Lukisan Rusia dibedakan dari seni dunia. Faktanya, hingga abad ketujuh belas, lukisan domestik dikaitkan secara eksklusif dengan tema religius. Situasi berubah dengan berkuasanya tsar-reformer - Peter the Great. Berkat reformasinya, master Rusia mulai terlibat dalam lukisan sekuler, dan lukisan ikon dipisahkan sebagai arah yang terpisah. Abad ketujuh belas adalah masa seniman seperti Simon Ushakov dan Iosif Vladimirov. Kemudian, di dunia seni Rusia, potret lahir dan dengan cepat menjadi populer. Pada abad kedelapan belas, muncul seniman pertama yang beralih dari lukisan potret ke lukisan lanskap. Simpati yang diucapkan para master untuk panorama musim dingin terlihat jelas. Abad kedelapan belas juga dikenang sebagai kelahiran seni lukis sehari-hari. Pada abad kesembilan belas, tiga tren mendapatkan popularitas di Rusia: romantisme, realisme, dan klasisisme. Seperti sebelumnya, seniman Rusia terus beralih ke genre potret. Saat itulah potret dan potret diri O. Kiprensky dan V. Tropinin yang terkenal di dunia muncul. Pada paruh kedua abad ke-19, para seniman semakin sering menggambarkan orang-orang Rusia biasa dalam keadaan tertindas. Realisme menjadi trend sentral seni lukis periode ini. Saat itulah para Pengembara muncul, hanya menggambarkan kehidupan nyata yang nyata. Nah, abad ke-20, tentu saja, adalah avant-garde. Seniman pada masa itu secara signifikan memengaruhi pengikut mereka di Rusia dan di seluruh dunia. Lukisan mereka menjadi cikal bakal abstraksionisme. Lukisan Rusia adalah dunia besar seniman berbakat yang memuliakan Rusia dengan kreasi mereka
Pemandangan spesies.
Sejak abad ke-17 Lanskap topografi didistribusikan secara luas (pengukir - M. Merian Jerman dan V. Gollar Ceko), yang perkembangannya sebagian besar telah ditentukan sebelumnya dengan penggunaan kamera obscura, yang memungkinkan untuk mentransfer motif individu ke kanvas atau kertas dengan akurasi yang belum pernah terjadi sebelumnya. Pemandangan seperti ini di abad XVIII. mencapai puncaknya dalam vedutas yang dipenuhi udara dan cahaya oleh Canaletto dan B. Belotto, dalam karya F. Guardi, yang membuka tahap baru secara kualitatif dalam sejarah lanskap, dan menonjol karena reproduksi virtuoso dari cahaya yang dapat diubah -lingkungan udara. Pemandangan spesies di abad XVIII. memainkan peran yang menentukan dalam pembentukan lanskap di negara-negara Eropa tersebut hingga abad ke-18. tidak ada genre lanskap independen (termasuk di Rusia, di mana perwakilan terbesar dari jenis lanskap ini adalah seniman grafis A.F. Zubov, M.I. Makhaev, pelukis F.Ya. Alekseev).
Genre lanskap muncul agak terlambat. Kemunculannya dikaitkan dengan pendirian Akademi Seni St. Petersburg, di mana pada tahun 1767 didirikan kelas lanskap untuk melatih pelukis lanskap. Kelas perspektif dan pemandangan teatrikal, dari mana banyak pelukis lanskap berasal, juga berkontribusi pada pembentukan genre ini. Spesialisasi sempit, termasuk lanskap, dilembagakan di kelas ukiran.
Kelas lanskap dari tahun 1776 hingga 1804 diajar oleh Semyon Shchedrin, seorang siswa Akademi Seni. Pelukis lanskap terkenal Fyodor Alekseev meninggalkan kelas perspektif. Kesulitan muncul dengan pencarian guru untuk kelas pemandangan teater. Oleh karena itu, pada 1776, Dewan Akademik memutuskan untuk mengirim dua siswa ke master teater - Yakov Gerasimov dan Fyodor Matveev, yang kemudian menjadi pelukis lanskap terkenal.
Yang sangat penting untuk pengembangan genre lanskap adalah perjalanan pensiun dari lulusan Akademi yang paling berbakat. Belajar di Italia dan Prancis dengan para master hebat, para pensiunan meningkatkan keterampilan mereka, mencapai tingkat seni Eropa. Mereka telah berada di luar negeri, dan beberapa telah tinggal di sana. pelukis lanskap terkenal Rusia: Maxim Vorobyov, Alexander Ivanov, Mikhail Lebedev, Semyon Shchedrin, Fyodor Matveev. Fedor Alekseev, Sylvester Shchedrin dan banyak lainnya. Hal ini memungkinkan genre lanskap untuk disamakan dengan seni Eropa dan terus menjalani kehidupan Rusia-nya sendiri, menemukan wajahnya sendiri, menanggapi masalah realitas spiritual negara tersebut.
Pemandangan yang dibawakan oleh Semyon Fedorovich Shchedrin (1745 - 1804) terbentuk sebagai genre mandiri, tidak dibebani dengan berbagai jenis lempung berpasir. Ini bukan lagi latihan dalam tampilan perspektif, tetapi gambar tampilan medan. Sebagai pensiunan Akademi Seni, Shchedrin belajar di Prancis, di mana dia dilindungi oleh duta besar Rusia di Paris, Pangeran DA Golitsyn, sebenarnya, kritikus seni Rusia pertama yang menulis esai tentang teori dan sejarah seni. Dilihat dari karya awal Shchedrin Siang(1779), dieksekusi setelah tinggal di Italia, artis tersebut jelas dipengaruhi oleh klasisisme. Plot karakteristik dengan kawanan dan reruntuhan, skema warna khas klasisisme, membagi komposisi menjadi denah - cokelat di dekat dan biru di kejauhan, interpretasi dekoratif pepohonan, tidak alami, tetapi diubah menjadi awan halus, adalah bukti kemunculannya dari genre lanskap tersusun.
Setibanya di Rusia, Shchedrin menerima sejumlah pesanan panel lanskap untuk Kastil Mikhailovsky (1799-1801), mural dan panel untuk Gatchina, Pavlovsk, dan Peterhof. AA Fedorov-Davydov mencatat perkembangan seni taman pada akhir abad ke-18 yang memengaruhi lukisan Shchedrin. Biasa atau gratis, dalam semangat Inggris, taman dibuat di Pavlovsk, Peterhof, Tsarskoye Selo, Gatchina. Lukisan pemandangan dimaksudkan untuk menghiasi istana dan oleh karena itu, bersama dengan panel istana, mereka memiliki fungsi dekoratif. Fungsi-fungsi ini menentukan makna dan struktur periode St. Petersburg dari karya Shchedrin, termasuk lanskap kuda-kuda yang dieksekusi olehnya pada 1792-1798: Penggilingan di Pavlovsk(1792), Pemandangan Istana Gatchina dari Long Island(1796). Lihat di taman Gatchina(1798). Seniman mempertahankan di dalamnya semua tanda konvensionalitas: warna coklat, sedikit diwarnai dengan hijau dan biru, pohon "anjing kampung", figur staf, menunjuk ke motif kontemplasi. Waktu sepertinya membeku dalam gambar, dan itu membutuhkan refleksi.
Tidak dapat dikatakan bahwa lanskap itu sepenuhnya disusun oleh Shchedrin. Itu didasarkan pada tampilan tertentu, tetapi diubah secara sewenang-wenang oleh senimannya. Ya, di lanskap Penggilingan di Pavlovsk dekorasi surat itu terlihat jelas, terinspirasi oleh beberapa sisa barok, yang tidak sempat menghilang dengan datangnya zaman baru. Tampaknya "Shchedrin Baroque" dipengaruhi oleh gaya lukisan ikon Rusia abad 17-18, serta interior Naryshkin Baroque. Dalam dua tampilan - Istana Gatchina dari Long Island dan Taman Gatchina - bersama dengan pepohonan yang dirawat secara dekoratif, kedalaman ruang nyata yang dibangun oleh cahaya terlihat. Jejak gaya klasisisme terlalu penakut, namun pemahaman lanskap sebagai gambaran suatu tanah yang indah sesuai dengan konsep klasisisme, yang mengoreksi sifat “kejam” dengan menyelaraskannya dengan barang antik. Alam, seolah dipangkas menjadi pola dekoratif standar, jauh dari sifat Rusia. Lansekap adalah sejenis kanon gaya, dieksekusi sesuai dengan aturan permainan gaya ini. Tapi itu juga berisi pengamatan alam secara langsung, ditandai dengan keinginan untuk menangkap kekaguman alam dan keindahan realitas. Lebih langsung, realitas diwujudkan dalam dua Pemandangan Istana Kamennoostrovsky(1803 dan 1804). Sungai dan istana ditulis menurut aturan perspektif. Mereka jelas dan dapat dipercaya. Gambar tersebut menunjukkan pengaruh pelukis lanskap lainnya - Fyodor Alekseev dengan pemandangan St. Petersburg yang lapang dan spasial. Dalam lanskap Shchedrin, gambar diganti dengan komposisi. Lanskap yang tersusun adalah fiksi, berdasarkan pemandangan area yang sangat spesifik, tetapi dimodifikasi sedemikian rupa sehingga prototipe aslinya tidak dapat ditebak. Lanskap fiksi Shchedrin adalah lanskap prototipe, bukan lanskap. Karena alasan ini, lanskap tidak dapat dikenali secara spesifik, meskipun sebenarnya memiliki nama jenis.
Klasisisme memiliki konsep ideologis dan plastiknya sendiri. Plot dan tema yang diberikan terlihat pada gambar Siang, di mana artis menerima gelar akademisi. Program akademik menentukan: "Saya akan membayangkan siang hari, di mana ternak, gembala dan gembala dibutuhkan, seringkali hutan air, gunung, semak, dll." Adegan pedesaan serupa digambarkan dalam lukisan Lihat di sekitar Stary Russa(1803) dan Pemandangan dengan gembala dan kawanan Arcadia asli Rusia tidak ada hubungannya dengan kenyataan. Seniman mengejar ideologi seni klasik dalam lanskap, yang sistem visualnya menyediakan jarak antara realitas dan fiksi, memberikan preferensi pada gambaran kehidupan yang disusun secara fiksi dan konvensi interpretasi plastiknya.
Pada 1799-1801, atas perintah Paul I, Shchedrin melukis panel untuk Kastil Mikhailovsky. Di dalamnya, sang seniman tidak hanya menyempurnakan ciri-ciri dekoratif sikapnya, tetapi juga mengubah sifat lanskap sebagai genre yang telah digariskan dalam karya-karyanya sebelumnya. Di panel Jembatan batu di Gatchina dekat Connetable Square makna dan tujuan lanskap Shchedrin berubah secara signifikan. Panel tersebut cocok dengan interior istana, berada di bawah tugas mendekorasi aula dengan sengaja. Lansekap itu sendiri, yaitu citra kawasan, hanya menjadi alasan penerapan fungsi karya yang berbeda, disesuaikan dengan gaya arsitektur interiornya. Otonomisasi lanskap yang tampak atau sebelumnya sebagai genre independen berada di bawah tugas mendekorasi interior istana. Dari sini mengikuti penguatan awal dekoratif karya, yang mengabaikan transfer subjek gambar yang tepat. Fungsi karya dekoratif dan kuda-kuda berbeda. Menyerahkan tugas dekoratif, genre lanskap berubah menjadi ilusi genre, kehilangan atau mempersempit kemandiriannya dalam mengajukan masalah genre dan lanskap, dalam refleksi dan reproduksi kehidupan.
Fedor Yakovlevich Alekseev (1753 - 1824) mengambil langkah pertama dalam lukisan lanskap Rusia menuju penggambaran lanskap yang sebenarnya. Subjek seninya adalah lanskap kota. Dalam pengertian ini, garis perspektif perkotaan telah digariskan dalam lanskap Rusia, seolah mewarisi seni Canaletto, Bellotto, Guardi, dan lainnya.
Alekseev menciptakan lanskap lapang berkat konstruksi rencana yang indah. Perspektif dan lingkungan udara adalah komponen penting dari lanskapnya. Karya-karya seniman tidak merespon ide-ide yang berada di luar gambar lanskap, sehingga tidak memiliki unsur di luar interpretasi artistik subjek gambar. Kisaran lembut nada dingin biasanya berlaku dalam perspektif Petersburg. Lukisan cahaya sesuai dengan warna asli kota, dan lingkungan udara tampaknya menunjukkan kegembiraan emosional sang seniman. Penafsiran lanskap melalui udara merupakan inovasi dalam seni Rusia. Mungkin hanya orang Belanda, Claude Lorrain dan Joseph Turner yang beralih ke teknik ini, yang menjadi salah satu sarana esensial solusi bergambar tema. Pemandangan Alekseev bersifat kontemplatif. Cahaya yang mengalir dengan tenang memberi beberapa karyanya rasa damai. Dalam lanskap St. Petersburg Alekseev, pengaruh Francesco Guardi, yang beralih ke panorama udara saat menggambarkan Venesia, dapat dirasakan.
Dalam pandangan Nikolaev dan Kherson, seniman lebih memperhatikan objektivitas yang menjadi ciri khas karya Antonio Canaletto dan terutama Bernardo Bellotto. Bentang alam Alekseev berpenduduk jarang, tetapi jika ada kesamaan genre sehari-hari, tema lanskap menang. Bagi Canaletto, kehidupan kota hampir menjadi inti dari gambar, oleh karena itu agak sulit untuk menentukan genre berdasarkan subjek gambar. Genre pada umumnya sering mengubah esensinya, memperoleh makna yang sama sekali berbeda dari yang biasa dianugerahkannya. Bagi Canaletto, lanskap bukanlah pemandangan kawasan, melainkan tampilan kehidupan kota. Perbedaan ini sangat penting, karena penilaian karya dari sudut pandang tipologi genre sulit dilakukan. Seperti Canaletto, Alekseev menghadirkan kota baik sebagai pemandangan kawasan maupun dalam integritas kehidupannya, dan tidak hanya menikmati fitur arsitekturalnya. (Pemandangan dari Pulau Vasilyevsky ke Tanggul Inggris, 1810-an). Sebaliknya, lanskap Moskow berfokus pada pemandangan kuno, pada karakteristik "reruntuhan" lanskap klasisisme. Kota Alekseev ramai, dihuni oleh para pekerja, terutama di gambar Lapangan Merah di Moskow(1801) dan gambar tanggul St. Petersburg. Dalam hal ini, lukisannya tidak seperti lanskap staf Semyon Shchedrin atau Benjamin Patersen.
Bentang alam Moskow sangat berbeda dari bentang alam spasial, terang, dan lapang di St. Petersburg. Tampaknya prasangka tertentu, pandangan yang diterima dengan sengaja, melayang di atas segalanya. Ibukota kuno muncul dalam lingkaran "masa lalu", gamma hijau seperti patina Gambarnya bercirikan kerumitan yang merusak alam. Karena itu, gambar memperoleh efek dekoratif, seni menggambar kembali ke Semyon Shchedrin. Pemandangan Alekseev tampak bergerak tersentak. Pada awalnya, dia mengikuti jalan kesempurnaan yang realistis, kemudian kembali ke efek dekoratif yang sangat dangkal.
Lanskap Rusia sebenarnya dimulai sebagai lanskap perkotaan, yang membuat penyesuaian signifikan pada skema klasik. Dia menghancurkannya, karena dia tidak sesuai dengan ide-ide seni klasisisme yang megah, menyedihkan, sipil... Sejak awal, lanskap perkotaan ditetapkan sebagai genre rendah, karena terpaksa beralih ke kehidupan kota, ke kehidupan sehari-hari. genre, yang digabungkan dengan jelas. Karya Alekseev menonjol dalam seni Rusia abad ke-18. Itu hidup berdampingan dengan dekorativisme Semyon Shchedrin dan klasisisme Fyodor Matveev, tetapi bertentangan dengannya, seolah mengantisipasi kecenderungan realistis lanskap berikutnya.
Fyodor Matveevich Matveev (1758 - 1826) melanjutkan impian Renaisans tentang kehidupan yang harmonis. Klasisisme secara keseluruhan memanfaatkan imajinasi Renaisans, yang pada gilirannya didasarkan pada legenda Injil... Dia melengkapi nostalgia untuk kehidupan yang harmonis dengan penyesalan atas barang antik yang hilang. Lanskap klasik abad ke-18 membatasi gagasannya tentang kehidupan yang indah hingga pemuliaan realitas kuno yang ditemui dalam kenyataan dan mengingatkan pada keberadaan manusia dan alam yang dulu harmonis. Lanskap klasik Matveev sebagian besar bersifat elegiac. Dia asing dengan kejelasan Lorrain, yang dibaca seolah-olah dalam himne yang dinyanyikan untuk matahari dan cahaya. Lanskap Matveev adalah keanggunan yang cerah yang terdengar pada nada yang sama, di mana realitas dan masa lalu bersatu. Pemandangannya, seolah-olah, retrospektif bukan dalam gayanya, tetapi dalam perasaan dan suasana hati yang melekat pada seniman Renaisans, yang mengoreksi struktur spiritual seni lama, memberikan apa yang diinginkan untuk kenyataan. forum rim razvaliny
Matveev juga mempertahankan elemen dekoratif. Ini menunjukkan bahwa klasisisme tumbuh dari lukisan dekoratif, mempertahankan plastisitasnya sebagai atavisme. Dekorasi terasa dalam stilisasi alam. Modifikasi bentuk menyangkut gambar pohon, mengkilap, hancur, seolah-olah daun mint dari denah tengah, serta warna, jelas kebiruan atau terlalu hijau.
Dalam karya Matveev, seluruh filosofi lanskap muncul, pemahaman masalah pandangan dunia melalui lanskap. Pemandangannya terdengar seperti simfoni bergambar, di mana refleksi pengarang tentang ruang dunia, tentang kelemahan keberadaan duniawi terdengar jelas. Berfilsafat dibingkai oleh garis plot.
Dalam klasisisme, seni bergambar didasarkan pada esai yang diubah secara kondisional dengan tema kualitas nyata dari alam, keadaan alam dan kehidupan. Klasisisme awal abad ke-19 Matveev memiliki tema yang sama sekali berbeda dari klasisisme abad ke-18. Sebelumnya, klasisisme berfantasi tentang tema kuno atau mitos (Nicolas Poussin, Claude Lorrain), sekarang seolah-olah menjadi kenyataan, di mana salah satu aspeknya dipilih: "sisa-sisa" budaya kuno, diubah oleh seniman menurut filosofinya, menyesali masa lalu, yang diwujudkan dalam bentuk realitas ilusi.
Yang "megah" (dalam terminologi klasisisme) diekstraksi dari alam itu sendiri, di mana motif pegunungan atau ruang megah yang sesuai dipilih, dan diperkuat oleh reruntuhan monumen kuno. Ketika Pyotr Chekalevsky mengatakan bahwa lukisan "memilih tontonan alam yang paling sempurna secara umum, menghubungkan berbagai bagian dari banyak tempat dan keindahan banyak orang", ini terutama diterapkan pada Matveev. Komunikasinya dengan kenyataan berubah menjadi idealisasinya - tanda lanskap klasik. Fedorov-Davydov menulis: "Dalam klasisisme, lanskap dari alam dan lanskap imajinasi tidak begitu banyak digabungkan karena mereka saling bertarung"2. Kecenderungan alami, seolah-olah, tunduk pada fiksi. Fedorov-Davydov mengutip kata-kata Matveev, membenarkan pertimbangan ini: "Seorang seniman tidak ingin meninggalkan tempat-tempat yang indah dan didekorasi secara alami yang tampaknya sengaja dibuat oleh sang seniman."
Dalam karya Matveev, seruan untuk mengingatkan budaya masa lalu sama sekali berbeda dari karya Claude Lorrain atau Hubert Robert, di mana reruntuhannya fiksi, tetapi sesuai dengan arsitektur Renaisans. Reruntuhan Matveev memiliki karakter nyata: Colosseum, misalnya, atau Kuil Paestum (Pemandangan heroik). Pandangan nyata dirasakan melalui prisma konsep "transformasi" pengarang. Seringkali, seperti dalam Pemandangan Roma. Colosseum, kealamian pemandangan mulai menguasai "filosofi" dan lanskap, meskipun beratnya arsitektur klasik, tampak seperti citra alam biasa. Terkadang seni Matveev tampak seperti buku teks tentang contoh dan aturan klasisisme. Memang, karyanya memberikan normativitas klasik. Banyak komposisi memiliki keteraturan yang stabil, diapit oleh pepohonan, diimbangi oleh horizontal gunung dan vertikal arsitektural. Pandangan yang sama tentang Roma, Colosseum memiliki keteraturan konstruksi yang masuk akal. Ini menunjukkan batasan rencana yang ketat: yang pertama ditulis secara detail, secara detail; denah tengah, yang berisi gagasan utama lanskap, dicat hijau, denah jauh "meleleh" dalam kabut kebiruan, berfungsi sebagai semacam latar belakang plot. Namun, dalam banyak karya lainnya Matveev tetap mempertahankan prinsip lanskap dekoratif. Di Vida in Paestum, skema klasik bangunan panggung dipatahkan oleh sekelompok pohon yang terletak hampir di tengah komposisi. Dalam Lanskap Pahlawan, kumpulan pepohonan di sisi kanan gambar mengalahkan penyeimbang yang lemah di sisi kiri. Elemen lukisan dekoratif, tidak terbatas pada komposisi yang tergeser, dilestarikan dalam teknik konstruksi pemandangan yang dekoratif, stabil dan monoton. Gambarnya cenderung dekoratif, terutama terlihat dari cara setiap daun dari mahkota pohon besar dicetak, dapat dibaca dengan jelas di langit yang cerah. Klasisisme abad ke-19 mempertahankan dari dekorasi akhir abad ke-18 ketelitian studi subjek dan warna coklat, yang memiliki dua atau tiga corak yang sedikit. Warna di Matveev padam, menjadi membosankan, tidak membangkitkan emosi. Yang utama adalah komposisi dan gambarnya, terkadang jelas, terkadang monogram, sangat canggih. Template yang dikembangkan mengarah pada satu hasil: komposisi dan transformasi berdasarkan realitas. Pemandangan alam di sekitar Bern (1817), ditransformasikan, kehilangan bentuk aslinya dan diterjemahkan ke dalam panorama megah yang ideal, seolah-olah bukan area tertentu yang digambarkan, tetapi konsep artistik "seluruh bumi" adalah sedang dilaksanakan. Matveev memiliki versi lanskap idealnya sendiri. Dia tidak selalu heroik dan agung. Idealisasi tidak hanya menyangkut citra bumi yang indah, tetapi juga hal-hal khusus yang membentuk keseluruhan. Misalnya, pohon bersyarat, melambangkan gagasan tentang pohon yang mewah, tetapi tidak menyampaikan tampilan aslinya.
Pemandangan dengan figur-figur dalam pakaian antik dibedakan dengan detail gambar yang cermat, hasil akhir kerawang. Latar depan, serta mahkota pohon di sebelah kanan, digambar dengan ketelitian ahli perhiasan. Namun, apakah ketelitian penulisan bertentangan dengan generalisasi gambar? Sampai batas tertentu, pasti. Tetapi hanya pada tingkat generalisasi yang realistis. Dalam klasisisme ada generalisasi yang berbeda. Gambar klasiknya sama. Itu tidak menanggapi kekhususan dari hal-hal khusus dan keseluruhan. Ini menghasilkan citra-ideal, yang seharusnya menunjukkan kualitas tertentu. Dalam versi ini, pohon mewujudkan gagasan flora yang mewah. Ini bukan simbol, tetapi, bisa dikatakan, “detail khas * dalam sistem pengukuran artistik klasik. Dengan sedikit variasi, ini berlaku untuk elemen lain (reruntuhan, gunung, dataran, tumbuhan, lembah) yang muncul di semua interpretasi alam. Seniman, sebagai seorang arsitek, beroperasi dengan “detail khas*, membuat matriks gambar, membangun citra dunia yang ramping dan disesuaikan secara emosional.
Dunia dalam karya Matveev tidak bergerak. Pegunungannya khusyuk dan statis, langitnya tenang dan cerah, sungainya halus dan tenang. Gambaran dunia dalam keseimbangan rasionalnya, seolah-olah, menentang elemen lainnya - laut yang gelisah. Dan jika gunung menjadi simbol ketenangan klasik, maka laut dan air terjun adalah tanda dorongan romantis.
Pelukis lanskap awal abad ke-19 (kebanyakan lulusan Akademi Seni) tidak mencapai puncak artistik. Namun, beberapa karya mereka secara tak terduga mengungkapkan tren yang signifikan. Dengan demikian, lanskap warna nasional muncul dalam lukisan karya Andrey Efimovich Martynov (1768 - 1826) Pemandangan Sungai Selenga di Siberia (1817) atau Timofey Alekseevich Vasiliev (1783 - 1838) Pemandangan dermaga Nikolaev di sumber Angara Sungai dari Danau Baikal (1824), yang mempertahankan signifikansi klasik dan skala spesies. Tapi ini bukan lagi lanskap heroik, meski dipandu oleh efek tertentu. Efektivitas adalah kesedihan yang akan dilestarikan oleh seni Rusia untuk waktu yang lama. Dalam lanskap ini, tidak banyak alam yang direnungkan seperti kehidupan di bumi. Sangatlah penting bahwa, terlepas dari teknik klasisistik tradisional, kehidupan sehari-hari yang biasa digambarkan, yang pada intinya menghancurkan motif klasik yang luhur. Dalam kasus di mana alam mempertahankan penampilan yang megah, cangkang kehidupan manusia sehari-hari mulai bertentangan dengan kesan klasik.
Tren dekoratif dan klasik dalam seni memiliki hubungan khusus dengan subjeknya. Subjek tidak menarik perhatian seniman dengan nilai independennya yang mampu menimbulkan keinginan untuk mengetahuinya dan menemukan kualitas estetika di dalamnya. Subjek terlibat dalam lingkaran refleksi filosofis dan tidak memiliki makna independen. Itu berdiri di antara komponen lain dari gambar sebagai elemen sekunder yang diperlukan untuk menunjukkan situasi yang dihasilkan oleh penulis dan gambar panorama yang mengekspresikan filosofi penulis. Oleh karena itu, mata pelajaran tidak dipelajari, tidak diselidiki, tetapi, pada kenyataannya, memainkan peran kepegawaian, yang, bersama dengan komponen lainnya, harus menciptakan gambaran "umum" tentang dunia. Dalam klasisisme, standar untuk menggambarkan desa, gunung, ruang, denah dibuat. Dengan pengecualian yang jarang, pohon digambar secara umum, tanpa jenis, kecuali pinus dapat dikenali. Dengan demikian, gagasan mahkota mewah diwujudkan, gagasan gunung, berubah menjadi dekorasi datar. Dengan kata lain, pendekatan alami terhadap alam belum dikembangkan, yang mengurangi signifikansi konkret dari berbagai hal. Citra klasik jauh dari memahami kehidupan alam. Ini lebih mewakili pergerakan pemikiran pengarang, gagasan pengarang tentang lanskap, di mana alam diberi peran kelas tiga. Alam tidak ada hubungannya dengan waktu. Itu tidak menunjukkan situasi tertentu. Kurangnya kekhususan mengarah pada konvensi. Dalam hubungan antara alam dan kesadaran artistik, objektivitas citra alam terganggu oleh pemikiran pengarang yang ilusif. Semyon Shchedrin dan Fyodor Matveev, dan bahkan Fyodor Alekseev sebelumnya, menunjukkan perubahan yang jelas dalam penggambaran dunia objektif. Dalam seni mereka, peran objektivitas yang berkembang diambil di bawah lingkup observasi dan studi, tetapi ini terjadi sepenuhnya dalam lanskap Sylvester Feodosievich Shchedrin (1791 - 1830).
Sylvester Shchedrin lahir di keluarga pematung Theodosius Shchedrin. Pelukis lanskap Semyon Shchedrin adalah pamannya. Hampir seluruh hidupnya dihabiskan di Italia, di mana dia dikirim sebagai pensiunan dan meninggal di usia muda. Sebagian besar karyanya dikhususkan untuk Italia.Karya pertamanya memiliki cap pengaruh sisa dekoratifisme: Pemandangan dari Pulau Petrovsky di St.Petersburg (1811). Pemandangan dari Pulau Petrovsky ke Jembatan Tuchkov dan Pulau Vasilyevsky di St. Petersburg (1815), Pemandangan Pulau Petrovsky di St. Petersburg (1817). Tidak seperti lanskap Alekseev, Shchedrin tidak memiliki udara. Tampaknya itu dipompa keluar dari gambar, berkat warna yang tidak memudar, tetapi mendapatkan kekuatan yang sebenarnya. Mereka menghadirkan kesan warna objek yang tidak memihak yang bersinar dalam skema klasik yang dibangun di atas kontras latar depan yang teduh dan latar belakang yang cerah. Gambaran tajuk pohon pola bersyarat terlihat seperti garis dekoratif pohon Semyon Shchedrin. Sosok-sosok dalam lanskap bersifat kepegawaian. Mereka tidak tinggal di dalamnya, tidak bertindak - mereka menandakan kehidupan, menghidupkan lanskap.
Pemandangan di Rusia baru saja mulai terbentuk. Itu menyandang cap konvensi akademik. Tetapi dia memiliki kesempatan untuk dirilis, karena dia tidak menderita dari plot dan keterhubungan tematik yang menguasai genre lain. Dalam dua dekade pertama abad ke-19, kebebasan ini diperoleh seniman di luar negeri, terutama di Italia, tempat siswa Akademi menjalani magang (pensiun). Bentang alam pertama Shchedrin memiliki sifat ganda, penuh ukuran dan kelambatan. Mereka statis, seolah berhenti sejenak dari rantai waktu. Di sisi lain, mengisi gambar kota dengan susunan staf memberikan corak genre lanskap, yang mengurangi rasa keagungan motif. Pengenalan komponen harian pecahan: jalinan jembatan, gerobak yang ditarik kuda, bangunan acak, nelayan - menempatkan lanskap di ambang genre keseharian yang muncul di dalam lanskap.
Bentang alam tahun 1810-an jelas tidak alami. Setelah dikosongkan, gambar itu dibawa dari memori. Karena lanskap dalam daftar genre tidak berada di garis depan, diyakini tidak dapat mewujudkan ide-ide moral dan religius. Segera setelah lanskap memperoleh kebebasan, dia bergegas membebaskan dirinya dari bias kanonik dan berbicara dalam bahasa alami alam, lebih memilihnya daripada "ketenangan tinggi". Ketertarikan alami genre terhadap keaslian sama sekali tidak berarti bahwa realisme menjadi tujuan akhirnya. Yang tak kalah kompeten adalah lanskap tersusun, yang mengatur gambar sesuai dengan ide yang diberikan. Gagasan itu, pada umumnya, menciptakan semacam mitos tentang negara yang indah, jika itu bukan gagasan ilahi, yang menunjukkan dan mewujudkan kehadiran roh ilahi atau kekuatan kosmik di alam duniawi. Dorongan Shchedrin terhadap realisme, setibanya di Italia, sama sekali tidak merupakan puncak karyanya, meskipun itu memberikan contoh luar biasa kepada dunia yang memperluas jangkauan seni bergambar dan plastik. Seniman mengejar keindahan - satu-satunya tujuan seni.
Di Italia, Shchedrin bekerja berdampingan dengan Matveev, yang memiliki pengaruh padanya. Itu terlihat dalam lukisan Colosseum di Roma (1822), yang komposisinya sebanding dengan Colosseum Matveev, serta dalam kanvas Pemandangan Napoli dari jalan ke Posilippo (1829). Dalam karya ini, dengan tetap mempertahankan skema klasik, Shchedrin berusaha mengatasinya. Dia dengan hati-hati mengamati dunia objektif, yang mengalihkan perhatiannya dari komposisi gambar lanskap. Namun sang seniman belum berhasil menciptakan kesatuan relasi warna.
Penemuan penting lainnya yang mengubah "filosofi" lanskap adalah cahaya yang menembus pepohonan dan menerangi laut atau reruntuhan (Old Rome, 1824). Cahaya segera mengubah pemahaman tentang alam. Sebenarnya, “jendela dunia” dibuka dengan bantuan iluminasi ruang visual. Dalam hal ini, Shchedrin mengabaikan pemahaman dunia sebagai alam semesta. Itu digantikan oleh perhatian pada kehidupan konkret. Kehidupan ini dirasakan secara harmonis, sebagai makhluk bahagia seseorang. Dugaan, imajinasi meninggalkan gambar, digantikan oleh pemandangan nyata yang terwujud dengan jelas, ditafsirkan sebagai takdir bahagia manusia. Orang-orang dalam lukisan seniman sedang bekerja, memancing, bersantai, merenungkan laut, yang memperluas cakupan lanskap ke genre sehari-hari. Dunia kehidupan tenang yang diamati dipelajari dengan cermat, atau lebih tepatnya, direnungkan, yang memberinya kedamaian dan kekekalan. Tidak seperti klasisisme, karya Shchedrin sedang didemokratisasi. Dia tidak melukis taman istana, bukan prospek metropolitan, tapi negara orang, pekerja biasa. Lingkaran pengetahuan telah berkembang, tidak hanya membuka mata pelajaran baru, tetapi juga diperkaya dengan pandangan dunia yang berbeda. Faktor terpenting dalam lanskap Shchedrin adalah jalan masuk alami sang seniman ke alam, yang dilukisnya selaras sepenuhnya dengan nafasnya. Alam dirasakan sehubungan dengan orang biasa. Dia dihuni olehnya, dan di tempat tinggal ini orang melihat properti baru dari plot dan motif lanskap. Mantan kemegahan dunia digantikan oleh kemanusiaan. Seniman melihat dunia dalam bentuk materialnya, sebagai kemewahan yang diberikan oleh Sang Pencipta. Sentuhan keindahan laut, persepsi fisik pepohonan, udara, ruang yang tercerahkan, cahaya dan transparansi langit memunculkan dunia yang harmonis. Oleh karena itu, kajian tentang alam menjadi salah satu faktor utama dalam perubahan sikap terhadap bentang alam. Lingkungan alam kehilangan konvensionalitas gambar. Oleh karena itu, gambar tidak lagi dibangun menurut aturan tontonan yang megah, tetapi sesuai dengan konsep artistik baru, mengacu pada pemandangan pribadi, fragmen alam atau kota tepi laut: Embankment in Naples (1825), View of Amalfi dekat Naples, pelabuhan Kecil di Sorrento, Di pulau Capri ( semua - 1826).
Cahaya dalam lukisan Shchedrin tersebar, dengan lembut menyelimuti pegunungan yang jauh, rumah pantai, dan pepohonan. Dari sini, banyak corak warna laut, langit, pegunungan beludru, berbayang biru, muncul. Di alam yang diberkati, seseorang merasakan warisan zaman kuno, dianggap sebagai surga bagi manusia yang tenang. Dalam lanskap Italia Shchedrin, prinsip "komposisi" sepenuhnya digantikan oleh reproduksi alam dalam kualitas terbaiknya.
Fedorov-Davydov mencatat penguasaan Shchedrin atas plein air. Penaklukan nyata lanskap tahun 1820-an ini menempatkan Shchedrin di antara pelukis lanskap Eropa yang luar biasa. Plein airism-nya masih belum sempurna. Dibandingkan dengan lukisan Alexander Ivanov yang berair, jenuh dengan refleks, dan berani, udara plein Shchedrin penakut, seolah-olah dihaluskan secara akademis. Ini lebih seperti refleksi spekulatif warna pada warna daripada objek yang dilihat melalui media warna-cahaya. Namun, penting untuk mengatasi warna monokrom dan gamut lokal dari warna terbuka. Disajikan dalam ekspresi yang spektakuler, alam telah menunjukkan bahwa keindahan dalam hidup cukup untuk keindahan dalam seni. Sylvester Shchedrin menggabungkan prinsip ruang panorama, yang tersisa dari klasisisme, dengan prinsip baru - "jendela ke dunia", yang terlihat jelas di lanskap "terowongan" dan dalam pemandangan dari foto, di mana kedalamannya dibangun oleh warna yang diarsir di latar depan dan jarak yang lapang. Ini adalah terobosan gambar pesawat ke ruang terbuka: Grotto di Sorrento menghadap Vesuvius (1826), Grotto Matrimonio di pulau Capri (1827), Veranda terjalin dengan anggur (1828), Teras di tepi pantai (1828) , Danau Albano di sekitar Roma ( 1825), Pemandangan dari gua Vesuvius dan Castello dell'Ovo pada malam bulan purnama (1820-an).
Perenungan yang tenang tentang dunia runtuh dalam lanskap "malam" Shchedrin. Ada unsur drama. Tapi ini bukanlah drama kehidupan nyata, tapi konsentrasi negara pengarang yang diproyeksikan ke alam. Dari sini, unsur-unsur transmisi bersyarat langit malam, awan yang tertiup angin, dll. Muncul kembali, tetapi konvensi kali ini diwarnai dengan ciri-ciri pathos romantis Napoli pada malam bulan purnama, 1829; dua versi Lunar Night in Naples, 1828).
Abad ke-18 adalah periode di mana transformasi kolosal terjadi di semua bidang: politik, sosial, publik. Eropa memperkenalkan genre baru ke dalam lukisan Rusia: lanskap, sejarah, kehidupan sehari-hari. Arah lukisan yang realistis menjadi dominan. Orang yang hidup adalah pahlawan dan pembawa cita-cita estetika saat itu.
Abad ke-18 memasuki sejarah seni sebagai masa potret bergambar. Semua orang ingin memiliki potretnya sendiri: dari ratu hingga pejabat biasa dari provinsi.
Tren Eropa dalam lukisan Rusia
Seniman Rusia terkenal abad ke-18 dipaksa mengikuti mode Barat atas perintah Peter I, yang ingin meng-Eropakan Rusia. Ia sangat mementingkan perkembangan seni rupa dan bahkan berencana membangun lembaga pendidikan khusus.
Seniman Rusia abad ke-18 menguasai teknik baru lukisan Eropa dan menggambarkan di kanvas mereka tidak hanya raja, tetapi juga berbagai bangsawan, pedagang, patriark, yang mencoba mengikuti mode dan sering menugaskan seniman lokal untuk melukis potret. Pada saat yang sama, para seniman saat itu mencoba memperkaya potret dengan barang-barang rumah tangga, elemen kostum nasional, alam, dan sebagainya. Perhatian tertuju pada furnitur mahal, vas besar, pakaian mewah, pose menarik. Citra orang-orang pada masa itu dipersepsikan saat ini sebagai kisah puitis oleh para seniman tentang masanya.
Namun, potret seniman Rusia abad ke-18 sangat kontras dengan potret pelukis asing yang diundang. Perlu disebutkan bahwa seniman dari negara lain diundang untuk melatih seniman Rusia.
Jenis potret
Awal abad ke-18 ditandai dengan daya tarik pelukis potret pada pemandangan semi seremonial dan kamar.Potret pelukis paruh kedua abad ke-18 memunculkan jenis-jenis seperti depan, semi seremonial, kamar, intim.
Yang depan berbeda dari yang lain dalam citra seseorang dalam pertumbuhan penuh. Gemerlap kemewahan - baik dalam pakaian maupun barang-barang rumah tangga.
Tampak semi depan adalah gambar model selutut atau selutut.
Jika seseorang digambarkan dengan latar belakang netral hingga dada atau pinggang, maka potret jenis ini disebut kamar.
Tampilan potret yang intim menunjukkan daya tarik dunia batin pahlawan gambar, sementara latar belakangnya diabaikan.
gambar potret
Seringkali, seniman Rusia abad ke-18 dipaksa untuk mewujudkan gagasan pelanggan tentang dirinya dalam gambar potret, tetapi sama sekali bukan gambar nyata. Penting untuk mempertimbangkan opini publik tentang orang ini atau itu. Banyak sejarawan seni telah lama menyimpulkan bahwa aturan utama pada masa itu adalah untuk menggambarkan seseorang tidak seperti dirinya yang sebenarnya, atau seperti yang dia inginkan, tetapi sebagaimana dia bisa dalam refleksi terbaiknya. Artinya, dalam potret setiap orang yang mereka coba gambarkan sebagai cita-cita.
Artis pertama
Seniman Rusia abad ke-18, yang daftarnya umumnya kecil, khususnya I. N. Nikitin, A. P. Antropov, F. S. Rokotov, I. P. Argunov, V. L. Borovikovsky, D G. Levitsky.
Di antara pelukis pertama abad ke-18 adalah nama Nikitin, Antropov, Argunov. Peran seniman Rusia pertama abad ke-18 ini tidak signifikan. Itu direduksi hanya untuk menulis sejumlah besar gambar kerajaan, potret bangsawan Rusia. Seniman Rusia abad ke-18 - ahli potret. Meski seringkali mereka hanya membantu pengrajin asing mengecat dinding sejumlah besar istana dan membuat pemandangan teater.
Nama pelukis Ivan Nikitich Nikitin dapat ditemukan dalam korespondensi Peter I dengan istrinya. Kuasnya milik potret raja sendiri, Kanselir G. I. Golovin. Tidak ada yang artifisial dalam potret hetman luar ruangannya. Penampilan tidak diubah oleh wig atau pakaian pengadilan. Artis itu menunjukkan hetman seperti yang dia lakukan dalam kehidupan nyata. Dalam kebenaran hidup itulah letak keunggulan utama potret Nikitin.
Karya Antropov dilestarikan dalam gambar Katedral St. Andrew di Kyiv dan potret di Sinode. Karya-karya ini dibedakan dari kegemaran senimannya pada warna kuning zaitun, karena ia adalah seorang pelukis yang belajar dengan master lukisan ikon. Di antara karya-karyanya yang terkenal adalah potret Elizabeth Petrovna, Peter I, Putri Trubetskoy, Ataman F. Krasnoshchekov. Karya Antropov menggabungkan tradisi lukisan asli Rusia abad ke-17 dan kanon seni rupa era Petrine.
Ivan Petrovich Argunov adalah seorang pelukis potret budak terkenal dari Count Sheremetyev. Potretnya anggun, pose orang-orang yang digambarkan olehnya bebas dan bergerak, segala sesuatu dalam karyanya tepat dan sederhana. Dia adalah pencipta potret kamar, yang nantinya akan menjadi intim. Karya-karya seniman yang penting: keluarga Sheremetyev, P. B. Sheremetyev di masa kanak-kanak.
Anda tidak boleh mengira bahwa pada saat itu tidak ada genre lain di Rusia, tetapi seniman besar Rusia abad ke-18 menciptakan karya paling signifikan dalam genre potret.
Puncak abad ke-18 adalah karya Rokotov, Levitsky, dan Borovikovsky. Orang dalam potret seniman layak dikagumi, diperhatikan, dan dihormati. Kemanusiaan perasaan adalah ciri khas potret mereka.
Fyodor Stepanovich Rokotov (1735-1808)
Hampir tidak ada yang diketahui tentang Fyodor Stepanovich Rokotov, seorang seniman Rusia abad ke-18 dari budak Pangeran I. Repnin. Artis ini melukis potret wanita dengan lembut dan lapang. Kecantikan batin dirasakan oleh Rokotov, dan dia menemukan cara untuk mewujudkannya di atas kanvas. Bahkan potret berbentuk oval hanya menonjolkan penampilan wanita yang rapuh dan anggun.
Genre utama karyanya adalah potret setengah pakaian. Di antara karyanya adalah potret Grigory Orlov dan Peter III, Putri Yusupova, dan Pangeran Pavel Petrovich.
Dmitry Grigorievich Levitsky (1735-1822)
Seniman terkenal Rusia abad ke-18, Dmitry Grigoryevich Levitsky, murid A. Antropov, mampu menangkap dan menciptakan kembali kondisi mental dan karakteristik orang secara sensitif dalam lukisannya. Menggambarkan orang kaya, dia tetap jujur \u200b\u200bdan tidak memihak, potretnya mengecualikan kepatuhan dan kebohongan. Kuasnya memiliki seluruh galeri potret orang-orang hebat abad ke-18. Dalam potret seremonial itulah Levitsky mengungkapkan dirinya sebagai seorang master. Dia menemukan pose ekspresif, gerak tubuh, menunjukkan bangsawan yang mulia. Sejarah Rusia di muka - begitulah karya Levitsky sering disebut.
Lukisan milik kuas seniman: potret M. A. Lvova, E. I. Nelidova, N. I. Novikov, keluarga Mitrofanov.
Vladimir Lukich Borovikovsky (1757-1825)
Seniman Rusia abad ke-18 dan ke-19 dibedakan oleh daya tarik mereka terhadap apa yang disebut potret sentimental. Seniman Vladimir Lukich Borovikovsky melukis gadis-gadis termenung, yang digambarkan dalam potretnya dengan warna-warna terang, mereka lapang dan lugu. Pahlawan perempuannya bukan hanya wanita petani Rusia dalam pakaian tradisional, tetapi juga wanita terhormat dari masyarakat kelas atas. Ini adalah potret Naryshkina, Lopukhina, Putri Suvorova, Arsenyeva. Gambarnya agak mirip, tetapi tidak mungkin untuk melupakannya. dibedakan oleh kehalusan luar biasa dari karakter yang ditransmisikan, fitur pengalaman emosional yang hampir sulit dipahami dan perasaan kelembutan yang menyatukan semua gambar. Dalam karyanya, Borovikovsky mengungkap semua kecantikan wanita saat itu.
Warisan Borovikovsky sangat beragam dan luas. Dalam karyanya ada potret seremonial, serta kanvas miniatur dan intim. Di antara karya Borovikovsky, yang paling terkenal adalah potret V. A. Zhukovsky, G. R. Derzhavin, A. B. Kurakin dan Paul I.
Lukisan karya seniman Rusia
Lukisan abad ke-18 oleh seniman Rusia ditulis dengan cinta untuk seseorang, dunia batinnya, dan rasa hormat terhadap kebajikan moral. Gaya masing-masing seniman di satu sisi sangat individual, di sisi lain memiliki beberapa kesamaan dengan yang lain. Momen ini menentukan gaya yang sangat menonjolkan karakter seni Rusia abad ke-18.
Sebagian besar seniman Rusia abad ke-18:
- "Pelukis Muda" Paruh kedua tahun 1760-an Penulis Ivan Firsov adalah seniman paling misterius di abad ke-18. Lukisan itu menggambarkan seorang anak laki-laki berseragam yang melukis potret seorang gadis kecil yang cantik.
- "Perpisahan Hector dengan Andromache", 1773 Penulis Anton Pavlovich Losenko. Lukisan terakhir artis. Itu menggambarkan adegan dari kanto keenam Homer's Iliad.
- "Jembatan batu di Gatchina dekat Connetable Square", 1799-1801. Penulis Semyon Fedorovich Shchedrin. Gambar menunjukkan pemandangan lanskap.
Dan masih
Seniman Rusia abad ke-18 masih berusaha mengungkap kebenaran dan karakter asli orang, terlepas dari kondisi perbudakan dan keinginan pelanggan kaya. Genre potret pada abad ke-18 mewujudkan ciri-ciri khusus orang Rusia.
Tidak diragukan lagi, dapat dikatakan bahwa, tidak peduli seberapa besar pengaruh seni abad ke-18 oleh budaya Eropa, hal itu tetap mengarah pada perkembangan tradisi nasional Rusia.
Lev Kamenev (1833 - 1886) "Pemandangan dengan gubuk"
Lansekap, sebagai genre lukisan independen, memantapkan dirinya di Rusia sekitar pertengahan abad ke-18. Dan sebelum periode ini, lanskap menjadi latar belakang gambar komposisi ikon atau bagian dari ilustrasi buku.
Banyak yang telah ditulis tentang lanskap Rusia abad ke-19 dan semacamnya, tanpa berlebihan, para ahli hebat di bidang seni lukis menulis bahwa saya, pada dasarnya, tidak perlu menambahkan apa pun.
Pelopor lukisan lanskap Rusia disebut Semyon Shchedrin, Fyodor Alekseev, dan Fyodor Matveev. Semua seniman ini belajar melukis di Eropa, yang meninggalkan jejak tertentu pada karya mereka di masa depan.
Shchedrin (1749 - 1804) mendapatkan ketenaran sebagai penulis karya yang menggambarkan taman pedesaan kekaisaran. Alekseev (1753 - 1824) dijuluki Kanaletto Rusia untuk lanskap yang menggambarkan monumen arsitektur St. Petersburg, Gatchina, dan Pavlovsk, Moskow. Matveev (1758 - 1826) menghabiskan sebagian besar hidupnya di Italia dan menulis dalam semangat gurunya Hackert. Karya seniman Italia berbakat ini juga ditiru oleh M.M. Ivanov (1748 - 1828).
Para ahli mencatat dua tahap dalam perkembangan lukisan lanskap Rusia abad ke-19, yang tidak terhubung secara organik satu sama lain, tetapi dapat dibedakan dengan jelas. Kedua langkah ini adalah:
- realistis;
- romantis.
Batas antara wilayah-wilayah ini jelas terbentuk pada pertengahan 20-an abad ke-19. Pada pertengahan abad kedelapan belas, lukisan Rusia mulai membebaskan diri dari rasionalisme lukisan klasik abad XVIII. Dan romantisme Rusia, sebagai fenomena terpisah dalam lukisan Rusia, sangat penting dalam perubahan ini.
Lanskap romantis Rusia berkembang dalam tiga arah:
- lanskap perkotaan berdasarkan karya dari alam;
- studi tentang alam Rusia berdasarkan "tanah Italia";
- Lanskap nasional Rusia.
Dan sekarang saya mengundang Anda ke galeri karya seniman Rusia abad ke-19 yang melukis pemandangan. Saya hanya mengambil satu bagian dari setiap artis - jika tidak, galeri ini tidak ada habisnya.
Jika Anda memiliki keinginan, Anda dapat membaca tentang karya masing-masing seniman (dan, karenanya, mengingat kembali karya seniman tersebut) di situs ini.
Pemandangan Rusia abad ke-19Vladimir Muravyov (1861 - 1940), Hutan Biru
Vladimir Orlovsky (1842 - 1914), "Hari Musim Panas"
Pyotr Sukhodolsky (1835 - 1903), Hari Tritunggal
Ivan Shishkin (1832 - 1898), "Gandum Hitam"
Efim Volkov (1844 - 1920), Danau Hutan
Nikolai Astudin (1847 - 1925), "Jalan Gunung"
Nikolai Sergeev (1855 - 1919), "Kolam Musim Panas"
Konstantin Kryzhitsky1 (1858-1911), "Zvenigorod"
Alexey Pisemsky (1859 - 1913), "Sungai Hutan"
Joseph Krachkovsky (1854 - 1914), "Wisteria"
Isaac Levitan (1860 - 1900), "Birch Grove"
Vasily Polenov (1844-1927), Pabrik Tua
Mikhail Klodt (1832 - 1902), Oak Grove
Apollinary Vasnetsov (1856 - 1933), Okhtyrka. Jenis wisma»
Pemandangan adalah salah satu genre lukisan. Lansekap Rusia adalah genre yang sangat penting untuk seni Rusia dan budaya Rusia secara umum. Lanskap menggambarkan alam. Pemandangan alam, ruang alam. Bentang alam mencerminkan persepsi manusia tentang alam.
Pemandangan Rusia di abad ke-17
Santo Yohanes Pembaptis di Padang Belantara
Blok bangunan pertama untuk pengembangan lukisan lanskap diletakkan oleh ikon-ikon, yang latar belakangnya sebenarnya adalah lanskap. Pada abad ke-17, para master mulai menjauh dari kanon lukisan ikon dan mencoba sesuatu yang baru. Sejak saat itulah lukisan berhenti "diam" dan mulai berkembang.
Pemandangan Rusia di abad ke-18
M.I. Maheev
Pada abad ke-18, ketika seni Rusia bergabung dengan sistem seni Eropa, lanskap dalam seni Rusia menjadi genre yang mandiri. Namun saat ini ditujukan untuk memperbaiki realitas yang melingkupi orang tersebut. Belum ada kamera, tetapi keinginan untuk mengabadikan peristiwa penting atau karya arsitektur sudah kuat. Bentang alam pertama, sebagai genre independen dalam seni, adalah pemandangan topografi St. Petersburg, Moskow, istana, dan taman.
F.Ya. Alekseev. Pemandangan Gerbang Kebangkitan dan Nikolsky serta Jembatan Neglinny dari Jalan Tverskaya di Moskow
F.Ya. Alekseev
S.F. Shchedrin
Pemandangan Rusia pada awal abad ke-19
FM Matveev. Pemandangan Italia
Pada awal abad ke-19, seniman Rusia terutama melukis Italia. Italia dianggap sebagai tempat kelahiran seni dan kreativitas. Artis belajar di luar negeri, meniru cara master asing. Alam Rusia dianggap tidak ekspresif, membosankan, oleh karena itu seniman Rusia asli pun melukis alam asing, lebih memilihnya karena lebih menarik dan artistik. Orang asing disambut dengan hangat di Rusia: pelukis, guru tari dan anggar. Masyarakat kelas atas Rusia berbicara bahasa Prancis. Wanita muda Rusia dilatih oleh pengasuh Prancis. Segala sesuatu yang asing dianggap sebagai tanda masyarakat kelas atas, tanda pendidikan dan asuhan, dan perwujudan budaya nasional Rusia adalah tanda selera dan kekasaran yang buruk. Dalam opera terkenal P.I. Tchaikovsky, berdasarkan kisah abadi oleh A.S. "The Queen of Spades" dari Pushkin, pengasuh Prancis menegur Putri Lisa karena menari "dalam bahasa Rusia", sungguh memalukan bagi seorang wanita dari kalangan atas.
S.F. Shchedrin. Pelabuhan kecil di Sorrento yang menghadap ke pulau Ischia dan Procido
AKU G. Davydov. Pinggiran kota Roma
S.F. Shchedrin. Gua Matromanio di pulau Capri
Pemandangan Rusia di pertengahan abad ke-19
Di pertengahan abad ke-19, kaum intelektual dan seniman Rusia khususnya mulai berpikir untuk meremehkan budaya Rusia. Dua arah berlawanan muncul dalam masyarakat Rusia: orang Barat dan Slavofil. Orang Barat percaya bahwa Rusia adalah bagian dari sejarah global dan mengecualikan identitas nasionalnya, sedangkan Slavofil percaya bahwa Rusia adalah negara yang istimewa, kaya akan budaya dan sejarah. Para Slavofil percaya bahwa jalur perkembangan Rusia harus berbeda secara fundamental dari jalur Eropa, bahwa budaya Rusia dan sifat Rusia layak untuk dideskripsikan dalam sastra, digambarkan di kanvas, dan ditangkap dalam karya musik.
Di bawah ini akan disajikan lukisan yang menggambarkan pemandangan tanah Rusia. Untuk memudahkan persepsi, lukisan-lukisan tersebut tidak akan dicantumkan dalam urutan kronologis dan bukan oleh penulisnya, tetapi berdasarkan musim di mana lukisan tersebut dapat dikaitkan.
Musim semi di lanskap Rusia
Savrasov. Benteng Telah Tiba
Pemandangan Rusia. Savrasov "Benteng Telah Tiba"
Biasanya, peningkatan spiritual, harapan akan kegembiraan, matahari, dan kehangatan dikaitkan dengan musim semi. Tapi, dalam lukisan Savrasov "The Rooks Have Arrived", kita tidak melihat matahari atau panas, dan bahkan kubah kuil dicat abu-abu, seolah-olah warna yang belum terbangun.
Musim semi di Rusia sering dimulai dengan langkah-langkah malu-malu. Salju mencair, dan langit serta pepohonan terpantul di genangan air. Benteng sibuk dengan bisnis benteng mereka - mereka membangun sarang. Batang pohon birch yang keriput dan gundul menjadi lebih tipis, menjulang ke langit, seolah meraihnya, perlahan-lahan menjadi hidup. Langit, sekilas berwarna abu-abu, dipenuhi dengan nuansa biru, dan tepi awan sedikit lebih cerah, seolah-olah sinar matahari mengintip.
Sekilas, gambar tersebut bisa menimbulkan kesan suram, dan tidak semua orang bisa merasakan kegembiraan dan kemenangan yang dipentaskan oleh senimannya. Lukisan ini pertama kali dipresentasikan pada pameran pertama dari asosiasi Pengembara pada tahun 1871. Dan dalam katalog pameran ini disebut "Benteng Telah Tiba!" ada tanda seru di akhir nama. Dan kegembiraan yang hanya diharapkan, yang belum ada dalam gambar, diungkapkan dengan tepat oleh tanda seru ini. Savrasov, bahkan dalam judulnya sendiri, mencoba menyampaikan kegembiraan yang sulit ditangkap dari menunggu musim semi. Seiring waktu, tanda seru itu hilang dan gambar itu hanya disebut "Benteng Telah Tiba".
Gambar inilah yang memulai penegasan lukisan pemandangan sebagai yang sederajat, dan dalam beberapa periode menjadi genre utama lukisan Rusia.
I.Levitan. Berbaris
Pemandangan Rusia. I.Levitan. Berbaris
Maret adalah bulan yang sangat berbahaya - di satu sisi, matahari tampak bersinar, tetapi di sisi lain, bisa sangat dingin dan lembap.
Musim semi udara ini dipenuhi cahaya. Di sini, kemeriahan datangnya musim semi sudah lebih jelas terasa. Masih seperti tidak terlihat, hanya di judul gambar saja. Tapi, jika diperhatikan lebih dekat, Anda bisa merasakan kehangatan dinding, dihangatkan oleh sinar matahari.
Bayangan biru, jenuh, nyaring tidak hanya dari pepohonan dan batangnya, tetapi juga bayangan di jalur salju tempat seseorang berjalan
M.Claude. Di tanah subur
Pemandangan Rusia. M.Claude. Di tanah subur
Dalam lukisan karya Mikhail Claude, seseorang (tidak seperti penghuni kota modern) hidup seirama dengan alam. Alam mengatur ritme kehidupan bagi seseorang yang hidup di bumi. Di musim semi, seseorang membajak tanah ini, di musim gugur, dia memanen. Anak kuda dalam gambar itu seperti kelanjutan hidup.
Sifat Rusia dicirikan oleh kerataan - Anda jarang melihat gunung atau bukit di sini. Dan kurangnya ketegangan dan kesedihan Gogol ini secara luar biasa secara akurat dicirikan sebagai "sifat Rusia yang tak terpisahkan". "Kesinambungan" inilah yang ingin disampaikan oleh pelukis lanskap Rusia abad ke-19 dalam lukisan mereka.
Musim panas di lanskap Rusia
Palenov. Halaman Moskow
Pemandangan Rusia. Palenov "Halaman Moskow"
Salah satu gambar paling menawan dalam lukisan Rusia. Kartu nama Polenov. Ini adalah lanskap perkotaan tempat kita melihat kehidupan biasa anak laki-laki dan perempuan Moskow. Bahkan senimannya sendiri tidak selalu memahami arti penting karyanya. Di sini digambarkan sebuah kawasan kota dan lumbung yang sudah runtuh dan anak-anak, seekor kuda, dan di atas semua ini kita melihat sebuah gereja. Di sini dan kaum tani dan bangsawan dan anak-anak dan pekerjaan dan Kuil - semua tanda kehidupan Rusia. Seluruh gambar diresapi dengan udara, matahari, dan cahaya - itulah mengapa sangat menarik dan menyenangkan untuk dilihat. Lukisan "Moscow Yard" menghangatkan jiwa dengan kehangatan dan kesederhanaannya.
Rumah Spas Duta Besar AS
Saat ini, di Spaso-Peskovsky Lane, di situs halaman yang digambarkan oleh Palenov, terdapat kediaman Duta Besar Amerika Spass House.
I.Shishkin. Gandum hitam
Pemandangan Rusia. I.Shishkin. Gandum hitam
Kehidupan orang Rusia di abad ke-19 sangat erat kaitannya dengan ritme kehidupan alam: menabur biji-bijian, bercocok tanam, memanen. Di alam Rusia ada keluasan dan ruang. Seniman mencoba menyampaikan hal ini dalam lukisan mereka.
Shishkin disebut "raja hutan", karena dia memiliki hampir semua lanskap hutan. Dan di sini kita melihat pemandangan datar dengan ladang gandum yang ditabur. Di bagian paling tepi gambar, jalan dimulai, dan, berkelok-kelok, membentang di antara ladang. Di kedalaman jalan, di antara gandum hitam yang tinggi, kami melihat kepala petani dengan syal merah. Di latar belakang, tergambar pohon pinus yang perkasa, yang seperti raksasa, sedang berjalan melintasi lapangan ini, di beberapa tempat kami melihat tanda-tanda layu. Inilah kehidupan alam - pohon tua layu, yang baru muncul. Di atas kepala, langit sangat cerah, dan semakin dekat ke cakrawala, awan mulai berkumpul. Beberapa menit akan berlalu dan awan akan bergerak lebih dekat ke tepi depan dan hujan akan turun. Kami juga diingatkan akan hal ini oleh burung yang terbang rendah di atas tanah - mereka dipaku di sana oleh udara dan atmosfer.
Awalnya Shishkin ingin menyebut lukisan ini "Tanah Air". Saat menulis gambar ini, Shishkin memikirkan tentang citra tanah Rusia. Tapi kemudian dia meninggalkan nama ini agar tidak ada kesedihan yang tidak perlu. Ivan Ivanovich Shishkin menyukai kesederhanaan dan kealamian, percaya bahwa dalam kesederhanaan itulah kebenaran hidup.
Musim gugur di lanskap Rusia
Efimov-Volkov. Oktober
Pemandangan Rusia. Efimov-Volkov. "Oktober"
"Ada di musim gugur yang asli ..."
Fyodor Tyutchev
Apakah di musim gugur yang asli
Waktu yang singkat tapi indah -
Sepanjang hari berdiri seperti kristal,
Dan malam yang cerah ...
Dimana sabit segar berjalan dan telinga jatuh,
Sekarang semuanya kosong - ruang ada di mana-mana -
Hanya sarang laba-laba rambut tipis
Bersinar di alur yang menganggur.
Udara kosong, burung tidak lagi terdengar,
Tapi jauh dari badai musim dingin pertama -
Dan biru murni dan hangat mengalir
Di lapangan istirahat…
Lukisan Efimov-Volkov "Oktober" menyampaikan lirik musim gugur. Di latar depan gambar adalah hutan birch muda yang dilukis dengan penuh cinta. Batang pohon birch yang rapuh dan tanah coklat yang tertutup daun musim gugur.
L.Kamenev. Jalan musim dingin
Pemandangan Rusia. L.Kamenev . "Jalan musim dingin"
Dalam gambar tersebut, sang seniman menggambarkan hamparan salju yang tak berujung, jalan musim dingin yang dilalui seekor kuda dengan susah payah menyeret kayu bakar. Sebuah desa dan hutan terlihat di kejauhan. Tidak ada matahari, tidak ada bulan, hanya senja yang redup. Dalam gambar L. Kamenev, jalan tertutup salju, hanya sedikit orang yang melewatinya, itu mengarah ke desa yang tertutup salju, di mana tidak ada cahaya di jendela mana pun. Gambar itu menciptakan suasana hati yang suram dan sedih.
I.Shishkin. Di utara liar
M.Yu.Lermontov
"Di Alam Utara yang Liar"
Berdiri sendiri di utara yang liar
Di atas pohon pinus yang telanjang,
Dan tertidur, bergoyang, dan salju yang lepas
Dia berpakaian seperti jubah.
Dan dia memimpikan segala sesuatu yang ada di gurun yang jauh,
Di daerah tempat matahari terbit
Sendirian dan sedih di atas batu dengan bahan bakar
Pohon palem yang indah tumbuh.
I.Shishkin. "Di Alam Utara yang Liar"
Lukisan Shishkin merupakan perwujudan artistik dari motif kesepian yang dinyanyikan oleh Lermontov dalam karya puitis "Pine".
Elena Lebedeva, desainer grafis situs web, guru grafis komputer.
Saya mengambil pelajaran tentang artikel ini di sekolah menengah. Anak-anak menebak penulis puisi dan nama lukisannya. Dilihat dari jawaban mereka, anak sekolah lebih mengenal sastra daripada seni)))