Одной из многочисленных достопримечательностей Манчестера является старинное здание, расположенное в центре города. Оно является ярким представителем построек викторианской эпохи. Изначально здесь находилась торговая биржа, занимающаяся продажей хлопка. Во время Второй Мировой войны сооружение сильно пострадало, на его реставрацию понадобилось несколько лет. В результате, торговый зал стал гораздо меньше, а ярусы часовой башни – намного проще. Когда в 1968 году торговля на бирже была приостановлена, здание оказалось под угрозой сноса. Оно пустовало до 1973 года, пока его не взяла в аренду театральная компания.
В 1976 году в здании был образован Королевский театр. Вход в театр представлен полукруглой аркой с коринфскими колоннами и пилястрами, в нише возвышается мраморная статуя Уильяма Шекспира. В интерьере здания богато украшенные потолки завораживают своей красотой.
Городской театр
Одной из главных достопримечательностей Манчестера является Городской театр, расположенный на Оксфорд-стрит. Изначально он назывался «Grand Old Lady», его торжественное открытие состоялось 18 мая 1891 года. Строительные работы были оценены в 40 000 фунтов стерлингов. В первые годы своей деятельности заведение работало в убыток, так как не приобрело популярности у широких масс. Вскоре театр расширил ассортимент своих представлений, к балетным постановкам были добавлены программы известных исполнителей, и вскоре заведение приобрело колоссальный успех. В начале XX века здесь выступали такие известные личности, как Дэнни Кей, Грейси Филдс, Чарльз Лоутон и Джуди Гарленд.
В сентябре 1940 года театр сильно пострадал от немецкой бомбардировки. Сооружение постепенно приходило в запустение, так как на реставрацию не хватало средств. В 1970 году театр оказался под угрозой закрытия. В 1980 году была проведена капитальная реставрация здания по инициативе и на средства местного Художественного совета.
В настоящее время в театре проводятся мюзиклы, спектакли оперы и балет с участием всемирно известных артистов. Изначально вместимость театра составляла 3675 зрителей, в настоящее время она уменьшена до 1955.
Театр Dancehouse
Одной из главных культурных достопримечательностей Манчестера является заведение Dancehouse, расположенное на Oxford Road. Оно обладает прекрасной сценой, оборудованной новейшими устройствами света и звука, а также ультрасовременным залом, зрительные места которого расположены в форме трех каскадов, ниспадающих под достаточно большим углом.
Внутренняя отделка заведения выполнена в пастельных тонах с преобладанием персикового и нежно розового цвета. Освещение в зале зависит от характера постановки, если на сцене показан быстрый зажигательный танец – включены все светильники и люстры, а если на сцене показана трогательная любовная сцена – в зале царит полумрак. Общая вместимость заведения составляет около 700 человек, с учетом балконов.
Инфраструктура Dancehouse включает в себя буфет, расположенный на первом этаже, и большой просторный холл с зеркалами во весь рост. В основном, здесь проходят все танцевальные мероприятия города, не редко в Dancehouse можно встретиться звезд мирового масштаба. Побывав здесь, вы получите массу положительных эмоций и значительно повысите свой культурный уровень.
Йоркский Королевский театр
Одной из значимых достопримечательностей Йорка является Королевский театр. Здание построено в 1744 году на месте средневековой больницы Святого Леонарда. В конце XIX века театр был отремонтирован в викторианском стиле. Новый готический фасад украшен скульптурой Елизаветы I и персонажами из пьес Шекспира.
Роскошное фойе было отреставрировано в модернистском стиле в 1967 году, во время последней масштабной реконструкции. Две парадные лестницы соединяют его с двухуровневым зрительным залом, вмещающим 847 зрителей. Репертуар театра очень разнообразен, здесь проводятся концерты классической музыки, театральные спектакли, джазовые и фольклорные фестивали, различные развлекательные мероприятия с участием британских и зарубежных исполнителей. Кроме того, здесь проходят ежегодные конкурсы молодых талантов, включающие театр, танец, музыку, поэзию. Все интересные и оригинальные идеи находят поддержку у известных деятелей искусства.
К услугам посетителей – уютный ресторан и кафе, расположенные на втором этаже здания. Королевский театр является историческим памятником архитектуры, популярным у местных жителей и туристов.
Театр Aylesbury Waterside
Одной из значимых достопримечательностей Эйлсбери является Театр Aylesbury Waterside. Он был основан в 2010 году в результате преобразования развлекательного центра Civic Hall. Сооружение театра представляет собой современное здание с элегантным дизайном. В интерьере театра встречаются преимущественно элементы георгианского стиля. Массивные деревянные колонны и панели здания украшены искусной резьбой.
Главный зал театра состоит из трех уровней и рассчитан на 1200 зрителей. Здесь используется современная электроакустическая система, регулирующая качество звучания для симфонического и хорового исполнения. В театре проходят гастроли британских и зарубежных исполнителей, включающие театральные постановки, оперу, балет, мюзиклы, а также другие музыкальные события. Здесь очень популярны детские шоу, уносящие маленьких зрителей в мир сказок и приключений.
Второй зал театра рассчитан на 220 мест и предназначен для концертов камерной классической музыки, а также для проведения бизнес-встреч, семинаров и конференций.
Театр Aylesbury Waterside театр является популярным местом отдыха местных жителей и туристов.
Драматический театр Ливерпуля
Драматический театр Ливерпуля прошел длинный путь от концерт-холла и мьюзик-холла до современного театра с богатым и подчас нетривиальным репертуаром. Его история началась в 1866 году в качестве Стар мьюзик-холла, проект здания принадлежит Эдварду Дэвису. Предшественником мьюзик-холла был Стар концерт-холл, снесенный для новой постройки. В 1895 году театр поменял свою направленность и был переименован в Стар театр варьете.
Современная постройка театра носит в себе следы многочисленных доработок и рестравраций. Глобальные изменения начались в 1898 году, когда Гарри Персиваль сделал новый зрительный зал и роскошное фойе. Но уже в 1911 у театра появились новые владельцы, переработавшие зрительный зал и подвальное фойе и вновь переименовавшие театр в Ливерпульский репертуарный театр. Наконец, последняя волна глобальных переделок, доступных современному посетителю, настигла театр в 1968 году, когда с северной части к нему была сделана большая пристройка для организации новых фойе, баров и раздевалок.
Сейчас Драматический театр управляется Ливерпульским городским советом и объединен в трест с театром Эвримен. Театр предлагает зрителям оригинальные, а иногда и смелые постановки больших пьес в трехуровневом главном здании, а также миниатюрные, интимные пьесы в маленьком зале Студио на 70 мест.
Королевский Шекспировский театр
Королевский Шекспировский театр ставит пьесы Уильяма Шекспира, а также проводит ежегодные фестивали, посвященные великому драматургу. Театр отличает сильная драматургия, а также игра высокого уровня, что делает его более профессиональным и посещаемым.
Театр открылся для зрителей в 1879 году. Над проектом театра работала женщина-архитектор Элизабет Скотт. До 1961 он назывался Шекспировским Мемориальным театром. В разные годы в театре работали режиссеры: Бенсон, Пейн, Куэйл, Нанн, Ричардсон и другие. Сейчас театр находится под управлением Королевской Шекспировской компании.
После реставрации в 2010 году театр стал еще более удобным и красивым. Он находится напротив реки Эйвон в окружении садов. На его крыше оборудована смотровая площадка с рестораном и баром.
Театр Mayflower
Одной из достопримечательностей Саутгемптона является театр Mayflower, расположенный в центре города и открытый в 1928 году. Это – один из крупнейших театров южного побережья Англии. В 1995 году была проведена полная реконструкция и модернизация театра, в результате которой был значительно расширен зрительный зал. В интерьере театра, который больше соответствует американскому стилю, преобладает сочетание белого и голубого цветов. Роскошное фойе оформлено в стиле океанского лайнера и облицовано мрамором. Несколько парадных лестниц соединяют его с трехуровневым зрительным залом, рассчитанным на 2300 мест.
Театр представляет собой уникальный культурный комплекс, в котором проводятся концерты классической музыки, театральные спектакли, джазовые и фольклорные концерты и различные увеселительные мероприятия с участием британских и зарубежных исполнителей. В фойе театра иногда проводятся бесплатные концерты камерных ансамблей, исполнителей народной и джазовой музыки, поэтов и драматических актеров на хорошем профессиональном уровне. Двери уютного ресторана и кафе всегда открыты для посетителей на втором этаже здания. Театр Mayflower, несомненно, является одним из лучших провинциальных театров Великобритании.
Королевский театр
Королевский театр, существующий уже более 200 лет, является одним из самых значимых театров в Англии. Был открыт в 1805 году. Вмещает аудиторию в 900 человек. Театр предлагает круглогодичную программу постановок высокого класса оперы, танца, комедии. В настоящее время частью Королевского театра является Театр юного зрителя "Яйцо".
Королевский театр располагается недалеко от центра города Бата. Здание является ярким примером георгианской архитектуры. Внутри помещения искусно украшены лепниной, красными с позолотой деталями, величественность и некоторую таинственность ему придают огромные люстры и высокие потолки аудитории.
За время своей истории театр был несколько раз реконструирован, но его первозданное великолепие было бережно сохранено до наших дней. В 2005 году был открыт Театр юного зрителя, он примыкает к зданию королевского театра и представляет насыщенную программу профессиональных представлений и культурных мероприятий для детей и молодежи в возрасте от 1 года до 18 лет.
Театр Королевской биржи
Большая часть истории Манчестера связана с текстильным производством во время промышленной революции. Как немой свидетель былого «хлопкового» величия города, осталось здание Королевской биржи. В свое время именно здесь продавалось примерно 80% всего хлопка в мире.
Манчестер в викторианскую эпоху часто называли «Хлопковая столица» и «Город-склад». В Австралии, Новой Зеландии и Южной Африке термин "Манчестер" по-прежнему используется для обозначения постельного белья: простыней, наволочек, полотенец. Здание биржи было построено 1867-1874 гг., затем оно несколько раз реконструировалось, в результате чего операционный зал стал самым большим в Англии. Королевская биржа серьезно пострадала во время Второй мировой войны, однако торги не ней не прекращались вплоть до 1968 года.
Начиная с 1976 года, здесь размещается Театр Королевской биржи. Его зрительный зал интересен тем, что круглая сцена расположена посередине, а от нее вверх поднимаются места для зрителей, что очень напоминает театр Древней Греции. Часть здания занимают торговые павильоны и многочисленные кафе.
Оперный театр
Здание Opera House было построено в 1912 году по проекту архитекторов Фаркухарсона, Ричардсона и Джилла. Фактически статус оперного театр получил только в 1920 году. Постоянной актерской труппы он не имел, и на его сцене, как правило, ставили спектакли гастролирующие коллективы. В 1979 году здание было переоборудовано под игровой зал, но, к счастью, это ошибочное решение отменили уже через пять лет. С тех пор Opera House радует зрителей новыми постановками оперных и балетных спектаклей, мюзиклами, детскими представлениями.
Здание Оперного театра выполнено в классическом стиле: фасад разделен ионическими колоннами на своеобразные ниши, на фронтоне – полукруглый рельеф, изображающий древнюю конную колесницу. По нижней части фронтона идет орнаментальная полоса, выполненная из резного камня.
Зрительный зал театра имеет не обычную для оперных театров полукруглую форму – он несколько вытянут, а над партером нависают два вместительных консольных балкона. По обеим сторонам от сцены в три яруса расположены пышно оформленные ложи. В отделке зала доминируют золото, зелень стен и красный бархат кресел. Здесь могут разместиться 1920 зрителей, и, нужно сказать, что практически все спектакли театра собирают аншлаг.
Займись каким-либо искусством, музыкой, пением, танцами, актерством, рисованием, сценой, поэзией, фантастикой, эссе, репортажем, не важно удачно или провально, не ради заработка или славы, но чтобы почувствовать становление, найти то, что внутри тебя, чтобы заставить душу расти.
Из письма романиста Курта Воннегута к студентам Xavier High School
Чувствовали ли вы когда-нибудь, как опустошается ваше сердце после просмотра гениального представления? Знаете ли вы, как наполняет безумие, когда любимый герой решается на невероятный поступок и побеждает? Если хотя бы раз после посещения театра вы переживали похожие вещи, знайте – именно тогда ваша душа росла. Не роскошные костюмы или помпезные декорации заставляют почувствовать это, а человеческий талант. Это то искусство, которое невозможно измерить заработком или успехом – зритель либо верит, либо нет.
Мы подобрали театры Лондона, которые вам стоит посетить, чтобы почувствовать неповторимую силу таланта. Включите хотя бы один из них в свой список желаний, и вы точно не пожалеете. Возможно, судьбоносное представление изменит всю вашу жизнь и откроет те стороны души, о существовании которых вы сами не догадывались.
Театр Royal Court (источник – PhotosForClass)
Новаторский театр Royal Court
Роял Корт – один из самых известных лондонских театров. Он полюбился зрителям и критикам благодаря своему новаторскому стилю. Театр постоянно работает с молодыми сценаристами и организовывает обучение для писателей. Ежегодно офис заведения обрабатывает около 2,5 тысяч сценариев. Лучшие из них воплощают на сцене. Royal Court уже успел открыть миру сценаристку фильма “Неоновый демон” Полли Стенхем и автора сценария известной драмы BBC “Доктор Фостер” Майка Бартлетта. Возможно, и вы попадете на премьеру от будущего Тарантино или Копполы.
Адрес: Sloane Square, Chelsea, London
Молодежный театр Lyric Hammersmith
Этот театр Лондона не просто художественное заведение со свежим взглядом на постановки, но и платформа перспектив. Он создает возможности для малообеспеченных детей и молодых людей, которые хотят связать свою жизнь со сценой. Коллектив театра верит, что искусство помогает обрести уверенность и открыть свой потенциал. Именно поэтому в Lyric Hammersmith работает такое большое количество молодежи. Здесь вы сможете провести время не только за просмотром спектакля, но и во время семейного отдыха. После реконструкции 2015 театр стал открытым общественным пространством, где даже дети могут участвовать в обучении и выступать на сцене.
Адрес: The Lyric Centre, King Street, Hammersmith, London
Театр Old Vic (источник – PhotosForClass) Театр с историей Old Vic
За 200 лет своего существования Old Vic успел побывать таверной, колледжем и кофейней. В нем в свое время размещались Национальный театр и Национальная опера. От эклектичного заведения он прошел путь к современной молодежной платформе. Театр открыт для каждого: программы обучения для молодых талантов, бюджетные представления для заинтересованных зрителей, семейный отдых и вечера в кругу друзей в местном пабе. На сцене Old Vic можно увидеть самых известных мировых актеров, в том числе и Дэниела Рэдклиффа, Ральфа Файнса и Кевина Спейси. Последний, кстати, успел поработать арт-директором театра.
Адрес: The Cut, Lambeth, London
Нетрадиционный театр без стереотипов Young Vic
Молодой наследник театра в Лондоне Old Vic возник как экспериментальный проект. Тогдашний руководитель Старого Вика Лоуренс Оливьер хотел создать пространство, где бы разрабатывались пьесы новых авторов, и объединялась молодая аудитория и молодой театральный коллектив. Хотя арт-директора заведения и менялись, амбиции остались. В свои почти 50 лет театр сохраняет атмосферу новаторства и уникальность. Среди сообщества Ламбета он позиционирует себя как “дом, о существовании которого вы не знали”. Похоже именно поэтому местные так любят его посещать. Здесь действительно можно встретить немало молодежи, которая активно обсуждает очередное мероприятие или ожидает на премьеру за чашкой кофе.
Адрес: 66 The Cut, Waterloo, London
Театр London Palladium (источник – PhotosForClass) Музыкальные театры Вест-Энда LW
Одной из самых известных сетей театров в Лондоне остается LW Theatres. Она объединяет 7 заведений, на сцене которых ставят в основном мюзиклы. К LW относятся: театр “Адельфи” в Лондоне, “Кембридж”, Театр Джилиан Линн, Театр Ее Величества, театр “Палладиум Лондон”, Королевский театр на Друри-Лейн, а также “Другой дворец”. Большинство из них существуют уже много десятилетий и поражают посетителей своим великолепием и богатством. Балконы и ложи с позолотой, старинные канделябры и расписанные стены – все это стоит увидеть, чтобы почувствовать дух старой Англии. Other Palace – самый молодой театр из перечисленных. Это большое молодежное пространство с развлечениями, мероприятиями и студиями для записи и репетиций. “Ощущение волнения, непосредственность, непрерывный обмен энергией между аудиторией и исполнителем.” – вот что предлагает своим гостям группа LW Theatres. Лондонский “Бродвей” ждет вас.
Театр и художественный центр Barbican
В этом месте объединены кино, библиотека, конференц-залы, рестораны и театр. Последний создан Королевской компанией Шекспира как ее лондонская резиденция. Именно благодаря такому сотрудничеству посетители могут смотреть на современные воплощения классических шекспировских пьес. Кроме того, в центре можно посмотреть трансляции спектаклей с Королевского Национального театра и театра “Глобус” в Лондоне. “Барбикан” – это смесь новаторства и традиций, классика, перенесенная на нынешние реалии с вызовами и проблемами современного мира. Не пропустите возможность посетить крупнейший арт-центр Европы.
Адрес: Barbican Centre, Silk Street, London
Королевская опера (источник – PhotosForClass) Классическая жемчужина Лондона Royal Opera House
Лондонский театр оперы и балета – это одна из величайших и самых роскошных сцен города. Она стала резиденцией Королевской Оперы, Королевского Балета и Оркестра. Ее Величество королева Элизабет является патроном лондонского театра балета, а принц Уэльский Чарльз – патрон оперы. Последняя также является владельцем еще одного заведения с давними традициями – театра “Колизей” в Лондоне. В этом пышном зале выступает Национальный балет Англии в период между гастролями. Кстати, самый большой театр города можно посетить не только во время представления. Здесь проводят туры для гостей, мечтающих узнать тайны создания самых известных постановок.
Адрес Королевской Оперы: Bow Street, London
Музыкальное чудо столицы театр Piccadilly
Лондонские театры предлагают огромный список спектаклей для ценителей всех видов искусства. Поклонники мюзиклов будут просто очарованы постановками театра “Пикадилли” в Лондоне. Его коллектив принимает во внимание все замечания посетителей и открыт для критики: все комментарии и впечатления можно оставить на сайте. Однако скажем откровенно, найти негативные отзывы об этом месте чрезвычайно трудно. Лондонцы увлекаются всеми его аспектами: от феерических шоу до приветливого персонала. Яркие декорации, талантливые актеры, настоящий музыкальный водоворот помогают отвлечься от будничных дел и набраться вдохновения.
Адрес: 16 Denman St, Soho, London
Театр Lyceum (источник – PhotosForClass) Концертная площадка и театр Lyceum
Любите мистику и все, что с ней связано? Тогда вас заинтересует место, где родился один из самых известных готических романов в мире “Дракула”. Автор Брэм Стокер работал бизнес-менеджером в театре “Лицеум” в Лондоне. Пригласил известного писателя на должность Генри Ирвинг, художественный руководитель и актер. Однако на этом перечень знаменитостей, причастных к истории Lyceum не заканчивается. На здешней сцене играли Сара Бернар, Элеонора Дузе и миссис Патрик Кэмпбелл. После Второй мировой здание превратилась в бальную залу, в которой выступали Led Zeppelin, Queen и Bob Marley. И только в 1996 году она снова стала театром мюзиклов и оперы. До сих пор “Лицуем” относится к числу лучших театров и концертных залов Лондона.
Адрес: Wellington Street, London
Театр хитовых мюзиклов Dominion
Театр Dominion (источник – PhotosForClass) “Лебединое озеро”, диснеевская “Красавица и чудовище”, “Нотр Дам де Пари” – этот список можно продолжать вечно. Таким репертуаром известных постановок не может похвастаться, пожалуй, ни один другой театр в Лондоне. В 80-х годах эта локация становится одной из самых популярных площадок в городе. Здесь проходят концерты групп Duran Duran, Bon Jovi, а также Дэвида Боуи. Но театр “Доминион” в Лондоне славится не только представлениями. Здесь неоднократно проводилось ежегодное благотворительное мероприятие Royal Variety. Оно объединяет выступления популярных музыкантов, танцоров и комиков в один телевизионный концерт. Такой сбор пожертвований в Королевский благотворительного фонда проводится под патронажем Ее Величества. Сама королева Элизабет нередко посещает концерт, как и другие члены монаршей семьи.
Адрес: 268-269 Tottenham Court Road, London
Театры Лондона невероятно разнообразны: от новаторских до классических, от драматических до музыкальных и комедийных. Также вы сможете почувствовать частичку дома, посетив театры разных народов. К примеру одна из самых больших общин представляет сразу несколько русских театров в Лондоне.
Даже если раньше вы чувствовали, что зрительный зал не для вас, столица сломает эти мысли. Здесь нет разделения на классы и социальные состояния, ведь искусство театров и музеев Лондона доступно для всех.
Конечно, список театров, стоящих вашего внимания не завершается этим топ-10. Их в десятки раз больше: “Алмейда”, “Новелло”, “Палас”. Нельзя забыть и о знаменитых театре Шекспира в Лондоне и Королевском Национальном театре. Чтобы просмотреть все театры Лондона, афиши и билеты, воспользуйтесь сайтом London Theatres .
Ганна Коваль
Share:Драматическое искусство в Великобритании появилось достаточно давно. Свое начало оно берет из уличных представлений, которые проводились на церковные праздники и выполняли роль своеобразных нравоучений. В эпоху Возрождения все направления искусства приобретают более светский характер и отходят от религиозной тематики. Именно в это время появляется революционный на тот момент театр , где ставил пьесы известный сейчас на весь мир В.Шекспир.
Современное развитие театра стремится к предельному реализму во всех своих сферах, переосмысливая даже классические сюжеты. Сейчас театры Англии поражают не только интересными спектаклями, но и оригинальной архитектурой, а также необычными режиссерскими решениями.
Если вы планируете поездку в Лондон, обязательно посетите театр Пикадилли. Он существует более восьми десятилетий и радует ценителей театрального искусства не только современными, но и традиционными классическими постановками.
Одним из самых старых театров Лондона является театр Олдвич, который более столетия собирает вокруг себя всю городскую . На его подмостках когда-то выступали такие именитые актеры, как Джоан Коллинз, Вивьен Ли, Бэзил Рэтбоун и другие.
Поклонникам ярких музыкальных представлений стоит посетить театр Нью-Лондон. Именно мюзиклы принесли достаточно молодому театру в 70-80х годах прошлого столетия настоящую известность в кругу молодежи. До сих пор он радует зрителей постановками на мировом уровне, с яркими сценическими действиями и хорошей музыкой.
Еще один театр Лондона, известный спектаклями в стиле мюзикла и комедийными пьесами — театр Шафтсбери. Не так давно он отпраздновал столетний юбилей — работа театра не прекращалась даже во время Второй мировой. Здание этого театра заслуживает отдельного внимания благодаря необычному старинному оформлению.
Среди современных театров Лондона выделяется театр Пинкок. Он достойно выдерживает конкуренцию со старыми театрами за счет новаторского подхода к классической драматургии. На сцене часто используются элементы современных уличных танцев и даже акробатические номера для усиления эффекта от пьесы.
Своей красотой впечатляет здание Гранд-Оперы в Белфасте. Построенное еще в 19 веке, оно является не только архитектурной достопримечательностью в восточном стиле, но и радует поклонников театра классическим репертуаром и прекрасной акустикой.
Главным центром драматического искусства в Великобритании называют королевский театр Друри-Лейн. Расположен он в Лондоне и сыграл не последнюю роль в процессе становления театра в стране. За время его существования многие именитые актеры успели побывать на его подмостках.
Еще одним архитектурным памятником Великобритании является театр ЕЕ Величества. Театр был создан в начале 18 века, а к концу 19 века перебрался в большое новое здание, где находится до сих пор. Он представляет собой огромную историческую и культурную ценность, а классический репертуар придется по вкусу всем любителям этого вида искусства. Расположен этот театр в Лондоне, на западе Вестминстера.
Первый театр в Лондоне, который так и называли — Театр, был открыт в 1577 г. актером Джеймсом Бурбейджем в Шордиче. Через несколько месяцев неподалеку открыли второй театр, названный «Занавес». Вскоре Бурбейдж и его сын Томас, прославившийся более отца, организовали театр «Черные братья» — в честь монашеского доминиканского ордена, так как сцена была устроена в трапезной старого монастыря. Однако все театры постоянно подвергались нападкам со стороны властей Лондона, проклинавших эти заведения как исчадие ада и источник напастей, место безделья и распущенности, сборище порочных людей, возбуждающихся видом мальчиков в женской одежде, — иными словами, место для тех, кто скорее по звуку трубы кинется смотреть пьесу, чем под звон колокола пойдет слушать проповедь.
В Саутворке у актеров было больше воли, чем в городе, где жизнь театров жестко ограничивали правила, установленные властями. К тому же тула можно было легко добраться на лодке или по мосту. Во времена закрытия монастырей часть Саутворка, которая раньше принадлежала монастырю Бермондси и обители Пречистой Девы Марии, перешла в собственность короля. В 1550 г. ее продали городу приблизительно за тысячу фунтов. Непроданными оказались только два участка, остававшиеся вне юрисдикции города. На одном стояла тюрьма , другой называли («Парижский сад»); именно на этих двух участках во времена королевы Елизаветы появились театры, свободные от запретов и цензуры Лондона. В театре «Роза», построенном в 1587 г., впервые поставили пьесы Марло, на здешних подмостках расцвел талант Эдварда Аллейна. Затем появились театры «Лебедь» (в 1596 г.), «Глобус» (в 1599 г.; одна десятая часть его принадлежала Шекспиру) ив 1613 г. — «Надежда».
В эти и другие театры лондонцев заманивали громкие звуки труб и развевающиеся флаги. Деньги с посетителей собирали прямо в театре и клали в особый ящик, который потом запирали в маленьком помещении — кассе (в «кабинете для денежного ящика»). Зрители рассаживались в креслах, расположенных ярусами вокруг сцены, или на скамейках прямо на сцене, и под их громкие возгласы начинался спектакль. Актеры играли свои роли, а зрители прерывали их возмущенными либо одобрительными криками, оскорблениями или похвалами. Так продолжалось до конца акта, после чего сцена заполнялась танцорами, жонглерами и акробатами; по проходам между местами зрителей протискивались разносчики с подносами и корзинами, продавали пирожки, фрукты, травяные снадобья, буклеты; мужчины любезничали с женщинами. Театральные рабочие часто курили, воздух наполнялся табачным дымом, деревянные кресла нередко загорались, и публика мчалась к дверям. сгорел в тот год, когда открылась «Надежда»; пострадал при этом только один человек — у него загорелись штаны, но он быстро потушил их, полив пивом из бутылки.
Вблизи театров находились сады с медведями, арены для травли привязанного быка собаками, площадки для петушиных боев, привлекавшие разнообразную публику — богатых и бедных, знатных и простолюдинов. Насладившись спектаклем «Отелло» или «Эдуард II», на следующий день публика шла смотреть на медведя, которого травили псами в Пэрис-гарден, на бойцовских петухов, которые, выпустив шпоры, покрывали песок арены кровью и перьями, на собак, далеко отлетавших от ударов обезумевших быков (собак ловили в плетеные ловушки, чтобы они не покалечились при падении и могли сражаться и далее), на людей, рубящихся мечами, отсекающих друг другу уши и пальцы под громкое одобрение толпы.
Театры Вест-Энда
Разительно менялся облик улиц Вест-Энда. Многие здания XVIII в. были реконструированы и снаружи, и внутри в соответствии со вкусом эпохи. Так, на Графтон-стрит, (теперь это «Салон Елены Рубинштейн»), миссис Артур Джеймс продемонстрировала свое богатство впечатляющей реконструкцией дома, спроектированного в 1750-х гг. сэром Робертом Тейлором.
Множество зданий, построенных в георгианском, регентском и викторианском стилях, дали приют новым театрам, таким как Театр герцога Йоркского, Новый театр, «Скала», «Палладиум», «Гейети», Театр Ее Высочества, «Лондонский павильон», «Палас», «Аполло», «Уин-дхэмс», «Хипполром», «Стрэнд», «Олдвич», «Глобус», «Квинз» и «Колизей». Все они были выстроены в течение последних десяти лет правления королевы Виктории и девяти лет правления самого Эдуарда.
Сотни старых зданий были снесены, чтобы освободить место под магазины, грандиозные торговые пассажи с роскошными витринами из зеркального стекла и дверями из красного дерева, инкрустированного латунью. В 1901 г. начали подниматься терракотовые стены универсального магазина «Харродз» на Бромптон-роуд. Вслед за ним быстро стали строиться новые магазины на -стрит в утрированном стиле барокко, например «Веаринг и Гил-лоуз» (1906 г.), колоссальные по размерам, как, в частности, величественное здание, которое начал строить в 1909 г. торговец из штата Висконсин Гарри Сэлфридж.
К тому времени, когда закончилось строительство магазина Сэлфриджа, улица Риджент-стрит полностью изменилась; петля Олдвич пересекла лабиринт улиц севернее Стрэнда напротив Сомерсет-Хауса, на ней появились ряды монументальных зданий, а на север к Холборну протянулась улица Кингсвей.
Театр английского Возрождения родился и развивался на рыночной площади, что определило его национальный британский колорит и демократичность. Наиболее популярными жанрами на площадных сценах являлись моралите и фарсы. Во время царствования Елизаветы Тюдор были запрещены мистерии. С начала XVI века английское театральное искусство подошло к новому этапу – началу развития гуманистической драмы, которая начала формироваться на фоне политической борьбы королевской власти с католической церковью.
С театральных подмостков звучала неприкрытая острая критика и пропаганда новой гуманистической идеологии, которая облекалась в одежды привычных интерлюдий и моралите. В пьесе гуманиста Джона Растелла «Интерлюдия о природе четырех стихий» (1519), кроме традиционных для моралите фигур, присутствуют следующие персонажи: Жажда знания, дама Природа, Опыт и как противопоставление им – дьявол Невежество и блудница Жажда удовольствий. Непримиримая борьба этих персонажей в пьесе заканчивается победой просвещения над мракобесием и невежеством.
Джон Бейл – видный деятель английской Реформации и известный писатель, автор пьесы «Король Джон». Добавив в моралите социальной тематики, он заложил основу драматургии в жанре исторической хроники.
Новый театр родился из средневекового фарса. Придворный поэт, музыкант и устроитель красочных зрелищ Джон Гейвуд дал развитие фарсу, написав сатирические интерлюдии. В них он высмеивал мошенничество монахов и продавцов индульгенций, интриги духовенства, жадного до наживы, хитрые проделки попов, прикрывавших свои грешки показной набожностью. Кроме главного персонажа – плута – и отрицательных персонажей – церковников – в коротких бытовых сценках участвовали простоватые и добродушные простолюдины. Сатирические интерлюдии начала XVI века стали связующим звеном между средневековым фарсовым театром и зарождавшимся драматическим театром.
Приобщение английского народа к итальянской культуре и искусству способствовало активному восприятию и популяризации античной культуры и достижений древней цивилизации. Усиленное изучение латинского языка и творчества Сенеки и Плавта привело к переводам античных трагедий и комедий на английский язык. Постановки спектаклей по этим переводам стали очень популярны в аристократической и университетской среде.
В то же время аристократы и просвещенная публика восторгались сонетами Петрарки и поэмами Ариосто. Новеллы Боккаччо и Банделло были известны в разночинном обществе. При королевском дворе в качестве увеселительных зрелищных мероприятий были введены маскарады, на которых разыгрывались сюжеты из итальянских пасторалей.
Первые образцы национальной комедии и трагедии на театральных подмостках появились в середине XVI века. Николас Юдол – автор первой английской комедии «Ральф Ройстер Дойстер» (ок. 1551) – был образованным придворным организатором развлечений и своими произведениями пытался научить людей «хорошим жизненным правилам».
Пьеса «Горбодук» (1562) Томаса Нортона и Томаса Секвила была впервые показана при дворе королевы Елизаветы и считается первой английской трагедией. В ней явственно проступает подражание римской трагедии: деление пьесы на 5 актов, хоровое пение и монологи вестников, кровавые преступления, но сюжет основывается на историческом факте из средневековой истории. Мораль трагедии заключалась в аллегорической пантомиме и интермедиях, которые артисты представляли между актами, поясняя неожиданные повороты сюжета.
После балаганной мистерии и примитивных фарсов на базе античной и итальянской драматургии зародилась новая английская драматургия, в которой присутствовала композиционная основа, соразмерность частей, логика в развитии действия и характеров.
Драматурги нового поколения практически все имели университетское образование и были выходцами из демократической среды. Объединившись в творческую группу под названием «Университетские умы», они в своих произведениях старались синтезировать высокую гуманистическую культуру аристократов и народную мудрость с ее фольклором.
Предшественник У. Шекспира – известный английский драматург Джон Лили (ок. 1554-1606) – был придворным поэтом. В наиболее интересной своей комедии «Александр и Кампаспа» (1584), написанной по рассказу греческого историка Плиния, он показывал великодушие Александра Македонского, который, видя любовь своего друга, художника Апеллеса, к пленнице Кампаспе, уступил ее другу. Таким образом, в борьбе долга и чувства побеждал долг. Идеализированному образу Александра в пьесе противопоставлена скептическая фигура философа Диогена, народная мудрость и здравый смысл которого торжествуют над самоуверенностью и надменностью монарха и его приближенных.
Джон Лили заложил основы так называемой романтической комедии. Он ввел лирическую стихию в драматическое действие, придав прозаической речи яркий поэтический колорит. Он указал путь для будущего слияния двух комедийных жанров – романтического и фарсового.
Истинным родоначальником английской ренессансной драмы был Кристофер Марло (1564-1593), известный драматург, автор произведений философского и атеистического содержания. Сын сапожника, достигший своим упорством ученой степени магистра наук, он отличался смелостью и вольнодумством. К. Марло предпочел работу актера театральной труппы открывавшейся перед ним после окончания университета в Кембридже карьере священника. Его первое драматическое произведение – «Тамерлан Великий» – было насыщено атеистическими идеями. Этот монументальный труд в двух частях был написан в течение двух лет (I часть в 1587 и II – в 1588 году). «Тамерлан Великий» – это драматизированная биография знаменитого восточного завоевателя конца XIV века Тимура. Марло придал своему герою силу и облик легендарного богатыря. И, что особенно важно, знатного феодала, каким был в действительности Тимур, он сделал «низкородным пастухом», который только силой своей воли, энергии и ума поднялся над законными правителями.
Пьеса К. Марло «Трагическая история доктора Фауста» (1588) (рис. 22 ) раскрывает другую сторону человеческой жизни. Отказ от аскетических принципов и безоговорочного подчинения высшей власти ради жажды познания и радости жизни облекаются им в образ безбожника доктора Фауста. Драма освобожденного сознания доктора Фауста и последовавшего за этим одиночества приводит его к раскаянию, выделив при этом огромную энергию борьбы за свободу мысли.
Последняя трагедия К. Марло «Эдуард II», написанная на материале исторических хроник, стала той основой английской драматургии, которую успешно развил в своих произведениях У. Шекспир.
Король и его свита считали, что К. Марло и его произведения представляют серьезную угрозу власти. В связи с этим был отдан приказ о физическом устранении драматурга. 30 мая 1593 года Марло был убит агентом королевского тайного совета.
Рис. 22. Гравюра из издания «Трагической истории доктора Фауста», 1636 год
Одновременно с пьесами К. Марло на театральных подмостках ставились пьесы других драматургов из группы «Университетские умы»: Томаса Кида – «Испанская трагедия» (1587) и Роберта Грина – «Монах Бэкон и монах Бонгей», «Иаков IV» и «Джордж Грин, векфильдский полевой сторож» (1592).
Творческое содружество драматургов из группы «Университетские умы» предшествовало новому этапу в развитии национальной драматургии – зарождению ренессансной трагедии и комедии. Постепенно вырисовывался образ нового героя – дерзкого и мужественного, преданного гуманистическому идеалу.
В конце XVI века английский народный театр собирал на свои представления огромные толпы народа, впитывавшие все революционные идеи и подражавшие смелым героям, которые в борьбе отстаивали свое человеческое достоинство. Количество театральных трупп неуклонно возрастало, представления из гостиничных дворов и городских площадей переместились в специально выстроенные для этого театры.
В 1576 году в Лондоне Джемсом Бёрбеджем был выстроен первый театр, который так и назывался – «Театр». За ним последовало строительство сразу нескольких театральных зданий: «Куртина», «Блэкфрайерс», «Роза» и «Лебедь» (рис. 23 ). Несмотря на то что городской совет общин своим приказом запретил в 1576 году устраивать театральные представления в самом Лондоне, театры размещали на южном берегу Темзы, в районе, который находился за чертой власти совета общин.
Рис. 23. Театр «Лебедь»
Большие деревянные здания публичных театров были различной формы: круглые, квадратные или восьмигранные. Крыши у здания не было, имелся только небольшой навес над сценой. Эти театры могли вместить до 2000 зрителей. Основная масса зрителей, состоявшая из простого народа, смотрела спектакль стоя. Богатые горожане занимали места в галереях, которые тремя ярусами располагались в круглых стенах театра.
В 1599 году был выстроен театр «Глобус», в котором работал У. Шекспир. Здание имело восьмигранную форму, сцена – трапецеидальный вид, ее основание выдавалось в зрительный зал. Функциональное пространство было разделено на три части: передняя часть сцены – просцениум; задняя, которая была отделена двумя колоннами, удерживавшими соломенный навес; верхняя – балкон над задней сценой. Завершала эту сложную конструкцию небольшая башенка, на которой во время представления вывешивался флаг. Сцена обычно украшалась коврами и циновками, а занавес, в зависимости от жанра (комедия или трагедия), мог быть голубым или черным. Здание первого театра «Глобус» было уничтожено пожаром в 1613 году. После восстановления он просуществовал до 1645 года (рис. 24 ).
Рис. 24. Театр «Глобус»
Актеры лондонских театров в основной своей массе, не считая известных, которые пользовались покровительством вельмож, были малообеспеченными и бесправными людьми. Королевский указ приравнивал артистов к бездомным бродягам и предусматривал наказание труппам, которые не имели богатых покровителей. Несмотря на жесткое отношение к театрам со стороны властей, их популярность возрастала год от года и число их увеличивалось.
Форма организации театральных трупп в то время была двух видов: паевое товарищество актеров с самоуправлением и частное предприятие во главе с антрепренером, владевшим реквизитом и покупавшим права на постановку пьесы у драматургов. Частный предприниматель мог нанимать любую труппу, ставя актеров в кабальную зависимость от его прихотей.
Рис. 25. Уильям Шекспир
Рис. 26. Ричард Бёрбедж
Труппа, которой руководили У. Шекспир (рис. 25 ) и его друг, известный актер Ричард Бёрбедж (рис. 26 ), именовалась «Слуги лорда-камергера». Доходы труппы распределялись между драматургом и ведущими актерами театра в соответствии с их паями.
Количественный состав труппы был не более 10-14 человек, которые в репертуаре театра должны были исполнять по несколько ролей. Женские роли играли миловидные юноши, добиваясь пластичностью движений и лиричностью голоса достоверного исполнения. Общая манера игры актеров переживала стадию перехода от эпического стиля и возвышенной патетики к сдержанной форме внутреннего драматизма. Ведущими актерами трагического жанра в эпоху У. Шекспира были Ричард Бёрбедж и Эдуард Аллейн (рис. 27 ).
Рис. 27. Эдуард Аллейн
Ричарду Бёрбеджу, своему близкому другу и помощнику, У. Шекспир поручал главные роли в своих трагедиях. Бёрбедж, прекрасно владея голосом, не только мастерски исполнял свои монологи, но и усиливал эмоциональную окраску роли взглядами и жестами. В жанре комедии большой популярностью пользовались актеры Роберт Армин, Вильям Кемп (рис. 28 ) и Ричард Тарльтон. Наиболее характерным комиком был Роберт Армин, который исполнял в шекспировских пьесах «Как вам это понравится» и «Король Лир» роль шута, полную философского смысла и драматического содержания.
Рис. 28. Вильям Кемп
Как драматург и режиссер У. Шекспир синтезировал в своем творчестве все достижения театрального искусства, созданные до него, и довел это искусство до совершенства. Он определил его основное направление, которое заключалось в том, чтобы добиваться зеркального отражения сущности человеческой натуры, в каких бы формах она ни проявлялась.
Для исполнительского искусства этого периода характерна значительная эмоциональная напряженность актерской игры. Тон игры задавался не громкой декламацией и активной жестикуляцией, а богатым воображением актера и способностью передать состояние, которое он переживает. Советы актерам, которые У. Шекспир выразил устами Гамлета в своей трагедии, являются вечным руководством для всех поколений артистов, пока живо будет реалистическое театральное искусство. В творчестве великого английского драматурга достиг вершины своего развития драматический театр европейского Возрождения. Творчество Шекспира раздвинуло обычные рамки и указало следующим поколениям актеров пути развития и совершенствования драматического искусства в сторону раскрытия духовного мира человека.
В середине XVII века в Англии закончилась длительная буржуазно-пуританская революция, которая привела к утверждению в обществе пуританизма. Один из пуританских догматов, утверждавший, что человек не должен фаталистически покоряться своей судьбе, стал его идеологическим знаменем. В стране в это время, по свидетельству современников, царили разврат и моральное разложение. Дружба, совесть и общественный долг совершенно утратили свое значение. В конце XVII – начале XVIII века в английской философии ведущим направлением стал либертинаж, или свободомыслие, которое во многом повлияло на драматургию и театр. Позднее это направление приняло специфическую форму и стало называться остроумием. После реставрации в Англии монархии Стюартов остроумие почиталось в аристократической среде довольно высоко. Постепенно в соответствии с тем, что формировалась новая буржуазная идеология, изменялось и отношение к остроумию, оно становилось все более критическим. Это не могло не отражаться на искусстве. C точки зрения приверженцев остроумия, жизнь – сложное искусство, требующее от человека осмотрительности и проницательности. Ложь должна умело сочетаться с правдой, а честность и прямота – с хитростью и обманом. Церковный брак считался оковами, которые свидетельствовали о рабстве мужчины.
Аморальные принципы вызывали справедливое возмущение со стороны добропорядочных буржуа, а также писателей и философов. По мере укрепления власти буржуазии и усиления ее влияния она активно стала наступать на «остроумцев». Это прежде всего выразилось в ее борьбе с английским театром.
До восстановления монархии в Англии, в период правления Кромвеля, театр был запрещен специальным парламентским указом. Пуританское правительство считало театр рассадником безнравственности, греховности и порока. Муниципальные советы предъявляли театральным труппам многочисленные обвинения, порой не имеющие отношения ни к актерам, ни к пьесам. Репутация театров была такой низкой, что горожане перестали посещать их. Чтобы не умереть с голоду, актеры вынуждены были уезжать из городов в отдаленные провинции, где можно было что-нибудь заработать. Театральные труппы и школы распадались, уходили из города учителя ораторского и сценического искусства, музыки и танцев. Провинциальные власти лояльно относились к любительским спектаклям, которые устраивали у себя владельцы замков. А в городах театр возрождался в музыкально-драматических представлениях (маскарадах).
После восстановления монархии Стюартов в Англии наступил благоприятный период для возрождения театра. Аудиторию городских театров составляла исключительно аристократия и городская знать. Драматическое искусство выражало антипуританский и антибуржуазный дух, который прорывался наружу после долгих лет гонений и вынужденного молчания. В многочисленных сатирических комедиях роль глупца-простофили или мужа-рогоносца отводилась непременно незадачливому буржуа.
Театр эпохи Реставрации восстанавливался в течение длительного времени, и изменения, происшедшие с ним в этот период, были значительными. В Англии образовалась театральная монополия. На право организации театральной труппы и на создание театра выдавался королевский патент. А в ведении лорда-камергера находилась цензура, распространявшаяся на деятельность театральной труппы. Число актерских трупп и театральных помещений в Лондоне контролировалось и регулировалось английским правительством. Особое внимание уделялось репертуару театров.
В период Реставрации в Англии было выстроено специальное здание для демонстрации спектаклей и размещения театральной труппы и реквизита. Это было прямоугольное крытое помещение значительных размеров, в котором зрители находились в более комфортных условиях по сравнению с дореставрационным периодом. В театре появились кулисы и просцениум, выдававшийся в партер и окруженный двойным рядом лож. Первое время в таких театрах особо знатные зрители располагались в креслах прямо на сцене, в непосредственной близости от актеров. Это создавало некоторые неудобства для исполнителей.
Рис. 29. Нелл Гуин
Для постановки спектаклей специально изготавливались декорации, а также различные приспособления, позволявшие имитировать полеты и различные превращения. На сцену в женских ролях на смену юношам шекспировского театра вышли актрисы. Среди самых талантливых женщин-актрис периода Реставрации можно выделить Нелл Гуин (рис. 29 ), Мэри Нэпп, Элизабет Барри (рис. 30 ), Элинор Ли и других актрис-революционерок. Рамки самого театрального представления тоже стали шире. Кроме традиционной драмы, в представление могла быть введена пантомима или фарс. Были очень популярны музыкальные танцевальные антракты. Позднее в репертуар театра вошли балладные оперы. Большим успехом в тот период пользовались классические трагедии.
Рис. 30. Элизабет Барри
Различные изменения в политической и общественной жизни, которые переживала в эту эпоху Англия, отражались, в свою очередь, и на репертуаре лондонских театров. К власти уверенно пришла буржуазия, а в театр – зрители третьего сословия. Эта публика, занимая большинство дешевых мест в зале, могла решительно и громогласно выражать свое мнение касательно спектакля, одобряя или освистывая его.
В обществе стало все чаще возникать возмущение по поводу спектаклей, представлявших в привлекательном свете человеческие пороки и безнравственность. Книга проповедника-реакционера Джереми Колльера «Краткий очерк безнравственности и нечестивости английской сцены» вызвала целый шквал откликов и возмущение в театральной среде. Несмотря на то что изложенное в книге резко критиковалось театральными деятелями, она дала ощутимые положительные результаты. Изменился репертуар, в который вошли теперь драматические произведения с тематикой, утверждающей буржуазные добродетели: набожность, бережливость и добропорядочность.
Гражданские общества по исправлению нравов строго следили за содержанием произведений, которые ставили лондонские театры. На спектаклях присутствовали специальные агенты, наблюдавшие за ходом спектакля и фиксировавшие любые выпады против нравственности. Цензоры привлекали к суду за эти нарушения антрепренеров и актеров. Из текстов пьес безжалостно вырезались не только куски, вызвавшие недоверие со стороны цензоров, но и целые акты. Ведущий актер английской сцены периода Реставрации Томас Беттертон (рис. 31 ), которому угрожали расправой за аморальную игру, вынужден был пересматривать свою трактовку многих ролей, чтобы они соответствовали новой системе ценностей.
Рис. 31. Томас Беттертон
К началу XVIII века английский театр пришел измененным, пересмотревшим свои моральные и этические ценности. Самое пристальное внимание уделялось не только человеческим порокам, но и попыткам понять их происхождение и социальную почву. В театре можно было посмеяться над недотепами-аристократами и выскочками-буржуа, придворными лицемерами и купцами-нуворишами. Наблюдая за чужой жизнью на сцене, зритель задумывался над своей, и тогда на многие жизненные вопросы находились необходимые ответы.
Театр являлся своеобразной школой, в которой зритель учился распознавать истинные благодетель и порок. На примерах драматических героев он вырабатывал свою жизненную позицию и манеру поведения. Театр этой эпохи являлся неотъемлемой частью национальной культуры Англии. Обращение к социальной теме, обнажение до малейших подробностей человеческих и государственных пороков стало традицией английского театра, дошедшей до наших дней. Именно в этой традиции великие английские драматурги и театральные деятели видели свои истоки и генетические корни.
В Англии в период после реставрации монархии Стюартов театр и творчество драматургов развивались по нескольким направлениям, основным из которых был классицизм. Лишь формально подражая античным произведениям, английские драматурги более эмоционально характеризовали действие, насыщали пьесы бытовыми тонкостями, подчеркивая национальные особенности характера и излишние подробности происхождения героев этих пьес. Здесь же приводились размышления о переменчивости их целей, желаний и настроений.
Рис. 32. Джон Драйден
Самым видным классицистом этого периода можно назвать Джона Драйдена (1631-1700) – поэта, драматурга и литературного критика (рис. 32 ). Он написал 27 пьес, в числе которых трагедии, комедии и трагикомедии. Его также считают создателем жанра героической драмы. Свои критические взгляды в отношении драмы он выражал в основном в стихотворных прологах и эпилогах к своим и чужим пьесам.
Пьесы Драйдена кипели бурными страстями, дышали свободолюбием и высокими стремлениями. Драматургию он сравнивал с античной скульптурой. В его представлении драматургическое творчество, отображая натуру, должно превосходить ее, чтобы в сценической перспективе оно правильно воспринималось зрителем.
За период 1664-1675 годов им были написаны лучшие образцы английской героической драмы: «Королева индейцев», «Император индейцев, или Завоевания Мексики испанцами», «Тираническая любовь» и «Завоевание Гранады испанцами» с чеканной стихотворной формой текста и утверждением своих понятий о чести и долге. Несколько трагедий драматурга затрагивают тему суетности бытия и иллюзии земного счастья.
Одна из его лучших пьес – «Дон Себастьян» – раскрывает тему призрачности любовного счастья и обманчивости любовного блаженства. Юный португальский король Себастьян, попавший в плен, влюбился в царицу варваров Альмейду. Любовь заставила его забыть обо всем. В скором времени Себастьян узнал, что та, которая дала ему счастье любви и освободила из плена, оказалась его родной сестрой. Иллюзия счастья исчезла, а несчастные влюбленные добровольно удалились в монастырь.
Кроме пьес Драйдена, в репертуаре каждого английского театра обязательно присутствовали произведения двух других известных актеров и драматургов – Натаниэла Ли (1653-1692) и Томаса Отвея (1652-1685). Сильное впечатление на российского императора Петра I во время его пребывания в Лондоне в 1698 году произвела пьеса Н. Ли «Царицы-соперницы, или Смерть Александра Великого». Популярностью также пользовались его драмы «Митридат» и «Теодозий».
Томас Отвей известен в истории английского театра как автор «домашних трагедий» из жизни среднего класса. Наиболее известные из них – «Сирота, или Несчастливый брак» и «Спасенная Венеция, или Раскрытый заговор». Мастерство Отвея заключалось в изображении гибельной для человека власти страстей и слепоты чувств.
Очень популярны были пьесы творческого дуэта Джона Флетчера (1579-1625) и Френсиса Бомонта (1584-1616). Первое издание собрания их пьес, содержавшего 34 произведения, датируется 1647 годом. Пьесы «Филастр», «Король и не король», «Трагедия девушки» переиздавались несколько раз. В этих пьесах мастерски изображалась любовь и все сопутствующие ей человеческие страсти. Комедии этих авторов были по-настоящему веселы, а трагедии заставляли грустить и переживать вместе с героями.
Английский язык в произведениях Бомонта и Флетчера был доведен до совершенства. Об этом позднее много раз говорили литературные критики, которые считали, что все слова, пришедшие в обиходную речь после смерти этих драматургов, являлись излишними. Их пьесы на протяжении 40 лет шли на сценах английских театров с неизменным успехом. При этом в каждом новом театральном сезоне в их репертуаре непременно присутствовали пьесы «Своенравный сотник», «Как управлять женой», «Охота за охотником», «Король и не король», «Филастр», которые шли в оригинале, без каких-либо сокращений или изменений.
Рис. 33. Джозеф Аддисон
В XVIII веке в Англии сложилось неоднозначное отношение к У. Шекспиру. Видные просветители Джозеф Аддисон (рис. 33 ) и Ричард Стиль (рис. 34 ), которые боролись за формирование национального английского театра и против засилья иностранной, в частности итальянской, оперы, выступали в защиту его творческого наследия. Но некоторые критики, например Томас Раймер, называли его трагедии «фарсом без изюминки вкуса».
Рис. 34. Ричард Стиль
Поэтому многие шекспировские пьесы переделывались авторами в угоду современному вкусу. Т. Отвей переделал пьесу У. Шекспира «Ромео и Джульетта», изменив название на «Жизнь и падение Кая Мария», а Д. Драйден – «Антония и Клеопатру» («Все для любви»). И хотя имя Шекспира продолжало оставаться на афишах, переделка текста пьесы была столь значительна, что спектакль не имел ничего общего с оригиналом. Многие пьесы знаменитого драматурга на лондонских сценах шли в одном и том же сезоне и в оригинале, и в переделанном виде, причем зрители с удовольствием смотрели оба варианта спектакля «Ромео и Джульетта»: с трагическим концом У. Шекспира и счастливым – Джеймса Хауарда.
Социальная остросатирическая комедия нравов также имела место в репертуаре английского театра. Ранним представителем этого вида творчества можно назвать Джорджа Этериджа (1634-1691), который считался насмешником над нравами века и создал несколько пьес, вошедших в историю театрального искусства Англии: «Комическое мщение, или Любовь в бочке», «Она хотела б, если бы могла» и «Раб моды». Позднее этот вид комедии в театроведении получил название «комедия эпохи Реставрации».
Рис. 35. Уильям Уичерли
Комедии были очень популярны в тот период. Особенно актеры любили играть в спектаклях Уильяма Уичерли (1640-1716) (рис. 35 ), которые отличались юмором и яркой сценичностью. В некоторые театральные сезоны сразу несколько театров ставили его пьесу «Деревенская жена», и тогда между владельцами театров разгоралась настоящая конкурентная борьба за публику. На комедиях Уильяма Конгрива (рис. 36 ), которые пользовались неизменным успехом у публики, оттачивали свое сценическое мастерство многие поколения английских актеров. В пьесах «Старый холостяк», «Двойная игра» и «Любовь за любовь» на первое место ставится социальный анализ на базе метких бытовых характеристик.
Рис 36 Уильям Конгрив
Последняя комедия Конгрива «Так поступают в свете» раскрывает портрет человека нового времени – Мирабелла. Преимущество героя – в его здравых, не лишенных логики рассуждениях и душевной доброте. Язык пьесы очень элегантен, в нем отсутствуют пустая игра слов и напыщенные фразы.
В XVIII веке значительно расширился репертуар драматических театров. Спектакли состояли из нескольких актов и после представления дополнялись фарсом, пантомимой, музыкальным дивертисментом или выступлениями клоунов и акробатов. Концовку спектакля также могла украсить пародия на какую-либо популярную пьесу или оперу. В течение многих лет игрались одни и те же знаменитые фарсы, независимо от программы всего вечера. Музыкальные дивертисменты, или интерлюдии, были наиболее популярными в театральном репертуаре Это могли быть инструментальные концерты или вокальные выступления, которые представляли собой литературные сюжеты юмористического содержания, положенные на музыку и носившие шутливые названия «Любовь и пивная кружка», «Посрамленный щеголь», «Профессор шутейных наук» и т. п.
Кроме балладной оперы, фарсов и интерлюдий, в XVIII веке появилось такое явление в театрализованном представлении, как «живые картины» и «парадные шествия» В октябре 1727 года в спектакле «Ричард III» лондонского театра «Друри-Лейн» зрители впервые увидели такое «шествие», которое изображало торжественную церемонию коронации Анны Болейн, второй жены короля Генриха VIII Это шоу, великолепно поставленное, с роскошными костюмами актеров, вскоре стало самостоятельным концертным номером Оно завоевало огромную популярность у зрителей и ставилось независимо от тематики идущих в этот день спектаклей.
Центральным ядром многочасового театрального спектакля всегда была пьеса, которую в основном выбирала театральная труппа и долгое время репетировала. Владельцы театров в связи с возросшей конкуренцией старались учитывать запросы массового зрителя. Вплоть до 1868 года репертуар между театрами распределял лорд-гофмейстер, ведавший хозяйством королевского двора и дававший разрешение на постановку пьесы. Такая система позволяла театрам вырабатывать индивидуальный стиль. Лондонский театр герцога славился своим смешанным репертуаром, в то время как в Королевском театре предпочтение отдавалось У. Шекспиру и Б. Джонсону (рис. 3 7). Авторами новых пьес были как драматурги-профессионалы, так и любители, писавшие пьесы не только ради денег, но и из-за любви к театру. Драматург-джентльмен, не служивший в театре, другими словами, «внешний автор», по договору с театром переделывал известные пьесы или сочинял к спектаклям прологи и эпилоги. У каждого театра были свои драматурги и «внешние авторы». Многие известные актеры также сочиняли новые спектакли, в которых труппа с удовольствием принимала участие.
Рис. 37. Бен Джонсон
Нередко монархи заказывали пьесы, предлагая свои сюжеты, которые иногда рождались экспромтом, а иногда по совету придворных вельмож. Наряду с талантливыми и серьезными пьесами, в театры приносили огромное количество рукописей низкокачественной драматургии, которая проходила строгий отбор, вызывая недовольство многих авторов.
Пьеса, которая была одобрена в театральном коллективе, должна была получить разрешение королевской цензуры на постановку в театре. При королевском дворе обязанности главного цензора были возложены на лорда-камергера и главного церемониймейстера, которые возглавляли институт государственной цензуры. Пьесы могли быть запрещены, если в них изображалась насильственная смерть монархов или неуместное использование цитат из Библии. Сцена, в которой говорилось о взяточничестве, процветавшем при королевском дворе, разрешенная цензурой, могла вызвать гнев короля и повлечь за собой тюремное заключение цензора, пропустившего крамолу. Такие случаи были в истории английской драматургии.
Когда в конце XVII века усилилась деятельность многочисленных обществ по исправлению нравственности, ужесточилась и театральная цензура, которая в период обострения политической борьбы между вигами и тори внутри страны приняла крайние формы. В 1737 году правительство издало Акт о цензуре. Он стал законом о театральных лицензиях, в соответствии с которым могли существовать только те театры, которые имели королевскую лицензию. Все пьесы без исключения должны были проходить цензуру лорда-камергера. В пьесах авторам запрещалось касаться политических вопросов и критиковать государственных лиц.
В результате такого закона появилась государственная монополия на театры, т. е. все театры в Лондоне были закрыты, кроме центральных – «Ковент-Гарден» и «Друри-Лейн». Со сцены исчез репертуар злободневного и критического характера, не стало пьес-импровизаций, которые затрагивали проблемы внешней или внутренней политики. Но, несмотря на все меры цензуры, драматурги и актеры, пользуясь специфическими театральными приемами и иносказаниями, доносили до зрителя то, что они не могли высказать открыто.
Два консультанта короля Георга II по делам искусства, известные драматурги и антрепренеры Уильям Давенант (1606-1683) и Томас Киллигру (1612-1683), получив в 1660 году королевский патент на монопольное право открытия театров, поделили между собой лондонских актеров. Труппа Киллигру стала называться труппой короля, а труппа Давенанта – труппой герцога Йорского. Эти труппы не имели собственных зданий и занимали различные помещения, приспособленные для проведения спектаклей.
В самом начале XVII века на юго-восточной окраине Лондона на Сент-Джон-стрит был построен театр «Красный бык». Он представлял собой открытый тип театра без крыши, что ставило работу труппы в зависимость от погодных условий. Это помещение арендовали разные труппы, некоторые из них не имели лицензий, и за нарушение закона театр периодически закрывался. В театральной среде «Красного быка» царили беспорядок и дебоши, а в зрительном зале не собиралось и сотни зрителей. Актеры в бедных костюмах играли посредственно, а иногда и совсем бездарно. В 70-е годы «Красный бык» прекратил свое существование, а здание перешло к фехтовальному клубу.
Строительство театра «Кокпит» также относится к началу XVII века. Это было довольно просторное кирпичное здание, расположенное в центральном районе Друри-Лейн. Второе свое название – «Феникс» – театр получил после пожара 1617 года и быстрого восстановления. Театр просуществовал еще около 60 лет и был снесен в связи с тем, что уже не отвечал современным требованиям.
В первые годы Реставрации, а именно в 1629 году, был выстроен третий по счету театр в Лондоне – «Солсбери-Корт». В 1652 году его владельцем стал видный театральный деятель Англии Уильям Бистон, который, несмотря на строгий запрет, смог поставить несколько спектаклей во время сурового режима Оливера Кромвеля и считался одним из лучших театральных педагогов. Он занялся реконструкцией здания театра, который был приведен в плачевное состояние во время революции. По его проекту была на 30 футов поднята крыша, а в помещении над сценой устроен танцевальный класс. Были значительно расширены ложи и партер, который окружали галереи. Здание театра не сохранилось после лондонского пожара 1666 года.
7 мая 1663 года открылся прославленный английский театр «Друри-Лейн», который и в наше время является ведущим лондонским театром. Первым спектаклем, прошедшим на его сцене, был спектакль Ф. Бомонта и Д. Флетчера «Своенравный сотник». Театр построен между улицами Друри-Лейн и Бриджиз-стрит.
Здание имело округлую форму. В театре находились просторный партер и пышно убранные ложи. Арка просцениума была украшена изысканной декорацией. Несмотря на слишком большое расстояние от сцены до лож, узкие проходы в партере и неудачное расположение оркестра, этот театр имел значительные преимущества перед предшественниками. В партере скамейки располагались концентрическими полукружиями, образуя амфитеатр. Партер был окружен двумя ярусами лож, разделенных между собой перегородками и вмещавших несколько рядов удобных кресел. К этому времени в ложах разрешалось находиться женщинам вместе с мужчинами.
Большая часть публики размещалась в партере, который освещался днем через огромный стеклянный купол, венчавший верхнюю часть здания. В один из сильных ливней на головы зрителей обрушились потоки воды, что вызвало бурное возмущение публики. В вечернее время партер освещался свечами. Скамьи партера были покрыты зеленым сукном.
В центре нижнего яруса партера находилась королевская ложа, которую украшала позолоченная фигура Аполлона и государственный герб Англии. Когда члены королевской семьи не присутствовали на спектакле, билеты в королевскую ложу продавались всем желающим.
25 ноября 1672 года в театре случился пожар, полностью уничтоживший и помещение театра, и прилегавшие к нему строения. Королевский театр, вынужденный в течение нескольких лет собирать средства на новое помещение, только в 1674 году получил здание, построенное по проекту известного архитектора Кристофера Рена. Помещение ничем особенным не выделялось и было простым и безыскусным. Партер имел форму амфитеатра, в котором размещались зрители на скамейках, обитых сукном и не имевших спинок. Люди сидели все вместе: знатные леди и джентльмены, а также дамы легкого поведения, которые флиртовали и разговаривали во время спектакля; некоторые играли в карты, не обращая внимания на актеров. Непосредственно перед сценой, под навесом нижней галереи, размещались самые дорогие места, а самые бедные зрители теснились на верхней галерее.
Для труппы герцога Йоркского в 1671 году по проекту того же Кристофера Рена был построен театр в лондонском районе Дорсет-Гарден, в котором расположились драматический и оперный театры. Он отличался своей архитектурой и роскошью убранства. Фасад театра выходил на берег Темзы и был украшен гербом герцога Йоркского. Верхний этаж предназначался для квартир известных английских актеров.
Театр вмещал около 1200 зрителей и поражал красотой интерьера. Арка просцениума была выполнена в стиле барокко известным резчиком по дереву Гринлингом Гиббонсом и щедро позолочена. Интерьер зрительного зала был намного красивее лучших театральных интерьеров Франции и отличался более удобной планировкой. В партере, который имел форму амфитеатра, почти не было слышно шума. Партер окружали семь лож, в которых могли разместиться 20 человек, за ними следовали 7 лож первого яруса, а еще выше – раек.
Рис. 38. Джон Ванбру
В самом начале XVIII века, в 1705 году, в Лондоне драматургом Джоном Ванбру (рис. 38 ) был построен первый оперный театр, который в честь королевы Анны стал называться Оперным театром королевы. Огромная по тем представлениям сцена и специфическая акустика не годились для драматических спектаклей, поэтому в театре обосновались певцы и музыканты. Этот театр просуществовал почти 85 лет. Не избежав участи многих лондонских театров, он был уничтожен пожаром, вспыхнувшим в его складских помещениях 17 июня 1789 года.
За период Реставрации и дальнейшего развития культуры в Англии начала XVIII века театры значительно видоизменились. Усложнилась их архитектура в соответствии с возросшими требованиями. Интерьер театров и внутреннее убранство отражали состоятельность их владельцев. Конструкция сцены соединила в себе шекспировскую сцену-помост и сцену-коробку с порталом, отделявшим ее от зрителей. Передняя часть сцены, выдававшаяся в зрительный зал, стала овальной. Появились кулисы и декорации, расписанные художниками.
Основная часть спектакля происходила на авансцене. Ближе к финалу актеры должны были выходить вперед, на овальную часть сцены, которая была ближе к зрителю и значительно лучше освещена. Внутренняя часть сцены, где располагались декорации, находилась в полумраке, который на протяжении спектакля создавал ощущение мистики. Свечи, которых для достаточного освещения требовалось очень большое количество, стоили дорого и были роскошью, которую позволяли себе владельцы театров только ради членов королевской семьи. Слабый мерцающий свет, колыхание теней на стенах вызывали ощущение чего-то сверхъестественного в театральном действе. Сама плоскость сцены имела небольшой уклон в сторону просцениума, который украшался парадной резной аркой, где устанавливались барельефы и скульптуры, а искусные мастера вырезали затейливые орнаменты, и все это покрывалось позолотой. В эпоху Реставрации английские актеры считались официально на королевской службе. Актеры королевского театра носили униформу королевской прислуги из красного сукна, отделанную красным бархатом, но фактически в обществе считались представителями самого низшего сословия. Они получали небольшое жалование, за которое должны были много трудиться.
Актеры должны были обладать физической выносливостью, чтобы выдерживать многочасовые репетиции и спектакли. Комнаты, в которых между спектаклями находилось по несколько человек, не отапливались. Отдельная комната с камином предоставлялась только в исключительных случаях. Часто сразу же после удачной премьеры актерская труппа должна была повторить спектакль поздно вечером в придворном театре королевского дворца. Только обладая отличной памятью, актер мог за небольшой отрезок времени заучивать наизусть тексты нескольких ролей в одном спектакле или разнохарактерных ролей нескольких спектаклей.
Зарабатывать во время театрального сезона, который прерывался на лето, когда королевская семья выезжала из Лондона, удавалось немного. Работа прерывалась в связи с эпидемиями, пожарами, наводнениями, религиозными праздниками или трауром в королевской семье. В связи с цензурой или просто с замечанием короля или лорда-камергера театр также закрывался на неопределенное время.
Большинство актеров снимало жилье поблизости от театра, чтобы не тратить деньги на проезд. Богатые актеры могли себе позволить жить в престижных районах Лондона. Если владельцы театра были заинтересованы в определенном актере (а чаще всего это были актрисы), то квартиры для них находились в самом здании театра или в зданиях, примыкавших к нему.
Английские законы всегда стояли на стороне богатых людей в их драках или дуэлях с актерами, хотя дела, которые разбирались в судах, возникали по их вине. Ничего не стоило оскорбить или унизить актера. Это считалось нормальным явлением среди благородного сословия.
В период Реставрации на подмостках английского театра появились актрисы, которые заменили женоподобных молодых людей, одетых в женское платье. Чтобы играть женские роли, юноши должны были в течение нескольких лет обучаться этому. Первые женщины-актрисы должны были обладать достаточной силой воли и гражданским мужеством, чтобы выйти на сцену в такой пуританской стране, как Англия, и представить женский образ во всем его обаянии.
Первые актрисы пришли в театр из частных пансионов. Все они были незнатного происхождения и обучались в пансионах грамоте, дикции, музыке и танцам. С рекомендацией учителей танцев и руководителей частных хоров в театр приходили девушки из мещанского сословия. Многие замечательные актрисы вышли из актерской среды. В то время, когда женское образование находилось на очень низком уровне, профессия актрисы стала казаться многим девушкам многообещающей и заманчивой.
Театр открывал для них дорогу в мир, свободный от домашней тирании и дававший немалые возможности для развития личности. Но вместе с этим юные дарования, не сумев себе обеспечить жизненного минимума средств, попадали под влияние богатых джентльменов и становились их содержанками. Актриса на содержании у богатого господина – это явление было весьма распространенным и вполне законным. Молодые актрисы сами стремились стать содержанками, и часто девушки, которых в театре несколько лет обучали актерскому мастерству, уходили из театра ради 1 – 2 лет такого содержания, после чего в большинстве случаев они находили себе приют в лондонских притонах. На сцене оставались только те, кто был всей душой предан своей актерской профессии. В основном это были жены актеров.
Английским актерам приходилось часто выезжать в другие страны для того, чтобы заработать на жизнь. Порой эти поездки бывали очень опасными для жизни. Актерам приходилось часто голодать и испытывать всевозможные лишения. Выступали они, как правило, на площадях и рынках под открытым небом. Несмотря на языковое различие, английских актеров в разных странах Европы принимали очень хорошо, их классическая манера игры и актерское мастерство вызывали восхищение у современников. В эпоху Возрождения английские актеры демонстрировали свое искусство в Германии, Голландии, Дании и Франции.
Кроме драматических актеров, во Францию на гастроли выезжали английские акробаты, мимы и танцовщики. Братья Вултон с разрешения французского правительства открыли в Дижоне цирк. Известный актер Томас Беттертон посещал Францию по поручению английского правительства. Он должен был ознакомиться с репертуаром и устройством театров.
Французские актеры также приезжали на гастроли в Англию, но искушенный лондонский зритель относился с некоторым пренебрежением к их игре. Театральный реквизит и антураж гастролеров были непритязательными, и спектакли получались унылыми и неинтересными. Это было связано с тем, что гастролировали в основном малообеспеченные актеры.
Из Италии в Англию первыми приехали артисты кукольного театра. Их представление произвело огромное впечатление на короля, и он наградил ведущего актера кукольной труппы медалью и золотой цепью. Итальянские актеры, приезжавшие на гастроли, пользовались особой благосклонностью короля. Для спектаклей им был предоставлен Уайтхолл в королевском дворце. В XVIII веке в Лондоне прижилась итальянская опера, которую посещала в основном лондонская знать. Ее репертуар, рассчитанный на изысканный вкус английской аристократии, покорил светские круги Лондона.
Оперы сначала исполнялись на английском языке, но это усложняло их исполнение, вызывая расхождение музыкальной темы и английского перевода итальянского текста. Позже английские и итальянские исполнители пели арии на своем языке, а еще позднее все арии исполнялись на итальянском. Зрители мало понимали содержание и воспринимали происходящее на сцене лишь как механическое веселье, не вызывающее ни сочувствия, ни раздумья. Многие видные просветители Англии считали итальянскую оперу вторжением в национальную культуру, наносящим ей ощутимый вред.
Новые пьесы в рукописном варианте приносили на рассмотрение и одобрение прямо в театр. Обычно первые чтения проходили в авторском исполнении. От его драматических способностей во многом зависело и восприятие новой пьесы актерами. Некоторые пьесы автору приходилось прочитывать по несколько раз, чтобы донести до актеров свой замысел и пафос произведения. После авторских чтений многие пьесы нуждались в правке и доработке знаменитых актеров, которые самовольно переписывали роли, подгоняя их к манерам или характерам своих товарищей. Иногда такие правки значительно улучшали пьесы, а иногда пьесы почти полностью переписывались, чтобы наполнить их «живым содержанием».
Роли распределялись при непосредственном участии владельца театра, который сам обычно являлся одним из ведущих актеров. На главную роль назначалась популярная в этот период актриса, независимо от того, могла она справиться с данной ролью или нет. Порой исполнение популярной актрисой несвойственной ее амплуа роли совершенно портило впечатление от спектакля. Но случалось, что сам король принимал участие в распределении ролей.
Признанные талантливые драматурги имели право выбирать актеров для участия в своих спектаклях. Да и пьесы они писали уже с учетом того, кто именно будет играть эту роль. Но решающее значение в этом вопросе все же имело основное амплуа актера. У зрителей вырабатывался определенный стереотип персонажа, и публика могла устроить бунт в театре, если в спектакле был занят не основной актер, а его дублер. Тогда спектакль приходилось останавливать, потому что на сцену летели всевозможные предметы, в том числе и горящие свечи.
На подготовку премьеры требовалось не менее месяца. Режиссуры как таковой в то время еще не существовало, и в ходе репетиций текст мог подвергаться различным самовольным изменениям. Просмотрев такие спектакли, драматурги жаловались на то, что их обокрали не менее чем на тысячу строк. Часто функцию режиссера спектакля брал на себя драматург. Он заботился о постановке и организации работы над ролями. Он также разрабатывал мизансцены и движения персонажей в сценическом пространстве, вплоть до жестикуляции и пластики.
Репетиции начинались утром и заканчивались перед спектаклем. Проходили они по-разному, зачастую шумно и бестолково, но иногда получались довольно профессиональными. На заучивание новых текстов и разучивание танцев отводилось вечернее время после спектаклей. На возобновление в репертуаре театра сыгранной ранее пьесы затрачивалось значительно меньше времени и усилий актеров. На это уходило не более двух недель.
Порой слишком спешные подготовки спектаклей приводили к тому, что актеры плохо знали текст. Тогда они несли на сцене такую отсебятину, что их товарищи не могли удержаться от громкого смеха и, выйдя из образа, срывали спектакль. Зачастую в театральных труппах наблюдалось отсутствие строгой дисциплины и нежелание некоторых актеров работать над своей дикцией. В результате их игра вызывала раздражение и недовольство зрителей, потому что в зале невозможно было разобрать ни одного слова из того, что произносил такой актер.
Некоторые актеры позволяли себе изощряться в украшении авторских текстов витиеватыми выражениями собственного сочинения. Целые пассажи таких самодеятельных авторов наносили непоправимый вред спектаклям и портили репутацию драматурга. Один из таких ретивых актеров, Джон Лейси, был арестован по приказу короля. Это было сделано потому, что он самовольно произносил речи с большим пафосом и расширил реестр городских пороков в спектакле «Смена корон», на котором присутствовал Карл II. Некоторые актеры комического жанра позволяли себе по несколько минут разговаривать с публикой. Запрещать это им было бесполезно, и авторы, учитывая особенности таких актеров, в авторских ремарках писали: «Продолжать в том же духе» или «На усмотрение исполнителя».
В течение многих десятилетий подготовка спектакля оставалась слабым местом английской драматургии. Платные генеральные репетиции пьес с приглашением зрителей стали практиковаться в XVIII веке. Сначала их ввели у себя оперные театры, а позднее – драматические.
Судьба спектакля зависела от многих обстоятельств, но успех целиком определялся в день премьеры. Самые богатые сборы театр получал в период с ноября по февраль. День премьеры выбирался специально. Смотрели, нет ли в этот день в Лондоне каких-либо еще массовых мероприятий, которые могут обречь театр на полное отсутствие зрителей в зале. Лучшим днем для премьеры считалась суббота.
Суфлеру отводилось достаточно важное место в подготовке спектакля. Он переписывал для актеров разборчиво каждую роль отдельно и за определенную плату переплетал листы в виде книжки с обложкой. На страницах этих книжек суфлеры делали пометки и замечания для актеров, внося свои коррективы в ход спектакля. В инвентаре суфлера, кроме бумаги, перьев и чернил, всегда присутствовали колокольчик и свисток. По звуку свистка приходили в движение и переносились декорации, а колокольчик оповещал оркестр о музыкальном вступлении.
Важным структурным элементом спектакля была музыка. Она создавала особую эмоциональную атмосферу, объединяя исполнителей со зрителями. Меняя музыкальную тему произведения по ходу спектакля, можно было придавать ему различные смысловые оттенки. Многие драматурги специально работали вместе с композиторами над созданием музыкальных номеров для своих пьес, понимая, насколько важна роль музыки и звучание отдельных музыкальных инструментов.
Особенно любили драматурги скрипку, флейту и гобой. Лондонская аристократия предпочитала гитару, на которой в пьесах играли светские кутилы и ловеласы. Число скрипок в театральных оркестрах порой доходило до 24. Обязательно присутствовал клавесин.
Расположение оркестра в театре несколько раз менялось. Сначала он размещался над сценой, в глубине сценического пространства. Зрители не могли видеть музыкантов. Место, где находились музыканты, называлось «музыкальный чердак». Позже он переместился вниз и расположился между сценой и партером, еще позднее опустился в нижний уровень, под сцену. Место оркестра в театре изменялось несколько раз, переходя с нижнего уровня наверх и обратно.
Но ни один спектакль не проходил без музыкального сопровождения. Там, где в спектакле предоставлялась малейшая возможность сделать музыкальный номер, она обязательно использовалась. Музыкальные вставки, вокальные арии и танцевальные сцены появлялись в пьесах Шекспира и других, более ранних авторов. Использование музыки оживляло постановку. Для украшения спектакля драматурги специально писали роли цыганок, бродячих певцов или веселых гостей, которые пели и плясали, вызывая радостное оживление публики.
Перед началом спектаклей обязательно играла приятная музыка, чтобы избавить публику от скуки ожидания. Многие зрители специально приходили заранее, чтобы насладиться прекрасным исполнением музыкальных произведений.
Музыкальная увертюра (обязательно «во французском стиле») предшествовала прологу спектакля. «Мелодия под занавес» завершала каждый акт. Эта мелодия начиналась во время последних реплик персонажей. Следующий акт начинался музыкальным вступлением. Конец спектакля часто отмечался общим танцем актеров, которые танцевали популярный в Англии танец чакона. Музыка сопровождала поклоны актеров и уходящих зрителей до тех пор, пока в зрительном зале никого не оставалось.
Количество музыкальных номеров в спектакле было разным в зависимости от жанра пьесы. В трагедию включалось не больше двух песен, в комедии могло быть больше пяти. В обязательном порядке должна была звучать музыка в сценах пира, свадьбы и похорон. В комедии Томаса Дюрфея насчитывалось более двадцати музыкальных номеров. В эту эпоху возник новый вид драматического спектакля, который в наше время называется «оперетта».
Влюбленные страдали под серенады, слуги сочиняли сатирические куплеты про своих господ, былинные герои распевали баллады, а уличные мальчишки – пародии на богачей. Все это раздвигало рамки жанра, обогащало представление новыми подробностями, внося дополнительную окраску в игру актеров. Музыка, функционально переплетаясь с диалогами персонажей, играла роль психологической кульминации спектакля. Такой спектакль не мог не затронуть самых глубоких чувств человека, пробудив при этом его мысль.
Такой же составной частью драматического спектакля, как и музыка, являлись танцевальные миниатюры. И неважно, была ли это трагедия или комедия, обычный фарс или пьеса-пародия. Эти танцевальные миниатюры позже получили свое развитие в балете, который стал самостоятельным видом драматического искусства.
Драматурги и владельцы театров придавали большое значение танцевальному репертуару не только спектаклей, но и антрактов. В антрактах, привлекая публику зажигательными мелодиями, администрация поддерживала миролюбивую обстановку в театре, отвлекая тем самым наиболее горячих зрителей от неизбежных потасовок.
В лондонских афишах, наряду с названием пьесы, указывались и названия танцев, которые будут предложены публике. Популярны были национальные танцы, среди них особым вниманием пользовались шотландский, испанский, ирландская жига и комические танцы. Хореография была неотъемлемой частью мастерства драматического актера. А зритель все чаще предпочитал смотреть веселое музыкальное зрелище с песнями и танцами, не обращая внимания на сюжет пьесы. Основное предназначение театра – воспитывать чувства и развивать мышление – уступало свое место забавам и развлечениям.
В Средние века за несколько дней перед началом спектакля в городе бегали знаменщики, или глашатаи, с опознавательными флажками, выкрикивая название пьесы-миракля, которую должна была показывать бродячая театральная труппа. Долгое время сохранялась устная форма зазывательных объявлений, тексты которых были зарифмованы и произносились в сопровождении музыкальных инструментов. В Лондоне громкие шумовые эффекты, сопровождавшие театральные объявления, запрещались, но в провинциальных городках глашатаи с трубой и барабаном всегда собирали в свои театры гораздо больше зрителей, чем церковный колокол прихожан в церковь. На представление бродячих актеров за несколько минут могло собраться больше тысячи зрителей.
Старинные традиции оповещения о предстоящем театральном представлении сохранялись до конца XVIII века. Барабанщик и глашатай являлись неотъемлемой частью колорита сельской Англии той эпохи. Пока барабанщик привлекал внимание жителей городка замысловатой барабанной дробью, глашатай выкрикивал все сведения о предстоящем спектакле и раздавал программки, в которых было указано название пьесы и время начала спектакля.
В Лондоне над зданием театра в день, когда должен был быть спектакль, водружался флаг. О времени его начала возвещала труба, причем трубач из чердачного окна театра трижды трубил через определенные промежутки времени.
Первая театральная афиша появилась во Франции во второй половине XVI века. В Англии афиши появились намного позднее, только в 1564 году. Рукописные афиши обычно развешивали на столбах рядом с театром, у ворот колледжей и учебных заведений, в густонаселенных местах. На афише крупными буквами выделялись название театра и спектакля. В верхней ее части располагался государственный герб с латинской надписью «Да здравствует король!» В XVIII веке на афише уже стали указывать состав актеров, занятых в спектакле, и время начала спектакля. Имя драматурга впервые появилось на афише в 1699 году. Это было имя автора комедии «Двойная игра» Уильяма Конгрива. В 1700 году Большой суд Лондона запретил театрам расклеивать свои афиши в городе и в его окрестностях.
Объявления о предстоящих спектаклях, их авторах и актерском составе стали печатать газеты. Там же, наряду с рекламной информацией, можно было найти адрес книжного магазина, в котором продавался текст пьесы. Ежедневная газета «Дейли курант» в 1702 году регулярно помещала такие объявления, позднее, в 20-е годы, их печатали «Дейли пост» и «Дейли джорнал». В это время театральные объявления содержали, кроме информации о самом спектакле, такие подробности, как по чьей просьбе (одной из монарших особ или знатной дамы) дается представление, цены на места в партере, ложах и галереях и т. п. В некоторых случаях владельцы театров просили издателей поместить несколько строк, характеризующих игру актеров или касающихся содержания пьесы.
В 1702 году запрет на расклеивание театральных афиш в Лондоне был отменен. Черные и красные афиши снова стали появляться на улицах города. Красные стоили дороже и печатались, как правило, в день премьеры или бенефиса.
На улицах маленькую афишку можно было купить у торговки апельсинами, она же за небольшую мзду сообщала последние театральные новости или относила письмо кому-нибудь из актрис. Владельцы театров специально нанимали этих торговок для продажи фруктов и сладостей во время антрактов и брали с них за это определенную плату. Такие торговки являлись ценнейшими источниками информации о закулисной жизни театра, а самые ловкие и оборотистые из них смогли нажить себе значительное состояние на торговле и на сделках с газетчиками.
Театральные программы в лондонских театрах появились в 60-х годах XVIII века после очередных гастролей французских актеров. В их красочно оформленной программке на 18 листах было представлено подробное описание машинерии, с помощью которой герой пьесы Орфей спускается в ад. Текст на обложке сообщал о том, откуда заимствован сюжет, а также кто и где именно представит этот спектакль. В английских программках для экономии времени могли приводиться тексты длинных писем, с которыми зрители могли ознакомиться заблаговременно, а действие пьесы таким образом не утруждало публику вынужденными скучными сценами. Иногда пролог и эпилог пьесы печатали на отдельных листах и продавали перед началом спектакля. В конце каждой постановки давалось объявление о следующем представлении. Реакция публики (одобрение или негодование) на предложение администрации театра определяла судьбу предстоящего спектакля.
Театральная газетная хроника описывала все, что происходило на сценах театров и за их кулисами, до малейших подробностей. В центре внимания также были события, которые разворачивались в зрительном зале, вплоть до потасовок между подвыпившими гуляками. Там же помещались указы лорда-камергера и замечания королевской цензуры, а также освещались посещения театров высокими иностранными особами, которые были частыми гостями лондонских театров.
Зрительный зал театра, заполненный людьми, представлял собой зеркальное отражение английского общества. Он был местом деловых встреч и любовных свиданий. Молодые люди могли похвастаться своими достоинствами и талантами, а родители – показать своих дочерей на выданье. Приезжие сельские богачи, наглядевшись на столичных модниц, привозили в свои дома новые впечатления и модные наряды.
В театре собирались, порой в самых неожиданных и пестрых сочетаниях, люди из разных сословий, горячо и искренне увлеченные драматическим искусством. Лучшие места в партере всегда занимали знатные люди и критики. В партере публика была смешанная, и поэтому партер часто становился местом шумных споров и потасовок, переходивших зачастую в дуэли.
Средняя галерея отводилась женщинам легкого поведения, которые появлялись в театре, закрыв лицо масками. В верхней галерее размещалась прислуга, сопровождавшая господ, и бесплатные зрители.
Трудно было предположить реакцию такой разношерстной публики на спектакль, и тем труднее была задача актеров подчинить себе внимание зрителей. Но в этом, наверное, и заключается магическое действие театрального искусства, когда мастерство и эмоции актеров завораживают и увлекают за собой в пространство спектакля этот порой необузданный в своих страстях партер и далекую от утонченных чувств галерку.