Творческие люди - это талантливые личности, которые любят приносить пользу и делать окружающим добро. Им нравится свобода, поэтому любые ограничения будут восприниматься ими как ущемление прав. Многие полагают, что творческие люди одиноки, несчастны и долго не живут. К счастью, это не всегда так. Талант дается человеку Богом, нужно лишь не упустить момент и начать вовремя развивать свои способности.
Стоит отметить, что среди вундеркиндов действительно много несчастных людей, поскольку их творчество не всегда понятно окружающим. Как правило, у среднестатистического человека мозговая деятельность происходит в определенных рамках, а все, что выходит за эти рамки, воспринимается как что-то неестественное и ненормальное. По этой причине творческим людям очень сложно выживать в этом жестоком мире, в котором так много устойчивых стереотипов и нежелания эволюционировать.
Нейробиология подтверждает, что талантливые личности думают и действуют по-другому. Мышление творческих людей буквально создано для того, чтобы думать уникально, не так, как большинство. Однако такой подарок природы может существенно усложнять жизнь и напрягать отношения с окружающими. Если вы знакомы с творческим человеком, наверно, у вас не раз возникала мысль, что он живет в каком-то совершенно ином мире. В большинстве случаев попытка понять такую личность так же бесперспективна, как и попытка изменить ее. Для того чтобы суметь приспособиться к такому человеку, нужно научиться смотреть на мир его глазами.
Непрерывная мозговая деятельность
Творческий ум - это безостановочная машина, заправленная чрезмерным любопытством. Не существует никакой специальной кнопки, которая могла бы сделать паузу и направить мысли в спокойное русло. У творческих людей постоянно возникают различные идеи, которые многим могут показаться нереальными. Талантливый человек в своем бешеном ритме жизни черпает все новые и новые силы для воплощения забавных и порой сумасшедших задумок.
Талант лжеца
Следует отметить, что творческие люди являются отличными врунами. Проведение ряда экспериментов показало, что такие личности расположены к более замысловатой и сложной лжи. Кроме этого, они и сами могут с легкостью вычислить обманщика. Одним из проявлений творчества является неприемлемость существующих шаблонов и ломка устоявшихся стереотипов. Талантливые люди достаточно легко воспринимают неэтичность своего собственного поведения, а также спокойно относятся к аналогичным действиям окружающих.
Высокая степень недоверия
Одаренный человек склонен не доверять даже близким людям. Несмотря на то что он быстро распознает ложь, подозрительное отношение к окружающим также является отличительной чертой таланта. И это неудивительно, ведь чтобы сделать новое открытие, нужно научиться смотреть под другим углом на элементарные вещи. Именно поэтому талантливая личность все подвергает сомнению, ведь создать что-то новое намного легче на пустом месте.
Нахальство
В ходе различных экспериментов было установлено, что скромность - это не удел талантливых людей. Многие из них, как правило, гордятся своими способностями и умело ими пользуются, что позволяет набивать себе непомерно высокую цену. Кроме того, одаренный человек очень стремится показать, насколько он впечатлителен и как сильно умеет переживать.
Депрессии
Нередко талантливые люди впадают в депрессивные состояния. У многих таких гениев наблюдаются различные фобии: одни боятся заболеть неизлечимым недугом, другим страшно умереть молодым, третьи и вовсе падают в обморок при виде паука или таракана. Психологи многих стран пытались выяснить, правда ли депрессия связана с талантом. Изучив данные, полученные из психиатрических клиник, они установили, что у творческих личностей чаще развиваются тяжелые формы психических заболеваний. Кроме этого, было доказано, что не только талант, но и подобные расстройства могут передаваться по наследству.
Сложно поверить в себя
Даже если человек уверен в своих силах, со временем он начинает задаваться вопросами: «Достаточно ли я хорош? Все ли я делаю правильно?» Творческие люди постоянно сравнивают свою работу с творениями других мастеров и не замечают собственного блеска, который может быть очевиден для всех остальных. В связи с этим нередко наблюдаются творческие застои, когда человек просто опускает руки, думая, что все его предыдущие идеи были напрасны и бессмысленны. В такой момент очень важно, чтобы рядом находился верный друг, который помог бы мастеру пережить этот сложный период.
Время мечтать
Творческие люди являются мечтателями, это помогает им в работе. Многие из нас замечали, что самые лучшие идеи приходят к нам тогда, когда мы мысленно переносимся далеко от реальности. Нейробиологи доказали, что посредством воображения включаются мозговые процессы, которые тесно связаны с творчеством и фантазией.
Зависимость от времени
Большинство великих мастеров признается, что лучшие свои работы они создали либо ночью, либо на рассвете. Например, В. Набоков брался за перо в 6 утра, как только просыпался, а Фрэнк Ллойд Райт имел привычку в 3 часа ночи приниматься за работу и через несколько часов обратно отправляться в постель. Как правило, люди с большим творческим потенциалом редко придерживаются стандартного дневного распорядка.
Уединение
Чтобы максимально открыться для творчества, необходимо научиться конструктивно использовать уединение. Для этого многие таланты преодолевают свой страх перед одиночеством. Нередко креативщиков и художников окружающие воспринимают как одиночек, хотя на самом деле они таковыми не являются. Такое стремление к уединению может быть важным моментом в создании лучших работ.
Преодоление жизненных преград
Многие культовые произведения увидели свет в результате переживания их творцом душераздирающей боли и сильных эмоций. Нередко различные проблемы становятся катализатором, помогающим создать неповторимые и выдающиеся шедевры. Психология дала этому явлению научное название - посттравматический рост. Исследователи выяснили, что нередко сильное потрясение помогает человеку преуспеть в том или ином деле, а также открыть в себе новые возможности.
Поиск новых впечатлений
Многие креативные люди постоянно пребывают в поиске новых эмоций и впечатлений. К сожалению, некоторые из них, чтобы добиться такого эффекта прибегают к помощи алкоголя и наркотиков. Следует отметить, что талантливая личность всегда открыта для новых познаний, она достаточно интеллектуальна и любознательна. Переход из одного эмоционального состояния в другое - это некий двигатель для исследования и познания двух миров, внутреннего и внешнего.
Красота спасет мир!
Творческие люди, как правило, отличаются отменным вкусом, поэтому они постоянно стараются окружить себя красивыми вещами. Это могут быть не только детали одежды, но и элементы интерьера, картины, книги, украшения. По результатам некоторых исследований было выявлено, что певцы и музыканты демонстрируют повышенную восприимчивость и чувствительность к художественной красоте.
Соединение точек
Творческие личности способны находить возможность там, где другие ее попросту не замечают. Многие знаменитые писатели и художники считают, что творчество - это умение соединять точки, которые обычный человек не догадался бы соединить в такой последовательности. Если спросить гения, как он объединил эти вещи, он почувствует себя неловко, поскольку ответа на этот вопрос у него не будет. То, что для других является сложным, для творческого человека не составляет труда.
Давайте поразмышляем в очередной раз об искусстве и таких непонятных, но зачастую всем интересных художниках. Кто эти загадочные люди со своими внутренними мирами? Зачем они постоянно что-то рисуют и кому это нужно?
С того момента, когда я впервые начала называть себя художником и показывать работы зрителям, я собрала чуть больше дюжины мифов, с которыми мне пришлось столкнуться. И надо сказать, что некоторые из них действительно существовали, но лет так 100-200 назад. Да, к сожалению, представления социума о художниках (на территории бывшего СССР) очень устаревшие. С этим нужно работать. И я предлагаю начать делать это прямо сейчас, возможно именно Вы до сих пор верите в них. Итак, мифы о художниках:
Миф №1: Чтобы написать картину, нужно ждать вдохновения (музу).
Реальность: Еще часто к этому приписывают – выпить, покурить. Якобы, творчество – такое капризное по своей натуре, что ему нужна подпитка.
Так вот, никакое вдохновение не берется из ниоткуда. Чтобы что-то сделать, нужно делать, как это не банально звучит. Да, существуют источники вдохновения, но они очень индивидуальны для каждого. И алкоголь или какие-то наркотические вещества не способствуют этому, кроме краткосрочной смелости и выплеска энергии. В общем если постоянно чем-то себя подпитывать – становишься зависимым и раздражительным. А это значит, что придется искать подпитку всегда и умереть раньше срока, так и не создав свой самый гениальный шедевр.
«Художник не тот, кто вдохновляется, а тот, кто вдохновляет».
Сальвадор Дали
Миф №2: Все художники – алкоголики.
Реальность: Не каждый художник – алкоголик, не каждый алкоголик – художник. В целом этот миф немного правдив, но лишь немного. Начнем с того, что художники – тоже люди и им свойственно отмечать праздники, иногда выпить что-либо алкогольное. И, возможно этот принцип «не пьешь, а художником быть хочешь» действительно действовал и действует. Но всё же, сейчас я все больше среди молодых людей вижу сторонников здорового образа жизни, правильного питания, спорта и т.д. И все меньше любителей много выпить и «гульнуть». Возможно, это еще и потому что все больше в искусство приходит женщин. А женщины, как я думаю, не настолько склонны губить свое здоровье.
Миф №3: Художники проживают жизнь в нищете, а чтобы стать известным – нужно умереть.
Реальность: В массовом сознании бытует образ «бедного и зависимого художника», возникший отчасти благодаря классической русской литературе. В реальности труды живописца оплачивались всегда достойно. К примеру, Илья Репин, будучи еще никому не известным 19-летним провинциалом, писал образа для глухой сельской церкви, и получал за каждый по пять рублей (столько же он платил в месяц за комнату в Петербурге). Но, как и сейчас, тогда были непризнанные гении, умершие в нищете (Поль Гоген, Винсент Ван Гог, Амадео Модильяни). Только сейчас нет нищенствующих художников, потому что человек обычно ищет другие способы заработка (дизайн, оформление, преподавание).
Миф №4: Художники – не от мира сего.
Реальность: Почему возникает такая мысль? Наверняка этот образ возник из романов, историй о сумасшедших, которые были одержимы творчеством, летали на Марс за новой энергией и не могли найти контакт с современниками. Хочется повторить – художники тоже люди. Возможно, в чем-то они и не похожи на других – в одержимости своим делом, в любовании красотой, которая их окружает. Но что плохого в том, чтобы быть погруженным в то, что любишь и чем занимаешься. Большинство успешных художников отлично ладят с обществом и идут на контакт.
Миф №5: Чтобы создать качественную картину нужно потратить много времени.
Реальность: В этом случае все индивидуально. Кто-то привык работать быстро, кто-то медленно. Для кого-то создать шедевр возможно за 30 минут, кому-то не хватает жизни. Но никогда не стоит сравнивать искусство с другими отраслями жизни. Например, если я хочу качественно сделать инженерный проект, я должна сначала подумать, собрать информацию и потом работать. В искусстве часто все спонтанно, и даже если материал для работы собирается долго, сама работа зачастую пишется быстро.
Миф №6: Искусством невозможно заработать, или «тебе 30 лет – иди, найди нормальную работу!»
Реальность: Искусством заработать возможно! И очень важно, когда художника поддерживают близкие люди, семья. Знаете какой вопрос следует после представления «я – художник»? Обычно спрашивают: «Где работаешь?» Т.е. в принципе никто даже не догадывается, что существуют люди, зарабатывающие этим себе на жизнь. Конечно, сейчас все сложнее быть свободным художником. Это кроется в слабой платежеспособности социума и не качественной культуризации населения. Художник – трудная профессия. Раньше, во времена Леонардо да Винчи, художники носили нагрудный знак Буйвола, который сравнивал их работу с работой крепыша буйвола.
Миф №7: Все художники носят бороды/береты/кольца/шляпы.
Реальность: Даже не представляю, почему этот миф до сих пор живет в 21 веке. Я еще согласна с тем, что художники любят выделяться, надевать нестандартные вещи, создавать образ. Но чтобы носить бороду и берет… Кстати, бороду ныне носят многие молодые люди, и не все они художники.
Миф №8: Рисовать – просто, это не вагоны разгружать.
Реальность: Художник – это профессия и призвание одновременно. Творчество, конечно, не сравнимо с тяжелыми физическими нагрузками, но по большому счету мы живем в 21 веке и стараемся все больше работать умственно. А работать в искусстве и создавать картины/проекты – это такой же интеллектуальный труд, требующий самоотдачи и глубокой мысли.
Миф №9: Если ты художник, значит – ты должен прямо сейчас и здесь нарисовать меня! За бесплатно!
Реальность:
Кажется все просто. А попробуем так говорить каждому «Привет. Ты программист? А сделай мне сайт по-быстрому. А что за это еще и платить нужно?» Нелепо звучит? Вот так же озадачено и иной раз со злостью смотрит художник на людей, просящих «а нарисуй меня».
Миф №10: Художник должен быть голодным.
Реальность: К сожалению, сейчас так буквально понимают это выражение, что мне становится грустно. Скорее всего, создатель этой фразы подразумевал голод – как постоянное желание творить, а не как мысли о еде. Ведь все идут каждый день на работу, не всегда плодотворно работают, иной раз просто просиживают время, и им за это платят. Соответственно, каждый труд должен быть оплачиваемым.
Миф №11: Художник может всем рисовать бесплатно или за символическую плату (сюда же – благотворительные проекты и участие в сомнительных розыгрышах призов).
Реальность: Это, к сожалению, миф, в котором живут практически все в нашей суровой реальности. Хочется добавить, что чаще всего человек, предлагающий невероятное «везение», выпавшее на долю несчастного художника, удивляется отказу, говорит, что труд войдет в историю, останется в веках, и великое имя творца не забудет никто и никогда. Как ни странно, такие предложения поступают практически каждый день.
Миф №12: Художник должен писать картины маслом (преимущественно пейзажи с водопадами и портреты пышных женщин).
Реальность: Искусство не стоит на месте, постоянно развивается. Появляются новые виды и формы выражения мысли через арт. Среднестатистический же обыватель в лучшем случае знает Айвазовского и Репина. Соответственно искусство в их представлении именно такое. А признаком высочайшего мастерства является способность нарисовать «как живое». Люди зачастую чувствуют себя не в своей тарелке, когда соприкасаются с искусством, которое не могут быстро и легко понять, не могут взглянуть на вещи неформально, в результате срабатывает реакция отрицания искусства только потому, что оно непонятно.
Миф №13: Современное искусство (contemporary art) – абсолютный бред. «Как Пикассо и Малевич я тоже могу рисовать!»
Реальность: Обычно в таких случаях я предлагаю сразу же нарисовать «так же как Пикассо» и сходить с этим рисунком в музей (или хотя бы посмотреть на репродукцию в книге), для сравнения. Даже ничего не хочется говорить больше. Просто когда в следующий раз так подумаете – сравните свой рисунок с Пикассо.
Я уверена, что список мифов далеко не исчерпан. И очень надеюсь, что эта информация помогла вам хоть чуточку разобраться в мире искусства. Чем лучше вы будете узнавать этот мир, тем больше удовольствия он будет приносить.
P.S. А ещё говорят, что художники – суеверные люди. Возможно и так, а возможно и нет, но по этому поводу у каждого своё мнение…
В статье использованы иллюстрации Татьяны Раменской и Александры По.
(с) Юлия Пастухова
Ребята, мы вкладываем душу в сайт. Cпасибо за то,
что открываете эту
красоту. Спасибо за вдохновение и мурашки.
Присоединяйтесь к нам в Facebook
и ВКонтакте
Высокое искусство - вещь сложная и для многих непонятная. Живопись эпохи Возрождения с ее идеальным изображением привлекает множество почитателей, а вот поверить в то, что работы Пикассо и Кандинского действительно могут стоить баснословных денег, легко далеко не всем. Обилие обнаженных людей на картине - еще одна загадка, как, впрочем, и парадокс того, что хорошие картины необязательно должны быть красивыми.
сайт узнал ответы на несколько любопытных вопросов о живописи, заглянув в работы искусствоведов и культурологов.
1. Действительно ли живопись так дорого стоит?
То и дело мы слышим о бешеных суммах, выложенных за ту или иную картину. Но на самом деле такие деньги - удел очень немногих работ. Большинство художников огромных сумм и вовсе никогда в глаза не видели. Искусствовед Джонатан Бинсток считает , что в мире всего около 40 авторов, чьи картины оцениваются суммой с многими нулями.
Искусством правят бренды
Приведем, пожалуй, самый яркий пример. Наверняка вы слышали о художнике-граффитисте Бэнкси. Остросоциальная направленность работ и биография, покрытая ореолом тайны, сделали свое дело. Сегодня Бэнкси - художник, работы которого оцениваются многозначными суммами. Его картина «Девочка с воздушным шаром» была продана за £ 1,042 млн. А о перформансе по ее уничтожению сразу после продажи заговорил весь мир.
Бэнкси - это бренд, а бренды отлично продаются . Таким образом, стоимость картины во многом определяется известностью ее автора.
Успешная продажа одной картины - залог успеха других
Художнику может долго не везти, он будет прозябать в бедности и неизвестности, не имея возможности выгодно продавать свои работы. Но как только он сумеет продать одну из своих картин за немалые деньги, будьте уверены, цена на другие его работы резко взлетит.
Редкость, малочисленность, уникальность
Голландского художника Яна Вермеера сегодня называют бесценным. Его кисти принадлежит не так уж много картин - всего 36. Художник писал довольно медленно . Пропавшая в 1990 году картина голландца «Концерт» сейчас оценивается примерно в $ 200 млн. Редкость и малочисленность полотен влияет на то, что цены на них просто заоблачные.
Легендарный Ван Гог - это супербренд. Картин художника насчитывается немного, и очевидно, что больше он уже ничего не создаст . Его работы уникальны.
10 лет назад «Супрематическая композиция» Малевича была продана за $ 60 млн. Возможно, если бы не кризис, она бы ушла и вовсе за $ 100 млн. Картины Малевича в частных коллекциях наперечет , и когда в следующий раз на рынке появится вещь подобного класса - неизвестно. Может, через 10 лет, а может, через 100.
В общем, очевидно: покупатели готовы платить баснословные деньги за предметы исключительно редкие .
Новаторство стоит дорого
Одна из работ Ричарда Принса в направлении «художественное заимствование».
Живопись берет на себя функцию достопримечательности
Сегодня растет уровень культурного туризма, и живопись выполняет функцию достопримечательности . В известные музеи выстраиваются многочасовые очереди из туристов. И чтобы заявить о себе и претендовать на славу мирового уровня, галерее нужно непременно владеть подлинниками знаменитых и популярных живописцев.
Растут и искусственно создаваемые центры культурного туризма, например на Ближнем Востоке и в Китае. Недавно королевская семья Катара заключила частную сделку на сумму $ 250 млн - все ради того, чтобы страна обладала картиной Сезанна «Игроки в карты» .
Когда есть все, начинает тянуть на искусство
В 2017 году миллиардер Дмитрий Рыболовлев продал эту картину Леонардо да Винчи за $ 450 млн. Теперь это самая дорогая сделка в мире живописи.
Когда у тебя есть 4 дома и самолет G5, то что еще остается делать? Остается только вкладывать деньги в живопись, ведь это одна из самых прочных «валют ».
Согласно данным за 2015 год, в мире насчитывается 34 млн долларовых миллионеров. И даже если представить, что только 1 % из них интересуется искусством, то получится, что на свете живут 340 тыс. человек, готовых выкладывать круглые суммы за картины . А самих картин известных авторов, как мы писали выше, совсем немного, особенно по сравнению с количеством миллионеров. Кроме того, даже те, кто не интересуется живописью, готовы вкладываться в нее ради престижа или стабильности такого вложения.
Вот и выходит, что дороговизна живописи во многом обусловлена тем, что слишком большое количество денег охотится за малым количеством товара .
2. Всем ли картинам нужны рамы?
Картина Жоржа Сёра «Канал в Гравлине, Большой Форт-Филипп».
В книге Сьюзи Ходж «Почему в искусстве так много голых людей» говорится о назначении рам. Так, они защищают края картины и привлекают к ней внимание . Некоторые рамы вычурные, другие совсем простые, они не отвлекают от созерцания. Предназначение рамы - дополнять картину и показывать ее наилучшим образом.
А вот художник-абстракционист Пит Мондриан сравнивал рамы со стеной, которая стоит между зрителем и картиной . Ему хотелось убрать это чувство дистанции. И художник писал на самых краях полотен и даже на боковине.
Жоржу Сёра не нравилась тень ,которую отбрасывают рамы на картину. И он часто сам изображал рамы из крохотных точек разных цветов. Кстати, по похожему принципу картин Сёра через полвека станет работать цветной телевизор.
3. Почему на картинах так много голых людей?
Фрагмент фрески Микеланджело «Сотворение Адама».
Еще древние греки считали, что обнаженное тело - это невероятно красиво.
В искусстве чаще всего нагота - это символ . Символ новой жизни, искренности, беспомощности живого существа, а также жизни и смерти.
Кроме того, ничто не вызывает такие сильные эмоции у зрителя, как нагота. Это может быть интерес, неловкость, стыд или восхищение.
4. Почему все такое плоское и вообще нереалистичное?
Картина чешского художника Богумила Кубишты «Гипнотизер».
Пожалуй, одно из самых частых обвинений в адрес современных мастеров звучит так: художники разучились похоже передавать действительность . Отсюда и заблуждение, будто предметы выглядят плоскими.
Но посмотрим, например, на полотна кубистов . Они ломают перспективу, но изображают предметы одновременно под разными углами и даже в разный момент времени . Поэтому нельзя сказать, что изображение на полотне двухмерное.
Рисовать «похоже» уже не надо - это может сделать фотография. Поэтому искать ответ на вопрос, почему художник на той или иной картине изобразил реальность плоской, нужно в самой задумке автора . Убирая одни детали изображения, художник акцентирует внимание на других. Упрощая изображение, он
А вот профессиональные художники-авангардисты XIX–XX веков имели за плечами художественное образование и сильную базу. Они умели писать как угодно ,но в какой-то момент решили это делать вот так , подражая примитивистам. Как говорится, так было задумано, ведь это совершенно новый (а значит, интересный для тех, кто устал от старого) способ воздействия на зрителя.
Художники прекрасно справились бы с картиной в духе академического классицизма, и именно поэтому для них это было скучно. Юный Пикассо писал трогательные и довольно реалистические портреты. А вот зрелый художник выбрал для себя путь, который шокирует, бодрит глаз, который помогает продемонстрировать крутое колористическое чутье и ощущение формы.
6. Должны ли картины непременно быть красивыми?
Красиво не значит искусство, и само искусство не всегда изображает красоту. Представление о прекрасном у каждого разное, и мнение отдельно взятого человека не может считаться эталоном.
Отвлечемся от живописи и проведем параллель с кино. Среди искусствоведов встречаем такое мнение : утверждать, что картины непременно должны быть красивыми, - то же самое, что говорить, будто настоящее кино - это только романтическая комедия или мелодрама с хеппи-эндом. А психологические драмы, боевики, триллеры - это и вовсе не кино. Согласитесь, логика в этом есть.
Искусство (и живопись в том числе) должно говорить на языке своего времени. И чтобы насладиться любой картиной, даже реалистичной, нужно знать, что на ней изображено. На выставках мы обычно читаем подписи к полотнам и даже пользуемся аудиогидом.
А какая живопись близка вам?
В кругу творческих людей довольно часто случается так, что розовый небосвод застилают грозовые тучи. Конфликты, негативное, даже недоброжелательное отношение друг к другу, зависть и обиды имеют место быть. И если уж доходит до негатива, то он просто зашкаливает. Одно из самых частых обоснований, откуда берутся такие настроения и неуважительное отношение к коллегам по цеху - дух времени и перенаселение планеты художниками. Мол, каждый выскочка без образования, без роду, без племени cчитает себя наделённым способностями и талантом, отбирая хлеб у настоящих творцов. Но так ли это? Действительно ли нас так много, и всё так плохо?
Художники во все времена сталкивались с весьма полярным отношением к себе и своему творчеству. Как со стороны, так и внутри узкого круга общения. Возьмём, к примеру, роман Эмиля Золя (фр. Émile Zola, 1840-1902 ) "Творчество" (фр. L"Œuvre, 1886г ) - 14 роман из цикла "Ругон-Маккары". Речь в нём идёт, о чём же иначе, о муках творчества и о жизни художников, а так же об истории возникновения пленэрной и эскизной манеры письма в живописи. Смею утверждать, что хотя о Золя часто пишут, что он французский писатель и художник, последним он всё-таки не был. Свою славу он заработал как достаточно скандальный и талантливый автор романов. А о жизни художника он всё больше судил как сторонний наблюдатель и постоянный участник дискуссий об искусстве в кругу друзей-художников.
Кадр из фильма "Cézanne et moi" 2016 года французской писательницы, кинорежиссёра и сценариста Даниэль Томпсон (Danièle Thompson, *1942). Фильм о дружбе писателя Эмиля Золя (в очках) и художника Поля Сезанна.
Золя считал литературу "наукой, с помощью которой можно изучать человека и общество с той же точностью, с какой натуралисты изучают природу" . Поэтому события его романа тесно связаны с реальными событиями того времени, а главные герои списаны с реальных людей. Изменены только некоторые факты, ну и конечно фантазии писателя тоже нужно было разгуляться между делом.
Итак, прообразами героев романа Эмиля Золя стали реальные художники, которых в Париже того времени с подачи критика и художника Луи Леруа (фр. Louis Leroy; 1812-1885 ) стали называть импрессионистами. Кстати, не верьте, когда говорят, что это именно он ввёл в обиход данное обозначение. Потому что ввели его сами импрессионисты, хотя сначала очень обижались. Потому что Леруа первый раз использовал слово "импрессия" в крайне негативном ключе. Одна из картин Клода Моне на первой совместной выставке художников пленэрной живописи называлась "Impression, soleil levant" (в переводе с фр. Впечатление, восходящее солнце ). После посещения выставки Луи Леруа отчитался в очередной разгромной статье, что работы художников этой школы живописи просто забыли написать, довести до конца. Ведь это не готовые полотна, а просто быстрые эскизы, вот именно что impression - лёгкий след, мимолётное впечатлние, а не солидная живопись.
Клод Моне, Впечатление. Восходящее солнце." 1872, 48×63 см, Музей Мармоттан-Моне, Париж
Клод Моне, Впечатление. Восходящее солнце." 1872, 48×63 см, Музей Мармоттан-Моне, Париж. Фото отсюда .
На самом деле Луи Леруа можно легко понять. Во-первых, он сам был худодником-графиком, который регулярно выставлялся в "Парижском Салоне" и знал, какой кровью даётся эта выставка и сколько для неё нужно было работать. Картин самомго Леруа я не нашла на скорую руку в сети. Впрочем, многие источники вообще больше не в курсе, что он не только критические заметки писал. Как бы там ни было, по работе ниже можно представить, сколько было желающих участвовать в "Парижском Салоне" и почему Золя писал в своём романе о том, что там были выгодные и мало выгодные места - под потолком, к примеру.
Эдуар Жозеф Дантан, "Угол Салона", 1880г. Репродукция отсюда .
В романе "Творчество" есть епизод, когда герои как раз готовятся к выставке "Салон отверженных" (фр. Salon des Refusés ) - выставка, параллельная официальной французской, на которой были представлены полотна и скульптуры, отвергнутые в 1860-х - 1870-х годах жюри "Парижский салон" (фр. Salon de Paris ). "Салон" - была одной из самых престижных художественных выставок Франции, а так же официальной регулярной экспозицией парижской и ныне действующей Академии изящных искусств (фр. Académie des beaux-arts ). Задумывалась она как пропаганда официального императорского вкуса. Попасть туда и выставиться - было вопросом престижа и продаваемости для художника.
Представьте, что в те времена только-только изобрели тюбики для масляной краски, и художники стали выходить из своих мастерских на пленэр и сразу писать больше с натуры, а не работать с маленькими эскизами по следам путешествий. Конечно для многих то, что делали импрессионисты, было настоящей дикостью. Изящная, академически реалистичная живопись выглядела вот так.
Адольф Вильям Бугро, "Восхищение". 1897, Музей искусств Сан-Антонио (Техас)
Адольф Вильям Бугро, "Волна". 1896, частное собрание
И теперь для сравнения картина Эдуарда Мане, которая стоит во главе угла и в романе "Творчество" (только Золя рассказывает, что её гл. герой Клод написал) и которую жюри Салона единогласно и с возмущением отклонило. Что? Голая тётка в компании двух мужчин? Что за распутство? И почему она при этом так бесстыдно смотрит на зрителя? И мы знаем, кто это! Да-да - мы узнали эту разлучницу! И что это за бездарная манера письма с явным нарушением пропорций. "Стиль картины порывает с академическими традициями того времени. Резкий "фотографический" свет устраняет полутона. Мане не пытался скрыть мазки кисти, и картина поэтому в некоторых местах выглядит неоконченной. Нагота в "Завтраке на траве" очень отличается от мягких и безупречных фигур художников академической школы живописи."
Эдуард Мане, "Завтрак на траве". 1863 Музей Орсе, Париж
Конечно же по сравнению с работами художников академизма работы импрессионистов выглядели так, как будто публике эскизы показывают. Ведь тогда ещё никто не мог себе даже представить, какой огромный потенциал кроется за потрясающей манерой письма школы пленэрной, эмоциональной живописи.
Я уже много раз обращала ваше внимание на то, что нужно чётко понимать, насколько ошибочно представление о том, что в искусстве одно направление постепенно сменилось другим, хотя в учебниках их так и дают - скучно и по очереди. Часто новые течения в искусстве возникали параллельно с принятой или модной манерой изображения. Творческие люди новых направлений во все времена были вынуждены бороться за место под солнцем, потому что то, что они делали, было элементарно непривычным. А как мы относимся к новому и непонятному? Спасибо, если не убиваем как злых инопланетян, внедрившихся в наше тёплое гнёздышко.
Джон Сингер Сарджент, "Клод Моне на опушке леса за живописью", 1885, Tate Gallery
Так же было и с импрессионизмом. Это новое течение более эмоциональной живописи зародилось параллельно академическому письму - выше упомянутому академизму. Даже годы спустя многие художники из круга импрессионистов не оставляли надежду попасть в "Салон" и произвести революцию именно там, а не где-то на стороне в тихом болотце. И это произошло.
Но, вернёмся к роману "Творчество" и скандалам вокруг него. Многие импрессионисты, в круг которых был вхож и Золя, тут же узнали себя в "Творчестве". Друг юности Золя - художник Поль Сезанн (фр. Paul Cézanne, 1839-1906 ) - просто порвал отношения с автором. Золя использовал для романа реальные случаи и факты из жизни Сезанна, но дополнительно украсил собственными деталями и повернул сюжет так, чтобы обратить внимание читателя на несовершенство и несостоятельность главного героя Клода Лантье. Клод по мнению Золя был художником-неудачником, при этом имел, судя по описаниям, большое сходство с реальным художником Полем Сезанном. В добавок ко всему Золя не видит никакого выхода для своего героя и просто "вешает" его в собственной мастерской - убивает его. Можете себе представить, что испытал Поль, когда узнал в романе себя и осознал, какого мнения о нём и его товарищах и его лучший друг, и окружающие? Но публика была в восторге от дерзкого натурализма Золя.
Слева Поль Сезанн, справа Эмиль Золя в ранние годы
Вот небольшая выдержка из пересказа Д. Л. Быкова , чтобы вы понимали, какие там страсти бушевали: "Клод посещает старых друзей: Магудо уступает вкусам публики, но ещё сохраняет талант и силу, аптекарша по-прежнему при нем и стала ещё безобразнее; Жори зарабатывает не столько критикой, сколько светской хроникой и вполне доволен собою; Фажероль, вовсю ворующий живописные находки Клода, и Ирма, еженедельно меняющая любовников, время от времени кидаются друг к другу, ибо нет ничего прочнее привязанности двух эгоистов и циников. Бон-гран, старший друг Клода, признанный мастер, взбунтовавшийся против Академии, несколько месяцев кряду не может выйти из глубокого кризиса, не видит новых путей, рассказывает о мучительном страхе художника перед воплощением каждого нового замысла, и в его депрессии Клод с ужасом видит предзнаменование собственных мучений."
И в конце: "... Воздух эпохи отравлен, говорит Бонгран Сандозу на похоронах гения, от которого ничего не осталось. Все мы - изверившиеся люди, и во всем виноват конец века с его гнилью, разложением, тупиками на всех путях. Искусство в упадке, кругом анархия, личность подавлена, и век, начавшийся с ясности и рационализма, заканчивается новой волной мракобесия. Если бы не страх смерти, всякий подлинный художник должен был бы поступить, как Клод..." Вот такое странное мнение стороннего наблюдателя о том, что и кому должен художник.
Как видите, мало что изменилось. И это хорошо на самом деле. Потому что это признак того, что не извелись ещё таланты и стремление создавать прекрасное и вечное. А проблемы у художников были и будут очень похожие. Особенно потому, что в мире искусства был и есть свои "Моцарты и Сальери". Но я придерживаюсь позиции, что многим только кажется, что всё пропало так же, как это только казалось Сандозу (прообразом которому послужил сам Золя). Ведь даже если присмотреться повнимательнее к излюбленной метафоре о Моцарте и Сальери - о зависти и настоящем таланте, она лопается, как мыльный пузырь. Потому что выдумка и страсти в ней надуманные.
Слева последний прижизненный портрет Моцарта кисти Иоганна Георга Эдлингера (1790), справа портрет Сальери кисти немецкого художника и композитора Йозефа Виллиброрда Мелера примерно того же периода
Ведь мало кто знает, что соперничество и вражда между выше упомянутыми людьми - всего лишь литературный вымысел. В основе пьесы Пушкина о Моцарте и Сальери лежит всего лишь один из злых слухов, порождённых ранней смертью В. А. Моцарта (нем. Wolfgang Amadeus Mozart, 1756-1791 ). Александр Сергеевич ухватился за самую спорную, театральную и скандальную версию. А всё потому, что Антонио Сальери (ит. Antonio Salieri, 1750-1825 ) был одним из выдающихся и видных композиторов того времени. Не прицепились же к какому-нибудь Йозефу Гайдну (нем. Franz Joseph Haydn 1732-1809 ) с обвинениями - он тоже там околачивался и был ещё старше Сальери. По свидетельствам современников у тогда 40-летнего Сальери даже амбиций таких не было, как у Моцарта. Он был выходцем из бедной семьи и много работал, чтобы заслужить то положение, которого добился. Сальери не было смысла так рисковать. И темперамент у него был не тот. В итоге красивое слово знаменитого поэта привело к широкому распространению и укоренению в массовом сознании мифа о причастности Сальери к трагической гибели Моцарта. И теперь даже имя Сальери в России стало нарицательным. На деле же Сальери был талантливым, весьма опытным и успешным композитором и педагогом. Именно он был учителем целого поколения других композиторов, среди которых по свидетельствам одного из источников был Бетховен, Шуберт и Лист. К тому же мало кто знает, что после смерти Моцарта Сальери стал наставником младшего сына успошего - Франца Ксавьера (Franz Xaver). Причём сделал это по просьбе Констации Моцарт - жены Вольфганга Амадеуса. Если даже у близкого Моцарту человека не было никаких подозрений и даже годы спустя только почтительное отношение к Сальери, о чём тут вообще речь? Что за чёрная несправедливость? Что за гадкий миф, который так настырно держится в сознании? По свидетельствам современников Сальери испытывал огромное уважение к Моцарту и его дару. Сам Моцарт ни в одной из переписок даже словом не упоминал злой нрав Сальери или какие-то выпады в его сторону. Музей Моцарта в Зальцбурге (дом, в котором родился Моцарт) даже пошёл на то, что устроил в своих стенах выставку, посвящённую Сальери, дабы обелить уже имя этого талантливого человека, без которого мы лишились бы ряда других талантливейших композиторов.
Но почему-то так уж мы устроены, творческие люди, что страсти в нас бурлят даже тогда, когда нам уже грех жаловаться. Возьмём, к примеру, художественный фильм 2012 года режиссёра Жиля Бурдо (фр. Gilles Bourdos,* 1963 ) о последних годах французского импрессиониста Пьера-Огюста Ренуара (фр. Pierre-Auguste Renoir, 1841-1919 ) в Кань-сюр-Мер во время Первой мировой войны - "Ренуар. Последняя любовь" (фр. Renoir ). В одном из эпизодов между художником и моделью случается следующий диалог. Молодая модель испрашивает позволения двигаться во время сеанса рисования. В то время Ренуар уже был мэтром, признанным гением. Все ходили вокруг него на цыпочках. Мастер охотно разрешает девушке вставать и менять позы со словами, что если бы он хотел рисовать камни, то не стал бы звать её позировать. И тут же приводит в пример некоего художника из Экс-эн-Прованса, которому нравится рисовать мёртвое. Более того, он якобы убегает от своих моделей, запирается в доме папы и рисует свои абрикосы. Ну что ты брюзжишь, как торговка, старик Ренуар, а? Какое тебе дело до чужих абрикос? Перед тобой на диване лежит прекрасная дева. Рисуй уже! Но нет. Он выходит из себя, что у кого-то другие приоритеты в жизни.
Кадр из фильма "Ренуар. Последняя любовь", 2012г
Если вы быстро не сообразили про убегание от моделей и абрикосы - и это был камень в огород Сезанна, который долгие годы жил затворником в семейном особняке Жас де Буффан (фр. Jas de Bouffan, название дословно означает «Пристанище Ветров» ) в Экс-эн-Провансе.
Признаться, я не знаю по-настоящему одарённых людей с лёгким, простым характером. Увы, так не бывает. Талант может и даётся людям при рождении. Но те, кто действительно взращивает его, упорно работает и движется к поставленным целям, простыми людьми в итоге не бывают. Более того, как говорит одна моя подруга, художнику нужно работать над плохим характером, чтобы его оставляли в покое и давали творить. Видимо Сезанн особенно отличился на всех фронтах, что в него ещё долго после смерти кидали камнями и абрикосами.
Поль Сезанн, "Натюрморт с яблоками и апельсинами", 1895-1900г, находится в Musée d"Orsay в Париже
Впрочем, это не мешало знакомым художникам из Парижа наведоваться к Сезанну и писать на продажу cвои работы по идеям и наработкам Поля, как и описал Золя в своём романе "Творчество". К примеру, я всегда считала, что Арлекины у Пикассо - это его конёк. А пару лет назад оказалась на выставке "Cézanne - Aufbruch in die Moderne" в музее Folkwang в городе Эссен в Германии. Там я увидела прямое сопоставление работ Пикассо, Матисса и Сезанна. Оказалось, что у Пикассо его Арлекины "посыпались" годами позже именно что с подачи Сезанна. Матисс иногда просто в сезановской гамме работал, копируя сюжеты.
Слева работа Матисса "Натюрморт с апельсинами" 1898 года, справа работа Сезанна "Корзина с яблоками" 1893г
Упомянутая выше выставка содержала более 100 работ. Кстати, некоторые произведения были из Пушкинского музея. Тогдашний директор музея Folkwang - Хубертус Гасснер (Hubertus Gaßner ) очень дипломатично рассказывал, что выставка содержит в себе сопоставления c работами Матисса (Henri Matisse, 1869-1954 ) и Пикассо (Pablo Picasso, 1881-1973 ) чтобы стало понятно, насколько экзистенциальными были работы Сезанна для эпохи Модернизма и для искусства 20го века вообще.
Слева работа Сезанна "Пьеро и Арлекин" из муз. им. Пушкина 1888 года, справа работа Пикассо "Семья Арлекинов" 1905 года
Конечно, экзистенциально. Сезанн жил затворником в отличие от того же Пикассо. Интернетов и телевизоров не было, чтобы зрителю увидеть, откуда у чего ноги росли. Но ведь разве могли бы мы наслаждаться прекрасными Арлекинами, если бы в природе не существовало гения Сезанна и гения Пикассо, даже если они вдохновлялись друг другом?
И если вернуться к изначальной теме, что художников якобы просто развелось слишком много - отсюда и все трагедии с завистью и стенаниями о настоящем таланте, лично мне в глаза бросается вот какая как будто незначительная деталь.
Представьте, что нас, жителей планеты, уже почти 7,5 миллиардов, тенденция по нарастающей. Как вы думаете, сколько из этих миллиардов являются образованными, культурными, интеллигентными, одарёнными людьми? Есть примерные представления? Если нет, я вам отвечу словами Авраама Линкольна: "Бог, как видно, любил простых людей, коль скоро сотворил их так много". И это не снобизм, а констатация факта.
Фото