Є ціла купа статей про тонку вдачу художника. Автори кажуть, що художники по-особливому всі бачать і відчувають, що вони мають своєрідне мислення і від цього їх дуже легко зачепити за живе. Я сама художник і не знаю чому, але мені смішно читати такі речі.
Справа в тому, що у всьому цьому, звичайно, є частка правди, але така сама частка, якби все це говорилося про програміста, космонавта або про домогосподарку. Художники такі самі люди. Вони не мають ніякого надприродного чуття або суперздібностей, а також у них відсутні будь-які психічні відхилення (зрозуміло, якщо мова йдене про поодинокі випадки).
Досить просто розібратися в тому, що коїться в голові художника, якщо провести з ним кілька днів, займаючись однією справою, тобто малюванням.
У Бориса Єгоровича, мого викладача, у студії бардак, цілковитий. Його дружина по-доброму сміється з нього, тому що не розуміє, як такий акуратний в побутовому планілюдина, що сама стирає свої шкарпетки і спідню білизну, не дозволяє їй гладити свої сорочки, до ідеальної гладкості заправляє свою постіль, може засовувати брудні пензлики в кишеню, тягнути мокрі корчі з вулиці в студію і ті ж маніпуляції виробляти з воронячим пір'ям. Адже все гранично ясно. Пір'я та корчі - об'єкти, які обов'язково колись знадобляться для натюрморту. І багато їх ніколи не буває. Пензлики зберігати в кишені куди зручніше, ніж класти їх на підлогу і на стіл. А брудні вони, бо навіщо мити всі пензлики, коли чисті ще лежать перед носом? Думаєте, Борис Єгорович сує брудну кисть у кишеню від неуважності? Тому, що його думки витають у хмарах під дією натхнення, що нахлинуло? Та ні. Що користі переживати за робочий костюм? Його ж тому й носять, що не бояться забруднити. І не важливо, що мадам дружина вважає, що він ще придатний до носіння, адже Борис Єгорович правда краще знає, куди буде продуктивніше пристосувати предмети свого гардеробу. А друзі та родичі все жартують і жартують, називають Плюшкіним. Та хіба можна так, коли все раціонально!
А Євгенія Даниловича так само не зі зла порівнюють із гномом, який видобуває алмази на дні шахти. Чому? Тому що так із ним зазвичай і буває. Присяде в найдальший кут, обкладеться якимись газетками та папірцями, включить радіо на повну гучність, схопить дерево та приладдя для різьблення, скрутиться над усім цим добром колесом і прощай Євген Данилович, побачимось на поверхні.
Ай, ну що ж ви, друзі? Без газет працювали б із колодою? Щоб тирса падала на все довкола? Я б побажала вам удачі при найдовший прибирання всього це. Адже газета краще рішення: постелив, попрацював, згорнув все, струсив в урну, і готово. Навколо чистота, газета ціла, готова до вторинного і навіть мільйонного використання. Чому так обов'язково ховатися у куток? А тому, що там вікно, там світло. Вранці добре. При яскравому природному освітленні набагато більше побачиш, аніж при штучному. Хоча куди подітися, коли на вулиці темніє. Без радіо нудно. Нехай минуле століття, але не телевізор дивитися, коли повинен з деревом робити ювелірну роботу. Та й колесо – це скоріше тяжкий наслідок роботи. У різьбярів по дереву та скульпторів часто проблеми з поставою, часто росте горб. Адже цим горбом такі шедеври створюються! А все тому, що ближче нахиляються, щоб кожного зайвого міліметра позбутися. А вони: "Гном". Ось тобі! Наче по носу клацнули.
І про мене заодно послухайте, хоча я і не настільки досвідчена мистецькому плані, як мої наставники, Борис Єгорович та Євген Данилович. Без невеликої передісторії не обійдуся.
Моя подруга "робить нігті". І це теж певною мірою мистецтво. Бере за це, скажімо, шістсот рублів. Якось я попросила її продемонструвати свій талант на мені (за гроші природно). Вона погодилася. І більше, запропонувала знижку, як подрузі, в сто рублів. Так приємно стало, дуже просто. І інші наші подруги дуже від цього розчулюються. Так ось тепер до діла!
Приводжу свої роботи до кімнати. Заходять мешканці сусідньої. Бачать їх, захоплюються і кажуть: "Ой, Алін, а намалюєш наші портрети так само?" Згадавши свою подругу я відповідаю: Звісно! І навіть знижку вам зроблю сто рублів!”. Але знаєте, що! Жодних розчулень за цією фразою не було. І приємно, мабуть, сусідам теж не стало. Вони розсміялися на весь голос і сказали: "А ти що з нас гроші за якийсь малюнок брати будеш?"
Борис Єгорович та Євген Данилович, будучи чоловіками, не впускали сліз у своїх ситуаціях. А я, так як жінка, після того, як пішли гості, вирішила собі це дозволити. Робити нігті - це складне заняття, і не кожен зможе. Але коли ти малюєш, ти не просто накладаєш шар фарби за шаром, ти кладеш туди свій настрій, своє ставлення до предмета, який є твоєю моделлю, свій час, що обчислюються, повірте, не трьома годинами (набагато більше). Робота художника, як і робота скульптора, - його дитя, вона вимучена, вистраждана, вона кохана, бо немов відірвана від серця. А в очах людей вона нічого не варта. Художник не боїться, коли його раціональність не розуміють. Його душа плаче лише тоді, коли його важку працю знецінюють, коли над його роботою чи над процесом її створення сміються, хай навіть не зі зла.
Бережіть почуття художника. Адже він плаче рівно в таких ситуаціях, в яких плачуть працівники інших професій. Тільки митці приречені стикатися з такими ситуаціями набагато частіше. Тому багато з них і нещасні.
Життя творчих людей завжди в тій чи іншій мене оточене не тільки флером таємничості, а й різного роду пересудами. Що з них правда, а що - вигадка, що століттями культивувався?
Міф 1. Усі митці – мисливці до випивки
Чому не кухарі, продавці, викладачі математики чи двірники? Та тому, що комусь потрібно заправлятися пальним «для натхнення». Безперечно, деякі живописці дійсно закликають музу сорокаградусними методами, а то й наркотиками. Багато великих не цуралися зеленого змія: Модільяні, Саврасов (а тут відразу два стереотипи: мало того, що художник, так ще й російський!), Ван Гог, Гоген та інші. Ну і що? Невже було мало шанувальників випити серед представників інших сфер діяльності? Єльцин, Сталін, Петро Перший, Олександр Македонський у захопленні живописом не були помічені, а ось у пристрасті до спиртного – це будь ласка.
Міф 2. Усі художники бідні
Міф 3. Усі художники багаті
І знову ні! Таких прикладів історія знає, здається, менше. Статистика говорить на користь портретистів, які надавали перевагу реалізму або прикрашали зображуваного. Портрети багатіїв (від дворян до імператора) – крутіше, ніж золотий копальня. Лідери Катерини II нервово курять осторонь. І все ж таки приклади з попереднього пункту повертають сучасних художників-мрійників зі світу рожевих слоників на землю. Про те, як продати роботу за адекватною ціною, йдеться у моїй статті «За скільки продавати картини? »
Міф 4. Художники заощаджують на подарунках
Подарував картину – і лад. Я не буду говорити про альтернативні витрати (тобто про той час, який художник міг би витратити на картину для продажу). Мова про матеріальний бік питання. Фарби, кисті та інші витратні матеріали коштують грошей, особливо дорогі полотна на підрамниках: ціна простенького полотна 40х50 складає в середньому 500-700 рублів. А тепер додайте замовний багет у кілька тисяч рублів та паспарту, якщо мова про акварель! Мені «саморобка» обходиться в кілька разів більше, ніж покупний подарунок.
Міф 5. Усі великі художники – чоловіки
О ні, я аж ніяк не феміністка, скоріше навіть навпаки. Але все ж таки констатую факт: жінкам не надто дозволялося займатися творчістю протягом століть. А щойно дозволили, на мальовничий Олімп зішли і Зінаїда Серебрякова, і Фріда Кало, і Наталія Гончарова, і Мері Кессетт, і Берта Морізо. Писали нарівні з чоловіками, анітрохи не гірше! А зараз зайдіть у будь-яку студію – аудиторія все одно що в перукарні (на десять дівчат двоє хлопців). Детальніше про знаменитих художниць читайте у статті «
Чи всі картини вставляють у рами?
Піт Мондріан. Композиція з жовтий, червоний, синій, чорний і сірий. 1920
1 із 2Жорж Сера. Неділя на озері Гранд-Жатт. 1884
2 з 2Цитата з книги
Зазвичай картини вставляють у рами, виставляючи їх напоказ. Рами привертають увагу до картини та захищають її краї. Деякі рами відрізняються химерністю, особливо у старовинних робіт, що колись висіли в особняках. Інші рами дуже прості, де вони відволікають від споглядання мистецтва. Призначення рам - доповнювати картини, укладені всередині, показувати їх із кращого боку.
Піт Мондріан вважав, що рами подібні до стін. Іноді здається, ніби вони постають між глядачами та мистецтвом, немов створюючи перешкоду, відокремлюючи живопис від решти світу. Мондріану хотілося, щоб усі отримували задоволення від його робіт і ніхто не відчував себе відокремленим від них. Він писав на краях полотна. А іноді навіть на боковинах.
Він зруйнував ці мури!
Жоржу Сера не подобалося, що рами відкидають тінь на краї картини. І він сам зобразив раму. Вона складається з тисячі крихітних точок більш ніж 25 різних кольорів.
Чи знаєш ти, що зображення на телеекрані складається з точок, які називаються пікселі? Ця картина була написана більш ніж за 50 років до того, як винайшли кольоровий телевізор!
Коментар
Може здатися смішним віддавати цілу главу рамам, тим більше практично починати з цього книгу. Але у цьому є свої резони. По-перше, ми ніколи не дивимося на картину у порожнечі. Світло, висота, на якій вона розташована, сусідні роботи, анотації – все це створює простір навколо неї. Розмірковуючи про сучасну скульптуру, неодмінно говорять про навколишній її «поетичний простір»: сенс якоїсь абстрактної скульптури народжується тільки тоді, коли на неї дивиться глядач. По-друге, дійсно, рама часто стає сюжетом самої картини – як доведено на кумедних прикладах вище. Нарешті, рама - обов'язкова ланка ланцюжка питань та відповідей, яка допоможе краще зрозуміти твір. Після того як розберешся з тим, хто автор і чи вплинув він на історію мистецтва, можна мимохідь поглянути на раму. До речі, в 1990 році в нью-йоркському Метрополітені була своєрідна виставка навпаки: музей виставив безліч порожніх рам, щоб звернути увагу на реальність, що часто ігнорується.
Чому все пласке?
Небамон полює на болотах. Гробниця Небамона, прибл. 1350 до н. е.
1 із 2Жан Метценже. Стіл біля вікна. 1917
2 з 2Цитата з книги
Не всі предмети мистецтва виглядають об'ємними.
Двовимірні, або 2D, плоскі зображення, як ця сторінка. Тривимірні, або 3D, мають висоту, ширину і глибину, як м'яч.
У різні часимистецтво було або так само плоским, як поверхню, де писали художники, або об'ємним, як реальні речі.
Багато що стародавнє мистецтво, Як, наприклад, єгипетський розпис на стінах, виглядає плоским. Вона більше нагадує діаграми та зовсім не схожа на життя.
Ще за давніх часів митці вміли передавати обсяг, і плоскі зображення вони малювали спеціально.
У Стародавньому Єгиптізнатних людей ховали у розписаних гробницях разом із їхніми скарбами. Стіни гробниці прикрашали малюнками, які не призначалися живими. Вони показували богам, чим займалися за життя.
Зображення виглядає плоским, щоб бути зрозумілішим богам.
<…>Що стоїть на столі? Чи бачиш ти вазу з квітами, склянку, гральна карткаі вікно поряд?
Жан Метценже не дотримується законів перспективи, але все одно хоче показати, що предмети на картині тривимірні. Тому він зображує їх одночасно під різними кутами. Така техніка називається кубізмом».
Коментар
Цей пункт відображає загальний скепсис про те, що митці розучилися достовірно зображувати тривимірну дійсність – грубо кажучи, «малювати схоже». Автор «Голих людей» Сьюзі Ходж заручається підтримкою давніх майстрів, абстракціоністів та кубістів. Збирати їх разом під маркером «плоське» досить смішно – кубісти як мінімум створюють більше трьох площин у своїй картині, а іноді навіть зображують один і той самий об'єкт у різні моменти часу, тож плоскими їх роботи назвати не можна. Проте на це дитяче питання немає однозначної відповіді, і щоразу треба думати, чому митець вирішив зробити все плоским. Ходж забуває про культурну специфіку: перспектива - європейський винахід, й у мистецтві багатьох країн може в принципі не зустрічатися. Міркування про те, що плоске зображення стає більш декоративним і абстрактним, цілком резонно - як і асоціація «плоського» та «давнього». Але при цьому Ходж чомусь уникає дуже простого та очевидного висновку: прибираючи одні деталі із зображення, автор акцентує увагу на інших. Грубо кажучи, спрощуючи (і сплощуючи) зображення, художник може зробити його виразнішим, і в багатьох випадках за рахунок спрощення йому буде легше цією виразністю керувати.
Чому у мистецтві так багато голих людей?
Сандро Боттічеллі. Народження Венери. 1486
1 із 2Ів Кляйн. Антропометрія без назви. 1960
2 з 2Цитата з книги
«У живописі, скульптурі та фотографії оголені люди зустрічаються дуже часто.
Все походить від древніх греків, які вважали, що оголене тіло прекрасне і гідне вивчення. Навіть сьогодні митці вчаться малювати голих людейщоб краще зрозуміти форму тіла. Це називається малюванням із живої натури.
Оголена Венера, римська богиня кохання та краси, пливе, стоячи у стулці раковини. Згідно давній легенді, Венера народилася вже дорослою і переміщалася морем. Боттічеллі написав свою картину через багато років після виникнення цієї легенди.
У мистецтві нагота часто позначає нове життя. За часів Боттічеллі жінки ретельно вкривали свої тіла. Але Венера оголена, бо вона богиня, а чи не звичайна жінка!
Багато художників вважають, що жіноче тіло красивіше за чоловіче, тому в мистецтві оголені жінки зустрічаються частіше за оголених чоловіків.
1960 року Ів Кляйн придумав новий спосібзображати жіночі тіла. Він обмазував оголених жінок синьою фарбою і укладав їх на гігантське полотно на підлозі. Вони служили «живими китицями».
Коментар
Найінтригуючіша глава книги винесена в заголовок - що, загалом, досить зрозуміло. Але ясної відповіді на запитання ми тут теж не знайдемо – серед запропонованих варіантів зібрано відразу кілька: вивчення пластики тіла та його краси, символ життя та ляпас громадській думці. Тут, втім, немає ніякої загадки: мало речей у світі викликають у людини таку ж сильну реакцію - інтерес і незручність, сором і бажання, захоплення або, навпаки, огида, - як нагота. Голе людське тіло в мистецтві - і, різних причин, саме жіноче - найсильніший символ життя та смерті У цьому сенсі голе тіло - це інструмент художника, який може або зобразити на картині, або показати у житті. В останньому випадку йдеться про перформанс. Голий перформанс буде хвилюючим, іноді крихким, іноді неприємним. Крім того, голе тіло - це ще й обов'язковий символ щирості, який любив використати Люсьєн Фрейд, показуючи безпорадність людської істоти. При цьому оголене тіло в європейської традиціїнастільки тісно пов'язане з ідеєю краси, що демонстрація надміру неприємного тіла, як це любив робити Фрейд, шокує не менше і змушує задуматися про старіння та в'янення. З міркуванням про переважання оголених жінок над чоловіками все теж не так просто: царської Росіїнаприклад, можна було малювати тільки оголену чоловічу натуру, а за жіночі художникиЗазвичай вирушали до Італії.
Чи потрібно знати сюжет картин?
Джон Еверетт Мілле. Офелія. 1851–1852
1 із 2Корнелія Паркер. Холодна темна матерія: спостереження руйнуванням. 1991
2 з 2Цитата з книги
«Історії розповідаються у всіх видах мистецтва – від живопису та скульптури до кіно.
Твір мистецтва - це вікно на уяву іншої людини. Ми бачимо факти та історії чужими очима.
Приблизно 160 років тому існував рух під назвою "Братство прерафаелітів". Художники цієї течії писали сюжети, часто почерпнуті з історії. Їхні картини іноді називали «романами в рамах». Мілле був прерафаелітом.
<…>Красуня Офелія втопилася, і митець уявляє, як це могло статися. Щоб картина була цікавішою, він прикрашає її численною символікою. Наприклад, червоні маки та блакитні незабудки означають пам'ять чи поминання мертвих.
Це добре відомий сюжет, і люди повалили натовпом у Королівську академію в Лондоні, де картина була вперше виставлена у 1852 році.
За цим витвором мистецтва стоїть своя історія. Корнелія Паркер хотіла створити настрій, атмосферу, змусити нас замислитися над нашим життям і про те, що ми залишимо після себе.
Ми мало думаємо про хлів у саду. Ми зберігаємо в ньому непотрібні речі, про які швидко забуваємо. Паркер вирішила його підірвати!
Потім вона зібрала шматки обвугленого дерева і металу, що покоробився, і на волосіні підвісила їх до стелі. У середині вона розмістила лампу, щоб на стіни відкидалися зловісні тіні».
Коментар
У цьому розділі автор робить хитрий хід і намагається зрівняти історію створення картини до її сюжету. Навіщо це потрібно? У XX столітті мистецтво багато в чому стало безсюжетним, і якщо раніше без розуміння історії було неможливо розбиратися в мистецтві (наприклад, зчитувати класичні іконописні сюжети - і завдяки цьому усвідомлювати, здійснив чи не здійснив художник революцію в цій роботі), то тепер значно більшої важливості набули історія художника та історія створення конкретної картини. Слідкувати за біографією автора стало так само захоплююче, як за сезонами серіалів-довгожителів: перебрався до Європи, став більше дбати про мігрантів, але тому раптом став менш цікавим, або, скажімо, Цай Гоцян - перекваліфікувався на майстрів великих технологічних феєрверків і втратив усе своє концептуальна чарівність. А ось Річард Лонг: все життя топтав стежки по всьому світу, не зрадив своїх ідей, за що й увійшов до всіх підручників з ленд-арту.
Хто всі ці люди?
Едвард Хопер. Китайський рагу. 1929
1 із 2Марк Куїнн. Я. 2006
2 з 2Цитата з книги
«Багато картин заповнені людьми, але хто вони такі?
У минулому, ще до винайдення фотографії, знатні люди замовляли свої портрети. Художники мали показати, наскільки замовники могутні, красиві і багаті. Часто художнику для групових портретів позували цілі родини.
<…>На портреті Едварда Хопера зображено дві модниці за столом у ресторані. На відміну від портретів минулого, ці жінки є важливими персонами. Вони звичайнісінькі і не відрізняються від випадкових відвідувачів. У натовпі ми бачимо безліч невідомих нам людей, і саме їх хотів зобразити Хопер.
І хоча він показує двох незнайомок, моделлю обох послужила дружина Хоппера!
<…>Для зліпку голови Марк Куін використовував власну кров. Скульптура зберігається у холоді, інакше вона розтане.
За словами Куїна, це нагадування про те, як тендітне життя. Щоп'ять років скульптор виготовляє нову голову, тож можна побачити, як він старіє».
Коментар
Дійсно, розмірковуючи про те, хто ж зображений на картині, потрібно передусім подумати про замовника роботи. Зіставивши час написання та головного героя, можна висунути гіпотезу навіть про те, наскільки митець був успішним. Біблійні сюжетичасто писалися на замовлення церкви, хоча були, звичайно, і приватні доручення. До імпресіоністів портрети писалися здебільшого на замовлення багатих людей, тому французькі художникиздійснили революцію, коли почали малювати обивателів, - правда, потім їм довелося думати про те, як продати всі ці картини. А по роботі Марка Куїна легко зробити висновок про те, що художник не голодує і проблем імпресіоністів не відчуває: для його робіт потрібна не така хоробрість, як солідні бюджети.
Навіщо на картинах фрукти?
Поль Сезанн. Яблука та апельсини. 1899
1 із 3Ян Ван Кессель. Натюрморт "Ванітас". 1665–1670
2 з 3Джон Лорбір. Тарзан/Нога, що стоїть. 2002
3 з 3Цитата з книги
«Мителі часто малюють яблука та апельсини, але навіщо?
Насамперед фрукти надійні. На відміну від моделей-людей, вони не моргають, не сіпаються і не вимагають чаю.
Зображення фруктів допомагає художникам вивчити форми, кольори та тони природи.
Такий живопис називається натюрмортами. До винайдення фотографії художники демонстрували свої таланти, створюючи реалістичні натюрморти. Але потім все змінилося.
Поль Сезанн написав цю картину вже після винайдення фотоапарата, і він не відчував, що його завдання – копіювати дійсність. Це міг зробити і фотограф!
Він написав круглі фруктина плоскому полотні, але у новій манері. Щоб показати форми фруктів, він зобразив кожне яблуко одночасно під багатьма кутами, у різних ракурсах. Здається, що яблука ось-ось упадуть зі столу.
<…>Ця картина має подвійне значення. Поруч із квітами Ян ван Кессель зобразив череп – символ смерті. Це попередження, що нагадує про тлінність життя. Ми не повинні забувати, що зрештою помремо!
Натюрморт - це французьке слово, що означає "мертва природа". На полотні квіти виглядають як живі, але в реального життявони звертаються у гній.
<…>Джон Лорбір - оптичний ілюзіоніст, який прославився своїми застиглими фігурами.
Тут усе досить плутано. Він такий самий об'єкт, як фрукт, зображений на натюрморті, але при цьому живий і не намальований. Час іде, а він залишається нерухомий і висить на стіні, як картина.
Коментар
Гарна відповідь на запитання, але не вистачає важливого акценту. Натюрморт – це насамперед дослідження чистої форми. І якщо художник рідко пише натюрморт - як це, наприклад, робили багато імпресіоністи, - це означає, що його хвилюють не формальні якості картини, а миттєве відчуття, яке вона передає. У натюрморти справді закладається думка про тлінність буття - але не можна сприймати її як абсолют: зрештою, багато героїв на портретах теж смертні. Ідея про те, що перформанс іноді може виявитися натюрмортом, також дуже кумедна - але при цьому слід пам'ятати, що це велика рідкість.
Біологи та когнітивісти вважають, що уявлення про гармонію закладені в наш мозок, дозволяючи нам чуйно реагувати на красу форм у природі. Імовірно, яскраві кольори подобаються нам, тому що вміння їх розрізняти – один із адаптаційних механізмів, які дозволили нашому виду вижити. Нам інтуїтивно приємні симетричні обличчя та гармонійні візерунки, а зображення радісних сюжетів викликає закономірне задоволення.
У той же час ми не вимагаємо від художника, щоб він неодмінно зробив нам красиво своєю творчістю.
До предметів мистецтва застосовуються ширші критерії, і саме поняття краси як оцінної категорії сучасному мистецтвідеконструйовано. Чи гарний «Чорний квадрат»? А "Фонтан" Марселя Дюшана? А перформанс Марини Абрамович "Ритм 0"? Кожен із цих творів мистецтва - ідея, втілена в матеріалі чи дії, і в жодному разі митець не прагнув порадувати чужі рецептори.
У художників завжди були причини, щоб зображати складне, потворне чи химерне. Водночас, популярна думка свідчить, що «раніше» (в умовну класичну епоху) художники ще не перекрутили суть мистецтва і воліли «малювати красиво». Однак у європейській культуріхудожня концепція потворного з'явилася набагато раніше, ніж сучасне мистецтво.
Філософи та богослови про потворне
Крім теорії прекрасного, відображеної у філософських концепціях і витворах мистецтва, завжди продовжувала існувати і теорія потворного, в рамках якої потворне та негарне могло бути сюжетом, гідним зображення. Потворне як предмет мистецтва викликає інтерес вже в середньовічних людей- якщо йдеться про талановите зображення, що цілком передає ідею неподобства. У цьому випадку предметом захоплення буде не найстрашніше або відразливе зображення, а майстерність, з якою воно виконане.
Йохан Хейзінга зазначає, що тільки до 1400 живопис досяг того рівня майстерності, щоб повною мірою передати подібні сюжети. Зокрема, з цим він пов'язує порівняно пізнє впровадження в живописі таких поширених тем, як «Тріумф смерті» та « Страшний суд». Приблизно те саме сталося і із зображеннями страждань мучеників.
Муки святих: біль та краса
«Естетика мучеництва», найвищою мірою виявлена у зображеннях Страстей Христових, розквітла в епоху зрілого Середньовіччя та перейшла у ренесансне мистецтво. В епоху раннього Середньовіччячастіше можна було зіткнутися зі спрощеними зображеннями розп'яття, ніж з детальними картинами. Те саме стосується і картин катувань мучеників.
Однак антропоцентрична модель передбачала інтерес до людини та, відповідно, особистісне переживання страждань.
Якщо Середні віки питанням дивилися з повчальної боку, то художників Відродження почали цікавити і суто мальовничі моменти: правильна передача анатомії, перспектива. Зросла увага до тілесності виявилася у зображеннях страждаючих святих - це був легальний спосіб малювати оголені людські тілата звертати увагу на фізичні переживання.
Цим пояснюється тенденція до деякої естетизації тілесних мук святих. Вивірені композиції, витончені пози мучеників - ось прикмети подібних зображень. Тілесна краса стала предметом уважного розгляду. Художня культурацієї епохи відображає інтерес до людини в різних проявах, у тому числі і в стражданні.
Дивне та химерне
Існує ще одна область естетичного досвіду, що частково примикає до потворного - але без такого похмурого забарвлення. Цей досвід був затребуваний і в Середньовіччі, коли всі предмети таїли символічні значення, й у культурі Відродження з її інтересом до різноманітних явищ матеріального світу. Йдеться про категорію дивовижного, химерного та дивовижного.
Люди минулого мало поділяли «чудеса» за походженням – містичні образи та примхи природи сприймалися як однорідні явища.
Пристрасть до колекціонування дивовиж, якою відрізнялися і дослідники природи, і монархи, демонструє бажання доторкнутися до таємниць світобудови. Наприклад, у колекції імператора Рудольфа II перебували як витвори мистецтва, і фрагменти тіл легендарних тварин. Магічне та наукове, символічне та естетичне – у кунсткамерах ці поняття тісно спліталися.
Сьогодні ми маємо доступ до будь-якого візуального матеріалу, а люди минулих епох мали значно меншу кількість. Низька соціальна мобільність, осілий спосіб життя більшості людей та неписьменність не дозволяли розширювати картину світу. Тому нові образи - у картинках чи оповіданнях - були дуже затребувані і справляли приголомшливе враження.
Історії мандрівок у далеких землях були дуже популярним середньовічним жанром. У розповідях про подорожі на схід фігурує безліч вигаданих істот, які, не будучи відверто страшними і потворними, залишаються при цьому легендарними і порушують звичайні канони. Розповіді супроводжувалися відповідними зображеннями, зробленими відповідно до почутого. Захоплення, викликане цими образами, носять естетичний характер - при тому, що багато істот, що зображаються або явища зовсім не красиві. Супутня їм розважальна сила, пропозиція видовища, легендарний статус - ось те, що тягне за собою глядача.
Величезний успіх мало що стосується XII столітті«Послання Пресвітера Іоанна», яке вплинуло на уми сучасників - як у естетичному сенсі, і у політичному. Далеким мандрівкам присвячена знаменита книга Марко Поло. Крім даних, які можна прийняти за реальні історичні відомості, там вистачає перебільшень та курйозів. Наприклад, в описі Малої Яви (Суматра) Поло стверджує, що бачив єдинорога, але той виявився не такий гарний і лагідний, як про нього говорили, і тому приніс одне розчарування.
Тут живуть дикі слони і єдинороги, анітрохи не менше слонів; шерсть у них як у буйвола, а ноги слона, посеред чола товстий і чорний ріг; кусають вони, скажу я вам, язиком; на язику у них довгі колючки, язиком вони й кусають. На вигляд звір потворний. Не схожі на те, як у нас їх описують; не будуть вони піддаватися дівиці: зовсім не те, що в нас про них розповідають.
Марко Поло Книга чудес світу
У образотворчому мистецтвіприклад химерного - ілюстрації до книги римського автора Юлія Обсеквента, що належать до XV століття. Майстри, що їх створив, називають ім'ям Майстра Бусіко - на ім'я іншої створеної ним серії робіт («Годинник маршала Бусіко»). Для людей Відродження трактат читався як суміш підручника з історії та фентезі-роману – навіть якщо деякі з них сумнівалися, що над якоюсь із провінцій правда йшов кам'яний дощ, прочитати про це було цікаво. Що й казати про зображення жахливих створінь!
На мініатюрах у книгах з географії та історії зображалися легендарні істоти - єдинороги, крилаті та безкрилі дракони, кінокефали (псиглавці), циклопи, одноногі ісхіаподи. Класичний естетичний канон у зображеннях істот, без сумніву, спотворений: навряд чи комусь спало б на думку назвати привабливими персонажів з обличчям, розташованим на грудях.
У той же час, вони не несуть загрози, яка притаманна зображенням пекельних мук, і пробуджують інтерес. Легко уявити ренесансного школяра, який, розкривши рота, жадібно розглядає такі зображення.
Нам відомі більше складні способиестетичних вражень, ніж просто «гарне». Ми знаходимо вишуканими тьмяні, «пильні кольори» і цінуємо радикально чорний. Нашу уяву хвилюють контрасти - витончена і груба, піднесена і низька. Ми вміємо бачити прекрасне в недоліках та вадах, вважаючи, що вони часом роблять щось ідеальне по-справжньому унікальним. Ми бачимо хвилююче в моторошному і любимо полоскотати собі нерви. Нам здаються гарними осінні дощіта розжарена лава вулканів.
Естетичне почуття було складним і неоднозначним у різні епохи- включаючи ті, коли створювалися книжкові мініатюри та класичні полотна.
Поглянувши на речі очима людей іншого часу, ми зауважимо, що їм теж були добре знайомі складні переживання на межі відторгнення та інтересу, цікавість дослідника та захоплення художнім талантом майстра, що б той не зобразив.
Творчі люди – це талановиті особистості, які люблять приносити користь та робити оточуючим добро. Їм подобається свобода, тому будь-які обмеження сприйматимуться ними як обмеження прав. Багато хто вважає, що творчі людисамотні, нещасні та довго не живуть. На щастя, це завжди так. Талант дається людині Богом, потрібно лише не прогаяти момент і почати вчасно розвивати свої здібності.
Варто зазначити, що серед вундеркіндів справді багато нещасних людей, оскільки їхня творчість не завжди зрозуміла навколишнім. Як правило, у середньостатистичної людини мозкова діяльністьвідбувається у певних рамках, проте, що за ці рамки, сприймається як щось неприродне і ненормальне. Тому творчим людям дуже складно виживати в цьому жорстокому світі, в якому так багато стійких стереотипівта небажання еволюціонувати.
Нейробіологія підтверджує, що талановиті особи думають та діють по-іншому. Мислення творчих людей буквально створене для того, щоб думати унікально, не так, як більшість. Однак такий подарунок природи може суттєво ускладнювати життя та напружувати стосунки з оточуючими. Якщо ви знайомі з творчою людиною, напевно, у вас не раз виникала думка, що вона живе в якомусь зовсім іншому світі. Найчастіше спроба зрозуміти таку особистість так само безперспективна, як і спроба змінити її. Для того, щоб зуміти пристосуватися до такої людини, потрібно навчитися дивитися на світ її очима.
Безперервна мозкова діяльність
Творчий розум - це безупинна машина, заправлена надмірною цікавістю. Немає ніякої спеціальної кнопки, яка б зробити паузу і спрямувати думки у спокійне русло. У творчих людей постійно виникають різні ідеї, які багатьом можуть здатися нереальними. Талановита людина у своєму скаженому ритмі життя черпає все нові й нові сили для втілення кумедних і часом божевільних задумів.
Талант брехуна
Слід зазначити, що творчі люди є чудовими брехнями. Проведення низки експериментів показало, що такі особистості схильні до більш хитромудрої і складної брехні. Крім цього, вони й самі можуть легко вирахувати обманщика. Одним із проявів творчості є неприйнятність існуючих шаблонів і ламання усталених стереотипів. Талановиті люди досить легко сприймають неетичність своєї власної поведінки, а також спокійно ставляться до аналогічних дій оточуючих.
Високий ступінь недовіри
Обдарована людина схильна не довіряти навіть близьким людям. Незважаючи на те, що він швидко розпізнає брехню, підозріле ставлення до оточуючих також є відмінною рисоюталанту. І це не дивно, адже щоб зробити нове відкриття потрібно навчитися дивитися під іншим кутом на елементарні речі. Саме тому талановита особистість все ставить під сумнів, адже створити щось нове набагато легше на порожньому місці.
Нахабство
У ході різних експериментів було встановлено, що скромність - це не доля талановитих людей. Багато хто з них, як правило, пишаються своїми здібностями і вміло ними користуються, що дозволяє набивати собі непомірно високу ціну. Крім того, обдарована людина дуже прагне показати, наскільки вона вразлива і як сильно вміє переживати. 
Депресії
Нерідко талановиті людивпадають у депресивні стани. У багатьох таких геніїв спостерігаються різні фобії: одні бояться захворіти на невиліковну недугу, іншим страшно померти молодою, треті і зовсім непритомніють, побачивши павука або таргана. Психологи багатьох країн намагалися з'ясувати, чи правда депресія пов'язана з талантом. Вивчивши дані, отримані з психіатричних клінік, вони встановили, що у творчих особистостейНайчастіше розвиваються важкі форми психічних захворювань. Крім цього, було доведено, що не лише талант, а й такі розлади можуть передаватися у спадок.
Важко повірити в себе
Навіть якщо людина впевнена у своїх силах, згодом вона починає запитувати себе: «Чи достатньо я гарний? Чи все я роблю правильно? Творчі люди постійно порівнюють свою роботу з творіннями інших майстрів і не помічають свого блиску, який може бути очевидним для всіх інших. У зв'язку з цим нерідко спостерігаються творчі застої, коли людина просто опускає руки, думаючи, що його попередні ідеї були марні і безглузді. У такий момент дуже важливо, щоб поряд знаходився вірний другякий допоміг би майстру пережити цей складний період.
Час мріяти
Творчі люди є мрійниками, це допомагає їм у роботі. Багато хто з нас помічав, що найбільш найкращі ідеїприходять до нас тоді, коли ми подумки переносимо далеко від реальності. Нейробіологи довели, що уявою включаються мозкові процеси, які тісно пов'язані з творчістю і фантазією.
Залежність від часу
Більшість великих майстрів зізнається, що найкращі свої роботи вони створили або вночі, або на світанку. Наприклад, В. Набоков брався за перо о 6-й ранку, як тільки прокидався, а Френк Ллойд Райт мав звичку о 3 годині ночі прийматися за роботу і через кілька годин назад вирушати в ліжко. Як правило, люди з великим творчим потенціаломрідко дотримуються стандартного денного режиму.
Самота
Щоб максимально відкритися для творчості, необхідно навчитися конструктивно використовувати усамітнення. Для цього багато талантів долають свій страх перед самотністю. Нерідко креативників та художників оточуючі сприймають як одинаків, хоча насправді вони такими не є. Таке прагнення до усамітнення може бути важливим моментому створенні найкращих робіт.
Подолання життєвих перешкод
Багато культових творів побачили світ в результаті переживання їх творцем несамовитого болю і сильних емоцій. Нерідко різні проблеми стають каталізатором, що допомагає створити неповторні та визначні шедеври. Психологія дала цьому явищу наукову назву – посттравматичний ріст. Дослідники з'ясували, що нерідко сильне потрясіння допомагає людині досягти успіху в тій чи іншій справі, а також відкрити нові можливості. 
Пошук нових вражень
Багато креативних людей постійно перебувають у пошуку нових емоцій та вражень. На жаль, деякі з них, щоб досягти такого ефекту, вдаються до допомоги алкоголю та наркотиків. Слід зазначити, що талановита особистість завжди відкрита нових знань, вона досить інтелектуальна і допитлива. Перехід з одного емоційного стану до іншого - це якийсь двигун для дослідження та пізнання двох світів, внутрішнього та зовнішнього.
Краса врятує світ!
Творчі люди, як правило, відрізняються відмінним смакомтому вони постійно намагаються оточити себе красивими речами. Це можуть бути не лише деталі одягу, а й елементи інтер'єру, картини, книги, прикраси. За результатами деяких досліджень було виявлено, що співаки та музиканти демонструють підвищену сприйнятливість та чутливість до художньої краси.
З'єднання точок
Творчі особи здатні знаходити можливість там, де інші її просто не помічають. Багато знамениті письменникиі художники вважають, що творчість – це вміння поєднувати точки, які звичайна людинане здогадався б поєднати в такій послідовності. Якщо запитати генія, як він об'єднав ці речі, він відчує себе ніяково, оскільки відповіді на це питання він не матиме. Те, що для інших є складним, для творчої людинине складає труднощів.