Jazz-Rock(Englisch) Jazz-Rock) ist eine Musikrichtung, deren Name für sich spricht. Diese einzigartige Mischung aus Jazz und Rock ist vor relativ kurzer Zeit entstanden - in den 60er Jahren des 20. Jahrhunderts, als einigen progressiven Jazzern die Grenzen ihres weitläufigen Stils zu eng erschienen. Traditionell wird die Entstehung des Jazzrock geografisch den Vereinigten Staaten zugeschrieben, aber auch in der Alten Welt gab es genügend Nuggets, die unabhängig von ihren Kollegen von jenseits des Ozeans den neuen Sound beherrschten.
Bereits in den frühen 60er Jahren gab es in Großbritannien Gruppen wie Georgie Fame and the Blue Flames und die Graham Bond Organization, deren Musiker versuchten, Jazz und Rhythm and Blues in ihrer Arbeit zu verbinden. Jazzrock-Anklänge sind auch auf dem 1964 erschienenen Album The Five Faces of Manfred Mann von Manfred Mann zu hören. Ehrwürdige Musikkritiker neigen jedoch dazu, die 1967 in den Handel gekommene Platte des amerikanischen Jazz-Vibraphonisten Gary Burton „Duster“ als das erste Werk im Jazz-Rock zu betrachten. Auf dieser CD trat ein junger texanischer Musiker, Larry Coryell, als Gitarrist auf. Er steht an den Ursprüngen des Stils, der gemeinhin als Jazz-Rock bezeichnet wird.
Ein Jahr vor der Zusammenarbeit mit dem großen Gary Burton gelang es Larry, in der Gruppe The Free Spirits bekannt zu werden, die in ihren Experimenten auch versuchten, Jazz mit Rock zu mischen. Als klar wurde, dass die beiden unabhängigen Musikgenres durchaus kompatibel waren, erschien Miles Davis' „Miles in the Sky“ in den Charts. Von diesem Moment an begann der Jazz-Rock an Fahrt zu gewinnen. Die in der neuen Tonart spielenden Bands entstanden unabhängig voneinander auf beiden Seiten des Ozeans und klangen sehr unterschiedlich. Und diese Vielfalt wurde durch den breiten Rahmen beider Genres bestimmt. Zum Beispiel die Amerikaner Blood, Sweat and Tears mit den Briten The Soft Machine zu vergleichen, ist ein völlig anderer Zugang zur Musik, aber beide Gruppen können in bestimmten Momenten ihres Schaffens voll und ganz dieser Richtung zugerechnet werden.
Jazzrock zeichnet sich durch eine erhebliche Kompositionsdauer, Improvisation, sein Jazzfundament mit all seinen Konsequenzen und den Einsatz von Rockinstrumenten aus. Zur Blütezeit dieses Trends in den 70er Jahren traten Bands wie The Mahavishnu Orchestra, Weather Report, Brand X, Chicago, Return to Forever auf – Gruppen, die bis heute als Klassiker des Genres gelten. In den folgenden Jahren wurden die Grenzen des Jazz-Rock etwas erweitert, indem World, Funk und Elemente der Popmusik, einschließlich Elektronik, hinzugefügt wurden. Viele Subgenres sind aufgetaucht, aber ihre Basis ist der gleiche unveränderliche Jazz.
Jazzrock wird manchmal auch mit dem Begriff "Fusion" bezeichnet ( Englisch Fusion), deren Erscheinen mit der Ankunft schwarzer Musiker im Jazz-Rock verbunden ist, die sich nicht mit der weißen Rockkultur assoziieren wollten. Ein charakteristisches Merkmal von Fusion ist die Neigung zum Funk. Der Begriff „Fusion“ enthält jedoch in größerem Umfang keine musikalische, sondern eine soziale Konnotation, die die Umsetzung der „Fusion“ nicht nur auf der Ebene der Musikkulturen, sondern auch zwischen verschiedenen ethnischen Gruppen von Interpreten und Zuhörern kennzeichnet. Ein markantes Beispiel für diese soziale Verschmelzung war der Auftritt des schwarzen Miles Davis bei Konzerten im Fillmore West im Jahr 1970 vor einem Publikum aus weißen Hippies in einer Besetzung mit weißen und schwarzen Künstlern.
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Die ersten Ensembles, die anfingen, Musik aufzuführen, genannt "Jazz-Rock", bestanden aus jungen Interpreten, die in einem Rock-Umfeld aufgewachsen waren, aber der Jazz-Ästhetik, der improvisierten Instrumentalmusik, zugeneigt waren. Sie waren praktisch Rockbands mit einer Bläsersektion.
Diese Richtung kann auf die Ursprünge des gesamten Fusion-Stils zurückgeführt werden.
Zuallererst verwenden Gruppen dieser Richtung Gesang. Das Hauptthema in jedem Stück wird eher wie ein Lied gesungen als wie in späterer Instrumentalmusik gespielt. Zwar werden nach dem Gesangspart oft Improvisationssoli und natürlich gekonnt geschriebene Orchesterverluste für Blasinstrumente gespielt. Und dann, wie es in der Popmusik üblich ist, beendet der Sänger das Stück.Ein solches Schema war typisch für die klügsten amerikanischen Gruppen, die sich 1968 ankündigten - "" und "". Die Bläsersektion dieser Gruppen umfasste nur drei oder vier verschiedene Instrumente, normalerweise Trompete, Posaune und Saxophon, und die Orchestrierungen für sie waren so gemacht, dass sie in Kombination mit Gitarre, Bassgitarre und Keyboards wie eine ganz Große klangen Band. Bald wurde die vom Trompeter Bill Chase gegründete Gruppe "" ungeheuer populär. Die Besonderheit ihres Klangs bestand darin, dass die Blechbläsersektion aus vier Pfeifen bestand, die in einem hohen Register spielten. Leider starb Bill Chase 1974 mit drei seiner Kollegen in einem Flugzeug Absturz und die Gruppe löste sich auf.
Normalerweise gehen alle Lorbeeren der Jazz-Rock-Pioniere an die Gruppen "Chicago" und "Blood, Sweat & Tears", obwohl andere Musiker parallel und manchmal sogar vor ihnen versuchten, diese beiden Strömungen zu verbinden. So trat beispielsweise 1965 die New Yorker Gruppe „The Free Spirits“ auf (aus irgendeinem Grund entlehnte sich John McLaughlin diesen Namen, als er 1993 sein Trio gründete), und spielte bereits damals das, was mit Sicherheit dem Jazzrock-Gitarristen Larry Coriell zugeschrieben werden kann , der später zum Star der Fusion-Musik wurde, begann seine Karriere.
Der weiße Bluesmann aus Chicago Michael Bloomfield (Michael Bloomfield) gründete 1967 die Gruppe „The Electric Flag“ und nannte sie „The Orchestra of American Music“. Es war ein Blues-Rock-Ensemble mit einer zusätzlichen Bläsersektion, die dem weißen Blues zusätzliche Kraft verlieh.
Amerikanische Gruppen dieser Richtung hatten ihre eigene Ideologie – in den USA etwas zu schaffen, das der Welle der „British Invasion“ widerstehen würde, die über die Vereinigten Staaten hinwegfegte.
1969 begann er instrumentale Rockmusik mit Improvisationen aufzuführen und zu produzieren, er ist ein ewiger Nihilist und schockierender Experimentator. Mit seiner Hilfe erlangten viele Fusion-Musiker einen hohen Bekanntheitsgrad. Es ist unmöglich, sich nicht an die Rockband „The Flock“ zu erinnern, in der der Jazzgeiger spielte, der später durch seine Mitwirkung an der ersten Komposition des „Mahavishnu Orchestra“ von John McLoughlin berühmt wurde.
1970 gründete der Jazz-Schlagzeuger die Dreams-Gruppe, die in der Orchestrierung zunächst merklich ihren Vorgängern Chicago und Blood, Sweat & Tears ähnelte, mit dem Unterschied, dass Dreams brillante Jazz-Improvisationen wie Michael Brecker (Michael Brecker) und Randy enthielt Brecker (Randy Brecker), der auf der ersten Platte in „Blood, Sweat & Tears“ mitspielte, sowie Gitarrist John Abercrombie (John Abercrombie), ganz zu schweigen von Billy Cubame selbst. All diese Musiker wurden bald als Stars der Fusion berühmt Stil, Teilnahme an den berühmtesten Ensembles.
Und die Gruppe "Dreams" kann nicht mehr als weißer "Brass Rock" bezeichnet werden, da sie rassisch gemischt war und trotz der äußerlichen Ähnlichkeit mit "Chicago" eher "Rock Jazz" war, also Jazz, der Rock ähnelte . (Ich erinnere den Leser daran, dass im Englischen das erste von zwei Wörtern die Definition des zweiten ist.) In der gleichen Zeit, das heißt, unmittelbar nach dem sofortigen Ruhm der Pioniere des Jazzrock, begannen einige berühmte amerikanische Jazzmusiker in a zu spielen neuen Weg, mit Rhythmen, die aus Rhythm and Blues, Soul und Funk entlehnt sind.
Es ist unmöglich, das Erscheinen einer Reihe von Projekten am Rande der 60er und 70er Jahre nicht zu übersehen, die nicht so sehr darauf abzielen, eine grundlegend neue Musik zu schaffen, sondern darauf, den Jazz durch die Aufführung von Werken der Popkultur und der Klassik auf neue Weise bekannt zu machen Musik. Der Jazzposaunist Don Sebesky machte daraufhin eine Reihe interessanter experimenteller Aufnahmen mit großen Orchestern.
Kritiker, die noch nicht herausgefunden haben, was passiert, nannten solche Musik "Pop-Jazz", obwohl sie in ihrer Struktur unermesslich komplizierter war als das, was zum Begriff "Pop" passt. Eine Reihe prominenter Jazzmusiker, die in den 60er Jahren "Soul Jazz" und "Hard Bop" spielten, machten in der ersten Hälfte der 70er Jahre unter der Produktion von Grid Taylor eine Reihe von Platten, die sicher Jazz-Rock-Formen zugeordnet werden können . Das sind vor allem George Benson, Freddie Hubbard, Stanley Turrentine, Hubert Laws. Aber diese Linie des frühen Jazz-Rock wurde nicht weiterentwickelt.
Im Laufe der Zeit, als die Rockkultur von der Disco-Ära hinweggefegt wurde, wurden Jazz-Rock-Klassiker in die Jazzgeschichte aufgenommen, ihre Namen begannen, in Jazz-Enzyklopädien, Nachschlagewerken und Wörterbüchern eingetragen zu werden. Die Ersetzung des Begriffs „Jazz-Rock“ durch „Fusion“ war maßgeblich auf den Einzug schwarzer Musiker im Jazz-Rock zurückzuführen, die nicht mit der weißen Rockkultur in Verbindung gebracht werden wollten, und gab der ganzen Bewegung den Charakter von Funk-Musik .
Der Begriff "Fusion" hat nicht nur eine musikalische, sondern auch eine soziale Konnotation, die darauf hinweist, dass die "Fusion" nicht nur auf der Ebene der Musikkulturen stattfand, sondern auch zwischen verschiedenen ethnischen Gruppen von Zuhörern und Interpreten.
Dies wurde besonders durch Miles Davis veranschaulicht, der im Fillmore West vor einem Publikum aus weißen Hippies mit avantgardistischer Funky-Musik in einer Besetzung mit weißen Darstellern auftrat.
In Großbritannien
In England war das Bild von der Geburt dessen, was wir willkürlich Jazzrock nennen würden, etwas anders, vor allem, weil es keine rassischen Gegensätze gab, es gab keine zwei parallelen Kulturen – weiß und schwarz. Als 1957 England von schwarzen Bluesmännern aus den USA besucht wurde – Big Bill Broonzie (Big Bill Broonzie) und Muddy Waters (Muddy Waters), war der sogenannte „British Blues“ geboren. Seine Pioniere waren die Londoner Jazzmusiker Chris Barber (Cris Barber), Cyril Davis, Cirill Davis), Alexis Corner (Alexis Corner) und andere.Schockiert vom engen Kontakt mit dem wahren Blues begannen diese Jazzmänner, ihre eigene Version des weißen Blues zu kreieren.
In den Londoner Clubs entstehen etliche Bands, die bekanntesten sind "Blues Incorporated", "Graham Bond Organization" und "Blue Flames". In diesem Umfeld gingen zukünftige Stars verschiedenster Richtungen durch eine gute Schule - Mick Jagger, Brian Jones (Braian Johnes), Dick Heckstal-Smith, John McLoughlin, Jack Bruce und viele andere.
In Großbritannien entstanden in der zweiten Hälfte der 60er Jahre viele Rockbands unterschiedlicher Ästhetik, die Blasinstrumente und Improvisationselemente verwendeten. Traditionell werden sie in die Kategorien „Progressive Rock“ oder „Art Rock“ eingeordnet, tatsächlich sind sie aber typische Vertreter des frühen Jazzrock. Dies sind die Gruppen „Soft Machine“, „Colosseum“, „If“, „Jethro Tull“, „Emerson, Lake & Palmer“, „Air Force“, „The Third Ear Band“ und einige andere.
Die britische Schule des frühen Art Rock (Progressive oder Jazz Rock) der späten 60er Jahre zeichnet sich einerseits durch einen spürbaren Einfluss von Rhythm and Blues aus, andererseits aber auch durch eine besondere Tiefe und Inhaltlichkeit in der jahrhundertealten europäischen Kultur.
Musik dieser Art, die in dieser kurzen Zeit in England entstanden ist, ist in vielerlei Hinsicht einzigartig und wird vom Massenpublikum unterschätzt.
Die Anfangsphase der Entstehung des Jazz-Rock ist gekennzeichnet durch die Suche nach etwas Neuem sowohl auf Seiten einer kleinen Anzahl von Jazzmusikern als auch auf Seiten expliziter Rockkünstler. Dann gab es ganz ungewöhnliche Kombinationen von Musikern. Ein prominenter Vertreter des Hardrock-Gitarristen von „Deep Purple“ Tommy Bolin (Tommy Bolin) sucht Kontakte zu Jazzmännern, aufgenommen auf der Scheibe „Spectrum“ mit Billy Kabham (Billy Kobham). Rockgitarrist Jeff Beck nimmt mit Keyboarder Ian Hammer auf, der nach seiner Mitwirkung im Mahavishnu Orchestra zu einer prominenten Figur im Jazz-Rock wurde, Rockbassist Jack Bruce, bekannt für seine in der kurzen Existenz der Supergroup „Cream“, spielte für ihn eine Weile in "Soft Machine" und dann im Projekt des amerikanischen Jazz-Schlagzeugers Tony Williams (Tony Williams) "Lifetime" aufgenommen. Genesis-Schlagzeuger Phil Collins arbeitet mit dem Gitarristen Al Di Meola zusammen und spielt bei Brand X. Und solche Beispiele gibt es viele.
Aber schon in dieser Zeit war ein Trend zur allmählichen Umwandlung des Jazz-Rock in eine rein instrumentale Musik zu beobachten. Der Sänger wird durch einen virtuosen Improvisator ersetzt. Die Blechbläsersektion wird optional. Die Zusammensetzung von Jazz-Rock-Ensembles erfolgt nach dem Prinzip von Jazz-Combos - einer Rhythmusgruppe plus Solisten. Akustische Instrumente werden durch elektronische ersetzt. Anstelle eines Kontrabasses wird eine Bassgitarre anstelle eines Klaviers verwendet - Keyboards (Wutlitzer-Klavier, Rhodes-Klavier, später - Synthesizer). Die E-Gitarre mit "Gadgets" tritt an die Stelle der Jazz-Akustikgitarre.
In der Frühzeit des Jazz-Rock überwiegt das aus der Rockkultur stammende Rhythmik-Konzept, also basierend auf Rhythm and Blues, der Soul-Musik. Das weitere Schicksal des Jazz-Rock im Prozess seiner allmählichen Umwandlung in „Fusion“-Musik hängt mit dem Übergang zu einem völlig anderen Rhythmusgefühl, zum Konzept des „Funk“-Stils zusammen. Jazzrock wird zur Musik von Improvisatoren, während sein Schicksal in die Hände prominenter Jazzfiguren wie Miles Davis (Miles Davis), Chick Corea (Chick Corea), Joe Zavinul (Joe Zavinul), John McLoughlin (John McLoughlin) und Herbie übergeht Hancock (Herbie Hancock, Wayne Shorter.
Alexej Koslow.
Die Geschichte kennt viele Beispiele, als die Ideen von Innovatoren von der Öffentlichkeit nicht akzeptiert, manchmal sogar verfolgt wurden, aber am Ende wurden diese Pioniere als Genies anerkannt und die ganze Welt nutzte ihre Errungenschaften. Auch im Jazz passierte das – die Musiker gingen über den traditionellen Stil hinaus und wurden oft nicht missverstanden. Neuere Einflüsse wie Miles Davis, Tony Williams oder die Bands Weather Report und Return to Forever schufen ihre besten Jazz-Rock-Alben, ohne daran zu denken, dass sie Welthits werden würden. Allerdings ist genau das passiert...
Die besten Jazz-Rock-Alben
Miles Davis - Bitches Brew-Album
Ein Doppelalbum des amerikanischen Jazztrompeters erschien Anfang 1970 bei Columbia Records. Dieses Album spiegelt Experimente mit der Verwendung elektronischer Instrumente wider - Gitarre und Synthesizer.
Dieses Album gilt als Vorläufer der Jazz-Rock-Richtung. Traditionelle Jazzstandards werden durch zähflüssige, unerwartet explodierende Improvisation ersetzt. Die Musiker probten kurz vor der Aufnahme, was sie zwang, tiefer in die Musik einzutauchen, die sie spielten. Aus den Anweisungen erhielten sie nur die Größe, die Hauptakkorde und einen kleinen Ausschnitt der Melodie, aus der dann die Improvisation erwuchs. Die Kompositionen „Dance of the Pharaoh“ und die Ballade „Sanctuary“ gehören übrigens nicht zur Urheberschaft von Davis.
Nach der Veröffentlichung des Albums waren die Meinungen darüber geteilt. Allein die Tatsache, dass Columbia Records ein Album namens Bitch's Brew veröffentlichte, war skandalös.
Der Inhalt blieb nicht hinter dem Namen zurück – eine stilistische Richtung in der Nähe von Jazz Fusion oder Jazz Rock, Experimente mit Klang und Spezialeffekten, elektronische Instrumente – all dies ermöglichte es, die Gesellschaft nicht nur in zwei Teile zu spalten – dafür und dagegen auch um das Album wild populär zu machen. Das Album wurde schnell zum ersten Gold in Davis' Karriere und gewann später einen Grammy.
Return to Forever – Romantic Warrior-Album
Return to Forever ist eine amerikanische Jazz-Fusion-Band aus den 1970er Jahren. Das 1976 erschienene Album "Romantic Warrior" mit der Teilnahme wurde das sechste und berühmteste in der Geschichte der Gruppe. Die Musik des im Mittelalter stilisierten Albums ist ab dem Cover abwechslungsreich. Das Album beginnt mit Medieval Overture, die komplett akustisch ist.
Einerseits scheint die „Sorceress“ durch eine Ouvertüre vorbereitet zu sein, andererseits ist sie stilistisch gegensätzlich und ein Synthesizer taucht zwischen der Instrumentalkomposition auf. Die Komposition „Majestic Dance“ setzt auf rockige Riffs und einen verzerrten „Lead“-Gitarrensound, der von schnellen Cembalo-ähnlichen Passagen unterstützt wird.
Einige Kritiker bestätigten, dass die Platte es verdient, in die besten Jazz-Rock-Alben der Geschichte aufgenommen zu werden, während andere argumentierten, dass alle Kompositionen zu klassisch und pompös seien und das Album selbst fast das schlechteste der Geschichte sei.
Herbie Hancock - Head Hunters-Album
Head Hunters ist das 12. Studioalbum, das 1973 auf dem gleichnamigen Columbia Records veröffentlicht wurde. Das Album wurde in das „National Registration Register“ der Library of Congress aufgenommen.
Es ist ziemlich schwierig, das Album „Headhunters“ eindeutig dem Jazzrock zuzuordnen. Vielmehr ist diese Platte ein anschauliches Beispiel dafür, wie RNB-Rhythmen, unter anderem betont durch afroamerikanische Percussion-Instrumente, äußerst gelungen mit entspannten Funk-Rhythmen kombiniert werden können.
Der eklektische Sound des Albums ebnete nicht nur weiterhin den Weg für rein elektronische Musik, sondern beeinflusste auch andere Musikgenres maßgeblich und wurde zu einem weiteren Gewinner im Kampf um den Titel der besten Jazz-Rock-Alben aller Zeiten.
Wetterbericht - Schweres Wetteralbum
Ein weiteres kalifornisches Album, das 1977 von Columbia Records veröffentlicht wurde, diesmal von der Band Weather Report.
Wir haben es einmal mehr mit einem der besten Alben der Jazzgeschichte zu tun, das veröffentlicht wurde, als das Phänomen Jazz-Rock „aus dem Ruder zu laufen begann“, wie Kritiker Richard Ginell kommentierte.
Eine der hellsten Kompositionen des Albums ist Birdland. Das ist absolut erstaunlich, da es komplett instrumental ist. Birdland wurde sofort zu einem Jazz-Standard und trug zur Popularität des Albums bei. „Birdland“ repräsentiert den Höhepunkt der Kreativität der Band.
Es ist merkwürdig, dass, obwohl die Komposition selbst keinen Grammy erhielt, das Lied später nicht nur in das Repertoire vieler berühmter Interpreten aufgenommen wurde, sondern seine Versionen auch dreimal mit Grammys ausgezeichnet wurden.
Tony Williams - Believe It-Album
Das Jazz-Rock-Album „Believe It“ (1975) von Tony Williams und seiner Band The Tony Williams Lifetime wird erneut bei Columbia Records aufgenommen. Dies ist das erste Album der Gruppe. Die erste, nicht die berühmteste, aber gleichzeitig äußerst interessant.
Es ist erwähnenswert - der erste nur in der neuen Phase von Williams, der erste - für die neue Zusammensetzung der Gruppe. Bis zu diesem Zeitpunkt, 1974, waren bereits vier Alben des sich ständig auflösenden Williams-Trios erschienen.
John Swanson schreibt, dass Believe es wie eine „verrückte Fusionsverkostung“ ist. Beinahe eine Sensation war der neue britische Gitarrist Allan Holdsworth, der sowohl für seine ausdrucksstarke Musiksprache – weich, harmonisch und sehr lyrisch – als auch für seine Beherrschung des Instruments in Erinnerung blieb. Zu verdanken haben wir jedoch die Verschmelzung von Jazz und Rock, und sie sind auch Williams mit seinem Konzept rhythmischer Freiheit und unglaublichem Einfallsreichtum zu verdanken.
Über eine Musikrichtung wie Jazz-Rock oder Fusion, wie sie später genannt wurde, wurde sie in den 70er Jahren des letzten Jahrhunderts bekannt, als solche Gruppen wie Mahavishnu Orshestra, Weather Report, Return To Forever, Larry Coryell Eleventh House, New Lifetime erschien, sowie Al Di Meola, Jean Luc Ponty, Billy Cobham, Stanley Clarke in den USA; Marke X, Soft Machine, Gong, National Health, Colosseum II, Bill Bruford, Steve Hillage in Großbritannien. Auch in anderen europäischen Ländern gab es Jazz-Rock-Bands: Edition Speciale, Transit Express, Volkor, Coincidience, Spheroe in Frankreich; Eisberg, Iman, Guadalquivir, Musica Urbana, Borne, Pegasus in Spanien; Perigeo, Barichentro, Nova in Italien, Sloche in Kanada.
Es war das goldene Zeitalter des Jazzrock.
In den 1980er Jahren gab es einen natürlichen Rückgang. Es gab keine solche Anzahl von musikalischen Meisterwerken. Es gab nur wenige neue Gruppen, aber sie waren da. Zunächst muss ich über die Kanadier Uzeb sprechen, die interessanteste neue Jazz-Rock-Band der 80er Jahre, zu der auch der berühmte Bassist Alain Caron gehörte.
In den 80er Jahren traten viele Jazz-Rock-Bands in Japan auf: Ain Soph, Kenso, Prism, Keep, Space Circus, GAOS. In der UdSSR gab es Arsenal, Quadro, Kaseke, Radar, Gunesh. In Frankreich Didier Lockwood Group. Im US-Drama Ken Watson, Scott Lindemuth, Woodenhead, Karizma.
1984 stellte John Mclaughlin Mahavishnu Orshestra wieder her, Chick Corea gründete ein neues Projekt Electric Band, Joe Zawinul 2 Bands: Weather Update und Syndicate, Billy Cobham gründete eine neue Band. Sie begannen, ihre Soloalben aufzunehmen
Gitarristen Allan Holdsworth, John Scofield,
Kazumi Watanabe,
Bill Connors,
Bassgitarristen Jeff Berlin, Bunny Brunel, Keyboarder T Lavitz.
In den 90er Jahren. Die wichtigsten Jazz-Rock-Projekte waren Gruppen wie Tribal Tech und das Mark Varney Project. Frank Gambale hat mehrere Soloalben aufgenommen.
Sowie Gitarrist Jeff Richman, Bassisten Adam Nitti und Victor Bailey. Keyboarder Adam Holzman gründete seine eigene Band. Ein anderer Keyboarder, Mitch Forman, gründete die Band Metro. Bassist Uzeb Alain Caron gründete eine neue Gruppe LeBand. Mehrere neue Bands sind in den USA aufgetreten: Gongzilla
Gitarrist Bon Lozaga, Stratus, Gamalon, Jam Camp.
In Kanada, The Code, 5 nach 4.
In Deutschland Matalex, 7For4, Jazz Pistols, Susan Weinert, Leni Stern. In Japan Side Steps, Fragile, Group Therapy, Kehell, Wisywyg, WINS.
In Großbritannien Persy Jones Tunnels, Network, Sphere3.
In 2000 viele Bands, die Jazzrock spielten, traten auf: in Japan Exhivision, IzgitNine, Trix; mehrere Projekte aus Frankreich - Fugu, Jac La Greca, Fusion Project, Quidam; Italien - Virtueller Traum, Zaq, Periferia Del Mondo; Spanien - Planeta Imaginario, Onza, Gurth. In den Niederlanden Richard Hallebeek Project. In den USA Garaj Mahal, Helmet Of Gnats, Bad Dog U, Kick The Cat, Code3, Whoopgnash, Savant Guard, Facing West, Rare Blend, Ecstazy In Number, Redshift.
Schlagzeuger Dennis Chambers, der in den besten modernen Jazzrockbands mitwirkte: Cab, Niacin, Uncle Moe’s Space Ranch, „Boston T Party“ mit T Lavitz und Jeff Berlin, „Extraction“ mit Greg Howe und Victor Wooten, „Gentle Hearts“ mit Greg Howe und Tetsui Sakurai.
Eine besondere Rolle im Jazz-Rock-Revival spielt das 1998 von Mark Varney und Steve Smith gegründete Label Tone Center Records.
Steve Smith erstellte mehrere Projekte für dieses Label: Vital Tech Tones mit dem Gitarristen Scott Henderson und dem Bassisten Victor Wooten; GHS mit Gitarrist Frank Gambale und Bassist Stuart Hamm), CD „Strangers Hand“ mit dem berühmten Geiger Jerry Goodmen, Bassist Oteil Burbridge; „Cause and Effect“ mit Gitarrist Larry Corryel und Keyboarder Tom Coster; „Count Jam Band Reunion“ mit Gitarrist Larry Corryel, Bassist Kai Eckhardt.
Auch auf diesem Label wurden 2 Discs von Tribal Tech 99 und 2000 veröffentlicht. Zwei CDs der berühmten Band der frühen 90er Jahre, dem Mark Varney Project, wurden neu veröffentlicht.
Die besten modernen Jazz-Rockbands, die von Tone Center Records veröffentlicht wurden: Cab, Uncle Moe's Space Ranch, Boston T Party mit T Lavitz und Jeff Berlin, Extraction mit Greg Howe und Victor Wooten, Schlagzeuger Dennis nahm an all diesen Kammerprojekten teil.
Aufnahmen wurden auch von Bands wie Bass Extremes von den Bassgitarristen Steve Bailey und Victor Wooten veröffentlicht; Jing Chi mit Gitarrist Robben Ford, Bassist Jimmy Haslip und Schlagzeuger Vinnie Colaiuta, Solo-CDs von Bassist Bunny Brunel „La Zoo“, Gitarristen Greg Howe und Scott Henderson, Steve Khan, Bill Connors.
Alben „Cosmic Farm“ mit Wasserman, Erickson, Lavitz, Sipe; „Gefährdete Arten“ mit Hering, Lavitz, Harward, Gradney.
Seit Mitte der 2000er Jahre. Zusammenfassung Logix Label wird zum führenden Jazz-Rock-Label. So veröffentlichte Abstract Logix neue Alben von Musikern wie John Mclaughlin, Lenny White, Jimmy Herring, Anthony Jackson, Gary Husband, Project Z, Sebastiaan Cornelissen, Alex Machacek und Scott Kinsey. Darüber hinaus vertreibt Abstract Logix CDs von Jazz-Rock-Bands aus der ganzen Welt.
Miles Davis "Auf stille Weise" (1969)
Über die Wurzeln und den Ursprung des Jazz-Rock (Fusion) können Kenner noch streiten. Der Moment, in dem Jazzrock berühmt wurde, ist jedoch nicht Gegenstand der Diskussion. Das Musikgenie Mile Davis war der Erste, der komplexe Instrumentaltracks aus verschiedenen Sessions zusammenstellte. Und vor allem ermutigte er seine Kollegen, einen neuen Weg in der Musik zu gehen. Dieses und das nächste Album von Davis, Bitches Brew, sind absolute Klassiker des Genres.
Mahavishnu Orchestra „Die innere aufsteigende Flamme“ (1971)
Der Gitarrist John McLaughlin, der an den Aufnahmen der beiden oben erwähnten Alben von Miles Davis beteiligt war, versammelte eine Gruppe herausragender Instrumentalisten – den Schlagzeuger Billy Cobham und den Geiger Jean-Luc Ponty. The Inner Mounting Flame wird vielen Rockstars von Deep Purple über Metallica bis hin zu Dream Theater eine Lektion in meisterhafter Darbietung erteilen. Hören Sie, was McLaughlin mit der Gitarre macht.
Herbie Hancock „Mwandishi“ (1971)
Auch der berühmte Keyboarder und Komponist Herbie Hancock wurde stark von seiner Zusammenarbeit mit Miles Davis beeinflusst. In den frühen 70er Jahren verließ der Musiker das Label Blue Note und begann, neue elektronische Instrumente zu sammeln. Mwandishi bedeutete auf Suaheli Hancocks eigenen Namen, und ihm wird die Integration von Synthesizern in die Jazzszene zugeschrieben. Wem der Sound von „Mwandishi“ zu avantgardistisch und improvisatorisch ist, der sollte sich Hancocks Funk-Projekt „Head Hunters“ (1973) zuwenden, das beim Publikum auf breite Resonanz stieß.
Return to Forever: Hymne der siebten Galaxie (1973)
Ein anderer Pianist, Chick Corea, verlagerte seinen Interessenschwerpunkt von der Avantgarde zum Jazz-Rock, nachdem er in den 70er Jahren mit Miles zusammengearbeitet hatte. Das Album des Projekts, Return To Forever, enthält Corea an Gitarrist Bill Conors, Stanley Clarke am Bass und Lenny White am Schlagzeug. Hymn of the Seventh Galaxy ist kein Jazz-Rock mehr, sondern Rock-Jazz. Virtuose Performer kreieren einen echten Hardrock-Batch. Eine bisher unerhörte Fusion aus Elektro, Jazz, Funk und Hardrock, dh. echte Fusion (Fusion - Legierung).