Οι δημιουργικοί άνθρωποι είναι ταλαντούχα άτομα που τους αρέσει να είναι χρήσιμοι και να κάνουν καλό στους άλλους. Τους αρέσει η ελευθερία, επομένως τυχόν περιορισμοί θα εκληφθούν από αυτούς ως παραβίαση δικαιωμάτων. Πολλοί το πιστεύουν δημιουργικούς ανθρώπουςμοναχικοί, δυστυχισμένοι και δεν ζουν πολύ. Ευτυχώς, αυτό δεν συμβαίνει πάντα. Το ταλέντο δίνεται σε ένα άτομο από τον Θεό, απλά δεν χρειάζεται να χάσετε τη στιγμή και να αρχίσετε να αναπτύσσετε τις ικανότητές σας εγκαίρως.
Αξίζει να σημειωθεί ότι μεταξύ των geeks υπάρχουν πραγματικά πολλοί άτυχοι, αφού η δουλειά τους δεν είναι πάντα ξεκάθαρη στους άλλους. Συνήθως, ο μέσος άνθρωπος εγκεφαλική δραστηριότητασυμβαίνει εντός ορισμένων ορίων, και ό,τι υπερβαίνει αυτά τα όρια γίνεται αντιληπτό ως κάτι αφύσικο και ανώμαλο. Για αυτόν τον λόγο, είναι πολύ δύσκολο για τους δημιουργικούς ανθρώπους να επιβιώσουν σε αυτόν τον σκληρό κόσμο στον οποίο υπάρχουν τόσοι πολλοί επίμονα στερεότυπακαι απροθυμία να εξελιχθεί.
Η νευροεπιστήμη επιβεβαιώνει ότι τα ταλαντούχα άτομα σκέφτονται και ενεργούν διαφορετικά. Η σκέψη των δημιουργικών ανθρώπων είναι κυριολεκτικά σχεδιασμένη για να σκέφτεται μοναδικά, όχι όπως η πλειοψηφία. Ωστόσο, ένα τέτοιο δώρο της φύσης μπορεί να περιπλέξει σημαντικά τη ζωή και να τεντώσει τις σχέσεις με τους άλλους. Εάν είστε εξοικειωμένοι με ένα δημιουργικό άτομο, πιθανότατα είχατε την ιδέα περισσότερες από μία φορές ότι ζει σε έναν εντελώς διαφορετικό κόσμο. Στις περισσότερες περιπτώσεις, το να προσπαθείς να καταλάβεις ένα τέτοιο άτομο είναι εξίσου μάταιο με το να προσπαθείς να το αλλάξεις. Για να μπορέσεις να προσαρμοστείς σε ένα τέτοιο άτομο, πρέπει να μάθεις να βλέπεις τον κόσμο μέσα από τα μάτια του.
Συνεχής εγκεφαλική δραστηριότητα
Το δημιουργικό μυαλό είναι ένα μη σταματημένο μηχάνημα που τροφοδοτείται από υπερβολική περιέργεια. Δεν υπάρχει ειδικό κουμπί που να μπορεί να σταματήσει και να κατευθύνει τις σκέψεις σε μια ήρεμη κατεύθυνση. Οι δημιουργικοί άνθρωποι έχουν συνεχώς διάφορες ιδέες που μπορεί να φαίνονται μη ρεαλιστικές σε πολλούς. Ένας ταλαντούχος άνθρωπος στον ξέφρενο ρυθμό της ζωής του αντλεί όλο και περισσότερη δύναμη για να εφαρμόσει αστείες και μερικές φορές τρελές ιδέες.
Ψεύτης ταλέντο
Πρέπει να σημειωθεί ότι οι δημιουργικοί άνθρωποι είναι εξαιρετικοί ψεύτες. Η διεξαγωγή μιας σειράς πειραμάτων έδειξε ότι τέτοια άτομα είναι διατεθειμένα σε πιο περίπλοκα και σύνθετα ψέματα. Επιπλέον, οι ίδιοι μπορούν εύκολα να καταλάβουν τον απατεώνα. Μία από τις εκδηλώσεις της δημιουργικότητας είναι το απαράδεκτο των υφιστάμενων προτύπων και το σπάσιμο των καθιερωμένων στερεοτύπων. Οι ταλαντούχοι άνθρωποι αντιλαμβάνονται εύκολα την ανήθικη συμπεριφορά της δικής τους συμπεριφοράς και επίσης σχετίζονται ήρεμα με παρόμοιες ενέργειες άλλων.
Υψηλός βαθμός δυσπιστίας
Ένα ταλαντούχο άτομο τείνει να μην εμπιστεύεται ακόμη και τα στενά άτομα. Αν και γρήγορα αναγνωρίζει ένα ψέμα, είναι επίσης ύποπτη στάση απέναντι στους άλλους εγγύησηταλέντο. Και αυτό δεν προκαλεί έκπληξη, γιατί για να κάνετε μια νέα ανακάλυψη, πρέπει να μάθετε πώς να βλέπετε τα στοιχειώδη πράγματα από μια διαφορετική οπτική γωνία. Γι' αυτό ένα ταλαντούχο άτομο αμφισβητεί τα πάντα, γιατί είναι πολύ πιο εύκολο να δημιουργήσει κάτι νέο από την αρχή.
αναίδεια
Κατά τη διάρκεια διαφόρων πειραμάτων, διαπιστώθηκε ότι η σεμνότητα δεν είναι η τύχη των ταλαντούχων ανθρώπων. Πολλοί από αυτούς, κατά κανόνα, είναι περήφανοι για τις ικανότητές τους και τις χρησιμοποιούν επιδέξια, γεγονός που τους επιτρέπει να γεμίσουν με ένα υπερβολικό τίμημα. Επιπλέον, ένα ταλαντούχο άτομο είναι πολύ πρόθυμο να δείξει πόσο εντυπωσιακός είναι και πόσα πολλά μπορεί να βιώσει. 
κατάθλιψη
Συχνά ταλαντούχους ανθρώπουςπέφτουν σε κατάθλιψη. Πολλές από αυτές τις ιδιοφυΐες έχουν διάφορες φοβίες: άλλες φοβούνται μήπως αρρωστήσουν από μια ανίατη ασθένεια, άλλες φοβούνται να πεθάνουν νέοι και άλλες ακόμη λιποθυμούν στη θέα μιας αράχνης ή μιας κατσαρίδας. Ψυχολόγοι σε πολλές χώρες προσπάθησαν να ανακαλύψουν εάν η κατάθλιψη συνδέεται πραγματικά με το ταλέντο. Αφού εξέτασαν δεδομένα που ελήφθησαν από ψυχιατρικές κλινικές, διαπίστωσαν ότι δημιουργικούς ανθρώπουςπιο πιθανό να αναπτύξουν σοβαρές μορφές ψυχικής ασθένειας. Επιπλέον, έχει αποδειχθεί ότι όχι μόνο το ταλέντο, αλλά και παρόμοιες διαταραχές μπορούν να κληρονομηθούν.
Είναι δύσκολο να πιστέψεις στον εαυτό σου
Ακόμα κι αν ένα άτομο είναι σίγουρο για τις ικανότητές του, με τον καιρό αρχίζει να κάνει ερωτήσεις: «Είμαι αρκετά καλός; Τα κάνω όλα σωστά; Οι δημιουργικοί άνθρωποι συγκρίνουν συνεχώς τη δουλειά τους με τις δημιουργίες άλλων δασκάλων και δεν παρατηρούν τη δική τους λαμπρότητα, η οποία μπορεί να είναι προφανής σε όλους τους άλλους. Από αυτή την άποψη, συχνά παρατηρείται δημιουργική στασιμότητα όταν ένα άτομο απλά παραιτείται, νομίζοντας ότι όλες οι προηγούμενες ιδέες του ήταν μάταιες και χωρίς νόημα. Αυτή τη στιγμή είναι πολύ σημαντικό να είσαι κοντά πραγματικός φίλος, που θα βοηθούσε τον πλοίαρχο να επιβιώσει από αυτή τη δύσκολη περίοδο.
Ώρα για όνειρα
Οι δημιουργικοί άνθρωποι είναι ονειροπόλοι, αυτό τους βοηθά στη δουλειά τους. Πολλοί από εμάς το έχουμε παρατηρήσει περισσότερο καλύτερες ιδέεςελάτε σε εμάς όταν μεταφερόμαστε ψυχικά μακριά από την πραγματικότητα. Οι νευροεπιστήμονες έχουν αποδείξει ότι η φαντασία ενεργοποιεί εγκεφαλικές διεργασίες που σχετίζονται στενά με τη δημιουργικότητα και τη φαντασία.
Εξάρτηση από τον χρόνο
Οι περισσότεροι από τους μεγάλους δασκάλους παραδέχονται ότι δημιούργησαν το καλύτερο έργο τους είτε τη νύχτα είτε την αυγή. Για παράδειγμα, ο Β. Ναμπόκοφ έπιασε το στυλό στις 6 το πρωί μόλις ξύπνησε και ο Φρανκ Λόιντ Ράιτ είχε τη συνήθεια να πηγαίνει στη δουλειά στις 3 το πρωί και να επιστρέφει για ύπνο λίγες ώρες αργότερα. Κατά κανόνα, τα άτομα με δημιουργικότητασπάνια τηρούν μια τυπική καθημερινή ρουτίνα.
Μυστικότητα
Για να είστε όσο το δυνατόν πιο ανοιχτοί στη δημιουργικότητα, πρέπει να μάθετε πώς να χρησιμοποιείτε εποικοδομητικά τη μοναξιά. Για να γίνει αυτό, πολλά ταλέντα ξεπερνούν τον φόβο της μοναξιάς τους. Συχνά, οι δημιουργικοί και οι καλλιτέχνες γίνονται αντιληπτοί από τους άλλους ως μοναχικοί, αν και στην πραγματικότητα δεν είναι. Αυτή η επιθυμία για ιδιωτικότητα μπορεί να είναι σημαντικό σημείοστο να κάνεις την καλύτερη δουλειά.
Ξεπερνώντας τα εμπόδια της ζωής
Πολλά καλτ έργα είδαν το φως ως αποτέλεσμα της εμπειρίας του δημιουργού τους από σπαραχτικό πόνο και δυνατά συναισθήματα. Συχνά, διάφορα προβλήματα γίνονται καταλύτης που βοηθά στη δημιουργία μοναδικών και εξαιρετικών αριστουργημάτων. Η ψυχολογία έχει δώσει σε αυτό το φαινόμενο μια επιστημονική ονομασία - μετατραυματική ανάπτυξη. Οι ερευνητές έχουν διαπιστώσει ότι συχνά ένα ισχυρό σοκ βοηθά ένα άτομο να πετύχει σε μια συγκεκριμένη επιχείρηση, καθώς και να ανακαλύψει νέες ευκαιρίες στον εαυτό του. 
Αναζητήστε νέες εμπειρίες
Πολλοί δημιουργικοί άνθρωποι αναζητούν συνεχώς νέα συναισθήματα και εμπειρίες. Δυστυχώς, κάποιοι από αυτούς καταφεύγουν στο αλκοόλ και τα ναρκωτικά για να επιτύχουν αυτό το αποτέλεσμα. Πρέπει να σημειωθεί ότι ένα ταλαντούχο άτομο είναι πάντα ανοιχτό σε νέες γνώσεις, είναι αρκετά έξυπνο και περίεργο. Η μετάβαση από τη μια συναισθηματική κατάσταση στην άλλη είναι ένα είδος μηχανής για τη μελέτη και τη γνώση δύο κόσμων, εσωτερικού και εξωτερικού.
Η ομορφιά θα σώσει τον κόσμο!
Οι δημιουργικοί άνθρωποι τείνουν να είναι διαφορετικοί εξαιρετική γεύση, έτσι προσπαθούν συνεχώς να περιβάλλουν τον εαυτό τους με όμορφα πράγματα. Μπορεί να είναι όχι μόνο λεπτομέρειες ρούχων, αλλά και εσωτερικά στοιχεία, πίνακες ζωγραφικής, βιβλία, κοσμήματα. Σύμφωνα με τα αποτελέσματα ορισμένων μελετών, αποκαλύφθηκε ότι οι τραγουδιστές και οι μουσικοί επιδεικνύουν αυξημένη ευαισθησία και ευαισθησία στην καλλιτεχνική ομορφιά.
Συνδέοντας τελείες
Τα δημιουργικά άτομα είναι σε θέση να βρίσκουν ευκαιρίες εκεί που οι άλλοι απλά δεν την προσέχουν. Πολλά διάσημους συγγραφείςκαι οι καλλιτέχνες πιστεύουν ότι η δημιουργικότητα είναι η ικανότητα να συνδέεις τις κουκκίδες που ένας κοινός άνθρωποςΔεν θα φανταζόμουν να συνδεθώ με τέτοια σειρά. Αν ρωτήσετε μια ιδιοφυΐα πώς συνδύασε αυτά τα πράγματα, θα νιώσει αμήχανα, γιατί δεν θα έχει απάντηση σε αυτή την ερώτηση. Αυτό που είναι δύσκολο για τους άλλους είναι δημιουργικό άτομοδεν είναι δύσκολο.
Ας σκεφτούμε άλλη μια φορά την τέχνη και τέτοια ακατανόητα, αλλά συχνά όλα ενδιαφέροντες καλλιτέχνες. Ποιοι είναι αυτοί οι μυστηριώδεις άνθρωποι με τους εσωτερικούς κόσμους? Γιατί ζωγραφίζουν συνέχεια κάτι και ποιος το χρειάζεται;
Από τότε που άρχισα να αποκαλώ τον εαυτό μου καλλιτέχνη και να δείχνω τη δουλειά μου στο κοινό, έχω συγκεντρώσει πάνω από δώδεκα μύθους με τους οποίους έπρεπε να αντιμετωπίσω. Και πρέπει να πω ότι μερικά από αυτά υπήρχαν πραγματικά, αλλά πριν από 100-200 χρόνια. Ναι, δυστυχώς, οι ιδέες της κοινωνίας για τους καλλιτέχνες (στην επικράτεια πρώην ΕΣΣΔ) είναι πολύ ξεπερασμένα. Αυτό πρέπει να εργαστεί. Και σας προτείνω να ξεκινήσετε να το κάνετε τώρα, ίσως εσείς είστε αυτός που εξακολουθεί να πιστεύει σε αυτά. Λοιπόν, μύθοι για τους καλλιτέχνες:
Μύθος #1:Για να ζωγραφίσετε μια εικόνα, πρέπει να περιμένετε για έμπνευση (μούσα).
Πραγματικότητα:Ακόμα συχνά αποδίδεται σε αυτό - ποτό, καπνός. Υποτίθεται ότι η δημιουργικότητα είναι τόσο ιδιότροπη στη φύση που χρειάζεται τροφή.
Άρα, καμία έμπνευση δεν έρχεται από το πουθενά. Για να κάνεις κάτι, πρέπει να το κάνεις, όσο τετριμμένο κι αν ακούγεται. Ναι, υπάρχουν πηγές έμπνευσης, αλλά είναι πολύ ατομικές για τον καθένα. Και το αλκοόλ ή κάποια ναρκωτικά δεν συμβάλλουν σε αυτό, εκτός από το βραχυπρόθεσμο θάρρος και μια έκρηξη ενέργειας. Γενικά, αν τρέφεσαι συνεχώς με κάτι, γίνεσαι εξαρτημένος και οξύθυμος. Και αυτό σημαίνει ότι θα πρέπει πάντα να ψάχνετε για επαναφόρτιση και να πεθάνετε πρόωρα, χωρίς να δημιουργήσετε το πιο ευρηματικό σας αριστούργημα.
«Ο καλλιτέχνης δεν είναι αυτός που εμπνέεται, αλλά αυτός που εμπνέει».
Σαλβαδόρ Νταλί
Μύθος #2:Όλοι οι καλλιτέχνες είναι αλκοολικοί.
Πραγματικότητα:Δεν είναι κάθε καλλιτέχνης αλκοολικός, δεν είναι κάθε αλκοολικός καλλιτέχνης. Σε γενικές γραμμές, αυτός ο μύθος είναι λίγο αληθινός, αλλά μόνο λίγο. Ας ξεκινήσουμε από το γεγονός ότι και οι καλλιτέχνες είναι άνθρωποι και έχουν την τάση να γιορτάζουν, μερικές φορές να πίνουν κάτι αλκοολούχο. Και, ίσως, αυτή η αρχή "δεν πίνεις, αλλά θέλεις να γίνεις καλλιτέχνης" λειτούργησε πραγματικά και εξακολουθεί να λειτουργεί. Ωστόσο, τώρα βλέπω όλο και περισσότερους υποστηρικτές στους νέους υγιεινός τρόπος ζωήςΖΩΗ, κατάλληλη διατροφή, αθλητισμός κ.λπ. Και υπάρχουν όλο και λιγότεροι άνθρωποι που τους αρέσει να πίνουν πολύ και να «περπατούν». Ίσως αυτό οφείλεται και στο ότι όλο και περισσότερες γυναίκες έρχονται στην τέχνη. Και οι γυναίκες, νομίζω, δεν είναι τόσο διατεθειμένες να καταστρέψουν την υγεία τους.
Μύθος #3:Οι καλλιτέχνες ζουν τη ζωή τους στη φτώχεια και για να γίνεις διάσημος πρέπει να πεθάνεις.
Πραγματικότητα:Στη μαζική συνείδηση, υπάρχει μια εικόνα ενός «φτωχού και εξαρτημένου καλλιτέχνη», που προέκυψε εν μέρει λόγω της κλασικής ρωσικής λογοτεχνίας. Στην πραγματικότητα, η δουλειά του ζωγράφου πληρωνόταν πάντα επαρκώς. Για παράδειγμα, ο Ilya Repin, όντας ακόμα ένας άγνωστος 19χρονος επαρχιώτης, ζωγράφισε εικόνες για μια κωφή αγροτική εκκλησία και λάμβανε πέντε ρούβλια για το καθένα (πλήρωνε το ίδιο ποσό ανά μήνα για ένα δωμάτιο στην Αγία Πετρούπολη). Αλλά, όπως τώρα, έτσι και τότε υπήρχαν μη αναγνωρισμένες ιδιοφυΐεςπου πέθανε στη φτώχεια (Paul Gauguin, Vincent van Gogh, Amadeo Modigliani). Μόνο που τώρα δεν υπάρχουν γελοίοι καλλιτέχνες, επειδή ένα άτομο συνήθως αναζητά άλλους τρόπους για να κερδίσει χρήματα (σχεδιασμός, διακόσμηση, διδασκαλία).
Μύθος #4:Οι καλλιτέχνες δεν είναι αυτού του κόσμου.
Πραγματικότητα:Γιατί προκύπτει μια τέτοια σκέψη; Σίγουρα αυτή η εικόνα προέκυψε από μυθιστορήματα, ιστορίες για τρελούς που είχαν εμμονή με τη δημιουργικότητα, πέταξαν στον Άρη για νέα ενέργεια και δεν μπορούσαν να βρουν επαφή με τους συγχρόνους τους. Θα ήθελα να επαναλάβω - και οι καλλιτέχνες είναι άνθρωποι. Ίσως κατά κάποιο τρόπο να μην είναι σαν τους άλλους - στην εμμονή με τη δουλειά τους, στο να θαυμάζουν την ομορφιά που τους περιβάλλει. Αλλά τι φταίει να βυθίζεσαι σε αυτό που αγαπάς και κάνεις. Οι περισσότεροι επιτυχημένοι καλλιτέχνες τα πάνε καλά με την κοινωνία και έρχονται σε επαφή.
Μύθος #5:Για να δημιουργήσετε μια ποιοτική εικόνα πρέπει να αφιερώσετε πολύ χρόνο.
Πραγματικότητα:Σε αυτή την περίπτωση, όλα είναι ατομικά. Κάποιοι συνηθίζουν να δουλεύουν γρήγορα, άλλοι αργά. Για κάποιον, είναι δυνατό να δημιουργήσει ένα αριστούργημα σε 30 λεπτά, κάποιος δεν έχει αρκετή ζωή. Αλλά ποτέ δεν πρέπει να συγκρίνετε την τέχνη με άλλους κλάδους της ζωής. Για παράδειγμα, αν θέλω να κάνω ποιοτικό μηχανολογικό έργο, πρέπει πρώτα να σκεφτώ, να συλλέξω πληροφορίες και μετά να δουλέψω. Στην τέχνη, τα πάντα είναι συχνά αυθόρμητα, και ακόμη κι αν το υλικό για εργασία συλλέγεται για μεγάλο χρονικό διάστημα, το ίδιο το έργο συχνά γράφεται γρήγορα.
Μύθος #6:Είναι αδύνατο να βγάλεις χρήματα με την τέχνη, ή "είσαι 30 χρονών - πήγαινε να βρεις μια κανονική δουλειά!"
Πραγματικότητα:Με την τέχνη μπορείς να βγάλεις λεφτά! Και είναι πολύ σημαντικό όταν ο καλλιτέχνης στηρίζεται από στενούς ανθρώπους, οικογένεια. Ξέρετε τι ερώτηση ακολουθεί μετά την παρουσίαση «Είμαι καλλιτέχνης»; Συνήθως ρωτούν: «Πού δουλεύεις;» Εκείνοι. κατ 'αρχήν, κανείς δεν μαντεύει καν ότι υπάρχουν άνθρωποι που κερδίζουν τα προς το ζην από αυτό. Φυσικά γίνεται όλο και πιο δύσκολο να είσαι ελεύθερος επαγγελματίας καλλιτέχνης. Αυτό έγκειται στην αδύναμη φερεγγυότητα της κοινωνίας και στην χαμηλής ποιότητας πολιτισμοποίηση του πληθυσμού. Ο καλλιτέχνης είναι δύσκολο επάγγελμα. Προηγουμένως, την εποχή του Λεονάρντο ντα Βίντσι, οι καλλιτέχνες φορούσαν Σημάδι στο στήθος Buffalo, που συνέκρινε τη δουλειά τους με τη δουλειά ενός εύσωμου βουβάλου.
Μύθος #7:Όλοι οι καλλιτέχνες φορούν γένια/μπερέδες/δαχτυλίδια/καπέλα.
Πραγματικότητα:Δεν μπορώ καν να φανταστώ γιατί αυτός ο μύθος είναι ακόμα ζωντανός στον 21ο αιώνα. Συμφωνώ επίσης ότι στους καλλιτέχνες αρέσει να ξεχωρίζουν, να φορούν μη τυποποιημένα πράγματα, να δημιουργούν μια εικόνα. Αλλά για να φορέσουν μούσι και μπερέ... Παρεμπιπτόντως, πολλοί νέοι φορούν τώρα γένια, και δεν είναι όλοι καλλιτέχνες.
Μύθος #8:Το σχέδιο είναι εύκολο, δεν είναι ξεφόρτωμα βαγονιών.
Πραγματικότητα:Ο καλλιτέχνης είναι επάγγελμα και επάγγελμα ταυτόχρονα. Η δημιουργικότητα, φυσικά, δεν συγκρίνεται με τη βαριά σωματική καταπόνηση, αλλά σε γενικές γραμμές ζούμε στον 21ο αιώνα και προσπαθούμε να δουλεύουμε περισσότερο διανοητικά. Και η δουλειά στην τέχνη και η δημιουργία πινάκων / έργων είναι η ίδια πνευματική δουλειά που απαιτεί αφοσίωση και βαθιά σκέψη.
Μύθος #9:Αν είσαι καλλιτέχνης, τότε πρέπει να με ζωγραφίσεις τώρα και εδώ! Δωρεάν!
Πραγματικότητα:Όλα δείχνουν να είναι απλά. Και ας προσπαθήσουμε να πούμε σε όλους «Γεια. Είσαι προγραμματιστής; Και φτιάξε μου έναν ιστότοπο με γρήγορο τρόπο. Και τι άλλο πρέπει να πληρώσετε για αυτό; Ακούγεται γελοίο; Εξίσου σαστισμένος και μερικές φορές με θυμό, ο καλλιτέχνης κοιτάζει τους ανθρώπους που ρωτούν «και ζωγράφισέ με».
Μύθος #10:Ένας καλλιτέχνης πρέπει να πεινάει.
Πραγματικότητα:Δυστυχώς, τώρα αυτή η έκφραση λαμβάνεται τόσο κυριολεκτικά που με στεναχωρεί. Πιθανότατα, ο δημιουργός αυτής της φράσης εννοούσε την πείνα - ως συνεχή επιθυμία για δημιουργία και όχι ως σκέψεις για φαγητό. Άλλωστε, όλοι πηγαίνουν στη δουλειά κάθε μέρα, δεν δουλεύουν πάντα παραγωγικά, μερικές φορές απλά κάθονται έξω από το χρόνο και πληρώνονται γι' αυτό. Αντίστοιχα, κάθε εργασία πρέπει να πληρώνεται.
Μύθος #11:Ο καλλιτέχνης μπορεί να ζωγραφίσει για όλους δωρεάν ή με ονομαστική αμοιβή (εδώ - φιλανθρωπικά έργα και συμμετοχή σε αμφίβολες κληρώσεις βραβείων).
Πραγματικότητα:Αυτό, δυστυχώς, είναι ένας μύθος στον οποίο σχεδόν όλοι ζουν στη σκληρή μας πραγματικότητα. Θα ήθελα να προσθέσω ότι πιο συχνά ένα άτομο που προσφέρει μια απίστευτη «τύχη» που έπεσε στην κλήρο ενός άτυχου καλλιτέχνη εκπλήσσεται με την άρνηση, λέει ότι το έργο θα μείνει στην ιστορία, θα παραμείνει για αιώνες και κανείς δεν θα ξεχάστε το μεγάλο όνομα του δημιουργού. Παραδόξως, τέτοιες προσφορές έρχονται σχεδόν κάθε μέρα.
Μύθος #12:Ο καλλιτέχνης πρέπει να ζωγραφίζει ελαιογραφίες (κυρίως τοπία με καταρράκτες και πορτρέτα υπέροχων γυναικών).
Πραγματικότητα:Η τέχνη δεν μένει ακίνητη, εξελίσσεται συνεχώς. Υπάρχουν νέοι τύποι και μορφές έκφρασης της σκέψης μέσω της τέχνης. Ο μέσος πολίτης μέσα καλύτερη περίπτωσηγνωρίζει τον Αϊβαζόφσκι και τον Ρέπιν. Κατά συνέπεια, η τέχνη κατά την άποψή τους είναι ακριβώς αυτό. Ενα σημάδι υπεροχήείναι η ικανότητα να ζωγραφίζεις «σαν ζωντανό πράγμα». Οι άνθρωποι συχνά αισθάνονται εκτός τόπου όταν έρχονται σε επαφή με την τέχνη ότι δεν μπορούν να κατανοήσουν γρήγορα και εύκολα, δεν μπορούν να δουν τα πράγματα ανεπίσημα, με αποτέλεσμα να πυροδοτείται η αντίδραση της άρνησης της τέχνης μόνο και μόνο επειδή είναι ακατανόητη.
Μύθος #13:Η σύγχρονη τέχνη (contemporary art) είναι απόλυτη ανοησία. «Όπως ο Πικάσο και ο Μάλεβιτς, μπορώ κι εγώ να ζωγραφίζω!»
Πραγματικότητα:Συνήθως, σε τέτοιες περιπτώσεις, προτείνω να σχεδιάσετε αμέσως «όπως ο Πικάσο» και να πάτε στο μουσείο με αυτό το σχέδιο (ή τουλάχιστον να δείτε την αναπαραγωγή στο βιβλίο), για σύγκριση. Δεν θέλω καν να πω περισσότερα. Μόλις την επόμενη φορά που θα το σκεφτείτε, συγκρίνετε το σχέδιό σας με τον Πικάσο.
Είμαι βέβαιος ότι η λίστα με τους μύθους δεν έχει εξαντληθεί. Και πραγματικά ελπίζω ότι αυτές οι πληροφορίες σας βοήθησαν έστω και λίγο να κατανοήσετε τον κόσμο της τέχνης. Όσο καλύτερα γνωρίσετε αυτόν τον κόσμο, τόσο περισσότερη ευχαρίστηση θα σας φέρει.
ΥΣΤΕΡΟΓΡΑΦΟ.Λένε επίσης ότι οι καλλιτέχνες δεισιδαίμονες. Ίσως ναι, ίσως όχι, αλλά ο καθένας έχει τη δική του άποψη για αυτό το θέμα…
Το άρθρο χρησιμοποιεί εικονογραφήσεις των Tatyana Ramenskaya και Alexandra Poe.
(γ) Γιούλια Παστούκοβα
Παιδιά, βάζουμε την ψυχή μας στο site. Ευχαριστώ γι'αυτό
για την ανακάλυψη αυτής της ομορφιάς. Ευχαριστώ για την έμπνευση και την έμπνευση.
Ελάτε μαζί μας στο Facebookκαι Σε επαφή με
υψηλή τέχνη- κάτι πολύπλοκο και ακατανόητο για πολλούς. Αναγεννησιακή ζωγραφική με τέλεια εικόναπροσελκύει πολλούς θαυμαστές, αλλά δεν είναι εύκολο για όλους να πιστέψουν ότι τα έργα του Πικάσο και του Καντίνσκι μπορούν πραγματικά να κοστίσουν υπέροχα χρήματα. Η αφθονία των γυμνών ανθρώπων στην εικόνα είναι ένα άλλο μυστήριο, καθώς και το παράδοξο του τι καλές εικόνεςδεν χρειάζεται να είναι όμορφο.
δικτυακός τόποςΈμαθα τις απαντήσεις σε πολλές περίεργες ερωτήσεις σχετικά με τη ζωγραφική κοιτάζοντας τα έργα κριτικών τέχνης και πολιτισμολόγων.
1. Είναι πραγματικά τόσο ακριβό το βάψιμο;
Κάθε τόσο ακούμε για τα τρελά ποσά που δαπανώνται για αυτήν ή την άλλη φωτογραφία. Αλλά στην πραγματικότητα, τέτοια χρήματα είναι ο κλήρος των πολύ λίγων έργων. Οι περισσότεροι καλλιτέχνες δεν έχουν δει ποτέ τεράστια χρηματικά ποσά. Ο ιστορικός τέχνης Jonathan Binstock πιστεύει ότι υπάρχουν μόνο περίπου 40 συγγραφείς στον κόσμο των οποίων οι πίνακες αποτιμώνται με ένα άθροισμα με πολλά μηδενικά.
Τα εμπορικά σήματα κυβερνούν την τέχνη
Εδώ είναι ίσως το πιο εντυπωσιακό παράδειγμα. Σίγουρα θα έχετε ακούσει για τον καλλιτέχνη γκράφιτι Banksy. Ο οξύς κοινωνικός προσανατολισμός των έργων και η βιογραφία, καλυμμένη με ένα φωτοστέφανο μυστηρίου, έκαναν τη δουλειά τους. Σήμερα, ο Banksy είναι ένας καλλιτέχνης του οποίου το έργο αποτιμάται σε πολυψήφια ποσά. Ο πίνακας του «Girl with αερόστατο"πουλήθηκε για £ 1,042 εκατ. Και όλος ο κόσμος μίλησε για την απόδοση της καταστροφής του αμέσως μετά την πώληση.
Ο Banksy είναι μια μάρκα και οι μάρκες πωλούν καλά. Με αυτόν τον τρόπο, Το κόστος ενός πίνακα καθορίζεται σε μεγάλο βαθμό από τη φήμη του συγγραφέα του.
Η επιτυχημένη πώληση ενός πίνακα είναι το κλειδί για την επιτυχία άλλων
Ένας καλλιτέχνης μπορεί να είναι άτυχος για μεγάλο χρονικό διάστημα, θα βλάστηση στη φτώχεια και την αφάνεια, ανίκανος να πουλήσει επικερδώς το έργο του. Μόλις όμως καταφέρει να πουλήσει έναν από τους πίνακές του για πολλά χρήματα, να είστε σίγουροι ότι η τιμή των άλλων έργων του θα εκτοξευθεί στα ύψη.
Σπανιότητα, σπανιότητα, μοναδικότητα
Ο Ολλανδός καλλιτέχνης Jan Vermeer αποκαλείται ανεκτίμητος σήμερα. Δεν ανήκουν τόσοι πολλοί πίνακες στο πινέλο του - μόνο 36. Ο καλλιτέχνης έγραψε αρκετά αργά. Χαμένος το 1990, ο πίνακας του Ολλανδού "Concert" υπολογίζεται τώρα σε περίπου 200 εκατομμύρια δολάρια. Σπανιότητα και σπανιότηταοι καμβάδες επηρεάζουν το γεγονός ότι οι τιμές τους είναι απλώς υψηλές.
Ο θρυλικός Βαν Γκογκ είναι μια σούπερ μάρκα. Λίγοι είναι οι πίνακες του καλλιτέχνη και είναι προφανές ότι δεν θα κάνει τίποτα πια. Το έργο του είναι μοναδικό.
Πριν από 10 χρόνια, η Suprematist Composition του Malevich πουλήθηκε για 60 εκατομμύρια δολάρια, ίσως, αν όχι για την κρίση, θα είχε πουληθεί για 100 εκατομμύρια δολάρια. Πίνακες του Malevich σε ιδιωτικές συλλογές χωρίς εξαίρεση, και πότε την επόμενη φορά που θα εμφανιστεί στην αγορά κάτι αυτής της κατηγορίας είναι άγνωστο. Ίσως σε 10 χρόνια, ίσως σε 100.
Σε γενικές γραμμές, είναι προφανές: οι αγοραστές είναι έτοιμοι να πληρώσουν υπέροχα χρήματα για εξαιρετικά σπάνια είδη.
Η καινοτομία είναι ακριβή
Ένα από τα έργα του Ρίτσαρντ Πρινς στην κατεύθυνση του «καλλιτεχνικού δανεισμού».
Η ζωγραφική παίρνει τη λειτουργία του ορόσημου
Σήμερα, το επίπεδο του πολιτιστικού τουρισμού αυξάνεται και η ζωγραφική επιτελεί τη λειτουργία Αξιοθεατο. ΣΤΟ διάσημα μουσείαμεγάλες ουρές τουριστών στη σειρά. Και για να δηλωθεί και να διεκδικήσει παγκόσμια φήμη, η γκαλερί πρέπει σίγουρα να κατέχει τα πρωτότυπα διάσημων και δημοφιλών ζωγράφων.
Τα τεχνητά δημιουργημένα κέντρα πολιτιστικού τουρισμού αυξάνονται επίσης, για παράδειγμα, στη Μέση Ανατολή και στην Κίνα. Πρόσφατα η βασιλική οικογένεια Κατάρπροχώρησε σε ιδιωτική συναλλαγή για $ 250 εκατ- όλα για να έχει εικόνα η χώρα Σεζάν "Οι χαρτοπαίκτες".
Όταν υπάρχουν τα πάντα, η τέχνη αρχίζει να τραβάει
Το 2017, ο δισεκατομμυριούχος Ντμίτρι Ριμπολόβλεφ πούλησε αυτόν τον πίνακα στον Λεονάρντο ντα Βίντσι για 450 εκατομμύρια δολάρια. Τώρα αυτή είναι η πιο ακριβή συμφωνία στον κόσμο της ζωγραφικής.
Όταν έχεις 4 σπίτια και ένα αεροπλάνο G5, τι άλλο μπορείς να κάνεις; Μένει μόνο να επενδύσουμε στη ζωγραφική, γιατί είναι ένα από τα ισχυρότερα νομίσματα».
Σύμφωνα με στοιχεία του 2015, υπάρχουν 34 εκατομμύρια εκατομμυριούχοι στον κόσμο. Και ακόμα κι αν φανταστούμε ότι μόνο το 1% από αυτούς ενδιαφέρεται για την τέχνη, αποδεικνύεται ότι στον κόσμο που ζουν 340 χιλιάδες άνθρωποι που είναι έτοιμοι να πληρώσουν στρογγυλά ποσά για πίνακες. Και οι ίδιοι οι πίνακες διάσημους συγγραφείς, όπως γράψαμε παραπάνω, αρκετά, ειδικά σε σύγκριση με τον αριθμό των εκατομμυριούχων. Επιπλέον, ακόμη και όσοι δεν ενδιαφέρονται για τη ζωγραφική είναι έτοιμοι να επενδύσουν σε αυτήν για χάρη του κύρους ή της σταθερότητας μιας τέτοιας επένδυσης.
Αποδεικνύεται λοιπόν ότι το υψηλό κόστος της ζωγραφικής οφείλεται σε μεγάλο βαθμό στο γεγονός ότι πάρα πολύ ένας μεγάλος αριθμός απόκυνήγι χρημάτων για μια μικρή ποσότητα αγαθών.
2. Όλοι οι πίνακες χρειάζονται κορνίζες;
Πίνακας του Georges Seurat "Canal at Gravelines, Great Fort Philippe".
Στο βιβλίο της Susie Hodge Why Art Is So Much γυμνοί άνθρωποι” αναφέρεται στον ορισμό πλαισίων. Ναι είναι προστατέψτε τις άκρες της εικόνας και τραβήξτε την προσοχή σε αυτήν. Κάποια καρέ είναι φανταστικά, άλλα είναι αρκετά απλά, δεν αποσπούν την προσοχή από το στοχασμό. Ο σκοπός του κάδρου είναι να συμπληρώσει την εικόνα και να την δείξει με τον καλύτερο δυνατό τρόπο.
Εδώ είναι ένας αφηρημένος καλλιτέχνης Piet Mondrianσύγκρινε τα πλαίσια με ένας τοίχος που στέκεται ανάμεσα στον θεατή και την εικόνα. Ήθελε να αφαιρέσει αυτή την αίσθηση της απόστασης. Και ο καλλιτέχνης έγραψε στις άκρες των καμβάδων και ακόμη και στο πλευρικό τοίχωμα.
Η σκιά δεν άρεσε στον Georges Seurat, το οποίο εκτοξεύεται από το πλαίσιο της εικόνας. Και ο ίδιος συχνά σχεδίαζε καρέ από μικροσκοπικές κουκκίδες διαφορετικών χρωμάτων. Παρεμπιπτόντως, σύμφωνα με μια παρόμοια αρχή των έργων ζωγραφικής του Seurat, μια έγχρωμη τηλεόραση θα λειτουργήσει σε μισό αιώνα.
3. Γιατί υπάρχουν τόσοι πολλοί γυμνοί άνθρωποι στις φωτογραφίες;
Θραύσμα της τοιχογραφίας του Μιχαήλ Άγγελου «Δημιουργία του Αδάμ».
Ακόμη και οι αρχαίοι Έλληνες πίστευαν ότι το γυμνό σώμα είναι απίστευτα όμορφο.
Στην τέχνη, πιο συχνά γυμνό - είναι σύμβολο. Ένα σύμβολο της νέας ζωής, της ειλικρίνειας, της αδυναμίας ενός ζωντανού όντος, καθώς και της ζωής και του θανάτου.
Εξάλλου, τίποτα δεν προκαλεί τόσο δυνατά συναισθήματαο θεατής, όπως η γύμνια. Θα μπορούσε να είναι ενδιαφέρον, αμηχανία, ντροπή ή θαυμασμός.
4. Γιατί είναι όλα τόσο επίπεδα και γενικά μη ρεαλιστικά;
Ζωγραφική Τσέχος καλλιτέχνης Bohumil Kubishty «Ο υπνωτιστής».
Ίσως μια από τις πιο συνηθισμένες κατηγορίες εναντίον σύγχρονους δασκάλουςακούγεται σαν αυτό: οι καλλιτέχνες έχουν ξεχάσει πώς να φαίνεται να μεταφέρουν την πραγματικότητα. Εξ ου και η εσφαλμένη αντίληψη ότι τα αντικείμενα φαίνονται επίπεδα.
Ας δούμε όμως, για παράδειγμα, τους καμβάδες κυβιστές. Σπάνε την προοπτική, αλλά απεικονίζουν αντικείμενα ταυτόχρονα από διαφορετικές οπτικές γωνίες και ακόμη και σε διαφορετικές χρονικές στιγμές. Επομένως, δεν μπορεί να ειπωθεί ότι η εικόνα στον καμβά είναι δισδιάστατη.
Δεν είναι πλέον απαραίτητο να σχεδιάζετε "όπως" - μια φωτογραφία μπορεί να το κάνει αυτό. Επομένως, είναι απαραίτητο να αναζητήσουμε μια απάντηση στο ερώτημα γιατί ο καλλιτέχνης σε αυτήν ή εκείνη την εικόνα απεικόνισε την πραγματικότητα ως επίπεδη, είναι απαραίτητο στην ίδια ιδέα του συγγραφέα. Αφαιρώντας κάποιες λεπτομέρειες της εικόνας, ο καλλιτέχνης εστιάζει σε άλλες. Απλοποιώντας την εικόνα, αυτός
Επαγγελματίας όμως καλλιτέχνες της πρωτοπορίας του 19ου-20ου αιώναείχε πίσω καλλιτεχνική εκπαίδευσηκαι ισχυρή βάση. Αυτοί είναι μπορούσε να γράψει με οποιονδήποτε τρόποαλλά κάποια στιγμή αποφάσισε να το κάνει με αυτόν τον τρόπομιμούμενοι τους πρωτογονιστές. Όπως λένε, αυτό προοριζόταν, γιατί πρόκειται για έναν εντελώς νέο (και άρα ενδιαφέρον για όσους έχουν βαρεθεί το παλιό) τρόπος επηρεασμού του θεατή.
Οι καλλιτέχνες θα είχαν κάνει εξαιρετική δουλειά με έναν πίνακα στο πνεύμα του ακαδημαϊκού κλασικισμού, και γι' αυτό ήταν βαρετό για αυτούς. Ο νεαρός Πικάσο ζωγράφισε συγκινητικά και μάλλον ρεαλιστικά πορτρέτα. Αλλά ένας ώριμος καλλιτέχνης έχει επιλέξει για τον εαυτό του ένα μονοπάτι που συγκλονίζει, τονώνει το μάτι, το οποίο βοηθά να επιδείξει μια δροσερή χρωματική αίσθηση και μια αίσθηση φόρμας.
6. Πρέπει οι πίνακες να είναι όμορφοι;
Όμορφο δεν σημαίνει τέχνη, και η ίδια η τέχνη δεν απεικονίζει πάντα την ομορφιά. Ο καθένας έχει διαφορετική ιδέα για την ομορφιά και η γνώμη ενός μόνο ατόμου δεν μπορεί να θεωρηθεί πρότυπο.
Ας ξεφύγουμε από τη ζωγραφική και ας κάνουμε έναν παραλληλισμό με τον κινηματογράφο. Μεταξύ των ιστορικών τέχνης συναντάμε την ακόλουθη άποψη: το να πούμε ότι οι εικόνες πρέπει σίγουρα να είναι όμορφες είναι το ίδιο με το να λέμε ότι μια πραγματική ταινία είναι απλώς μια ρομαντική κωμωδία ή ένα μελόδραμα με αίσιο τέλος. Και ψυχολογικά δράματα, ταινίες δράσης, θρίλερ - αυτό δεν είναι καθόλου ταινία. Συμφωνώ, υπάρχει λογική σε αυτό.
Η τέχνη (συμπεριλαμβανομένης της ζωγραφικής) πρέπει να μιλάει τη γλώσσα της εποχής της. Και για να απολαύσετε οποιαδήποτε εικόνα, ακόμα και ρεαλιστική, πρέπει να ξέρετε τι απεικονίζεται σε αυτήν. Στις εκθέσεις, συνήθως διαβάζουμε τις λεζάντες στους καμβάδες και χρησιμοποιούμε ακόμη και τον ηχητικό οδηγό.
Ποια ζωγραφική είναι κοντά σας;
Στον κύκλο των δημιουργικών ανθρώπων, συμβαίνει συχνά ο ροζ ουρανός να καλύπτεται με κεραυνούς. Συγκρούσεις, αρνητική, ακόμη και εχθρική στάση μεταξύ τους, φθόνος και αγανάκτηση συμβαίνουν. Και αν πρόκειται για αρνητικότητα, τότε απλώς ανατρέπεται. Μια από τις πιο συχνές δικαιολογίες για τέτοιες διαθέσεις και ασέβεια στάσηστους συναδέλφους - το πνεύμα των καιρών και ο υπερπληθυσμός του πλανήτη από καλλιτέχνες. Όπως, κάθε νέος χωρίς εκπαίδευση, χωρίς οικογένεια, χωρίς φυλή θεωρεί τον εαυτό του προικισμένο με ικανότητες και ταλέντο, αφαιρώντας ψωμί από πραγματικούς δημιουργούς. Είναι όμως; Είμαστε πραγματικά τόσοι πολλοί από εμάς, και όλα είναι τόσο άσχημα;
Οι καλλιτέχνες ανά πάσα στιγμή αντιμετώπισαν μια πολύ πολική στάση απέναντι στον εαυτό τους και τη δουλειά τους. Τόσο από έξω όσο και μέσα σε έναν στενό κύκλο επικοινωνίας. Πάρτε, για παράδειγμα, το μυθιστόρημα του Émile Zola ( fr. Εμίλ Ζολά, 1840-1902) "Δημιουργία" ( fr. L "Œuvre, 1886) είναι το 14ο μυθιστόρημα από τον κύκλο Ρουγκόν-Μακκουάρ. Πρόκειται για, τι άλλο, για τη δίνη της δημιουργικότητας και της ζωής των καλλιτεχνών, καθώς και για την ιστορία της ανάδυσης του plein air και του σκίτσου στυλ γραφής στη ζωγραφική. Τολμώ να πω ότι αν και ο Ζολά γράφεται συχνά ότι αυτός Γάλλος συγγραφέαςκαι καλλιτέχνης, δεν ήταν ο τελευταίος. Κέρδισε τη φήμη του ως μάλλον σκανδαλώδης και ταλαντούχος συγγραφέας μυθιστορημάτων. Και έκρινε τη ζωή του καλλιτέχνη όλο και περισσότερο ως εξωτερικός παρατηρητής και σταθερός συμμετέχων στις συζητήσεις για την τέχνη μεταξύ των φίλων του καλλιτεχνών.
Ακόμα από την ταινία "Cézanne et moi" 2016 Γάλλος συγγραφέας, σκηνοθέτης και σεναριογράφος Daniel Thompson (Danièle Thompson, *1942). Μια ταινία για τη φιλία του συγγραφέα Emile Zola (φορώντας γυαλιά) και του ζωγράφου Paul Cezanne.
Ο Ζολά θεωρούσε τη λογοτεχνία «μια επιστήμη με την οποία μπορείς να μελετήσεις τον άνθρωπο και την κοινωνία με την ίδια ακρίβεια με την οποία οι φυσιοδίφες μελετούν τη φύση». Ως εκ τούτου, τα γεγονότα του μυθιστορήματός του συνδέονται στενά με πραγματικά γεγονόταεκείνης της εποχής, και οι κύριοι χαρακτήρες διαγράφονται από αληθινοί άνθρωποι. Μόνο κάποια δεδομένα έχουν αλλάξει και, φυσικά, οι φαντασιώσεις του συγγραφέα έπρεπε επίσης να περιπλανώνται ανάμεσά τους.
Έτσι, τα πρωτότυπα των ηρώων του μυθιστορήματος του Emile Zola ήταν πραγματικοί καλλιτέχνες, οι οποίοι βρίσκονταν στο Παρίσι εκείνη την εποχή μετά από πρόταση του κριτικού και καλλιτέχνη Louis Leroy ( fr. Louis Leroy; 1812-1885) έγιναν γνωστοί ως Ιμπρεσιονιστές. Παρεμπιπτόντως, μην πιστεύετε όταν λένε ότι ήταν αυτός που εισήγαγε αυτόν τον προσδιορισμό σε χρήση. Γιατί οι ίδιοι οι ιμπρεσιονιστές το εισήγαγαν, αν και στην αρχή ήταν πολύ προσβεβλημένοι. Γιατί ο Leroy χρησιμοποίησε για πρώτη φορά τη λέξη «εντύπωση» με εξαιρετικά αρνητικό τρόπο. Ένας από τους πίνακες του Claude Monet στην πρώτη κοινή έκθεση καλλιτεχνών plein air ονομαζόταν "Impression, soleil levant" ( μετάφραση από την φρ. Εντύπωση, ανατέλλοντος ήλιος). Αφού επισκέφτηκε την έκθεση, ο Louis Leroy ανέφερε σε ένα άλλο καταστροφικό άρθρο ότι τα έργα των καλλιτεχνών αυτής της σχολής ζωγραφικής απλά ξεχάστηκαν να γραφτούν, να ολοκληρωθούν. Εξάλλου, δεν πρόκειται για τελειωμένους καμβάδες, αλλά για γρήγορα σκίτσα, αυτό ακριβώς είναι εντύπωση- ένα ελαφρύ ίχνος, μια φευγαλέα εντύπωση, και όχι ένας συμπαγής πίνακας.
Claude Monet, Impression. Rising Sun." 1872, 48×63 cm, Μουσείο Marmottan Monet, Παρίσι
Claude Monet, Impression. Ανατέλλοντος ήλιος." 1872, 48 × 63 cm, Μουσείο Marmottan Monet, Παρίσι. Φωτογραφία από εδώ.
Στην πραγματικότητα, ο Louis Leroy μπορεί να γίνει εύκολα κατανοητός. Πρώτον, ο ίδιος ήταν γραφίστας που εξέθεταν τακτικά στο "Paris Salon" και ήξερε τι αίμα δίνεται σε αυτή την έκθεση και πόση δουλειά έπρεπε να γίνει γι' αυτήν. Φωτογραφίες του Leroy δεν βρήκα βιαστικάΣε σύνδεση. Ωστόσο, πολλές πηγές δεν γνωρίζουν πλέον ότι δεν έγραψε μόνο κριτικές σημειώσεις. Όπως και να έχει, από το παρακάτω έργο μπορείτε να φανταστείτε πόσοι άνθρωποι ήθελαν να συμμετάσχουν στο "Paris Salon" και γιατί ο Zola έγραψε στο μυθιστόρημά του ότι υπήρχαν κερδοφόρα και λιγότερο κερδοφόρα μέρη - κάτω από το ταβάνι, για παράδειγμα.
Edouard Joseph Dantan, Salon Corner, 1880 Αναπαραγωγή από εδώ.
Στο μυθιστόρημα "Δημιουργικότητα" υπάρχει ένα επεισόδιο όταν οι χαρακτήρες μόλις ετοιμάζονται για την έκθεση "Salon of the Rejected" ( fr. Salon des Refuses) - μια έκθεση παράλληλη με την επίσημη γαλλική, η οποία παρουσίαζε καμβάδες και γλυπτά που απορρίφθηκαν τη δεκαετία 1860 - 1870 από την κριτική επιτροπή του Paris Salon ( fr. Salon de Paris). Το "Salon" - ήταν ένα από τα πιο διάσημα εκθέσεις τέχνηςΓαλλία, καθώς και η επίσημη τακτική έκθεση της Παρισινής και σημερινής Ακαδημίας καλές τέχνες (fr. Ακαδημία καλών τεχνών). Επινοήθηκε ως προπαγάνδα του επίσημου αυτοκρατορικού γούστου. Το να φτάσει εκεί και να εκθέσει ήταν θέμα κύρους και εμπορευσιμότητας για έναν καλλιτέχνη.
Φανταστείτε ότι εκείνες τις μέρες, σωλήνες για λαδομπογιά, και οι καλλιτέχνες άρχισαν να αφήνουν τα εργαστήριά τους στο ύπαιθρο και αμέσως να ζωγραφίζουν περισσότερο από τη ζωή και να μην δουλεύουν με μικρά σκίτσα στον απόηχο του ταξιδιού. Φυσικά, για πολλούς, αυτό που έκαναν οι ιμπρεσιονιστές ήταν μια πραγματική αγριότητα. Η χαριτωμένη, ακαδημαϊκά ρεαλιστική ζωγραφική έμοιαζε έτσι.
Adolphe William Bouguereau, "The Rapture". 1897, Μουσείο Τέχνης Σαν Αντόνιο (Τέξας)
Adolphe William Bouguereau, Το κύμα. 1896, ιδιωτική συλλογή
Και τώρα, για σύγκριση, η εικόνα του Edouard Manet, η οποία βρίσκεται επίσης στην πρώτη γραμμή στο μυθιστόρημα "Creativity" (μόνο ο Zola λέει ότι ο κύριος χαρακτήρας του Claude έγραψε) και την οποία η κριτική επιτροπή του Salon απέρριψε ομόφωνα και αγανακτισμένα. Τι? Γυμνή θεία παρέα δύο ανδρών; Τι είδους ξεφτίλα; Και γιατί κοιτάζει τόσο ξεδιάντροπα τον θεατή; Και ξέρουμε ποιος είναι! Ναι, ναι - αναγνωρίσαμε αυτή τη νοικοκυρά! Και τι μέτριος τρόπος γραφής με σαφή παραβίαση των αναλογιών. «Το ύφος του πίνακα σπάει ακαδημαϊκές παραδόσειςεκείνη τη φορά. Το σκληρό «φωτογραφικό» φως εξαλείφει τους μεσαίους τόνους. Ο Μανέ δεν προσπάθησε να κρύψει τις πινελιές και ως εκ τούτου ο πίνακας φαίνεται ημιτελής σε ορισμένα σημεία. Το γυμνό στο «Breakfast on the Grass» είναι πολύ διαφορετικό από τις απαλές και άψογες φιγούρες των ζωγράφων της ακαδημαϊκής σχολής ζωγραφικής».
Εντουάρ Μανέ, Πρωινό στο γρασίδι. 1863 Musee d'Orsay, Παρίσι
Φυσικά, σε σύγκριση με τα έργα ακαδημαϊκών καλλιτεχνών, τα έργα των ιμπρεσιονιστών έμοιαζαν σαν να έδειχναν σκίτσα στο κοινό. Άλλωστε, εκείνη την εποχή κανείς δεν μπορούσε καν να φανταστεί τι τεράστιες δυνατότητες κρύβεται πίσω από τον εκπληκτικό τρόπο γραφής της σχολής της plein air, της συναισθηματικής ζωγραφικής.
Έχω ήδη επιστήσει την προσοχή σας πολλές φορές στο γεγονός ότι πρέπει να καταλάβετε καθαρά πόσο λανθασμένη είναι η ιδέα ότι μια κατεύθυνση στην τέχνη έχει σταδιακά αντικατασταθεί από μια άλλη, αν και δίνονται στα σχολικά βιβλία με αυτόν τον τρόπο - βαρετό και με τη σειρά τους. Συχνά, νέες τάσεις στην τέχνη προέκυψαν παράλληλα με τον αποδεκτό ή μοντέρνο τρόπο απεικόνισης. Οι δημιουργικοί άνθρωποι νέων κατευθύνσεων αναγκάστηκαν ανά πάσα στιγμή να παλέψουν για μια θέση κάτω από τον ήλιο, γιατί αυτό που έκαναν ήταν στοιχειωδώς ασυνήθιστο. Και πώς σχετιζόμαστε με το νέο και ακατανόητο; Σας ευχαριστούμε αν δεν σκοτώνουμε σαν κακούς εξωγήινους που έχουν διεισδύσει στη ζεστή φωλιά μας.
John Singer Sargent, «Claude Monet painting at the edge of the forest», 1885, Tate Gallery
Το ίδιο έγινε και με τον ιμπρεσιονισμό. Αυτή η νέα τάση της πιο συναισθηματικής ζωγραφικής ξεκίνησε παράλληλα με την ακαδημαϊκή γραφή - τον ακαδημαϊσμό που αναφέρθηκε παραπάνω. Ακόμη και χρόνια αργότερα, πολλοί καλλιτέχνες από τον ιμπρεσιονιστικό κύκλο δεν εγκατέλειψαν την ελπίδα να μπουν στο "Σαλόνι" και να κάνουν επανάσταση εκεί, και όχι κάπου στο πλάι σε έναν ήσυχο βάλτο. Και έγινε.
Αλλά, πίσω στο μυθιστόρημα «Δημιουργικότητα» και τα σκάνδαλα γύρω από αυτό. Πολλοί ιμπρεσιονιστές, στον κύκλο των οποίων ήταν μέλος και ο Ζολά, αναγνώρισαν αμέσως τον εαυτό τους στη «Δημιουργικότητα». Ένας φίλος της νεολαίας του Zola - ο καλλιτέχνης Paul Cezanne ( fr. Paul Cézanne, 1839-1906) - μόλις διέκοψε τις σχέσεις με τον συγγραφέα. Ο Ζολά χρησιμοποίησε πραγματικές περιπτώσεις και γεγονότα από τη ζωή του Σεζάν για το μυθιστόρημα, αλλά διόρθωσε επιπλέον με τις δικές του λεπτομέρειες και γύρισε την πλοκή με τέτοιο τρόπο ώστε να επιστήσει την προσοχή του αναγνώστη στην ατέλεια και την αποτυχία του πρωταγωνιστή Κλοντ Λαντιέ. Ο Claude, σύμφωνα με τον Zola, ήταν ένας αποτυχημένος καλλιτέχνης, ενώ, αν κρίνουμε από τις περιγραφές, έμοιαζε πολύ με τον πραγματικό καλλιτέχνη Paul Cezanne. Εκτός από όλα, η Zola δεν βλέπει διέξοδο για τον ήρωά της και απλά τον «κρεμάει» στο δικό του εργαστήριο - τον σκοτώνει. Μπορείτε να φανταστείτε πώς ένιωσε ο Παύλος όταν αναγνώρισε τον εαυτό του στο μυθιστόρημα και συνειδητοποίησε τι γνώμη είχε ο ίδιος και οι σύντροφοί του και ο καλύτερος φίλος, και οι γύρω; Αλλά το κοινό ήταν ενθουσιασμένο με τον τολμηρό νατουραλισμό του Zola.
Αριστερά είναι ο Paul Cezanne, στα δεξιά ο Emile Zola στα πρώτα του χρόνια
Ακολουθεί ένα σύντομο απόσπασμα από την αφήγηση του D. L. Bykov, για να καταλάβετε τι πάθη μαίνονταν εκεί: «Ο Κλοντ επισκέπτεται παλιούς φίλους: Ο Magudo είναι κατώτερος από τα γούστα του κοινού, αλλά εξακολουθεί να διατηρεί ταλέντο και δύναμη, ο φαρμακοποιός είναι ακόμα μαζί του και έχει γίνει ακόμα πιο άσχημο· ο Ζόρι κερδίζει όχι τόσο από την κριτική όσο από τα κουτσομπολιά και είναι αρκετά ευχαριστημένος με τον εαυτό του: ο Φαγερόλ, που κλέβει με δύναμη και κυρίως τα γραφικά ευρήματα του Κλοντ, και η Ίρμα, που αλλάζει εραστές κάθε εβδομάδα, από καιρό σε καιρό. βιαστείτε ο ένας προς τον άλλον, γιατί δεν υπάρχει τίποτα πιο δυνατό από την προσκόλληση δύο εγωιστών και κυνικών. παλιός φίλος του Κλοντ, αναγνωρισμένος κύριος, που επαναστάτησε ενάντια στην Ακαδημία, για αρκετούς συνεχόμενους μήνες δεν μπορεί να βγει από μια βαθιά κρίση, δεν βλέπει νέους τρόπους, μιλά για τον αγωνιώδη φόβο του καλλιτέχνη για την υλοποίηση κάθε νέας ιδέας και στην κατάθλιψή του ο Claude βλέπει με τρόμο ένας οιωνός του δικού του μαρτυρίου.
Και στο τέλος: «... Ο αέρας της εποχής είναι δηλητηριασμένος, λέει ο Μπονγκράν Σαντόζ στην κηδεία μιας ιδιοφυΐας από την οποία δεν μένει τίποτα. Είμαστε όλοι άπιστοι και για όλα φταίει το τέλος του αιώνα με τη σαπίλα του. , φθορά, αδιέξοδα σε όλα τα μονοπάτια. Τέχνη σε παρακμή, αναρχία τριγύρω, η προσωπικότητα καταπιέζεται και η εποχή που ξεκίνησε με διαύγεια και ορθολογισμό τελειώνει με ένα νέο κύμα σκοταδισμού. Αν δεν ήταν ο φόβος του θανάτου, κάθε Ο αληθινός καλλιτέχνης θα έπρεπε να συμπεριφέρεται όπως ο Κλοντ... «Αυτή είναι μια τόσο περίεργη γνώμη ενός εξωτερικού παρατηρητή για το τι και σε ποιον οφείλει ο καλλιτέχνης.
Όπως μπορείτε να δείτε, δεν έχουν αλλάξει πολλά. Και είναι καλό στην πραγματικότητα. Γιατί αυτό είναι σημάδι ότι τα ταλέντα και η επιθυμία να δημιουργήσεις το ωραίο και το αιώνιο δεν έχουν ακόμη εξαντληθεί. Και τα προβλήματα των καλλιτεχνών ήταν και θα είναι παρόμοια. Ειδικά γιατί ο καλλιτεχνικός κόσμος είχε και έχει τους δικούς του «Μότσαρτ και Σαλιέρι». Αλλά εμμένω στη θέση ότι μόνο σε πολλούς φαίνεται ότι όλα έχουν φύγει όπως φάνηκε στον Sandoz (για την οποία ο ίδιος ο Zola υπηρέτησε ως πρωτότυπο). Εξάλλου, ακόμα κι αν ρίξετε μια πιο προσεκτική ματιά στην αγαπημένη μεταφορά για τον Μότσαρτ και τον Σαλιέρι - για τον φθόνο και το πραγματικό ταλέντο, σκάει σαν σαπουνόφουσκα. Γιατί η μυθοπλασία και τα πάθη σε αυτήν είναι τραβηγμένα.
Έμεινε τελευταίο πορτρέτο ζωής Mozart του Johann Georg Edlinger (1790), στα δεξιά είναι ένα πορτρέτο του Salieri με πινέλο Γερμανός καλλιτέχνηςκαι τον συνθέτη Josef Willibrord Mehler από την ίδια περίπου περίοδο
Λίγοι άλλωστε γνωρίζουν ότι η αντιπαλότητα και η έχθρα μεταξύ των προαναφερθέντων είναι απλώς μια λογοτεχνική μυθοπλασία. Το έργο του Πούσκιν για τον Μότσαρτ και τον Σαλιέρι βασίζεται σε μία μόνο από τις κακές φήμες που δημιουργούνται από πρόωρο θάνατο W. A. Mozart ( Γερμανός Βόλφγκανγκ Αμαντέους Μότσαρτ, 1756-1791). Ο Alexander Sergeevich άρπαξε την πιο αμφιλεγόμενη, θεατρική και σκανδαλώδη εκδοχή. Και όλα αυτά επειδή ο Antonio Salieri ( το. Antonio Salieri, 1750-1825) ήταν ένας από τους εξέχοντες και εξέχοντες συνθέτες της εποχής. Δεν προσκολλήθηκαν σε κάποιον Joseph Haydn ( Γερμανός Franz Joseph Haydn 1732-1809) με κατηγορίες - κι αυτός τριγυρνούσε εκεί και ήταν μεγαλύτερος και από τον Σαλιέρι. Σύμφωνα με τους σύγχρονους, ο τότε 40χρονος Σαλιέρι δεν είχε καν τέτοιες φιλοδοξίες όπως ο Μότσαρτ. Ήταν από φτωχή οικογένειακαι δούλεψε σκληρά για να κερδίσει τη θέση που είχε πετύχει. Ο Σαλιέρι δεν είχε κανέναν λόγο να πάρει τέτοια ρίσκα. Και η ιδιοσυγκρασία του δεν ήταν η ίδια. Τελικά όμορφη λέξηδιάσημος ποιητής οδήγησε σε διαδεδομένηκαι ριζώνοντας στη μαζική συνείδηση του μύθου της εμπλοκής του Σαλιέρι σε τραγικός θάνατοςΜότσαρτ. Και τώρα ακόμη και το όνομα του Σαλιέρι στη Ρωσία έχει γίνει γνωστό όνομα. Στην πραγματικότητα, ο Σαλιέρι ήταν ένας ταλαντούχος, έμπειρος και επιτυχημένος συνθέτης και δάσκαλος. Ήταν αυτός που ήταν ο δάσκαλος μιας ολόκληρης γενιάς άλλων συνθετών, μεταξύ των οποίων, σύμφωνα με μια από τις πηγές, ήταν ο Μπετόβεν, ο Σούμπερτ και ο Λιστ. Επιπλέον, λίγοι γνωρίζουν ότι μετά τον θάνατο του Μότσαρτ, ο Σαλιέρι έγινε μέντορας μικρότερος γιοςδιάδοχος - Franz Xaver. Και το έκανε μετά από αίτημα της Constance Mozart - της συζύγου του Wolfgang Amadeus. Αν ακόμη και ένα άτομο κοντά στον Μότσαρτ δεν είχε καμία υποψία και ακόμη και χρόνια αργότερα μόνο μια σεβαστική στάση απέναντι στον Σαλιέρι, τι είναι αυτό; Τι είναι η μαύρη αδικία; Τι είναι αυτός ο άσχημος μύθος που κρατιέται τόσο επίμονα στο μυαλό; Σύμφωνα με τους σύγχρονους, ο Σαλιέρι έτρεφε μεγάλο σεβασμό για τον Μότσαρτ και το χάρισμά του. Ο ίδιος ο Μότσαρτ δεν ανέφερε ούτε λέξη σε καμία από τις αλληλογραφίες κακή ιδιοσυγκρασίαΣαλιέρι ή κάποιες επιθέσεις προς την κατεύθυνση του. Το Μουσείο Μότσαρτ στο Σάλτσμπουργκ (το σπίτι όπου γεννήθηκε ο Μότσαρτ) έφτασε στο σημείο να οργανώσει μια έκθεση αφιερωμένη στον Σαλιέρι εντός των τειχών του, προκειμένου να ασπρίσει το όνομα αυτού του ταλαντούχου ανθρώπου, χωρίς τον οποίο θα είχαμε χάσει πολλούς άλλους ταλαντούχους συνθέτες.
Όμως, για κάποιο λόγο, είμαστε τόσο τακτοποιημένοι, δημιουργικοί άνθρωποι, που τα πάθη βρέχονται μέσα μας ακόμα κι όταν είναι ήδη αμαρτία να παραπονιόμαστε. Ας πάρουμε, για παράδειγμα, Ταινία μεγάλου μήκους 2012 σε σκηνοθεσία Gilles Burdo ( fr. Gilles Bourdos* 1963) σχετικά με τα τελευταία χρόνιαΟ Γάλλος ιμπρεσιονιστής Pierre-Auguste Renoir fr. Pierre-Auguste Renoir, 1841-1919) στο Cagnes-sur-Mer κατά τη διάρκεια του Πρώτου Παγκοσμίου Πολέμου - «Renoir. τελευταία αγάπη" (fr. Ρενουάρ). Σε ένα από τα επεισόδια, εμφανίζεται ο ακόλουθος διάλογος μεταξύ του καλλιτέχνη και του μοντέλου. Ένα νεαρό μοντέλο ζητά άδεια να μετακινηθεί κατά τη διάρκεια μιας συνεδρίας ζωγραφικής. Εκείνη την εποχή, ο Ρενουάρ ήταν ήδη ένας δάσκαλος, μια αναγνωρισμένη ιδιοφυΐα. Όλοι περπατούσαν γύρω του στις μύτες των ποδιών. Ο κύριος επιτρέπει πρόθυμα στο κορίτσι να σηκωθεί και να αλλάξει θέση, λέγοντας ότι αν ήθελε να σχεδιάσει πέτρες, δεν θα την καλούσε να ποζάρει. Και μετά αναφέρει ως παράδειγμα έναν συγκεκριμένο καλλιτέχνη από την Αιξ-αν-Προβάνς που του αρέσει να ζωγραφίζει τους νεκρούς. Επιπλέον, φέρεται να τρέχει μακριά από τα μοντέλα του, κλείνεται στο σπίτι του μπαμπά του και βάφει τα βερίκοκα του. Λοιπόν, γιατί γκρινιάζεις σαν έμπορος, γέρο Ρενουάρ, ε; Τι σε νοιάζει τα βερίκοκα των άλλων; Μπροστά σας στον καναπέ απλώνεται μια όμορφη κοπέλα. Κλήρωση ήδη! Αλλά όχι. Χάνει την ψυχραιμία του ότι κάποιος έχει άλλες προτεραιότητες στη ζωή.
Καρέ από την ταινία "Renoir. Last Love", 2012
Αν δεν καταλάβατε γρήγορα ότι θα ξεφύγετε από τα μοντέλα και τα βερίκοκα - και ήταν μια πέτρα στον κήπο του Σεζάν, που πολλά χρόνιαέζησε ως ερημίτης στην οικογενειακή έπαυλη Jas de Bouffan ( fr. Jas de Bouffan, το όνομα σημαίνει κυριολεκτικά "Σπίτι των Ανέμων") στο Aix-en-Provence.
Ειλικρινά, δεν ξέρω πραγματικά προικισμένους ανθρώπους με ανάλαφρο, απλό χαρακτήρα. Αλίμονο, αυτό δεν συμβαίνει. Το ταλέντο μπορεί και δίνεται στους ανθρώπους κατά τη γέννηση. Αλλά αυτοί που πραγματικά το τρέφουν, εργάζονται σκληρά και προχωρούν προς τους στόχους τους, τελικά, δεν είναι απλοί άνθρωποι. Επιπλέον, όπως λέει ένας φίλος μου, ένας καλλιτέχνης πρέπει να δουλέψει πάνω σε έναν κακό χαρακτήρα για να μείνει μόνος του και να του επιτραπεί να δημιουργήσει. Προφανώς ο Σεζάν διακρίθηκε ιδιαίτερα σε όλα τα μέτωπα, που για πολύ καιρό μετά τον θάνατό του πετούσαν πέτρες και βερίκοκα εναντίον του.
Paul Cezanne, «Νεκρή φύση με μήλα και πορτοκάλια», 1895-1900, που βρίσκεται στο Musée d «Orsay in Paris
Ωστόσο, αυτό δεν εμπόδισε τους γνωστούς καλλιτέχνες από το Παρίσι να επισκεφτούν τον Σεζάν και να γράψουν προς πώληση τα έργα τους βασισμένα στις ιδέες και τις εξελίξεις του Παύλου, όπως περιέγραψε ο Ζολά στο μυθιστόρημά του Δημιουργικότητα. Για παράδειγμα, πάντα πίστευα ότι οι Αρλεκίνοι του Πικάσο είναι το φόρτε του. Και πριν από μερικά χρόνια ήμουν στην έκθεση «Cézanne - Aufbruch in die Moderne» στο Μουσείο Folkwang στο Έσσεν της Γερμανίας. Εκεί είδα μια άμεση σύγκριση των έργων του Πικάσο, του Ματίς και του Σεζάν. Αποδείχτηκε ότι οι Αρλεκίνοι του Πικάσο «έπεσαν κάτω» χρόνια αργότερα ακριβώς με υπόδειξη του Σεζάν. Ο Matisse μερικές φορές απλώς δούλευε στην κλίμακα του Cezanov, αντιγράφοντας οικόπεδα.
Αριστερά το έργο του Ματίς «Νεκρή φύση με πορτοκάλια» 1898, δεξιά το έργο του Σεζάν «Καλάθι με μήλα» 1893
Η έκθεση που προαναφέρθηκε περιείχε περισσότερα από 100 έργα. Παρεμπιπτόντως, κάποια έργα ήταν από Μουσείο Πούσκιν. Ο τότε διευθυντής του Μουσείου Folkwang είναι ο Hubertus Gassner ( Hubertus Gassner) πολύ διπλωματικά είπε ότι η έκθεση περιέχει συγκρίσεις με τα έργα του Matisse ( Henri Matisse, 1869-1954) και ο Πικάσο ( Πάμπλο Πικάσο, 1881-1973) για να γίνει σαφές πόσο υπαρξιακό ήταν το έργο του Σεζάν για την εποχή του Μοντερνισμού και για την τέχνη του 20ου αιώνα γενικότερα.
Αριστερά είναι το έργο του Σεζάν «Πιερό και Αρλεκίνος» από τις μούσες. τους. Πούσκιν 1888, έργο του Πικάσο "Η οικογένεια των Αρλεκίνων" 1905 στα δεξιά
Φυσικά, υπαρξιακά. Ο Σεζάν ζούσε ως ερημικός, σε αντίθεση με τον ίδιο Πικάσο. Δεν υπήρχε Διαδίκτυο και τηλεοράσεις για να μπορεί ο θεατής να δει από πού φύτρωναν τα πόδια. Πώς θα μπορούσαμε όμως να απολαύσουμε τους όμορφους Αρλεκίνους αν η ιδιοφυΐα του Σεζάν και η ιδιοφυΐα του Πικάσο δεν υπήρχαν στη φύση, ακόμα κι αν εμπνεόταν ο ένας τον άλλον;
Και αν επιστρέψουμε στο αρχικό θέμα, ότι απλά υπήρχαν πάρα πολλοί καλλιτέχνες - εξ ου και όλες οι τραγωδίες με φθόνο και θρήνους για αληθινό ταλέντο, αυτό φαίνεται να είναι μια ασήμαντη λεπτομέρεια που τραβάει το μάτι μου προσωπικά.
Φανταστείτε ότι εμείς, οι κάτοικοι του πλανήτη, είμαστε ήδη σχεδόν 7,5 δισεκατομμύρια, η τάση είναι ανοδική. Πόσα από αυτά τα δισεκατομμύρια πιστεύετε ότι είναι μορφωμένοι, καλλιεργημένοι, έξυπνοι, προικισμένοι άνθρωποι; Υπάρχουν παραδείγματα; Αν όχι, θα σου απαντήσω με τα λόγια του Αβραάμ Λίνκολν: «Ο Θεός, προφανώς, αγάπησε απλοί άνθρωποιαφού δημιούργησε τόσα πολλά από αυτά.» Και αυτό δεν είναι σνομπισμός, αλλά δήλωση γεγονότος.
Μια φωτογραφία