Игорь Федорович Стравинский - пожалуй, самая противоречивая и авангардная фигура в музыкальной культуре XX века. Его самобытное творчество не вписывается в рамки какой-то одной стилистической модели, в нем самым неожиданным образом сочетаются различные направления, за что композитора современники прозвали «человеком тысячи одного стиля». Великий экспериментатор, он чутко улавливал изменения, которые происходили в жизни, и стремился жить вместе со временем. И все же у его музыки есть свое истинное лицо - русское. Все сочинения Стравинского глубоко проникнуты русским духом - это снискало композитору невероятную популярность за рубежом и искреннюю любовь в Отечестве.
Краткую биографию Игоря Стравинского и множество интересных фактов о композиторе читайте на нашей странице.
Краткая биография Стравинского
Игорь появился на свет в 1882 году в местечке Ораниенбаум в театральной семье. Отец будущего композитора блистал на оперной сцене Мариинского театра, а мать, будучи пианисткой, аккомпанировала мужу во время концертов. В их доме собирался весь артистический и культурный цвет Петербурга - Лядов , Римский-Корсаков, Кюи, Стасов, захаживал Достоевский. Творческая атмосфера, в которой рос будущий композитор, впоследствии сказалась на формировании его художественных вкусов и разноплановости формы и содержания музыкальных сочинений.
В годы его детства и ранней юности трудно было даже заподозрить, что в семье растет гений. В 9 лет Игоря начали учить музыке, однако предпосылок к перспективной музыкальной карьере родители в сыне не разглядели. По их настоянию Стравинский, который учился далеко не блестяще, поступил в университет на факультет юридических наук. Тогда и начал проявляться его глубокий и серьезный интерес к музыке. Правда, знаменитый композитор и близкий друг семьи Римский-Корсаков , у которого юный Стравинский на протяжении всего времени студенчества брал уроки оркестровки и композиции, поступать в консерваторию своему ученику... отсоветовал, считая, что не стоит тратить время на теоретическую подготовку, когда нужно сосредоточиться на практике. Он сумел дать Стравинскому крепкую композиторскую школу, и будущий разрушитель музыкальных стереотипов на всю жизнь сохранил об учителе самые теплые воспоминания.
Слава обрушилась на Игоря Стравинского неожиданно, и этот факт имеет прямую взаимосвязь с именем основателя «Русских сезонов » в Париже Сергея Дягилева. В 1909 году известный антрепренер, планируя пятые по счету «сезоны», был поглощен поисками композитора для нового балетного спектакля «Жар-птица ». Дело это было непростое, поскольку для покорения искушенной французской публики требовалось создать нечто совершенно особенное, дерзкое, оригинальное. Дягилеву посоветовали обратить внимание на 28-летнего Стравинского. Молодой композитор не был известен широкой публике, но скептицизм Дягилева растаял в тот же миг, как только он услышал в исполнении Стравинского одно из его сочинений. Опытный импресарио, обладавший удивительным чутьем на таланты, и здесь не ошибся.
После премьерного показа «Жар-птицы», открывшей в 1910 году очередную грань русского искусства для парижан, Стравинский обрел невероятную популярность и в одночасье стал самым модным русским композитором у европейской публики. Следующие три года доказали, что успех «Жар-птицы» не являлся мимолетной случайностью. За это время Стравинский написал еще два балета - «Петрушка » и «Весна священная». Но если «Жар-птица» и «Петрушка» вызвали у публики неистовый восторг чуть не с первых тактов, то «Весну священную » зрители сначала не приняли до такой степени, что на премьере разыгрался один из самых грандиозных скандалов в истории театра. Музыку Стравинского возмущенные парижане назвали варварской, а его самого - «распоясавшимся русским».
«Весна священная» стала для композитора последним сочинением, которое он написал на Родине. Дальше его ждали долгие и непростые годы вынужденной эмиграции.
Первая мировая война застигла композитора и его близких в швейцарском городке Монтрё. Согласно биографии Стравинского с 1920 года его основным местом жительства стал Париж. В последующие 20 лет композитор много экспериментирует с различными стилями, используя музыкальную эстетику античности, барокко, классицизма, но интерпретирует их в нетрадиционном ключе, намеренно создавая музыкальные мистификации. В 1924 году Игорь Стравинский впервые предстает перед парижской публикой еще и как талантливый исполнитель своих произведений.
В 1934 году он принимает французское подданство и выпускает автобиографический труд под названием «Хроника моей жизни». Конец 30-х годов Стравинский впоследствии назовет самым тяжелым периодом в своей судьбе. Он пережил огромную трагедию - за короткое время композитор потерял трех дорогих ему людей. В 1938 году умерла его дочь, а в 1939 – мать и жена. Глубокий душевный кризис, вызванный личной драмой, еще более усугубился с началом Второй мировой войны. Спасением для него стал новый брак и переезд в США. Знакомство с этой страной состоялось у Стравинского в 1936 году, когда он впервые предпринял заокеанское гастрольное турне. После переезда композитор выбрал своим местом жительства Сан-Франциско, а вскорости перебрался в Лос-Анджелес. Спустя 5 лет после переезда он становится гражданином Соединенных Штатов.
Поздний этап творчества Стравинского характеризуется преобладанием в нем духовной тематики. Кульминацией творчества становится «Реквием» («Заупокойные песнопения») – это квинтэссенция художественных исканий композитора. Свой последний шедевр Стравинский написал в 84-летнем возрасте, когда был уже тяжело болен и предчувствовал свой скорый уход. «Реквиемом», по сути, он подвел итог прожитой жизни.
Композитора не стало 6 апреля 1971 года. По его желанию он похоронен в Венеции рядом со своим давним другом Сергеем Дягилевым .
Интересные факты о Стравинском
- Стравинский обладал редкостным трудолюбием, он мог без перерыва работать по 18 часов. В 75 лет у него был 10-часовой рабочий день: до обеда он 4-5 часов занимался сочинением музыки, а после обеда 5-6 часов посвящал оркестровке или переложениям.
- Дочь И. Стравинского Людмила стала женой поэта Юрия Мандельштама.
- Стравинского и Дягилева связывали не только узы дружбы, но и родства. Они приходились друг другу пятиюродными братьями.
- Первый музей композитора был создан в 1990 году на Украине, в городе детства Стравинского Устилуг, где находилось их семейное поместье. С 1994 года на Волыни существует традиция проведения фестиваля музыки имени Игоря Стравинского.
- Композитор всегда тосковал по России. Из биографии Стравинского мы узнаём, что в октябре 1962 года заветная мечта сбылась - после полувекового отсутствия он приехал на Родину, приняв приглашение отметить здесь 80-летний юбилей. Он дал несколько концертов в Москве и родном Ленинграде, встретился с Хрущевым. Но его приезд был омрачен пристальным надзором спецслужб, которые в своем служебном рвении даже отключали телефоны в гостиницах, чтобы ограничить контакты композитора с соотечественниками. Когда после этой поездки одна из родственниц спросила Стравинского, почему бы ему не переселиться на Родину, тот с горькой иронией ответил: «Хорошего понемножку».
- Стравинского связывали узы дружбы и приятельства со многими известными людьми из мира искусства, литературы, кино - Дебюсси, Равелем, Сати, Прустом, Пикассо, Олдосом Хаксли, Чарли Чаплиным, Коко Шанель, Уолтом Диснеем.
- Композитор всегда опасался простуд - по этой причине он предпочитал теплую одежду и, бывало, даже спать ложился в берете.
- Люди, имевшие привычку громко разговаривать, вызывали в Стравинском инстинктивный ужас, зато любой намек на критику в его адрес провоцировал в нем вспышку ярости.
- Стравинский любил пропустить рюмку-другую и по этому поводу со свойственным ему остроумием шутил, что его фамилию следовало бы писать «Стрависки».
- Стравинский свободно владел четырьмя языками, а писал на семи языках - французском, немецком, английском, итальянском, латинском, иврите и русском.
- Однажды таможенники на итальянской границе заинтересовались необычным портретом композитора, написанным его другом Пабло Пикассо в футуристической манере. Изображение, состоявшее из непонятных кружков и линий, было мало похоже на портрет человека, и в результате таможенники изъяли у Стравинского шедевр Пикассо, посчитав его секретным военным планом...
- На музыку Стравинского в СССР длительное время был наложен запрет, а за интерес к партитурам композитора-эмигранта студентов исключали из музыкальных училищ.
- Трудные годы безденежья сформировали в характере композитора привычку экономить даже в мелочах: если он видел на полученном письме марку без следов штемпеля, он осторожно отклеивал её, чтобы использовать ещё раз.
- Стравинский замечательно рисовал, был тонким ценителем живописи. Из 10 000 томов его домашней библиотеки в Лос-Анджелесе две трети книг были посвящены изобразительному искусству.
- В 1944 году Стравинский в качестве эксперимента сделал аранжировку официального гимна Соединенных Штатов, чем вызвал грандиозный скандал. Полиция сделала композитору предупреждение, что если подобное хулиганство повторится, ему будет выписан штраф.
- Французская богема была покорена музыкой Стравинского до такой степени, что популярный музыкальный критик Флоран Шмитт назвал принадлежащий ему загородный дом «Виллой Жар-птицы».
- В 1982 году партитура «Весны священной» была продана на аукционе швейцарскому меценату Паулю Захеру за $ 548 000. Эта сумма стала самой большой, которую давали за автограф какого-либо композитора. Захер был лично знаком со Стравинским и приложил все усилия, чтобы заполучить раритеты, имеющие отношение к великому современнику. Сегодня фонд Захера обладает архивом Стравинского, включающим в себя 166 ящиков его писем и 225 ящиков сохранившихся музыкальных автографов, их общая стоимость составляет $ 5 250 000.
- Авиалайнеру А-319 компании «Аэрофлот» присвоено имя Стравинского.
- Главным украшением живописной площади Стравинского в Париже является оригинальный фонтан, который тоже носит его имя.
- В Кларане можно пройтись по улице «Весны священной» - работу над этим балетом Стравинский закончил именно в этой швейцарской деревне 17 ноября 1912 года.
Биография Стравинского гласит, что свою первую любовь Екатерину Носенко Стравинский встретил, когда ему шел...10-й год. Но чувство взаимной симпатии и доверия, вспыхнувшее между двумя детьми в первые минуты знакомства, они пронесли через всю жизнь. Даже тот факт, что Екатерина приходилась Стравинскому кузиной, не помешал им соединить свои судьбы. В 1906 году они тайно обвенчались, поскольку брачные союзы между близкими родственниками, к которым относились двоюродные братья и сёстры, были запрещены. Екатерина с ранних лет страдала болезнью легких, что не помешало ей родить супругу четверых детей – Федора, Людмилу, Святослава и Милену. Чтобы поддержать слабое здоровье жены, Стравинский увозил семью на зиму в Швейцарию. В 1914 году они, следуя заведенной традиции, выехали в Европу, а вернуться не смогли - сначала помешала Первая мировая война, потом революция. Финансовое положение семьи оказалось плачевным, так как все имущество и сбережения Стравинских остались в России. Добрым гением композитора в этот непростой период жизни оказалась знаменитая Габриэль Шанель, которая пригласила Стравинских пожить на своей вилле. Связывало ли этих двух незаурядных людей нечто большее, чем узы дружбы, неизвестно, хотя догадок по этому поводу и в наши дни существует много. Но то, что Коко Шанель долгие годы поддерживала семью композитора, бесспорный факт.
В 1921 г. в жизни Стравинского произошла еще одна судьбоносная встреча. С актрисой Верой Судейкиной, красавицей и умницей, композитора познакомил Дягилев. Вера была замужем, но вскоре оставила мужа, чтоб посвятить себя Стравинскому. Несмотря на страстную любовь, которая их связала, музыкант не ушел из семьи. Такая двойная жизнь, мучительная для всех, включая детей, которые знали о существовании в жизни отца другой женщины, продолжалась около 20 лет. В 1939 году Екатерина умерла от чахотки, а в 1940 Стравинский женился на Вере и вместе с ней уехал в США. Жизнь доказала, что их любовь была не прихотью, а настоящим, глубоким чувством. Они прожили в браке пятьдесят лет. Вера ушла из жизни в 94 года, пережив своего знаменитого супруга на десять лет. Ее похоронили в Венеции рядом с мужем.
Творчество Стравинского
В творчестве Стравинского условно выделяют три периода. Начальный называют «русским», его временные рамки ограничиваются 1908 - началом 1920-х годов. Именно тогда увидели свет балеты «Жар-птица», «Петрушка» и «Весна священная», сделавшие Стравинского знаменитым. Все три объединяет использование в партитуре русского фольклора со всем его богатством и разнообразием. Еще одним ярким образцом «русского» стиля стал балет-кантата «Свадебка», в основу которого легли мотивы деревенских свадебных песен. К этому же периоду относятся байка-пантомима на скотном дворе «Ренард » (1916), идея которой была навеяна народными сказками, оперы «Соловей » (1916) и «История солдата » (1918).
В творчестве Стравинского начала 20-х годов прослеживается стремление обратиться к опыту предыдущих эпох, использование принципов неоклассицизма. Тематика его произведений расширяется за счет обращения к библейским сюжетам, античной мифологии. «Первой ласточкой», возвестившей о том, что стилистическая концепция творчества композитора претерпевает глубинные изменения, стал балет с пением «Пульчинелла » (1920), где Стравинский использует музыку композиторов барочной эпохи. Отдавая дань неоклассицизму, композитор создал целый ряд разноплановых по жанру, структуре, стилистике произведений - оперы «Мавра », «Царь Эдип », «Похождения повесы », балеты «Поцелуй феи », «Аполлон Мусагет », «Орфей », «Симфония псалмов » для хора и оркестра, мелодрама «Персефона ». Период неоклассицизма продлился в творческой жизни композитора около 30 лет.
В 1947 году в окружении Стравинского появляется начинающий дирижер Роберт Крафт. Композитор проникся доверием к молодому коллеге настолько, что доверял ему дирижировать на своих концертах и даже согласился на его предложение записывать их беседы о музыке и искусстве.
Тесное общение с Крафтом сподвигло Стравинского к экспериментам с серийной техникой. Ее приверженцами были венские композиторы-новаторы А. Шенберг и А. фон Веберн. Но Стравинский и в этом случае не изменил своему творческому кредо - музыка, при создании которой он руководствовался принципами серийной техники, все равно сохраняет неповторимую авторскую манеру. Яркими иллюстрациями использования серийной техники являются балет «Агон », библейская опера «Потоп», оратории на библейские темы «Проповедь, притча и молитва » и «Плач пророка Иеремии ».
Музыка Стравинского, используемая в кинематографе
|
Фрагменты из произведений |
Фильмы |
|
«Жар-птица» |
«Хранители снов» (2012), «Ледяные замки» (2010), «Льюис» (2008), «Туннель Хайку» (2001) |
|
«Весна священная» |
«Магия лунного света» (2014), «Балерины» (2012), «Человек в Бате» (2010), «Последний танцор Мао» (2009), «Пропавший без вести» (2009), «Клуб неудачниц» (2001), «Воскрешая мертвецов» (1999), «Зимние каникулы» (1998) |
|
Реквием |
«Ганнибал» (2014) |
|
Эбони-концерт |
«Чико и Рита» (2010) |
|
«Аполлон Мусагет» |
«Круче не бывает» (2006) |
|
Концерт для струнного оркестра ре мажор |
«Мелинда и Мелинда» (2004) |
|
«Агон» |
«Очаровательная проказница» (1991) |
|
«Похождения повесы» |
«Монастырь» (1995) |
|
«История солдата» |
«Балкон» (1963) |
Фильмы об Игоре Стравинском
- Стравинский в Голливуде. (Франция, Германия, 2014) Документальный, биографический.
- «Коко Шанель и Игорь Стравинский» (Франция, Япония, Швейцария, 2009) Худ.фильм. Реж. Ян Кунен. Фильм снят по мотивам романа К. Гринхолфа «Coco and Igor». Премьерная демонстрация фильма состоялась в 2009 году на закрытии 62-го кинофестиваля в Каннах.
- Гении и злодеи. Игорь Стравинский. Долгая дорога к себе (2012) Документальный.
- Игорь Стравинский: композитор. / Igor Stravinsky: Composer. (Германия, Швеция, 2001), музыкальный, биографический. Реж. Янош Дарваш. В фильме можно услышать рассуждения Стравинского о жизни и музыке, воспоминания о Нижинском и рассказ об истории рождения балета «Жар-птица».
- Игорь Стравинский: из цикла передач «Гении». К 125-летию И.Ф. Стравинского. 2007. Документальный. Реж. Андрей Кончаловский.
- Однажды на границе... (Once, at a Border...) Великобритания, 1982. Документальный. Реж. Тони Палмер. Фильм был снят к 100-летнему юбилею композитора.
Творческое наследие Стравинского насчитывает более 7,5 тысяч страниц нотных партитур. В них заключен тернистый, но яркий творческий путь крупнейшего композитора ХХ века, справедливо называвшего себя «человеком мира», отражены идеи поиска гармонии и смысла бытия, воплощены все мыслимые стили и веяния мировой музыкальной культуры – от классики до джаза. Его музыка, которую современники зачастую не понимали, ругали, освистывали, сегодня признана эталоном авангардного искусства.
Видео: смотреть фильм о Стравинском
ОБЩАЯ ХАРАКТЕРИСТИКА ТВОРЧЕСТВА СТРАВИНСКОГО
Годы жизни композитора 1882 �1871.
За долгую жизнь этому Стравинскому удалось использовать все достижения современной
авангардной музыки. Русская народная песня, богатство ее ритмико-мелодической структуры
были для Стравинского источником создания собственной мелодики фольклорного типа.
Стравинский никогда не был просто эпигоном каких-либо стилей. Напротив, любая стилистическая
модель преображалась им в исключительно индивидуальное творение. При всей стилистической
контрастности творчество Стравинского отличается единством, обусловленным его русскими
корнями и наличием устойчивых элементов, проявляющихся в произведениях разных лет. Он одним
из первых открыл новые музыкально-структурные элементы в фольклоре, ассимилировал некоторые
современные интонации (напр., джазовые), внёс много нового в метроритмическую организацию,
оркестровку, трактовку жанров.
Но все же образно-стилистическая множественность т-ва С. подчинена в каждый творческий период
своей стержневой тенденции. Весь чрезвычайно продолжительный творческий путь Стравинского
принято разделять на три периода.
В русский период (1908начала 20-х гг.) Стравинский проявлял особый интерес к древнейшему
и современному ему русскому фольклору, к ритуальным и обрядовым образам. В эти годы
формируются принципы музыкальной эстетики Стравинского, связанные с ｫтеатром представленияｻ,
закладываются основные элементы музыкального языка ｫпопевочныйｻ тематизм, свободный
метроритм, остинатность, вариантное развитие и т. д. Период ознаменован безраздельным
господством русской тематики - будь то народная сказка, языческая обрядовость, городские бытовые
сцены или пушкинская поэма. Именно в этот период создаются ｫПетрушкаｻ русские потешные
сцены в четырёх картинах (1910-1911), ｫЖар-птицаｻ (1909-1910), ｫВесна священнаяｻ (1911-
1913), ｫИстория солдатаｻ, ｫБайка про Лису, Петуха, Кота да Баранаｻ (1915-1916), ｫМавраｻ
(1921-1922), ｫСвадебкаｻ (1917, окончательный вариант 1923).
В следующий, т. н. неоклассицистский, период (до начала 1950-х гг.) на смену русской тематике
пришла античная мифология, существенное место заняли библейские тексты. Стравинский
обращался к различным стилевым моделям, осваивая приёмы и средства европейской музыки
барокко (опера-оратория ｫЦарь Эдипｻ, 1927), технику старинного полифонии (ｫСимфония
псалмовｻ для хора и оркестра, 1930) и др. Названные сочинения, а также балет с пением
ｫПульчинеллаｻ (на темы Дж. Б. Перголези, 1920), балеты ｫПоцелуй феиｻ (1928), ｫОрфейｻ
(1947), 2-я и 3-я симф. (1940, 1945), опера ｫПохождения повесыｻ (1951) �не столько высокие
образцы стилизации, сколько яркие оригинальные произведения (используя различные историко-
стилистические модели, композитор в соответствии со своими индивидуальными качествами создаёт
современные по звучанию произведения).
Третий период творчества Стравинского, который подготовлялся исподволь, внутри второго,
наступает в начале 50-х годов. Дважды посетив Европу в течении 1951-1952 годов (в это время
композитор постоянно живет в Америке), он осваивает додекафонную технику (однако в
рамках присущего Стравинскому тонального мышления). На её основе создаются его последние
произведения - балет ｫАгонｻ (1953-1957), кантата ｫТрениｻ, опера-балет ｫПотопｻ (1961-1962),
ｫТри песни из Уильяма Шекспираｻ, ｫТраурная музыкаｻ памяти поэта Дилана Томаса и другие.
Также поздний период т-ва С. характеризуется преобладанием религиозной тематики (ｫСвященное
песнопениеｻ (1956); "Плач пророка Иеремии" (1957-1958); реквием ｫЗаупокойные песнопенияｻ
(1966, итоговое сочинение композитора), и др.), усилением роли вокального начала (слова) .
По жанрам для ясности:
Музыкальный театр
ｫЖар-птицаｻ, балет в двух сценах (1909-1910)
ｫПетрушкаｻ, русские потешные сцены в четырёх картинах (1910-1911, редакция 1948)
ｫВесна священнаяｻ, сцены языческой Руси в двух картинах (1911-1913, редакция 1943)
ｫСоловейｻ, опера в трёх действиях (1908-1914),
ｫБайка про Лису, Петуха, Кота да Баранаｻ (1915-1916), либретто автора по русским сказкам из
ｫСвадебкаｻ, русские хореографические сцены для солистов, хора, четырёх фортепиано и ударных
ｫИстория солдатаｻ (ｫСказка о беглом солдате и чёрте, играемая, читаемая и танцуемаяｻ) для трёх
чтецов, танцовщицы и инструментального ансамбля (1918)
ｫПульчинеллаｻ, балет с пением в одном действии по музыке Галло, Перголези и других
композиторов (1919-1920)
ｫМавраｻ, комическая опера в одном действии (1921-1922)
ｫАполлон Мусагетｻ, балет в двух сценах (1927-1928)
ｫПоцелуй феиｻ, балет в четырёх сценах по музыке Чайковского (1928)
ｫПерсефонаｻ, мелодрама в трёх сценах для чтеца, тенора, хора и оркестра (1933-1934)
ｫИгра в картыｻ, балет ｫв трёх сдачахｻ (1936-1937)
ｫОрфейｻ, балет в трёх сценах (1947)
ｫПохождения повесыｻ, опера в трёх действиях с эпилогом (1947-1951)
ｫАгонｻ, балет (1953-1957).
ｫПотоп (опера)ｻ, библейская опера для солистов, актёров, чтеца и оркестра (1961-1962).
Оркестровые произведения
Симфония Es-dur, op. 1 (1905-1907)
Игорь Федорович Стравинский (1882– 1971) - один из тех композиторов, которые оказали огромное влияние на развитие музыкального искусства в ХХ веке. В его творчестве сочетались разные, порой противоречивые черты. В смене и резкой стилевой изменчивости "стилевых манер" – своеобразие композиторской индивидуальности Стравинского.
«Русский период» – «Жар-птица", "Петрушка", "Весна священная", "Соловей" (1908-1914), "Свадебка"(1917), "Байка про Лису, Петуха, Кота да Барана" (1915-1916), «История солдата» (1917).
"Неоклассицистский период" - "Пульчинелла" (1919-1920), "Мавра" (1921- 1922), "Поцелуй феи" (1928), "Царь-Эдип" (1926-1927), Симфония псалмов" (193О), "Аполлон Мусагет" (1927-1921), "Похождения повесы" (1948-1951).
"Додекафонный период"- "Священное песнопение" (1955-1956), «Плач пророка Иеремии» (1957-1958), "Заупокойные песнопения" (1965-1961) – религиозная тематика. "Агон" (1953-1957).
В Первой симфонии Стравинского, исполненной в 1907 году, легко заметить следы воздействия монументальной манеры письма Глазунова. Так начался "ранний" Стравинский.
Уже в следующем произведении - вокальном цикле "Фавн и пастушка" на стихи Пушкина - Стравинский "отведал запретный плод", каким тогда казались тонкие, акварельные звучания, идущие от Дебюсси. И в последовавшем за "Фавном и пастушкой" Фантастическом скерцо явно сказывалась импрессионистская манера трактовки звуковой палитры. Равно как и в другой симфонической поэме "Фейерверк", само название которой ассоциируется с зрительными впечатлениями.
Следует напомнить, что русская школа, а особенно Римский-Корсаков, Мусоргский и Бородин, были для французских композиторов конца XIX века "землей обетованной", что, в частности, Дебюсси знал, изучал русскую музыку и немало его открытий связано с ее влиянием. Поэтому многое, воспринятое у французов, было в какой-то степени взято Стравинским "из вторых рук".
Его потрясла смерть Римского-Корсакова (1908), к которому он относился с сыновней любовью. Памяти учителя он посвятил Траурную песню для оркестра. Судьба этого произведения трагична. Исполненное только один раз, оно исчезло. Ни партитуры, ни оркестровых партий до сих пор обнаружить не удалось.
Событием, определившим целый этап в жизни Стравинского, стало знакомство с С. Дягилевым, человеком, посвятившим себя делу пропаганды русского искусства. Возглавив журнал и кружок, известные под названием "Мир искусств", Дягилев считал, что существует несоответствие между ценностью и значением русской художественной культуры конца XIX - начала XX века, с одной стороны, и ее популярностью на западе - с другой. По его инициативе организуются в Париже "русские сезоны": симфонические, оперные, балетные. Глубоко ценя русскую художественную культуру от икон Рублева и до живописи, театра, музыки своих современников, Дягилев организует выставки, собирает великолепные оперные и балетные коллективы, знакомит парижан и космополитическую публику театров Парижа с искусством Шаляпина, Ершова, Анны Павловой, Карсавиной, Нижинского. Он "открывает" Михаила Фокина и покоряет публику и прессу поставленными Фокиным в "Князе Игоре" Половецкими плясками. Чтобы еще выше поднять престиж русского балета, по мнению Дягилева, нужен балетный спектакль - яркий и причудливый, нужно, иначе говоря, показать в Париже русскую балетную сказку. Но не показывать же "Конька-Горбунка" с музыкой сомнительных достоинств, с обветшалой хореографией полувековой давности. Фокин предлагает Лядову, чьи партитуры "Волшебного озера" и "Кикиморы" обворожили своей изысканной фантастикой, тонко разработанное либретто на сюжет "Жар-птицы". Конечно, Лядов написал бы и "Жар-птицу", если бы не неодолимая лень, донимавшая его большую часть жизни. Лядов согласился и... подвел. Времени оставалось совсем мало. Положение сложилось безвыходное. Тогда Дягилев вспомнил о Стравинском. Риск был велик. Но в Стравинского Дягилев уверовал.
25 июня 1910 года - точная дата начала мировой славы Игоря Стравинского, дата премьеры "Жар-птицы" на сцене парижской Гранд Опера. Традициями "позднего Римского" пронизана вся партитура балетного первенца Стравинского. И "Кащей Бессмертный", и "Золотой петушок" дают о себе знать. И вместе с тем это уже Стравинский, ошеломивший невероятной красочностью тембровой палитры, ослепивший поразительной ее яркостью.
В следующем году - "Петрушка". Этот балет Стравинский пишет на либретто Александра Бенуа. Незримо здесь присутствует и Блок с его "Балаганчиком", с Пьеро - родным братом Петрушки, с картонной невестой, напоминающей Балерину, героиню балета, в которую трагически влюблен Петрушка и из-за которой он и гибнет от удара сабли кривоногого Арапа.
За год, отделяющий "Петрушку" от "Жар-птицы", композитор освобождается от сковывавшей его оболочки-кокона. Здесь он уже целиком Стравинский. Здесь все ново: и улично-балаганный "низменный" фольклор, и новые, никем до него не использованные приемы оркестровки, и свободное многоголосие, в основе которого сочетание не только нескольких мелодических линий, но целых пластов, включающих гармонические комплексы, каждый из которых окрашен иной тембральной гаммой. В "Петрушке" Стравинский заговорил на музыкальном языке, буквально неслыханном и вместе с тем понятном каждому благодаря его остротеатральной образности, национальным истокам, непосредственно вытекающим из русского музыкального быта 30 - 10-х годов XIX века.
Летом 1913 года в Париже разразился "грандиозный театральный скандал", как дружно писали газеты. Виновником был Игорь Стравинский, поводом же для скандала - балет "Весна священная", носивший подзаголовок "Картины языческой Руси". Интерес к дохристианскому периоду истории славянских народов привел к появлению полотен Н. Рериха, оперы "Млада" Римского-Корсакова, замысла балета "Ала и Лоллий" Прокофьева. Но ни одно из названных произведений не взбудоражило так, как "Весна священная". Стравинский исходил из попевок, близких древнейшим образцам русских, украинских, белорусских обрядовых песен и наигрышей, возможно, восходивших к подлинным "веснянкам", звучавшим по берегам Днепра, Тесны, Березины и во времена незапамятные. Мы располагаем сведениями о том, что в поместье Устилуг на Волыни Стравинский записывал старинные песни, кто знает сколько поколений передававшиеся из уст в уста.
Композитор воскрешает в музыке первозданную суровость обычаев племени, возглавляемого Старейшим-Мудрейшим, возрождает обряды весенних гаданий, заклинаний сил природы, сцену умыкания девушек, древнейший обряд Поцелуя земли, величание Избранной и, наконец, орошение земли ее жертвенной кровью. Музыка "Весны священной" насыщена такой напряженной, стихийной силой диссонансов, какая никогда еще не возникала в партитуре ни одного композитора. Большое место в музыке "Весны" занимают политональные построения. Сложность гармонического языка, усугубляемая изощренностью ритмов, непрестанно меняющих свои очертания, как полыхающее пламя, сплетающиеся мелодические потоки, - все это производит впечатление какой-то первобытной дикости, мира прапредков, в котором природа и человек нераздельно едины.
В скандале, вспыхнувшем в вечер премьеры, поначалу винили Стравинского, но музыка "Весны" была реабилитирована, когда, исполненная в симфоническом концерте, она вызвала овации. Значительную долю вины следует адресовать Вацлаву Нижинскому, талантливейшему танцовщику, лишенному, однако, балетмейстерского дара и опыта. Позже один из критиков писал: "Парижская премьера "Весны священной" вспоминается как что-то очень значительное, как битва под Ватерлоо, как первый полет воздушного шара".
В каждом из первых трех балетов, образующих ядро "русского периода" Стравинского, сквозь разные грани преломляются национальные черты его музыкального мышления. И в трех последующих произведениях - "Истории солдата", "Свадебке" и "Мавре" - он находит снова несхожие между собой истолкования национальных особенностей русской музыки.
В основу сюжета "Истории солдата" (1918) положены сказки из сборника А. Афанасьева о беглом солдате, встретившем черта. Жанр "Истории солдата" Стравинский определяет так: "Сказка о беглом солдате и черте, читаемая, играемая и танцуемая". Множество вариантов этой сказки бытовало в николаевскую эпоху, отражая тяготы солдатчины, тянувшейся десятки лет.
Оторванный от родной земли, живя с 1913 года то во Франции, то в Швейцарии, Стравинский пишет диковинную и страшную историю о том, как солдат продал душу черту и выменял свою скрипку на чародейскую книгу, приносящую ему фантастические доходы. И, хотя герой исцеляет от хандры принцессу, танцует с нею и танго и регтайм, наконец женится на ней, сам он по-прежнему остается русским солдатом. Стоит только послушать заунывное веселье его скрипки, когда, усевшись у ручья, он отводит душу, чтобы ощутить, как заела солдата тоска по родной земле, где хатка матери, и невеста, и погост... Чудится в "Истории солдата" какой-то надрывный, символический подтекст. . . Невольно вспоминается душевная смута Рахманинова, породившая его Третью симфонию.
"Свадебка" (1923) объединяет элементы кантаты, пантомимы и старинного обряда русской свадьбы. Исполнительский состав необычен: к хору и солистам добавляется "оркестр", состоящий из четырех фортепиано и набора ударных инструментов. Не лишено интереса, что на лондонской премьере "Свадебки" в 1926 году партии фортепиано играли французские композиторы Орик и Пуленк, итальянский композитор Риети и пианист Дукельский.
Этот инструментальный ансамбль напоминает какие-то своеобразные, остро и могуче звучащие гусли.
Стравинский кропотливо изучал музыкальные и текстовые материалы, весь "чин" свадебного обряда, "режиссуру" выходов, уходов, запевов действующих лиц свадебного ритуала, но всю музыкальную ткань сочинил, воспользовавшись одной только цитатой, песней "Я по пояс в золоте обвилась, жемчужные махорчики до земли". Свойственное русской народной музыке многоголосие расцветает чуть ли не в каждом такте этой поразительной партитуры.
В "Мавре" (1922) Стравинский обращается к Пушкину, к его "Домику в Коломне", пересочиненному на водевильный лад поэтом Борисом Кохно. К "Мавре" не нужно относиться как к произведению, ставящему глубокие проблемы. "Мавра" - это опера-анекдот. В ней преобладают шарж, гротеск, пародийность, но не сатира, потому что вызвана "Мавра" не насмешкой, а симпатией к быту петербургского захолустья пушкинской поры. Вся ее музыка навеяна подгитарной лирикой и ее отзвуками. Недаром Стравинский предпочел арии Параши песню "Ты не пой, кинареечка, в саду". Свою "оперку" Стравинский посвятил Пушкину, Глинке, Чайковскому, чьи портреты украшают титульный лист партитуры.
В книге "Хроника моей жизни" Стравинский вспоминает о единственной встрече с Чайковским: "...мне посчастливилось увидеть в фойе Петра Ильича Чайковского, кумира русской публики, которого я никогда до этого не встречал и которого мне не суждено было больше увидеть.. .Я не мог, конечно, себе представить, что эта, хотя и мимолетная, встреча с живым Чайковским сделается одним из самых дорогих для меня воспоминаний".
Забегая вперед, укажем на музыкальное, творческое выражение любви Стравинского к Чайковскому, на его балет "Поцелуй феи", написанный в 1928 году и названный автором "Аллегорическим балетом, навеянным музыкой Чайковского". В самом балете Стравинский использовал в качестве тематического материала ряд произведений Чайковского: "Колыбельную в бурю", "Юмореску", "Ната-вальс", "Ноктюрн", "Скерцо", "Листок из альбома", романс "Нет, только тот, кто знал". Либретто написано самим композитором, положившим в его основу сказку Г. Андерсена "Ледяная дева".
В годы, когда в европейском искусстве все активней развивается экспрессионизм с его гипертрофией эмоций, в противовес ему Стравинский обращается к искусству давно ушедших веков и оттуда черпает не только сюжеты, музыкальные материалы, приемы композиции, но прежде всего тот сдержанный эмоциональный ток, который не допускается к выхлестыванию вовне. Так возникают балеты "Пульчинелла" (1919), "Аполлон Мусагет" (1928) и уже упоминавшийся "Поцелуй феи"; опера-оратория "Царь Эдип" (1927), Симфония псалмов (1930), мелодрама "Персефона" (1934), Октет для флейты, кларнета, 2 фаготов, 2 труб и 2 тромбонов (1922-1923).
В литературе о Стравинском принята классификация его творческих периодов: русский, заканчивающийся "Свадебкой", то есть 1923 годом; неоклассический, охватывающий тридцатилетие до 1953 года; и додекафонический, наступивший в 1953 году и отмеченный созданием Септета - первого произведения, в котором намечается поворот ярого противника додекафонии к технике Шёнберга - Веберна (тут же оговорим, что такое деление грешит схематичностью и дает только ориентировочное представление об эволюции "почерка" Игоря Стравинского).
В большинстве произведений периода "неоклассицизма" Стравинский сохраняет "эпическое спокойствие", а в "Пульчинелле" и жизнерадостность. Этот балет возник по инициативе С. Дягилева, обнаружившего в итальянских архивах и Библиотеке Британского музея две неизвестные комические оперы Дж. Перголези и его же 12 сонат для двух скрипок и баса, кантату, инструментальную сюиту, гавот и Симфонию для виолончели и контрабаса. Кроме того, в Неаполе найдена была рукопись комедийного сценария XVIII века. На его основе выросла драматургия балета о любимом герое неаполитанской улицы, Пульчинелле, о его поклонницах Росетте и Пруденце, о ревнивых кавалерах молодых красавиц, о мнимой смерти Пульчинеллы и его веселом воскрешении и о трех свадьбах, сыгранных в один день и час. Поставленный на Парижской сцене Леонидом Мясиным в декорациях Пабло Пикассо, балет "Пульчинелла" занял прочное место в репертуаре театров, а в виде симфонической сюиты - на филармонических эстрадах.
И снова Стравинский обращается к далекому прошлому, на этот раз забираясь в глубь веков, в античную мифологию, где находит целый цикл легенд о сыне Зевса, Аполлоне - предводителе хора девяти муз. Стравинский сам сочиняет драматургическую канву балета. В центре балета состязание трех муз: музы пения Полигимнии, музы эпоса Каллиопы и музы танца Терпсихоры. В заключение Аполлон хвалит Терпсихору и сам танцует, показывая музам идеал соразмерности гармонии всех движений, к которому и надлежит стремиться в любом искусстве.
Стравинский был наделен поразительным даром перевоплощения. Этого не замечают те, кто упрекает Стравинского в стилизаторстве. Ни в "Пульчинелле", ни в "Мавре", ни в "Аполлоне Мусагете" Стравинский не становится па путь стилизации итальянской музыки, музыки пушкинской поры, или тем более - музыки Древней Греции, сведения о которой ограничиваются теоретическими данными и литературными свидетельствами. Сохраняя свою манеру письма, манеру и стиль композитора XX века, язык, инструментальные краски, гармонические и полифонические приемы, Стравинский двумя-тремя штрихами, своеобразием мелодического поворота и инструментальной характеристики "становится" итальянцем, современником Пушкина, свидетелем диалогов Аполлона и муз. Только в "Пульчинелле", как указывалось, он пользуется материалами Перголези. Но и их он "пересказывает своими словами". И если здесь речь может идти о стилизации, то о стилизации особого рода: Перголези "под Стравинского".
Еще несколько раз после "Аполлона" Стравинского привлекает античность. В 1927 году он пишет оперу-ораторию "Царь Эдип", через семь лет - мелодраму "Персефотта", а в 1948 году - балет "Орфей". Эти произведения укладываются в рамки "неоклассического" периода. Но и в балете "Агон", появившемся в 1957 году, судя по названию ("Агон" по-гречески значит - состязание, соревнование), ощущаются веяния античности, хотя балет бессюжетен.
Первое из названных здесь произведений - "Царь Эдип". Трагедия Софокла претворена Стравинским в оперу-ораторию торжественного монументального стиля. В ней сохранена сценарная канва действия, но само действие, речи-арии, интонации хора лишены пафоса, того страстного воодушевления, которым герои греческих трагедий потрясали огромные амфитеатры Эллады, следящие за сменами силы и слабости человеческих характеров, за борьбой с роковым предопределением. Прав Б. Ярустовский, указывавший, что "свои силы Стравинский направил на "объективизацию" трагедии Софокла". Но даже в таком "объективизированном" виде "Эдип" оставляет большое впечатление холодной строгостью мелодических контуров, суровой монументальностью форм, немногословием трагедийного сказа, общей атмосферой значительности происходящих событий. За сорок с лишним лет жизни на концертных эстрадах и оперных сценах "Царь Эдип" стал одним из самых популярных произведений Игоря Стравинского.
Новое обращение к античности связано с сочинением по заказу русской балерины Иды Рубинштейн (1885-1960) "Персефоны" (1934), трактованной в жанре мелодрамы, как в средние века называли драмы с пением, инструментальной музыкой и танцами. В балете нашел свое воплощение извечный кругооборот природы, в античной мифологии символизируемый уходом Персефоны, дочери богини плодородия, к мужу своему Плутону в подземный мир и возвращением ее на землю. Природа, погруженная в печаль и оцепенение, и природа по-весеннему ликующая, с необыкновенной тонкостью переданы средствами оркестра, смешанного и детского хора и солирующего певца. Действие же осуществляется пантомимой, почти статичной, состоящей преимущественно из поз, а не передвижений по сцене. Музыка "Персефопы" - еще один пример столь типичной для Стравинского "объективизации", сторонящейся прямого эмоционального высказывания. Особенно Стравинский сторонится высказываний от первого лица, боится "эксгибиционизма", то есть "самообнажения", считая, что дело композитора - создавать музыку, а не раскрывать себя через музыку. И если созданная им музыка возбуждает у слушателей различные эмоциональные состояния, то это - результат контакта, установившегося между слушателями и музыкой. В этом процессе личность композитора не играет никакой роли. Композитор в стороне.
Этой концепции идеально отвечает "Симфония псалмов", сочиненная в 1930 году "Во славу бога и посвященная Бостонскому оркестру в честь его 50-летия". В творческой биографии Стравинского Симфония псалмов занимает место, аналогичное по значению месту, занимаемому "Весной священной". Две эти партитуры Стравинского оказали и продолжают оказывать сильнейшее воздействие на характер музыкального мышления XX века.
Чтобы написать "Весну священную", Стравинскому вовсе не нужно было становиться язычником. Точно так же для сочинения Симфонии псалмов и даже приведенного выше посвящения не обязательно было вступать в монашеский орден. Достаточно было представить себя в монашеской тоге. Это еще один, возможно наиболее поразительный, пример "перевоплощения", о котором речь шла выше.
В трехчастной "Симфонии" использованы тексты трех псалмов. Но - странная вещь - композитор отнесся с полным безразличием к их содержанию, коль скоро решались совершенно иные задачи. Первая из них - подчинение строгой полифонической дисциплине всех элементов симфонии, даже самого процесса формообразования. Поэтому в Симфонии псалмов и возникают прямые несоответствия между "смыслом" текста и его музыкальным "озвучиванием". На это неоднократно обращалось внимание. В частности, один из исследователей пишет: "Фактом является то, что самые радостные стихи псалмов даны в суровой инструментовке и в таком же мрачном хоровом звучании, а наиболее впечатляющий эпизод, вопреки характеру текста ("Laudate"), дан в пониженной динамике. Это свидетельствует о том, сколь мало соответствует музыка произведению, написанному "во славу бога". В Симфонии псалмов властвует полифония, строгая, рационально использующая каждый мелодический оборот. Она достигает наивысшего выражения во II части, написанной в форме двойной фуги.
Композитор ограничил себя выразительными средствами смешанного хора и симфонического оркестра, из которого изъял скрипки и альты. Такая аскетичность только подчеркнула суровость замысла. На Симфонии псалмов завершается эволюция оркестрового письма от романтизма к конструктивизму. У романтиков звуковая атмосфера была уплотнена, а у неоромантиков (Вагнер, Рих. Штраус) стала "переуплотненной": все "этажи" партитуры заполнялись плотной подвижной фактурой. Импрессионисты как бы "прорубили просеки"; в звуковом лесу стало больше воздуха, и каждая ветвь прослеживалась от ствола до последнего листка. Стравинский пошел еще дальше: он "разредил" звуковую ткань, и в разреженной атмосфере событием стала каждая нота.
Правы многочисленные, критики, которые, независимо друг от друга, высказывали мысль о том, что никогда нельзя предвидеть жанр, стиль, манеру письма, направленность сюжета любого, следующего произведения Стравинского, настолько особняком стоит каждое его сочинение. Стравинский был наделен редкой чертой, которую можно назвать "пеповторямостью". Недаром его называли "композитором тысячи одного стиля".
Среди сочинений предвоенного десятилетия - в их числе Концерт для скрипки с оркестром (1931), упоминавшаяся уже "Персефона", Концерт для камерного оркестра (1937), "Балетные сцены" (1938) - значительный интерес представляет и балет "Игра в карты" (1937), Музыка этого балета полна живости и обаяния, и хотя ничто в чисто музыкальном плане не напоминает "Пульчинеллу", их роднит остроумие, легкость, игривость, идущие, по-видимому, от "невсамделишности" происходящего на сцене, ибо герои балета - колода карт для игры в покер.
Сцена представляет собой крытый зеленым сукном ломберный столик - поле карточной битвы. Ведущие карты каждой масти: Туз, Король, Дама и Валет - солисты, их окружает кордебалет, куда входят карты младших рангов. Главное действующее лицо, скрытая и явная пружина - Джокер, тасующий по своему усмотрению карты, создающий любые "комбинации". Как только он замечает, что Трефовый валет, воспользовавшись секретным разговором Короля с министром двора Тузом затеял флирт с Дамой треф, он тут же создает иную хитроумную комбинацию. Балет состоит из трех "сдач" и кончается победой "коалиции", объединившейся против Джокера.
Много толков, недоумений, версий вызвала музыка последних тактов балета, в которой Стравинский неожиданно цитирует мотив из увертюры к "Севильскому цирюльнику" Россини. Думается, что здесь великий музыкант просто "созорничал" для того, чтобы вызвать веселую реакцию зала. Забегая вперед, укажем, что в написанной через семнадцать лет Цирковой польке он в самом неожиданном контексте и очень весело цитирует Военный марш Шуберта, никак не "попадающий" в ритм польки.
"Игре в карты" суждено было стать последней симфонической партитурой, написанной в Европе. Последовавшая за нею Симфония до мажор заканчивалась уже в США, куда Стравинский направился а 1939 году. Великий музыкант покидал Старый Свет, пережив много горя за предыдущие два года, похоронив старшую дочь, мать и жену. Тяжкие переживания отразились на его здоровье, начался легочный процесс, вынудивший его провести пять месяцев в санатории.
Непосредственным поводом для поездки в Америку было приглашение Гарвардского университета прочитать цикл лекций по музыкальной эстетике. Результатом этого лекционного цикла явилась интересная, во многом парадоксальная книга, изданная Стравинским под названием "Музыкальная поэтика". В действительности же, переезд в США вызвала неизмеримо более веская причина, чем предстоящий лекционный цикл - началась вторая мировая война. Оставаться в Европе было небезопасно. Стравинский поселился в Голливуде, где приобрел виллу, почти до самой смерти являвшуюся местом его постоянного пребывания.
В ближайшие годы после переезда, по-видимому, не без влияния американского "художественного климата", меняется и круг интересов Стравинского. Так возникают: Танго в двух версиях - для одного и для двух роялей, Цирковая полька "хода слона", "Скерцо a la Russe" для симфоджаза Поля Уайтмена, "Эбони-концерт", или Концерт для кларнета и джаза, сочиненный по заказу знаменитого джазового кларнетиста Вуди Германа; наконец, музыка к типично бродвейскому ревю "Семь изящных искусств".
Для характеристики атмосферы и нравов, окружавших автора Симфонии псалмов в Новом Свете, приведем эпизод, сопутствовавший исполнению его музыки к ревю. Стравинский получил телеграмму из Филадельфии, где состоялась премьера ревю: "Большой успех точка мог бы быть сенсационным если бы вы поручили мистеру X сделать несколько исправлений в оркестровке точка мистер X обрабатывает даже произведения Кола Портера точка прошу телеграфно подтвердить согласие". Стравинский телеграфировал: "Меня удовлетворяет большой успех точка Игорь Стравинский".
Из этой музыки возникли "Балетные сцены", позже поставленные английским балетмейстером Ф. Аштоном с участием Марго Фонтейн.
Но кроме перечисленной, не слишком солидной музыки, Стравинский сочинил в эти же годы Элегический триптих памяти Наталии Кусевицкой ("Элогиум", "Эклога" и "Эпитафия") и Симфонию в трех частях (1942-1945). На последнем произведении стоит остановиться. Симфония создавалась в беспокойной атмосфере военных лет между 1942 и 1945 годами. В I части, написанной в форме токкаты, с ее непрерывной моторностью, тревожат образы, заставляющие вспоминать о Литургической симфонии Онеггера и Седьмой симфонии Шостаковича, ибо образы эти насыщены холодным, механически неизменным движением злобного бесчеловечного характера. Это как бы еще один вариант темы "нашествия". "Запрограммирована" ли эта тема автором? По этому вопросу, в общей его постановке, интересно высказывается Б. Ярустовский в уже цитированной работе: "И. Стравинский - типичный представитель "чистого" искусства. Всю жизнь он исповедовал догматы "искусства для искусства". Всю жизнь чурался его социальной функции, бежал от горячих событий своего времени... И вместе с тем, будучи крупнейшим художником, объективно он не мог игнорировать беспокойную атмосферу своей эпохи".
Сам же Стравинский говорит о Симфонии следующее: "В основе Симфонии нет никакой программы, и напрасно было бы искать ее в моем произведении. Тем не менее возможно, что впечатления нашего трудного времени, события, сомнения, надежды, непрерывные мучения, рост напряжения и его разрядка не могли не оставить своего следа на этой симфонии".
Ближайшие после Симфонии произведения конца 40-х - начала 50-х годов: балет "Орфей" и опера "Карьера мота" написаны в разных манерах. "Орфей" продолжает неоклассическую линию "античного цикла" ("Аполлон Мусагет", "Царь Эдип", "Персефона"); "Карьера мота" - опера, сюжет которой навеян гравюрами английского художника Хогарта (1697-1764). История героя оперы - история назидательная. В ней и неожиданное наследство, и греховные соблазны английской столицы, и совратительница, и черт, к помощи которого прибегает промотавший богатство повеса.
Перед нами снова неожиданный поворот Стравинского: "Карьера мота" - вполне респектабельная опера без тени экспериментаторства, а язык ее близок Моцарту, Россини, а кое-где и... Пуччини. И тем не менее это настоящий Стравинский. Его узнаешь сразу.
В 1954 году музыкальный мир был взволнован сенсационным сообщением: Стравинский примкнул к додекафонии. Высказывалось много гипотез о причинах такого поворота эстетических воззрений человека, до тех пор говорившего о додекафонии с презрением; причем догадки простирались от глубокомысленных психоаналитических гипотез до обывательского цинизма. Но во всех высказываниях акцентировалось слово "неожиданно". Так ли это? Достаточно внимательно вглядеться - вслушаться в музыку, созданную Стравинским за последние два с половиной десятилетия, чтобы заметить процесс постепенного, а не внезапного созревания композитора для додекафонического "грехопадения". К этому вели и давние изживания связей с реальной действительностью (Симфония в трех частях - редкое исключение!), и потеря национальных черт во многих сочинениях, и даже комбинирование коротких попевок при "конструировании" музыки, откуда рукой подать до додекафонической "серии". Любопытно, что идя навстречу Шёнбергу, Стравинский разминулся с ним в пути, ибо основоположник додекафонии в своих последних произведениях, таких, как Новый псалом, "Уцелевший из Варшавы", далеко отошел от ортодоксальной додекафонической схоластики перед лицом людского горя, фашистских зверств и полной беспомощности господа бога, к которому Шёнберг и обращает Псалом, полный гнева и презрения. Именно об этом и повествует с потрясающей силой Шёнберг в музыке, созданной в последние годы своей жизни Стравинский же, начиная с Септета (1954), обращается к "сериям". Правда, и здесь проявляется его своеволие. Серия в Септете состоит не из 12, а только из 8 звуков, а в Канонах памяти Дилана Томаса использована серия даже из 5 звуков.
В нескольких произведениях последних лет Стравинский обращается к ветхозаветным темам и текстам: "Ламентации пророка Иеремии" (1958), мистерия "Потоп", кантата "Проповедь, Рассказ и Молитва" (1960). Из написанного в последнее десятилетие выделяется балет "Агон", в котором Стравинский очень вольно обходится с догматикой серийной музыки и создает произведение светлое по колориту, поражающее вариационной изобретательностью, ясностью мысли и новыми тембровыми находками.
И снова, как в Симфонии в трех частях, реальная жизнь заставила маститого музыканта откликнуться, забыть о "принципе невмешательства" в события немузыкальные: в 1964 году он написал суровую, полную сочувствия Элегию для голоса и трех кларнетов памяти трагически погибшего президента Кеннеди.
В 1962 году после сорокадевятилетнего отсутствия Игорь Федорович Стравинский посетил свою родину. Он был встречен советской музыкальной общественностью и аудиторией концертов, которыми он дирижировал, с огромным уважением и сердечной теплотой. Когда к дирижерскому пульту подходил восьмидесятилетний композитор и движением руки извлекал из оркестра россыпи звуковых самоцветов "Жар-птицы", гул масленичной толпы, потешные и трагические сцены "Петрушки", каждый понимал, что является свидетелем большого события, что перед ним - классик музыки XX века.
Полстолетия прошло с тех пор, как молодой ученик Римского-Корсакова захватил парижскую публику образами русской сказки об Иване Царевиче, Жар-птице и Кащее Бессмертном, заворожил ее силой своего чудесного дара.
Схоластична классификация этапов пути Стравинского (русский, неоклассицизм, додекафонический), схоластична прежде всего из-за установления границы "русского периода" на рубеже 20-х годов, когда создан был "Поцелуй феи". Пусть "Скерцо a la Russe" - произведение экспериментальное и спорное из-за совмещения русских попевок со спецификой симфоджаза. Но трудно отрицать, что и здесь композитор любовно сплетает интонационные нити воспоминаний о родине. Не забудем, что Скерцо написано в 1944 году и первоначально предназначалось для фильма на тему о второй мировой войне. И в сонате для 2-х фортепиано отчетливо слышны русские корни. Через пятнадцать лет написаны "Движения" ("Movementes") для фортепиано. И здесь сквозь угловатость додекафонической конструкции просвечивают контуры мелодики, не оставляющей сомнений в ее русском происхождении. Шесть лет спустя, в 1965 году в "Каноне" композитор обратился к мелодии русской народной песни, на что и указал в заголовке произведения.
Но не только эти примеры убеждают нас в том, что через все годы он пронес свою прямую принадлежность к русской культуре также точно, как и любовь к русскому языку, на котором он всегда мыслил, несмотря на свободное владение многими языками.
Сложен путь Игоря Стравинского, великого музыканта, великого "мастера неожиданностей", путь, закончившийся 6 апреля 1971 года... Как много подарил миру этот человек, сохранявший способность увлекаться новыми идеями, творить, радоваться музыке. К этому искусству он до последнего дня сохранил юношескую любовь, помноженную на опыт и мудрость, накопленные за 88 лет жизни, жизни поистине легендарной.
Игорь Стравинский родился 05.06.1882 г. (по ст. ст.) в Ораниенбауме (ныне Ломоносов) под Санкт-Петербургом, а умер 06.04.1971 г. в Нью-Йорке. Стравинский - композитор российского происхождения, чье творчество оказало революционное воздействие на музыкальную среду непосредственно до и после Первой мировой войны. Его сочинения оставались эталоном модернизма на протяжении большей части его долгой творческой жизни.
Игорь Стравинский: краткая биография раннего периода
Отец композитора был одним из ведущих российских оперных басов своего времени, и смесь музыки, театра и литературы в семье оказала несомненное влияние на Игоря. Однако его способности проявились не сразу. В детстве он брал уроки игры на пианино и теории музыки. Но затем Стравинский изучал право и философию в Петербургском университете (окончил в 1905 г.) и только постепенно осознал свое призвание. В 1902-м он показал некоторые из своих ранних работ композитору Римскому-Корсакову, чей сын Владимир также учился на юридическом факультете. Тот был достаточно впечатлен, чтобы согласиться взять Стравинского себе в ученики, одновременно советуя ему не поступать в консерваторию для обычной академической подготовки.
Римский-Корсаков в основном учил Игоря оркестровке и выступал в качестве товарища-наставника, обсуждая каждую новую его работу. Он также использовал свое влияние, чтобы музыка ученика была исполнена. Несколько студенческих работ Стравинского прозвучали на еженедельных собраниях класса Римского-Корсакова, а два его произведения для оркестра - Симфония ми-бемоль мажор и цикл песен на слова Александра Пушкина «Фавн и пастушка» - были сыграны придворным оркестром в год смерти его учителя (1908). В феврале 1909-го короткое, но блестящее оркестровое Скерцо было исполнено в Санкт-Петербурге. На концерте присутствовал импресарио Сергей Дягилев, который был настолько впечатлен перспективами Стравинского-композитора, что быстро заказал оркестровые аранжировки для русского балета в Париже.
Стравинский Игорь Федорович: биография композитора, молодые годы
К сезону 1910 года антрепренер снова обратился к композитору, на этот раз для создания музыкального сопровождения нового балета «Жар-птица». Премьера балета состоялась в Париже 25.06.1910 г. Его ошеломляющий успех прославил Стравинского как одного из самых одаренных представителей молодого поколения композиторов. Сочинение показало, насколько полно им была усвоена оркестровая палитра и яркий романтизм его учителя. «Жар-птица» стала началом серии плодотворного сотрудничества Стравинского и труппы Дягилева. В следующем году «Русский сезон» открылся 13 июня балетом «Петрушка» с Вацлавом Нижинским в главной роли и музыкальной партитурой талантливого композитора. Между тем он задумал написать своего рода симфонический языческий ритуал под названием «Великая жертва».
Произведение, которое написал Игорь Стравинский, «Весна священная», увидело свет в театре на Елисейских полях 29.03.1913 г. и спровоцировало один из наиболее известных беспорядков в истории театра. Возмущенные необычным танцем Нижинского, многозначной хореографией, творческой и смелой музыкой, зрители приветствовали, протестовали и спорили между собой во время исполнения, создав такой гул, что танцоры не слышали оркестра. Эта оригинальная композиция, с ее смещенными и дерзкими ритмами и неразрешенными диссонансами, стала ранней вехой модернизма. С этого момента Игорь Стравинский стал известен как композитор «Весны священной» и деструктивный модернист. Но сам он уже отошел от таких пост-романтических изысков, и мировые события ближайших нескольких лет только ускорили этот процесс.
Добровольная эмиграция
Успехи Стравинского в Париже стали причиной того, что он покинул Санкт-Петербург. В 1906 году он женился на своей кузине Екатерине Носенко и после премьеры «Жар-птицы» в 1910 году перевез ее и двух своих детей во Францию. Начало войны в 1914 г. серьезно сказалось на «Русских сезонах» в Западной Европе, и Стравинский больше не мог полагаться на эту труппу как на постоянного заказчика его новых композиций. Война также стала причиной переезда в Швейцарию, где он и его семья регулярно проводили зимние месяцы, и именно там он провел большую часть войны. Октябрьская революция 1917 года в России окончательно лишила Стравинского надежд вернуться на родную землю.
Русский период
К 1914 году композитор Игорь Стравинский уже создавал более сдержанную и аскетичную, хотя и не менее ритмичную музыку. Его творчество в последующие годы было наполнено короткими инструментальными и вокальными произведениями, основанными на русских народных песнях и сказках, а также на регтайме и других стилях западного попа и танца. Он расширил некоторые из этих экспериментов до уровня крупномасштабных театральных постановок.
Балет-кантату «Свадебка» Стравинский начал создавать в 1914 году, но завершил лишь в 1923-м, после нескольких лет неопределенности в отношении ее инструментовки, на основе деревенских свадебных песен России. Байка-пантомима на скотном дворе «Ренард» (1916) написана по мотивам народных сказок, в то время как «История солдата» (1918), смешение речи, мимики и танца в сопровождении семи инструментов, эклектично инкорпорирует регтайм, танго и другой современный музыкальный язык в последовательности особо смелых инструментальных движений.
После Первой мировой русский стиль Стравинского начал угасать, но он произвел на свет еще один шедевр - "Симфонию для духовых" (1920).
Трансформация стиля
Первые зрелые произведения Игоря Стравинского - от «Весны священной» в 1913-м до "Симфонии для духовых" в 1920-м - используют тональный язык на основе русских источников и характеризуются весьма сложными ощущениями из-за нерегулярного метра и синкоп и блестящего мастерства оркестровки. Но добровольное изгнание из России побудило композитора пересмотреть свои эстетические позиции, и в результате произошло важное изменение в его творчестве - он отказался от национального колорита своего раннего стиля и перешел к неоклассицизму.
Произведения следующих 30 лет отталкиваются, как правило, от старинной европейской музыки конкретного композитора, барокко или какого-либо другого исторического стиля, чтобы по-своему и нетрадиционно их интерпретировать, что тем не менее для наиболее полного воздействия на слушателей требовало от последних знания заимствованного Стравинским материала.
Период неоклассицизма
Композитор покинул Швейцарию в 1920 г. и жил во Франции до 1939-го, проводя много времени в Париже. Он принял французское гражданство в 1934 г. Потеряв свое имущество в России во время революции, Стравинский был вынужден зарабатывать на жизнь как исполнитель, и многие произведения, написанные им в 1920-1930 гг., были предназначены для собственного употребления как пианиста и дирижера. Его инструментальные сочинения начала 1920 гг. включают "Октет для духовых" (1923), "Сонату для фортепиано" (1924), "Концерт для фортепиано и духовых" (1924) и "Серенаду для фортепиано" (1925). Эти произведения объединяет неоклассический подход к стилю с осознанной строгостью линий и текстуры. Хотя сухая изысканность такого подхода смягчается в таких более поздних инструментальных работах, как "Концерт для скрипки с оркестром ре мажор" (1931), "Концерт для 2 фортепиано соло" (1932-1935) и "Скрипичный концерт ми-бемоль для 16 духовых" (1938), некий холодный отрыв остался.
Обращение к религии
В 1926 г. Игорь Стравинский испытал духовную трансформацию, которая оказала заметное влияние на его сценическую и вокальную музыку. Религиозное напряжение можно обнаружить в таких крупных сочинениях, как оперная оратория «Царь Эдип» (1927) с либретто на латыни, кантата «Симфония псалмов» (1930), открыто религиозная работа, основанная на библейских текстах. Религиозные мотивы проявляются и в балетах «Персефона» (1934) и «Аполлон Мусагет» (1928). В течение этого периода в творчество Стравинского периодически возвращались национальные мотивы: балет «Поцелуй феи» (1928) основан на музыке Чайковского и «Симфония псалмов», несмотря на латынь, базируется на аскетизме православного распева.
Работа и личная трагедия
По окончании войны связи композитора с Дягилевым и «Русские сезоны» были возобновлены, но на значительно меньшем уровне. «Пульчинелла» (1920) - единственный балет Игоря Стравинского, который антрепренер заказал в этот период. «Аполлон Мусагет», последний балет композитора, поставленный Дягилевым, увидел свет в 1928 году, за год до смерти антрепренера и распада его труппы.
В 1936 году Стравинский пишет свою автобиографию. Впрочем, как и на шесть более поздних вариантов, написанных в сотрудничестве с Робертом Крафтом, молодым американским дирижером и ученым, который работал с ним с 1948 г., на нее полагаться полностью нельзя.
В 1938 году старшая дочь Стравинского умерла от туберкулеза. За этим последовала смерть его жены и матери в 1939 году, за несколько месяцев до начала Второй мировой войны.
Женитьба и переезд в США
В начале 1940 г. он женился на Вере де Боссе, с которой он был знаком на протяжении многих лет. Осенью 1939 г. Стравинский посетил Соединенные Штаты, чтобы прочесть лекции о Чарльзе Элиоте Нортоне в Гарвардском университете (опубликованные в 1942 г. под названием «Поэтика музыки»), и в 1940 г. он и его новая жена окончательно переехали в Голливуд (Калифорния). Они получили гражданство США в 1945 году.
Творчество в Соединенных Штатах
В годы Второй мировой Игорь Стравинский сочинил два важных произведения: "Симфонию in C" (1938-1940) и "Симфонию в 3 движениях" (1942-1945). Первая представляет собой неоклассицизм в симфонической форме, а вторая удачно сочетает с последней элементы концерта. С 1948 по 1951 год Стравинский работал над своей единственной оперой «Похождения повесы», неоклассическим сочинением, основанным на серии нравоучительных гравюр XVIII века английского художника Уильяма Хогарта. Это пародийно-серьезная стилизация гранд-оперы конца XVIII века, но тем не менее наделенная свойственным автору блеском, остроумием и изысканностью.
Серийный период
Успех этих поздних композиций скрывает творческий кризис в музыке, который переживал Игорь Стравинский. Биография его была на пороге нового периода, отмеченного созданием замечательных произведений. После Второй мировой войны в Европе появился авангард, отвергавший неоклассицизм и декларировавший приверженность серийной 12-тоновой технике венских композиторов, таких как Арнольд Шенберг, Альбан Берг и Антон фон Веберн. Эта музыка основана на повторении последовательности звуков в произвольном, но фиксированном порядке без оглядки на традиционную тональность.
По словам Крафта, который побывал у Стравинского дома в 1948 году и оставался его близким другом до смерти, осознание того, что его считали творчески истощившимся, повергло композитора в крупную творческую депрессию, из которой он с помощью Крафта вышел в фазу серийной техники в сугубо индивидуальной своей манере. За чередой осторожно-экспериментальных работ («Кантата», «Септет», «Памяти Дилана Томаса») последовали гибридные шедевры: балет «Агон» (1957) и хоровое произведение Canticum sacrum (1955), которые только частично атональны. Это, в свою очередь, привело к хоровой работе Threni (1958), посвященной библейской книге «Плач Иеремии», в которой строгий 12-тональный метод композиции применяется к монотонному пению, напоминающему такие ранние хоровые произведения Игоря Стравинского, как «Свадебка» и «Симфония псалмов».
В «Движениях» для фортепиано с оркестром (1959) и оркестровых «Вариациях» (1964) он в изысканной манере заходит еще дальше, преследуя различные арканные серийные техники в поддержку интенсивной и экономичной музыки с хрупким бриллиантовым блеском. Атональные работы Стравинского, как правило, значительно короче, чем его тональные произведения, но обладают более плотным музыкальным содержанием.
Последние годы
Полномасштабная творческая работа продолжалась до 1966 года, несмотря на инсульт, который в 1956 г. перенес Игорь Стравинский. Биография композитора ознаменовалась созданием последнего его крупного произведения - Requiem Canticles (1966), глубоко волнующей адаптации современных серийных техник под углом личного творческого видения, которое глубоко укоренилось в российском прошлом. Эта работа стала свидетельством удивительной творческой энергии Стравинского, которому было уже 84 года.
Композитор в кино
На Каннском кинофестивале в 2009 г. была показана лента Яна Кунена «Коко Шанель и Игорь Стравинскии». Согласно сюжету, французский модельер познакомилась с композитором на скандальной премьере «Весны священной». Коко Шанель Игорь Стравинский впечатлил и лично, и своей музыкой.
Семь лет спустя они встретились снова. Хотя ее бизнес процветал, она оплакивала смерть своего возлюбленного Боя Кэйпела. Шанель пригласила композитора с семьей пожить на ее вилле под Парижем. Игорь Стравинский и Коко полюбили друг друга. Отношения между любовниками и законной супругой накаляются. В итоге француженка, совместно с парфюмером Эрнестом Бо, создает свои знаменитые духи «Шанель № 5», а композитор начинает творить в новом, более свободном стиле. Он переписывает «Весну священную», которую на этот раз ожидает артистический триумф и всеобщее признание.
Игорь Федорович Стравинский (1882-1971) - композитор и дирижер. Сын певца (бас) Федора Игнатьевича Стравинского.
Русский по рождению, с 1914 года Игорь Стравинский жил в эмиграции, с 1939 года в США (в 1934 он принял французское, а в 1945 - американское гражданство). Говорить о Стравинском как о русском композиторе можно только в применении к раннему периоду его творчества. Ранние балеты - «Петрушка» (1911), «Весна священная» (1913) - связаны с русским фольклором, обрядностью. Творчество Стравинского при образно-стилистической многоплановости отличается целостностью и органической связью с традициями русской музыкальной культуры. Оперы «Соловей» (1914), «Мавра» (1922), «Похождение повесы» (1951), хореографическая кантата «Свадебка» (1923), пантомима с пением «Байка про лису, петуха, кота да барана» (1916), балеты «Жар-птица» (1910, 2-я редакция 1945), «Орфей» (1947), «Агон» (1957), «Симфония псалмов» (для хора и оркестра, 1930, 2-я редакция 1948).
Русский период (до начала 1920-х годов)
Будущий композитор Игорь Федорович Стравинский родился 5 июня (17 июня) 1882 года, в Ораниенбауме (ныне Ломоносов), в семье оперного певца Ф. И. Стравинского (1843-1902), ведущего исполнителя характерных басовых партий в Мариинском театре. В детстве брал уроки фортепиано у А. Снетковой, позднее - у Л. Кашперовой. В 1900-1905 годах Игорь учился на юридическом факультете Петербургского университета. В 1903-1905 годах занимался композицией под руководством Николая Андреевича Римского-Корсакова, под сильным воздействием которого были написаны ранние произведения - соната №1 для фортепиано (1904), симфония ми-бемоль мажор (1907), Фантастическое скерцо и Фейерверк для оркестра (оба - 1908), первые два акта оперы «Соловей» по одноименной сказке Андерсена (1908; третий акт был закончен в 1914 году). На смерть учителя Римского-Корсакова композитор откликнулся «Надгробной песнью» для оркестра, исполненной в 1908 году, но впоследствии утерянной.
На рубеже 1907 и 1908 годов на молодого композитора Игоря Федоровича обратил внимание организатор «Русских сезонов» за границей Сергея Павловича Дягилев. По его заказу Стравинский сочинил музыку балета «Жар-птица» по мотивам русских народных сказок, премьера которого состоялась в Париже в 1910 году и принесла композитору европейскую известность. Сотрудничество Стравинского с Дягилевым продолжалось (с перерывами) почти два десятилетия. Целую эпоху в искусстве 20 века составила триада шедевров, созданных Стравинским в расчете на возможности блистательной дягилевской балетно-оперной труппы; поставленные в Париже балеты «Петрушка» (1911), «Весна священная» (1913) и хореографические сцены с пением и музыкой «Свадебка» (1923).
Стилизованное воспроизведение народного балаганного представления («Петрушка») и архаических обрядов, языческой мистерии плодородия («Весна священная»), русской крестьянской свадьбы («Свадебка») осуществляется средствами в высшей степени своеобразного музыкального языка, сочетающего внешнюю «грубоватость», «элементарность» ритмики и мелодики с тщательной отделкой деталей, тонко рассчитанной асимметричностью музыкальных фраз, неожиданными сдвигами метрических акцентов. Если в «Петрушке» и «Весне священной» (так же, как ранее в «Жар-птице») Игорь Стравинский использовал все краски современного оркестра, оригинально разрабатывая находки французских импрессионистов (в меньшей степени - Римского-Корсакова и других русских композиторов), то в «Свадебке» он ограничился сочетанием певческих голосов (поющих, по замыслу композитора, в характерной русской народной манере) и ансамбля ударных инструментов с четырьмя фортепиано, что придает произведению неповторимый «варварский» колорит.
В период между «Весной священной» и «Свадебкой» силами дягилевской труппы в Париже были поставлены также оперы «Соловей» (1914) и «Мавра» (по поэме русского поэта Александра Сергеевича Пушкина «Домик в Коломне», 1922), балет «Песнь соловья» (на фрагменты из оперы «Соловей», 1920), балеты с пением «Пульчинелла» (1920; музыка Стравинского к этому балету представляет собой обработку инструментальных пьес, приписываемых итальянскому композитору 18 века Джованни Баттиста Перголези), «Байка про Лису, Петуха, Кота да Барана» (1922). Параллельно создавался ряд произведений, не предназначенных для театра - кантата «Звездоликий (1912), «Три стихотворения из японской лирики» (1913), «Прибаутки» (1914), «Кошачьи колыбельные» (1916) для голоса и инструментального ансамбля, Три пьесы для струнного квартета (1914), Симфонии духовых памяти Клода Дебюсси (1920) и др. Особняком стоит единственное театральное произведение этого периода, не предназначенное для дягилевской антрепризы - балет-пантомима «История солдата» на универсальный для всей европейской культуры сюжет о сделке человека с дьяволом (либретто швейцарского поэта Шарля Фердинанда Рамю). Впервые поставленная в Лозанне в 1918 году, «История солдата» ознаменовала собой отход Стравинского от специфически русской тематики.
Период неоклассицизма Стравинского (от начала 1920-х до начала 1950-х годов)
Будучи с юных лет тесно связанный с Францией , Игорь Стравинский фактически обосновался там еще до Первой мировой войны. Отрыв от России стал важнейшей причиной радикального сдвига в его творческой ориентации. В 1923 году был создан Октет для духовых, начиная с которого обычно ведется отсчет так называемого «неоклассицистского» периода в творчестве композитора. Под неоклассицизмом понимается направление в музыке 20 века (и шире в современном искусстве вообще), для которого характерно обращение к принципам эстетики 17-18 (реже 19) веков и стремление адаптировать формы европейского искусства прошлого к социально-психологической атмосфере современной жизни; неоклассицизм возник в качестве «отрезвляющей» (термин Ферруччо Бузони, итальянского пианиста, композитора, дирижера, музыковеда и музыкального критика, педагога) реакции на такие течения искусства 19 - начала 20 века, как романтизм, символизм, импрессионизм, экспрессионизм.
Среди образцов музыки прошлого, служивших «стилистическими моделями» для неоклассицизма Стравинского, - оратория эпохи барокко (опера-оратория «Царь Эдип», 1927), опера конца 18 века («Похождения повесы», 1951), в этом произведении Игорь Федорович Стравинский вновь обратился к сюжету о сделке человека с дьяволом, придворный балет эпохи Людовика XIV (балет «Аполлон Мусагет», 1928), английская духовная музыка 16-17 веков (кантата на тексты староанглийских поэтов, 1952), музыка Петра Ильича Чайковского (балет «Поцелуй феи», 1928), жанры симфонии и концерта для солирующего инструмента с оркестром в их разнообразных исторически сложившихся разновидностях (концерты для фортепиано и духовых, 1924, для скрипки с оркестром, 1931, «Каприччио» для фортепиано с оркестром, 1928, Симфония in C, 1940), жанровая форма concerto grosso (концерт для камерного оркестра Dumbarton Oaks, 1937, «Базельский концерт» для струнного оркестра, 1946) и т. д.
Дух язвительной пародии, неотъемлемо присущий неоклассицизму Стравинского, был особенно ярко выражен в балете «Игра в карты» (1937). Кроме того, Игорь Федорович отдал дань джазу («Черный концерт» для кларнета и джаз-бэнда, 1945) и цирковой музыке («Цирковая полька» для оркестра, 1942). В наиболее значительных образцах, таких, как «Симфония псалмов» для хора и оркестра на латинский текст (1930), симфония в трех частях для оркестра (1945), балет «Орфей» (1948), месса для хора и духовых (1947) элемент игры с моделями музыки прошлого отошел на второй план; тем самым полнее выявился глубинный философский смысл этой музыки, воплощенная в ней тоска по высшим, вневременным духовным ценностям.
Поздний период творчества И.Ф. Стравинского
В 1939 году Стравинский перебрался из Франции в США и поселился в Голливуде. В конце 1940-х годов он познакомился с молодым американским дирижером Р. Крафтом, который впоследствии стал его душеприказчиком. Возможно, под влиянием Крафта Стравинский в эти годы начал проявлять живой интерес к «новой венской школе» (Шенберг - Берг - Веберн) и к молодому европейскому «авангарду». В итоге после чисто неоклассических «Похождений повесы» и кантаты на староанглийские тексты в творчестве Стравинского наступил очередной стилистический поворот, отмеченный воздействием так называемой серийной (додекафонной) техники, открытой в начале 20 века австрийским композитором, теоретиком и педагогом Арнольдом Шенбергом и впоследствии развитой его учениками. В той или иной форме серийная техника была использована почти во всех произведениях Игоря Стравинского, начиная с септета (1954). Музыка позднего Стравинского - это прежде всего сочинения для для солистов, хора и оркестра на тексты духовного содержания: «Священное песнопение» (1955), «Плач пророка Иеремии» (1958), «Заупокойные песнопения» (1967) (все - на латинские тексты), музыкальное представление «Потоп» (на английский текст, 1962), священная баллада «Авраам и Исаак» (на древнееврейский текст, 1963). Среди других произведений этого периода - «Памяти Дилана Томаса» для тенора и инструментального ансамбля (1954), балет «Агон» (1957), «Движения» для фортепиано с оркестром (1960) Вариации для оркестра памяти Олдоса Хаксли (1964).
Благодаря разносторонности своих интересов, необычайной изменчивости творческого облика Стравинский заслужил репутацию «музыкального Протея». Вместе с тем, в его музыке, написанной в разные периоды, можно выделить ряд достаточно устойчивых общих признаков. Среди них - преобладание нерегулярных ритмов и кратких мелодических формул (мелодии широкого дыхания у Стравинского редки; тем более сильное впечатление производят немногие исключения из этого правила в «Царе Эдипе», «Симфонии псалмов», «Похождениях повесы» и др.), сухое, «графическое» инструментальное письмо (в произведениях, созданных после «Весны священной»), предпочтение «театра представления» (часто - с элементами стилизованного ритуального действа) «театру переживания».
С конца 1910-х годов Стравинский регулярно выступал как дирижер (реже - как пианист) с исполнением собственных произведений. Важным событием в жизни Игоря Стравинского был его приезд в СССР осенью 1962 после 48-летнего отсутствия. Он дал концерты в Москве и Ленинграде, дирижируя (по очереди с Р. Крафтом) ведущими симфоническими оркестрами, провел несколько встреч в Союзе композиторов СССР , был принят Никитой Сергеевичем Хрущевым .