W prawie każdym znaczącym dziele sztuki kryje się tajemnica, podwójne dno lub tajemna historia, którą chcesz odkryć.
Muzyka na pośladkach
Hieronymus Bosch, Ogród rozkoszy ziemskich, 1500-1510.
Fragment tryptyku
Spory o znaczenia i ukryte znaczenia najsłynniejszego dzieła holenderskiego artysty nie ucichły od czasu jego pojawienia się. Na prawym skrzydle tryptyku „Muzyczne Piekło” przedstawieni są grzesznicy torturowani w podziemiach za pomocą instrumentów muzycznych. Jeden z nich ma na pośladkach nadrukowane notatki. Studentka Oklahoma Christian University, Amelia Hamrick, która studiowała obraz, przetransponowała XVI-wieczną notację na współczesny zwrot i nagrała „500-letnią piosenkę z piekła rodem”.
Naga Mona Lisa
Słynna „Gioconda” istnieje w dwóch wersjach: wersja naga nazywa się „Monna Vanna”, została namalowana przez mało znanego artystę Salaia, który był uczniem i opiekunką wielkiego Leonarda da Vinci. Wielu krytyków sztuki jest przekonanych, że to on był wzorem dla obrazów Leonarda „Jan Chrzciciel” i „Bachus”. Istnieją również wersje ubrane w kobiecą sukienkę, Salai służyła jako wizerunek samej Mona Lisy.
Stary Rybak
W 1902 roku węgierski artysta Tivadar Kostka Chontvari namalował obraz „Stary rybak”. Wydawałoby się, że na zdjęciu nie ma nic niezwykłego, ale Tivadar umieścił w nim podtekst, który nigdy nie został ujawniony za życia artysty.
Niewiele osób pomyślało o umieszczeniu lustra na środku obrazu. W każdej osobie może być zarówno Bóg (prawe ramię Starego Człowieka jest zduplikowane), jak i Diabeł (lewe ramię Starego Człowieka jest zduplikowane).
Czy był tam wieloryb?
Hendrik van Antonissen „Scena na brzegu”.
Wyglądał jak zwykły krajobraz. Łodzie, ludzie na brzegu i na pustynnym morzu. I dopiero badanie rentgenowskie wykazało, że ludzie zebrali się na brzegu nie bez powodu - w oryginale zbadali zwłoki wieloryba wyrzuconego na brzeg.
Jednak artysta uznał, że nikt nie będzie chciał patrzeć na martwego wieloryba i przemalował obraz.
Dwa „Śniadania na Trawie”
Edouard Manet, Śniadanie na trawie, 1863.
Claude Monet, Śniadanie na trawie, 1865.
Artyści Edouard Manet i Claude Monet są czasami zdezorientowani - w końcu obaj byli Francuzami, żyli w tym samym czasie i pracowali w stylu impresjonizmu. Nawet nazwę jednego z najsłynniejszych obrazów Maneta, „Śniadanie na trawie”, Monet pożyczył i napisał swoje „Śniadanie na trawie”.
Bliźniaczki podczas Ostatniej Wieczerzy
Leonardo da Vinci, Ostatnia Wieczerza, 1495-1498.
Kiedy Leonardo da Vinci pisał Ostatnią Wieczerzę, szczególną wagę przywiązywał do dwóch postaci: Chrystusa i Judasza. Bardzo długo szukał dla nich opiekunek. W końcu udało mu się znaleźć wzór na obraz Chrystusa wśród młodych śpiewaków. Leonardo nie znalazł opiekunki dla Judasza przez trzy lata. Ale pewnego dnia natknął się na pijaka leżącego w rynsztoku na ulicy. Był to młody człowiek, który postarzał się od intensywnego picia. Leonardo zaprosił go do tawerny, gdzie od razu zaczął od niego pisać Judasza. Kiedy pijak opamiętał się, powiedział artyście, że już raz mu pozował. To było kilka lat temu, kiedy śpiewał w chórze kościelnym, Leonardo napisał od niego Chrystusa.
„Straż nocna” czy „Straż dzienna”?
Rembrandt, Straż Nocna, 1642.
Jeden z najsłynniejszych obrazów Rembrandta, „Występ kompanii strzelców kapitana Fransa Banning Cock i porucznika Willema van Ruytenbürga”, wisiał w różnych salach przez około dwieście lat i został odkryty przez historyków sztuki dopiero w XIX wieku. Ponieważ postacie wydawały się wyróżniać na ciemnym tle, nazwano ją Strażą Nocną i pod tą nazwą weszła do skarbca sztuki światowej.
I dopiero podczas renowacji, przeprowadzonej w 1947 roku, okazało się, że w holu obraz pokrył się warstwą sadzy, która zniekształciła jego barwę. Po wyczyszczeniu oryginalnego obrazu okazało się w końcu, że scena przedstawiona przez Rembrandta faktycznie rozgrywa się w ciągu dnia. Pozycja cienia z lewej ręki Kapitana Koka pokazuje, że czas trwania akcji nie przekracza 14 godzin.
wywrócona łódź
Henri Matisse, „Łódź”, 1937.
W nowojorskim Museum of Modern Art w 1961 roku wystawiono obraz Henri Matisse'a „Łódź”. Dopiero po 47 dniach ktoś zauważył, że obraz wisi do góry nogami. Płótno przedstawia 10 fioletowych linii i dwa niebieskie żagle na białym tle. Artysta nie bez powodu namalował dwa żagle, drugi żagiel jest odbiciem pierwszego na powierzchni wody.
Aby nie pomylić się z tym, jak obraz powinien wisieć, musisz zwracać uwagę na szczegóły. Większy żagiel powinien znajdować się w górnej części obrazu, a szczyt żagla powinien być skierowany w prawy górny róg.
Oszustwo w autoportrecie
Vincent van Gogh, Autoportret z fajką, 1889.
Istnieją legendy, że Van Gogh rzekomo odciął sobie ucho. Teraz najbardziej wiarygodną wersją jest to, że ucho van Gogha zostało uszkodzone w małej bójce z udziałem innego artysty, Paula Gauguina.
Autoportret jest interesujący, ponieważ oddaje rzeczywistość w zniekształconej formie: artysta jest przedstawiony z zabandażowanym prawym uchem, ponieważ podczas pracy używał lustra. W rzeczywistości lewe ucho zostało uszkodzone.
obce niedźwiedzie
Iwan Szyszkin, „Poranek w sosnowym lesie”, 1889.
Słynny obraz należy nie tylko do pędzla Szyszkina. Wielu zaprzyjaźnionych ze sobą artystów często uciekało się do „pomocy przyjaciela”, a Iwan Iwanowicz, który przez całe życie malował pejzaże, obawiał się, że dotykanie niedźwiedzi nie wyjdzie tak, jak potrzebował. Dlatego Shishkin zwrócił się do znanego malarza zwierząt Konstantina Savitsky'ego.
Sawicki namalował chyba najlepsze niedźwiedzie w historii malarstwa rosyjskiego, a Tretiakow nakazał zmyć jego imię z płótna, ponieważ wszystko na obrazie „od pomysłu do wykonania, wszystko mówi o sposobie malowania, metoda twórcza charakterystyczna dla Shishkina”.
Niewinna opowieść „Gotycka”
Grant Wood, „Amerykański gotyk”, 1930.
Twórczość Granta Wooda uważana jest za jedną z najdziwniejszych i najbardziej przygnębiających w historii malarstwa amerykańskiego. Obraz z ponurym ojcem i córką jest pełen szczegółów, które wskazują na surowość, purytanizm i retrogradację przedstawionych osób.
W rzeczywistości artysta nie zamierzał przedstawiać żadnych okropności: podczas podróży do Iowa zauważył mały dom w stylu gotyckim i postanowił przedstawić tych ludzi, którzy jego zdaniem idealnie pasowaliby jako mieszkańcy. Siostra Granta i jego dentysta zostają uwiecznieni w postaci postaci, którymi tak bardzo obrazili się mieszkańcy Iowa.
Zemsta Salvadora Dali
Obraz „Postać przy oknie” został namalowany w 1925 roku, kiedy Dali miał 21 lat. Wtedy Gala nie wkroczyła jeszcze w życie artysty, a jego muzą była jego siostra Ana Maria. Relacje między bratem a siostrą pogorszyły się, gdy na jednym z obrazów napisał „czasami pluję na portret własnej matki i sprawia mi to przyjemność”. Ana Maria nie mogła wybaczyć takiego szoku.
W swojej książce z 1949 roku Salvador Dali oczami siostry pisze o swoim bracie bez żadnych pochwał. Książka rozwścieczyła Salwador. Przez kolejne dziesięć lat później wspominał ją ze złością przy każdej okazji. I tak w 1954 roku pojawia się obraz „Młoda dziewica oddająca się grzechowi Sodomy za pomocą rogów własnej czystości”. Poza kobietą, jej loki, pejzaż za oknem i kolorystyka obrazu wyraźnie nawiązują do Postaci przy Oknie. Istnieje wersja, że tak Dali zemścił się na swojej siostrze za jej książkę.
Dwulicowe Danae
Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Danae, 1636-1647.
Wiele tajemnic jednego z najsłynniejszych obrazów Rembrandta ujawniono dopiero w latach 60. XX wieku, kiedy płótno oświetlano promieniami rentgenowskimi. Na przykład strzelanina wykazała, że we wczesnej wersji twarz księżniczki, która wdała się w romans ze Zeusem, wyglądała jak twarz Saskii, żony zmarłego w 1642 roku malarza. W ostatecznej wersji obrazu zaczął przypominać twarz Gertier Dirks, kochanki Rembrandta, z którą artysta mieszkał po śmierci żony.
Żółta sypialnia Van Gogha
Vincent van Gogh, „Sypialnia w Arles”, 1888 - 1889.
W maju 1888 Van Gogh nabył mały warsztat w Arles na południu Francji, gdzie uciekł przed paryskimi artystami i krytykami, którzy go nie rozumieli. W jednym z czterech pokoi Vincent urządza sypialnię. W październiku wszystko jest gotowe i postanawia namalować Sypialnię Van Gogha w Arles. Dla artysty bardzo ważny był kolor, komfort pomieszczenia: wszystko musiało sugerować odprężenie. Jednocześnie obraz jest utrzymany w niepokojących żółtych tonach.
Badacze twórczości Van Gogha tłumaczą to faktem, że artysta wziął naparstnicę, lekarstwo na epilepsję, która powoduje poważne zmiany w postrzeganiu koloru przez pacjenta: cała otaczająca rzeczywistość jest pomalowana na zielono-żółte odcienie.
Bezzębna doskonałość
Leonardo da Vinci, „Portret pani Lisy del Giocondo”, 1503 - 1519.
W powszechnej opinii Mona Lisa to perfekcja, a jej uśmiech jest piękny w swojej tajemniczości. Amerykański krytyk sztuki (i dentysta na pół etatu) Joseph Borkowski uważa jednak, że sądząc po wyrazie twarzy, bohaterka straciła wiele zębów. Przyglądając się powiększonym zdjęciom arcydzieła Borkowski znalazł także blizny wokół ust. „Uśmiecha się tak bardzo właśnie z powodu tego, co jej się przydarzyło” – uważa ekspert. „Jej wyraz twarzy jest typowy dla osób, które straciły przednie zęby”.
Major na kontroli twarzy
Pavel Fedotov, Swatanie Majora, 1848.
Publiczność, która po raz pierwszy zobaczyła obraz „Major's Matchmaking”, śmiała się serdecznie: artysta Fedotov wypełnił go ironicznymi szczegółami, które były zrozumiałe dla ówczesnych widzów. Na przykład major wyraźnie nie zna zasad szlachetnej etykiety: pojawił się bez odpowiednich bukietów dla panny młodej i jej matki. A sama panna młoda została wyładowana przez swoich kupieckich rodziców w wieczorową suknię balową, chociaż był dzień (wszystkie lampy w pokoju zgasły). Dziewczyna najwyraźniej po raz pierwszy przymierzyła sukienkę z głębokim dekoltem, jest zawstydzona i próbuje uciec do swojego pokoju.
Dlaczego wolność jest naga
Ferdinand Victor Eugene Delacroix, Wolność na barykadach, 1830.
Według historyka sztuki Etienne Julie, Delacroix namalował twarz kobiety ze słynnej paryskiej rewolucjonistki – praczki Anny-Charlotte, która po śmierci swojego brata z rąk królewskich żołnierzy poszła na barykady i zabiła dziewięciu strażników. Artysta przedstawił jej nagą klatkę piersiową. Zgodnie z jego planem jest to symbol nieustraszoności i bezinteresowności, a także triumfu demokracji: nagie piersi pokazują, że Swoboda, jak pospolity człowiek, nie nosi gorsetu.
kwadrat niekwadratowy
Kazimierz Malewicz, Plac Czarnego Suprematysty, 1915.
W rzeczywistości „Czarny kwadrat” wcale nie jest czarny i wcale nie jest kwadratowy: żaden z boków czworokąta nie jest równoległy do żadnego z jego innych boków, ani żaden z boków kwadratowej ramki, która otacza obraz. A ciemna barwa jest wynikiem mieszania różnych kolorów, wśród których nie było czerni. Uważa się, że nie było to zaniedbanie autora, ale pryncypialne stanowisko, chęć stworzenia dynamicznej, mobilnej formy.
Specjaliści Galerii Trietiakowskiej odkryli autorski napis na słynnym obrazie Malewicza. Napis brzmi: „Bitwa Murzynów w ciemnej jaskini”. To zdanie nawiązuje do nazwy żartobliwego obrazu francuskiego dziennikarza, pisarza i artysty Alphonse'a Allaisa „Bitwa Murzynów w ciemnej jaskini w środku nocy”, który był absolutnie czarnym prostokątem.
Melodramat austriackiej Mony Lisa
Gustav Klimt, „Portret Adele Bloch-Bauer”, 1907.
Jeden z najważniejszych obrazów Klimta przedstawia żonę austriackiego magnata cukru Ferdynanda Blocha-Bauera. Cały Wiedeń omawiał burzliwy romans między Adele a słynnym artystą. Ranny mąż chciał zemścić się na swoich kochankach, ale wybrał bardzo nietypowy sposób: postanowił zamówić portret Adele od Klimta i zmusić go do zrobienia setek szkiców, dopóki artysta nie zacznie się od niej odwracać.
Bloch-Bauer chciał, aby praca trwała kilka lat, a model mógł zobaczyć, jak zanikają uczucia Klimta. Złożył artyście hojną ofertę, której nie mógł odmówić, a wszystko potoczyło się zgodnie ze scenariuszem oszukanego męża: praca została ukończona w ciągu 4 lat, kochankowie dawno się ochłodzili. Adele Bloch-Bauer nigdy nie dowiedziała się, że jej mąż był świadomy jej związku z Klimtem.
Obraz, który przywrócił Gauguina do życia
Paul Gauguin, „Skąd pochodzimy? Kim jesteśmy? Dokąd idziemy?”, 1897-1898.
Najsłynniejsze płótno Gauguina ma jedną cechę: jest „czytane” nie od lewej do prawej, ale od prawej do lewej, jak teksty kabalistyczne, którymi interesował się artysta. W tej kolejności rozwija się alegoria życia duchowego i fizycznego człowieka: od narodzin duszy (śpiące dziecko w prawym dolnym rogu) do nieuchronności godziny śmierci (ptak z jaszczurką w jego pazury w lewym dolnym rogu).
Obraz został namalowany przez Gauguina na Tahiti, gdzie artysta kilkakrotnie uciekał z cywilizacji. Ale tym razem życie na wyspie nie wyszło: totalna bieda doprowadziła go do depresji. Po ukończeniu płótna, które miało stać się jego duchowym testamentem, Gauguin wziął pudełko arszeniku i udał się w góry, by umrzeć. Jednak nie obliczył dawki i samobójstwo nie powiodło się. Następnego ranka zatoczył się do swojej chaty i zasnął, a kiedy się obudził, poczuł zapomniane pragnienie życia. A w 1898 roku jego sprawy poszły w górę, a w jego pracy rozpoczął się jaśniejszy okres.
112 przysłów na jednym zdjęciu
Pieter Brueghel Starszy, „Przysłowia holenderskie”, 1559
Pieter Brueghel Starszy przedstawił krainę zamieszkaną przez dosłowne obrazy ówczesnych holenderskich przysłów. Na malowanym obrazie znajduje się około 112 rozpoznawalnych idiomów. Niektóre z nich są używane do dziś, jak np. „pływanie pod prąd”, „uderzenie głową w ścianę”, „uzbrojony po zęby” czy „duża ryba zjada małe”.
Inne przysłowia odzwierciedlają ludzką głupotę.
Podmiotowość sztuki
Paul Gauguin, wieś Breton pod śniegiem, 1894
Obraz Gauguina „Breton Village in the Snow” został sprzedany po śmierci autora za jedyne siedem franków, a ponadto pod nazwą „Niagara Falls”. Licytator przypadkowo powiesił obraz do góry nogami po obejrzeniu w nim wodospadu.
ukryty obraz
Pablo Picasso, Niebieski pokój, 1901
W 2008 roku podczerwień pokazała, że pod „Niebieskim pokojem” ukryto kolejny obraz - portret mężczyzny ubranego w garnitur z motylem i opierającego głowę na dłoni. „Gdy tylko Picasso wpadł na nowy pomysł, wziął pędzel i ucieleśnił go. Ale nie miał okazji kupić nowego płótna za każdym razem, gdy odwiedzała go muza ”- historyk sztuki Patricia Favero wyjaśnia możliwy powód tego.
Niedostępne kobiety z Maroka
Zinaida Serebryakova, naga, 1928
Pewnego dnia Zinaida Serebryakova otrzymała kuszącą ofertę - udać się w twórczą podróż, aby przedstawić nagie postacie orientalnych dziewcząt. Okazało się jednak, że w tych miejscach po prostu nie można znaleźć modeli. Na ratunek przyszedł tłumacz dla Zinaidy - przyprowadził do niej swoje siostry i swoją narzeczoną. Nikt przed i po tym nie był w stanie schwytać zamkniętych orientalnych kobiet nago.
Spontaniczny wgląd
Valentin Serov, „Portret Mikołaja II w kurtce”, 1900
Przez długi czas Sierow nie mógł namalować portretu króla. Kiedy artysta całkowicie się poddał, przeprosił Mikołaja. Nikołaj był trochę zdenerwowany, usiadł przy stole, wyciągając przed siebie ręce ... A potem artysta olśnił - oto on! Prosty wojskowy w oficerskiej marynarce o jasnych i smutnych oczach. Ten portret jest uważany za najlepsze przedstawienie ostatniego cesarza.
Znowu dwójka
© Fedor Reszetnikow
Słynny obraz „Znowu dwójka” to dopiero druga część artystycznej trylogii.
Pierwsza część to „Przybył na święta”. Oczywiście zamożna rodzina, ferie zimowe, radosna doskonała studentka.
Druga część to „Znowu dwójka”. Biedna rodzina z peryferii klasy robotniczej, szczyt roku szkolnego, tępy ogłuszacz, który znowu chwycił dwójkę. W lewym górnym rogu widać obrazek „Przybył na święta”.
Trzecia część to „Ponowne badanie”. Dom na wsi, lato, wszyscy chodzą, jeden złośliwy ignorant, który nie zdał egzaminu rocznego, jest zmuszony siedzieć w czterech ścianach i wpychać się. W lewym górnym rogu widać obrazek „Znowu dwójka”.
Jak rodzą się arcydzieła
Joseph Turner, Deszcz, para i szybkość, 1844
W 1842 roku pani Simon podróżowała pociągiem po Anglii. Nagle zaczęła się ulewa. Siedzący naprzeciwko niej starszy pan wstał, otworzył okno, wystawił głowę i patrzył tak przez około dziesięć minut. Nie mogąc powstrzymać ciekawości, kobieta również otworzyła okno i spojrzała przed siebie. Rok później odkryła obraz „Deszcz, para i prędkość” na wystawie w Królewskiej Akademii Sztuk Pięknych i potrafiła rozpoznać w nim sam epizod w pociągu.
Lekcja anatomii od Michała Anioła
Michał Anioł, Stworzenie Adama, 1511
Kilku amerykańskich ekspertów neuroanatomii uważa, że Michał Anioł zostawił kilka anatomicznych ilustracji w jednym ze swoich najsłynniejszych dzieł. Uważają, że po prawej stronie obrazu znajduje się ogromny mózg. Co zaskakujące, można znaleźć nawet złożone elementy, takie jak móżdżek, nerwy wzrokowe i przysadka mózgowa. A chwytliwa zielona wstążka idealnie pasuje do położenia tętnicy kręgowej.
Ostatnia Wieczerza – Van Gogh
Vincent van Gogh, Taras kawiarni w nocy, 1888
Badacz Jared Baxter uważa, że Taras kawiarni Van Gogha w nocy zawiera dedykację do Ostatniej Wieczerzy Leonarda da Vinci. W centrum obrazu jest kelner z długimi włosami i w białej tunice, przypominającej szaty Chrystusa, a wokół niego dokładnie 12 gości kawiarni. Baxter zwraca również uwagę na krzyż, znajdujący się bezpośrednio za plecami kelnera w kolorze białym.
Obraz pamięci Dalego
Salvador Dali, Trwałość pamięci, 1931
Nie jest tajemnicą, że myśli, które odwiedziły Dalego podczas tworzenia jego arcydzieł, miały zawsze postać bardzo realistycznych obrazów, które artysta przeniósł następnie na płótno. Tak więc, według samego autora, obraz „Trwałość pamięci” został namalowany w wyniku skojarzeń, które powstały na widok przetworzonego sera.
O czym krzyczy Munch?
Edvard Munch, „Krzyk”, 1893.
Munch mówił o pomyśle jednego z najbardziej tajemniczych obrazów w malarstwie światowym: „Szedłem ścieżką z dwoma przyjaciółmi - słońce zachodziło - nagle niebo zrobiło się krwistoczerwone, zatrzymałem się, czując się wyczerpany i oparłem się o ogrodzenie - patrzyłem na krew i płomienie nad niebiesko-czarnym fiordem i miastem - moi przyjaciele szli dalej, a ja stałem, drżąc z podniecenia, czując niekończący się krzyk przeszywający naturę. Ale jaki zachód słońca mógłby tak przestraszyć artystę?
Istnieje wersja, że pomysł „Krzyku” narodził się u Muncha w 1883 roku, kiedy doszło do kilku najsilniejszych erupcji wulkanu Krakatoa – tak potężnych, że zmieniły temperaturę ziemskiej atmosfery o jeden stopień. Obfita ilość pyłu i popiołu rozprzestrzeniła się po całym świecie, docierając nawet do Norwegii. Przez kilka wieczorów z rzędu zachody słońca wyglądały tak, jakby miała nadejść apokalipsa – jeden z nich stał się dla artysty źródłem inspiracji.
Pisarz wśród ludzi
Aleksander Iwanow, „Pojawienie się Chrystusa ludowi”, 1837-1857.
Dziesiątki modelek pozowało Aleksandrowi Iwanowowi do jego głównego obrazu. Jeden z nich jest znany nie mniej niż sam artysta. W tle, wśród podróżników i rzymskich jeźdźców, którzy nie słyszeli jeszcze kazania Jana Chrzciciela, dostrzec można postać w brązowej tunice. Jego Iwanow pisał z Nikołajem Gogolem. Pisarz ściśle komunikował się z artystą we Włoszech, zwłaszcza w kwestiach religijnych, i udzielał mu porad w procesie malowania. Gogol uważał, że Iwanow „już dawno umarł za cały świat, z wyjątkiem swojej pracy”.
Dna Michała Anioła
Raphael Santi, Szkoła Ateńska, 1511.
Tworząc słynny fresk „Szkoła Ateńska”, Rafał uwiecznił swoich przyjaciół i znajomych na obrazach starożytnych greckich filozofów. Jednym z nich był Michał Anioł Buonarroti „w roli” Heraklita. Przez kilka stuleci fresk zachowywał tajemnice życia osobistego Michała Anioła, a współcześni badacze sugerują, że dziwnie kanciaste kolano artysty wskazuje na chorobę stawów.
Jest to całkiem prawdopodobne, biorąc pod uwagę specyfikę stylu życia i warunków pracy artystów renesansowych oraz chroniczny pracoholizm Michała Anioła.
Lustro Arnolfinis
Jan van Eyck, „Portret Arnolfinis”, 1434
W lustrze za Arnolfinis widać odbicie dwóch kolejnych osób w pokoju. Najprawdopodobniej są to świadkowie obecni przy zawieraniu umowy. Jednym z nich jest van Eyck, o czym świadczy umieszczony wbrew tradycji nad lustrem w centrum kompozycji łaciński napis: „Tu był Jan van Eyck”. W ten sposób kontrakty były zazwyczaj przypieczętowane.
Jak wada zamieniła się w talent
Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Autoportret w wieku 63 lat, 1669.
Badaczka Margaret Livingston przestudiowała wszystkie autoportrety Rembrandta i stwierdziła, że artysta cierpi na zeza: na obrazach jego oczy patrzą w różnych kierunkach, czego mistrz nie obserwuje na portretach innych osób. Choroba doprowadziła do tego, że artysta mógł lepiej postrzegać rzeczywistość w dwóch wymiarach niż osoby o normalnym wzroku. Zjawisko to nazywane jest „ślepotą stereo” – niemożnością widzenia świata w 3D. Ale ponieważ malarz musi pracować z obrazem dwuwymiarowym, to właśnie ta wada Rembrandta mogła być jednym z wyjaśnień jego fenomenalnego talentu.
Bezgrzeszna Wenus
Sandro Botticelli, Narodziny Wenus, 1482-1486.
Przed nadejściem Narodzin Wenus obraz nagiego kobiecego ciała na malarstwie symbolizował jedynie ideę grzechu pierworodnego. Sandro Botticelli był pierwszym europejskim malarzem, który nie znalazł w nim niczego grzesznego. Co więcej, historycy sztuki są pewni, że pogańska bogini miłości symbolizuje chrześcijański obraz na fresku: jej pojawienie się jest alegorią odrodzenia duszy, która przeszła obrzęd chrztu.
Gracz na lutni czy gracz na lutni?
Michelangelo Merisi da Caravaggio, Lutniarz, 1596.
Przez długi czas obraz był wystawiany w Ermitażu pod tytułem „Lutnista”. Dopiero na początku XX wieku historycy sztuki zgodzili się, że płótno nadal przedstawia młodego mężczyznę (prawdopodobnie Caravaggia pozował jego przyjaciel artysta Mario Minniti): na nutach przed muzykiem nagranie partii basowej widoczny jest madrygał Jacoba Arcadelta „Wiesz, że cię kocham”. Kobieta z trudem mogła dokonać takiego wyboru - po prostu ciężko jest jej gardło. Ponadto lutnia, podobnie jak skrzypce na samym skraju obrazu, była uważana za instrument męski w epoce Caravaggia.
*Malarstwo rosyjskie tak samo zasadniczo różni się od sztuki europejskiej, jak literatura. Punkt widzenia naszych artystów - pisarzy czy malarzy - na świat jest wybitnie tendencyjny. Iwan Nikołajewicz Kramskoj
*Malowanie trwa na swój sposób. Martina Heideggera
*Malarstwo to wiedza o świecie, dostępna tylko dla długiego ludzkiego doświadczenia. Sen i pamięć w tym samym czasie. I wnikanie w naukę pieszczot, które zaniedbuje zapał młodego kochanka. Louis Aragon
* W malarstwie, podobnie jak w innych gatunkach sztuki, nie ma jednej techniki, którą można by dopasować do sformułowania słownego. Auguste Renoir
* Ludzkość zawsze pielęgnowała te dzieła sztuki, w których dramat ludzkiego serca lub po prostu wewnętrzny charakter człowieka jest wyrażany w najpełniejszy możliwy sposób. Często sam wizerunek jednej postaci wystarczy, aby nazwisko artysty pozostało w historii sztuki. Iwan Nikołajewicz Kramskoj
*Nie chodzi o naukę rysowania, chodzi o naukę myślenia. Stendhal (Henri-Marie Bayle)
* Świat jest ostatecznie wokół nas, a nie przed nami. Głębia obrazu malarskiego bierze się znikąd, osadza się, narasta na płótnie. Maurice Merleau-Ponty
*działania sukcesywne jako takie nie mogą stać się przedmiotem malowania; musi zadowolić się równoczesnymi działaniami lub ciałami, które ze względu na swoją pozycję implikują działanie. Gotthold Ephraim Lessing
* Jeśli obraz wzbudza plotki, a nawet animowane, oznacza to, że coś w nim jest; dlatego sztuka może odgrywać rolę nieco wyższego rzędu niż dekoracja i rozrywka życia. Iwan Nikołajewicz Kramskoj
*Każdy obraz musi być jedyny w swoim rodzaju i musi być nowym obrazem w serii przedstawień ludzkiego umysłu na temat świata. Henri Matisse
* „I wtedy zobaczyłem wronę na śniegu. Wrona siedzi na śniegu i wypuszcza jedno skrzydło, siedzi jak czarna plama na śniegu. Więc nie mogłem zapomnieć tego miejsca przez wiele lat. Potem napisałem do bojar Morozowa”
„Istotą obrazu historycznego jest zgadywanie” Wasilij Iwanowicz Surikow.
* O postępach w pracy Repina nad obrazem: „Nagle się zdenerwuje, zaogni się całą duszą, złapie paletę i pędzle i zacznie pisać na płótnie, jakby w jakiejś wściekłości”
„Czym jest sztuka? A ściślej: kim są artyści? Część narodu, która swobodnie i spontanicznie postawiła sobie zadanie zaspokojenia potrzeb estetycznych swojego ludu”.
"...najwyższą władzą sądowniczą dla artysty zawsze było i będzie wrażenie, że tysiące widzów przetrwało z obrazu" Iwan Nikołajewicz Kramskoj.
* „Każdy uczeń latem powinien pisać szkice i studiować ze wszystkich stron to, co wybrał jako swoją specjalność; dodatkowo zarówno zimą, jak i latem powinien mieć ze sobą zeszyt i album, aby nauczyć się rysować im wszystko, co zatrzyma jego uwagę na sobie, a nie polega na jego pamięci i wyobraźni...”
„Krajobraz powinien być nie tylko narodowy, ale bardziej lokalny. Wszystko, co zostało powiedziane, będzie gwarantowane przez moje wieloletnie doświadczenie i całe moje pragnienie służenia mojemu rodzimemu krajobrazowi i mam nadzieję, że nadejdzie czas, kiedy cała rosyjska przyroda, żywe i uduchowione, będą wyglądać z płócien rosyjskich artystów”. I. Szyszkin
* „Chcę być taki - beztroski, w tym stuleciu piszą wszystko trudne, nic zachęcającego. Chcę tego, co zachęcające i napiszę tylko to, co zachęcające” Valentin Aleksandrovich Serov.
„Mówią: sztuka to nie nauka, nie matematyka, że to sztuka, nastroje i że w sztuce nic nie da się wytłumaczyć – patrzcie i podziwiajcie. Moim zdaniem tak nie jest. Sztuka jest wytłumaczalna i bardzo logiczna, trzeba i możesz o tym wiedzieć, jest to matematyczne „W tym przypadku można to wyjaśnić. Można dokładnie udowodnić, dlaczego obraz jest dobry i dlaczego jest zły” Nikołaj Pietrowicz Krymow
* „Malarz, który bada różnorodność rzeczy w przyrodzie, a tym samym pojmuje ich związek, określa położenie rzeczy w świecie, czyli byt rzeczy” Kuzma
"Kolory są denerwujące i kojące, krzyczą, kłócą się ze sobą i żyją czule jeden obok drugiego. W ich walce lub porozumieniu kolor ma wpływ na człowieka poprzez zmysł wzroku. "Siergiejewicz Pietrow-Wodkin
* „Czas zadaje sobie trud dokończenia moich prac”.
"Kolor dopełnia obraz dekoracjami, ale ona jest niczym więcej jak dworską damą ze swojego orszaku"
"Rysunek to nie tylko tworzenie konturów; rysunek to nie tylko linie. Rysunek to także ekspresja, wewnętrzna forma, plan, modelowanie."
„W każdej głowie pierwszą rzeczą do zrobienia jest sprawienie, by oczy przemówiły”.
„Tylko w naturze można znaleźć piękno, które jest wielkim przedmiotem malarstwa; tam go szukać i nigdzie indziej”.
"Żadnych wyrzutów sumienia, jeśli kopiujesz starożytnych. Ich dzieła są wspólną własnością, z której każdy może czerpać to, co lubi. Stają się naszą własnością, gdy wiemy, jak z nich korzystać, Rafał, niestrudzenie ich naśladując, pozostał sobą."
„Większa stanowczość w użyciu kolorów, większa elastyczność tonalna. Więcej zamieszania w pozach kart; są zbyt wykalkulowane. Złocenia są jaśniejsze w cieniach i delikatniejsze. Ogólnie mniej symetrii”.
„Zewnętrzne kontury nigdy nie powinny się pogłębiać… są wypukłe… Aby uzyskać idealną formę, nie należy uciekać się do kwadratowej i kanciastej objętości: należy stworzyć zaokrąglony kształt i bez wystających szczegółów wewnętrznych. Gdy jest tylko jedna figura na zdjęciu musi być wymodelowany w reliefie, a tym samym szukać efektu malarskiego."
„Zarzucano mi, a może słusznie, że zbyt często powtarzam swoje kompozycje, zamiast tworzyć nowe dzieła. Oto moje przemyślenia na ten temat: większość dzieł, które kochałem pod względem fabuły, wydawała mi się warta pracy i wykonania. są jeszcze lepsze, lepiej je powtarzają lub wykańczają, jak to często bywało z moimi pierwszymi obrazami, a przy okazji z Kaplicą Sykstyńską. aby mieć nadzieję na pozostawienie swojego nazwiska przyszłym pokoleniom, będzie niestrudzenie starał się, aby jego prace były piękniejsze, a przynajmniej mniej niedoskonałe.Przykładem jest dla mnie wielki Poussin, który często powtarzał te same wątki.
"Rysunek zawiera ponad trzy czwarte tego, czym jest malarstwo. Gdybym miał umieścić znak nad drzwiami, napisałbym: "Szkoła Rysunku " i jestem pewien, że stworzyłbym malarzy." Ingres
* „Trudno jest wziąć dwa lub trzy tony dokładnie razem, pięć jest jeszcze trudniejsze, a przyjęcie wszystkiego dokładnie tak, jak czujesz okiem, jest niewiarygodnie trudne. Najpierw trochę wyedukuj oko, potem otwórz szerzej i w końcu wszystko, co wchodzi na płótno, musi widzieć razem, a wtedy to, co nie jest dokładnie uchwycone, będzie rozstrojone, jak zła nuta w orkiestrze.Doświadczony artysta widzi wszystko jednocześnie, tak jak dobry dyrygent słyszy skrzypce, flet, fagot i inne instrumenty jednocześnie”
"Lubię zaczynać od najgrubszych ciemnych miejsc. To nie pozwala mi wpaść w białawość. Kolor będzie bogaty, gęsty. " Konstantin Alekseevich Korovin
* „Stosowanie całego zakresu natężenia światła, maksymalnego dopuszczalnego przez całą paletę, oraz wykorzystanie całej gamy barw i odcieni barw jest możliwe tylko w oparciu o znajomość różnych technik technologicznych.
Te odcienie i nasycenie siłą koloru i świetlistością w malarstwie są silnie uzależnione od przygotowania tekstury na każdym etapie pracy.
Malarstwo, które nie oddycha każdym ze swoich kolorów tysiącem odcieni, które go wzbogacają, jest martwym obrazem.
Energia kolorów, a także energia formy i ekspresji, niesie także energię uderzenia.
Studentka, nieśmiała, choć szczera, ale protokolarna praca to tylko abecadło sztuki. Dopiero gdy malarz w wyniku długich poszukiwań dotrze do dwóch lub trzech zdecydowanych pociągnięć pędzla, rozwiązując w prosty i klarowny sposób problem formy i koloru, pojawia się niezbędny stopień przekonywania. Lakonizm w malarstwie, podobnie jak w mowie, jest często pożądany jako najkrótsza droga do wyczerpującej jasności: usuwa wszystko, co wątpliwe, zagmatwane i przeciążające na swojej prostej drodze.” K. Yuon
* „Malarstwo to samo życie. W nim natura pojawia się przed duszą bez pośredników, bez okładek, bez konwencji. Poezja jest niematerialna. Muzyka jest niematerialna. Rzeźba jest warunkowa. Ale malarstwo, zwłaszcza pejzażowe, jest czymś realnym. Poeci, muzycy , rzeźbiarze "Nie chcę umniejszać Twojej chwały. Twój los też jest piękny. Ale niech każdy zostanie wynagrodzony sprawiedliwością!"
Jeśli przyjrzymy się otoczeniu, czy to pejzażu, czy wnętrzu, zauważymy, że między rzeczami, które pojawiają się naszym oczom, istnieje rodzaj połączenia, jaki tworzy otaczająca je atmosfera i różne refleksy światła, które , że tak powiem, zaangażuj każdy przedmiot w pewną ogólną harmonię"
"Cóż za cud - podziwiać w malowaniu to, czego nie podziwiasz w rzeczywistości."
"Malarstwo jest sztuką nierozmowną i to moim zdaniem jest jej dużą zaletą."
"Najbardziej uparty realista jest jednak zmuszony, w przekazywaniu natury, uciekać się do pewnych konwencji kompozycji lub manier. Mówiąc o kompozycji, nie może po prostu wziąć jednego utworu, a nawet kilku utworów i zrobić z tego obraz. Trzeba umieścić pomysł w to, aby pokazać widzowi coś więcej niż przypadkowe połączenie niepowiązanych ze sobą części, bez tego nie byłoby sztuki. obraz tutaj jest tak samo interesujący jak centralna część, cały krajobraz można sobie tylko wyobrazić - widzisz tylko fragment, który wydaje się być wybrany przypadkowo.Tutaj drugorzędny zwraca taką samą uwagę jak główny, częściej niż nie, to drugorzędne jest pierwszą rzeczą, która rzuca się w oczy i obraża.Więcej pobłażania wymaga niedoskonałości reprodukcji w obrazie fotograficznym niż w tworzeniu twórczej wyobraźni. W niektórych przypadkach, ze względu na niedoskonałość samej metody dokładnej transmisji, pozostawiane są pewne luki, miejsca spoczynkowe dla oka, które pozwalają skupić uwagę tylko na niewielkiej liczbie obiektów. Gdyby oko miało moc lupy, fotografia byłaby nie do zniesienia: zauważylibyśmy wszystkie liście na drzewie, wszystkie dachówki na dachu i cały mech na dachówkach, wszystkie owady itd. powiedzmy o nieprzyjemnych widokach, jakie rodzi realna perspektywa, - są może mniej nieprzyjemne w krajobrazie, gdzie wystające do przodu części można powiększyć, nawet ponad miarę, nie raniąc oka, jak to bywa z ludzkimi postaciami! Najbardziej uparty realista musi skorygować w obrazie tę nieelastyczność perspektywy, która właśnie przez swoją dokładność zniekształca wygląd przedmiotów.
„Artyści, którzy nie są kolorystami, zajmują się kolorowaniem, a nie malowaniem. Malarstwo we właściwym znaczeniu tego słowa, jeśli nie mówimy o obrazach monochromatycznych, zawiera ideę koloru jako jednego z jego niezbędnych fundamentów, wraz z światłocieniem , proporcje i perspektywa”. Eugene Delacroix
* „Technika jest językiem artysty; rozwijaj ją niestrudzenie do wirtuozerii. Bez niej nigdy nie będziesz w stanie opowiedzieć ludziom swoich marzeń, doświadczeń, piękna, które widziałeś”. Pavel Pietrowicz Chistyakov
* „Bóg jest Niezmierzony i czuję Go we mnie. Tylko w Niego wierzę. Nie wierzę w to, czego dotykam, ani w to, co widzę. Mój mózg, mój umysł wydaje mi się tylko krótkotrwałą, wątpliwą rzeczywistością. Uważam, że moje wewnętrzne uczucie jest wieczne i określone.
"Skontaktuj się z wielkimi mistrzami. Uczą nas nie tworzyć złej sztuki..."
„Kolor musi być przemyślany, zainspirowany, wymarzony”.
"Cała wartość moich prac polega na tym, że otworzyłem im drzwi do sakramentu. Skomponowałem obrazy, a teraz powinny się rozwijać"
„Niebo przez gałęzie, to perły i klejnoty”
"Malarstwo to namiętna cisza" Gustave Moreau
* „Cała tajemnica tkwi w ogólnej jasności. Światło wychodzi niejako z wnętrza samego płótna. Spójrzcie na Wenecjan, wszyscy są zalani jednym światłem i tak jakby artysta malował jedną farbą. Dlaczego w końcu w jednym złotym kolorze jest uczucie czerwonych draperii lub zielonych liści?Tycjan tylko nasyca cień kolorem, a światło w całym obrazie pisze prawie tym samym kolorem, jednym tonem. obraz, głębia i gra światła są jednocześnie zachowane! ”Nikołaj Michajłowicz Romadin
* „Kiedy starasz się sumiennie podążać za wielkimi mistrzami, widzisz, że w pewnych momentach wszyscy zanurzają się głęboko w rzeczywistość. Mam na myśli to, że tak zwane dzieła wielkich mistrzów można zobaczyć w samej rzeczywistości, jeśli spojrzysz na to z te same oczy i z tymi samymi uczuciami, które... Rzeczywistość - to odwieczna podstawa prawdziwej poezji, którą można znaleźć, jeśli ciężko poszukasz i przekopiesz glebę wystarczająco głęboko... "Van Gogh
*"Wszyscy próbują zrozumieć malarstwo. Dlaczego nie próbują zrozumieć śpiewu ptaków?"
„Malarstwo to zajęcie dla niewidomych. Artysta maluje nie to, co widzi, ale to, co czuje”.
„Dlaczego próbujesz zrozumieć sztukę? Nie próbujesz zrozumieć, o czym śpiewa ptak…”
Do studia Picassa przyszedł milioner. 3a zainteresował się obrazem namalowanym w sposób sześcienny:
- Co jest tutaj pokazane?
- Dwieście tysięcy dolarów - odpowiedział artysta.
Kiedy zapytano Picassa, dlaczego nie udekorował swojego domu
z własnymi obrazami odpowiedział: „Nie stać mnie na nie!”
Kończę twój portret – powiedział Picasso do człowieka, którego malował. Teraz spróbuj być taki jak on.
Picasso oprowadza gości po swojej wystawie.
- To jest mój autoportret. To portret mojej żony.
- Mam nadzieję, że nie masz dzieci?
„Artysta to osoba, która pisze to, co można sprzedać. A dobry artysta to osoba, która sprzedaje to, co pisze”
„Są artyści, którzy zamieniają słońce w żółtą plamę. Ale są też tacy, którzy wykorzystując swoją sztukę i umysł zamieniają żółtą plamę w słońce”
„A wśród ludzi jest więcej kopii niż oryginałów”. Pablo Picasso
„Gdyby mój mąż kiedykolwiek spotkał na ulicy kobietę, która wyglądała jak kobiety na jego obrazach, natychmiast zemdlałby i stracił przytomność.” Pani Picasso
*"Różnica między surrealistami a mną polega na tym, że jestem surrealistą"
"Namalowanie obrazu jest albo łatwe, albo niemożliwe"
"Kiedy maluję obrazy, czuję się szalony. Jedyna różnica między mną a szaloną polega na tym, że nie jestem szalony." Dali
* Ilustrator Favorsky, tworząc ilustracje do książek, narysował w kącie psa. Kiedy redaktor zaczął żałować, dlaczego pies tu jest, za każdym razem udowadniał, że pies jest po prostu niezbędny do tej ilustracji. Ale w końcu, po zakończeniu sporów, zgodził się usunąć psa ze zdjęcia. Zapytany, dlaczego za każdym razem rysujesz tego psa, odpowiedział: „A gdyby nie było psa, znalazłby błąd w czymś innym” Favorsky
* „W istocie nie ma pięknego stylu, pięknej linii, pięknego koloru, jedyne piękno to prawda, która staje się widoczna.” Och. Rodin
* „Pejzażysta może pracować spokojnie – natura nigdy nie upiera się przy podobieństwie” R. G. de la Serna
* „Znaczenie artysty mierzy się liczbą nowych znaków, które wprowadza do języka plastycznego.” A. Matisse
* „Światło sztuki wpłynie na wiele serc, oświeci je nową miłością. Na początku to uczucie będzie nieświadome, ale potem oczyści ludzką świadomość”. Roerich
* „Rysunek nie jest formą, ale sposobem widzenia go.” Degas
* Dzieło sztuki - mgła wyrzeźbiona w obrazie.
* Piękno nie jest potrzebą, ale ekstazą. To nie jest obraz, który chciałbyś zobaczyć, ani piosenka, którą chciałbyś usłyszeć, ale obraz, który widzisz, nawet jeśli zamkniesz oczy, i pieśń, którą słyszysz, nawet jeśli zamkniesz uszy. Gibran
* Artysta to osoba, która odwraca się od rzeczywistości, ponieważ nie jest w stanie pogodzić się z odmową zaspokojenia swoich instynktów, których ona wymaga; otwiera przestrzeń dla swoich egoistycznych i ambitnych projektów w sferze fantazji. Freud Zygmunt
*Dobrzy artyści tworzą, wielcy artyści kradną, a dobrzy artyści dostarczają na czas… Steve Jobs
*Każde dziecko jest artystą. Trudność polega na tym, by pozostać artystą poza dzieciństwem. Picasso Pablo
*Każdy ma prawo się zmienić, nawet artyści. Picasso Pablo
*Kiedy zrozumiesz?
że nie jesteś synem ziemi,
Ale podróżnik przez wszechświaty,
Kiedy rozumiesz, że ktoś się rodzi,
Wytopić się ze świata
Konieczność i powód -
Wszechświat Wolności i Miłości, -
Wtedy tylko Ty zostaniesz Mistrzem. Maksymilian Wołoszyn
* Artysta jest kłamcą, ale sztuka jest prawdziwa Andre Maurois
*To nie było ani zabawne, ani smutne - było pięknie...Vincent van Gogh
* Artysta jest ogniskiem świadomości rzeczy i zjawisk w nim odzwierciedlonych.M.A. Voloshin
* Zazwyczaj wyciąga się autobiografie artystów w miejscach, w których mówi się o tym, jak osiągnęli sławę. Ulrich Erkenbrecht
* Sztuka antyklasyczna, jeśli w ogóle można ją nazwać sztuką, po prostu sztuką leniwych. Jest to doktryna tych, którzy chcą tworzyć bez pracy i uczyć się bez nauki. Malarz francuski XIX wieku Jean Ingres
* Bóg jest po prostu kolejnym artystą. Wynalazł żyrafę, słonia, kota. Nie ma ustalonego pisma. Po prostu stara się tworzyć rzeczy. Pablo Picasso
* W wieku dwudziestu pięciu lat każdy może być utalentowany. Chodzi o to, żeby być utalentowanym w wieku pięćdziesięciu lat. Edgar Degas, francuski malarz
* W naszych czasach gazety starają się, aby opinia publiczna osądzała rzeźbiarza nie na podstawie jego rzeźb, ale tego, jak traktuje swoją żonę; o artyście według wielkości jego dochodów, ao poecie według koloru krawata. Oscar Wilde
* Mam w sobie dość artysty, by swobodnie rysować w mojej wyobraźni. Wyobraźnia jest ważniejsza od wiedzy. Wiedza jest ograniczona. Wyobraźnia obejmuje świat. A. Einsteina
* Każda warstwa społeczna jest na swój sposób ciekawa, a artysta może z równym zainteresowaniem przedstawiać maniery królowej i zwyczaje krawcowej. M. Prousta
* Najwyższą pochwałą dla artysty jest to, gdy zapomnisz o pochwałach przed jego pracą. Gotthold Lessing
* Tak, proszę pani, Natura [na obrazach - D.D.] wkrada się. Odpowiedź artysty J.A. McNeilla Whistlera „a na zdanie pewnej damy, że pewien krajobraz przypomina jej jego obrazy
* Dla artysty XV wieku opis łoża śmierci był tak samo pewnym sposobem zdobycia popularności jak dla artysty XX wieku - opis łoża miłości. Aldous Huxley
* Jedyną pochwałą, jaką należy oddać artyście, jest kupno jego pracy. Francuski malarz impresjonistyczny Pierre Renoir
* Jeśli przyjrzymy się bliżej jego pracy, można zauważyć, że wyglądają jak starannie narysowany tor lotu muchy w szoku. Marina Rodna o obrazach amerykańskiego artysty abstrakcyjnego Jacksona Pollocka
* Jeśli w wyglądzie kobiety nie ma absolutnie nic pięknego, mówią, że ma piękne oczy. Jeśli artysta jest wyzywająco pozbawiony talentu – że jest szczerze oddany swojej pracy. Krytyk Stanislav Zelvensky o wystawie fotograficznej Stasia Namina
* Jeśli dobrze wyglądasz i jesteś dobrze ubrany, nie potrzebujesz celu w życiu. Robert Pant, amerykański projektant mody
* Pragnienie zysku nie stworzyło jeszcze jednego artysty, ale zabiło wielu. Alston
* Malowanie to zawód niewidomych. Artysta maluje nie to, co widzi, ale to, co czuje, co dla niego znaczy to, co widzi. Pablo Picasso
* Dbamy o niezadowolenie twórcze artystów! Stanisław Jerzy Lec
* INTELEKTUALNY - osoba, która mówi kompleksowo o prostych rzeczach; ARTYSTA to osoba, która po prostu mówi o skomplikowanych rzeczach. Charles Bukowski
* Prawdziwy artysta tworzy kolejne dzieło, ponieważ nie jest zadowolony z poprzedniego. Dmitrij Szostakowicz
* Każdy artysta, który przedstawia niebo jako zielone, a trawę jako niebieską, musi zostać wysterylizowany. Adolf Gitler
* Kiedy muszę śmiać się z natury, pierwszą rzeczą, którą staram się zrobić, jest zapomnieć, że widziałem choć jedno zdjęcie. Angielski malarz krajobrazu John Constable
* Kiedy byłam dzieckiem, moja mama powiedziała mi: „Jeśli zostaniesz żołnierzem, będziesz generałem; jeśli zostaniesz mnichem, zostaniesz papieżem”. Zamiast tego zostałem artystą i zjechałem do Picassa. Pablo Picasso
* Kiedy [artysta] Diego Rivera protestował przeciwko zmianom w swoim muralu w Rockefeller Center, Nelson Rockefeller rzekomo przekonał go po prostu mówiąc: „To jest moja ściana”. Eugene McCarthy
* KOLAŻ - sprytny sposób przeniesienia na płótno różnorodnych przedmiotów gospodarstwa domowego, których artysta nie chce przedstawiać w zwykły sposób. Marina Rodna
* SZTUKA KONCEPTUALNA - sztuka artystów, którzy zdają się wyrażać głębokie idee filozoficzne we wszystkim, co robią, nawet jeśli wszyscy inni w ogóle nie widzą w tym żadnych idei. Marina Rodna
* Tylko w porażce artysta rozpoznaje swój prawdziwy stosunek do twórczości, dopiero po porażce dowódca dostrzega swoje błędy. S. Zweig
* Każdy portret z serca jest portretem artysty, a nie tego, który mu pozował. Oscar Wilde
* Każdy dobry artysta, który stara się stworzyć prawdziwe arcydzieła, musi najpierw móc zabrać moją żonę. Salvador Dali
* Najlepszym źródłem informacji są wspomnienia. Czytanie ich to przyjemność; poza tym czeka cię miła niespodzianka: okazuje się, że wielki artysta jest nie tylko obdarzony zręcznymi rękami, ale potrafi też całkiem rozsądnie myśleć bez podszeptów krytyka. Marina Dana Rodna
* Zawsze byłem podejrzliwy wobec artystów, którzy osiągnęli sukces przed śmiercią. John Murray Fitzgibbon
* Prawdziwy artysta to kamerton, może uderzyć tylko w jedną nutę - własną. Olga Murawiewa
* Prawdziwy ekspert, chcąc zachować swoją reputację, zaraz po śmierci sławnego artysty stara się jak najszybciej opublikować kompletny katalog jego prac, po czym ich ceny zaczynają niekontrolowanie rosnąć. Jeśli któreś z dzieł artysty nie zostanie włączone do tego kapitalnego dokumentu, bardzo trudno będzie później udowodnić nie tylko autentyczność, ale i samo istnienie. Marina Rodna
* Nie należy szczególnie bać się przypisywać artystom z przeszłości ideału, którego nigdy nie mieli. Podziw jest niemożliwy bez domieszki iluzji, a zrozumienie doskonałego dzieła sztuki oznacza generalnie odtworzenie go w swoim wewnętrznym świecie. Te same dzieła w różny sposób odbijają się w duszy kontemplatorów. Każde pokolenie poszukuje nowych emocji w kreacjach dawnych mistrzów. Najbardziej utalentowanym widzem jest ten, który za cenę kilku udanych fałszywych interpretacji odnajduje najczulsze i najsilniejsze uczucie. Dlatego ludzkość z pasją przywiązuje się głównie do takich dzieł sztuki i poezji, które zawierają ciemne miejsca, które pozwalają na różne rozumienie. A. Francja
* Niektórzy stają się krytykami, ponieważ nie potrafią być artystami, tak jak człowiek staje się informatorem, ponieważ nie jest zdolny do bycia żołnierzem. Gustave Flaubert
* Niektórzy artyści malują kwiaty. Rysuję to, co myślą kwiaty. Sylwester Stallone
* Edukacja jest katastrofalna dla każdego, kto ma zadatki na artystę. Edukacja powinna być pozostawiona urzędnikom, a nawet oni mają pokusę do picia. George Moore
* Widzisz, trzy czwarte ludzkości myśli bardziej o tym, co są pokazywane, niż o tym, jak to się robi. Angielski artysta krajobrazu John Sell Cotman
* Dlaczego sztuka nie miałaby być piękna? Świat jest już pełen kłopotów. Francuski malarz impresjonistyczny Pierre Renoir
* Prawda jest zawsze tam, musisz wymyślać tylko kłamstwa. Georges Braque, francuski artysta
* Powołanie można rozpoznać i udowodnić tylko przez poświęcenie, jakie naukowiec lub artysta wnosi dla ich spokoju i dobrego samopoczucia. L.N. Tołstoj
* Spędził nieszczęśliwy poranek porównując się do Raphaela. Benjamin Haydon, angielski malarz, wpis do pamiętnika
* Raphaelowi zlecono namalowanie Watykanu nie dlatego, że był wielkim artystą, ale dlatego, że jego wuj był papieskim architektem. Lord Melbourne, premier Wielkiej Brytanii
* REALIZM - skrupulatne odwzorowanie wszystkich detali przedstawionego obiektu. Podejmowana jest tak, aby każdy widz zrozumiał, co dokładnie artysta chciał przedstawić. Marina Rodna
* Dziś, jak wiesz, jestem sławny i bardzo bogaty. Ale kiedy zostaję sam ze sobą, brakuje mi odwagi, by uważać się za artystę w wielkim, starożytnym znaczeniu tego słowa… Jestem tylko artystą estradowym, który rozumie potrzeby swoich czasów. Pablo Picasso w 1971 r.
* Sytuacja tutaj jest idealna: bankierzy mówią tylko o obrazach, artyści tylko o pieniądzach. Nieznany rzeczoznawca o aukcjach dzieł sztuki
* Tylko źli artyści piszą za dużo. A. Matisse
* Dobry obraz jest jak dobra kuchnia: czujesz smak, ale nie możesz tego wyjaśnić. Francuski artysta i pisarz Maurice de Vlaminck
* Dobry artysta nie musi wymieniać obrazu, zły musi. polskie przysłowie
* Niezależnie od tego, czy artysta tego chce, czy nie, jabłko i tak spadnie na ziemię. Reżyser Andriej Konczałowski
* SZKOŁA SZTUKI - miejsce, w którym młode dziewczyny spędzają czas między studiami a ślubem. Amerykański artysta Thomas Hart Benton
* ARTYSTA - ten, który tworzy rzeczy, których ludzie nie potrzebują. Andy Warhole
* Artysta jest syntezą teoretyka i praktyki. Novalis
* ARTYSTA – zawodowy ekshibicjonista. Vincent van Gogh
* Artysta może czasem nawet ze zdumieniem odkryć – jak to się stało z Miro w pewnej amerykańskiej galerii – że wszystkie prace wystawione tam pod jego nazwiskiem to podróbki. Co gorsza, musiał znieść jeszcze większy szok, kiedy został zaciągnięty na dwór, gdzie musiał udowodnić, że był tym samym Miro. Marina Rodna
* Artysta musi być godny wyższych sfer i trzymać się od niego z daleka. Jan Ruskiń
* Artysta musi narysować swój plan ogniem, ale wykonać go ze spokojem. Johanna Winckelmanna
* Artysta myśli rysunkiem. S. Dali
* Artysta może nawet powiesić swoje obrazy, ale pisarz może powiesić tylko siebie. Eduard Dahlberg (pełne imię i nazwisko John Emerich Eduard Dahlberg-Acton)
* Artysta nigdy nie porzuca sztuki, ale zdarza się, że sztuka porzuca artystę. G. Kozincew
* Artysta jest zobowiązany do próżności, ale ma prawo do skromności. Karl Kraus
* ARTIST - istota kierowana przez demony. William Faulkner
* Każdy może obrazić artystę, ale artysta może obrazić wszystkich na raz! Nieznany
* Artyści to jedyni ludzie na świecie, którzy naprawdę żyją. Reszta może mieć tylko nadzieję, że pójdzie do nieba. Amerykański artysta John French Sloan
* Artyści mają obowiązek pokazać nam, jak dobre jest życie. W przeciwnym razie mielibyśmy wątpliwości. Anatole Francja
* Artyści pop-artu natarczywie przedstawiają wszystko, co wszyscy dobrze znają, stale widzą i tylko chętnie by je zapomnieli. Marina Rodna
* Artyści, tonąc w… potoku wypowiadania się na temat swojej twórczości, zaczynają z kolei wymyślać własne teorie estetyczne. Jednocześnie obserwuje się całkowicie logiczny wzór: im bardziej filozoficzna i zawiła staje się ich mowa, tym bardziej zwyczajne i płaskie dzieła tworzą. Nic dziwnego, że Matisse powiedział, że artysta „musi wyciąć język, aby wyrazić siebie tylko za pomocą pędzla”. Marina Rodna
* Celem każdego artysty jest zatrzymanie przepływu samego życia [na obrazie] środkami artystycznymi i utrwalenie go w taki sposób, aby nawet po stu latach, jeśli ktoś rzuci okiem, akcja znów będzie tam kontynuowana, ponieważ w życiu. William Faulkner
* Człowiek może urodzić się poetą, ale musi stać się artystą. Angielski poeta Siegfried Sasson
* Człowiek objawia się w swoich pracach. W świeckiej komunikacji pokazuje się tak, jak chce się pojawić, a można go poprawnie osądzić tylko po jego małostkowych i nieświadomych działaniach oraz mimowolnie zmieniającej się mimice. Przywłaszczając sobie tę lub inną maskę, człowiek w końcu przyzwyczaja się do niej tak bardzo, że naprawdę staje się tym, kim początkowo chciał wyglądać. Ale w swojej książce lub na zdjęciu jest nagi i bezbronny. Jego pretensje tylko podkreślają jego pustkę... Żadne próby oryginalności nie mogą ukryć przeciętności. Bystry koneser dostrzega nawet w szkicu najskrytsze duchowe głębie artysty, który go stworzył. S. Maughama
* Jaka jest różnica między artystą a amatorem? Tylko ból, który czuję. Amator szuka tylko przyjemności w sztuce. Francuski malarz-symbolista Redon Odilon
* Aby zostać fotografem, potrzeba dużo wyobraźni. Nawet artysta wyobraźni potrzebuje mniej, bo potrafi wymyślać. A w fotografii wszystko jest takie zwyczajne; musisz długo patrzeć, zanim nauczysz się widzieć zwyczajność. David Bailey
* Napiszę, że jesteś bardziej podobny niż jesteś. Max Liebermann, niemiecki artysta
* Przestrzegałem zasad, dopóki ich wszystkich nie znienawidziłem. Amerykańska artystka abstrakcyjna Helen Frankenthaler
* Chodzę do studia codziennie, bo kiedyś spotkam tam anioła. Co jeśli on przyjdzie, a ja nie? Philip Gaston, amerykański artysta urodzony w Kanadzie
* [Michelangelo] Buonarotti pochwalił je [obrazy Tycjana], mówiąc, że bardzo podobał mu się sposób i kolorystyka tego obrazu, ale szkoda, że [artystów] w Wenecji od samego początku nie uczy się dobrze rysować. Giorgio Vasari
* Dzięki Bogu, że zawsze chcę więcej, niż mogę osiągnąć. Michał Anioł Buonarroti
* ULEPSZENIE - poprawa to drobiazg, ale doskonałość to nie drobnostka. Michał Anioł Buonarotti
* Stworzenie może przetrwać twórcę: Stwórca odejdzie, pokonany przez naturę, Jednak odciśnięty przez niego wizerunek rozgrzewa serca na wieki. Michał Anioł Buonarroti
* Nadal się uczę. Michelangelo Buonarotti, ulubione powiedzenie
* Skończyłem kaplicę, którą namalowałem. Tata jest szczęśliwy. Michelangelo Buonarotti w liście do ojca o słynnej Kaplicy Sykstyńskiej w Watykanie
* Żyję w sercach tysięcy dusz
Wszyscy, którzy kochają i dlatego nie jestem prochem,
A śmiertelne zepsucie mnie nie dotknie. Michał Anioł Buonarroti
*Namalowanie dobrego obrazu nie jest łatwiejsze niż znalezienie perły lub diamentu. To trudne i zagrażające życiu. Vincent van Gogh, w liście do brata w 1888 r.
* Pomimo wszystkich wyjaśnień, Twoje obrazy wywołują taki efekt, jakbyś potraktował nas benzyną zamiast wina. Georges Braque, impresje z pierwszych obrazów kubistycznych Pabla Picassa
* Jest starsza niż skały, wśród których siedzi; jak wampir wielokrotnie umierała i zna tajemnice grobów. Walter Pater na Mona Lisa
* Rembrandt namalował około trzystu obrazów, z czego prawie tysiąc znajduje się w Ameryce.
* Tylko Rosjanin, patrząc na piękny obraz, może zakląć z podziwem.
* Dobry obraz wśród krzyczących złych staje się zły; zły wśród dobrych - dobry. Pablo Picasso
* Chciałem naśladować naturę, ale nie mogłem. Ale ucieszyłem się, gdy zdałem sobie sprawę, że chociaż [na zdjęciu] nie da się odtworzyć słońca, to jego blask można oddać kolorem [całego obrazu]. Paweł Cezanne
* Malowanie bez wrodzonego talentu jest tym samym, co rzucanie ziarna w fale. Paolo Veronese
* Przedstawienie przedmiotu oznacza opanowanie go. Malarstwo jest aktem, który daje głębsze poznanie i pełniejsze posiadanie niż seks, z którym może się równać tylko sen lub śmierć. Modigliani
* Rysowanie to tylko zło konieczne, bo proporcje są łatwe do ustalenia. Kolor to cel, początek i koniec malowania. Niemiecki krytyk sztuki Wilhelm Heinse
* Dokładność nie jest jeszcze prawdziwa. Henri Matisse o malowaniu
Artyści ci zachwycają swoim talentem i sposobem, w jaki tworzą swoje hiperrealistyczne obrazy. Aż trudno w to uwierzyć, ale to nie zdjęcia, a prawdziwe obrazy narysowane ołówkiem, farbami, a nawet długopisami. Nie rozumiemy, jak oni to robią?! Po prostu ciesz się ich kreatywnością.
Omar Ortiz jest hiperrealistycznym artystą z Meksyku z tytułem Bachelor of Graphic Design. Głównym tematem jego obrazów są postacie ludzkie, głównie nagie kobiety. Na zdjęciu artystka wyróżnia trzy elementy: postać mężczyzny, udrapowane tkaniny, kolor biały. Cechą twórczości Omara jest minimalistyczny styl, lakonizm w przekazywaniu subtelnych krzywizn i linii ciała, praca olejna.
Paul Cadden to światowej klasy współczesny artysta ze Szkocji. Do swoich prac Paul używa tylko białej kredy i grafitu, za pomocą których może odtworzyć niemal każdą fotografię, zwracając uwagę na niezauważalne drobne szczegóły. Jak przyznaje sam artysta, nie wymyśla nowych detali, a jedynie je podkreśla, tworząc w ten sposób iluzję nowej rzeczywistości, której często nie widać na oryginalnych fotografiach.
Kamalky Laureano- artysta urodził się na Dominikanie w 1983 roku, obecnie mieszka i pracuje w Mexico City. Kamalki ukończył Szkołę Projektowania i Sztuki, specjalizując się w tworzeniu hiperrealistycznych portretów. Sceny są trudne do odróżnienia od prawdziwych zdjęć, choć malowane są akrylem na płótnie. Dla autora jego dzieła - nie tylko imitacja fotografii, ale całe życie ucieleśnione na płótnie.
Grzegorz Thielker- Urodzony w New Jersey w 1979 roku, studiował historię sztuki i malarstwo na Uniwersytecie Waszyngtońskim. Przeprowadzka do Bostonu stała się punktem wyjścia dla jego pracy nad hiperrealistycznymi pejzażami miejskimi, które uczyniły go sławnym na całym świecie. Obrazy Tilkera to podróż samochodem w zimny deszczowy dzień. Zainspirowany twórczością artystów z lat 70. autor tworzy swoje realistyczne obrazy za pomocą akwareli i farb olejnych.
Lee Price- artysta z Nowego Jorku, absolwent uniwersytetu z dyplomem z malarstwa, zajmuje się malarstwem figuratywnym. Głównym wątkiem pracy Lee jest trudny stosunek kobiet do jedzenia. Widz jakby z zewnątrz obserwuje kobiety, które potajemnie jedzą coś smacznego, ale szkodliwego. Sama artystka mówi, że w swoich pracach stara się pokazać, że kobiety nadają jedzeniu cechy, które nie są w nim tkwiące, szukają ukojenia w niewłaściwym źródle. Zdjęcia oddają absurdalność sytuacji, próbę ucieczki od rzeczywistości, złagodzenia dyskomfortu.
Ben Weiner ur. 10 listopada 1980 w Burlington w stanie Vermont, absolwentka Uniwersytetu Sztuk Pięknych, maluje olejami na płótnie. Osobliwością twórczości artysty jest niezwykła fabuła. Ben maluje! Najpierw artysta nakłada farby na powierzchnię roboczą, fotografuje je, a następnie z gotowego zdjęcia maluje obraz na płótnie.
Urodzony w 1950 roku w północnej Kalifornii, znany jest z realistycznych obrazów akrylowych na płótnie. Jako dziecko autor podzielał zamiłowanie do rysowania z sukcesami w sporcie, ale kontuzja pleców zdeterminowała główne zajęcie Raya. Jak przyznał artysta, rysunek odwracał jego uwagę od ciągłego bólu pleców. Już w młodości mistrz otrzymał szerokie uznanie i wiele nagród na konkursach plastycznych.
Alyssa mnisi mieszka i tworzy swoje obrazy na Brooklynie, stała się powszechnie znana ze swoich realistycznych "mokrych" obrazów. Artysta wykorzystuje filtry takie jak woda, szkło czy para do tworzenia abstrakcyjnych projektów. W swoich pracach Alyssa często wykorzystuje zdjęcia z osobistych archiwów jej rodziny i przyjaciół. Twarze i postacie kobiet na obrazach są do siebie podobne - artystka często rysuje autoportrety, twierdząc, że "łatwiej" jest jej stworzyć niezbędną fabułę.
Pedro Campos- hiperrealista z Madrytu, zaczął malować olejami dopiero w wieku 30 lat. Artysta tworzy swoje realistyczne martwe natury za pomocą farby olejnej. Campos pracował jako projektant wnętrz, ilustrator, konserwator dzieł sztuki mebli, rzeźb i obrazów. Artysta uważa, że to właśnie jego praca jako konserwatora pomogła mu doskonalić swoje umiejętności.
Dirk Dzimirski- artysta z Niemiec, urodzony w 1969, odebrał wykształcenie artystyczne, pracuje w technice ołówka. Artysta czerpie obrazy z fotografii, nie wchodząc w najdrobniejsze szczegóły, dużo improwizuje. Dirk mówi, że pracując nad obrazem reprezentuje żywego modela, więc wykorzystuje zdjęcie tylko do dokładnego przeniesienia z góry ustalonych proporcji. Za swoje główne zadanie autor uważa stworzenie poczucia obecności podmiotu na obrazie.
Tomasz Arvid- Amerykański hiperrealistyczny artysta z Nowego Orleanu, urodzony i wychowany w Detroit, bez formalnego wykształcenia, mistrz tzw. „przewymiarowanej” martwej natury. Jego cykl realistycznych obrazów „Piwnica z winem” to korki, butelki, szklanki z napojami musującymi lub ciemnoczerwonymi. Autorytatywni krytycy i publikacje odnotowali ponad 70 prac artysty. Obrazy mistrza zdobią nie tylko ściany winiarni i prestiżowych salonów winiarskich, ale także prywatne kolekcje i galerie.
Robin Eley Urodził się w Wielkiej Brytanii, dorastał i nadal mieszka i pracuje w Australii, posiada tytuł Bachelor of Fine Arts i otrzymał Narodową Nagrodę za Portret Douga Morana. Tworzy hiperrealistyczne obrazy olejne, a za głównego „konia” uważa akcję „ludzie i celofan”. Mistrz pracuje nad jednym obrazem przez około 5 tygodni, 90 godzin tygodniowo, prawie każdy obraz przedstawia ludzi owiniętych w celofan.
Samuel Silva- Portugalski artysta-amator bez specjalnego wykształcenia, który swoim własnym przykładem udowadnia, że można stworzyć arcydzieło ze wszystkiego. Tworząc obrazy, artysta posługuje się paletą ośmiu kolorów długopisów firmy Bic. Silva jest z zawodu prawnikiem, a swoją pasję do rysowania uważa za hobby. Dziś światowej sławy artysta samouk opanowuje nowe techniki malarskie za pomocą farb, kredy, kredek, pasteli itp.
Gottfried Helnwein- austriacki artysta, autor hiperrealistycznych obrazów o tematyce społecznej, politycznej i historycznej, „mistrz nieoczekiwanego uznania”, jak nazwał go pisarz W. Burroughs. Autor kształcił się w wiedeńskiej Akademii Sztuk Pięknych, należy do artystów o wysokim poziomie zawodowym. Nieco kontrowersyjne tematy, surrealistyczne kompozycje przyniosły mu sławę. Często mistrz przedstawiał postacie z komiksów na swoich obrazach i przyznaje, że „uczył się więcej od Kaczora Donalda niż we wszystkich szkołach, w których studiował”.
Franco Clun jest włoskim artystą samoukiem, który od wszelkich innych technik artystycznych przedkłada rysowanie grafitem. Jego czarno-białe realistyczne obrazy są wynikiem niezależnych studiów Franco nad różnorodną literaturą dotyczącą technik rysunkowych.
Kelvin Okafor to hiperrealistyczny artysta, urodzony w 1985 roku, mieszka i pracuje w Londynie. Kelvin ukończył wydział sztuk pięknych na Uniwersytecie Middlesex. Autor tworzy swoje obrazy prostym ołówkiem, głównym tematem jego twórczości są portrety celebrytów.
Amy Robins jest brytyjską artystką, która do swoich hiperrealistycznych prac używa kolorowych ołówków i grubego papieru. Artysta posiada tytuł Bachelor of Fine Arts w dziedzinie sztuki i projektowania, mieszka i pracuje w Bristolu. Niewiele wiadomo o młodej autorce, ale jej prace stały się już sławne na całym świecie, uderzając realizmem i techniką.
Robert Longo- Amerykański malarz i rzeźbiarz, urodzony na Brooklynie w 1953 roku, odznaczony legendarnym Goslar Kaiser Ring. Swoje trójwymiarowe obrazy wybuchów jądrowych, tornad, huraganów i rekinów artysta rysuje na papierze węglem drzewnym. Longo jest często określany jako „malarz śmierci”. Słynny obraz Bez tytułu (Wyspa Czaszki) przedstawiający falę został sprzedany w Christie's w Londynie za 392 000 dolarów.
Diego Fazio- artysta samouk, urodzony w 1989 roku we Włoszech, nie posiada wykształcenia artystycznego, zaczął od opracowywania szkiców do tatuaży, ostatecznie rozwinął własną technikę rysunkową. Młody artysta był uczestnikiem wielu międzynarodowych konkursów, gdzie zdobywał nagrody, był reprezentowany na wystawach na całym świecie. Artysta pracuje pod pseudonimem DiegoKoi.
Bryan Drury urodzony w 1980 roku w Salt Lake City, posiada dyplom nowojorskiej Akademii Sztuki, tworzy obrazy z gatunku realizmu. Artysta maluje swoje obrazy farbami olejnymi. Jak przyznaje autor, w swoich pracach stara się skupić na organicznych właściwościach skóry, jej wadach.
Steve Mills to amerykański artysta, który swój pierwszy obraz sprzedał w wieku 11 lat. Artysta tworzy swoje obrazy farbami olejnymi, skupiając się na najdrobniejszych szczegółach codzienności, których często nie zauważamy w wiecznym pośpiechu. Artysta zauważa, że przedstawia przedmioty takimi, jakimi są w prawdziwym życiu, bez zmieniania i wyolbrzymiania ich pierwotnej formy.
Paweł Lung urodzony w Hongkongu, rysuje ołówkiem automatycznym na kartkach A2. Cechą techniki tworzenia obrazów jest fundamentalna odmowa użycia gumki, wszystkie prace są rysowane czysto. Głównymi „muzami” artysty są koty, choć rysuje też ludzi i inne zwierzęta. Na każdą pracę autorowi zajmuje co najmniej 40 godzin.
Roberto Bernardi urodzony we Włoszech, hiperrealizmem zainteresował się w wieku 19 lat, pracował jako konserwator w kościele San Francesco. Używa farb olejnych do tworzenia obrazów. Światową sławę artystce przyniosła seria prac przedstawiających przedmioty charakterystyczne dla społeczeństwa konsumpcyjnego. Obrazy ze słodyczami, automaty, półki lodówek to wizytówka artysty, choć w jego arsenale są pejzaże, martwe natury i wiele więcej.
Juan Francisco Casas- Hiszpański artysta, który tworzy swoje obrazy zwykłym długopisem Bic. Casas był artystą tradycyjnym, który postanowił udowodnić innym, że nie liczy się materiał do pracy, ale sposób i technika rysowania. Pierwsza wystawa kreatywnego Hiszpana przyniosła mu światową sławę. Większość obrazów Casasa przedstawia jego przyjaciół.
Teresa Elliotta to amerykański artysta, który przez 26 lat z powodzeniem pracował jako ilustrator, zanim stworzył realistyczne obrazy olejne. Teresa ma tytuł licencjata sztuk pięknych, po powrocie do sztuki klasycznej zasłynęła na całym świecie dzięki swoim portretom, wiernym w najmniejszym szczególe.
Chłopaki, wkładamy naszą duszę w stronę. Dziękuję za to
za odkrycie tego piękna. Dzięki za inspirację i gęsią skórkę.
Dołącz do nas na Facebook oraz W kontakcie z
Sztuka wysoka to dla wielu sprawa złożona i niezrozumiała. Malarstwo renesansowe ze swoim idealnym wizerunkiem przyciąga wielu wielbicieli, ale nie każdemu łatwo jest uwierzyć, że dzieła Picassa i Kandinsky'ego mogą naprawdę kosztować bajeczne pieniądze. Inną tajemnicą jest obfitość nagich ludzi na obrazie, a także paradoks, że dobre obrazy nie muszą być piękne.
stronie internetowej Odpowiedzi na kilka ciekawych pytań dotyczących malarstwa poznałem, przyglądając się pracom krytyków sztuki i kulturologów.
1. Czy malowanie jest naprawdę takie drogie?
Od czasu do czasu słyszymy o szalonych sumach, które wyłożyłem na ten lub inny obraz. Ale w rzeczywistości takie pieniądze to mnóstwo bardzo niewielu prac. Większość artystów nigdy nie widziała ogromnych sum pieniędzy. Historyk sztuki Jonathan Binstock uważa, że na świecie jest tylko około 40 autorów, których obrazy są wyceniane na sumę z wieloma zerami.
Marki rządzą sztuką
Oto chyba najbardziej uderzający przykład. Prawdopodobnie słyszałeś o artyście graffiti Banksym. Ostra orientacja społeczna prac i biografii, okryta aureolą tajemniczości, spełniła swoje zadanie. Banksy jest dziś artystą, którego prace wyceniane są na wielocyfrowe kwoty. Jego obraz „Dziewczyna z balonem” został sprzedany za 1,042 mln funtów, a cały świat zaczął mówić o przedstawieniu, aby go zniszczyć natychmiast po sprzedaży.
Banksy to marka i marki dobrze się sprzedają. W ten sposób, Koszt obrazu w dużej mierze zależy od sławy jego autora.
Udana sprzedaż jednego obrazu jest kluczem do sukcesu innych
Artysta może przez długi czas mieć pecha, wegetować w biedzie i zapomnieniu, niezdolny do opłacalnej sprzedaży swojej pracy. Ale gdy tylko uda mu się sprzedać jeden ze swoich obrazów za duże pieniądze, można być pewnym, że cena innych jego prac poszybuje w górę.
Rzadkość, rzadkość, wyjątkowość
Holenderski artysta Jan Vermeer nazywany jest dziś bezcennym. Niewiele obrazów należy do jego pędzla - tylko 36. Artysta pisał dość powoli. Zagubiony w 1990 roku obraz Holendra „Koncert” jest obecnie szacowany na około 200 milionów dolarów. Rzadkość i niedobór płótna wpływają na to, że ich ceny są po prostu niebotyczne.
Legendarny Van Gogh to super marka. Malowideł artysty jest niewiele i jest oczywiste, że on już nic nie zrobi. Jego praca jest wyjątkowa.
10 lat temu Suprematystyczna kompozycja Malewicza została sprzedana za 60 milionów dolarów, a być może gdyby nie kryzys, za 100 milionów. Obrazy Malewicza w zbiorach prywatnych bez wyjątku, a kiedy kolejny raz coś tej klasy pojawi się na rynku, nie wiadomo. Może za 10 lat, może za 100.
Ogólnie rzecz biorąc, jest to oczywiste: kupujący są gotowi zapłacić bajeczne pieniądze na niezwykle rzadkie przedmioty.
Innowacje są drogie
Jedna z prac Richarda Prince'a w kierunku „zapożyczenia artystycznego”.
Malarstwo przejmuje funkcję punktu orientacyjnego
Dziś rośnie poziom turystyki kulturowej, a funkcję pełni malarstwo Atrakcja. Turyści godzinami ustawiają się w kolejkach do słynnych muzeów. A żeby zadeklarować się i zdobyć światową sławę, galeria z pewnością musi posiadać oryginały znanych i lubianych malarzy.
Sztucznie tworzone ośrodki turystyki kulturowej rozwijają się również m.in. na Bliskim Wschodzie iw Chinach. Ostatnio rodzina królewska Katar zawarła transakcję prywatną na $ 250 milionów- wszystko po to, żeby kraj miał zdjęcie Cezanne „Gracze w karty”.
Kiedy jest wszystko, sztuka zaczyna ciągnąć
W 2017 roku miliarder Dmitry Rybolovlev sprzedał ten obraz Leonardo da Vinci za 450 milionów dolarów, teraz jest to najdroższa transakcja w świecie malarstwa.
Kiedy masz 4 domy i samolot G5, co jeszcze możesz zrobić? Pozostaje tylko zainwestować w malowanie, bo tak jest jedna z najsilniejszych walut».
Obraz Georgesa Seurata „Kanał w Gravelines, Wielki Fort Philippe”.
Fragment fresku Michała Anioła „Stworzenie Adama”.
Nawet starożytni Grecy wierzyli, że nagie ciało jest niesamowicie piękne.
W sztuce najczęściej nagość - to jest symbol. Symbol nowego życia, szczerości, bezradności żywej istoty, a także życia i śmierci.
Poza tym nic nie powoduje tak silne emocje widz, jak nagość. Może to być zainteresowanie, zakłopotanie, wstyd lub podziw.
4. Dlaczego wszystko jest takie płaskie i generalnie nierealistyczne?
Obraz czeskiego artysty Bohumila Kubishty „Hipnotysta”.
Być może jedno z najczęstszych oskarżeń przeciwko współczesnym mistrzom brzmi tak: artyści zapomnieli, jak zdawać się oddawać rzeczywistość. Stąd błędne przekonanie, że przedmioty wyglądają płasko.
Ale spójrzmy na przykład na płótna kubiści. Przełamują perspektywę, ale jednocześnie przedstawiają przedmioty pod różnymi kątami i nawet w różnym czasie. Dlatego nie można powiedzieć, że obraz na płótnie jest dwuwymiarowy.
Nie trzeba już rysować „wygląda jak” - zdjęcie może to zrobić. Dlatego należy szukać odpowiedzi na pytanie, dlaczego artysta na tym lub innym obrazie przedstawił rzeczywistość jako płaską, konieczne jest w samym pomysł autora. Usuwając niektóre szczegóły obrazu, artysta skupia się na innych. Upraszczając obraz, nadaje mu wyrazistości.Artyści malarstwa naiwnego nie mieli wykształcenia akademickiego. Pirosmani i Rousseau byli tylko samoukami, ale ich obrazy przyciągały tych, którzy już wszystko widzieli i których znudziło tradycyjne malarstwo. Takie obrazy były jak powiew życiodajnej prostoty.
Ale profesjonalny artyści awangardowi XIX–XX wieku mieli za sobą wykształcenie artystyczne i mocne podstawy. Oni są mógłby pisać w dowolny sposób ale w pewnym momencie postanowiłem zrobić to w ten sposób naśladując prymitywistów. Jak mówią, było to zamierzone, ponieważ jest to zupełnie nowy (a zatem interesujący dla tych, którzy są zmęczeni starym) sposób wpływania na widza.
Artyści zrobiliby świetną robotę z obrazem utrzymanym w duchu akademickiego klasycyzmu, dlatego było to dla nich nudne. Młody Picasso malował wzruszające i dość realistyczne portrety. Ale dojrzały artysta wybrał dla siebie drogę, która szokuje, pobudza oko, co pomaga zademonstrować chłodną kolorystykę i wyczucie formy.
Opinia: powiedzieć, że obrazy muszą być na pewno piękne, to to samo, co powiedzieć, że prawdziwe kino to tylko komedia romantyczna lub melodramat ze szczęśliwym zakończeniem. I dramaty psychologiczne, filmy akcji, thrillery - to wcale nie jest film. Zgadzam się, jest w tym logika.
Sztuka (w tym malarstwo) musi mówić językiem swoich czasów. Aby cieszyć się dowolnym obrazem, nawet realistycznym, musisz wiedzieć, co jest na nim przedstawione. Na wystawach najczęściej czytamy podpisy pod płótnami, a nawet korzystamy z audioprzewodnika.
Jaki obraz jest Ci bliski?
Wielcy artyści nie tylko znakomicie podpisywali swoje obrazy, ale także malowali na swoich dziełach ukryte autoportrety. Niektórzy byli tak wyrafinowani, że przedstawiali się w karafce wina, inni po prostu malowali się w tłumie, a jeden z nich malował się nawet w kobiecej postaci.
Bachus – Michelangelo Merisi da Caravaggio
Obraz „Bachus”, napisany w 1595 roku przez Michała Anioła Merisi da Caravaggio, przedstawia starożytnego boga wina, natchnienia i religijnej ekstazy. Młody chłopak z liśćmi i winogronami we włosach leniwie podaje widzowi płytką lampkę wina, jakby zapraszając go do siebie. Caravaggio, tworząc ten obraz, chciał odejść od wyidealizowanego wizerunku starożytnego boga - aby opuścić Bachusa na ziemię, artysta przedstawił brud pod paznokciami, a także postawił obok niego talerz z gnijącymi owocami.
Ale wieczny motyw ziemskiego i boskiego to nie jedyna rzecz, która czyni ten obraz tak niezwykłym. Po oczyszczeniu płótna za pomocą reflektografii znaleziono autoportret Caravaggia w odbiciu na szybie karafki, w lewym dolnym rogu. Artysta przedstawił siebie pracującego przy sztalugach. Również po usunięciu warstw kurzu można było zobaczyć odbicie twarzy Bachusa na powierzchni wina w misce.
Adoracja Trzech Króli – Sandro Botticelli
Obraz „Adoracja Trzech Króli” Sandro Botticellego został napisany około 1475 roku na polecenie florenckiego bankiera Gaspare di Zanobe del Lama, członka cechu sztuk i rzemiosła we Florencji. Stworzenie Botticellego przeznaczone było dla kaplicy pogrzebowej w bazylice Santa Maria Novella.
Dla wielu historyków sztuki obraz ten wyróżnia się tym, że można na nim znaleźć wizerunek wielu postaci historycznych. Na przykład artysta przedstawił swojego klienta po prawej stronie w niebieskiej szacie, wskazującego na siebie i patrzącego wprost na widza. Najstarszym z Trzech Króli, którzy uklękli przed dzieckiem, jest Cosimo de' Medici, założyciel dynastii władców Florencji i dziadek Wawrzyńca Wspaniałego. W samym środku, tyłem do widza, stoi mężczyzna w czerwonym ubraniu, Pietro Medici, syn Cosimo i ojciec Lorenza. Sam Lorenzo Wspaniały jest, według historyków sztuki, przedstawiony z profilu w czarno-czerwonej szacie. Po lewej stronie, na pierwszym planie, z rękami skrzyżowanymi na rękojeści miecza, stoi Giuliano Medici, brat i kochanek Lorenza, dziewczyna, która pozowała Botticellemu podczas tworzenia obrazu „Narodziny Wenus”. I wreszcie, młody człowiek po prawej, który patrzy ci prosto w oczy, jest autoportretem samego Botticellego.
Obraz można zobaczyć we Florencji, w Galerii Uffizi.
Ogród rozkoszy ziemskich – Hieronymus Bosch
Ogród rozkoszy ziemskich to tryptyk namalowany przez groteskowego mistrza Hieronima Boscha (prawdziwe nazwisko Jeroen Antonison van Aken). Niektórzy uważają artystę za surrealistę XV wieku, inni są pewni, że Bosch byłzwolennik herezji katarówi inne - że obrazy malarza odzwierciedlają średniowieczne "dyscypliny ezoteryczne": astrologię, czarną magię i alchemię. Każde płótno przesycone jest ogromną liczbą symboli, które naszym współczesnym trudno policzyć.
Lewe skrzydło tryptyku przedstawia Boga przedstawiającego Ewę Adamowi w pogodnym Raju. W środku tryptyku znajdują się sceny z Ogrodu Rozkoszy, w których ludzie i fantastyczne zwierzęta oddają się doczesnym przyjemnościom. Otóż po prawej stronie obrazu są skomplikowane maszyny tortur, potwory i on sam, artysta o ciele wyglądającym jak skorupa, który złośliwie uśmiecha się na całe to piekło.
Obraz jest przechowywany w Muzeum Prado w Madrycie.
Sąd Ostateczny Michała Anioła
Sąd Ostateczny Michała Anioła jest przedstawiony na ścianie ołtarza Kaplicy Sykstyńskiej w Watykanie. Artysta pracował nad freskiem, którego głównym tematem było powtórne przyjście Chrystusa i apokalipsa, przez cztery lata, od 1537 do 1541 roku. Krytycy sztuki uważają, że dzieło to zakończyło renesans i otworzyło nowy okres rozczarowań filozofią antropocentrycznego humanizmu.
U stóp Chrystusa Michał Anioł postawił Bartłomieja, którego można rozpoznać po nożu w jego dłoni. Trzyma obdartą skórę, na której według historyków sztuki artysta namalował swój autoportret. Niektórzy są pewni, że Bartłomiej jest bardzo podobny do Pietro Aretino, wroga Michała Anioła, który go obraził. Tak więc artysta widział swoje odkupienie. Inni uważają, że Michał Anioł przedstawił się na obdartej skórze jako znak, że nie chciał dokończyć fresku i wykonał to polecenie Papieża pod specjalnym przymusem.
Fresk można zobaczyć w Kaplicy Sykstyńskiej w Muzeum Watykańskim.
„Mona Lisa” Leonarda da Vinci
Stworzona przez Leonarda da Vinci „Mona Lisa” jest prawdopodobnie najczęściej komentowanym malarstwem na całym świecie. Teraz wisi pod nieprzeniknionym szkłem w Luwrze i niegdyś zdobił łazienkę Napoleona. W tej kreacji da Vinci kryje się tajemnica, której historycy sztuki w żaden sposób nie mogą rozwikłać: niektórzy sugerują, że uśmiech Giocondy to uśmiech ciężarnej kobiety, która złapała ruch płodu, inni, że jest to uśmiech jej ukochanej Leonardo Giacomo Salai, psychiatrzy widzą schizofrenię w wyrazie twarzy Mony Lisy, a dentyści są pewni, że to uśmiech bezzębnej kobiety.
Inna hipoteza jest taka, że przedstawiona dziewczyna z uśmieszkiem— Sam Leonardo da Vinci. Komputerowe porównanie cech anatomicznych twarzy artystki i modelki wykazało, że idealnie do siebie pasują.Możesz się o tym przekonać porównując autoportret Mona Lisy i da Vinci, który artysta wykonał czerwonym ołówkiem.
Obraz znajduje się w Luwrze w Paryżu.
„Szkoła Ateńska” Raphael Santi
Rafael Santi, tworząc fresk „Szkoła Ateńska”, który po prostu nie przedstawił na nim: wspomnianego Leonarda da Vinci na obraz Platona i Michała Anioła na obraz Heraklita, Sokratesa i Aleksandra Wielkiego. Santi nie zapomniał zbliżyć się do malarza Sodomy, który przed nim rozpoczął pracę nad freskiem. Na zdjęciu ponad 50 osób.
Główną ideą fresku „Szkoła Ateńska” jest możliwość harmonijnej harmonii pomiędzy różnymi dziedzinami filozofii i nauki. Nawiasem mówiąc, ta koncepcja jest jedną z najważniejszych idei humanistów. Raphael Santi, pod podziemiami Pałacu Watykańskiego, przedstawiał zasadniczo idealną społeczność myślicieli epoki klasycznej. W centrum kompozycji znajdują się Arystoteles i Platon, którzy uosabiają starożytną mądrość i reprezentują dwie szkoły filozoficzne.
Fresk znajduje się w Pałacu Watykańskim.
„Portret Arnolfinis” Jana van Eyck
„Portret Arnolfinis” Jana van Eycka to kolejny trudny do interpretacji renesansowy obraz - spory o to, kto jest na nim przedstawiony, trwają do dziś. Najpopularniejsza wersja jest taka, że artysta namalował na płótnie kupca Giovanniego di Nicolao Arnolfini i jego żonę, prawdopodobnie w ich domu w Brugii.
Ale przede wszystkim w tej pracy nie interesują nas postacie pierwszego planu, ale to, kto przedstawiony jest w lustrze na ścianie, które znajduje się na centralnej osi kompozycji, tuż nad rękami postaci. Jeśli przyjrzysz się uważnie, zobaczysz postacie z tyłu w czerwono-niebieskich garniturach. Sądząc po sylwetkach ich ubrań, są mężczyzną i kobietą. Niestety rysy ich twarzy są niemożliwe do rozpoznania. Większość krytyków sztuki jest przekonana, że napis nad lustrem, który brzmi: „Tu był Jan van Eyck”, wprost wskazuje, że jednym ze stojących na progu pokoju jest sam artysta.
Obraz jest wLondyńska Galeria Narodowa.