантливому живописцу, чем Верне, П. Н. Герену. Обучаясь у двух знаменитых художников, Жерико тем не менее не стал продолжателем их традиций в живописи. Его настоящими учителями скорее всего нужно считать Ж. А. Гро и Ж. Л. Давида.

Ранние произведения Жерико отличаются тем, что они максимально приближены к жизни. Подобные картины необычайно выразительны и патетичны. В них видно восторженное настроение автора при оценке окружающего мира. В качестве примера можно привести картину под названием «Офицер императорских конных егерей во время атаки», созданную в 1812 г. Это полотно впервые увидели посетители парижского Салона. Они с восхищением приняли работу молодого художника, по достоинству оценив талант юного мастера.

Произведение было создано в тот период французской истории, когда Наполеон находился в зените славы. Современники боготворили его, великого императора, сумевшего покорить себе большую часть Европы. Именно с таким настроением, под впечатлением побед армии Наполеона и писалась картина. На полотне показан скачущий на коне в атаку солдат. Его лицо выражает решительность, отвагу и бесстрашие перед лицом смерти. Вся композиция
необычайно динамична и эмоциональна. У зрителя создается ощущение, что он сам становится реальным участником событий, изображенных на полотне.

Фигура отважного солдата еще не раз будет возникать в творчестве Жерико. Среди подобных образов особенный интерес представляют герои картин «Офицер карабинеров», «Офицер кирасир перед атакой», «Портрет карабинера», «Раненый кирасир», созданных в 1812-1814 гг. Последняя работа замечательна тем, что она была представлена на очередной выставке, проходящей в Салоне в том же году. Однако не это является главным достоинством композиции. Более важным стало то, что она показала перемены, произошедшие в творческом стиле художника. Если в первых его полотнах были отражены искренние патриотические чувства, то в произведениях, относящихся к 1814 г., патетика в изображении героев сменяется драматизмом.

Подобное изменение настроения художника опять же было связано с происходящими в то время во Франции событиями. В 1812 г. Наполеон потерпел поражение в России, в связи с чем он, бывший некогда блестящим героем, приобретает у современников славу неудачливого военачальника и спесивого гордеца. Разочарованние в идеале Жерико воплощает в картине «Раненый кирасир». На полотне изображен раненый воин, пытающийся скорей покинуть поле брани. Он опирается на саблю - оружие, которое, может быть, всего несколько минут назад держал, высоко подняв вверх.

Именно неудовлетворением Жерико политикой Наполеона было продиктовано его поступление на службу к Людовику XVIII, занявшему французский трон в 1814 г. С пессимистическими настроениями было связано и то, что после второго захвата власти во Франции Наполеоном (период Ста дней) молодой художник покидает родную страну вместе с Бурбонами. Но и здесь его ждало разочарование. Юноша не мог спокойно наблюдать за тем, как король уничтожает все, что было достигнуто за время правления Наполеона. Кроме того, при Людовике XVIII произошло усиление феодально-католической реакции, страна все быстрее откатывалась назад, возвращаясь к старому государственному устройству. Этого не мог принять молодой, прогрессивно мыслящий человек. Очень скоро разуверившийся в идеалах юноша оставляет армию, возглавляемую Людовиком XVIII, и вновь берется за кисти и краски. Эти годы нельзя назвать яркими и чем-либо примечательными в творчестве художника.

В 1816 г. Жерико отправляется в путешествие по Италии. Побывав в Риме и Флоренции и изучив шедевры знаменитых мастеров, художник увлекается монументальной живописью. Особенно занимают его внимание фрески Микеланджело, украсившие Сикстинскую капеллу. В это время Жерико были созданы произведения, своей масштабностью и величественностью во многом напоминающие полотна живописцев Высокого Возрождения. Среди них наибольший интерес представляют «Похищение нимфы кентавром» и «Человек, повергающий быка».

Те же черты манеры старых мастеров видны и в картине «Бег свободных лошадей в Риме», написанной приблизительно в 1817 г. и представляющей состязания всадников на одном из карнавалов, проходящих в Риме. Особенностью данной композиции является то, что она составлялась художником из предварительно сделанных натурных рисунков. Причем характер набросков заметно отличается от стиля всего произведения. Если первые представляют собой сцены, описывающие жизнь римлян - современников художника, то в общей композиции даны образы мужественных античных героев, словно вышедших из древних повествований. В этом Жерико идет по пути Ж. Л. Давида, который для придания изображению героического пафоса облекал своих героев в античные формы.

Вскоре после написания этой картины Жерико возвращается во Францию, где становится членом оппозиционного кружка, сформировавшегося вокруг живописца Ораса Верне. По приезде в Париж художника особенно заинтересовала графика. В 1818 г. он создает ряд литографий на военную тему, среди которых наиболее значимой была «Возвращение из России». Литография представляет бредущих по заснеженному полю побежденных солдат французской армии. Жизненно и правдиво изображены фигуры искалеченных и измученных войной людей. В композиции нет па¬тетики и героического пафоса, что было характерно для ранних работ Жерико. Художник стремится отразить реальное положение вещей, все те бедствия, которые пришлось пережить на чужбине брошенным своим полководцем французским воинам.

В произведении «Возвращение из России» впервые прозвучала тема борьбы человека со смертью. Однако здесь этот мотив выражен еще не так ярко, как в более поздних произведениях Жерико. Примером таких полотен может быть картина, получившая название «Плот «Медузы»». Написана она была в 1819 г. и в том же году выставлена в парижском Салоне. На полотне изображены люди, борющиеся с разбушевавшейся водной стихией. Художником показаны не только их страдания и муки, но и стремление во что бы то ни стало выйти победителями в схватке со смертью.

Сюжет композиции продиктован событием, произошедшим летом 1816 г. и взволновавшим всю Францию. Знаменитый тогда фрегат «Медуза» налетел на рифы и затонул у берегов Африки. Из 149 человек, находившихся на корабле, спастись смогли только 15, среди которых оказались хирург Савиньи и инженер Корреар. По прибытии на родину они выпустили небольшую книгу, рассказывающую об их приключениях и счастливом спасении. Именно из этих воспоминаний французы узнали о том, что несчастье случилось по вине неопытного капитана судна, попавшего на борт благодаря протекции знатного друга.

Образы, созданные Жерико, необычайно динамичны, пластичны и выразительны, что достигнуто художником благодаря долгой и кропотливой работе. Для того чтобы правдиво изобразить на полотне страшные события, передать чувства людей, гибнущих в море, художник встречается с очевидцами трагедии, длительное время изучает лица изможденных больных, находящихся на лечении в одном из госпиталей Парижа, а также моряков, сумевших спастись после кораблекрушений. В это время живописцем было создано большое количество портретных работ.

Глубоким смыслом наполнено и разбушевавшееся море, как будто пытающееся поглотить деревянный непрочный плот с людьми. Этот образ необычайно экспрессивен и динамичен. Он так же, как и фигуры людей, списан с натуры: художником было выполнено несколько этюдов с изображением моря во время бури. Работая над монументальной композицией, Жерико не раз обращался к подготовленным ранее этюдам, чтобы во всей полноте отразить характер стихии. Вот почему картина производит на зрителя огромное впечатление, убеждает его в реалистичности и правдивости происходящего.

«Плот «Медузы»» представляет Жерико как замечательного мастера композиции. Долгое время художник размышлял над тем, как расположить фигуры в картине, чтобы наиболее полно выразить авторский замысел. В ходе работы было внесено несколько изменений. Эскизы, предшествующие картине, говорят о том, что первоначально Жерико хотел изобразить борьбу находящихся на плоту людей друг с другом, но позднее отказался от такой трактовки события. В окончательном варианте полотно представляет тот момент, когда уже отчаявшиеся люди видят на горизонте судно «Аргус» и протягивают к нему руки. Последним дополнением к картине стала размещенная внизу, с правой стороны полотна, человеческая фигура. Именно она явилась заключительным штрихом композиции, которая приобрела после этого глубоко трагичный характер. Примечательно то, что это изменение было внесено тогда, когда картина уже находилась на выставке в Салоне.

Своей монументальностью и повышенной эмоциональностью картина Жерико во многом напоминает творение мастеров Высокого Возрождения (в большей степени «Страшный суд» Микеланджело), с которыми художник познакомился во время путешествия по Италии.

Картина «Плот «Медузы»», ставшая шедевром французской живописи, имела огромный успех в оппозиционных кругах, которые видели в ней отражение революционных идеалов. По тем же причинам произведение не было принято в среде высшей знати и официальными представителями изобразительного искусства Франции. Именно поэтому в то время полотно не было выкуплено государством у автора.

Разочарованный приемом, оказанным его творению на родине, Жерико отправляется в Англию, где представляет свою любимую работу на суд англичан. В Лондоне ценители искусства приняли знаменитое полотно с большим восторгом.

Жерико сближается с английскими художниками, покоряющими его своим умением искренне и правдиво изображать действительность. Жизни и быту столицы Англии Жерико посвящает цикл литографий, среди которых наибольший интерес представляют работы, получившие названия «Большая английская сюита» (1821) и «Старый нищий, умирающий у дверей булочной» (1821). В последней художник изобразил лондонского бродягу, в образе которого отразились впечатления, полученные живописцем в процессе изучения жизни людей в рабочих кварталах города.

В этот же цикл вошли такие литографии, как «Фландрский кузнец» и «У ворот Адельфинской верфи», представляющие зрителю картину жизни простых людей Лондона. Интересны в этих работах изображения лошадей, тяжеловесных и грузных. Они заметно отличаются от тех грациозных и изящных животных, что были написаны другими художниками - современниками Жерико.

Находясь в столице Англии, Жерико занимается созданием не только литографий, но и живописных произведений. Одной из наиболее ярких работ этого периода стало полотно «Скачки в Эпсоме», созданное в 1821 г. В картине художник изображает несущихся во весь опор лошадей, причем ноги их совсем не касаются земли. Этот хитрый прием (фотография доказала, что такого положения ног у лошадей во время бега быть не может, это фантазия художника) мастер использует для того, чтобы придать композиции динамизм, создать у зрителя впечатление молниеносного движения лошадей. Это ощущение усиливается за счет точной передачи пластики (позы, жестов) человеческих фигур, а также использования ярких и сочных цветовых сочетаний (рыжие, гнедые, белые кони; насыщенно-синие, темно-красные, бело-голубые и золотисто-желтые куртки жокеев).

Тема скачек, давно привлекавшая внимание живописца своей особой экспрессией, не раз повторялась в произведениях, созданных Жерико после завершения работы над «Скачками в Эпсоме».

К 1822 г. художник покидает Англию и возвращается в родную Францию. Здесь он занимается созданием больших полотен, подобных произведениям мастеров Возрождения. Среди них «Торговля неграми», «Открытие дверей тюрьмы инквизиции в Испании». Эти картины так и остались неоконченными - смерть помешала Жерико завершить работу.

Особый интерес представляют портреты, создание которых ученые-искусствоведы относят к периоду с 1822 по 1823 г. История их написания заслуживает особенного внимания. Дело в том, что эти портреты были заказаны другом художника, работавшим психиатром в одной из клиник Парижа. Они должны были стать своеобразными иллюстрациями, демонстрирующими различные психические заболевания человека. Так были написаны портреты «Сумасшедшая старуха», «Сумасшедший», «Сумасшедший, воображающий себя полководцем». Для мастера живописи здесь было важно не столько показать внешние признаки и симптомы заболевания, сколько передать внутреннее, душевное состояние больного человека. На полотнах перед зрителем появляются трагические образы людей, глаза которых наполнены болью и скорбью.

Среди портретов Жерико особое место занимает портрет негра, находящийся в настоящее время в коллекции Руанского музея. С полотна на зрителя смотрит решительный и волевой человек, готовый до конца сражаться с враждебными ему силами. Образ необычайно ярок, эмоционален и выразителен. Человек на этой картине очень похож на тех сильных духом героев, которые были показаны Жерико ранее в больших композициях (например, на полотне «Плот «Медузы»»).

Жерико был не только мастером живописи, но и превосходным ваятелем. Его произведения в этом виде искусства в начале XIX столетия представляли собой первые образцы романтических скульптур. Среди подобных работ особенный интерес представляет необычайно экспрессивная композиция «Нимфа и Сатир». Застывшие в движении образы точно передают пластику человеческого тела.

Теодор Жерико трагически погиб в 1824 г. в Париже, разбившись при падении с лошади. Его ранняя смерть была неожиданностью для всех современников знаменитого художника.

Творчество Жерико ознаменовало собой новый этап в развитии живописи не только Франции, но и мирового искусства - период романтизма. В своих работах мастер преодолевает влияние классицистических традиций. Его произведения необычайно колоритны и отражают все многообразие мира природы. Вводя в композицию человеческие фигуры, художник стремится к тому, чтобы как можно полнее и ярче раскрыть внутренние переживания и эмоции человека.

После смерти Жерико традиции его романтического искусства были подхвачены младшим современником художника - Э. Делакруа.

Эжен Делакруа

Фердинанд Виктор Эжен Делакруа, знаменитый французский художник и график, продолжатель традиций романтизма, сложившихся в творчестве Жерико, родился в 1798 г. Не окончив образование в императорском лицее, в 1815 г. Делакруа поступает на обучение к известному мастеру Герену. Однако художественные методы молодого живописца не соответствовали требованиям учителя, поэтому спустя семь лет юноша покидает его.

Учась у Герена, Делакруа много времени уделяет изучению творчества Давида и мастеров живописи эпохи Возрождения. Культуру античности, традициям которой следовал и Давид, он считает основополагающей для развития мирового искусства. Поэтому эстетическими идеалами для Делакруа были произведения поэтов и мыслителей Древней Греции, среди них особенно высоко художник ценил сочинения Гомера, Горация и Марка Аврелия.

Первыми работами Делакруа были неоконченные полотна, где молодой живописец стремился отразить борьбу греков с турками. Однако художнику не хватало мастерства и опыта, чтобы создать выразительную картину.

В 1822 г. Делакруа выставляет в парижском Салоне свою работу под названием «Данте и Вергилий». Это полотно, необычайно эмоциональное и яркое по цветовой гамме, во многом напоминает работу Жерико «Плот «Медузы»».

Спустя два года на суд зрителей Салона была представлена еще одна картина Делакруа - «Резня на Хиосе». Именно в ней воплотился давний замысел художника показать борьбу греков с турками. Общая композиция картины складывается из нескольких частей, которые образуют размещенные по отдельности группы людей, каждая из них имеет свой драматический конфликт. В целом произведение производит впечатление глубокого трагизма. Ощущение напряженности и динамизма усиливается за счет сочетания плавных и резких линий, образующих фигуры персонажей, что приводит к изменению пропорции изображаемого художником человека. Однако именно благодаря этому картина приобретает реалистичный характер и жизненную убедительность.

Творческий метод Делакруа, в полной мере выразившийся в «Резне на Хиосе», далек от классицистического стиля, принятого тогда в официальных кругах Франции и среди представителей изобразительного искусства. Поэтому картина молодого художника была встречена в Салоне резкой критикой.

Несмотря на неудачу, живописец остается верен своему идеалу. В 1827 г. появляется еще одно произведение, посвященное теме борьбы греческого народа за независимость, - «Греция на развалинах Миссолонги». Фигура решительной и гордой гречанки, выведенная на полотне, олицетворяет здесь непокоренную Грецию.

В 1827 г. Делакруа исполнил две работы, которые отразили творческие поиски мастера в области средств и способов художественного выражения. Это полотна «Смерть Сарданапала» и «Марино Фальеро». На первом из них трагизм ситуации передан в движении человеческих фигур. Статичным и спокойным является здесь лишь образ самого Сарданапала. В композиции «Марино Фальеро» динамична только фигура главного персонажа. Остальные же герои словно застыли от ужаса при мысли о том, что должно произойти.

В 20-е гг. XIX в. Делакруа выполнил ряд произведений, сюжеты которых взяты из известных литературных сочинений. В 1825 г. художник побывал в Англии, на родине Уильяма Шекспира. В том же году под впечатлением этого путешествия и трагедии знаменитого драматурга Делакруа была выполнена литография «Макбет». В период с 1827 по 1828 г. он создал литографию «Фауст», посвященную одноименному сочинению Гёте.

В связи с событиями, происходившим во Франции в 1830 г., Делакруа исполнил полотно «Свобода, ведущая народ». Революционная Франция представлена в образе молодой, сильной женщины, властной, решительной и независимой, смело ведущей за собой толпу, в которой выделяются фигуры рабочего, студента, раненого бойца, парижского гамена (образ, предвосхитивший Гавроша, появившегося позднее в «Отверженных» В. Гюго).

Данное произведение заметно отличалось от подобных работ других художников, которых интересовала только правдивая передача того или иного события. Для полотен, созданных Делакруа, был характерен высокий героический пафос. Образы являются здесь обобщенными символами свободы и независимости французского народа.

С приходом к власти Луи Филиппа - короля-буржуа-героизму и возвышенным чувствам, проповедуемым Делакруа, не нашлось места в современной жизни. В 1831 г. художник предпринимает поездку по странам Африки. Он побывал в Танжере, Мекнесе, Оране и Алжире. В то же время Делакруа посещает Испанию. Жизнь Востока буквально завораживает художника своим стремительным течением. Он создает наброски, рисунки и ряд акварельных работ.

Побывав в Марокко, Делакруа пишет полотна, посвященные Востоку. Картины, на которых художник показывает скачки или битву всадников-мавров, необычайно динамичны и выразительны. В сравнении с ними композиция «Алжирские женщины в своих покоях», созданная в 1834 г., кажется спокойной и статичной. В ней нет того стремительного динамизма и напряженности, свойственных более ранним работам художника. Делакруа предстает здесь мастером колорита. Цветовая гамма, используемая живописцем, во всей полноте отражает яркое многообразие палитры, ассоциирующееся у зрителя с красками Востока.

Той же неторопливостью и размеренностью отличается полотно «Еврейская свадьба в Марокко», написанное приблизительно в 1841 г. Таинственная восточная атмосфера создается здесь благодаря точной передаче художником своеобразия национального интерьера. Композиция кажется удивительно динамичной: живописец показывает, как люди движутся по лестнице и входят в помещение. Свет, проникающий в комнату, придает изображению реалистичность и убедительность.

Восточные мотивы долго еще присутствовали в произведениях Делакруа. Так, на выставке, организованной в Салоне в 1847 г., из шести представленных им работ пять были посвящены жизни и быту Востока.

В 30-40-е гг. 19 столетия в творчестве Делакруа появляются новые темы. В это время мастер создает произведения исторической тематики. Среди них особенного внимания заслуживают полотна «Протест Мирабо против роспуска генеральных штатов» и «Буасси д’Англа». Эскиз последнего, показанный в 1831 г. в Салоне, представляет собой яркий образец композиций на тему народного восстания.

Изображению народа посвящены картины «Битва при Пуатье» (1830) и «Битва при Тайбуре» (1837). Со всей реалистичностью показана здесь динамика битвы, движение людей, их разъяренность, злоба и страдания. Художник стремится передать эмоции и страсти человека, охваченного желанием победить во что бы то ни стало. Именно фигуры людей являются главными при передаче драматического характера происходящего события.

Очень часто в произведениях Делакруа победитель и побежденный оказываются резко противопоставленными друг другу. Особенно хорошо это видно на полотне «Взятие Константинополя крестоносцами», написанном в 1840 г. На переднем плане выведена группа людей, охваченных горем. За их спинами - восхитительный, чарующий своей красотой пейзаж. Здесь же размещены фигуры всадников-победителей, чьи грозные силуэты контрастируют со скорбными фигурами на переднем плане.

«Взятие Константинополя крестоносцами» представляет Делакруа как замечательного колориста. Яркие и насыщенные краски, однако, не усиливают трагическое начало, выразителями которого являются скорбные фигуры, расположенные близко к зрителю. Напротив, богатая палитра создает ощущение праздника, устроенного в честь победителей.

Не менее красочна композиция «Правосудие Траяна», созданная в том же 1840 г. Современники художника признали эту картину одной из лучших среди всех полотен живописца. Особый интерес представляет тот факт, что в ходе работы мастер экспериментирует в области цвета. Даже тени приобретают у него разнообразные оттенки. Все краски композиции точно соответствуют натуре. Выполнению произведения предшествовали долгие наблюдения живописца за изменениями оттенков в природе. Художник заносил их в дневник. Затем по записям ученые подтвердили, что открытия, сделанные Делакруа в области тональности, полностью соответствовали родившемуся в то время учению о цвете, основоположником которого является Э. Шеврёйль. Кроме того, свои открытия художник сверяет с палитрой, используемой венецианской школой, которая являла для него пример живописного мастерства.

Среди полотен Делакруа особое место занимают портреты. Мастер редко обращался к этому жанру. Он писал только тех людей, с которыми был знаком в течение длительного времени, чье духовное развитие происходило на глазах у художника. Поэтому образы на портретах очень выразительны и глубоки. Таковыми являются портреты Шопена и Жорж Санд. На полотне, посвященном известной писательнице (1834), изображена благородная и сильная духом женщина, восхищающая современников. Портрет Шопена, написанный четырьмя годами позднее, в 1838 г., представляет поэтический и одухотворенный образ великого композитора.

Интересен и необычайно выразителен портрет известного скрипача и композитора Паганини, написанный Делакруа приблизительно в 1831 г. Музыкальный стиль Паганини во многом был схож с живописным методом художника. Для творчества Паганини характерна та же экспрессия и напряженная эмоциональность, которые были свойственны произведениям живописца.

Пейзажи занимают в творчестве Делакруа небольшое место. Однако они оказались очень значимыми для развития французской живописи второй половины XIX столетия. Ландшафты Делакруа отмечены стремлением точно передать свет и неуловимую жизнь природы. Яркими примерами того могут служить полотна «Небо», где ощущение динамики создается благодаря плывущим по небу белоснежным облакам, и «Море, видимое с берегов Дьеппа» (1854) , в котором живописец виртуозно передает скольжение легких парусников по поверхности моря.

В 1833 г. художник получает заказ от французского короля на роспись зала в Бурбонском дворце. Работа над созданием монументального произведения длилась в течение четырех лет. При выполнении заказа живописец руководствовался прежде всего тем, чтобы образы были предельно простыми и лаконичными, понят¬ными зрителю.
Последней работой Делакруа стала роспись капеллы Святых ангелов в церкви Сен-Сюльпис в Париже. Она была выполнена в период с 1849 по 1861 г. Используя яркие, сочные краски (розовую, ярко-синюю, сиреневую, размещенные на пепельно-голубом и желто-коричневом фоне), художник создает в композициях ра-достное настроение, вызывающее у зрителя чувство восторженного ликования. Пейзаж, включенный в картину «Изгнание Илиодора из храма» в качестве своеобразного фона, визуально увеличивает пространство композиции и помещения капеллы. С другой стороны, как бы стремясь подчеркнуть и замкнутость пространства, Делакруа вводит в композицию лестницу и балюстраду. Размещенные за ней фигуры людей кажутся почти плоскими силуэтами.

Скончался Эжен Делакруа в 18 63 г. в Париже.

Делакруа был самым образованным среди живописцев первой половины XIX столетия. Многие сюжеты его картин взяты из литературных произведений знаменитых мастеров пера. Интересен тот факт, что чаще всего художник писал своих героев, не используя при этом модель. Этому же он стремился научить и последователей. По мнению Делакруа, живопись представляет собой нечто более сложное, чем примитивное копирование линий. Художник считал, что искусство прежде всего заключается в умении выразить настроение и творческий замысел мастера.

Делакруа является автором нескольких теоретических работ, посвященных вопросам цвета, метода и стиля художника. Эти труды служили для живописцев последующих поколений маяком в поиске собственных художественных средств, используемых для создания композиций.

Искусство романтизма формируется в полемике с классицизмом. В социальном аспекте появление романтизма связывают с Великой французской революцией XVIII в., он возникает как реакция всеобщего воодушевления по поводу ее начала, но и как глубокое разочарование в возможностях человека при ее поражении. Более того, немецкий романтизм позднее считали бескровным вариантом Французской революции.

Как идейно-художественное течение романтизм заявляет о себе в первой половине XIX в. Он возникает в первую очередь как литературное направление - здесь активность романтиков высока и успешна. Не менее значительна музыка того времени: вокал, инструментальная музыка, музыкальный театр (опера и балет) романтизма составляют и сегодня основу репертуара. Однако в изобразительных и пространственных искусствах романтизм проявил себя менее ярко и по количеству созданных произведений, и по их уровню. Живопись романтизма доходит до уровня шедевров в Германии и Франции, остальная Европа отстает. Об архитектуре романтизма и говорить не принято. Некоторое своеобразие здесь обнаруживает только садово-парковое искусство, да и то романтики развивают здесь идею английского ландшафтного, или природного, парка. Есть место также некоторым неоготическим тенденциям романтики видели свое искусство в ряду: готика - барокко - романтизм. Такой неоготики немало в славянских странах.

Изобразительное искусство романтизма

В XVIII в. термин "романтический" обозначал "странный", "фантастический", "живописный". Несложно заметить, что слова "романс", "роман" (рыцарский) этимологически очень близки.

В XIX в. термин трактовали как название литературного течения, противоположного по своим установкам классицизму.

В изобразительных искусствах романтизм интересно проявил себя в живописи и графике, менее отчетливо - в скульптуре. Наиболее последовательная школа романтизма сложилась во Франции, где шла упорная борьба с догматизмом и отвлеченным рационализмом в официальном искусстве в духе академического классицизма. Основателем романтической школы живописи явился Теодор Жери- ко (1791-1824). Он обучался у мастеров классицизма, но, сохранив от классицизма тяготение к обобщенно героизированным образам, Жерико впервые выразил в живописи чувство конфликтности мира, стремление к экспрессивному выражению значительных событий современности. Уже первые произведения художника обнаруживают высокую эмоциональность, "нерв" эпохи наполеоновских войн, в которых было много бравады ("Офицер конных егерей императорской гвардии, идущий в атаку", "Раненый кирасир, покидающий поля боя"). Они отмечены трагическим мироощущением, чувством растерянности. Герои классицизма таких чувств не испытывали или не выражали их публично и не эстетизировали уныние, растерянность, тоску. Живописные полотна художников романтизма написаны динамично, в колорите преобладает темный тон, который оживляется интенсивными цветовыми акцентами, стремительными пастозными мазками.

Жерико создает невероятно динамичную картину "Бег свободных коней в Риме". Здесь он превосходит по убедительности передачи движения всех предыдущих художников. Одно из главных произведений Жерико - картина "Плот Медузы". В ней он изображает реальные факты, но с такой силой обобщения, что современники увидели в ней не образ одного конкретного кораблекрушения, но всей Европы, находящейся в отчаянии. И лишь отдельные, самые стойкие люди продолжают борьбу за выживание. Художник показывает сложную гамму человеческих чувств - от мрачного отчаяния до бурного взрыва надежды. Динамика данного полотна определяется диагональю композиции, эффектной лепкой объемов, контрастных перепадов светотени.

Жерико успел проявить себя как мастер портретного жанра. Здесь он также выступает как новатор, определяя образную специфику портретного жанра. В "Портрете двадцатилетнего Делакруа" и в автопортретах выражено представление о романтическом художнике как о независимом творце, яркой, эмоциональной личности. Он закладывает основы романтического портрета - впоследствии одного из самых успешных романтических жанров.

Приобщился Жерико и к пейзажу. Путешествуя по Англии, он был поражен ее обликом и отдал дань ее красотам, создав множество пейзажных картин, написанных как маслом, так и акварелью. Они богаты по цвету, тонки по наблюдениям, не чужды социальной критики. Художник назвал их "Большая и малая английская сюиты". Как характерно для романтика назвать изобразительный цикл музыкальным термином!

К сожалению, жизнь Жерико оказалась короткой, но он положил начало славной традиции.

С 1820-х гг. главой романтиков-живописцев становится Фердинанд Виктор Эжен Делакруа (1798-1863). Испытал сильное влияние Жерико, с которым был дружен с ученической скамьи. Изучал живопись старых мастеров, особенно Рубенса. Путешествовал по Англии, был увлечен живописью Констебла. Делакруа обладал страстным темпераментом, мощной творческой фантазией и высокой работоспособностью. С начальных шагов на профессиональном поприще Делакруа решительно следует за романтиками. Первая картина, которую он выставил, изображала Данте и Вергилия в ладье, пересекающей Стикс ("Ладья Данте"). Картина полна трагизма, мрачного пафоса. Следующим полотном "Резня на Хиосе" он откликнулся на реальные события, связанные со страданиями греков от турецкого ига. Здесь он открыто выразил свою политическую позицию, приняв в конфликте сторону греков, которым он сострадал, - тогда как французское правительство заигрывало с Турцией.

Картина вызвала и политические, и искусствоведческие нападки, особенно после того, как Делакруа под влиянием творчества Констебла переписал картину в более светлых тонах. В ответ на критику художник создает полотно "Греция на развалинах Миссолунги", в котором вновь обращается к животрепещущей теме борьбы Греции за освобождение от турецкого ига. Эта картина Делакруа более символична, женская фигура с поднятой рукой в жесте не то проклятия захватчикам, не то в призыве к борьбе, олицетворяет всю страну. Она как бы предвосхищает образ Свободы в грядущей, самой знаменитой работе художника.

В поисках новых героев, сильных личностей Делакруа часто обращается к литературным образам Шекспира, Гете, Байрона, Скотта: "Тассо в доме умалишенных", "Смерть Сарданапала", "Убийство епископа Льежского"; делает литографии к "Фаусту", "Гамлету", выражая тончайшие оттенки чувств героев, чем заслужил похвалу Гете. Делакруа подходит к художественной литературе так, как его предшественники подходили к Священному Писанию, делая из него бесконечный источник сюжетов для картин.

В 1830 г. под непосредственным впечатлением Июльской революции Делакруа написал большое полотно "Свобода, ведущая народ" ("Свобода на баррикадах"). Над реалистически изображенными фигурами участников революционной борьбы, бедных, в основном молодых людей, воодушевленных борьбой, парит великолепная женщина, напоминающая "гениев" Веронезе. У нее в руках знамя, лицо вдохновенно. Это не просто аллегория свободы в духе классицизма, это - высокий символ революционного порыва. Однако нельзя и отрешиться от живой, чувственной женской фигуры - так она притягательна. Картина получилась сложной, обаятельной, динамичной.

Как настоящий романтик, Делакруа путешествует по экзотическим странам: Алжиру, Марокко. Из путешествия он привозит пять картин, среди которых "Львиная охота в Марокко", видимо, дань любимому Рубенсу.

Делакруа много работает как декоратор, создавая монументальные произведения в Бурбонском и Люксембургском дворцах, парижских церквях. Он продолжает работать в жанре портрета, создавая образы людей эпохи романтизма, например Ф. Шопена. Творчество Делакруа принадлежит к вершинам живописи XIX в.

Живопись и графика немецкого романтизма по большей части тяготеет к сентиментализму. И если немецкая романтическая литература действительно составляет целую эпоху, то об изобразительных искусствах этого не скажешь: в литературе были "Буря и натиск", а в изобразительных искусствах - идеализация семейного патриархального быта. Показательно в этом смысле творчество Людвига Рихтера (1803-1884): "Лесной источник близ Ариччи", "Свадебное шествие весной" и т.п. Ему принадлежат также многочисленные рисунки на темы сказок и народных песен, сделанные в суховатой манере.

Но есть одна масштабная фигура в немецком романтизме, которую нельзя обойти. Это Каспар Давид Фридрих (1774- 1840). Он был пейзажистом, учился в Академии художеств в Копенгагене. Позднее поселяется в Дрездене, занимается преподаванием.

Его пейзажная манера оригинальна, картины запоминаются с первого знакомства, в них чувствуется, что это пейзажи художника-романтика: они последовательно выражают специфику романтического мироощущения. Он писал ландшафты южной Германии и Балтийского побережья, поросшие лесом дикие скалы, пустынные дюны, замерзшее море. Люди иногда присутствуют на его картинах, но мы редко видим их лица: фигуры, как правило, обращены к зрителю спиной. Фридрих стремился передать стихийную мощь природы. Он искал и обнаруживал созвучия природных сил и человеческих настроений и исканий. И хотя он отражает жизнь достаточно точно, искусство Фридриха не реалистично. Это отпугивало в недавнем прошлом советских искусствоведов, о художнике мало писали, почти не было его репродукций. Сейчас ситуация переменилась, и мы можем наслаждаться глубокой одухотворенностью его картин, меланхолической отстраненной созерцательностью пейзажей Фридриха. Четкая ритмика композиции, строгость рисунка соединяются в его работах с контрастами светотени, богатой световыми эффектами. Но порой Фридрих доходит в своей эмоциональности до щемящей тоски, ощущения бренности всего земного, до оцепенения мистического транса. Сегодня мы переживаем всплеск интереса к творчеству Фридриха. Его наиболее удачные работы - "Гибель "Надежды" во льдах", "Монастырское кладбище под снегом", "Месса в готической руине", "Закат на море" и др.

В русском романтизме в живописи есть много противоречивого. К тому же долгие годы считалось, что хороший художник - реалист. Вероятно поэтому утвердилось мнение, что О. Кипренский и А. Венецианов, В. Тропинин и даже А. Куинджи - реалисты, что нам представляется неверным, они - романтики.

ОБЩАЯ ХАРАКТЕРИСТИКА ЭПОХИ РОМАНТИЗМА.

Романтизм - (франц. romantisme ), идейное и художественное направление в европейской и американской духовной культуре конца 18 1-й половины 19 вв. Французский romantisme ведет родословную от испанского romance (так называли в средние века испанские романсы, а затем рыцарский роман), через англ. romantic (романтический), передаваемое по-французски romanesque , а затем romantique и означавшее в 18 в. странное, фантастическое, живописное. В начале 19 в. слово романтизм становится термином для обозначения нового литературного направления, противоположного классицизму.

Романтизм в традиционном, конкретно историческом значении этого слова явился высшей точкой антипросветительского движения, прокатившегося по всем европейским странам. Его основная социально-идеологическая предпосылка – разочарование в буржуазной цивилизации, в социальном, промышленном, политическом и научном прогрессе, принесшим новые контрасты и антогонизмы, а также духовное опустошение личности.

Наследуя традиции искусства средневековья, испанского барокко и английского ренессанса, романтики раскрыли необычайную сложность, глубину внутренней природы человека. Человек для них – малая вселенная, микрокосмос. Напряженный интерес к сильным и ярким чувствам, всепоглощающим страстям, к тайным движениям души, к новой ее стороне, тяге к индивидуальному, бессознательному – сущностные черты романтического искусства.

Рассмотрим, как проявлялись романтические тенденции в различных областях искусства.

МУЗЫКА.

В музыке романтизм как направление складывается в 1820-е гг. Завершающий период его развития, получивший название неоромантизм, охватывает последние десятилетия 19 в. Ранее всего музыкальный романтизм появился в Австрии (Ф. Шуберт), в Германии (К.-М. фон Вебер, Р. Шуман, Р. Вагнер) и Италии (Н. Паганини, В. Беллини, ранний Дж. Верди); несколько позднее во Франции (Г. Берлиоз, Д. Обер), Польше (Ф. Шопен), Венгрии (Ф. Лист). В каждой стране он обретал национальную форму; порой и в одной стране складывались различные романтические течения (лейпцигская школа и веймарская школа в Германии). Если эстетика классицизма ориентировалась на пластические искусства с присущими им устойчивостью и завершенностью художественного образа, то для романтиков выражением сути искусства стала музыка как воплощение бесконечной динамики внутренних переживаний.

Музыкальный романтизм воспринял такие важнейшие общие тенденции романтизма, как антирационализм, примат духовного и его универсализм, сосредоточенность на внутреннем мире человека, бесконечность его чувств и настроений. Отсюда особая роль лирического начала, эмоциональная непосредственность, свобода выражений. Как и романтическим писателям, так и музыкальным романтикам присущ интерес к прошлому, к далеким экзотическим странам, любовь к природе, преклонение перед народным искусством. В их сочинениях были претворены многочисленные народные сказания, легенды, поверья. Народную песню они рассматривали как основу профессионального музыкального искусства. Фольклор для них был подлинным носителем национального колорита, вне которого они не мыслили искусства.

Романтическая музыка существенно отличается от предшествующей ей музыки венской классической школы. Она менее обобщена по содержанию, отражает действительность не в объективно-созерцательном плане, а через личные переживания человека (художника) во всем богатстве оттенков. Ей свойственно тяготение к сфере характерного и вместе с тем портретно индивидуального, фиксируясь в двух основных разновидностях: психологической и жанрово-бытовой. Гораздо шире представлены ирония, юмор, даже гротеск. Одновременно усиливается интерес национально-патриотической и героико-освободительной тематике (Шопен, Лист, Берлиоз). Большое значение приобретают музыкальная изобразительность, звукопись. Существенно обновляются выразительные средства. Мелодия становится более индивидуализированной и рельефной, внутренне изменчивой, отзывчевой на тончайшие сдвиги душевных состояний; гармония и инструментовка становятся более богатыми, яркими, красочными. В противовес уравновешенным и логически упорядоченным структурам классиков возрастает роль сопоставлений, свободных сочетаний разных характерных эпизодов.

Центром внимания многих композиторов стал наиболее синтетический жанр опера, основанная у романтиков главным образом на сказочно-фантастических, волшебных, приключенческих и экзотических сюжетах. Первой романтической оперой была «Ундина» Гофмана.

В инструментальной музыке остаются определяющими жанры симфонии, сонаты. Однако и они были преобразованы изнутри. В инструментальных сочинениях разных форм ярче сказываются тенденции к музыкальной живописи. Возникают новые жанровые разновидности, например, симфоническая поэма, сотечающая черты сонатного аллегро и сонатно-симфонического цикла. Ее появление связано с тем, что музыкальная программность выступает в романтизме как одна из форм синтеза искусств, обогащенная в инструментальной музыке через единение с литературой. Новым жанром явилась также инструментальная баллада. Склонность романтиков к восприятию жизни как пестрой череды отдельных состояний, картин, сцен обусловило развитие различного рода миниатюр и циклов (Шуберт, Шопен, Шуман, Лист, Брамс)

В музыкально-исполнительском искусстве романтизм проявился в эмоциональной насыщенности исполнения, богатстве красок, в ярких контрастах, виртуозности (Паганини, Шопен, Лист). В музыкальном исполнительстве, как и в творчестве менее значительных композиторов, романтические черты нередко совмещаются с внешней эффективностью, салонностью. Романтическая музыка остается непреходящей художественной ценностью и живым, действенным наследием для последующих эпох.

ТЕАТР.

В театральном искусстве романтизм сформировался в 1810-1840-х гг. Основой театральной эстетики стали воображение и чувства. Восстав против классициского принципа облагораживания природы, актеры сосредоточили внимание на изображении контрастов противоречий человеческой жизни. Общественный пафос, страстность обличения, верность идеалу определили бурную эмоциональность, яркую +драматическую экспрессию искусства актеров, стремительный жест. Однако романтическое мироощущение несло в себе и опасность творческого субъективизма (акцентирования исключительного, причудливого); эмоциональность иногда подменялась риторическими эффектами, мелодраматизмом. Романтический театр впервые утвердил сценическое переживание, непосредственность, правдивость и искренность игры – как основное содержание актерского творчества. Романтизм обогатил и выразительные средства театра (воссоздание местного колорита, историческую достоверность декораций и костюмов, жанровую правдивость массовых сцен и постановочных деталей). Его художественные свершения подготовили и во многом определили основные принципы реалистического театра.

ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОЕ ИСКУССТВО.

В изобразительном искусстве романтизм наиболее ярко проявился в живописи и графике, менее отчетливо в скульптуре. В архитектуре романтизм получил слабое отражение, повлияв главным образом, на садово-парковое искусство и архитектуру малых форм, где сказалось увлечение экзотическими мотивами, а также на направление ложной готики. В конце 18 – начале 19 вв. черты романтизма в разной мере уже присущи: в Англии – живописным и графическим произведениям Фюсли, в которых сквозь классицистическую ясность образов нередко прорывается мрачный, изощренный гротеск; в живописи, графике и поэзии У. Блейка – романтизм проникнут мистическим визионерством; в Испании – позднее творчество Гойи исполнено безудержной фантазией и трагическим пафосом, страстным протестом против феодального гнета и насилия.

Отвергая в настоящем все обыденное и косное, обращаясь только к кульминационным, драматически острым моментам современной истории, романтики находили темы и сюжеты в историческом прошлом, легендах, фольклоре, в экзотической жизни востока, в произведениях Данте, Шекспира, Байрона, Гете – создателей монументальных образов и сильных характеров.

Романтизм в центре мироздания ставит человека. Человек в представлении романтиков является венцом процесса общемирового возвышения. В портрете главным для романтиков было выявление яркой индивидуальности, напряженной духовной жизни человека, движение его мимолетных чувств. Отголоском человеческих страстей становится и романтический пейзаж, в котором подчеркивается мощь природных стихий. Романтики стремились предать образам мятежную страстность и героическую приподнятость, воссоздать натуру во всех ее неожиданных неповторимых проявлениях, в напряженной выразительной взволнованной художественной форме.

В противовес классицизму, романтики придавали композиции повышенную динамику, объединяя формы бурным движением и прибегая к резким объемно пространственным эффектам; использовали яркий насыщенный колорит, основанный на контрастах света и тени, теплых и холодных тонов, сверкающую и легкую, нередко обобщенную манеру письма.

Т.о., при всей сложности идейного содержания романтизма, его эстетика в целом противостояла эстетике классицизма 17-18 вв. Романтики сломали сложившиеся столетиями каноны классицизма с его духом дисциплины и застывшего величия. В борьбе за освобождение искусства от мелочной регламентации, романтики отстаивали ничем неограниченную свободу творческой фантазии художника. Отвергая стеснительные правила классицизма, они настаивали на смешении жанров, обосновывая свое требование тем, что оно соответствует истинной жизни природы, где смешаны красота и безобразие, трагическое и комическое. Прославляя естественные движения человеческого сердца, романтики в противовес рационалистическим требованиям классицизма, выдвинули культ чувства, логически обобщенным характерам классицизма романтики противопоставили крайнюю их индивидуализацию.

ОБЩИЕ ПРИНЦИПЫ ПОСТАНОВКИ ОПЕРНОГО СПЕКТАКЛЯ В ЭПОХУ РОМАНТИЗМА.

В оперном театре 19 в. наблюдаются два характернейших явления:

- тенденция «исторической реконструкции» в области сценического оформления;

- расцвет «бельканто»;

Также в 20-е гг. 19 в. начинается борьба за утверждение романтической драмы. Происходит смена стиля в декоративном искусстве. Романтики придавали большое значение колориту места и времени. Сцена должна была воспроизводить обстановку той эпохи, которая изображалась в пьесе. Место действия перестало быть обобщенным. Теперь это не дворец и площадь перед ним, а дворец римский, французский, испанский с точными признаками национального стиля.

Пейзаж в романтическом театре стремится представить природу без искусственных прикрас во всем первозданном величии.

Романтики вводят в свои пьесы изображение таинственных пещер, подземелий, темниц. Декорации нередко изображают бурю на море, грозу, извержение вулкана и другие стихийные явления.

В условиях развитого буржуазного общества происходит некоторая демократизация театра. Возникают публичные оперные театры, зрительный зал которых отражает классовое расслоение публики. Огромный зал с 5-6 ярусами имеет места для публики разных рангов и положения в обществе.

Важнейшие изменения на протяжении столетия происходит в освещении зрительного зала и сцены. Уже в конце 18 в. взамен свечей, которые раньше освещали театральное помещение, появляются газовые лампы, сохранявшиеся на протяжении большей части 19 в. вплоть до того, как их сменили разные виды электрического освещения. Первый дуговой прожектор появился в середине 19 в. После изобретения динамомашины в последней четверти столетия, число и сила таких источников света возросла, позволив создавать различные световые эффекты (яркие солнечные лучи, врывающиеся в темную комнату, лунный свет, облака, двигающиеся по вечернему небу и др.)

В конце века театры переходят на освещение электрическими лампами, сохраняя также и прожекторы.

Уже в первой половине века в театре создаются зрелища, которые правдоподобно воспроизводят движения экипажей, всадников, морских судов. Большой интерес вызывали водные пантомимы, когда на сцене устраивались огромные бассейны воды, на которых разыгрывалось какое-нибудь морское приключение. В связи с этим театры, используя старые театральные эффекты, создали много новых.

В классическом театре древности место действия было единым для всей пьесы. В эпоху Ренессанса в Италии сохранился этот же принцип. В 17 в. в теории драмы во Франции прочно утвердили правила единства места, согласно которому все действие пьесы проходило в одной и той же декорации. Это правило не принималось во внимание в народном площадном театре, а также в народном гуманистическом театре эпохи Ренессанса в Испании и Англии. Но и там восторжестовало правило единства места. Отклонение от этого правила иногда допускалось в опере, что позволяло производить эффектную перемену декораций при помощи теларий (вращающихся призм). Так было вплоть до первых десятилетий 19 в. Романтики отвергли единство места в драме. Перемены декораций отныне стали совершаться несколько раз на протяжении спектакля. Перемены совершались во время антрактов. Но для сокращения пауз между действиями понадобилась более совершенная техника, чем та, которая существовала. Многие прежние средства, вырабатываемые веками развития театра были дополнены рядом важных приспособлений. Первое по значению – приспособление для изменения планшета сцены. Посредством гидравлических и электрических машин пол сцены частично или целиком поднимался, ставился наклонно, позволяя создавать различные условия для разнообразия сценического действия. Второе усовершенствование – введение нового круга на сцене. И, наконец, третьим усовершенствованием было создание так называемых карманов – больших площадок по бокам сцены, где на двигающихся планшетах подготавливались части декораций, быстро выкатываемые вперед и столь же быстро задвигающиеся за сцену.

Если обратиться к истории оперных постановок 19 в., то следует обратить внимание на существование точных постановочных сценариев, написанных режиссерами (эта должность впервые и появляется в данную эпоху). В них, прежде всего, фиксировались выходы и уходы, схемы сценических положений, световые эффекты, но ничего не говорилось об актере. Все, что касается актерской концепции образа, жестов, звучности, драматической выразительности, то отсутствие этих сведений объясняется не столько беспомощностью режиссера, сколько тем, что актер был предоставлен самому себе. На долю режиссера выпадала исключительно планировка декораций, реквизита и мизансцен, осуществляемая таким образом, чтобы освободить для исполнителей главных партий центр сцены и чтобы при исполнении дуэтов и ансамблей певцы оказывались близко друг к другу, чтобы, наконец, хоры были сгруппированы по голосам, а все вместе оказывались возможно ближе к рампе и дирижеру.

Вне этих исключений торжествует своеобразный оперный «реализм», т.е. конвульсивное метание по сцене или же, наоборот, статуарная неподвижность с выдвижением вперед одной ноги и пресловутой рукой на сердце.

Поскольку эпоха изобиловала балетными талантами, то композиторы и дирижеры искали любую возможность продемонстрировать искусство танцовщиков в каждом спектакле.

Т.о., оперный спектакль представлял собой яркое зрелище, с большим количеством архитектурных и пейзажных элементов, служивших фоном для стоявшего на первом плане певца.

ПОСТАНОВКА ОПЕРЫ ВАГНЕРА «КОЛЬЦО НИБЕЛУНГА».

Вагнер, переросший свою эпоху и далеко опередивший ее как создатель и теоретик музыкальной драмы, неразрывно связан с ней как постановщик собственных произведений.

«Кольцо нибелунга» ставит перед постановщиком многочисленные проблемы, касающиеся машинерии и декораций.

Дно Рейна и беспрестанный бег вод, плавающие девы и Альберих, превращающийся в змея; Вотан, проваливающийся под землю, и исчезающий в тумане Миме; огонь, истргнутый камнем после удара копья Вотана, и радуга, по которой боги вступают в Валгаллу; появление Эрды и, наконец, грандиозная картина несущихся в облаках валькирий с мертвыми воинами, привязанными к седлам.

Для воплощения всего этого Вагнер довольствуется традиционной оперной сценой с живописным задником, ширмами кулис, люками для провалов и примитивными «волшебными фонарями».

В своих теоретических работах Вагнер нигде не бунтует против художественных средств современного ему театра, а напротив, выражает свое восхищение ими: «Современное естествознание и пейзажная живопись являются завоеваниями нашей эпохи, несущими нам, с научной и художественной точки зрения, удовлетворение и спасение от безумства и бездарности… Благодаря пейзажной живописи сцена становится воплощением художественной правды, а рисунок, цвет, живительное использование света заставляют натуру служить высшим художественным устремлениям… Художественное использование всех имеющихся в его (пейзажиста) распоряжении оптических средств и самого света позволяет ему создать законченную иллюзию».

Однако на практике все «живительные использования света» и «оптические средства» ни к чему не привели.

В байрейтских постановках встречаются те декорационные шаблоны, которыми изобиловало большинство постановок той эпохи. Так дно Рейна в первой части тетралогии напоминает гигантский аквариум; мистический лес Зигфрида продолжает оставаться лесом оперным, с колышущимся полотном и аляповатой бутафорией, изобилующей описательными деталями, натуралистической «кашей» листьев, ветвей и стволов. К той же категории эффектов относится подъем декораций, изображающих скалы, с целью показать спуск Вотана в пещеры Нибельгейма.

Стирание натуралистических контуров оформления, слишком назойливо подчеркивающих близкое родство прагерманской растительности с лужайками и «окрестностями» опер вроде «Белой дамы», совершается с помощью водяного пара, который используется не только для создания иллюзии тумана и дымки, но и для того, чтобы скрыть от глаз зрителей технические маневры, вызванные необходимостью произвести перемену декораций при открытом занавесе.

Однако никакой пар не способны скрыть улыбки, которую вызывает указание Вагнера, касающееся двукратного появления Эрды. Эта древнейшая из богинь, повелительница земли, мать богов, должна была высовываться по пояс из театрального люка.

Это наивно-комическое, можно сказать, гротескное решение сценической ситуации ярко контрастирующее с великолепным призывом Вотана и могучими бурлящими звуками оркестра, не вызвало внимания и язвительных нападок критиков той эпохи, отметивших примитивность эффекта использования «волшебного фонаря» в картине полета валькирий и детскую возню Зикфрида с драконом, говорящим в мегафон, вращающим глазами, шлепающим по земле хвостом и лязгающим зубами в такт музыке.

Роль света сводится, в первую очередь, к натуралистическому обозначению дня и ночи, а также различных перемен в атмосфере, хотя Вагнер пользуется им еще и как символом, в отдельных случаях связывая его с появлением определенных персонажей. В ореоле голубого света выступает Эрда; сноп красных лучей освещает в «Валькирии» и «Зигфриде» Вотана. Один из критиков неприязненно высказывается об этой игре света: «неравномерные по яркости и силе электрические лучи «съедают» цвета декорации, и зрители видят полотна вместо деревьев».

Романтический беспорядок и отсутствие выразительности, характеризующие декорации, столь же отчетливо выступают и в костюмах, напоминающих «исторические реконструкции» Лормье в парижской Опере времен «Роберта-Дьявола». Проектировщики костюмов тяготели к описательным подробностям и деталям, поэтому, возможно, ни панцирь Брунгильды, подчеркивающий ее талию в соответствии с отнюдь не мифологической модой, ни ее платье (также в модных складках), ни полосатая рубашка, составляющая вместе со звериной шкурой убранство Зигмунда, ни наполовину греческая, наполовину никакая туника, предназначенная Логе не способны показать мир мифических богов, спускающихся в бездну Нибельгейма, шествующих по радуге и гарцующих в облаках.

«В театре царит только театральное искусство», - пишет Вагнер, и потому, в противоположность общему духу, царящему на оперной сцене, актерская сторона представления составляет предмет его особой заботы.

Певец, не способный исполнить свою партию так, как если бы она была ролью в разговорной драме, с глубоким проникновением в авторский замысел, не способен придать ей вокальную выразительность, требуемую композитором. Поэтому Вагнер требует проводить специальные читки либретто, дающие возможность не только солистам, но и хору проникнуть в художественный смысл произведения и найти соответствующую выразительность интерпретации, так, чтобы она всегда была продиктована конкретной ситуацией.

Вагнер четко охарактеризовал вокальный стиль своих музыкальных драм в письме к Листу: «В моей опере не существует никакой разницы между фразами так называемой «декламации» и «пения». Моя декламация есть одновременно пение, мое пение – декламация. У меня нет отчетливого завершения «пения» и отчетливого появления «речитатива», обычно знаменующих собой два разных стиля вокального исполнения. Собственно итальянского речитатива, когда композитор почти вовсе не обращает внимания на ритм декламации, предоставляя полную свободу певцу, у меня не встретишь вообще. В тех местах, где поэтический текст после взволнованных лирических взлетов снижается до более простых проявлений эмоциональной речи, я никогда не отказывался от права обозначить характер декламации так же точно, как и в лирических вокальных сценах. Поэтому тот, кто принимает эти места за обычный речитатив и в результате самовольно изменяет обозначенную мной ритмику, уродует мою музыку в такой же степени, как если бы он придумывал иные ноты и гармонии к моим лирическим мелодиям. Стараясь в этих напоминающих речитативы местах точно охарактеризовать ритм декламации, отвечающий преследуемым мной выразительным целям, я прошу дирижеров и певцов, чтобы они исполняли эти места прежде всего в соответствии с нотными обозначениями оригинала, указанным в партитуре тактом и в темпе, соответствующем характеру речи…»

Вагнера волнует вопрос разборчивости слов. Скрытый оркестр байрейтского театра – это не только «мистическая пропасть», но и попытка смягчить оркестровый комментарий, так чтобы на первом звуковом плане оказался текст, произносимый актером.

Т.о., Вагнер предъявляет певцу два основных требования:

- строго следовать нотным обозначениям

- подавать текст так, чтобы он был слышен и понятен.

Перед вагнеровским актером стояли еще и другие задачи. Главная из них – необходимость координации актерской игры с музыкой. Вагнер требует, чтобы сценическое действие точно соответствовало сопутствующим им оркестровым мотивам.

Вслед за стремлением синхронизировать жесты и мимику с музыкой идет желание композитора сделать их благородными и сдержанными. «Там, где повсеместная оперная манера приучила нас к размахиванию обеими широко разведенными руками, будто обозначающему призывы на помощь, мы отметили, что чуть поднятой руки либо характерного движения плеча или головы вполне достаточно, чтобы выразить даже самое сильное чувство». ... нашел выражение и в исполнительном искусстве (скрипач Паганини, певец...

Романтизм (14)

Реферат >> Культура и искусство

Народным поверьям, сказкам. Романтизм был частично связан с демократическими... меньшее на живопись. В изобразительном искусстве Романтизм наиболее ярко проявился в живописи... рассматривать как проявление Романтизма . Художники Романтизма : Тернер, Делакруа, ...