introduzione

È stato scritto molto su The Rite of Spring - speciale Ricerca scientifica sulla struttura, il ritmo, l'intonazione e le immagini di quest'opera, migliaia di recensioni di spettacoli di “Primavera” sia a teatro che sul palco del concerto. Musica per balletto registrata su dischi i migliori conduttori il mondo (le più famose sono le registrazioni di Pierre Monte, Ernest Ansermet, Herbert von Karajan, Pierre Boulez); rinomati coreografi creano un equivalente visivo e plastico della musica da più di settant'anni, tra cui Vaslav Nijinsky, Leonide Massine, Maurice Bejart, Vladimir Vasiliev e Natalia Kasatkina; Walt Disney ha dato vita a quest'opera sullo schermo nel suo fantastico film Fantasia.

A partire dalla prima di “Primavera” al “Théâtre des Champs-Élysées” di Parigi il 29 maggio 1913, sotto la direzione di Pierre Montet, e fino ad oggi, la partitura di “Primavera” evoca emozioni estremamente entusiaste o fortemente negative verso se stesso. È significativo che i grandi musicisti abbiano immediatamente apprezzato la musica del balletto, cosa che non si può dire della maggior parte dei critici dei giornali. Pertanto, il compositore N.Ya. Myaskovsky scriveva già nel 1914: “La sagra della primavera” è un'opera estremamente vitale, fresca, entusiasmantemente attraente; Accademico B.V. Asafiev notò nel 1929 che “La prima rappresentazione della Sagra della Primavera a Parigi nel maggio 1913 è una data storica. L’influenza di questo audace lavoro su tutta la musica moderna è ancora lungi dall’essere presa in considerazione”. E un collaboratore della rivista inglese Musical Times, che ha voluto restare anonimo, credeva semplicemente che “questo non ha nulla a che fare con ciò che intendiamo con la parola musica”.

Il compositore italiano Alfredo Casella ha definito “La Sagra della Primavera” “un faro abbagliante, acceso solo ieri, ma che già disperde l’oscurità sul cammino che seguiranno i giovani musicisti del futuro”. Sono passati più di sessant'anni da quando furono scritte queste parole e la luce del faro della “Sagra della Primavera” illumina ancora brillantemente il maestoso mare dell'arte russa e mondiale del nostro tempo.

Stravinskij. Vita e arte

Igor Fedorovich Stravinsky è nato il 5 (17) giugno 1882 a Oranienbaum vicino a San Pietroburgo nel famiglia musicale- suo padre lo era Cantante di opera. La madre, Anna Kirillovna, era una donna musicalmente dotata: cantava e suonava il piano ed era l'accompagnatrice costante di suo marito. Il direttore d'orchestra E. Napravnik, il coreografo M. Petipa, F. Dostoevskij, N. Rimsky-Korsakov e gli artisti del Teatro Mariinsky hanno visitato la loro casa.

Mentre studiava in palestra, Stravinsky studiò pianoforte, amava la musica, ma non intendeva dedicarsi interamente ad essa.

Dopo essersi diplomato al liceo, nel 1900, Stravinsky divenne studente presso la Facoltà di Giurisprudenza dell'Università di San Pietroburgo. All'università, Stravinsky divenne amico intimo di V.N. Rimsky-Korsakov, figlio di un compositore, dal quale iniziò a prendere lezioni di composizione all'età di vent'anni. Sotto l'influenza di Rimsky-Kosakov, si rivolse al russo folclore musicale e in generale l'aspirante compositore era sotto la forte influenza del grande maestro (dedicò la sua Prima Sinfonia al suo “caro maestro”), al quale trattava con amore filiale. La morte di Rimsky-Korsakov (1908) lo scioccò. Stravinskij scrisse “Canzone funebre” per orchestra in memoria del suo maestro. Druskin M.S. I. Stravinskij. Personalità. Creazione. Viste, L. - M., 1974. P. 78-82

Nel 1905 pubblicò una sinfonia scritta in stile accademico. L'evento che ha determinato" virata brusca"nella vita di Stravinsky, sembrava un incontro con S. Diaghilev, che era a capo dell'associazione "Il mondo dell'arte" e che ha organizzato le Stagioni Russe a Parigi, grazie alle quali il pubblico europeo ha potuto conoscere l'arte di F. Chaliapin, A. Pavlova, T. Karsavina, V. Nijinsky, M. Fokina.

La sua prima opera importante, intrisa di motivi nazionali, è apparsa dopo un incontro con S. Diaghilev, un famoso impresario di balletto che ha preparato una serie di spettacoli di balletto russo a Parigi. Su sua richiesta, Stravinsky scrisse una delle sue colonne sonore più brillanti: un balletto basato sulla fiaba russa L'uccello di fuoco (1910). L'anno successivo fu completato un altro balletto - Petrushka, in cui le immagini della Maslenitsa russa furono ricreate in immagini vivaci e autentiche - e il folclore "di base" delle bancarelle di strada, nuove tecniche di orchestrazione e la polifonia libera, che si basa su una combinazione di non solo linee melodiche, ma interi strati. E, soprattutto, la magia di uno spettacolo teatrale convenzionale, che consente la combinazione di diversi generi ed elementi semantici: storia romantica e folklore, russo teatro popolare"Prezzemolo" e i personaggi della "Commedia delle Maschere" italiana. Il balletto di Grigoriev N. Diaghilev. M., 1994, pp. 45-48.

Già nel terzo balletto - La sagra della primavera (1913), ambientato nell'antichità Rus' pagana, Stravinsky rompe con la tradizione musicale, facendo libero uso di dissonanze irrisolte e ritmi in continua evoluzione di incredibile complessità. La prima de La sagra della primavera, sottotitolata "Immagini della Russia pagana", messa in scena dai Ballets Russes di Diaghilev a Parigi il 29 maggio 1913, fu accompagnata da una tempestosa espressione di indignazione da parte del pubblico. Da allora scoppiò un "grande scandalo teatrale", il nome Stravinsky è diventato un simbolo delle tendenze ultramoderne nella musica.

Il compositore ha resuscitato nella musica la severità primordiale dei costumi antica tribù, guidato dal Saggio Anziano, ravvivava i rituali della predizione del futuro primaverile, gli incantesimi delle forze della natura e rappresentava la grandezza del Prescelto. Il balletto si è concluso con la sua Grande Danza Sacra: un sacrificio. La sua musica, satura di dissonanze, strati politonali, ritmi impulsivi, intrecci di flussi melodici, ha creato l'impressione di spontaneità primitiva e fervore rituale del mondo dei nostri antenati, in cui l'uomo e la natura sono inseparabili. Lo stesso compositore, sottolineando questo, ha detto: “Il mio nuovo balletto La Sagra della Primavera non ha trama. Questa è una cerimonia religiosa Antica Rus'- Rus' pagana." Tutte le prime dei primi balletti di Stravinsky, che ebbero luogo presso l'impresa di Diaghilev, furono sensazionali, affermando fama mondiale giovane innovatore.

Prima dello scoppio della prima guerra mondiale, il compositore lasciò la Russia. Fino al 1939 visse in Francia, poi si stabilì negli Stati Uniti. Il teatro divenne l'incarnazione delle sue aspirazioni artistiche; Per il teatro sono state scritte le opere "L'usignolo" e "Il moro", le opere musicali e teatrali "La storia di un soldato", "La storia della volpe, del gallo, del gatto e dell'ariete", "Il matrimonio" . Le idee musicali di queste opere erano ancora in gran parte basate sulla poetica popolare. Fu Stravinskij che riuscì a delineare una delle principali linee di sviluppo del teatro musicale del XX secolo, sintetizzando tipi diversi arte Druskin M.S. I. Decreto. Operazione. Pag. 85.

L'innovazione di queste opere è in gran parte dovuta a principi speciali l'attuazione della poetica popolare, caratteristica dello stile Art Nouveau e del lavoro degli artisti del “Mondo dell'Arte”, con i quali Stravinsky ha collaborato strettamente in questi anni. Nella letteratura su Stravinskij è accettata una classificazione dei suoi periodi creativi: precoce (“russo”, che termina con “Les Noces”, cioè 1923), centrale (“neoclassico”, che copre i trent'anni fino al 1953) e tardivo ( associato al ricorso alla dodecafonia - nuova tecnologia composizioni con dodici toni funzionalmente equivalenti). Questa divisione percorso creativo il lavoro del compositore è molto condizionato, poiché dà solo un’idea dell’evoluzione della “grafia” di Stravinskij.

L’abbandono del paese causò la graduale scomparsa di elementi del folclore russo dalla musica di Stravinskij. In più lavori successivi una svolta al classicismo e ai temi religiosi è già visibile. Questi includono il Concerto per pianoforte (1924), il balletto Apollo Musagete (1927) e soprattutto la cantata Sinfonia dei Salmi (1930). Nello stesso periodo il compositore creò i balletti Pulcinella (1920, su temi di Pergolesi) e Il bacio della fata (1928, su temi di Čajkovskij). La sua Sinfonia in tre movimenti (1945) è una sintesi dello stile neoclassico e dello stile rivoluzionario della Sagra della Primavera.

L'ascetismo artistico di Stravinskij si manifestò più pienamente in Oedipus Rex (1927), un'opera-oratorio basata su un testo latino; Utilizzando scarsi mezzi tecnici, il compositore ottiene un dramma straordinario. Nel 1951, Stravinsky scrisse l'opera The Rake's Progress (basata su una serie di incisioni moralistiche di William Hogarth) - un'opera che segna un'altra linea stilistica del suo lavoro: elementi di commedia, moralità e melodramma si fondono in un insieme umoristico ed edificante.

Forse la tappa più notevole nell'evoluzione creativa di Stravinsky (che aveva già superato la soglia dei 70 anni) fu la sua padronanza del sistema di composizione a 12 toni (dodecafono), utilizzato da Arnold Schönberg e Anton Webern. In questo stile sono stati creati il balletto Agon (1957) per 12 ballerini e una cantata spirituale basata sul testo biblico Lamentazioni del profeta Geremia (1958) per solisti, coro e orchestra. Lo stile unico di Stravinskij era chiaramente evidente nel ritmo, nella polifonia e nella tavolozza timbrica di queste opere dodecafoniche. Yarustovsky B. M. I. Stravinskij. 2a ed. M., 1969. P.120

Nel 1962, dopo una pausa di quasi cinquant'anni, il compositore visitò la Russia, tenne numerosi concerti originali a Mosca e Leningrado e incontrò l'intellighenzia creativa.

Stravinsky morì a New York il 6 aprile 1971. La sua influenza sulla musica del XX secolo. Enorme. Capolavori come La Sagra della Primavera sono entrati nel repertorio principale delle orchestre di molti paesi del mondo.

Pubblicazioni nella sezione Musica

Come ascoltare correttamente Stravinskij

Il compositore russo Igor Stravinsky divenne uno dei più grandi musicisti XX secolo e una delle figure più importanti del mondo arte contemporanea. Una piazza nel centro di Parigi, decorata con numerose sculture d'avanguardia, prende il nome da Stravinskij. Su come ascoltare correttamente Stravinsky per capirlo stile originale, dirà a Kultura.RF.

Cittadino del mondo

Essendo russo di nascita, Stravinsky divenne davvero un “cittadino del mondo”. Grazie a Russian Seasons di Sergei Diaghilev, siamo entrati nel vivo della situazione vita artistica In Europa, ha avuto un'opportunità unica di dimostrare il suo talento compositivo a un pubblico di larghe vedute. La fama mondiale che Stravinsky ottenne dopo il grandioso successo parigino dei suoi primi tre balletti: "L'uccello di fuoco" (1910), "Petrushka" (1911) e "La sagra della primavera" (1913) lo consolidò come una figura rispettata nel panorama artistico all'avanguardia e gli ha permesso di creare in assoluta libertà. Stravinsky difficilmente avrebbe potuto permettersi una fuga del genere nella sua terra natale, dove prima della rivoluzione del 1917 avrebbe dovuto fare i conti con l'opinione dei conservatori conservatori, e dopo la rivoluzione avrebbe dovuto conformarsi all'ideologia di classe dei nuovi padroni della vita . Le opere - e anche la stessa menzione - di Stravinsky furono bandite in URSS fino al disgelo degli anni '60, e per aver ritrovato, ad esempio, la partitura del compositore, uno studente musicista poteva essere espulso dal Komsomol e persino dal conservatorio.

Lo stile di Stravinskij

Nel corso del ventesimo secolo, Stravinskij riuscì a mettersi alla prova in quasi tutti stili musicali. Nella musicologia ufficiale è consuetudine dividere biografia creativa Stravinsky in diverse fasi stilistiche. Di solito vengono chiamati tre periodi principali della sua vita e del suo lavoro: "russo", "neoclassico" e "seriale". Ma in realtà, questa divisione è abbastanza arbitraria. Quasi ogni grande opera di Stravinskij è scritta nel suo stile unico, caratteristico di tutta la musica del secolo scorso nel suo insieme. E allo stesso tempo, tutte le sue opere sono accomunate da un unico approccio creativo, che può essere rintracciato in tutta la vita del compositore.

Igor Stravinskij. Balletto “Petrushka” (scene divertenti russe in quattro scene). Edizione del 1947. Eseguita dall'Orchestra Sinfonica del Conservatorio di Mosca diretta da Vladimir Yurovsky

Nella maggior parte delle sue opere, Stravinskij fa riferimento ad alcune fonti stilistiche. Può essere folklore russo, barocco, jazz antico, canti di Peter, romanticismo urbano e musica popolare e molti altri stili. E non importa a cosa si rivolga Stravinsky, agisce sempre secondo lo stesso principio: prende i motivi di base da cui sono costruite la maggior parte delle opere di uno stile o di un altro e costruisce da essi le sue opere completamente indipendenti.

A cosa sono abituati gli ascoltatori

Per un ascoltatore impreparato, molte delle opere di Stravinskij suonano ancora in qualche modo insolite, come del resto quasi tutta la musica del XX secolo. Uno dei motivi di ciò è la politica del repertorio della maggior parte delle sale filarmoniche, dove suonano principalmente musica accademica periodo classico-romantico. Si basa su due parametri che abbiamo assorbito non solo dalla nascita, ma quasi a livello genetico: la tonalità (l'interazione e l'opposizione di suoni e accordi stabili e instabili) e la consonanza (la relativa compatibilità ed eufonia dei toni che suonano simultaneamente). Tutta la musica popolare che ascoltiamo si basa su questo.

Di conseguenza, quando la melodia che ci viene proposta va oltre questi parametri, la percepiamo come insolita, incomprensibile e per certi aspetti addirittura “rovinata”. Cioè, se non sentiamo una combinazione maggiore-minore chiaramente distinguibile; se gli accordi non si trasformano l'uno nell'altro nel modo consueto, secondo regole secolari (che vengono ancora insegnate scuole di musica e scuole); se i suoni instabili non si risolvono in suoni stabili (il che ci dà una sensazione di conforto e sollievo dallo stress); e se combinazioni simultanee Non possiamo organizzare mentalmente i suoni in varietà ben note di triadi e accordi di settima, quindi identifichiamo immediatamente tale musica come estranea. Sembra o troppo “moderno”, cioè ancora incomprensibile, o culturale estraneo, dal momento che la musica indiana, cinese, giapponese, araba e alcuni altri tipi di musica sono costruiti su modelli che differiscono dalla tradizione europea.

Come accettare Stravinskij

All'inizio del XX secolo si verificarono cambiamenti drammatici nella musica (come in altre arti). Non dovrebbe più sembrare bella nel solito senso e senso. I compositori iniziarono a aprire attivamente nuove strade nell'arte, a cercare nuovi modelli di connessioni tra suoni musicali. E Stravinsky, trovandosi nell'epicentro dell'arte moderna, ha preso parte attiva a queste ricerche.

Igor Stravinskij. Ragtime per 11 strumenti. Eseguita dalla Malaysian Philharmonic Youth Orchestra diretta da Kevin Field

Spesso nella sua musica sentiamo una parvenza di tonalità familiare e familiare. Ma Stravinsky rompe coraggiosamente la tradizione di lunga data di iniziare e terminare un'opera nella stessa tonalità (chiudendo il cerchio, per così dire), e la sua "chiave" è nella maggior parte dei casi temporanea. Un altro indizio di suoni familiari è la presenza di un tono fondamentale chiaramente distinguibile negli accordi, che, pur apparendo come triadi leggermente “danneggiate”, in realtà hanno una struttura leggermente diversa. La cosa principale per Stravinsky non è ciò che suona allo stesso tempo, ma come e dove va questa o quella linea del tessuto musicale generale. Pertanto, la trama di molte opere di Stravinsky in musicologia è solitamente chiamata lineare. Se ascoltiamo specificamente il movimento e l'interazione di queste linee del tessuto musicale, proviamo a coglierne la logica, allora le armonie stesse, risultanti da Stravinsky, non sembreranno più selvagge e brutte, principalmente perché questo parametro cesserà in parte di avere importanza per noi .

Ma, ovviamente, la cosa più importante sono i mattoni in stile. Le stesse linee o strati di struttura in Stravinskij sono composti in un modo o nell'altro da intonazioni, ritmi, motivi caratteristici o anche frasi musicali già pronte dello stile che prende come base per il lavoro. Riconoscendoli nella sua musica, ci uniamo internamente all'immagine del russo festa popolare nella complessa e ricca partitura del balletto “Petrushka”, balliamo consapevolmente in “Ragtime” per 11 strumenti, che non assomiglia affatto al ragtime, o sorridiamo nostalgicamente ai suoni dell'opera “Mavra”, che manda la nostra immaginazione direttamente all'intera cultura immobiliare russa.

Igor Stravinskij. Opera "Mavra". Scena prima “Canzone russa”. Eseguita da Elena Revich (violino) e Vadim Kholodenko (pianoforte)

Igor Stravinskij è come un artista d'avanguardia che, mescolando e ponendo sulla tela gli stessi colori di un pittore tradizionale, ottiene un effetto completamente diverso, insolito ed espressivo. E magnifici esempi di neofolklorismo, neobarocco, uso ragionevole (e non assurdamente totale) della tecnica seriale e della stilizzazione fanno ancora della sua musica un modello e un argomento di studio per i compositori attuali e futuri.

Visse una vita lunga, quasi novant'anni, la maggior parte avvenuta all'estero. Dieci anni dopo la sua “emigrazione artistica” nel 1913 dalla Russia, che non accettò la sua “Petrushka”, tanto meno “La sagra della primavera”, dirà con amarezza: “Ho perso le mie radici”.

Ma Igor Stravinsky è sempre stato percepito come un compositore russo, la sua essenza russa non è scomparsa ed è questo che permea tutta la sua opera. Si è manifestato particolarmente chiaramente nel periodo “russo” del suo lavoro. Quindi il folclore nazionale e gli elementi pagani popolari furono per quindici anni la base di tutte le sue opere.

L'apice del periodo fu "The Rite of Spring" (1913), che è impossibile ascoltare con calma anche cento anni dopo. E sarà sempre così, perché questa musica, sorprendentemente potente, tocca le fondamenta dell'esistenza umana, non solo per i russi, ma per tutti, penetrando a un livello profondo, introducendo in un'estasi, emozionante e persino vergognosa, a cui è impossibile resistere .

C'è solo un altro esempio simile nella poesia russa: la poesia di Velimir Khlebnikov. Casualmente o no, Khlebnikov morì nel 1922, nello stesso periodo in cui finiva il periodo “russo” di Igor Stravinskij. E hanno iniziato più o meno nello stesso periodo, all'inizio degli anni 2000 del secolo scorso, a diventare rappresentanti di spicco periodo di massimo splendore della cultura russa: l'età dell'argento.

Leon Bakst. Costume per il balletto "L'Uccello di Fuoco" 1910.

All'inizio del periodo "russo", Igor Stravinsky rimaneva ancora nel quadro della tradizione " Un gruppo potente"e N. Rimsky-Korsakov, che considerava il suo mentore spirituale e insegnante. E quindi, "L'uccello di fuoco" (1910) ricorda per molti versi "Sadko" di Korsakov, ma già in "Petrushka" (1911), e soprattutto nel rivoluzionario “La Sagra della Primavera” non è rimasta traccia di questa tradizione.

Rifiuto della bellezza, morbidezza e melodia introdotte dalla cultura dei secoli precedenti, rivolgendosi a tradizione popolare e folklore, canzoncine, intonazione e interruzioni metriche, ripetizioni, preferenza data all'eterogeneità dei motivi, ritmi di danza e buffoneria, teatralità e festività: tutto questo era alimentato da altre fonti.

Sia Khlebnikov che Stravinskij cercarono ispirazione e novità negli elementi popolari e nel folklore furono scopritori, innovatori, riformatori, sperimentatori e inventori di un nuovo linguaggio: l'uno nella musica, l'altro nella poesia, sebbene i loro destini personali si sviluppassero in modo completamente diverso; .

Uno, sebbene avesse costantemente bisogno di soldi, viveva una vita prospera e relativamente prospera. L'altro rimaneva un uomo ultraterreno, un derviscio errante, senza famiglia e senza casa, senza soldi e senza il minimo accenno di desiderio di averne nessuno dei due. A lui interessava solo la poesia e la parola, tutto il resto lo infastidiva soltanto.

F. Benoît. Schizzo di un manifesto per il balletto "Petrushka"

Alla base della creatività di entrambi è l'elemento, che affascina con energia, magia, cospirazioni, insoliti rituali dionisiaci che danno vita a strani sentimenti in una persona apollinea colta, provocando una reazione di rifiuto, al minimo, al massimo: incomprensione e scandalo.

Artaud in seguito fece più o meno la stessa cosa a teatro e provocò anche scandali. Ma lo scandalo causato da "The Sagra della Primavera" è stato una sorpresa inaspettata per il compositore, perché amava sinceramente questa musica, ma la reazione del pubblico lo ha confuso: non era pronto.

E solo il genio perspicace di Sergei Diaghilev poteva capire che tutto era appena iniziato, anche se lui, quando ha ascoltato per la prima volta "The Rite of Spring", è rimasto scioccato, ma dopo la prima era già completamente sicuro: questa è la musica del futuro . E si è scoperto che aveva ragione.

Un anno dopo, "La Sagra della Primavera" fu percepita come un trionfo per Igor Stravinsky, come una rivoluzione musicale. Ed è stata lei a determinare lo sviluppo Musica europea nel 20° secolo. Avendo vissuto tre rivoluzioni russe e due guerre mondiali, Igor Stravinsky aveva un acuto senso del tempo e rispondeva con sensibilità ai cambiamenti del tempo con la sua musica.

N. Roerich. Ragazze. Schizzo di scene e costumi per il balletto di I. F. Stravinsky “La sagra della primavera”

All'inizio fu influenzato da Rimsky-Korsakov, Čajkovskij e Glazunov, ma anche dalla musica dell'Europa occidentale di Ravel e Debussy. In questo momento, era attratto e affascinato dall'universalismo della creatività dei partecipanti al circolo World of Art, che illuminavano i loro lettori e fan con capolavori, indipendentemente da quale base nazionale fossero stati creati.

Nel "Mondo dell'Arte" Igor Stravinsky incontra Sergei Diaghilev, l'organizzatore e ispiratore di questa comunità. Sarà lui a determinare in seguito il destino del giovane compositore, divenendo suo cliente abituale durante il “periodo russo”.

Ma prima Igor Stravinsky, interessato alla poesia, scrive canzoni basate su poesie dei suoi poeti preferiti: Blok, Gorodetsky, Balmont. Il compositore riceve il suo primo grande ordine da Diaghilev per il balletto "L'uccello di fuoco", per il quale Lyadov non ha avuto il tempo di scrivere la musica in tempo, e Diaghilev passa l'ordine al giovane Stravinsky.

È stato un dono del destino e un'occasione per iniziare una seria collaborazione con il mondo dell'arte. Il successo di "The Firebird" in "Russian Seasons" ha reso possibile la collaborazione non solo con Diaghilev, ma anche con altri membri del circolo. Un anno dopo, una nuova svolta e una nuova musica - la città del carnevale "Petrushka", due anni dopo - il famoso pagano-slavo "La sagra della primavera".

Così, la Russia nella musica di Igor Stravinskij si dispiega e appare in diverse forme e in diversi spazi: fiabesco-contadino (“Firebird”), borghese-urbano (“Petrushka”) e pagano-arcaico (“La sagra della primavera” ). Era un nuovo stile, in cui hanno lavorato tutti gli artisti del “Mondo dell'Arte”: Golovin, Benois, Roerich, Bakst, Goncharova, Larionov.

Festivo, luminoso, dinamico, esuberantemente decorativo, che sostituisce l'impressionismo sofisticato e statico. L'apoteosi e una sorta di manifesto di tutto ciò nuove generazioniè diventato "The Rite of Spring" con la sua straordinaria energia e il ritmo frenetico.

Molti membri dell’entourage di Stravinsky in Russia non accettarono questa musica, così come non l’accettarono alla prima a Parigi, ma per una giovane celebrità che fu accolta con entusiasmo le migliori case Europa, non aveva più importanza: ne entrava un’altra spazio musicale, diventando un trendsetter nella moda musicale.

Poi "Tre storie per bambini", "Barzellette", "Nozze" e altre opere furono scritte in rapida successione, ma l'incorporazione nella cultura europea e la perdita della Russia dopo la Rivoluzione d'Ottobre significarono finalmente per Igor Stravinsky la fine del "Russian periodo” e l’inizio di uno nuovo, il “neoclassico”, che durerà trent’anni...

Vi consiglio di guardare il cartone animato "Christmas Fantasy", basato sulla musica di Igor Stravinskij "Petrushka": il Natale continua...

Tina Guy

Opere di Igor Fedorovich Stravinskij suddivise per genere, con indicazione del titolo, anno di creazione, genere/esecutore, con commenti.

Opere

L'usignolo (racconto lirico; libretto di Stravinsky e S. S. Mitusov basato sulla fiaba di H. C. Andersen, 1908-14, messo in scena nel 1914, Grand Opera, Parigi)
Mavra (opera buffa, libretto di B. Kokhno, basato sulla poesia di Pushkin “La casa di Kolomna”, 1922, “Grand Opera”, Parigi)
Edipo re (Oedipus Rex, opera-oratorio, basato sulla tragedia di Sofocle, libretto di J. Cocteau e Stravinsky, traduzione dal latino al francese di J. Danielou, 1927, Teatro Sarah Bernhardt, Parigi; 2a edizione 1948)
A Rake's Progress (A Spendthrift's Career - Rake's progress, libretto di W. Auden e C. Kalman basato su una serie di incisioni di J. Hogarth, 1951, Teatro La Fenice, Venezia)

Balletti

L'uccello di fuoco (L'oisеau de feu, balletto-fiabesco, libretto di M. M. Fokin, 1910, “Théâtre des Champs-Élysées”, Parigi; 2a edizione 1945)
Petrushka (Petrouchka, scene divertenti, libretto di A. Benois e Stravinsky, 1311, teatro Chatelet, Parigi; 2a edizione con orchestra ridotta, 1946)
La Primavera Sacra, immagini della Rus' pagana in 2 parti (libretto di N.K. e S.P. Roerichs, 1913, “Teatro degli Champs-Elysees”, Parigi; 2a edizione della scena della Grande Danza Sacra, 1943)
Una storia sulla volpe, il gallo, il gatto e l'ariete, un'allegra rappresentazione con canto e musica (basata su racconti popolari russi, 1917, messa in scena nel 1922, Grand Opera, Parigi)
Storia di un soldato (La storia del soldato in fuga e del diavolo, letta, suonata e ballata, in 2 parti, per un lettore, 2 attori, ruolo di mimo, clarinetto, fagotto, cornetta, trombone, batteria, violino e contrabbasso ; basato sul russo racconti popolari dalla collezione di A. N. Afanasyev, e tradotto in francese da C. Ramuzat - “L’histoire de soldat”, 1918, Losanna)
Il canto dell'usignolo (Chant du rossignol, 1 atto, sulla musica dell'opera L'usignolo, “Balletto russo di S. Diaghilev”, Parigi, 1920)
Pulcinella (Pulcinella, balletto con canto, basato su un manoscritto napoletano dell'inizio del XVIII secolo; musica basata su temi, frammenti di opere e opere teatrali di G.B. Pergolesi, 1920, “Balletto russo di S. Diaghilev”, “Grand Opera”, Parigi )
Le Nozze (Les noces, scene coreografiche con canto e musica testi popolari dalla collezione di P. V. Kireyevskij, 1923, Teatro Lirico Goethe, Parigi)
Apollo Musagete (in 2 scene, per orchestra d'archi, 1928, Sarah Bernhardt Theatre, Parigi - Washington; 2a edizione 1947)
Il bacio della fata (Le baiser de la fee, balletto-allegoria in 4 scene, libretto di S. basato sulla fiaba di Andersen " La regina della neve", 1928, "Grand Opera", Parigi; 2a edizione 1950)
Carte da gioco (Jeu de cartes; un altro nome è Poker, balletto in 3 “mani”, coreografia di Stravinsky insieme a M. Malaev, 1937, New York)
Circus polka (Circus polka, basato su un'opera teatrale per orchestra da camera, Circo Barnum & Bailey, New York, 1942)
Orfeo (3 dipinti, libretto di Stravinsky, 1948, New York City Ballet, New York)
Agon (per 12 danzatori, in 3 parti, 1957, ibid.)
Cage (Cage, 1 atto, sulla musica del Concerto per archi di Basilea, New York City Ballet, 1951)

Per solisti, coro e orchestra

Inno sacro in onore del nome di S. Marco (Canticum Sacrum ad honorem Sancti Marci nominis, su testo dell'Antico Testamento, 1956)
Threni (Lamento del profeta Geremia, su un testo latino dell'Antico Testamento, 1958)
cantata Un sermone, un racconto e una preghiera, 1961
Cantici da requiem, basati sul testo canonico della messa da requiem cattolica e del servizio funebre, 1966)

Per coro e orchestra

Sinfonia di salmi, basata su testi latini dell'Antico Testamento, 1930, 2a edizione 1948)
Stendardo stellato, inno nazionale americano, 1941

Cantate

Per il 60° anniversario di N. A. Rimsky-Korsakov (per coro e pianoforte, 1904; perduto)
Star-faced (The Joy of White Doves, testi di K. D. Balmont, 1912, prima rappresentazione 1939)
Babilonia (basata sul 1° Libro di Mosè, capitolo XI, canti 1-9, 1944), cantata basata su parole di poeti inglesi dei secoli XV-XVI. (1952)

Per coro e ensemble strumentale da camera

Messa per coro misto e doppio quintetto di fiati sul testo canonico della liturgia cattolica, in 5 parti (1948), In Memory of T. S. Eliot (Introitus T. S. Eliot in memoriam, sul testo latino della preghiera funebre cattolica, 1965)

Per orchestra

3 sinfonie (Es-dur, 1907, 2a edizione 1917; in do, 1940; in 3 movimenti - Sinfonia in tre movimenti, 1945)
Concerto di Dumbarton Oaks, Es-dur (Dumbarton Oaks, 1938)
Concerto di Basilea, in re maggiore (per orchestra d'archi, 1940)
Scherzo fantastico (1908)
Fuochi d'artificio, Fantasia (1908, anche "balletto futurista senza ballerini", 1917, Roma)
Canzone russa (1937)
Quattro stati d'animo norvegesi, 1942
Scene di balletto in 11 parti (1944)
Preludio di congratulazioni, o Piccola ouverture (Preludio di auguri..., 1955, per l'80° anniversario di P. Monte)
Monumento a Gesualdo di Venosa per il 400° anniversario (Monumenturn pro Gesualdo di Venosa, 3 madrigali, detta anche Sinfonia Madrigale, o Monumento, 1960)
8 miniature (1962, strumentazione di opere per pianoforte per 5 dita, 1921)
Variazioni in memoria di Aldous Huxley (1964), canone sul tema della melodia popolare russa "Non era il pino al cancello a oscillare"

Per orchestra da camera

3 suite dal balletto Firebird (1919)
suite basate su cicli di brani leggeri per pianoforte a 4 mani (1921, 1925)
Danze da concerto (per 24 strumenti, 1942, adattato anche per il balletto)
Ode funebre (canto elegiaco, in 3 parti, o Trittico in memoria di N. Koussevitzkaya, 1943)
Polka da circo per un giovane elefante (Circus polka, 1942)
Scherzo a la Russe per orchestra sinfonica jazz (1944)
preludio per orchestra jazz (1937, 2a edizione 1953, inedito)

Per strumento e orchestra

concerto per violino in re maggiore (1931)
Movimenti per pianoforte (1959)
concerto per pianoforte e strumenti a fiato (1924, 2a edizione 1950)
concerto per 2 pianoforti (1935)
Concerto in ebano, per clarinetto solo e ensemble strumentale, 1945)
capriccio per pianoforte (1928)

Ensemble strumentali da camera

Duo concertante per violino e pianoforte (1931)
Epitaffio per la lapide di Max Egon di Furstenberg (per flauto, clarinetto e arpa, 1959)
3 pezzi per quartetto d'archi (1914; arrangiamenti inclusi nel ciclo 4 studi per orchestra sinfonica, 1914-28)
Concertino per quartetto d'archi (1920)
brani sinfonici per strumenti a fiato In memoria di C. Debussy (detta anche Sinfonia per strumenti a fiato, 1920, 2a edizione 1947)
Ottetto per strumenti a fiato (1923, 2a edizione 1952)
Canzone dei trasportatori di chiatte del Volga per venti e strumenti a percussione(organizzato dal russo canzone folk"Ehi, gridiamo!", 1917)
Ragtime per 11 strumenti (1918)
5 pezzi monometrici per ensemble strumentale (1921)

Per pianoforte

scherzo (1902)
sonate (1904, 1924)
4 studi (1908)
3 pezzi facili a 4 mani (1915, anche a 2 mani, 1915, inclusi nella suite per piccola orchestra, 1921)
Ricordi della marcia di Boche (1915)
5 pezzi facili a 4 mani (1917), il 4° è compreso nella suite per piccola orchestra, 1921; 1° - per pianoforte a 2 mani)
Corale funebre in memoria di Debussy (1920)
5 dita (8 pezzi più facili su 5 note, 1921)
Valzer per piccoli lettori "Figaro" (1922)
Serenata (1925)
Tango (1940; arrangiamento per violino e pianoforte, 1940, anche per piccola orchestra, 1953)
Valzer dei fiori (per 2 pianoforti, 1914)

Per coro una sarrella

Podblyudnaya per voci di donne sui testi popolari (1917)
Padre Nostro (per coro misto, nel testo canonico russo Preghiera ortodossa, 1926; nuova edizione con testo latino Pater noster, 1926)
Credo (per coro misto, basato sul testo canonico russo della preghiera ortodossa, 1932; nuova edizione con testo latino Credo, 1949)
Vergine Maria, Ave (per coro misto, basato sul testo canonico russo della preghiera ortodossa, 1934; edizione con il testo latino dell'Ave Maria, 1949)
3 canti spirituali di Carlo Gesualdo di Venosa, scritti per il 400° anniversario della nascita di Gesualdo (Inno - Inno, 1959, La Colomba che discende rompe l'aria, con testi di T. S. Eliot, 1962)

Per voce e orchestra

Fauno e pastorella (suite su testi di Pushkin, 1906)
Abramo e Isacco (ballata sacra in ebraico, dall'Antico Testamento, 1963)

Per voce e ensemble strumentale

3 poesie giapponesi (per soprano, 2 flauti, 2 clarinetti, pianoforte e quartetto d'archi; testo russo di A. Brandt, 1913; arrangiamento per voce acuta e pianoforte, 1913; per voce acuta e orchestra da camera, 1947)
Scherzi, canzoni comiche (per contralto e 8 strumenti, basate su testi popolari russi, 1914)
Cat's Lullabies (suite su testi popolari russi per contralto con 3 clarinetti, 1916; anche con flauto, arpa e chitarra, pubblicata nel 1956)
3 canzoni (su parole di W. Shakespeare, per mezzosoprano, flauto, clarinetto e viola, 1953)
4 canzoni russe (per soprano, flauto, arpa e chitarra, basate su 4 canzoni russe per voce e pianoforte e “3 storie” per bambini, 1954)
In Memory of Dylan Thomas (Funeral Canons and Song, per tenore, quartetto d'archi e 4 tromboni su poesie inglesi di D. Thomas, 1954)
Elegia di J. F. K. (dedicata a J. F. Kennedy, su poesie di W. H. Auden, per baritono, 2 clarinetti, clarinetto contralto, 1964)

Per voce e pianoforte

storia d'amore “Cloud” (parole di Pushkin, 1902)
Il direttore d'orchestra e la tarantola (basato sul testo della favola di Kozma Prutkov, 1906; note perdute)
Pastorale (canzone senza parole, 1907)
2 canzoni sulle parole di S. M. Gorodetsky (1908)
2 poesie di P. Verlaine (1910; 2a edizione della 2a - 1919, 1a - 1951)
2 poesie di KD Balmont (1911; 2a edizione 1947)
3 storie per bambini (basate su testi popolari russi, 1917)
Ninna nanna (su testo proprio, 1917)
4 canzoni russe (su testi popolari, 1918)
Il gufo e la gattina, tratto da poesie inglesi di E. Lear, 1966)
I funghi vanno in guerra (1904)
Aria di mare (?)

Arrangiamenti e trascrizioni di opere di altri compositori

pezzo per pianoforte “Kobold” di E. Grieg (strumentazione, per il balletto Feast, 1909)
“La canzone di Mefistofele sulla pulce” di Beethoven (da “Faust” di J. W. Goethe; per basso e orchestra, testo russo di V. A. Kolomiytsov, 1909)
“Song of a Flea” di Mussorgsky (per basso e orchestra, testo russo di A. Strugovshchikov, 1909)
“La Marseillaise” (per violino solo, 1919)
cori dal prologo dell'opera Boris Godunov di Mussorgsky (per pianoforte, 1918)
canzonetta di J. Sibelius (per 9 strumenti, 1963)
Notturno e Valzer brillante di F. Chopin (per orchestra. 1909)

Stravinskij ha lavorato in quasi tutti i generi esistenti: opera, balletto, musica da camera strumentale e vocale da camera, sinfonia, musica vocale-sinfonica, concerto strumentale. IN periodi diversi creatività, l'immagine dei generi è cambiata. IN primo periodo(fino al 1908) la scelta dei generi non era indipendente, era dettata dall'imitazione del maestro. Dal 1909 al 1913 il balletto occupò una posizione eccezionale. Successivamente, a partire dagli anni '10, furono proposti altri generi di teatro musicale. Nel periodo neoclassico, insieme al balletto e all'opera, le opere strumentali giocarono un ruolo di primo piano. Negli anni prima e durante la seconda guerra mondiale, Stravinsky si rivolse alla sinfonia, che riflette il desiderio generale di sinfonismo concettuale, caratteristico in quegli anni per i principali compositori europei: Honegger, Bartok, Hindemith, Shostakovich, Prokofiev. Nell'ultimo periodo della sua opera predominano le opere cantata-oratorio.

Un posto speciale nell'eredità dell'autore di "Petrushka" è occupato da Teatro musicale . Stravinsky si distingue generalmente per una brillante teatralità del pensiero, che si riflette nella visibilità dei gesti e delle "intonazioni" plastiche incarnate per mezzo della musica, nella specificità del suono, nel senso del tempo scenico e nei cambiamenti nel ritmo-tempo dell'azione . Immagini visive specifiche spesso guidavano l'immaginazione del compositore. Stravinsky amava vedere un'orchestra suonare (non gli bastava solo ascoltare), e gli piaceva anche una sorta di "teatro strumentale".

Il suo teatro musicale combina le tendenze provenienti dal folklore russo - fiabe recitate, spettacoli di buffoni, giochi, rituali, teatro delle marionette - e allo stesso tempo riflette le tecniche della commedia dell'arte, dell'opera seria e dell'opera buffa, dei misteri medievali e il teatro giapponese Kabuki. Tiene conto dell'estetica teatrale del "mondo dell'arte", Meyerhold, Craig, Reinhardt, Brecht. Il teatro di Stravinskij per sua natura differisce nettamente dal “teatro dell'esperienza” di Cechov-Ibsen. La sua natura è diversa. Questo è un teatro di esibizione, performance, teatro convenzionale, solo a volte, come una tecnica speciale che consente un'esperienza aperta. Ecco perché Stravinskij respinge nettamente (fino all’ingiustizia) i veristi, così come il teatro di Wagner.

Stravinskij si rivolge a soggetti di diversa origine e natura: fiabe (“L'uccello di fuoco”, “L'usignolo”, “Il racconto”, “La storia di un soldato”), rituali (“La sagra della primavera”, “Le nozze”). ), antico mito greco("Edipo il re", "Orfeo", "Persefone", "Apollo Musagetes"), trame che collegano realtà e finzione ("Petrushka", "The Rake's Progress", "The Fairy's Kiss"). Si possono individuare temi che attraversano il suo teatro musicale: l'uomo nel ciclo delle forze naturali, l'uomo e la roccia, l'uomo e la tentazione.

Stravinsky ha lavorato molto generi strumentali . La sua penna comprende sinfonie, concerti per strumenti solisti (pianoforte e violino) con orchestra e concerti per orchestra, musica strumentale da camera, opere per strumenti solisti - quasi esclusivamente per pianoforte, che Stravinsky apprezzò molto, utilizzandolo sia come strumento solista che come strumento strumento solista in orchestre ed ensemble. Quasi tutto opere strumentali Le opere del compositore furono scritte dopo il 1923, cioè a partire dal periodo neoclassico della creatività. E qui è necessario parlare delle peculiarità del suo pensiero strumentale, che si è manifestato in vari generi, non solo strumentali. Riguarda, innanzitutto, sulla concertità come proprietà fondamentale pensiero musicale Stravinskij. IN in questo caso questo termine (derivato da concertare, che significa competizione, rivalità, ma anche accordo) indica non l'opposizione tra solista e orchestra, tipica di un concerto di epoca romantica, ma il principio di sviluppo attraverso dialoghi strumentali e confronto di volumi sonori. Questa comprensione deriva dall'era barocca (da Händel, Bach, Vivaldi) e allo stesso tempo non è solo una restaurazione dei principi barocchi. L'introduzione e lo sviluppo dell'esecuzione concertistica hanno ampliato le possibilità forma sonata e il ciclo di sonate, hanno contribuito all'individuazione degli strumenti.

Stravinskij entrò in contatto per la prima volta con questo principio in “La storia di un soldato” (1918) e “Pulcinella” (1919). Ciò che vi trovò consolidò nell'Ottetto (1923). Il principio del concerto si manifesta in tutte le opere successive del compositore. È pienamente affermato nei concerti, penetra nelle opere d'insieme e interagisce con il pensiero sinfonico nelle sinfonie.

Creatività vocale Stravinsky comprende opere da camera - per voce e pianoforte, ensemble vocale e da camera o orchestra - e opere vocale-sinfoniche. I primi sono relativamente pochi; sono distribuiti in modo disomogeneo lungo tutto il percorso creativo, anche se il loro significato in alcuni periodi è molto importante; la comparsa di quest'ultimo in un primo momento sembra non essere altro che un episodio, ma in periodo tardivoè su di essi che cade il centro di gravità dell’opera del compositore di Stravinskij.