Jazz - una forma di arte musicale nata tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo negli Stati Uniti, a New Orleans, come risultato della sintesi di culture africane ed europee e successivamente diffusa. Le origini del jazz furono il blues e altra musica folk afroamericana. I tratti caratteristici del linguaggio musicale del jazz inizialmente divennero improvvisazione, poliritmia basata su ritmi sincopati e un insieme unico di tecniche per eseguire texture ritmiche: lo swing. L'ulteriore sviluppo del jazz è avvenuto grazie allo sviluppo di nuovi modelli ritmici e armonici da parte di musicisti e compositori jazz. I sub-jazze jazz sono: jazz d'avanguardia, bebop, jazz classico, cool, jazz modale, swing, smooth jazz, soul jazz, free jazz, fusion, hard bop e molti altri.
Storia dello sviluppo del jazz
Wilex College Jazz Band, Texas
Il jazz è nato come combinazione di diverse culture musicali e tradizioni nazionali. Originariamente proveniva dall'Africa. Qualsiasi musica africana è caratterizzata da un ritmo molto complesso, la musica è sempre accompagnata da danze, che sono calpestii veloci e applausi. Su questa base, alla fine del XIX secolo, emerse un altro genere musicale: il ragtime. Successivamente, i ritmi del ragtime, combinati con elementi del blues, hanno dato origine a una nuova direzione musicale: il jazz.
Il blues nasce alla fine del XIX secolo come fusione di ritmi africani e armonie europee, ma le sue origini vanno ricercate nel momento in cui gli schiavi furono portati dall'Africa nel Nuovo Mondo. Gli schiavi portati non provenivano dallo stesso clan e di solito non si capivano nemmeno. La necessità di consolidamento ha portato all'unificazione di molte culture e, di conseguenza, alla creazione di un'unica cultura (compresa la musica) degli afroamericani. I processi di mescolanza della cultura musicale africana, ed europea (che subirono anche gravi mutamenti nel Nuovo Mondo) ebbero luogo a partire dal Settecento e portarono nell'Ottocento alla nascita del "proto-jazz", e poi del jazz nel genere senso accettato. La culla del jazz è stata il sud americano, e in particolare New Orleans.
Pegno dell'eterna giovinezza del jazz - improvvisazione
La particolarità dello stile è l'esclusiva performance individuale del virtuoso del jazz. La chiave dell'eterna giovinezza del jazz è l'improvvisazione. Dopo l'emergere di un brillante interprete che ha vissuto tutta la sua vita al ritmo del jazz e rimane ancora una leggenda - Louis Armstrong, l'arte della performance jazz ha visto nuovi orizzonti insoliti per se stessa: l'esibizione solista vocale o strumentale diventa il centro dell'intera performance , cambiando completamente l'idea di jazz. Il jazz non è solo un certo tipo di performance musicale, ma anche un'era allegra unica.
new orleans jazz
Il termine New Orleans è comunemente usato per descrivere lo stile dei musicisti che suonavano jazz a New Orleans tra il 1900 e il 1917, così come i musicisti di New Orleans che suonavano a Chicago e registravano dischi dal 1917 circa fino agli anni '20. Questo periodo della storia del jazz è anche conosciuto come l'età del jazz. E il termine è anche usato per descrivere la musica suonata in diversi periodi storici dai revivalisti di New Orleans che cercavano di suonare jazz nello stesso stile dei musicisti della scuola di New Orleans.
Il folklore afroamericano e il jazz si sono separati dall'apertura di Storyville, il quartiere a luci rosse di New Orleans famoso per i suoi luoghi di intrattenimento. Coloro che volevano divertirsi e divertirsi qui stavano aspettando molte opportunità seducenti che offrivano piste da ballo, cabaret, spettacoli di varietà, circo, bar e ristoranti. E ovunque in queste istituzioni la musica suonava e i musicisti che padroneggiavano la nuova musica sincopata potevano trovare lavoro. A poco a poco, con la crescita del numero di musicisti che lavorano professionalmente negli stabilimenti di intrattenimento di Storyville, il numero di bande di ottoni in marcia e di strada è diminuito e al loro posto sono nati i cosiddetti ensemble di Storyville, la cui manifestazione musicale diventa più individuale , rispetto al suono delle bande di ottoni. Queste composizioni, spesso chiamate "orchestre combinate", divennero i fondatori dello stile del jazz classico di New Orleans. Tra il 1910 e il 1917, i locali notturni di Storyville divennero l'ambiente ideale per il jazz.
Tra il 1910 e il 1917, i locali notturni di Storyville divennero l'ambiente ideale per il jazz.
Lo sviluppo del jazz negli Stati Uniti nel primo quarto del XX secolo
Dopo la chiusura di Storyville, il jazz iniziò a trasformarsi da genere folk regionale in una direzione musicale nazionale, diffondendosi nelle province settentrionali e nord-orientali degli Stati Uniti. Ma, naturalmente, solo la chiusura di un quartiere dell'intrattenimento non ha potuto contribuire alla sua ampia distribuzione. Insieme a New Orleans, St. Louis, Kansas City e Memphis hanno giocato un ruolo importante nello sviluppo del jazz fin dall'inizio. Ragtime nasce a Memphis nel XIX secolo, da dove si diffonde poi in tutto il continente nordamericano nel periodo 1890-1903.
D'altra parte, le esibizioni di menestrelli, con il loro eterogeneo mosaico di folklore afroamericano di ogni genere, dal jig al ragtime, si sono rapidamente diffuse ovunque e hanno posto le basi per l'avvento del jazz. Molte future celebrità del jazz hanno iniziato il loro viaggio nello spettacolo dei menestrelli. Molto prima della chiusura di Storyville, i musicisti di New Orleans erano in tournée con le cosiddette compagnie di "vaudeville". Jelly Roll Morton del 1904 andava regolarmente in tournée in Alabama, Florida, Texas. Dal 1914 aveva un contratto per esibirsi a Chicago. Nel 1915 si trasferì a Chicago e alla White Dixieland Orchestra di Tom Brown. I principali tour di vaudeville a Chicago sono stati realizzati anche dalla famosa Creole Band, guidata dal cornettista di New Orleans Freddie Keppard. Dopo essersi separati un tempo dall'Olympia Band, gli artisti di Freddie Keppard già nel 1914 si esibirono con successo nel miglior teatro di Chicago e ricevettero un'offerta per registrare il suono delle loro esibizioni anche prima della Original Dixieland Jazz Band, che, tuttavia, Freddie Keppard rifiutato miope. Ampliò notevolmente il territorio coperto dall'influenza del jazz, le orchestre che suonavano sui piroscafi da diporto che risalivano il Mississippi.
Dalla fine del XIX secolo, i viaggi fluviali da New Orleans a St. Paul sono diventati popolari, prima per il fine settimana e poi per l'intera settimana. Dal 1900, le orchestre di New Orleans si esibiscono su questi battelli fluviali, la cui musica è diventata l'intrattenimento più attraente per i passeggeri durante i tour fluviali. In una di queste orchestre iniziò Suger Johnny, la futura moglie di Louis Armstrong, il primo pianista jazz Lil Hardin. La band fluviale di un altro pianista, Faiths Marable, comprendeva molte future star del jazz di New Orleans.
I battelli a vapore che viaggiavano lungo il fiume si fermavano spesso nelle stazioni di passaggio, dove le orchestre organizzavano concerti per il pubblico locale. Sono stati questi concerti a diventare debutti creativi per Bix Beiderbeck, Jess Stacy e molti altri. Un altro famoso percorso correva lungo il Missouri fino a Kansas City. In questa città, dove, grazie alle forti radici del folklore afroamericano, il blues si sviluppò e finalmente prese forma, il virtuosismo dei jazzisti di New Orleans trovò un ambiente eccezionalmente fertile. All'inizio degli anni '20, Chicago divenne il centro principale per lo sviluppo della musica jazz, in cui, grazie agli sforzi di molti musicisti provenienti da diverse parti degli Stati Uniti, fu creato uno stile che fu soprannominato Chicago jazz.
Grandi band
La forma classica e consolidata delle big band è nota nel jazz sin dai primi anni '20. Questa forma ha mantenuto la sua rilevanza fino alla fine degli anni '40. I musicisti che entravano nella maggior parte delle big band, di regola, quasi adolescenti, suonavano parti ben definite, apprese durante le prove o dagli appunti. Attente orchestrazioni, insieme a massicce sezioni di ottoni e fiati, hanno prodotto ricche armonie jazz e prodotto il suono sensazionalmente forte che divenne noto come "il suono della big band".
La big band divenne la musica popolare del suo tempo, raggiungendo il suo apice a metà degli anni '30. Questa musica è diventata la fonte della mania della danza swing. I leader dei famosi gruppi jazz Duke Ellington, Benny Goodman, Count Basie, Artie Shaw, Chick Webb, Glenn Miller, Tommy Dorsey, Jimmy Lunsford, Charlie Barnet hanno composto o arrangiato e registrato su dischi una vera hit parade di brani che suonavano non solo alla radio ma anche ovunque nelle sale da ballo. Molte big band hanno mostrato i loro improvvisatori solisti, che hanno portato il pubblico in uno stato vicino all'isteria durante le ben pubblicizzate "battaglie delle orchestre".
Molte grandi band hanno dimostrato i loro improvvisatori solisti, che hanno portato il pubblico in uno stato vicino all'isteria.
Sebbene le big band abbiano perso popolarità dopo la seconda guerra mondiale, le orchestre guidate da Basie, Ellington, Woody Herman, Stan Kenton, Harry James e molti altri hanno fatto tournée e registrato frequentemente nei decenni successivi. La loro musica è stata gradualmente trasformata sotto l'influenza delle nuove tendenze. Gruppi come ensemble guidati da Boyd Ryburn, Sun Ra, Oliver Nelson, Charles Mingus, Thad Jones-Mal Lewis hanno esplorato nuovi concetti di armonia, strumentazione e libertà di improvvisazione. Oggi, le big band sono lo standard nell'educazione jazz. Orchestre di repertorio come la Lincoln Center Jazz Orchestra, la Carnegie Hall Jazz Orchestra, la Smithsonian Jazz Masterpiece Orchestra e il Chicago Jazz Ensemble suonano regolarmente arrangiamenti originali di composizioni di big band.
jazz del nord-est
Sebbene la storia del jazz sia iniziata a New Orleans con l'avvento del XX secolo, questa musica ha conosciuto una vera e propria ascesa nei primi anni '20, quando il trombettista Louis Armstrong lasciò New Orleans per creare nuova musica rivoluzionaria a Chicago. La migrazione dei maestri del jazz di New Orleans a New York, iniziata poco dopo, ha segnato una tendenza al continuo spostamento di musicisti jazz dal sud al nord.
Luigi Amstrong
Chicago ha abbracciato la musica di New Orleans e l'ha resa calda, alzandola non solo con i famosi ensemble Hot Five e Hot Seven di Armstrong, ma anche con altri, tra cui artisti del calibro di Eddie Condon e Jimmy McPartland, la cui squadra della Austin High School ha contribuito a far rivivere la New Orleans scuole. Altri notabili di Chicago che hanno spinto i confini del jazz classico di New Orleans includono il pianista Art Hodes, il batterista Barrett Deems e il clarinettista Benny Goodman. Armstrong e Goodman, che alla fine si trasferirono a New York, crearono lì una sorta di massa critica che aiutò questa città a trasformarsi in una vera capitale mondiale del jazz. E mentre Chicago è rimasta principalmente il centro della registrazione del suono nel primo quarto del 20° secolo, anche New York è emersa come la principale sede del jazz, ospitando club leggendari come Minton Playhouse, Cotton Club, Savoy e Village Vengeward, e così come arene come la Carnegie Hall.
Stile Kansas City
Durante l'era della Grande Depressione e del Proibizionismo, la scena jazz di Kansas City divenne una mecca per i nuovi suoni della fine degli anni '20 e '30. Lo stile che fiorì a Kansas City è caratterizzato da brani pieni di sentimento con una sfumatura blues, eseguiti sia da big band che da piccoli ensemble swing, dimostrando assoli molto energici, eseguiti per gli avventori delle taverne con liquori venduti illegalmente. Fu in questi pub che si cristallizzò lo stile del grande Count Basie, a partire da Kansas City con l'orchestra di Walter Page e successivamente con Benny Moten. Entrambe queste orchestre erano rappresentanti tipici dello stile di Kansas City, che si basava su una forma peculiare di blues, chiamata "urban blues" e formata nell'esecuzione delle suddette orchestre. La scena jazz di Kansas City si distingueva anche per un'intera galassia di eccezionali maestri del blues vocale, il "re" riconosciuto tra cui il solista di lunga data della Count Basie Orchestra, il famoso cantante blues Jimmy Rushing. Il famoso sassofonista contralto Charlie Parker, nato a Kansas City, al suo arrivo a New York, fece ampio uso dei caratteristici "chips" blues che aveva imparato nelle orchestre di Kansas City e successivamente costituì uno dei punti di partenza negli esperimenti dei bopper negli anni '40.
Jazz della costa occidentale
Gli artisti catturati dal movimento cool jazz negli anni '50 hanno lavorato a lungo negli studi di registrazione di Los Angeles. In gran parte influenzati dal nonetto Miles Davis, questi artisti con sede a Los Angeles hanno sviluppato quello che oggi è noto come West Coast Jazz. Il jazz della West Coast era molto più morbido del furioso bebop che lo aveva preceduto. La maggior parte del jazz della West Coast è stata scritta nei minimi dettagli. Le linee di contrappunto spesso usate in queste composizioni sembravano essere parte dell'influenza europea che era penetrata nel jazz. Tuttavia, questa musica ha lasciato molto spazio a lunghe improvvisazioni soliste lineari. Sebbene il West Coast Jazz fosse eseguito principalmente negli studi di registrazione, club come il Lighthouse on Hermosa Beach e l'Haig a Los Angeles presentavano spesso i suoi maestri, tra cui il trombettista Shorty Rogers, i sassofonisti Art Pepper e Bud Shenk, il batterista Shelley Mann e il clarinettista Jimmy Giuffrey .
La diffusione del jazz
Il jazz ha sempre suscitato interesse tra musicisti e ascoltatori di tutto il mondo, indipendentemente dalla loro nazionalità. È sufficiente rintracciare i primi lavori del trombettista Dizzy Gillespie e la sua fusione delle tradizioni jazz con la musica dei cubani neri negli anni '40 o successivi, la combinazione del jazz con la musica giapponese, eurasiatica e mediorientale, nota nel lavoro del pianista Dave Brubeck , così come nel geniale compositore e leader del jazz - la Duke Ellington Orchestra, che ha unito l'eredità musicale di Africa, America Latina ed Estremo Oriente.
Dave Brubeck
Jazz costantemente assorbito e non solo tradizioni musicali occidentali. Ad esempio, quando diversi artisti hanno iniziato a provare a lavorare con gli elementi musicali dell'India. Un esempio di questo sforzo può essere ascoltato nelle registrazioni del flautista Paul Horn al Taj Mahal, o nel flusso di "world music" rappresentato, ad esempio, dalla band dell'Oregon o dal progetto Shakti di John McLaughlin. La musica di McLaughlin, precedentemente in gran parte basata sul jazz, iniziò a utilizzare nuovi strumenti di origine indiana, come il khatam o il tabla, durante il suo lavoro con Shakti, suonavano ritmi intricati e la forma del raga indiano era ampiamente utilizzata.
Mentre la globalizzazione del mondo continua, il jazz è costantemente influenzato da altre tradizioni musicali.
L'Art Ensemble of Chicago è stato uno dei primi pionieri nella fusione di forme africane e jazz. Il mondo in seguito ha conosciuto il sassofonista/compositore John Zorn e la sua esplorazione della cultura musicale ebraica, sia all'interno che all'esterno dell'orchestra di Masada. Questi lavori hanno ispirato interi gruppi di altri musicisti jazz, come il tastierista John Medeski, che ha inciso con il musicista africano Salif Keita, il chitarrista Marc Ribot e il bassista Anthony Coleman. Il trombettista Dave Douglas trae ispirazione dai Balcani per la sua musica, mentre l'Asian-American Jazz Orchestra è emersa come uno dei principali sostenitori della convergenza del jazz e delle forme musicali asiatiche. Mentre la globalizzazione del mondo continua, il jazz è costantemente influenzato da altre tradizioni musicali, fornendo cibo maturo per la ricerca futura e dimostrando che il jazz è veramente world music.
Jazz in URSS e Russia
Il primo nella jazz band RSFSR di Valentin Parnakh
La scena jazz è nata in URSS negli anni '20, contemporaneamente al suo periodo di massimo splendore negli Stati Uniti. La prima orchestra jazz nella Russia sovietica fu creata a Mosca nel 1922 dal poeta, traduttore, ballerino, personaggio teatrale Valentin Parnakh e fu chiamata "La prima orchestra jazz eccentrica di Valentin Parnakh nella RSFSR". Il compleanno del jazz russo è tradizionalmente considerato il 1 ottobre 1922, quando ebbe luogo il primo concerto di questo gruppo. L'orchestra del pianista e compositore Alexander Tsfasman (Mosca) è considerata il primo ensemble jazz professionale ad esibirsi in onda e registrare un disco.
I primi gruppi jazz sovietici specializzati nell'esecuzione di balli alla moda (foxtrot, Charleston). Nella coscienza di massa, il jazz iniziò a guadagnare ampia popolarità negli anni '30, in gran parte grazie all'ensemble di Leningrado guidato dall'attore e cantante Leonid Utesov e dal trombettista Ya B. Skomorovsky. La popolare commedia cinematografica con la sua partecipazione "Merry Fellows" (1934) era dedicata alla storia di un musicista jazz e aveva una colonna sonora corrispondente (scritta da Isaac Dunayevsky). Utyosov e Skomorovsky hanno formato lo stile originale del "tea-jazz" (jazz teatrale), basato su una miscela di musica con teatro, operetta, numeri vocali e un elemento di performance ha giocato un ruolo importante in esso. Un notevole contributo allo sviluppo del jazz sovietico è stato dato da Eddie Rosner, compositore, musicista e direttore d'orchestra. Dopo aver iniziato la sua carriera in Germania, Polonia e altri paesi europei, Rozner si è trasferito in URSS ed è diventato uno dei pionieri dello swing nell'URSS e l'iniziatore del jazz bielorusso.
Nella coscienza di massa, il jazz iniziò a guadagnare ampia popolarità nell'URSS negli anni '30.
L'atteggiamento delle autorità sovietiche nei confronti del jazz era ambiguo: gli artisti jazz domestici, di regola, non erano banditi, ma le dure critiche al jazz in quanto tale erano diffuse, nel contesto della critica alla cultura occidentale in generale. Alla fine degli anni Quaranta, durante la lotta contro il cosmopolitismo, il jazz in URSS conobbe un periodo particolarmente difficile, quando i gruppi che eseguivano musica "occidentale" furono perseguitati. Con l'inizio del "disgelo" le repressioni contro i musicisti cessarono, ma le critiche continuarono. Secondo la ricerca del professore di storia e cultura americana Penny Van Eschen, il Dipartimento di Stato americano ha cercato di utilizzare il jazz come arma ideologica contro l'URSS e contro l'espansione dell'influenza sovietica nei paesi del terzo mondo. Negli anni '50 e '60. a Mosca le orchestre di Eddie Rozner e Oleg Lundstrem ripresero le loro attività, apparvero nuove composizioni, tra cui spiccavano le orchestre di Iosif Weinstein (Leningrado) e Vadim Ludvikovsky (Mosca), nonché la Riga Variety Orchestra (REO).
Le big band hanno allevato un'intera galassia di arrangiatori di talento e improvvisatori solisti, il cui lavoro ha portato il jazz sovietico a un livello qualitativamente nuovo e lo ha avvicinato agli standard mondiali. Tra loro ci sono Georgy Garanyan, Boris Frumkin, Alexei Zubov, Vitaly Dolgov, Igor Kantyukov, Nikolai Kapustin, Boris Matveev, Konstantin Nosov, Boris Rychkov, Konstantin Bakholdin. Inizia lo sviluppo del jazz da camera e da club in tutta la sua diversità di stile (Vyacheslav Ganelin, David Goloshchekin, Gennady Golshtein, Nikolai Gromin, Vladimir Danilin, Alexei Kozlov, Roman Kunsman, Nikolai Levinovsky, German Lukyanov, Alexander Pishchikov, Alexei Kuznetsov, Viktor Fridman , Andrey Tovmasyan , Igor Bril, Leonid Chizhik, ecc.)
Jazz club "Uccello azzurro"
Molti dei suddetti maestri del jazz sovietico hanno iniziato la loro carriera creativa sul palco del leggendario jazz club di Mosca "Blue Bird", che esisteva dal 1964 al 2009, scoprendo nuovi nomi di rappresentanti della moderna generazione di star del jazz russo (i fratelli Alexander e Dmitry Bril, Anna Buturlina, Yakov Okun, Roman Miroshnichenko e altri). Negli anni '70, il trio jazz "Ganelin-Tarasov-Chekasin" (GTC) composto dal pianista Vyacheslav Ganelin, dal batterista Vladimir Tarasov e dal sassofonista Vladimir Chekasin, che esisteva fino al 1986, ottenne ampia popolarità. Negli anni '70 e '80 erano noti anche il quartetto jazz dell'Azerbaigian "Gaya", gli ensemble vocali e strumentali georgiani "Orera" e "Jazz-Khoral".
Dopo il declino dell'interesse per il jazz negli anni '90, ha ripreso a guadagnare popolarità nella cultura giovanile. Ogni anno a Mosca si tengono festival di musica jazz, come Usadba Jazz e Jazz in the Hermitage Garden. La sede del jazz club più popolare di Mosca è il jazz club Union of Composers, che invita artisti jazz e blues di fama mondiale.
Jazz nel mondo moderno
Il mondo moderno della musica è tanto vario quanto il clima e la geografia che apprendiamo attraverso i viaggi. Eppure, oggi assistiamo a una mescolanza di un numero crescente di culture del mondo, che ci avvicina costantemente a ciò che, in sostanza, sta già diventando "world music" (world music). Il jazz di oggi non può che essere influenzato dai suoni che vi penetrano da quasi ogni angolo del globo. Lo sperimentalismo europeo con sfumature classiche continua a influenzare la musica di giovani pionieri come Ken Vandermark, un gelido sassofonista d'avanguardia noto per il suo lavoro con rinomati contemporanei come i sassofonisti Mats Gustafsson, Evan Parker e Peter Brotzmann. Altri giovani musicisti più tradizionali che continuano a cercare la propria identità includono i pianisti Jackie Terrasson, Benny Green e Braid Meldoa, i sassofonisti Joshua Redman e David Sanchez e i batteristi Jeff Watts e Billy Stewart.
L'antica tradizione del suono viene rapidamente portata avanti da artisti come il trombettista Wynton Marsalis, che lavora con un team di assistenti sia nelle sue piccole band che nella Lincoln Center Jazz Band, che dirige. Sotto il suo patrocinio, i pianisti Marcus Roberts ed Eric Reed, il sassofonista Wes "Warmdaddy" Anderson, il trombettista Markus Printup e il vibrafonista Stefan Harris sono diventati grandi musicisti. Il bassista Dave Holland è anche un grande scopritore di giovani talenti. Tra le sue numerose scoperte ci sono artisti come il sassofonista/bassista M Steve Coleman, il sassofonista Steve Wilson, il vibrafonista Steve Nelson e il batterista Billy Kilson. Altri grandi mentori di giovani talenti includono il pianista Chick Corea e il compianto batterista Elvin Jones e la cantante Betty Carter. Il potenziale per l'ulteriore sviluppo del jazz è attualmente piuttosto ampio, poiché i modi di sviluppare il talento e i mezzi della sua espressione sono imprevedibili, moltiplicandosi per gli sforzi combinati di vari generi jazz incoraggiati oggi.
Il jazz è un particolare tipo di musica che è diventato particolarmente popolare negli Stati Uniti. Inizialmente, il jazz era la musica dei cittadini neri degli Stati Uniti, ma in seguito questa direzione ha assorbito stili musicali completamente diversi che si sono sviluppati in molti paesi. Parleremo di questo sviluppo.
La caratteristica più importante del jazz, sia originariamente che adesso, è il ritmo. Le melodie jazz combinano elementi della musica africana ed europea. Ma il jazz ha acquisito la sua armonia grazie all'influenza europea. Il secondo elemento fondamentale del jazz fino ad oggi è l'improvvisazione. Il jazz veniva spesso suonato senza una melodia pre-preparata: solo durante il gioco il musicista sceglieva una direzione o un'altra, soccombendo alla sua ispirazione. Così, proprio davanti agli occhi degli ascoltatori, durante il gioco del musicista, è nata la musica.
Negli anni il jazz è cambiato, riuscendo comunque a mantenere le sue caratteristiche fondamentali. Un contributo inestimabile a questa direzione è stato dato dal famigerato "blues" - melodie persistenti, caratteristiche anche dei neri. Al momento, la maggior parte delle melodie blues sono parte integrante della direzione jazz. In verità, il blues ha avuto un'influenza speciale non solo sul jazz: anche il rock and roll, il country e il western usano motivi blues.
Parlando di jazz, è necessario menzionare la città americana di New Orleans. Dixieland, come veniva chiamato il jazz di New Orleans, per la prima volta combinò motivi blues, canzoni di chiese nere ed elementi di musica folk europea.
Più tardi apparve lo swing (è anche chiamato jazz nello stile di "big band"), che ricevette anche un ampio sviluppo. Negli anni '40 e '50, il "jazz moderno" ha guadagnato popolarità, che era un'interazione più complessa di melodie e armonie rispetto al primo jazz. C'è un nuovo approccio al ritmo. I musicisti hanno cercato di inventare nuove opere usando altri ritmi, e quindi la tecnica della batteria è diventata più complicata.
La "new wave" del jazz ha travolto il mondo negli anni '60: è considerato il jazz di quelle stesse improvvisazioni di cui sopra. Uscendo per esibirsi, l'orchestra non poteva indovinare in quale direzione e in quale ritmo sarebbe stata la loro esibizione, nessuno dei jazzisti sapeva in anticipo quando il tempo e la velocità dell'esecuzione sarebbero cambiati. Ed è anche necessario dire che tale comportamento dei musicisti non significa che la musica fosse insopportabile: al contrario, è apparso un nuovo approccio all'esecuzione di melodie già esistenti. Seguendo lo sviluppo del jazz, possiamo vedere che è una musica in continua evoluzione, ma che non ha perso le sue fondamenta nel corso degli anni.
Riassumiamo:
- All'inizio il jazz era musica nera;
- Due postulati di tutte le melodie jazz: ritmo e improvvisazione;
- Blues - ha dato un enorme contributo allo sviluppo del jazz;
- Il jazz di New Orleans (Dixieland) combinava blues, canzoni di chiesa e musica folk europea;
- Swing: la direzione del jazz;
- Con lo sviluppo del jazz, i ritmi sono diventati più complicati e negli anni '60 le orchestre jazz si sono nuovamente abbandonate alle improvvisazioni durante le esibizioni.
Dopo che Cristoforo Colombo scoprì un nuovo continente e vi si stabilirono gli europei, le navi dei commercianti umani seguirono sempre più le coste dell'America.
Esausti dal duro lavoro, dalla nostalgia di casa e dalla sofferenza per il trattamento crudele delle guardie, gli schiavi trovarono conforto nella musica. A poco a poco, americani ed europei si interessarono a melodie e ritmi insoliti. Così è nato il jazz. Cos'è il jazz e quali sono le sue caratteristiche, considereremo in questo articolo.
Caratteristiche della direzione musicale
Il jazz si riferisce alla musica di origine afroamericana, che si basa sull'improvvisazione (swing) e su una speciale costruzione ritmica (sincope). A differenza di altre aree in cui una persona scrive musica e un'altra si esibisce, i musicisti jazz sono anche compositori.
La melodia viene creata spontaneamente, i periodi di scrittura, esecuzione sono separati da un periodo minimo di tempo. È così che nasce il jazz. orchestra? Questa è la capacità dei musicisti di adattarsi l'uno all'altro. Allo stesso tempo, ognuno improvvisa il proprio.
I risultati delle composizioni spontanee sono memorizzati in notazione musicale (T. Cowler, G. Arlen "Happy all day long", D. Ellington "Non sai cosa amo?" ecc.).
Nel tempo, la musica africana è stata sintetizzata con quella europea. Sono apparse melodie che combinavano plasticità, ritmo, melodiosità e armonia dei suoni (CHEATHAM Doc, Blues In My Heart, CARTER James, Centerpiece, ecc.).
Indicazioni
Ci sono più di trenta direzioni del jazz. Consideriamo alcuni di loro.
1. Blu. Tradotta dall'inglese, la parola significa "tristezza", "malinconia". Il blues era originariamente una canzone lirica solista di afroamericani. Il jazz-blues è un periodo di dodici battute corrispondente a una forma di strofa di tre versi. Le composizioni blues vengono eseguite a un ritmo lento, nei testi si può rintracciare qualche eufemismo. blues - Gertrude Ma Rainey, Bessie Smith e altri.
2. Ragtime. La traduzione letterale del nome dello stile è tempo spezzato. Nel linguaggio dei termini musicali, "reg" denota suoni aggiuntivi tra i battiti della battuta. La direzione è apparsa negli Stati Uniti, dopo essere stati portati via dalle opere di F. Schubert, F. Chopin e F. Liszt all'estero. La musica dei compositori europei è stata eseguita nello stile del jazz. Successivamente apparvero composizioni originali. Il ragtime è caratteristico del lavoro di S. Joplin, D. Scott, D. Lamb e altri.
3. Boogie-woogie. Lo stile è apparso all'inizio del secolo scorso. I proprietari di caffè economici avevano bisogno di musicisti per suonare jazz. Quello che è l'accompagnamento musicale richiede la presenza di un'orchestra, ovviamente, ma era costoso invitare un gran numero di musicisti. Il suono di diversi strumenti è stato compensato dai pianisti, creando numerose composizioni ritmiche. Caratteristiche del boogie:
- improvvisazione;
- tecnica virtuosa;
- accompagnamento speciale: la mano sinistra esegue una configurazione motoria ostinante, l'intervallo tra basso e melodia è di due o tre ottave;
- ritmo continuo;
- esclusione pedale.
Il boogie-woogie è stato interpretato da Romeo Nelson, Arthur Montana Taylor, Charles Avery e altri.
leggende di stile
Il jazz è popolare in molti paesi del mondo. Ovunque ci sono stelle, circondate da un esercito di fan, ma alcuni nomi sono diventati una vera leggenda. Sono conosciuti e amati in tutto il mondo e tra questi musicisti, in particolare, c'è Louis Armstrong.
Non si sa come si sarebbe sviluppato il destino di un ragazzo di un povero quartiere negro se Louis non fosse finito in un campo di correzione. Qui, la futura star è stata registrata in una banda di ottoni, tuttavia, la squadra non ha suonato jazz. e come viene eseguito, il giovane scoprì molto più tardi. Armstrong ha guadagnato fama mondiale grazie alla diligenza e alla perseveranza.
Billie Holiday (vero nome Eleanor Fagan) è considerata la fondatrice del canto jazz. La cantante ha raggiunto l'apice della popolarità negli anni '50 del secolo scorso, quando ha cambiato le scene dei locali notturni sul palco.
La vita non è stata facile per la proprietaria di una gamma di tre ottave, Ella Fitzgerald. Dopo la morte della madre, la ragazza è scappata di casa e ha condotto uno stile di vita non troppo dignitoso. L'inizio della carriera del cantante è stata la performance al concorso musicale Amateur Nights.
George Gershwin è famoso in tutto il mondo. Il compositore ha creato opere jazz basate sulla musica classica. Il modo inaspettato di esibirsi ha affascinato ascoltatori e colleghi. I concerti erano invariabilmente accompagnati da applausi. Le opere più famose di D. Gershwin sono "Rhapsody in Blues" (co-autore con Fred Grof), le opere "Porgy and Bess", "An American in Paris".
Anche famosi artisti jazz erano e rimangono Janis Joplin, Ray Charles, Sarah Vaughn, Miles Davis e altri.
Jazz in URSS
L'emergere di questa tendenza musicale nell'Unione Sovietica è associata al nome del poeta, traduttore e frequentatore di teatro Valentin Parnakh. Il primo concerto di un gruppo jazz guidato da un virtuoso ebbe luogo nel 1922. Successivamente A. Tsfasman, L. Utyosov, Y. Skomorovsky formarono la direzione del jazz teatrale, combinando performance strumentale e operetta. E. Rozner e O. Lundstrem hanno fatto molto per rendere popolare la musica jazz.
Negli anni '40 del secolo scorso, il jazz è stato ampiamente criticato come fenomeno della cultura borghese. Negli anni '50 e '60 cessarono gli attacchi agli artisti. Gli ensemble jazz furono creati sia nella RSFSR che in altre repubbliche dell'Unione.
Oggi il jazz viene eseguito senza ostacoli nei luoghi dei concerti e nei club.
Il jazz è una direzione nella musica caratterizzata da una combinazione di ritmo e melodia. Una caratteristica separata del jazz è l'improvvisazione. La direzione musicale ha guadagnato popolarità grazie al suono insolito e alla combinazione di diverse culture completamente diverse.
La storia del jazz è iniziata all'inizio del XX secolo negli Stati Uniti. A New Orleans ha preso forma il jazz tradizionale. Successivamente, nuove varietà di jazz iniziarono ad emergere in molte altre città. Nonostante tutta la varietà di suoni di stili diversi, la musica jazz può essere immediatamente distinta da un altro genere per le sue caratteristiche.
Improvvisazione
L'improvvisazione musicale è una delle caratteristiche principali del jazz, presente in tutte le sue varietà. Gli artisti creano musica spontaneamente, non pensano mai in anticipo, non provano mai. Suonare jazz e improvvisare richiede esperienza e abilità in quest'area del fare musica. Inoltre, un jazzista deve ricordare il ritmo e la tonalità. Il rapporto tra i musicisti del gruppo non ha poca importanza, perché il successo della melodia risultante dipende dalla comprensione dell'umore dell'altro.
L'improvvisazione nel jazz ti permette di creare qualcosa di nuovo ogni volta. Il suono della musica dipende solo dall'entusiasmo del musicista al momento del gioco.
Non si può dire che se non c'è improvvisazione nell'esecuzione, allora non è più jazz. Questo tipo di produzione musicale è passato al jazz dai popoli africani. Poiché gli africani non avevano idea delle note e delle prove, la musica si trasmetteva l'un l'altro solo memorizzandone la melodia e il tema. E ogni nuovo musicista potrebbe già suonare la stessa musica in un modo nuovo.
Ritmo e melodia
La seconda caratteristica importante dello stile jazz è il ritmo. I musicisti hanno la capacità di creare spontaneamente il suono, poiché la pulsazione costante crea l'effetto di vivacità, gioco, eccitazione. Il ritmo limita anche l'improvvisazione, richiedendo di estrarre i suoni secondo un dato ritmo.
Come l'improvvisazione, il ritmo è arrivato al jazz dalle culture africane. Ma è proprio questa caratteristica la caratteristica principale della corrente musicale. I primi esecutori di free jazz abbandonarono completamente il ritmo per essere assolutamente liberi nel creare musica. Per questo motivo, la nuova direzione del jazz non è stata riconosciuta per molto tempo. Il ritmo è fornito da strumenti a percussione.
Dalla cultura europea, il jazz ha ereditato la melodiosità della musica. È la combinazione di ritmo e improvvisazione con musica armoniosa e morbida che conferisce al jazz un suono insolito.
Il jazz è prima di tutto improvvisazione, vita, parole, evoluzione. Il vero jazz vive sul Mississippi, uscito dalle mani di un pianista in un bar di Storyville, o da un gruppo di musicisti che suonano in un posto tranquillo alla periferia di Chicago.
Luogo di nascita reale
La storia del jazz è una delle storie più originali della musica. I suoi caratteri e stili, i suoi tratti di forte personalità, sono estremamente attraenti, anche se alcune delle tendenze richiedono una maggiore prontezza da parte degli ascoltatori. Come disse una volta il bandleader statunitense John Philip Sousa, il jazz dovrebbe essere ascoltato con i piedi, non con la testa, ma questo accadeva negli anni '30, con gruppi jazz di New Orleans - Buddy Bolden - o uomini della Austin High nei bar illegali di Chicago. Suonavano musica per ballare.
Tuttavia, a partire dagli anni '40, il pubblico iniziò ad ascoltare il jazz con la testa invece che con i piedi. Appaiono nuove forme di suono - cercando di attrarre l'ascoltatore con intelletto, fresco, libero - rimangono un po 'in disparte Nonostante le cattive dichiarazioni e gli attacchi di Souza, il pubblico percepisce il jazz con ancora maggiore entusiasmo. Qual è il segreto della sua grande vitalità?
Se parliamo di jazz, come - di musica afroamericana - allora non c'è molto da dire.
Questa è una delle forme di espressione spontanea individuale che si crea al momento. Sono l'improvvisazione, la libertà, i canti di protesta e di emarginazione. Le radici del jazz dovrebbero essere considerate schiavitù nera negli stati del Sud, Nord America - quando si lavora nelle piantagioni di cotone, qui sono germogliati i primi semi e germogli, qui sono state deposte le prime melodie e melodie dell'ultimo genere popolare nella storia della musica occidentale. Una sorta di espressione urbana che cominciò a rivivere nei caffè neri di New Orleans tra la fine dell'Ottocento e l'inizio del Novecento.
Secondo le statistiche, il mercato degli schiavi africani era di circa 15 milioni. uomini, donne e bambini venduti in diverse parti del mondo. La maggior parte di queste persone è finita in America. Le piantagioni di cotone e i campi di tabacco richiedevano molto lavoro. L'africano nero era forte e lavorava per poco salario, cibo e riparo. Inoltre, non avevano altro che il ricordo degli indimenticabili canti e balli della loro nativa Africa. Pertanto, la musica è centrale nella vita di uno schiavo, aiutando a superare tutte le difficoltà e le sofferenze della schiavitù. Questo è il bagaglio principale del ritmo e della melodia degli schiavi.
I neri africani, con grande religiosità, accettarono facilmente il cristianesimo. Ma, essendo abituati a iniziare i loro riti religiosi con canti e balli, iniziarono presto a introdurre applausi e movimenti ritmici nelle loro riunioni e cerimonie nei campi del sud. Le voci delle persone dalla pelle scura avevano un timbro molto particolare, il canto delle melodie ti faceva davvero commuovere. Le comunità religiose protestanti nere hanno creato i propri inni che invitano alla sfida.
A questi temi sono stati aggiunti canti sul lavoro, preghiere e suppliche. Perché? Sì, perché lo schiavo si è reso conto che è molto più facile per lui lavorare cantando.
La semplicità di queste frasi è probabilmente dovuta alla loro scarsa conoscenza della lingua dei coloni e si è sviluppata in vigorosa poesia e tenerezza. Secondo Jean Cocteau, la strofa blues è l'ultima apparizione della poesia automaticamente popolare, e il blues come genere è solitamente jazz.
Stati Uniti, in cerca di cultura.
Il jazz per gli USA è uno dei suoi migliori biglietti da visita, e tutti gli storici della musica concordano sul loro contributo più significativo alla cultura mondiale.
Questo processo di identità culturale è relativamente breve. Iniziò la fase successiva: l'indipendenza delle colonie. Ma... cosa avevano per creare il loro patrimonio culturale? Da un lato, l'eredità europea dei popoli indigeni: i discendenti di vecchi coloni, immigrati recenti, dall'altro, un cittadino nero americano, dopo tanta schiavitù. E dove c'è uno schiavo, c'è la musica, da cui si deduce che la musica negra era in una certa misura più popolare, almeno nel sud.
Tutela e riconoscimento ufficiale.
I governanti si resero conto che si trattava di un nuovo fenomeno musicale. Nel frattempo, il Dipartimento di Stato ha preso il controllo e persino organizzato le tournée internazionali dei "jazzmen" americani. Louis Armstrong, Duke Ellingtong, Dizzy Gillespie, Jack Teagarden, Stanz Getz, Keith Jarrots e altri hanno mostrato lo stile in tutto il mondo. Eseguito davanti a re e regine, Louis Armstrong fu ricevuto dal Papa in Vaticano, Benny Goodman e la sua orchestra andarono in tournée in Russia durante l'estate del 1962. L'applauso è stato assordante, anche Nikita Khrushchev ha fatto una standing ovation.
Naturalmente il blues si è evoluto, creando così un proprio linguaggio: il Jazz. Cos'è una lingua del genere? L'uso di persistenza ritmica, timbri strumentali insoliti, complesse improvvisazioni solistiche difficili da trovare in altri tipi di musica, questo è il linguaggio del jazz, la sua anima. Tutto è permeato dalla parola magica: swing. Come disse Duke Ellingtong - "Lo swing è qualcosa che va oltre la sua stessa interpretazione, non esiste nel testo musicale, appare solo nella costante esecuzione.
In effetti, il jazz era ed è uno dei modi più comuni di intendere la musica nera americana. Musica che esprime amore e tristezza, descrive la vita degli eroi, l'amarezza e la delusione di ogni giorno. Il primo jazz era una sorta di valvola emotiva della delusione, un uomo di colore in un mondo di bianchi.
La gioia della vita di New Orleans 
Il nome - New Orleans - è una chiave magica che ci aiuta a trovare, riconoscere e amare il jazz. In questa città, costruita e abitata principalmente da immigrati francesi e spagnoli, l'atmosfera era diversa da quella degli altri stati (stati). Il livello culturale era più alto - molti dei suoi abitanti erano aristocratici, più borghesi del vecchio continente - guadagni più alti e, naturalmente, buoni ristoranti e belle case. Tutto ciò che è stato portato dalla vecchia Europa: mobili delicati, cristalli, argenti, libri, spartiti e vari strumenti per rallegrare le calde serate primaverili, chiavi, violini, flauti, ecc. tutto è finito prima a New Orleans. La città era circondata da alte mura per respingere l'attacco degli indiani, la città era difesa da una guarnigione di soldati francesi, che, ovviamente, avevano la loro orchestra per eseguire marce militari. Grazie a queste coincidenze, New Orleans è diventata più allegra e sicura di sé.
Era considerata una città tollerante sotto ogni aspetto, compreso il suo rapporto con i neri.
La guerra civile ha portato grandi cambiamenti nel paese. La schiavitù fu abolita per i neri, iniziarono a trasferirsi nelle città per lavorare, e con loro la musica.
A New Orleans, gli ex schiavi potevano finalmente acquistare ciò che vedevano nei negozi di dischi. Prima di allora, loro stessi costruivano i propri strumenti con zucche, ossa, grattugie, ciotole di metallo. Ora, oltre ai banjo e alle armoniche, potevano acquistare tromboni, corni, clarinetti e tamburi. Il problema era che gli ex schiavi non avevano idea degli spartiti, del solfeggio, delle note, non conoscevano nessuna tecnica musicale, sentivano solo la musica e sapevano improvvisare.
Il problema dell'ignoranza è stato risolto con difficoltà. Ma capirono che era necessario suonare oltre che cantare, che uno strumento musicale doveva essere una continuazione della voce, e iniziò l'addestramento.
Se per le strade passava una banda militare, i negri erano sempre in prima fila e ascoltavano attenti: in chiesa non mancava una sola strofa di musica sacra. A poco a poco mescolarono alcuni battiti di mani e aggiunsero alcune battute di battimani (ascoltando il piede), iniziarono a introdurre il loro passato (schiavitù) nel blues, così cominciò a far rivivere una nuova musica, fatta con il cuore e molto poetica.
L'uso di questa musica era usato dai neri ai funerali, poiché essendo la classe inferiore della società, gli enti di beneficenza o le compagnie non sostenevano realmente la pace economica degli ex schiavi nella vita pubblica, ma quando si trattava di morte davano alcune somme di denaro. Così, i parenti hanno organizzato magnifici funerali, che sono stati accompagnati da un gruppo di musicisti e da molteplici sostenitori di familiari, amici e vicini.Nella lunga processione verso il cimitero, è stata suonata musica lenta e triste.Al ritorno, il tema è cambiato e la musica veloce è stata suonavano, più precisamente improvvisazioni jazz, perché l'opinione generale era che il defunto fosse in paradiso e che dovessero rallegrarsi con lui. Inoltre, a causa della mancanza di relax dopo lunghi sospiri ed emozioni, l'ambiente ha sempre richiesto ai musicisti che la parte finale delle cerimonie fosse sempre divertente.
Gli esperti ritengono quindi che al funerale dei neri abbiano iniziato a suonare jazz.