Выставка с таким названием, открывшаяся в Москве в Музее наивного искусства, стала поводом для интервью с коллекционером Владимиром Темкиным. Он привез в столицу работы 16 хорватских художников, представителей четырех поколений последователей знаменитой Хлебинской школы.
Аудиозапись: Adobe Flash Player (версия 9 или выше) требуется для воспроизведения этой аудиозаписи. Скачать последнюю версию . К тому же, в Вашем браузере должен быть включен JavaScript. Время культуры на радио «Благо» — 102,3 FM
«Наивная подравская живопись характеризуется мотивами из повседневной деревенской жизни, спокойными пейзажами, а также живым локальным цветом, особенно характерным для уникальной техники живописи на стекле. Мотивы, цвета и техника настолько типичны, что картину Хлебинской школы в равной степени узнают и мировые эксперты, и критики, и простые любители», — зачитывает Владимир собственную цитату в одном из каталогов. С хорватскими художниками он дружит довольно давно, причем именно дружит - с 13 из 16 авторов работ на выставке в Москве Владимир Темкин был знаком лично. Коллекционер признается, что для него это не просто покупка произведений искусства, но возможность для обретения друзей, общения, творчества.
Хлебинская школа в Хорватии никогда не выглядела как классическое учебное заведение с программами, партами и учениками. Этим термином принято называть процесс передачи знаний и традиций из поколения в поколение хорватских художников самоучек. У истоков этого процесса в 30-е годы прошлого века стоял академический художник, выходец из села Хлебине в Хорватии Крсто Хегедушич. После учебы в Париже молодой художник вернулся на родину и интуитивно искал возможность самовыражения для себя и своего народа. «Хлебинская школа в период становления одновременно испытала на себе влияние и социокультурного контекста, и идей, вдохновленных профессиональной живописью, и народного чувства-настроения той поры», — пишет в каталоге к выставке заместитель директора Музея наивного искусства Александра Володина, — «Выбранные Хегедушичем средства выразительности - живопись по стеклу и яркий колорит - теперь являются визитной карточкой Хлебинской школы».
Примерно в 90% случаев хорватские наивные художники пишут картины на стекле так называемым реверсным способом. По словам Владимира Темкина, это очень трудоемкая техника, ведь автор накладывает масляную краску на картину в обратном порядке - сначала прорисовывает блики и мелкие детали, а затем слой за слоем наносит рисунок. Работая этой техникой, ничего не возможно исправить, потому что самый первый слой, который видят зрители через стекло, для автора остается как бы на «дне» произведения, к которому уже нельзя вернуться. Чтобы создавать картины в этой технике нужно обладать прекрасным пространственным мышлением и острым вниманием. Разглядывая скрупулезно прорисованные картины последователей Хлебинской школы зрители зачастую замечают, что «не такая уж она и наивная, эта наивная хорватская живопись».
Сюжеты из крестьянского быта, выполненные сложной техникой живописи на стекле, получили признание во всем мире. Как рассказал Владимир Темкин, художники Хлебинской школы побывали с выставками на всех континентах, принимали участие в приемах президентов и членов королевских семей.
Однако когда впервые основатель Хлебинской школы Крсто Хегедушич показал широкой публике работы своих учеников, молодых крестьян, в Загребе разразился скандал. Картины Ивана Генералича, Франьо Мраза и других учеников Хегедушича, которые не имели классического художественного образования вначале не хотели признавать в качестве искусства. Как подчеркивает Темкин, Хегедушич активно продвигал творчество крестьян и стремился доказать, что талант не связан с происхождением и не является привилегией высокого класса, как это было в академическом искусстве. Хегедушич настоятельно просил своих учеников ничего не придумывать и не фантазировать, рисовать только то, что их окружает, быт простого крестьянина.
Так и сложилось, что наивные хорватские живописцы не только представляли бытовую жизнь села Хлебине в своих работах, но и сами оставались крестьянами. «Все, о ком мы говорим, не смотря на то, что они всемирно признанные художники, они и сейчас остаются крестьянами. Например, Мийо Ковачич, до сих пор живет на своем хозяйстве. Каждый день пропадает в виноградниках, сеет кукурузу, сажает картошку, гонит мед, занимается пчелами. Все это продолжается, несмотря на то, что человек признан во всем мире как художник», — рассказывает Владимир Темкин.
Наш собеседник привел пример из жизни наивного живописца Ивана Веченая. Однажды в 70-х годах художник познакомился с голливудским актером Юлом Бриннером, который находился в то время в Югославии на съемках фильма. Юл буквально влюбился в творчество хорватских наивных художников, с удовольствием рассматривал картины, обсуждал их. И в итоге пригласил Ивана Веченая с женой к себе в Америку на отдых. Когда двухнедельный отпуск подошел к концу, супружеской паре предложили продолжить путешествие и поехать на берег океана во Флориду. На что жена Веченая ответила, что им пора возвращаться, потому что созрела кукуруза и нужно было собирать урожай.
На выставке представлены работы живописцев примерно за 80 лет существования феномена Хлебинской школы. Авторская литография Ивана Генералича (первое поколение), картины Мийо Ковачича, Ивана Лацковича, Йосипа Генералича, Мартина Мехкека и живописцы, которые, стоят на пороге истории, их произведения тоже являются признанными. Среди них Никола Веченай Лепортинов, Мартин Копричанец (второе поколение).
Третье поколение наивных художников Хорватии наиболее многочисленное. Степан Иванец, Нада Швегович Будай — это авторы, работы которых находятся в постоянной экспозиции Музея наивного искусства в Загребе. По следам их творчества написано большое количество статей и монографий. Кроме того к третьему поколению относят Владимира Иванчана, Мирко Хорвата, Ивана Андрашича, Бисерку Златар.
По словам Владимира Темкина, к четвертому поколению последователей Хлебинской школы можно причислить буквально пятерых художников. Самым талантливым из них, по признанию многих критиков и искусствоведов, является Дражен Тетец, кстати участник Триеннале «Фестнаив-2013» в Москве.
Хлебинская школа наивных живописцев за период своего существования пережила как полное отрицание и преследование, так и всеобщее признание и любовь. По свидетельству искусствоведов, период развития феномена Хлебинской школы подошел к концу. Но на наш вопрос о том, что ждет мировое наивное искусство в будущем Владимир Тёмкин отвечает с оптимизмом: «Я думаю, что наивное искусство ждет очень большое будущее. Восприятие меняется. Все больше людей сами занимаются живописью, пытаются самовыражаться и тем самым признают и лучше понимают окружающих людей. Происходит обмен. Человек, который в состоянии понять и принять, хоть академическое, хоть не академическое искусство, может завтра купить и повесить у себя дома работу и наивного художника. Какая разница наивный/не наивный художник? Он творец и если это настоящее произведение искусства, то оно трогает душу, не так ли?».
Выставка «Волшебный мир хорватского наива» продлится до 6 июля в Музее наивного искусства по адресу: Москва, Измайловский бульвар, д. 30. Подробнее на сайте музея http://naive-museum.ru/
Матиа Скурьени (Matija Skurjeni) классик хорватского наивного искусства, один из самых ярких представителей "независимых" (наравне с Рабузиным и Фейшем), художник, чье творчество заслужило большое международное признание.
Мир животных, масло/холст. 1961 г.
Родился Матиа Скурьени 14 декабря 1898 года в селе Ветерницы, рядом с городком Златар, в Хорватском загорье, седьмым ребенком в семье. Отец и мать работали, но были настолько бедными, что даже не смогли отправить маленького Матиа в школу. Грамоте научился у старших братьев, а как следует читать и писать уже намного позже, в армии. До двенадцати лет работал в своем селе пастухом, затем уехал на строительство железной дороги, и стал железнодорожным рабочим. В том же 1911 году начал понемногу учиться художественному искусству (а попросту малярному ремеслу) - росписи стен. Во время Первой мировой войны, в 1917 году был отправлен на восточный фронт, в Бессарабию (ныне Молдавия), в начале 1918 года был ранен в бою и отправлен в военный госпиталь.
В конце 1918 года, в составе хорватских добровольческих отрядов принял участие в освобождении Меджимурья. После демобилизации вернулся в родные Ветерницы, и стал работать шахтером.
В 1923 году возвращается в город Метлику, где завершает свое "художественное" образование, тогда же начинает рисовать первые акварели. Во время Второй мировой войны работает на государственной железной дороге, в качестве оформителя - разрисовывает вагоны. В 1946 году участвует в основании художественной секции железнодорожников RKUD "Vinko Jedut" в Загребе, тогда же начинается настоящее "обучение" художественному мастерству. Среди наставников были известные академические художники и скульпторы.
В 1948 году Матиа впервые принимает участие в одной из коллективных выставок в Загребе. Только в 1956 году, после выхода на пенсию, Скурьени целиком посвящает себя творчеству, и только тогда начинается его настоящая художественная карьера. В 1958 году организуется его первая самостоятельная выставка в Галерее примитивного искусства (будущий Музей наивного искусства) в Загребе. В 1959 году получает первую награду на 4 Интернациональной Художественной выставке в Мюнхене, в 1960 выставляется в Риме.
Самостоятельная выставка в Париже, в галерее "Mona Lisa", в 1962 году становится знаменательной вехой в его жизни. После этого - серия выставок и большое количество наград во многих странах. В 1964 году участвует в основании Общества наивных художников Хорватии.
В 1975 году Матиа Скурьени тяжело болеет (апоплексия), вследствие чего перестает работать правая рука, но творчество не оставляет - успешно рисует левой рукой. В 1984 году жертвует собрание своих картин для основания Галереи Матиа Скурьени в Запрешиче (пригород Загреба), в 1987 году происходит ее открытие.
Когда-то началось, никогда не кончается, масло/холст. 910х1315 мм. 1973 г.
Ангел войны, масло/холст, 700х905мм. 1959 г.
Музыкальная секция, масло/холст, 530х690 мм. 1959 г.
Цыганский праздник, масло/холст, 700х900 мм. 1960 г.
Первая космонавтская пара, масло/холст, 490х550 мм. 1960-1963 гг.
Старый Париж, масло/холст, 800х1300 мм. 1964 г.
Три брата заиграли в атомную свирель, масло/холст, 730х1000 мм. 1964 г.
Цыганская любовь, 1966. Холст, масло
Горгона, масло/холст, 700х560 мм. 1968 г.
Мне приснилось, что я переплываю эту бурную Саву, масло/холст, 710х530 мм. 1969 г.
Третья мировая война, масло/холст, 940х1380 мм. 1969 г.
Обнаженная с цветами, масло/холст, 700х1300 мм. 1970 г.
Марсель, масло/холст, 1300х800 мм. 1971 г.
Вид на город и мост, масло/холст. 1969 г.
Задумчивая пристань, масло/холст
Обнаженная, масло/холст, 650х850 мм. 1973 г.
Крепость, масло/холст, 744х926 мм. 1973 г.
Сон, где я голый перед мастерской И. Мештровича, масло/холст. 950х1370 мм. 1974 г.
Зоосад, масло/холст, 550х720 мм. 1974 г.
Апостол, масло/холст, 800х650 мм. 1975 г.
Матиа Скурьени. 1927 год
Матиа Скурьени. 1988 год. Фото М. Ленкович
Рассказ о периоде, в котором появилась первая Генераличевская "классика", и названном
художественными критиками временем "бельканто" (в пер. с итал. - "красивое пение").
Искусствоведы и исследователи творчества Ив.Генералича относят этот период с
1937/38 до начала пятидесятых годов.
Под грушей. масло/стекло. 564х470 мм. 1943 г.
В конце тридцатых годов художник отходит от изображения явной социальной тематики,
изменения проявляются во всем - мотивах, поэтике и технике. Генералич
сосредотачивается на пейзаже, на картинах становится всё больше воздуха и всё
меньше человеческих лиц и фигур, меньше становится экзистенциальных проблем.
Особое внимание уделяется изображению леса, отдельных деревьев, трав и растений,
полей, разливающихся рек и небес с облаками.
Генералич определяет для себя пейзажный мотив как основное, а порой и единственное
средство для достижения выразительности в картине. Владея и пользуясь
реалистичным изображением деталей, но произвольно их трактуя
и размещая, тем самым вроде бы нарушая реалистическое строение полотна,
Генералич не пишет буквально реальный пейзаж - это всего лишь обобщение, и в то
же время художник создает свой абсолютно индивидуальный, неповторимый
стиль.
Сельский двор. Осень. темпера/стекло. 395х545 мм. 1938 г.
Главные герои по прежнему крестьяне, в своих ежедневных заботах: сборщики урожая,
жнецы, пастухи, свинопасы, нередки мотивы сельских дворов - осенних, зимних и т.д.
В сюжетах картин не стало рассказов, историй, повествование уступило место
описанию настроения и атмосферы - пейзажи нередко изображаются на фоне закатов
и ранних рассветов.
Коровы в лесу. Из Белогорья. масло/стекло. 443х343 мм. 1938 г.
Художник часто прибегает к изображению "коралловой" растительности - оголенные деревья.
Иван Генералич вместо масла на холсте, картоне и доске начинает рисовать в основном
темперой и маслом на стекле, а сами картины создаются в небольших форматах.
Жнецы. Полдень. масло/стекло. 409х415 мм. 1939 г.
В марте 1938 года Генералич самостоятельно выставляется в Загребе, в художественном
салоне "Ulrich" (открытый в 1909 году и работающий до сих пор, сейчас это галерея
"Ulrich/Likum" , находится она в центре Загреба, по адресу Ilica, 40.)
Критика в своих отзывах на эту выставку единодушно отметила профессиональный рост
художника, утонченные приемы живописи и появление интереса к пейзажу вместо
социальной тематики.
Джурины дворы. Хозяйство. масло/стекло. 420х435 мм. 1939 г.
В январе 1939 года Генералич принимает участие в XV выставке хорватских художников в
Осиеке, а в феврале, вместе с Вириусом, Мразом и Чачом выставляется второй раз
в Белграде. Белградские газеты реагировали на выставку достаточно критично.
В ноябре и декабре 1939, работы Генералича выставляются на XVI выставке хорватских
художников в Загребе. В сентябре 1939 года началась Вторая мировая война.
В 1940 году написан "Остров", картина в сумрачных тонах, прекрасно передающих
предгрозовую атмосферу, одна из его "классических" работ.
Остров. масло/стекло. 260х440 мм. 1940 г.
Местный праздник. Деревенские танцы. масло/холст. 900х670 мм. 1940 г
Ночлег. масло/стекло. 1941 г.
В 1941 году мировая война пришла на территорию Королевства Югославия
. После её капитуляции и распада, провозглашено Независимое
Государство Хорватия.
О жизни Генералича в те военные годы, исследователь его творчества
Vladimir Crnkovic написал следующее:
"В те тяжелые и драматические времена огромных политических и общественных
кризисов мирового военного катаклизма, он настроен на красоту и
красотой же борется против Зла."
Женщины делают сусло. масло/стекло. 310х400 мм. 1941 г.
Живя крайне замкнуто, в Хлебинской "изоляции", в глубоком созерцании, он создает
одни из лучших картин в хорватском искусстве того времени..."
В 1942 году работы Генералича экспонируются на
Второй выставке хорватских художников НГХ, в Загребе.
Уборка навоза. масло/стекло. 190х280 мм. 1942 г.
Зима. масло/стекло. 300х400 мм. 1942 г.
Деревенский двор. масло/стекло. 280х340 мм. 1943 г.
Сгребание листвы. масло/стекло. 405х350 мм. 1943 г.
В 1943 году работы Генералича принимают участие в выставках Хорватские
художники в Берлине, Вене и Братиславе.
В этом же году началась реставрационная работа в святилище Marija Bistrica,
в Хорватском Загорье, куда Ивана Генералича вместе с группой других
художников устроил Крсто Хегедушич, чтобы помочь им избежать призыва на фронт.
Перевозка сена. масло/стекло. 270х330 мм. 1943 г.
В 1943 написаны картины "Под грушей" и "Сгребание листвы" - классические примеры
мастерства, которое Генералич в то время постигал в технике масла на стекле.
В 1944 году художник продолжает работу над фресками в церкви Marija Bistrica.
Фрески задумывались на тему библейского сюжета Бег в Египет, но так и не были завершены.
Зима. масло/стекло. 350х380 мм. 1944 г.
Зимний пейзаж. масло/стекло. 350х450 мм. 1944 г.
Хозяйство. масло/стекло. 400х470 мм. 1944 г.
В 1945 году завершается Вторая мировая война, и пропадает с карты Независимое
Государство Хорватия. Основана Демократическая Федеративная Югославия,
позднее переименованная в Федеративную Народную Республику Югославия, в
чей состав вошла и Хорватия.
Осень I. масло/стекло. 310х390 мм. 1944 г.
В этом году Иван Генералич участвовал в выставке в салоне "Ulrich", в Загребе.
Примерно в это же время он начинает давать наставления в живописи Франьо
Филиповичу, а вскоре потом и Франьо Доленцу и Драгану Гажи, своим
пятнадцатилетним соседям, которые остались в памяти как первое поколение
Генераличевых учеников.
Этим Генералич фактически повторил то, что Крсто Хегедушич сделал для него.
Пейзаж. Утки. масло/стекло. 335х244 мм. 1945 г.
Вряд ли найдется в нашей стране человек, знакомый с живописью, который не знал бы имена наиболее известных художников-примитивистов искусства XX века: Нико Пиросмани (Грузия) и Анри Руссо (Франция). И лишь немногим были знакомы такие, как Генералич Иван, Ковачич Мийо, Лацкович Иван, Швегович Нада. Эти художники – примитивисты из Хорватии получили признание на полвека позже, чем Пиросмани, Руссо, Матисс, Гончарова и другие примитивисты и неопримитивисты начала прошлого века. Известность в России, в отличие от других стран, к ним пришла в последние пять лет, когда в нескольких городах страны прошли выставки художников – примитивистов знаменитой Хлебинской школы из Хорватии.
Признаюсь, сама увидела хорватскую наивную живопись только год назад. На выставке коллекции известного скрипача и дирижёра Владимира Спивакова, проходившей в 2017 году в Москве, обратила внимание на необычные иконы, написанные маслом не на дереве, а на стекле. Это были иконы из Хорватии, созданные непрофессиональными мастерами. Привлекла в работах простота изображения при фантазии художников. Из каталога узнала, что иконы на стекле считались доступней подготовленной доски или холста, и, были очень распространены в Словении, Хорватии, Румынии и альпийских областях Западной Европы.
Этим летом ярославцам нет необходимости ехать в Москву, Загреб, Ниццу, чтобы познакомиться с одной из лучших школ народной живописи – хорватской. Приходите в Музей зарубежного искусства на Советской площади, 2. Именно там, 7 июля, открылась выставка «Чудо наивного искусства» из коллекции известного коллекционера Владимира Тёмкина.
Владимир Тёмкин
заинтересовался наивным хорватским искусством больше десять лет назад, увидев работы народных художников в одной из монографий. Поездка в Хорватию привела к знакомству с современными мастерами живописи и желанию собрать свою коллекцию. Первая персональная выставка прошла в 2014 г. в Костроме (коллекционер живет в Нерехте, Костромской области). Затем были Москва (в нескольких музеях), Брюсссель, Санкт-Петербург, Токио, Мытищи (Московская обл.). После Ярославля выставка отправится в Екатеринбург.
В. Темкин о технике живописи на стекле:
«Многие хорватские художники работают и с холстом, и с картоном, в гуаши и акварели, очень много резчиков по дереву и т.д. Но основным направлением в технике, всеми узнаваемом бренде хорватского наивного искусства, безусловно, является живопись на стекле. Картина пишется реверсным способом. То есть не на лицевой, а на обратной стороне стекла. Под стекло подкладывается карандашный эскиз, часто очень схематичный, обозначающий общую композицию картины, далее прописывается передний план, все мелкие детали, и так послойно. Каждый слой краски должен подсохнуть, поэтому работа занимает минимум несколько дней. Последним записывается фон. Художник, работающий с холстом, последними мазками прописывает мелкие детали, блики. Здесь же, все с точностью наоборот. Потом уже не исправишь, не перепишешь. Естественно, нужно определенное пространственное мышление, ну и опыт. Хорошие и большие картины пишутся месяцами. Техника эта, во многом и обусловившая своеобразие хорватского наива, восходит к народным иконам на стекле, распространенным во многих центральных областях Европы. В Хорватии они назывались «глажи», или «глажмы», «малераи» - производное от немецкого «hinterglasmalerei» (роспись на стекле). Такие иконы являлись в прошлом веке предметом обмена или продажи на деревенских и городских ярмарках.
На выставке в Ярославле представлены несколько таких икон неизвестных мастеров.
Троица. Стекло, масло. Неизвестный художник.
Илья Пророк. Стекло, масло. Неизвестный художник.
Человек, сыгравший одну из главных ролей в появлении и становлении хорватского наивного искусства, получившего впоследствии всемирную славу, был академическим художником Крсто Хегедушичем.
Часть своего детства он провел в селе Хлебине, на родине своего отца. Затем был Загреб, где он получил высшее художественное образование в Высшей школе и Академии живописи, в которой по окончании стал преподавателем, а затем профессором. К. Хегедушич был неординарной и талантливой личностью. Он искал свой, национальный и самобытный колорит в изображении социальной тематики. Для поиска новых тем, художник, время от времени, приезжает в места своего детства. Однажды, зайдя в сельский магазин, он увидел на обёрточной бумаге рисунки. Они ему понравились, и Хегедушич поинтересовался их автором. Продавец ответил, что рисовал его 15-летний племянник Иван Генералич. Так в 1930 году состоялось знакомство учителя- академиста и ученика – крестьянина. Вскоре к ним присоединились молодые Франьо Мраз, а затем Мирко Вириус. Они являются первым поколением художников знаменитой Хлебинской школы.
Увлеченный поисками новых идей в искусстве, Хегедушич решил поставить эксперимент, подтверждающий, что талант не зависит от происхождения. Он стал заниматься с самоучками, обучать их приемам живописи, показал и помог освоить разные техники письма, в том числе письмо маслом на стекле. И, самое главное, учил не подражать, а находить собственный взгляд на окружающий мир, в первую очередь, изображая деревенскую жизнь, которая была близка и понятна юношам. Через год ученики приняли участие в одной из выставок в Загребе, организованной К. Хегедушичем. Творчество крестьян вызвало неоднозначную реакцию зрителей и критиков, но вместе с тем породило интерес к необычным картинам. И. Генералич стал для своих односельчан тем же, кем для первых троих художников был Хегедушич. Многие крестьяне стали заниматься творчеством. К сожалению, Вторая мировая война и последующая нестабильная ситуация задержала процесс вхождения и известности Хлебинской школы в мировую культуру на два десятилетия. Только в начале пятидесятых годов к художникам наивного искусства из Хлебинска и других окрестных сел пришла всемирная слава.
Произошло это в Париже в 1953 году , где в Галерее Югославии были показаны 36 работ Ивана Генералича.
Предисловие для каталога к выставке написал известный французский писатель Марсель Арлан , который по достоинству оценил работы художника:
"Там нет ничего навязчивого, ничего эпатажного в этих тридцати работах, которые Иван Генералич показывает в Югославской галерее, и никто не может сказать, что хорватский художник приехал завоевывать Париж. Но он удивляет и обезоруживает нас. Потому что Иван Генералич остался верен своим истокам, и потому что этот маленький мир, который он принес нам - действительно его. Маленький мир, без сомнения, но нежного и добродетельного свойства, утонченного и серьезного духа, где тесно связаны наивность и изысканность. Сдержанная мелодия, которая звучит из его картин, в настоящий момент - это мелодия одного человека, одного народа и одного края. Это убранство, эти пейзажи, сельские сцены. И всегда между людьми, животными и природой происходит какой-то интимный диалог: желтая корова, лошадь под голубой попоной в равной мере такие же участники, как эти холмы, крестьяне и деревья. Да, человек там, это Генералич, который из своего детства, из края тех коров и коней, под этими деревьями, между этими крестьянами, из их общей истории создал свою собственную историю, и мечтает показать ее другим...»
Выставка имела такой успех, что была продлена почти на месяц. Все картины были распроданы до её окончания, что для Парижа было большой редкостью, а заказы на работы И. Генералича продолжали поступать. Париж, а за ним и весь мир, был покорен.
На ярославской выставке зритель увидит произведения четырёх поколений хорватских художников. Классики Хлебинской школы и наивного искусства первых двух поколений: Иван Генералич, Иван Веченай, Мийо Ковачич, Мартин Мехкек. Один из лучших графиков в мировом наивном искусстве – Иван Лацкович. В третьем поколении критики особенно выделяют таких художников, как Нада Швегович Будай, Степан Иванец, Никола Веченай Лепортинов, Мартин Копричанец. Сегодняшнее поколение художников немногочисленно: самые высокие оценки заслуживает творчество Дражена Тетеца.
Перед входом в зал организаторы выставки поместили большие стенды с информацией об истории хорватского наива, а также экран, где можно увидеть фотографии художников и пейзажи страны, вдохновлявшей их творчество.
У каждой картины размещена краткая информация о художнике и о самом произведении. Это очень поможет тем, кто посетит выставку самостоятельно, без экскурсовода. Напоминаю, что каждое воскресенье в 15-00 , вы можете побывать на бесплатной экскурсии, которую проводят сотрудники музея (при наличии билета на выставку).
Немного о картинах:
Творчество художников часто подразделяется на различные периоды. Например, у Василия Верещагина были туркестанский, палестинский, индийский, русский, японский периоды. У Пабло Пикассо голубой, розовый. У Ивана Генералича в какой-то момент творчества наступил фантазийный, сказочный, волшебный. На выставке этот период представлен картиной «Лес из снов»
.
Иван Генералич. "Лес из снов". Стекло, масло.
Картина явилась предшественницей его знаменитой работы «Белый олень»
.
Волшебно-фантазийный и в то же время реальный мир создал в своих произведениях Владимир Иванчан.
Владимир Иванчан. "Большая голубая ночь". 2008 г.
Очевидное зрелое мастерство показала Нада Швегович Будай в серии картин «Ряженые».
Нада Швегович Будай. "Ряженые" II. Стекло, масло. 1983
Нада Швегович Будай. "Ряженые" V . Стекло, масло.1989.
В них она показала обозначившийся явный уход от традиционной "хлебинской" школы. К этому времени художница значительно усовершенствовала технику письма на стекле, в том числе и так называемую «ala prima» ("сырым по сырому"). Картина пишется не послойно, с просыханием каждого слоя, а сразу, как эскиз, без какой - либо предварительной подготовки.
"Подпертый Иисус" стекло, масло 2014 г. Серия «Апокалипсис».
Дражен Тетец.
Картина участвовала в нескольких выставках в Хорватии и России, в том числе в большом выставочном проекте "Сотворение мира" в рамках V Московского международного фестиваля «Фестнаив» в MMOMA, в 2017 году.
Ключевой точкой становится яркая, великолепная работа представителя последней волны Хлебинской школы (хорватского наива) Дражена Тетеца "Подпертый Иисус". Это наив, с одной стороны в понимании Европы, с другой стороны - сама работа, ее содержание - это философский взгляд на мировоззренческий кризис самого широкого охвата мира христианской цивилизации. Картина-предупреждение и картина-тревога. Она также показывает, насколько ненаивным может быть наив, чтобы мы под этим словом ни подразумевали."
Сергей Белов, куратор проекта "Сотворение мира".
Название картины «Подпертый Иисус» не случайно. Хотя более благозвучно, наверное, звучало бы «Подпертый крест», "Распятый Иисус" или «Крест на подпорках». Собственно, эти названия и прозвучали в репортажах СМИ.
Дражен сознательно уходит в названии от акцента на неодушевленный предмет, пусть и весьма символичный каким является Крест. Тем самым, переводя наше внимание на совершенно другой, метафизический уровень. Название «царапает» слух, сразу заставляя задуматься о чем-то человеческом, более психологически глубоком (мы всегда готовы использовать «подпорки» в своей жизни, вера не исключение, скорее наоборот).
Ярославцам и гостям города:
Напоминаю, что каждое воскресенье в 15-00.вы можете побывать на бесплатной экскурсии, которые проводят сотрудники музея.
Выставка продлится до 9 сентября.
Выходной день - понедельник.
Иван Лацкович. Подравское село. Стекло, масло. 1978.
Мийо Ковачич. Портрет крестьянина. Стекло, масло. 1985.
Хочу немного познакомить читателей сообщества с хорватской живописью. И рассказать об одной из самых знаменитых хорватских художниц и величайшей художнице-акварелистке этой страны - Славе Рашкай.
Ее творчество неразрывно связано с трагической историей ее жизни.
Родилась Слава в 1877 г. в городе Озаль, богатом хорватской историей. Городе, который был владением самых влиятельных аристократических семей, в котором имел резиденцию бан Петар Зрински, и который в 17 веке был литературным и культурным центром. Глухонемая от рождения, Слава была замкнутым ребенком и недостаток общения с людьми компенсировала общением с природой, что помогло ей глубоко понимать, ценить природу и прекрасно изображать ее на своих картинах.
Первые карандашные рисунки цветов появились уже в Венской школе для глухонемых детей, где она училась в возрасте от 7 до 15 лет. Художественную одаренность Славы впревые заметил учитель из ее родного города, приехавший в Загреб для того, чтобы занять пост руководителя Института по обучению детей с ослабленным слухом и речью. Он отвел Славу к известному тогда художнику Белe Чикош-Сесию (одному из создателей Академии Искусств в Загребе), у которого она стала учиться живописи. Отбросив художественное влияние Чикоша, которое состояло в использовании преимущественно темных тонов, Рашкай нашла себя в акварели, ставшей ее любимом видом художественного самовыражения.
Творчество С. Рашкай обычно делят на 2 фазы, в первой из которых рисунок и цвет - это результат чистого наблюдения, кристально ясного видения красоты природы. Для второй фазы характерно выражение своих впечатлений (импрессия) и в этот период были написаны ее лучшие акварели. Тогда был написан знаменитый цикл Рашкай "Кувшинки", родившийся под впечатлением от маленького озера в ботаническом саду Загреба.
В 1898 г. она участвовала в выставке хорватских художников в Загребе, а в 1899-1900 выставлялась в Москве и Санкт-Петербурге.
Славу Рашкай называют иногда Офелией хорватской живописи. Не только из-за необычных, особой красоты тонов, и особенности переживаний, выраженных в ее картинах, но и из-за ее романтичной, но трагичной судьбы молодой девушки. Она была несчастно влюблена в своего учителя и эти чувства, по словам нeкоторых авторов, нашли отражение в портрете Белы, который она написала (как я ни старалась, к сожалению, не смогла найти этот портрет). Существует две версии о том, каковы были отношения Рашкай и Чикоша. По одной, они были лишь близкими коллегами и только сотрудничали в области живописи. По другой, это все же была любовная история, тайная, поскольку Чикош был не только сильно старше Славы, но и был женат. Правду об этих отношениях узнать, видимо, уже не удастся. Считается, что Слава подробно рассказывала о своей жизни в письмах матери, которые она завещала похоронить вместе с собой в гробу, но они сгорели при пожаре в доме ее сестры в Будапеште. К трагичным обстоятельствам жизни можно причислить и разрушение ее дома в родном городе, около 40 ее утерянных работ.
Незадолго до своего душевного заболевания она написала Автопортрет, а после этого в ее работах появляется все больше экспрессии, смешение визуального и фантастического. Состояние глубокой депрессии, из-за которого она была помещена в больницу для душевнобольных в 1902, безусловно, отразилось и в картинах, в выборе тонов и изображаемых мотивов - развалины, заброшенные мельницы...
Умерла она от туберкулеза в 1906 г. в возрасте всего лишь 29 лет, в Загребе, и останки были перенесены в родной город Славы Рашкай - Озаль.
При жизни Слава Рашкай была лишь отчасти признана как художница. Она участвовала в выставках, некоторые ее работы были проданы, но за суммы, невероятно малые по сравнению с ценой картин других художников тогдашнeго времени. Отчасти и потому, что она была художница, а женские работы критиками часто воспринимались скорее как прихоть и развлечение, а не настоящее искуство, отчасти потому, что акварель и ее малые форматы были совсем "не в ходу", жанр считался несколько несерьезным, а богатые покупатели искали большие массивные полотна.А критиков смущала и любовь Славы к пленэру, поскольку свои пейзажи она писала полностью на открытом воздухе, а не завершала их в студии, как было тогда принято. Однако, критик В. Луначек признал, что не может выделить не одну художницу того времени, кроме Славы Рашкай, которая, по его мнению, стала бы популярна и при жизни, продлись она дольше.