Тивадар Костка родился 5 июля 1853 года, в горном селении Кишсебен, принадлежавшем Австрии (ныне Сабинов, Словакия)— венгерский художник-самоучка.
Его отец Ласли Костка был врачом и аптекарем. Будущий художник с детства знал, что станет аптекарем. Но прежде чем стать им сменил много профессий—работал торговым служащим, какое-то время посещал лекции на факультете права, и только потом изучил фармакологию.
Однажды, ему было уже 28 лет, находясь в аптеке, он схватился за карандаш и нарисовал на рецептурном бланке увиденную им из окна простую сцену — проезжающую телегу, запряженную буйволами.С этих пор, или еще раньше, он твердо намерился стать художником, для этого он постарался сколотить небольшой капиталец, который дал ему материальную независимость.
«Старый рыбак»
О себе он писал следующее: «Я, Тивадар Костка, во имя обновления мира отказался от своей юности. Когда я принял посвящение от невидимого духа, у меня было обеспеченное положение, я жил в достатке и удобстве. Но я покинул родину, потому что хотел видеть ее на закате своей жизни богатой и славной. Чтобы достичь этого, я долго путешествовал по Европе, Азии и Африке. Я хотел найти предсказанную мне истину и претворить ее в живопись».
Похоже, что идея стать художником настойчиво не давала покоя Тивадару Костке.
В один прекрасный день он отправляется в Рим, затем в Париж, где встречается с известным венгсрским художником Михаем Мункачи.
А потом возвращается на родину, и в течение четырнадцати лет работает в аптеке, стремясь добиться материальной независимости. Наконец, небольшой капитал накоплен, и он в один прекрасный день сдает аптеку в ареду и уезжает учиться сначала в Мюнхен, а затем в Париж.
Далее следует так хорошо знакомый нам принцип построения судьбы непризнанного гения.
Он понял, что те навыки, которые он приобретет в процессе учебы, не соответствуют его восприятию. А потому бросает учебу и в 1895 году отправляется в путешествие по Италии, чтобы рисовать пейзажи. Путешествовал также по Греции, Северной Африке и Ближнему Востоку.
В 1900 сменил свою фамилию Костка на псевдоним Чонтвари.
Ценность его произведений многими критиками подвергалась сомнениям. В Европе их выставляли, (правда, без особого успеха), но в своей родной Венгрии Чонтвари раз и навсегда нарекли сумасшедшим. Только под конец жизни приехал он в Будапешт и привез туда свои полотна. Попытался завещать их местному музею, но никому они оказались не нужны. В 1919 году Тивадар Костка Чонтвари по-настоящему сошел с ума и умер нищим, одиноким, осмеянным и никому не нужным.
Похоронив несчастного, родственники начали делить добро. А добра всего было - одни лишь картины. И вот, посоветовавшись с «экспертами», полотна решили сдать в утиль, как обычный холст, а деньги поделить между собой, чтобы все было по-честному.
В это время случайно или совсем даже не случайно (странное совпадение, однако!) мимо проходил молодой архитектор Гедеон Герлоци. Он-то и спас творения художника, заплатив за них несколько больше, чем предлагал старьевщик. Сейчас картины Тивадара Чонтвари хранятся в музее города Печа (Венгрия).
И вот, совсем недавно, одному из сотрудников музея, в процессе рассматривания картины Костки «Старый рыбак», написанной в 1902 году, пришло в голову приложить к ней зеркало. И тут он увидел, что картина-то на полотне не одна, а как минимум - две! Попробуйте сами разделить полотно зеркалом, и вы увидите или бога, сидящего в лодке, на фоне мирного, можно сказать, райского пейзажа, или самого дьявола, позади которого бушуют черные волны. А может, и в других картинах Чонтвари, есть скрытый смысл? Ведь не так-то прост был, оказывается, бывший аптекарь из деревушки Игло.
В этом, предыдущих и последующих постах я использую материал из книги Уилла Гомперца "Непонятное искусство", цикла лекций в музее Гараж Ирины Кулик, лекций Дмитрия Гутова, книги Сьюзи Ходж "Современное искусство в деталях", документальных фильмов BBC, и др.
ПРИМИТИВИЗМ, ФОВИЗМ
В предыдущем посте я рассказывала о кубизме Пикассо и Брака. Одним из источников вдохновения Пикассо стала выставка африканского искусства. Простота и в то же время, первобытная мощь и величественность деревянных масок поразила художника. И не только его.
Собственно, стремление к этой простоте проходит красной нитью через всю историю современного искусства. С одной стороны, художники пытались копировать стиль работы примитивных племен Африки, Австралии и Южной Америки, а с другой - детские рисунки.
Вообще, радостное ожидание перемен, связанное с бурным развитием промышленности во Франции, довольно быстро сменилось усталостью от темпов, которые приобрела жизнь.
Уже в конце 19 века широко распространилось движение "возврата к истокам".
В живописи, как я уже писала ранее, это был Гоген, с его "таитянской" тематикой, плоскостным изображением и насыщенной символикой.
Поль Гоген, Старые времена, 1892
Движение, ратовавшее за упрощение искусства, принимало различные формы. Например, работы знаменитого австрийского живописца и основного участника общества Венский сецессион, Гюстава Климта (1862-1918), гораздо более изысканны и декоративны, чем у того же Гогена. Климт любил орнамент, бронзовые и золотые цвета, богато украшенные одежды. При той же простоте линии и двухмерности изображения, примитивизм Климта роскошен.
Густав Климт, Ожидания, 1909
Густав Климт, Яблоня, 1912
Густав Климт, Девушка с веером, 1918
Однако, те, кого считают основоположниками примитивизма 20 века, жили во Франции. Морис де Вламинк (1876-1958), Анри Матисс () и Анри Дерен (1880-1954) тоже восхищались африканским искусством.Помимо этого, они разделяли и страсть к насыщенным цветам, как в произведениях Ван Гога. С голландцем их также связывало убеждение, что эмоции в картине важнее изображаемого объекта.
Результатом совмещения простоты племенного искусства и насыщенных, чистых цветов, они создали невероятно яркие и жизнерадостные работы. В них цвет - как способ передать эмоцию, а не описать реальный объект.
Морис де Вламинк, Фруктовый сад, 1905
Морис де Вламинк, Мост в Шату, 1907
Андре Дёрен, Эстак, 1905
Андре Дёрен, Мост Чаринг-Кросс, 1906
Анри Матисс, Красный лук, 1906
Анри Матисс, Гармония в красном, 1908
" Я переводил на язык цвета то, что видел инстинктивно без всякого метода, чтобы сказать правду не как художник, а как человек. Выжимая до конца, ломая тюбики аквамарина и киновари" - так Морис де Вламинк описывает свои работы того периода. Действительно, именно цвет станет вскоре визитной карточкой этой троицы художников. Они решили выставиться на Салоне 1905 года. Как водится, критика лютовала. Луи Воссель (влиятельный критик того времени) язвительно заметил, что картины писали "дикие звери" (les fauves фр.)
И хотя ни Матисс, ни Вламинк, ни Дёрен, не собирались связывать себя рамками какого-то направления, словечко им приглянулось.
Фовизм был в прямом и переносном смысле яркой вспышкой на небосклоне искусства. По сути, эта идея использовать большие пятна неразбавленного цвета в обрамлении простой формы получила свое логическое продолжение в работах многих художников 20 века.
Фриденсрайх Хундертвассер, Путь к тебе, 1966
Рой Лихтенштейн, Натюрморт с хрустальной вазой, 1973
Вилем де Кунинг, Без названия 5, 1983
Однако, в 1905 году публика еще не оправилась от неоимпрессинистов, а тут подоспел Матисс со своей знаменитой "Женщиной в шляпе".
Анри Матисс, Женщина в шляпе, 1905
Уж не знаю, была ли в тот момент рада мадам Матисс, что вышла замуж за художника, ибо портрет получился спорным. Желто-зеленое лицо, сведенное до нескольких простых мазков и оранжеватые штрихи волос не каждому придутся по вкусу. Однако, она пришлась по вкусу Лео Стайну - коллекционеру и покровителю современных художников. Он купил "Женщину в шляпе", а меньше чем через год приобрел "Радость жизни" - еще одно знаменитое полотно фовистского периода Матисса.
Анри Матисс, "Радость жизни", 1906
Вдохновленный пасторальными сценами, Матисс написал группы людей, предающихся различным наслаждениям: музыке, танцу, любви. И снова основной герой - цвет. Фигуры же людей написаны небрежно и двухмерно, хотя сама композиция выстроена аккуратно и гармонично.
Сам сюжет не настолько нов, как манера письма.
Агостино Караччи, Взаимная любовь, 1602
Контраст этих двух работ выявляет то, насколько изменилось восприятие художника. Создается впечатление, что Матисс балуется, заигрывает со зрителем. Его радость жизни не столько в сюжете, сколько в самой живописи: линии, цвете.
Матисс, по его собственному признанию, мечтал, чтобы искусство было вроде "хорошего кресла для отдыха". Даже когда фовизм остался в прошлом, художник продолжал работать по такому же принципу. Кстати, музой, подругой и спутницей для него стала девушка из Томска - Лидия Деликторская, которая оставалась с ним до конца его жизни, а потом подарила несколько полотен (оставленных ей Матиссом на безбедную старость) Пушкинскому музею и Эрмитажу.
Немного уйду в сторону: недавно, прочитанная мною критика искусства начала 20 века, заставила взглянуть немного по-другому и на полотна Матисса. Кроме прорывов в технических областях, это время было одновременно застоем в социальных отношениях. Привычные формы жизни порядком затерлись. Образ сытого буржуа во фраке, являвшимся основным заказчиком, осточертел художнику.
Желание ломать стало основной движущей силой. Кубисты, конечно, наглядней всего воплотили этот принцип, в буквальном смысле раскрошивший привычный облик вещей.
Но и другие художники, как мембрана улавливающие происходящее, отражали свое недовольство в живописи. Они меняли все, что было привычным обывателю, разрушали мещанский мирок у себя на холсте. Вольно или невольно, художник выражал протест против изживающих себя условностей. Может и контрасты фовистов - это не утверждение радости бытия, а такой же вызов реальности?
Отсюда и зеленые лица женщин, небрежный/ условный рисунок. С этой очки зрения полотно Матисса "Радость жизни" - скорее ирония или сатира над гедонизмом европейских буржуа, все удовольствие от жизни которых сводится к плотской любви, песням и пляскам. Такой конфетный мирок с фигурами, напоминающими ярмарочные леденцы. Но эта точка зрения не особо популярна. Всё же чаще творчество Матисса трактуют как выражение радости и яркости бытия.
Искусство как отрада для глаз и сердца - принцип, который был близок не только Матиссу. И если ему приходилось делать усилие для того, чтобы рисовать по детски легко, то Анри Руссо (1844-1910) делал это, потому что просто не умел по-другому.
Анри Руссо, Автопортрет, 1890
Анри Руссо - сотрудник таможни, малограмотный человек, решивший заняться живописью в 40 лет без получения какого-либо образования и профподготовки. Домосед, не любитель богемных тусовок и далекий от арт сообщества, он стал одним из самых знаменитых художников стиля примитивизм. Руссо был простодушен и наивен, возможно, поэтому в его работах есть незамысловатость детских рисунков. Конечно, публика и критика сначала подняла художника на смех.
Анри Руссо, Карнавальная ночь, 1886
Обаяние простоты и детскости показалось тогдашнему зрителю банальным неумением рисовать, не более. Однако, отсутствие техники у Руссо с лихвой компенсируется четкостью, характерной, опять же для японской гравюры. Начинающего художника здорово выручала абсолютная невосприимчивость к критике, позволившая ему продолжать заниматься любимым делом.
Анри Руссо
Понятно, что его произведения нельзя сравнить по исполнению с мастерами прошлого или талантливыми современниками. Руссо брал другим. Его незамысловатые сюжеты завораживали многих из артистического мира того времени. Среди поклонников был, например, Пикассо, которому принадлежит знаменитая фраза: " Я могу рисовать как Рафаэль, но мне понадобиться вся жизнь, чтобы научиться рисовать как ребенок". Руссо был тем, кто этого добился. Пикассо даже приобрел его картину "Портрет женщины", которая, по признанию испанца, просто заворожила его.
Анри Руссо, Портрет женщины, 1895
Работы Руссо, если так можно выразиться, одной ногой уже в сюрреализме. Они действительно завораживают не столько своей безыскусностью, сколько подтекстом, двусмысленностью, аллегоричностью. Это как те моменты в фильмах ужасов, когда качели на пустой детской площадке немного раскачиваются, вроде бы как от ветра.. Или нет? Руссо оставляет этот вопрос зрителю.
Манера Руссо восхищала не только Пабло Пикассо. Среди его поклонников был также румынский скульптор Константин Бранкузи (Брынкуши).Правда, в отличие от Руссо, художественная тусовка Парижа приняла его на ура. Бранкузи выбрал себе амплуа простолюдина-художника: окладистая борода, сабо и льняная рубаха. Материалы, с которыми работал скульптор были подстать - дерево и камень. Мрамор не особо впечатлял мастера.
Бранкузи какое-то время был учеником в мастерской Родена, но их подходы к работе оказались совершенно различны.
Огюст Роден, Поцелуй, 1886
Константин Бранкузи, Поцелуй, 1912
Изображения красноречивее любых объяснений. Бранкузи считал, что в скульптуре можно обходится без предварительной моделировки, работая сразу с материалом. Он старался максимально сохранить первоначальную форму породы, оставляя ее текстуру. Никаких романтических изгибов, простые линии, отсутствие декоративных элементов.. Скульптуры Бранкузи нравятся именно своей простотой и оригинальностью исполнения. В начале 20 века это был очередной вызов традиции.
За ним последовали и другие скульпторы примитивисты: Модильяни (да он пробовал себя и в скульптуре, причем вполне успешно), Джакометти, Хепворт..
Амадео Модильяни, Голова, 1910
Джакометти, Шагающий человек 1, 1960
Барбара Хепворт, Одиночная форма, 1964
В России - это скульптор Вадим Сидур. На мой взгляд, очень здорово.
Вадим Сидур
Вадим Сидур
В России, кстати, одними из первых примитивистов в живописи были Михаил Ларионов и Наталья Гончарова, работавшие в технике "лубок". Это вид графики, отличающееся простотой и плоским рисунком. Гончарова вдохновлялась русскими иконами. В своих работах она использовала характерных элемент иконописи - движки - вертикальные белые линии.
Михаил Ларионов, Еврейская Венера, 1912
Наталья Гончарова, Косари, 1911
Как мы видим, простота, упорядоченность и структура стали основополагающими понятиями и целями художников, начиная с постимпрессионистов. Однако, эти, казалось бы, безобидные стремления имели в себе и разрушительный потенциал. Ведь всякое желание уместить мир в структуру имеет обратную сторону - создание жесткой системы. А как показала практика, попытки подчинить все живое субъективной жесткой логике ведет к гибели и разрушениям. Дальнейшие события 20 века - яркое тому подтверждение.
Продолжение следует)
И постскриптум.
Чудесная американка - Бабуля Мозес - художница-любительница, представитель примитивизма второй половины 20 века, просто покорила мое сердце. Она даже чем-то напомнила мне голландцев с их уютными бытовыми сценами сельской жизни. Вот, например:
Бабуля Мозес, Ранняя весна на ферме, 1945
Питер Брейгель старший, Перепись, 1566
P.S спасибо всем, кто читает и кому интересно. Этот пост выкладываю поздно - уезжала - пришлось сделать перерыв)
Наивное искусство
(от лат. primitivus — первый, самый ранний) —
общее название творчества непрофессиональных
художников конца XIX-XX в., не знакомых с художественной грамотой или обращение
художников к формам т. н.примитивного искусства — первобытного, средневекового,
народного, искусства древних внеевропейских цивилизаций,
детского творчества.
Наиболее известные художники-примитивисты:
Нико Пиросманишвили,
Иван Генералич,
Бабушка Мозес,
Мария Примаченко,
Екатерина Билокур,
Генри Дарджер,
Никифор Крыницкий,
Мартин Рамирес,
Бунлыа Сулилат,
Анри Руссо.
Пиросмани «Жираф».
Неопримитивизм
Особенности неопримитивизма заключаются в нарочитом упрощении художественных
средств и форм ради достижения наибольшей выразительности, использование
яркого, локального цвета, искаженного рисунка, простой композиции
и т. п. При этом неопримитивизм опирается на опыт примитивного искусства
(искусства архаических культур,
народного искусства и т. п.).
Неопримитивизм сказался в творчестве почти всех ведущих мастеров XX века.
Культура островитян вдохновляла П. Гогена, скульптура народов Африки
оказала влияние на кубистов и т. д. Особую роль сыграл неопримитивизм
в становлении русского авангарда
Современные примитивисты
Николай Копейкин
Художник-антижлобалист, противник исключительно общественно полезной функции
искусства и усиления коммерциализации в нем. В своем творчестве он, однако
обращается к злободневным темам окружающей его действительности.
Митьки
Митьки́ — группа художников из Санкт-Петербурга, объединяющая около двух десятков
человек и названная по имени одного из них, Дмитрия Шагина.
Вокруг «Митьков» сформировалось своеобразное общественно-эстетическое движение,
участники которого проявляют себя в изобразительном искусстве, прозе, поэзии и стиле
жизни. Главные принципы этого стиля — доброта, любовь к ближнему,
жалостливость, предельная простота в речи и манере одеваться.
Школа Тингатинга
Живопись тингатинга возникла в 60-х годах ХХ века и получила название по имени
основателя направления — Эдуардо Саиди Тингатинга. Не имея академического
бразования, он рисовал родные мотивы — солнце, природу, зверей, птиц,
мифы и танцы -автомобильными красками на всем, что попадается.
Начиная с 70-х годов выставки школы с триумфом
проходят в крупнейших галереях и музеях мира.
По мнению искусствоведов, в настоящее время наблюдается смещение культурных
центров из Европы в Азию и Африку, формируется устойчивое направление
мировой культуре — яркий образец современной живописи, основанный на
национальных традициях, но при этом с новым уникальным взглядом.
Андрей Самарин
В своем творчестве художник отдает предпочтение древнейшему из видов искусств —
а именно графике — сочетанию черного и белого. Использование столь скупых
выразительных средств обусловлено применением примитивных приспособлений
— программы Пэйнт и компьютерной мыши. В каждой его работе, выполненной с
присущим ему чувством юмора, присутствует тонкое проникновение в суть предмета,
что делает его картины поистине реалистичными. Каждый персонаж наделен своим
собственным характером, а его настроение передается зрителю, что является
неоспоримым достоинством истинного произведения искусства.
Как бы ни были уродливы рисунки господина Самарина, в них перед нами встают
цельные образы, полные драматизма, юмора и философии.
C термином «примитивизм» в живописи не все так просто. Во-первых, искусствоведы не всегда сходятся во мнениях, говоря о расшифровке его значения. Помимо этого, все отягощается наличием синонимов, которыми его могут обозначать. Или не синонимов вовсе - смотря какой из точек зрения придерживаться.
Нико Пиросмани (Пиросманашвили). Лев и солнце
Разберемся по понятиям
В конце 19 - начале 20 веков некоторые прогрессивные европейские художники начинают сходить с ума по выразительности и лаконичности артефактов первобытных культур. Незамысловатая и грубая наивность африканских ритуальных масок и фигурок из дерева кажется им простым и очевидным ответом на поиски способов преодоления заскорузлости и застоя в академической живописи. К тому моменту импрессионизм уже утратил былую свежесть и скандальность, поэтому не мог претендовать на роль сотрясателя устоев.
К произведениям первобытных культур - предкам современных примитивистских шедевров - относятся как доисторическая наскальная живопись или каменные истуканы, так и культурные традиции современных племенных народов, заселяющих Африку, Океанию и им подобных. Африканские маски, похожие на эти, стали решающим фактором в возникновении многих авангардных течений в начале 19-го века.
Источник фото: newpackfon.ru
В одной из систем координат считается, что именно творчество профессиональных художников, обладающих академическим художественным образованием и всеми необходимыми навыками, но сознательно идущих на упрощение стилистических и технических приемов для подражания первобытному искусству, относится к примитивизму. Наследие же художников-самоучек, пишущих картины неумело, по-детски, в этом случае относят к наив-арту.
В другой искусствоведческой вселенной примитивизм и наивное искусство - полные синонимы и взаимозаменяемые понятия. С этой точки зрения термин «наивное искусство» - в своем роде эвфемизм, понадобившийся для большей благозвучности, в отличие от понятия «примитивизм», который во многих языках имеет несколько уничижительную коннотацию.
Мы примем за аксиому вторую версию и будем иметь в виду, что примитивизм, равно как и наивное искусство - стили, к которым относятся работы непрофессиональных художников, величина таланта которых перекрывает отсутствие некоторых скиллов вроде умения правильно выстроить перспективу или передать светотень.
Для наследия искушенных мастеров, со знанием дела подходящих к стилизации того или иного вида примитивного искусства (древней иконописи, этнических мотивов или лубка, например), мы применим термин «неопримитивизм». Именно так поступали в начале прошлого века члены русских художественных объединений «Бубновый валет» и «Ослиный хвост».
Казимир Северинович Малевич. Дети
1908, 30.2×23.8 см
Наталья Сергеевна Гончарова. Беление льна. Из «Крестьянской серии»
Такие авангардисты как Казимир Малевич, Михаил Ларионов и Наталья Гончарова черпали вдохновение в народном творчестве, которое также относят к примитивному искусству. А термин неопримитивизм вообще впервые был употреблен в памфлете Александра Шевченко, выпущенном художником в 1913 году: «Нео-примитивизм. Его теория. Его возможности. Его достижения».
Если в Западной Европе художники лишь частично использовали приемы наив-арта в своих работах, разрабатывая на их основе такие направления как фовизм, кубизм или экспрессионизм, то в России неопримитивизм стал значительным течением, из которого в конечном счете вырос и оформился супрематизм. Поэтому иногда западные искусствоведы применяют термин неопримитивизм именно в отношении российских приверженцев идеалов наивного искусства, усердно пропагандировавших и применявших их на практике.
Михаил Федорович Ларионов. Венера и Михаил
1912, 85.5×68 см
По замечанию Александр Бенуа, «Особенность неопримитивизма заключалась в том, что его представители стремились не к стилизации, не к подражанию народному мастеру, а к выражению существенных сторон народной эстетики. Здесь наиболее показательным примером оказывается творчество Ларионова, который - в соответствии с народной эстетикой - уравнивает важное и неважное, высокое и низменное, доходя в этом до крайности - культивируя принципы заборного рисунка и „казарменной живописи“» .
Назад к истокам
Путь через тернии к звездам примитивистам расчистили такие признанные творцы как Гоген, Пикассо и Матисс. После того, как в стремлении получить исцеление от тяжелого недуга, к которому Гоген причислял блага цивилизации, художник отправился на Таити и там всячески сливался с природой, попутно обогащая свой стиль яркими красками экзотического острова и наивными образами местной культуры, вслед за ним потянулись и другие.
Поль Гоген. Таитянские пасторали
1898, 87.5×113.7 см
Немецкие экспрессионисты Эмиль Нольде и Макс Пехштейн тоже пытали счастья на просторах Океании, а вот их соратники Эрнст Людвиг Кирхнер и Эрих Хеккель реконструировали первобытные декорации прямо у себя в мастерских. Французским художникам за вдохновением не приходилось ездить далеко, необязательно было даже покидать пределы Парижа. Из колоний Франции на Западе Африки торговцы привозили в столицу всевозможные этнические поделки, которые потом расселялись и по музеям, и мелким лавочкам.
Уилл Гомперц в книге «Непонятное искусство. От Моне до Бэнкси» рассказывает, как художник Морис де Вламинк нечаянно становится катализатором вспышки интереса к примитивному искусству и как следствие - возникновения такого направления как фовизм. В 1905 году он увидел в одном из парижских кафе три резные африканские маски. Под влиянием экспрессии «инстинктивного искусства», как он его называл, Вламинк выкупил маски у владельца заведения и поспешил показать добычу своим друзьям-художникам.
Анри Матисс. Женщина в шляпе
1905, 24×31 см
Морис де Вламинк. Ресторан
Андре Дерен. Порт Кольюр
1905, 72×91 см
Анри Матисс и Андре Дерен разделяли увлечение Вламинка экпрессивной палитрой Ван Гога и экзотическими исканиями Гогена. Его расчет оправдался: приятели расценили приобретенные артефакты как проявление свободы мышления, не засоренного материалистскими идеалами цивилизации, но сохранившего детскую непосредственность и наивность. Итогом встречи трех художников стал вывод, что цвет и эмоции на холсте имеют доминирующее значение, в отличие от реалистичности и достоверности изображения.
В результате на свет появились картины, где они попытались максимально воплотить в жизнь свои новые художественные принципы. Расцвеченные безумными для того времени сочетаниями чистых, несмешанных цветов, нанесенных резкими раздельными мазками, полотна были настолько вызывающими, что организаторы Салона 1905 года поначалу отказывались принимать работы для показа. Лишь благодаря личному авторитету Матисса все-таки удалось продавить участие экспериментов троицы в Салоне.
Потом будут бурные и полные возмущения отзывы искусствоведов, один из которых, как это часто бывает (см. импрессионизм) подарит название новому авангардному течению - фовизму: маститый критик Луи Восель скажет, что брызжущие цветом картины нарисовали дикие звери - «les fauves» по-французски. Но это уже немного другая история.
Как Пикассо отрыл Руссо
Живопись молодого многообещающего испанца также проделала выдающийся кульбит под непосредственным влиянием примитивного искусства и его исповедников. Когда Пикассо увидел последний писк авторства Матисса - кричащие, ни на что не похожие холсты, свободные от каких бы то ни было академических предрассудков, он потерял покой и сон. Недолго думая, Пикассо отправляется в этнографический музей, где хранилось обширное собрание африканских масок. Там он в некотором роде прошел через обряд инициации. Кто знает, может быть, в этих ритуальных предметах действительно заключалась магическая сила?
«Я был совсем один , - вспоминал художник. - Хотелось бежать оттуда. Но я остался. Просто не мог уйти. Я понял нечто очень важное; что-то происходило со мной. Я смотрел на эти фетиши, и мне вдруг стало ясно, что я тоже против всех. Я тоже ощущаю, что вокруг неведомое и враждебное. Когда я стоял один в том ужасном музее в окружении масок, индейских кукол, пыльных манекенов, мне, должно быть, и явились «Авиньонские девицы»; не то чтобы их подсказали увиденные формы: та картина стала моим первым опытом экзорцизма - да, именно так! "
Пабло Пикассо. Авиньонские девицы, 1907
Таким образом, несколько племенных артефактов заставили Пикассо написать картину, ставшую прародительницей кубизма, и, как его следствие, футуризма и еще доброй дюжины разных -измов. Но на этом их магическое вмешательство в тогдашнюю художественную жизнь французской столицы не ограничилась. Поддавшись очарованию первобытного искусства, Пикассо не смог пропустить феномен восходящей звезды наив-арта, и весомо приложил руку к тому, чтобы Париж всерьез отнесся к непрофессиональным творениям скромного работника таможни Анри Руссо.
Не имея художественного образования, Таможенник (как его прозвала парижская богема), тем не менее, имел серьезные амбиции в отношении живописи. Детская непосредственность сыграла на руку Руссо - иначе он вряд ли бы осмелился представить свои неловкие эксперименты на суд взыскательной публики Салона независимых 1986 года, где могли принимать участие все желающие художники.
Чуда не произошло, критики всячески изощрялись в насмешках над начинающим творцом сорока лет от роду, не имеющим понятия о линейной перспективе или принципах композиционного построения. Из стройного хора издевательств выбивался голос мэтра Камиля Писсаро, который отметил богатство тонов картины Руссо.
Анри Руссо. Карнавальный вечер
1886
Провал на Салоне независимых не смог сломить целеустремленного Таможенника. Напротив, он оставляет свою работу, чтобы все время посвятить карьере художника. Безгранично верил в него и главный его поклонник - Пикассо. Однажды он встретил в захолустной лавке картину Руссо, которая продавалась там по стоимости использованного холста - даже старьевщик не смел просить за нее большую цену. Испанец тут же купил ее и впоследствии хранил до конца своих дней, отвечая, что она его «захватила как наваждение … это один из наиболее правдивых психологических портретов во французской живописи» .
Анри Руссо. Портрет Ядвиги
Более того, он закатил званый ужин в честь странноватого портрета, куда позвал весь парижский бомонд и самого виновника торжества - первую суперзвезду наивного искусства. Картину Таможенника Пикассо повесил на самом видном месте в собственной мастерской, а ее автора усадил на кресло, больше смахивающее на трон. Это был настоящий триумф художника-любителя, хотя часть публики наверняка воспринимала происходящее как особо изощренную насмешку или розыгрыш.
Но только не Пикассо. Ему приписывают высказывание, что четыре года он учился писать, как Рафаэль, но целая жизнь ушла у него на то, чтобы научиться рисовать, как ребенок. Поэтому он восхищался даром Руссо, который позволил тому благополучно пропустить эти стадии и сразу приступить к созданию примитивистских шедевров.
Анри Руссо. Тигр в тропическую бурю
Из чего же сделаны картины примитивистов?
Какие признаки определяют, что перед вами - произведение наивного искусства, а не, скажем, работа экспрессиониста, абстракциониста или представителя какого-нибудь другого авангардного течения? К слову, прославившийся на поприще абстрактного экспрессионизма Марк Ротко искал вдохновение и секрет живописного мастерства в детском рисунке и даже посвятил этому целую книгу - еще до того, как начал самоотверженно возделывать живопись цветового поля.
Нико Пиросмани (Пиросманашвили). Медведица со своими медвежатами
1917, 140×100 см
Образцам примитивизма действительно свойственны характерные ошибки, которые допускают при рисовании дети. Но не обязательно наличие на одной картине всех нижеперечисленных. Кое-что художникам-самоучкам все же было под силу.
1. Отсутствие линейной перспективы: предметы на переднем плане равновелики объектам на заднем плане, из-за чего становится непонятным их соотношение в пространстве, а изображение теряет объем.
2. Детали фона прорабатываются с такой же тщательностью, как и предметы вблизи. Последствия такие же, как в предыдущем пункте.
Бабушка (Анна Мэри) Мозес. Застолье
3. Цвета не теряют яркости и насыщенности пропорционально удалению объектов от переднего края полотна. Изображение становится плоским и напоминает открытку.
4. Отсутствуют признаки каких бы то ни было источников освещения: даже при наличии на картине солнца все поверхности равномерно освещены, люди и предметы не отбрасывают теней, да и световых бликов тоже не сыщешь.
Камиль Бомбуа. Удивлённые купальщицы
1930, 65×81.5 см
5. Нарушение анатомии: пропорции человеческого тела, ошибки в изображении животных. А как же Пикассо, Сальвадор Дали, Фрэнсис Бэкон, и многие другие, по работам которых не скажешь, что они сколько-нибудь знакомы со строением человеческого тела? Они тоже примитивисты? - Нет. Глядя на картину представителя наив-арта, вы увидите, что человек старался, как мог, и именно благодаря этим усилиям их наивные попытки дотянуться до «больших» художников выглядят такими трогательными и обладают неотразимым обаянием. А вышеперечисленные деятели таких целей не преследовали, и в их списке точно не было пункта «всем понравиться».
6. Подобно детям, примитивисты не делают различий между реальностью и фантазией. На их картинах могут благополучно сосуществовать люди и единороги, причем в рамках не сюрреалистичной фантазии, а в качестве обыденности. Львы на таких полотнах не являются угрозой для человека, а олень может походить на сказочное существо.
Иван Генералич. Единорог
7. И, наконец, принципиальное различие, дающее ответ на закономерно возникающий вопрос, чем же все-таки отличаются беспредметные полотна модернистов в стиле «мой-5-летний-кто-угодно-может-лучше» от творений примитивистов. Непрофессиональные художники изображают предметы той степени реалистичности, которая им доступна в силу ограниченных знаний, навыков и умений. А представители авангардного искусства изо всех сил стараются забыть, чему их обучали в художественных школах или притворяются, что вовсе их не посещали. Но стройность и продуманность композиции, зашкаливающий символизм или предательски просвечивающий сквозь притворно-наивное и нарочито неумелое изображение культурный бэкграунд все равно выдаст профессионала. Да-да, можете разлогиниться, мы все равно вас узнали, товарищ Шагал и господин Клее.
Марк Захарович Шагал. Старик в очках
1950-е
Пауль Клее. Кукольный театр
1923
Примитивизм: шпаргалка. Художники, работавшие в стиле примитивизма
Анри Руссо, Нико Пиросманишвили, Иван Генералич, Бабушка Мозес, Мария Примаченко, Камиль Бомбуа, Никифор Крыницкий, Екатерина Билокур, Полина Райко, Серафина Луи, Олесь Семерня.
Знаковые картины примитивистов
Нико Пиросмани (Пиросманашвили). Актриса Маргарита
1909, 94×117 см
История картины Пиросмани стала легендой. Именно ее увековечил в стихах Андрей Вознесенский, которые положил на музыку Раймонд Паулс, создав песню «Миллион алых роз». Речь в ней идет о попытках бедного художника завоевать сердце неприступной французской актрисы Маргариты де Севр, выступавшей в Тифлисе в 1905 году, где и потерял от нее голову Пиросмани. По некоторым версиям, среди «моря цветов», которые прислал к гостинице своей зазнобы отчаянный Нико, были не только розы, и не только алые, но также маки, пионы, лилии, сирень, акация и другие цветочные дары земли грузинской. Все, что заслужил художник за свой поступок - лишь один поцелуй Маргариты. Но много лет спустя, растерявшая и толпы поклонников, и былую привлекательность актриса ежедневно приходила в Лувр, где в 1969 году экспонировалась картина Пиросмани, и часами вглядывалась в свой портрет. Так искусство пережило недолговечную любовь и скоропреходящую красоту.
Мария Авксентьевна Примаченко. Рыбный царь поймал удода и рад
XX век
Безграничная фантазия, смелые цветовые решения, обезоруживающий народный колорит - лишь немногие составляющие секрета непритязательного на первый взгляд искусства художницы из украинской глубинки. Лишь однажды увидев картины Марии Примаченко, вряд ли удастся перепутать их с произведениям другого автора, настолько они оригинальны и самобытны. Их по достоинству оценили и за пределами отечества: работы Марии имели громкий успех на выставках в Париже, Варшаве, Праге и других европейских городах.
Анри Руссо. Сон
1910, 298×204 см
«Сон» считается одной из лучших картин Руссо. Автор давал такой комментарий своей поздней (а, возможно, и последней) работе: «Ядвиге снится волшебный сон. Она спокойно уснула под звуки флейты неизвестного соблазнителя. Когда месяц отбрасывает свет на цветы и зеленые деревья, звери, и даже хищники, замирают, прислушиваясь к чудесным звукам музыки» . Полотно впечатляет технической сложностью, а богатство палитры, которую отмечал Писсарро еще на первой картине Руссо, здесь достигает апогея: шутка ли, больше двух десятков оттенков одного только зеленого! Гипнотизирующему воздействию «Сна» были не в силах противостоять даже самые язвительные критики, а соотечественник и современник Руссо, литератор Андре Бретон заявил, что картина «впитала в себя всю поэзию и все тайны нашего времени» .
Вы эксперт, если:
Не постесняетесь произнести слово «примитивизм», говоря о средневековых шедеврах Рогира ван дер Вейдена или Дуччо ди Буонинсеньи.
Можете с ходу определить, где - целомудренная красавица кисти настоящего примитивиста Пиросмани, а где - подделка «под наив» Михаила Ларионова.
Нико Пиросмани (Пиросманашвили). Ортачальская красавица. Правая часть диптиха
Михаил Федорович Ларионов. Еврейская Венера
1912, 147 см
Вы профан, если:
Принимаете за чистую монету нарочитое упрощение, необходимое для создания иллюстраций и карикатур, считая их образчиками незамутненного примитивизма.
Считаете, что к примитивизму относится любое произведение искусства, которое так и тянет назвать каляками-маляками. На самом деле примитивизм (осознанный, предумышленный в том числе) - не только неумелая форма, но и особый взгляд на суть вещей: чистый, непосредственный, детский или даже первобытный. За картинами Малевича, Кандинского, Мондриана стоят большие, взрослые теории.
) в своих экспрессивных размашистых работах смогла сохранить прозрачность тумана, легкость паруса, плавное покачивание корабля на волнах.
Ее картины поражают своей глубиной, объемом, насыщенностью, а текстура такова, что от них невозможно оторвать взгляд.
Теплая простота Валентина Губарева
Художник-примитивист из Минска Валентин Губарев не гонится за славой и просто делает то, что любит. Его творчество безумно популярно за рубежом, но почти незнакомо его соотечественникам. В середине 90-х годов в его бытовые зарисовки влюбились французы и заключили с художником контракт на 16 лет. Картины, которые, казалось бы, должны быть понятны только нам, носителям «скромного обаяния неразвитого социализма», понравились европейской публике, и начались выставки в Швейцарии, Германии, Великобритании и других странах.
Чувственный реализм Сергея Маршенникова
Сергею Маршенникову 41 год. Он живет в Санкт-Петербурге и творит в лучших традициях классической русской школы реалистичной портретной живописи. Героинями его полотен становятся нежные и беззащитные в своей полуобнаженности женщины. На многих самых известных картинах изображена муза и жена художника - Наталья.
Близорукий мир Филипа Барлоу
В современную эпоху картинок высокого разрешения и расцвета гиперреализма творчество Филипа Барлоу (Philip Barlow) сразу привлекает внимание. Однако от зрителя требуется определенное усилие для того, чтобы заставить себя смотреть на размытые силуэты и яркие пятна на полотнах автора. Наверное, так видят мир без очков и контактных линз люди, страдающие близорукостью.
Солнечные зайчики Лорана Парселье
Живопись Лорана Парселье (Laurent Parcelier) - это удивительный мир, в котором нет ни грусти, ни уныния. У него вы не встретите хмурых и дождливых картин. На его полотнах много света, воздуха и ярких красок, которые художник наносит характерными узнаваемыми мазками. Это создает ощущение, будто картины сотканы из тысячи солнечных зайчиков.
Динамика города в работах Джереми Манна
Маслом на деревянных панелях американский художник Джереми Манн (Jeremy Mann) пишет динамичные портреты современного мегаполиса. «Абстрактные формы, линии, контраст светлых и темных пятен - все создает картину, которая вызывает то чувство, которое человек испытывает в толпе и суматохе города, но также может выразить и спокойствие, которое обретается при созерцании тихой красоты», - говорит художник.
Иллюзорный мир Нила Саймона
На картинах британского художника Нила Саймона (Neil Simone) все не так, как кажется на первый взгляд. «Для меня мир вокруг - это череда хрупких и постоянно меняющихся форм, теней и границ», - говорит Саймон. И на его картинах все действительно иллюзорно и взаимосвязано. Границы смываются, а сюжеты перетекают друг в друга.
Любовная драма Жозефа Лорассо
Итальянец по происхождению современный американский художник Жозеф Лорассо (Joseph Lorusso) переносит на холст сюжеты, подсмотренные им в повседневной жизни обычных людей. Объятия и поцелуи, страстные порывы, минутки нежности и желания наполняют его эмоциональные картины.
Деревенская жизнь Дмитрия Лёвина
Дмитрий Лёвин - признанный мастер русского пейзажа, зарекомендовавший себя как талантливый представитель русской реалистической школы. Важнейший источник его искусства - привязанность к природе, которую он нежно и страстно любит и частью которой себя ощущает.
Яркий восток Валерия Блохина
