Russische Landschaftsmaler des 18. und 19. Jahrhunderts. Winterlandschaften von berühmten russischen Künstlern. Berühmte Landschaften von Jean-Baptiste Corot

Die ersten malerischen Landschaften entstanden in Russland in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts – nachdem 1757 die Kaiserliche Akademie der Künste in St. Petersburg nach dem Vorbild europäischer Akademien eröffnet wurde, wo es neben anderen Gattungsklassen auch eine Klasse für Landschaftsmalerei gibt. Es besteht auch eine Nachfrage nach „Entfernen von Ansichten“ von denkwürdigen und architektonisch bedeutenden Orten. Der Klassizismus – und diese Zeit seiner Dominanz – stellt das Auge auf die Wahrnehmung ein, die nur noch hohe Assoziationen hervorruft: majestätische Gebäude, mächtige Bäume, Panoramen, die an antikes Heldentum erinnern. Sowohl Natur- als auch Stadtvedute Die Gattung der Vedute (aus italienischer Veduten-Sicht) war das Bild der Stadt aus einem besonders vorteilhaften Blickwinkel. müssen in ihrer idealen Gestalt präsentiert werden, wie sie sein sollten.

Blick auf den Gatchina-Palast von Long Island. Gemälde von Semyon Shchedrin. 1796

Mühlen- und Schälturm in Pawlowsk. Gemälde von Semyon Shchedrin. 1792Samara Regionales Kunstmuseum

Roter Platz in Moskau. Gemälde von Fjodor Alekseev. 1801Staatliche Tretjakow-Galerie

Blick von der Peter-und-Paul-Festung auf die Börse und die Admiralität. Gemälde von Fjodor Alekseev. 1810Staatliche Tretjakow-Galerie

Landschaften werden nach der Natur gemalt, aber in der Werkstatt sicherlich finalisiert: Der Raum wird in drei verständliche Pläne geteilt, die Perspektive wird durch menschliche Figuren – die sogenannte Staffage – belebt und die kompositorische Ordnung wird durch bedingte Farbe verstärkt. So stellt Semyon Shchedrin Gatchina und Pavlovsk dar, und Fyodor Alekseev stellt Moskauer Plätze und St. Petersburger Böschungen dar; Übrigens haben beide ihre Kunstausbildung in Italien absolviert.

2. Warum russische Künstler italienische Landschaften malen

In noch größerem Maße wird die nächste Stufe in der Entwicklung der russischen Landschaft, die romantische Stufe, mit Italien verbunden sein. Künstler der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts, die als Rentner, also für ein Praktikum nach erfolgreichem Abschluss der Akademie, dorthin gehen, haben es in der Regel nicht eilig, zurückzukehren. Das südliche Klima selbst scheint ihnen ein Zeichen der Unfreiheit in ihrer Heimat zu sein, und die Aufmerksamkeit für das Klima ist der Wunsch, es darzustellen: das spezifische Licht und die Luft eines warmen freien Landes, in dem der Sommer immer dauert. Dies eröffnet die Möglichkeit, Freilichtmalerei zu beherrschen – die Fähigkeit, ein Farbschema in Abhängigkeit von realer Beleuchtung und Atmosphäre aufzubauen. Die einstige, klassizistische Landschaft erforderte heroische Kulissen, konzentriert auf das Bedeutende, das Ewige. Jetzt wird die Natur zum Lebensraum der Menschen. Natürlich gehört zu einer romantischen Landschaft (wie jeder anderen) auch eine Auswahl – nur was schön erscheint, kommt in den Rahmen: nur das ist noch eine schöne Sache. Landschaften, die unabhängig vom Menschen existieren, aber für ihn günstig sind - eine solche Vorstellung von der "richtigen" Natur deckt sich mit der italienischen Realität.

Mondnacht in Neapel. Gemälde von Sylvester Shchedrin. 1828Staatliche Tretjakow-Galerie

Grotte von Matromanio auf der Insel Capri. Gemälde von Sylvester Shchedrin. 1827Staatliche Tretjakow-Galerie

Wasserfälle in Tivoli. Gemälde von Sylvester Shchedrin. Anfang der 1820er JahreStaatliche Tretjakow-Galerie

Veranda mit Trauben bedeckt. Gemälde von Sylvester Shchedrin. 1828Staatliche Tretjakow-Galerie

Sylvester Shchedrin lebte 12 Jahre in Italien und schaffte es in dieser Zeit, eine Art thematisches Lexikon romantischer Landschaftsmotive zu schaffen: eine Mondnacht, ein Meer und eine Grotte, aus der sich das Meer öffnet, Wasserfälle und Terrassen. Seine Natur verbindet das Universelle mit dem Intimen, Raum und die Möglichkeit, sich davor im Schatten einer Weinpergola zu verstecken. Diese Pergolen oder Terrassen sind wie innere Gehege in der Unendlichkeit, wo mit Blick auf den Golf von Neapel die vagabundierenden Lazzaroni ihrem glückseligen Müßiggang frönen. Sie scheinen Teil der Landschaftskomposition selbst zu sein – freie Kinder der wilden Natur. Shchedrin fertigte seine Gemälde erwartungsgemäß im Atelier an, aber sein Malstil zeigt romantische Aufregung: Ein offener Pinselstrich modelliert die Formen und Texturen der Dinge, als ob er im Tempo ihres sofortigen Verständnisses und ihrer emotionalen Reaktion wäre.

Erscheinung des Messias (Erscheinen Christi vor den Menschen). Gemälde von Alexander Iwanow. 1837–1857Staatliche Tretjakow-Galerie

Erscheinung Christi vor den Menschen. Erste Skizze. 1834

Erscheinung Christi vor den Menschen. Eine Skizze, die nach einer Reise nach Venedig geschrieben wurde. 1839Staatliche Tretjakow-Galerie

Erscheinung Christi vor den Menschen. Skizze "Stroganow". 1830erStaatliche Tretjakow-Galerie

Aber Alexander Ivanov, ein jüngerer Zeitgenosse von Shchedrin, entdeckt eine andere Natur - die nicht mit menschlichen Gefühlen verbunden ist. Mehr als 20 Jahre arbeitete er an dem Gemälde „Die Erscheinung des Messias“, und die Landschaften entstanden, wie alles andere, in einem indirekten Zusammenhang damit: Tatsächlich wurden sie vom Autor oft als Skizzen gedacht, aber sie wurden mit malerischer Gründlichkeit ausgeführt. Einerseits sind es menschenleere Panoramen der italienischen Ebenen und Sümpfe (eine vom Christentum noch nicht vermenschlichte Welt), andererseits Nahaufnahmen von Elementen der Natur: ein Ast, Steine in einem Bach und auch nur trocken Land, auch panoramisch durch einen endlosen horizontalen Fries gegeben Zum Beispiel in dem in den 1840er Jahren gemalten Gemälde „Die Erde vor den Toren der Kirche St. Paul in Albano“.. Die Liebe zum Detail ist auch mit der Aufmerksamkeit für Pleinair-Effekte behaftet: wie sich der Himmel im Wasser spiegelt und der holprige Boden Reflexe von der Sonne einfängt - aber all diese Genauigkeit wird zu etwas Grundlegendem, einem Bild der ewigen Natur in sich grundlegende Grundlagen. Es wird angenommen, dass Ivanov eine Lucida-Kamera verwendet hat - ein Gerät, das hilft, das Sichtbare zu fragmentieren. Shchedrin hat es wahrscheinlich auch verwendet, aber mit einem anderen Ergebnis.

3. Wie entstand die erste russische Landschaft?

Die Natur ist vorerst schön und damit fremd: Die Schönheit wird der eigenen verweigert. „Russische Italiener“ lassen sich nicht vom kalten Russland inspirieren: Sein Klima wird mit Unfreiheit, mit Erstarrung des Lebens assoziiert. Aber in einem anderen Kreis entstehen solche Assoziationen nicht. Nikifor Krylov, ein Schüler von Alexei Gavrilovich Venetsianov, der das Vaterland nicht verließ und weit entfernt von einer romantischen Weltanschauung war, kannte wahrscheinlich nicht die Worte von Karl Bryullov über die Unmöglichkeit, Schnee und Winter zu schreiben („alles wird aus verschütteter Milch kommen “). Und 1827 schuf er die erste Nationallandschaft – nur eine Winterlandschaft.

Winterlandschaft (russischer Winter). Gemälde von Nikifor Krylov. 1827 Staatliches Russisches Museum

An der Schule, die er im Dorf Safonko-vo eröffnete Jetzt Wenezianovo., lehrte Venetsianov, "nichts anders darzustellen, als es in der Natur ist, und ihr allein zu gehorchen" (an der Akademie lehrten sie im Gegenteil, sich auf Muster, auf das Erprobte und Ideale zu konzentrieren). Vom Hochufer der Tosna eröffnet sich die Natur panoramisch – in einer weiten Perspektive. Das Panorama ist rhythmisch bewohnt, und die Menschenfiguren verlieren sich nicht im Raum, sie sind ihm kongenial. Viel später waren es genau diese Typen von „glücklichen Menschen“ – ein Mann, der ein Pferd führt, eine Bäuerin mit kurzen Händen –, die in der Malerei einen gewissen Erinnerungsakzent erlangten, aber bisher ist dies ihr erster Auftritt und sie werden mit Sorgfalt aus nächster Nähe gezeichnet. Das gleichmäßige Licht von Schnee und Himmel, blaue Schatten und durchsichtige Bäume repräsentieren die Welt als Idylle, als Zentrum des Friedens und der Ordnung. Noch schärfer wird diese Wahrnehmung der Welt in den Landschaften eines anderen Schülers von Venetsianov, Grigory Soroka, verkörpert.

Der leibeigene Künstler (Venetsianov, der mit seinem „Besitzer“ befreundet war, konnte seinen geliebten Schüler nie frei bekommen) Magpie ist der begabteste Vertreter des sogenannten russischen Biedermeier (wie die Kunst der Schüler der Venetsianov-Schule ist genannt). Sein ganzes Leben lang malte er die Innenräume und die Umgebung des Anwesens und wurde nach der Reform von 1861 ein Bauernaktivist, für den er kurzzeitig verhaftet und möglicherweise körperlich bestraft und danach erhängt wurde. Weitere Details seiner Biographie sind unbekannt, wenige Werke sind erhalten geblieben.

Fischer. Ansicht in Spasskoje. Gemälde von Grigory Soroka. Zweite Hälfte der 1840er Jahre Staatliches Russisches Museum

Seine "Fischer" scheinen das "leiseste" Bild im gesamten Korpus der russischen Malerei zu sein. Und das "ausgewogenste". Alles spiegelt sich in allem und reimt sich auf alles: der See, der Himmel, Gebäude und Bäume, Schatten und Lichter, Menschen in selbstgesponnenen weißen Kleidern. Ein ins Wasser gelassenes Ruder verursacht keinen Spritzer oder gar eine Welle auf der Wasseroberfläche. Perlige Farbtöne in Leinenweiß und dunklen Grüntönen verwandeln die Farbe in ein Licht – Abend vielleicht, aber transzendenter, himmlischer: ein diffuses, ruhiges Leuchten. Es scheint, dass das Fangen von Fischen Handlung impliziert, aber es existiert nicht: bewegungslose Figuren bringen kein Genreelement in den Raum. Und diese Figuren selbst in Bauernhosen und -hemden sehen nicht wie Bauern aus, sondern wie Figuren in einem epischen Märchen oder Lied. Eine Betonlandschaft mit einem See im Dorf Spasskoye verwandelt sich in ein Idealbild der Natur, still und leicht verträumt.

4. Wie die russische Landschaft das russische Leben einfängt

Die Malerei der Venezianer im allgemeinen Bereich der russischen Kunst nahm einen bescheidenen Platz ein und fiel nicht in den Mainstream. Bis in die frühen 1870er-Jahre entwickelte sich die Landschaft im Sinne der romantischen Tradition mit zunehmender Wirkung und Prunk; Es wurde von italienischen Denkmälern und Ruinen, Ausblicken auf das Meer bei Sonnenuntergang und mondhellen Nächten dominiert (solche Landschaften finden sich beispielsweise in Aivazovsky und später in Kuindzhi). Und um die Wende der 1860er-70er Jahre kommt es zu einer scharfen Wiederverwertung. Erstens hängt es mit dem Erscheinen der häuslichen Natur auf der Bühne zusammen, und zweitens damit, dass diese Natur deklarativ frei von allen Zeichen romantischer Schönheit ist. 1871 malte Fjodor Wassiljew The Thaw, das Pawel Michailowitsch Tretjakow sofort für die Sammlung erwarb; im selben Jahr zeigte Alexei Savrasov seine später berühmten „Rooks“ auf der ersten Wanderausstellung (damals hieß das Gemälde „Here the Rooks Arrived“).

Auftauen. Gemälde von Fjodor Wassiljew. 1871 Staatliche Tretjakow-Galerie

Sowohl in „The Thaw“ als auch in „Rooks“ ist die Jahreszeit nicht festgelegt: Es ist kein Winter mehr, noch kein Frühling. Der Kritiker Stasov bewunderte, wie Savrasov den Winter „hörte“, während andere Zuschauer nur den Frühling „hörten“. Der wechselnde, schwankende Naturzustand ermöglichte es, die Malerei mit subtilen atmosphärischen Reflexen zu sättigen, ihr Dynamik zu verleihen. Aber ansonsten geht es in diesen Landschaften um verschiedene Dinge.

Die Türme sind angekommen. Gemälde von Alexei Savrasov. 1871 Staatliche Tretjakow-Galerie

Wassiljew konzeptualisiert die Schlammlawine – sie wird auf das moderne gesellschaftliche Leben projiziert: die gleiche Zeitlosigkeit, langweilig und hoffnungslos. Die gesamte heimische Literatur, von den revolutionär-demokratischen Schriften von Vasily Sleptsov bis zu den antinihilistischen Romanen von Nikolai Leskov (der Titel eines dieser Romane - "Nirgendwo" - könnte zum Namen des Bildes werden), hat die Unmöglichkeit des Weges festgestellt - diese Sackgasse, in der ein Mann und ein Junge in der Landschaft verloren gehen. Ja, und im Querformat, oder? Der Raum ist frei von Landschaftskoordinaten, außer erbärmlichen schneebedeckten Hütten, holzigem Müll, der im Matsch festsitzt, und schiefen Bäumen auf einem Bergschirm. Es ist ein Panorama, aber vom grauen Himmel niedergedrückt, das Licht und die Farbe nicht verdient - ein Raum, in dem es keine Ordnung gibt. Savrasov hat etwas anderes. Er scheint auch den Prosaismus des Motivs zu betonen: Die Kirche, die zum Objekt der „Fotografie“ werden könnte, ist dem Proszenium aus krummen Birken, Nasenlöchern, Schnee und Schmelzwasserpfützen gewichen. "Russisch" bedeutet "arm", unansehnlich: "karge Natur", wie in Tyutchev. Aber derselbe Tyutchev, der "das Land seiner heimischen Langmut" sang, schrieb: "Er wird nicht verstehen und nicht bemerken / Den stolzen Blick eines Ausländers, / Was durchscheint und heimlich scheint / In deiner demütigen Nacktheit." - und in "Rooks" ist dieses geheime Licht . Der Himmel nimmt die Hälfte der Leinwand ein, und von hier aus kommt ein völlig romantischer „Himmelsstrahl“ auf die Erde, erleuchtet die Tempelmauer, den Zaun, das Wasser des Teichs – er markiert die ersten Schritte des Frühlings und verleiht der Landschaft ihren emotionalen und emotionalen Charakter lyrische Färbung. Aber auch Vasilievs Tauwetter verspricht Frühling, und diese Bedeutungsnuance ist auch hier möglich, wenn Sie es sehen wollen - oder hier lesen.

5. Wie sich die russische Landschaftsschule entwickelt hat

Landstraße. Gemälde von Alexei Savrasov. 1873Staatliche Tretjakow-Galerie

Abend. Flug der Vögel. Gemälde von Alexei Savrasov. 1874Odessa Kunstmuseum

Savrasov ist einer der besten russischen Koloristen und einer der „vielsprachigsten“: Er konnte Straßenschmutz („Country Road“) gleichermaßen in intensiven und festlichen Farben malen oder feinste minimalistische Harmonie in einer Landschaft aufbauen, die nur aus Erde und Erde besteht Himmel („Abendlicher Vogelflug“). Als Lehrer an der Moskauer Schule für Malerei, Bildhauerei und Architektur beeinflusste er viele; sein virtuoser und offener Malstil wird mit Po-le-nov und Levitan fortgesetzt, und Motive werden mit Serov, Korovin und sogar Shishkin (große Eichen) mitschwingen. Aber gerade Shishkin verkörpert eine andere Ideologie der väterlichen Landschaft. Dies ist eine Vorstellung von Heldentum (leicht epische Überzeugung), von feierlicher Größe, Stärke und Ruhm des „Nationalen“ und „Volks“. Patriotisches Pathos auf seine Art: Mächtige Kiefern, die zu jeder Jahreszeit gleich waren (Plein-Air-Variabilität war Shishkin entschieden fremd, und er malte lieber Nadelbäume), sammelten sich in einem Wald, und Kräuter, mit aller Sorgfalt ausgeschrieben , bilden auch eine Reihe ähnlicher Kräuter, die keine botanische Vielfalt darstellen. Charakteristisch ist, dass z. B. bei dem Gemälde „Roggen“ die in der Linearperspektive abnehmenden Bäume des Hintergrunds die Schärfe der Konturen nicht verlieren, was bei Berücksichtigung der Luftperspektive unvermeidlich wäre, aber die Unantastbarkeit der Formen ist dem Künstler wichtig. Es ist nicht verwunderlich, dass sein erster Versuch, die Lichtluftumgebung in dem Gemälde „Morgen in einem Kiefernwald“ (geschrieben in Zusammenarbeit mit Konstantin Savitsky - den Bären seines Pinsels) darzustellen, ein Zeitungsepigramm verursachte: „Ivan Ivanovich, is that Du? Was, Vater, sie lassen den Nebel herein.

Roggen. Gemälde von Ivan Shishkin. 1878Staatliche Tretjakow-Galerie

Morgen in einem Kiefernwald. Gemälde von Ivan Shishkin und Konstantin Savitsky. 1889Staatliche Tretjakow-Galerie

Shishkin hatte keine Anhänger, und im Allgemeinen entwickelte sich die russische Landschaftsschule relativ gesehen entlang der Savrasov-Linie. Das heißt, Interesse an atmosphärischer Dynamik erfahren und Etüdenfrische und eine offene Art zu schreiben pflegen. Hinzu kam die in den 1890er Jahren fast allumfassende Leidenschaft für den Impressionismus und überhaupt der Drang nach Emanzipation - zumindest der Emanzipation von Farbe und Pinseltechnik. Zum Beispiel gibt es bei Polenov – und bei niemandem sonst – fast keinen Unterschied zwischen einer Studie und einem Gemälde. Die Schüler von Savrasov und dann von Levitan, der Savrasov in der Leitung der Landschaftsklasse der Moskauer Schule ablöste, reagierten auf beeindruckend-zionistische Weise scharf auf augenblickliche Naturzustände, auf zufälliges Licht und einen plötzlichen Wetterwechsel - und diese schärfe und reaktionsschnelligkeit drückte sich in der offenlegung von techniken aus, darin, wie durch das motiv und über das motiv der prozess der bildentstehung selbst und der wille des künstlers, der diese oder jene ausdrucksmittel wählt, verständlich wurde. Die Landschaft hörte auf, völlig objektiv zu sein, die Persönlichkeit des Autors behauptete, eine eigene unabhängige Position zu behaupten - soweit im Gleichgewicht mit der gegebenen Art. Levitan musste diese Position vollständig benennen.

6. Wie das Jahrhundert der Landschaft endete

Isaac Levitan gilt als Schöpfer der „Stimmungslandschaft“, also als Künstler, der seine eigenen Gefühle weitgehend auf die Natur projiziert. Und tatsächlich, in Levitans Werken ist dieser Grad hoch und die Palette der Emotionen wird über die gesamte Klaviatur gespielt, von stiller Traurigkeit bis zu triumphierender Freude.

Levitan schließt die Geschichte der russischen Landschaft des 19. Jahrhunderts ab und scheint alle ihre Bewegungen zu synthetisieren und sie am Ende mit aller Deutlichkeit zu zeigen. In seiner Malerei findet man sowohl meisterhaft geschriebene schnelle Skizzen als auch epische Panoramen. Er beherrschte gleichermaßen sowohl die impressionistische Technik des Formens von Volumen mit separaten farbigen Strichen (die manchmal die impressionistische „Norm“ in gebrochenen Texturen übertraf) als auch die postimpressionistische zionistische Methode des pastosen bunten Mauerwerks. Er wusste, wie man Kammerwinkel und Intimität sieht – aber er zeigte auch eine Liebe für offene Räume (vielleicht wurde die Erinnerung an den Pale of Settlement so kompensiert – die demütigende Wahrscheinlichkeit einer Vertreibung aus Moskau hing über dem Künstler wie ein Schwert von Damokles sogar zur Zeit des Ruhmes, zwang ihn zweimal zur hastigen totalen Flucht aus der Stadt).

Über die ewige Ruhe. Gemälde von Isaac Levitan. 1894Staatliche Tretjakow-Galerie

Abendruf, Abendglocke. Gemälde von Isaac Levitan. 1892Staatliche Tretjakow-Galerie

„Fernblicke“ könnten sowohl mit einem patriotisch gefärbten Weitegefühl verbunden sein („Frischer Wind. Wolga“), als auch traurige Sehnsucht ausdrücken – wie im Gemälde „Wladimirka“, wo die dramatische Erinnerung an den Ort (sie führten nach Sibirien entlang diese harte Arbeit Straßenbegleiter) wird ohne zusätzliche Umgebung im Bild der durch Regenfälle oder ehemalige Prozessionen aufgelockerten Straße unter einem düsteren Himmel gelesen. Und schließlich eine Art Entdeckung von Levitan – Landschaftselegien philosophischer Natur, in denen die Natur zum Anlass wird, über den Kreislauf des Seins und die Suche nach unerreichbarer Harmonie nachzudenken: „Stille Wohnstätte“, „Über dem ewigen Frieden“, „ Abendglocken“ .

Sein wohl letztes Gemälde „Lake. Russia“, könnte zu dieser Reihe gehören. Sie wurde als ganzheitliches Bild der russischen Natur konzipiert. Levitan wollte es "Rus" nennen, entschied sich aber für eine neutralere Version; der Doppelname blieb später hängen. blieb jedoch unvollendet.Vielleicht auch aus diesem Grund wurden darin widersprüchliche Positionen vereint: die russische Landschaft in ihrer ewigen Existenz und die impressionistische Technik, die auf „flüchtige Dinge“ achtet.

See. Rus. Gemälde von Isaac Levitan. 1899-1900 Jahre Staatliches Russisches Museum

Ob dieser romantische Farb- und Handgelenksspielraum in der finalen Version erhalten geblieben wäre, wissen wir nicht. Aber dieser Zwischenzustand ist eine Synthese in einem Bild. Ein episches Panorama, eine ewige und unerschütterliche natürliche Realität, in der sich jedoch alles bewegt – Wolken, Wind, Wellen, Schatten und Reflexionen. Große Striche fangen ein, was nicht geworden ist, sondern was wird, sich verändert – als würde man versuchen, in der Zeit zu sein. Auf der einen Seite die Fülle der sommerlichen Blütezeit, die feierliche Dur-Trompete, auf der anderen die Intensität des Lebens, bereit zur Veränderung. Sommer 1900; ein neues Zeitalter bricht an, in dem die Landschaftsmalerei – und nicht nur die Landschaftsmalerei – ganz anders aussehen wird.

Quellen

Böhm K. Geschichte der Gattungen. Landschaft.
Fedorov-Davydov A. A. Russische Landschaft des 18. - frühen 20. Jahrhunderts.

Veröffentlicht: 26. März 2018

Diese Liste berühmter Landschaftsmaler wurde von unserem Herausgeber Neil Collins, M.A., LL.B. Er repräsentiert seine persönliche Meinung über die zehn besten Vertreter der Genrekunst. Wie jede Zusammenstellung dieser Art offenbart sie mehr den persönlichen Geschmack des Verfassers als die Position der Landschaftsmaler. Also die zehn besten Landschaftsmaler und ihre Landschaften.

http://www.visual-arts-cork.com/best-landscape-artists.htm

#10 Thomas Cole (1801-1848) und Frederick Edwin Church (1826-1900)

Auf Platz zehn gleich zwei amerikanische Künstler.

Thomas Cole: Der größte amerikanische Landschaftsmaler des frühen 19. Jahrhunderts und Gründer der Hudson River School, Thomas Cole, wurde in England geboren, wo er als Kupferstecherlehrling arbeitete, bevor er 1818 in die Vereinigten Staaten auswanderte, wo er schnell Anerkennung erlangte ein Landschaftsmaler, der sich im Dorf Catskill im Hudson Valley niederließ. Als Bewunderer von Claude Lorraine und Turner besuchte er zwischen 1829 und 1832 England und Italien, woraufhin er (teilweise dank der Ermutigung, die er von John Martin und Turner erhielt) begann, sich weniger auf natürliche Landschaften und mehr auf grandiose allegorische und historische Landschaften zu konzentrieren Themen. . Cole war von der natürlichen Schönheit der amerikanischen Landschaft sehr beeindruckt und verlieh einem Großteil seiner Landschaftskunst viel Gefühl und offensichtliche romantische Pracht.

Berühmte Landschaften von Thomas Cole:

- "View of the Catskills - Early Autumn" (1837), Öl auf Leinwand, Metropolitan Museum, New York

- "American Lake" (1844), Öl auf Leinwand, Detroit Institute of Arts

Friedrich-Edwin-Kirche

- "Niagarafälle" (1857), Corcoran, Washington

- "Herz der Anden" (1859), Metropolitan Museum of Art, New York

- „Cotopaxi“ (1862), Detroit Institute of Arts

#9 Caspar David Friedrich (1774-1840)

Nachdenklich, melancholisch und etwas zurückgezogen ist Caspar David Friedrich der größte Landschaftsmaler der romantischen Tradition. In der Nähe der Ostsee geboren, ließ er sich in Dresden nieder, wo er sich ausschließlich mit spirituellen Zusammenhängen und der Bedeutung der Landschaft beschäftigte, inspiriert von der stillen Stille des Waldes, sowie Licht (Sonnenaufgang, Sonnenuntergang, Mondlicht) und Jahreszeiten. Seine Genialität lag in seiner Fähigkeit, eine bisher unbekannte spirituelle Dimension in der Natur einzufangen, die der Landschaft eine emotionale, unvergleichliche Mystik verleiht.

Berühmte Landschaften von Caspar David Friedrich:

- "Winterlandschaft" (1811), Öl auf Leinwand, National Gallery, London

- "Landschaft im Riesengebirge" (1830), Öl auf Leinwand, Puschkin-Museum, Moskau

- Mann und Frau beim Blick auf den Mond (1830-1835), Öl, Nationalgalerie, Berlin

#8 Alfred Sisley (1839-1899)

Der Anglo-Franzose Alfred Sisley, der oft als „vergessener Impressionist“ bezeichnet wird, stand in seiner Hingabe zum spontanen Pleinairismus nach Monet an zweiter Stelle: Er war der einzige Impressionist, der sich ausschließlich der Landschaftsmalerei widmete. Sein ernsthaft unterschätzter Ruf beruht auf seiner Fähigkeit, die einzigartigen Effekte von Licht und Jahreszeiten in weiten Landschaften, Meeres- und Flussszenen einzufangen. Besonders einprägsam ist seine Darstellung der Morgendämmerung und eines bewölkten Tages. Heute ist er wenig populär, gilt aber dennoch als einer der größten Vertreter der impressionistischen Landschaftsmalerei. Könnte durchaus überschätzt werden, denn im Gegensatz zu Monet litt sein Werk nie an Formlosigkeit.

Berühmte Landschaften von Alfred Sisley:

- Nebliger Morgen (1874), Öl auf Leinwand, Musée d'Orsay

- "Schnee bei Louveciennes" (1878), Öl auf Leinwand, Musée d'Orsay, Paris

- Morette Bridge in the Sun (1892), Öl auf Leinwand, Privatsammlung

#7 Albert Cuyp (1620-1691)

Aelbert Kuip, ein niederländischer Maler des Realismus, ist einer der berühmtesten niederländischen Landschaftsmaler. Seine herrlichsten malerischen Aussichten, Flussszenen und Landschaften mit ruhigem Vieh, zeigen majestätische Gelassenheit und meisterhaften Umgang mit hellem Licht (frühe Morgen- oder Abendsonne) im italienischen Stil sind ein Zeichen von Klodeevs großem Einfluss. Dieses goldene Licht fängt durch pastose Lichteffekte oft nur die Seiten und Ränder von Pflanzen, Wolken oder Tieren ein. Auf diese Weise verwandelte Cuyp seine Heimatstadt Dordrecht in eine imaginäre Welt und spiegelte sie zu Beginn oder am Ende eines perfekten Tages mit einem allumfassenden Gefühl von Stille und Sicherheit und der Harmonie von allem mit der Natur wider. In Holland beliebt, wurde es in England hoch angesehen und gesammelt.

Berühmte Landschaften von Albert Cuyp:

- "Ansicht von Dordrecht von Norden" (1650), Öl auf Leinwand, Sammlung Anthony de Rothschild

- „Flusslandschaft mit Reitern und Bauern“ (1658), Öl, National Gallery, London

#6 Jean-Baptiste Camille Corot (1796-1875)

Jean-Baptiste Corot, einer der größten Landschaftsmaler der Romantik, ist berühmt für seine unvergesslich malerischen Naturdarstellungen. Seine besonders subtile Herangehensweise an Distanz, Licht und Form beruhte eher auf Ton als auf Zeichnung und Farbe, was der fertigen Komposition einen Hauch von endloser Romantik verlieh. Weniger durch malerische Theorien eingeschränkt, gehören Corots Werke dennoch zu den beliebtesten Landschaften der Welt. Als regelmäßiger Teilnehmer des Pariser Salons seit 1827 und Mitglied der von Theodore Rousseau (1812-1867) geleiteten Schule von Barbizon hatte er großen Einfluss auf andere Freilichtkünstler wie Charles-Francois Doubigny (1817-1878), Camille Pissarro (1830-1903). ) und Alfred Sisley (1839-1899). Er war auch ein ungewöhnlich großzügiger Mann, der den größten Teil seines Geldes für Künstler in Not ausgab.

Berühmte Landschaften von Jean-Baptiste Corot:

- "Die Brücke von Narni" (1826), Öl auf Leinwand, Louvre

- Ville d'Avrey (ca. 1867), Öl auf Leinwand, Brooklyn Museum of Art, New York

- "Ländliche Landschaft" (1875), Öl auf Leinwand, Musée Toulouse-Lautrec, Albi, Frankreich

#5 Jacob van Ruisdael (1628-1682)

- "Die Mühle in Wijk bei Duarsted" (1670), Öl auf Leinwand, Rijksmuseum

- "Jüdischer Friedhof in Ouderkerk" (1670), Galerie Alte Meister, Dresden

Nr. 4 Claude Lorrain (1600-1682)

In Rom tätiger französischer Maler, Zeichner und Kupferstecher, der von vielen Kunsthistorikern als der größte Landschaftsmaler der Kunstgeschichte angesehen wird. Da es der reinen (d. h. weltlichen und nichtklassischen) Landschaft sowie dem gewöhnlichen Stillleben oder der Genremalerei an moralischer Ernsthaftigkeit mangelte (im 17. Jahrhundert in Rom), führte Claude Lorrain klassische Elemente und mythologische Themen in seine Kompositionen ein, darunter auch Götter , Helden und Heilige. Darüber hinaus war seine gewählte Umgebung, die Landschaft um Rom, reich an antiken Ruinen. Diese klassischen italienischen Hirtenlandschaften wurden auch von einem poetischen Licht erfüllt, das seinen einzigartigen Beitrag zur Kunst der Landschaftsmalerei darstellt. Claude Lorraine hat die englischen Maler zu Lebzeiten und zwei Jahrhunderte danach besonders beeinflusst: John Constable nannte ihn „den besten Landschaftsmaler, den die Welt je gesehen hat“.

Berühmte Landschaften von Claude Lorrain:

- "Das moderne Rom - Campo Vaccino" (1636), Öl auf Leinwand, Louvre

- "Landschaft mit der Hochzeit von Isaak und Rebekka" (1648), Öl, National Gallery

- "Landschaft mit Tobius und dem Engel" (1663), Öl, Eremitage, St. Petersburg

- "Bau eines Bootes in Flatford" (1815), Öl, Victoria and Albert Museum, London

- "Heuwagen" (1821), Öl auf Leinwand, National Gallery, London

Nr. 2 Claude Monet (1840-1926)

Monet, der größte moderne Landschaftsmaler und Gigant der französischen Malerei, war die führende Figur der unglaublich einflussreichen impressionistischen Bewegung, deren Prinzipien der spontanen Freilichtmalerei er für den Rest seines Lebens treu blieb. Ein enger Freund der impressionistischen Maler Renoir und Pissarro, sein Streben nach optischer Wahrheit, vor allem in der Darstellung von Licht, wird durch eine Reihe von Leinwänden repräsentiert, die dasselbe Objekt bei unterschiedlichen Lichtverhältnissen und zu unterschiedlichen Tageszeiten darstellen, wie z. Haystacks“ (1888), The Poplars (1891), Rouen Cathedral (1892) und The River Thames (1899). Diese Methode gipfelte in der berühmten Seerosenserie (eine der berühmtesten Landschaften), die ab 1883 in seinem Garten in Giverny geschaffen wurde. Seine jüngste Serie monumentaler Seerosenzeichnungen mit schimmernden Farben wurde von mehreren Kunsthistorikern und Malern als wichtiger Vorläufer der abstrakten Kunst und von anderen als das beste Beispiel für Monets Suche nach spontanem Naturalismus interpretiert.

Wir wissen, dass es viele bescheidene und obskure, aber leidenschaftliche Fotografen auf der Welt gibt, die über endlose Kontinente reisen und die Ruhe opfern, um neue Landschaften einzufangen. Unten sind die Werke von nur einigen der talentierten Künstler, deren Fotografien Interesse und Bewunderung wecken.

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Seine Aufnahmen sind mit fesselndem Dämmerungslicht gefüllt. Endlose Wüsten, Berge, Wälder, Wiesen und Objekte wirken in den Fotografien von Alex Noriega unberechenbar. Er hat ein erstaunliches Portfolio.

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Stimmung und bezaubernde Atmosphäre sind die beiden wichtigsten Definitionen für die Arbeit von Angus Klein. Da sie schwer von seinen Aufnahmen zu trennen sind, versucht Angus, so viel Drama wie möglich zu bekommen, die Bedeutung einzufangen und das Gefühl zu vermitteln, das der Szene innewohnt.

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Der Name dieses Fotografen steht im Einklang mit seinen Gemälden, die an Zen erinnern. So viel mystische Stille und ein lebendiger Trancezustand im Bild. Diese phänomenalen Landschaften führen uns über die Realität hinaus und wecken unser Interesse an der Schönheit unseres Planeten.

Atif Said

Atif Saeed ist ein fantastischer Fotograf aus Pakistan. Er zeigt uns die verborgene Schönheit seines majestätischen Landes. Wunderschöne Landschaften mit surrealen Bergen voller Nebel und Schnee werden jeden Landschaftsfotografie-Enthusiasten fesseln.

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Daniel Rericha ist ein sehr bescheidener Autodidakt aus einer Kleinstadt im Erzgebirge. Er liebt es, die wunderschönen tschechischen Berge einzufangen.

David Keochkerian

Durch die mystische Farbe der Sterne und Wellen scheint David die Essenz und wahre Geschichte des Universums sehr leicht zu vermitteln. Überzeugen Sie sich selbst von seinen fantastischen Fotos.

Dylan Toh

Dylan Toh lädt uns auf eine unvergessliche Reise durch erstaunliche Orte ein. Damit können wir Zeit sparen und die atemberaubenden Wasserfälle Islands durch Bilder kennenlernen oder die Munros-Ketten in Schottland erkunden. Wir können eine virtuelle Wanderung entlang der Annapurna-Bergkette unternehmen oder die unbeschreiblich farbenprächtigen Sonnenuntergänge und -aufgänge im Bundesstaat South Australia erleben.

Erik Stensland

Erik Stensland steht oft lange vor Sonnenaufgang auf, um zu abgelegenen Seen oder den hohen Gipfeln des amerikanischen Rocky-Mountain-Nationalparks zu wandern. Er fängt die unvergleichliche Schönheit des Parks im warmen Morgenlicht ein und erstellt auch eine Fotosammlung in den Wüsten des Südwestens, des pazifischen Nordwestens und Großbritanniens. Eric betrachtet es als seine Mission, natürliche Schönheit zu enthüllen und erstaunliche Momente festzuhalten, die Ihnen den Atem rauben werden.

Gregor Boratyn

Brillante dynamische Landschaften und wunderbare künstlerische Bilder von Mutter Erde stammen vom Fotografen Grigory Boratin. Im Laufe der Jahre hat er uns mit großartigen Kreationen in seinen Bann gezogen. Großartige Bilder.

Jay Patel

Jay Patels Fähigkeit, schöne Orte wahrzunehmen und zu schätzen, begann schon in jungen Jahren auf zahlreichen Reisen zu den atemberaubendsten Orten des indischen Subkontinents. Seine Leidenschaft für solche Pracht manifestiert sich nun in der ständigen Suche und dem Wunsch, die Majestät der Natur mit seiner Kamera einzufangen.

Jays Karriere als Fotograf begann im Sommer 2001, als er seine erste digitale Spiegelreflexkamera kaufte. In den folgenden Jahren verbrachte er einen Großteil seiner Zeit damit, Fotozeitschriften und Artikel im Internet zu lesen und die Stile der großen Landschaftsfotografen zu studieren. Er hat keine formale Ausbildung und keine professionelle Ausbildung in Fotografie.

Josef Roßbach

Joseph Rossbach fotografiert seit über fünfzehn Jahren Landschaften. Seine Fotografien und Artikel wurden in einer Reihe von Büchern, Kalendern und Zeitschriften veröffentlicht, darunter Outdoor Photographer, The Nature Conservancy, Digital Photo, Photo Techniques, Popular Photography, Blue Ridge Country, Mountain Connections und mehr. usw. Er reist immer noch viel und schafft neue und interessante Bilder der Natur.

Lincoln Harrison (Lincoln Harrison)

Phänomenale Aufnahmen von Sternenspuren, Meereslandschaften und Nachtszenen charakterisieren Lincoln Harrisons Qualitätsarbeit. All seine majestätischen Fotografien ergeben ein brillantes Portfolio.

Lukas AustinLuke Austin

Der australische Landschaftsfotograf Luke Austin lebt derzeit in Perth, Westaustralien. Er verbringt seine Zeit mit Filmen und Reisen in Australien, Kanada, Neuseeland und den Vereinigten Staaten von Amerika. Die ständige Suche nach neuen Kompositionen, Blickwinkeln und Objekten führt zur kontinuierlichen Verbesserung und Weiterentwicklung seiner fotografischen Fähigkeiten.

Marcin Sobas

Außerdem hat er sich auf Landschaftsfotografie spezialisiert. Die Lieblingsthemen des Autors sind dynamische Felder, neblige Morgen in den Bergen und Seen. Er tut sein Bestes, um sicherzustellen, dass jedes einzelne Foto eine neue Geschichte erzählt, in der Licht und Umstände die Hauptfiguren sind. Diese beiden Faktoren verleihen der Welt zu verschiedenen Jahreszeiten und zu verschiedenen Tageszeiten ein extremes und unrealistisches Aussehen. Für die Zukunft plant Marcin Sobas, sich in der Vogel- und Tierfotografie zu versuchen, die er sehr spannend findet.

Martin Rack

Beim Betrachten seiner Bilder fragt man sich unwillkürlich, wo um alles in der Welt es solche Landschaften mit flackernden Lichtern gibt? Es scheint, dass es für Martin Cancer überhaupt nicht schwierig ist, diese wunderschönen Landschaften voller Leben und Licht einzufangen.

Rafael Rojas

Rafael Rojas betrachtet die Fotografie als eine besondere Lebensphilosophie, die auf Beobachtung, Verständnis und Respekt für die Welt, in der wir leben, basiert. Es ist seine Stimme und Mittel, um seine eigene Vision der Welt zu vermitteln, sowie die Möglichkeit, mit anderen Menschen die Gefühle zu teilen, die ihn überkommen, wenn er auf den Auslöser drückt.

Fotografie ist für Rafael Rojas das gleiche kreative Werkzeug zum Mischen von Emotionen wie ein Pinsel für einen Künstler oder ein Stift für einen Schriftsteller. In seiner Arbeit verbindet er persönliche Gefühle mit einem äußeren Bild, zeigt, wer er ist und wie er sich fühlt. In gewisser Weise repräsentiert er sich selbst, indem er die Welt fotografiert.

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Es gibt Orte und Gefühle, die man nicht mit Worten beschreiben kann. Aber diese Orte können gezeichnet werden. Bei aller Durchdringung, leuchtenden Farben, den klingendsten Gefühlen. Webseite für Sie ausgewählte Bilder über den Wald. Über die Sonne durch das Laub, über die verwilderten Wege. Größe und Zärtlichkeit, Schönheit und Frieden. Zu Ihrer Aufmerksamkeit 10 Künstler - Sänger magischer Natur, die den Betrachter in das dichte Aroma und die gute Kühle des Waldes eintauchen können. Genießen!

Viktor Alexandrovich Bykov ist ein berühmter russischer Landschaftsmaler, der die Schönheit und Lyrik der russischen Natur besingt. Seine Bilder sind realistisch und gleichzeitig sagenhaft luftig. Reine Farben, transparente Luft, Leichtigkeit und Frische – die Gemälde von Viktor Bykov sind bei privaten Sammlern aus Russland und dem Ausland sehr beliebt.

Peter Mörk Mønsted ist ein dänischer realistischer Maler, ein anerkannter Meister der Landschaft. Trotz zahlreicher Reisen um die Welt sind P. Mønsteds Leinwände größtenteils in Dänemark geschrieben und zeigen unberührte nördliche Landschaften. Die Werke des Künstlers schmücken die Sammlungen der Museen von Aalborg, Bautzen, Randers und zahlreiche Privatsammlungen.

Michael O'Toole stammt aus Vancouver, Kanadas Westküste. Er wuchs in einer Atmosphäre der Kreativität auf, denn seine Mutter Nancy O'Toole war eine ziemlich bekannte Künstlerin. Helle Farben, Kontraste und reine Töne in den Landschaften von Michael O'Toole lassen nur wenige Menschen gleichgültig. Michael arbeitet hauptsächlich mit Acrylfarben, er setzt Farbe kraftvoll, selbstbewusst und saftig ein und spielt mit Kontrasten.

Roland Palmaerts wurde in Belgien in Brüssel geboren. Er arbeitete als Designer und Illustrator und nahm gleichzeitig an Ausstellungen teil. Die Ausstellungen waren so erfolgreich, dass sich Palmaerts ganz der Malerei und dem Unterrichten widmete. Er ist Autor mehrerer Lehrbücher über Malerei. Er ist Mitglied der Canadian Society of Watercolour Painters, des European Watercolour Institute und war fünf Jahre lang Präsident des Institute of Figurative Art.

Ilya wurde in Moskau geboren. Er ist Mitglied der Union der Künstler Russlands. Er ist als Keramikkünstler bekannt und beherrscht auch die Aquarellmalerei. Seine luftigen Kreationen, sanft, subtil. In seinen Wäldern hängt ein warmer Nebel, der von der sanften Sonne durchtränkt ist. Viele seiner Werke befinden sich in russischen Museen.

Petras Lukosius ist ein litauischer Künstler. Seine vielschichtige Malerei ist lichtdurchflutet, Sonnenstrahlen ergießen sich reichlich auf seine mystischen Wälder, Licht umhüllt sanft jeden Ast. Gemälde von Petras sind auf der ganzen Welt zu finden, unter anderem in Deutschland, England, Spanien und Schweden.

1964 in Joschkar-Ola geboren. Er absolvierte das Kazan Aviation Institute, wo er sich während seines Studiums weiterhin mit Malerei beschäftigte - einer Lieblingsbeschäftigung seit seiner Kindheit.

Sergei hatte kein offizielles Diplom der Kunsterziehung und perfektionierte seine Fähigkeiten auf eigene Faust. Jetzt sind Basovs Werke gern gesehene Gäste in der berühmten Galerie Valentin Ryabov in der Hauptstadt und unentbehrliche Teilnehmer an den Internationalen Kunstausstellungen im Zentralhaus der Künstler und in der Kunstmanege. Der Künstler setzt die Tradition der klassischen russischen Landschaftsmalerei des 19. Jahrhunderts fort. Kunstkritiker nennen Sergei Basov einen der besten Vertreter des modernen russischen Realismus und heben seinen tadellosen Geschmack, seine erstaunliche poetische Wahrnehmung der Welt und seine perfekte Maltechnik hervor. Er ist Mitglied der International Art Foundation und der Professional Union of Artists.

In seinen Werken gibt es keine impressionistische Vergänglichkeit und avantgardistischen Schnickschnack. Es gibt nur eine bezaubernde Einfachheit, die jederzeit verständlich und wertvoll ist.Kritiker halten Basov für einen der besten Vertreter des modernen russischen Realismus.

Seine Landschaften werden „malerische Elegien" genannt. In den gewöhnlichsten und einfachsten Szenen – ein in den Wäldern verlorener See, ein unbenannter Fluss, ein Wäldchen am Rande eines Feldes – kann er dem Betrachter eine ganze Welt voller Reichtümer eröffnen Emotionen und sinnliche Empfindungen. Gleichzeitig hat sich Sergei Basov längst als reifer Maler mit einem individuellen, originellen Schreibstil und einem aufmerksamen, interessierten Blick auf die Welt etabliert, dessen Beobachtungen er großzügig mit anderen teilt.

„… Sergei Basov, einer der besten Vertreter des modernen russischen Realismus, arbeitet seit den frühen 90er Jahren des letzten Jahrhunderts aktiv. Er beherrscht die Maltechnik perfekt, besitzt einen tadellosen Geschmack und Sinn für Stil und schafft erstaunlich poetische Werke, die ausnahmslos eine herzliche Resonanz in den Herzen dankbarer Zuschauer finden - Menschen mit sehr unterschiedlichen Geschmäckern und Ansichten, die sich in ihrer Weltanschauung und ihrem Temperament sehr voneinander unterscheiden. Die Bildwelt, die der Künstler erschafft und in der er lebt, ist zunächst einmal die uns umgebende Natur. Vom Künstler gewählte einfache und auch profane Motive wie Waldseen und -bäche, Schluchten, Waldwege und Landstraßen verwandeln sich in sehr subtile, andächtige Werke, originelle Bildelegien. Auf zahlreichen Kunstausstellungen in Metropolen und Provinzstädten kann man hervorragende Werke realistisch und wissenschaftlich betrachten. Und natürlich gibt es eine tiefe innere Beziehung zwischen den positiven Entwicklungen in der zeitgenössischen russischen Kunst und der Wiederbelebung des Landes. Der Künstler Sergei Basov leistet einen würdigen Beitrag zu dieser edlen Sache. Die Landschaften des Meisters sind wertvolle Exponate vieler Privat- und Firmensammlungen in Russland und im Ausland ... „Viele unserer Landsleute, die für lange Zeit ins Ausland reisen, nehmen ein Stück Russland mit, das in Basovs Landschaften eingefangen ist, als Geschenk für ausländische Freunde oder einfach für sich selbst als Andenken. Auf subtile, lyrische Weise, mit erstaunlicher Wärme und Liebe überträgt der Künstler den unerklärlichen Charme der Ecken der russischen Natur in der Mittelspur auf seine Leinwände.