D. 쇼스타코비치 - 20세기 음악의 고전. 그 위대한 주인 중 누구도 그와 밀접하게 연관되어 있지 않았습니다. 어려운 운명그의 조국은 그 시대의 비명을 지르는 모순을 그토록 힘과 열정으로 표현하고 가혹한 도덕적 판단으로 평가할 수 없었습니다. 인류가 이전에 알지 못했던 세계 대전과 장대 한 사회적 격변의 세기에 음악사에 대한 그의 공헌의 주요 의미는 작곡가가 국민의 고통과 불행에 공모하는 것입니다.
쇼스타코비치는 천성적으로 다재다능한 예술가이다. 그가 자신의 말을 하지 않은 장르는 단 하나도 없다. 무게 있는 말. 그는 또한 때때로 진지한 음악가들에 의해 오만하게 다루어지는 그런 종류의 음악과도 밀접하게 접촉하게 되었습니다. 그는 대중의 선택을 받은 수많은 노래의 저자이며 오늘날까지 그의 대중적이고 대중적인 노래를 훌륭하게 각색했습니다. 재즈 음악, 그는 스타일 형성 과정에서 특히 20-30 대를 좋아했습니다. 그러나 그에게 창의력을 적용하는 주요 영역은 교향곡이었습니다. 진지한 음악의 다른 장르가 그에게 완전히 낯설기 때문이 아닙니다. 그는 진정한 연극 작곡가의 탁월한 재능을 부여 받았으며 영화에서의 작업은 그에게 주요 생계 수단을 제공했습니다. 그러나 1936년 "음악 대신 혼란"이라는 제목으로 Pravda 신문의 사설 기사에서 행해진 무례하고 불공정한 비판은 오랫동안 그가 오페라 장르에 참여하는 것을 방해했습니다. N. Gogol)은 미완성 상태로 남아 있으며 계획은 구현 단계에 도달하지 못했습니다.
아마도 이것은 Shostakovich의 성격 특성이 반영된 곳일 것입니다. 본질적으로 그는 항의 표현 형식을 공개하는 경향이 없었으며 심한 폭정에 대한 특별한 지능, 섬세함 및 무방비 상태로 인해 지속적인 비 실체에 쉽게 굴복했습니다. 그러나 이것은 인생의 경우에만 해당됩니다. 그의 예술에서 그는 자신의 창의적 원칙에 충실했고 완전히 자유로웠던 장르에서 이를 확인했습니다. 따라서 타협하지 않고 자신의 시대에 대한 진실을 공개적으로 말할 수 있는 개념적 교향곡이 쇼스타코비치 탐구의 중심이 되었습니다. 그러나 그는 M. Chiaureli의 영화 "The Fall of Berlin"과 같이 명령-행정 시스템에 의해 부과된 예술에 대한 엄격한 요구 사항의 압력 하에서 탄생한 예술 사업에 참여하는 것을 거부하지 않았습니다. “만국의 아버지”의 위대함과 지혜는 한계에 이르렀습니다. 그러나 그러한 영화 기념물이나 기타 때로는 재능 있는 작품에 참여하는 것은 왜곡됩니다. 역사적 진실그리고 정치적 지도층을 기쁘게 하는 신화를 창조한 사람들은 1948년에 자행된 잔혹한 보복으로부터 예술가를 보호하지 못했습니다. 스탈린주의 정권의 주요 이데올로기인 A. Zhdanov는 이전 기사에 포함된 조악한 공격을 반복했습니다. Pravda 신문은 반국가적 형식주의를 고수하면서 당시 소련 음악의 다른 거장들과 함께 작곡가를 비난했습니다.
그 후, 흐루시초프의 "해동" 기간 동안 그러한 혐의는 취하되었고 공개 공연이 금지되었던 작곡가의 뛰어난 작품이 청취자에게 전달되었습니다. 그러나 부당한 박해 속에서도 살아남은 작곡가의 극적인 개인적 운명은 그의 성격에 지울 수 없는 흔적을 남기고 그의 방향을 결정했다. 창의적인 퀘스트, 지구상의 인간 존재의 도덕적 문제를 다루었습니다. 이것은 20세기 음악 창작자들 사이에서 쇼스타코비치를 구별하는 주요한 요소였으며 여전히 남아 있습니다.
그의 인생의 길다사다난한 일이 아니었습니다. 레닌그라드 음악원을 화려한 데뷔(웅장한 교향곡 1번)로 졸업한 후, 그는 처음에는 네바 강 도시에서, 그다음에는 위대한 애국 전쟁 중에 전문 작곡가의 삶을 시작했습니다. 애국전쟁모스크바에서. 음악원에서 교사로서의 그의 활동은 상대적으로 짧았습니다. 그는 자신의 자유 의지가 아닌 활동을 떠났습니다. 그러나 오늘날까지 그의 학생들은 창의적인 개성을 형성하는 데 결정적인 역할을 한 위대한 스승에 대한 기억을 간직하고 있습니다. 이미 교향곡 1번(1925)에서 쇼스타코비치 음악의 두 가지 특성이 뚜렷하게 눈에 띕니다. 그 중 하나는 고유한 용이성과 콘서트 악기 간 경쟁의 용이성을 통해 새로운 악기 스타일의 형성에 영향을 미쳤습니다. 또 다른 하나는 음악에 최고의 의미를 부여하고 수단을 통해 드러내려는 끈질긴 열망에서 나타났습니다. 교향곡 장르철학적 의미의 깊은 개념.
이렇게 찬란한 시작을 이은 작곡가의 작품 중 상당수는 당시의 격동적인 분위기를 반영하고 있다. 새로운 스타일시대는 모순된 태도의 투쟁 속에서 형성되었습니다. 그래서 두 번째와 세 번째 교향곡(“10월” – 1927, “May Day” – 1929)에서 쇼스타코비치는 뮤지컬 포스터에 경의를 표했습니다. 그들은 20년대 무술, 선전 예술의 영향을 분명히 반영했습니다. (작곡가가 젊은 시인 A. Bezymensky와 S. Kirsanov의시를 바탕으로 합창 단편을 포함시킨 것은 우연이 아닙니다). 동시에 그들은 E. Vakhtangov와 Vs의 제작에서 매우 매혹적이었던 밝은 연극성을 보여주었습니다. 메이어홀드. 고골의 유명한 이야기를 바탕으로 쓴 쇼스타코비치의 첫 번째 오페라 "코"(1928)의 스타일에 영향을 준 것은 바로 그들의 공연이었습니다. 여기에서 개인 캐릭터의 묘사에서 그로테스크함에 도달하는 날카로운 풍자와 패러디뿐만 아니라, 빠르게 공포에 빠지고 판단되기 쉬운 속기 쉬운 군중뿐만 아니라, “눈물을 통한 웃음”이라는 통렬한 억양도 나옵니다. Gogol의 Major Kovalev처럼 저속하고 명백히 실체가 없는 사람이라도 우리가 사람을 알아볼 수 있도록 도와줍니다.
Shostakovich의 스타일은 세계 음악 문화 경험에서 나오는 영향을 흡수했을뿐만 아니라 (여기서 작곡가에게 가장 중요한 것은 M. Mussorgsky, P. Tchaikovsky 및 G. Mahler였습니다) 당시 음악 생활의 소리도 흡수했습니다. 대중의 의식을 통제하는 "가벼운"장르의 공개적으로 접근 가능한 문화. 그것에 대한 작곡가의 태도는 양가 적입니다. 그는 때때로 유행하는 노래와 춤의 특징적인 전환을 과장하고 패러디하지만 동시에 그들을 고귀하게 만들어 실제 예술의 정점으로 끌어 올립니다. 이러한 태도는 초기 발레 "The Golden Age"(1930)와 "Bolt"(1931), 첫 번째 피아노 협주곡(1933)에서 특히 분명하게 반영되었으며, 여기서 솔로 트럼펫은 오케스트라와 함께 피아노의 합당한 경쟁자가 되었습니다. , 그리고 나중에 교향곡 6번(1939)의 스케르초와 피날레에서 연주됩니다. 이 작품에는 뛰어난 기교와 대담한 기발함이 영혼이 담긴 가사와 교향곡 첫 부분의 '끝없는' 멜로디 전개의 놀라운 자연스러움과 결합되어 있습니다.
그리고 마지막으로 젊은 작곡가의 창작 활동의 다른 측면을 언급하지 않을 수 없습니다. 그는 영화에서 처음에는 무성 영화 시연을 위한 일러스트레이터로, 그다음에는 소련 사운드 영화의 창작자 중 한 명으로 영화에서 지속적으로 많은 일을 했습니다. 영화 "Oncoming"(1932)에 나오는 그의 노래는 전국적인 인기를 얻었습니다. 동시에 '젊은 뮤즈'의 영향은 그의 콘서트와 필하모닉 작품의 스타일, 언어, 작곡 원리에도 영향을 미쳤다.
엄청난 격변과 반대 세력의 치열한 충돌로 현대 세계의 가장 첨예한 갈등을 구현하려는 열망은 특히 30년대 거장의 주요 작품에 반영되었습니다. 이 길의 중요한 단계는 N. Leskov의 "Lady Macbeth"이야기 줄거리를 바탕으로 쓴 오페라 "Katerina Izmailova"(1932)였습니다. 므첸스크 지구" 주인공의 이미지는 자연에 의해 완전하고 풍부한 재능을 지닌 자연의 영혼에서 복잡한 내부 투쟁을 드러냅니다. "납으로 가득 찬 삶의 가증스러운 것"의 멍에 아래, 맹목적이고 불합리한 열정의 힘으로 그녀는 진지한 행위를 저지릅니다. 범죄에 이어 잔혹한 보복이 따른다.
그러나 작곡가는 1930년대 소련 교향곡 발전에서 가장 중요하고 근본적인 성과인 교향곡 5번(1937)에서 가장 큰 성공을 거두었습니다. (새로운 스타일로의 전환은 이전에 작성되었지만 듣지 못한 4차 교향곡 - 1936에 설명되어 있습니다). 교향곡 5번의 강점은 서정적 영웅의 경험이 인류가 경험한 가장 큰 충격의 직전에 사람들의 삶, 더 넓게는 모든 인류의 삶과 가장 밀접하게 연결되어 드러난다는 사실에 있습니다. 세계 - 2차 세계대전. 이것은 음악의 강조된 드라마, 고유의 고조된 표현을 결정했습니다. 서정적 영웅은 이 교향곡에서 수동적인 묵상자가 되지 않고, 무슨 일이 일어나고 있는지, 그리고 무엇이 최고의 도덕적 법정과 함께 올 것인지 판단합니다. 세계의 운명에 대한 무관심이 반영되었습니다. 시민적 지위예술가, 그의 음악의 인본주의적 지향. 이는 실내악 장르에 속하는 다른 여러 작품에서도 느낄 수 있다. 도구적 창의성, 그중 피아노 Quintet (1940)이 눈에 띕니다.
위대한 애국 전쟁 동안 쇼스타코비치는 파시즘에 맞서 싸우는 최초의 예술가 중 한 명이 되었습니다. 그의 교향곡 7번(“레닌그라드”)(1941)은 인간의 가장 높은 가치를 수호하고 생존권이라는 이름으로 생사를 건 싸움에 뛰어든 투쟁하는 민중의 살아있는 목소리로 전 세계적으로 인식되었습니다. . 나중에 창작된 8번 교향곡(1943)에서와 마찬가지로 이 작품에서도 두 반대 진영의 적대감이 직접적이고 즉각적으로 표현되었습니다. 이전에는 음악 예술에서 악의 세력이 이렇게 명확하게 묘사된 적이 없었고, 바쁘게 일하는 파시스트 “파괴 기계”의 둔한 기계성이 그토록 분노와 열정으로 노출된 적이 없었습니다. 그러나 시대의 어려움으로 고통받는 사람의 내면 세계의 영적 아름다움과 풍요로움은 작곡가의 "군사" 교향곡에서도 분명하게 표현됩니다. I. Sollertinsky의 기억 - 1944).
전후 몇 년 동안 쇼스타코비치의 창작 활동은 다음과 같이 발전했습니다. 새로운 힘. 이전과 마찬가지로 그의 예술적 탐구의 선도적 노선은 기념비적인 교향곡 캔버스에 제시되었습니다. 다소 가벼운 9번(1945)은 최근 끝난 전쟁의 분명한 울림이 없는 일종의 인터메조 이후 작곡가는 영감을 받아 예술가의 비극적 운명을 주제로 한 10번 교향곡(1953)을 만들었습니다. 현대 사회에서 그의 책임은 매우 높습니다. 그러나 새로운 것은 주로 이전 세대의 노력의 결과였습니다. 이것이 작곡가가 러시아 역사의 전환점 사건에 그토록 매료 된 이유입니다. 1월 9일 피의 일요일로 특징지어진 1905년 혁명은 기념비적인 교향곡 11번(1957)에서 생생하게 재현되었으며, 1917년 승리한 이의 업적은 쇼스타코비치에게 영감을 주어 교향곡 12번(1961)을 작곡하게 했습니다.
역사의 의미, 영웅 행위의 중요성에 대한 성찰은 E. Yevtushenko의 단편을 기반으로 한 한 부분의 성악 교향시 "The Execution of Stepan Razin"(1964)에도 반영되었습니다. 시 "브라츠크 수력 발전소". 그러나 CPSU 제20차 대회에서 예고된 국민 생활과 세계관의 급격한 변화로 인한 우리 시대의 사건은 소련 음악의 거장을 무관심하게 만들지 않았습니다. 그들의 살아있는 숨결은 13세기에 만져질 수 있습니다 E. Yevtushenko의 작사로 작성된 Symphony (1962). 14번 교향곡에서 작곡가는 다양한 시대와 민족의 시인들의 시(F. G. Lorca, G. Apollinaire, V. Kuchelbecker, R. M. Rilke)로 전환했습니다. 그는 인간 삶의 덧없음과 영원이라는 주제에 매료되었습니다. 전능한 죽음이 있기 전에는 진정한 예술의 창조물입니다. 동일한 주제가 위대한 시인의 시를 기반으로 한 성악-교향곡 사이클 디자인의 기초를 형성했습니다. 이탈리아 예술가미켈란젤로 부오나로티(1974). 그리고 마지막으로 마지막 교향곡 15번(1971)에서는 어린 시절의 이미지가 다시 살아나며, 참으로 측량할 수 없는 인간의 고통을 알고 있는 현명한 창조자의 눈앞에서 재창조됩니다.
교향곡의 모든 의미와 함께 전후 창의성쇼스타코비치는 작곡가가 그의 생애 마지막 30년 동안 창조한 가장 중요한 것들을 모두 망라하지는 않습니다. 창의적인 길. 그는 콘서트와 실내악 장르에 특별한 관심을 기울였습니다. 그는 두 개의 바이올린 협주곡(및 1967), 두 개의 첼로 협주곡(1959 및 1966), 두 번째 피아노 협주곡(1957)을 작곡했습니다. 이 장르의 최고의 작품은 그의 교향곡에서 인상적인 힘으로 표현된 것과 비교할 수 있는 철학적 의미의 심오한 개념을 구현합니다. 영적인 것과 비영적인 것 사이의 충돌의 심각성, 인간 천재의 가장 높은 충동, 저속함, 고의적인 원시성에 대한 공격적인 공격은 단순한 "거리" 곡조가 알아볼 수 없을 정도로 변형되어 그 모습을 드러내는 두 번째 첼로 협주곡에서 뚜렷이 드러납니다. 비인간적인 본질.
하지만 콘서트와 콘서트 모두에서 실내 음악쇼스타코비치의 뛰어난 작곡 실력이 드러나 음악가들 사이에 자유로운 경쟁의 여지가 열린다. 여기서 거장의 관심을 끌었던 주요 장르는 전통적인 현악 4중주였습니다(작곡가는 교향곡만큼 많은 곡을 썼습니다-15). 쇼스타코비치의 4중주는 다중 악장 주기(11번째 - 1966)부터 단일 악장 구성(13번째 - 1970)에 이르기까지 다양한 솔루션으로 놀라움을 선사합니다. 그의 여러 실내악 작품(제8사중주 - 1960년, 비올라와 피아노를 위한 소나타 - 1975년)에서 작곡가는 이전 작품의 음악으로 돌아와서 새로운 사운드를 선사합니다.
다른 장르의 작품 중에는 라이프치히에서 열린 바흐의 축하 행사에서 영감을 받은 기념비적인 피아노 전주곡과 푸가(1951)와 소련 음악에서 처음으로 등장한 오라토리오 "숲의 노래"(1949)를 들 수 있습니다. 주변 자연 보존에 대한 인간의 책임이라는 주제가 제기되었습니다. 아카펠라 합창단을 위한 10개의 시(1951)를 언급할 수도 있습니다. 음성주기"유대인 민속시에서"(1948), 시인 Sasha Cherny ( "Satires"-1960), Marina Tsvetaeva (1973)의시에 순환됩니다.
영화 작업은 전후에도 계속되었습니다. Shostakovich의 영화 "The Gadfly"(E. Voynich의 소설 기반 - 1955)와 W. 셰익스피어의 비극 "Hamlet"( 1964)와 <리어왕>(1971)이 널리 알려지게 되었다.
쇼스타코비치는 소련 음악 발전에 큰 영향을 미쳤습니다. 그것은 주인의 스타일, 즉 그의 특징에 직접적인 영향을 미치지 않았습니다. 예술적 수단, 높은 음악 콘텐츠에 대한 열망만큼이나 지구상의 인간 삶의 근본적인 문제와 관련이 있습니다. 본질적으로 인본주의적이고 형태가 진정한 예술적인 쇼스타코비치의 작품은 전 세계적으로 인정을 받았으며 소련 음악이 세계에 선사한 새로운 것을 분명하게 표현하게 되었습니다.
20~30년대 쇼스타코비치의 창의성. (기사에 따르면: M. Aranovsky. M. Aranovsky가 편집한 Russian Music and the 20th Century 책에서).
쇼스타코비치는 빠르게 명성을 얻으며 20세기 음악에 입문했습니다. 레닌그라드 음악원의 종말을 위해 작곡된 그의 교향곡 1번(1926)은 전 세계 여러 콘서트 무대를 빠르게 돌며 새로운 주요 재능의 탄생을 예고했습니다. 이후 몇 년 동안 젊은 작곡가는 성공했지만 그다지 좋지는 않았으며 자신의 계획에 굴복하고 극장과 영화관의 명령을 이행하고 다양한 환경을 찾는 데 감염되고 정치적 참여에 경의를 표하는 등 다양한 방식으로 많은 글을 썼습니다. 그 당시에는 예술적 급진주의와 정치적 급진주의를 분리하는 것이 어려웠습니다. 예술의 "생산적 편의", 솔직한 반개인주의, "대중"에 대한 호소를 지닌 미래주의는 어떤 면에서는 볼셰비키 미학과 유사했습니다. 따라서 당시 매우 인기가 있었던 혁명적 주제를 바탕으로 만들어졌지만 Proletkult보다 ASM에 더 가까운 음악 언어로 만들어진 교향곡 2번(“10월에 대한 헌정”)과 3번(“May Day”) 교향곡과 같은 작품의 이중성이 있습니다. 그러한 "두 주소"는 당시 일반적으로 일반적이었습니다. 당시 예술 혁신가들에게는 혁명이 그들의 대담한 탐구 정신에 부합하고 그들에게만 기여할 수 있는 것처럼 보였습니다. 나중에 그들은 혁명에 대한 그들의 믿음이 순진하다는 것을 확신하게 될 것입니다. 하지만 그 해에는 예술적인 삶정말 부글부글 끓어오르고 있었어요. 최고의 에세이이 기간에는 교향곡 1번, 오페라 "The Nose", 피아노 협주곡 1번, 피아노 전주곡 전집이 포함됩니다.
쇼스타코비치는 1936년 그의 두 번째이자 마지막 오페라 "므첸스크의 맥베스 부인"(중앙위원회에서 영감을 받은 "음악 대신 혼란" 기사에서)의 제작과 관련하여 전체주의적 "문화의 거대 기계"로부터 첫 번째 심각한 타격을 받았습니다. Pravda 신문에 실린 볼셰비키 전 연합 공산당 (볼셰비키) "). 다른 정치적 맥락에서 이는 호기심이나 정당 정신분열증의 징후로 간주될 수 있습니다. 그러나 사회적 맥락이 중요하다. 그러한 이데올로기적 비난의 불길한 의미는 1936년에 억압의 치명적인 플라이휠이 이미 전체 거대한 범위에서 작동하고 있었다는 것입니다. 그러므로 이데올로기 비판은 오직 한 가지만을 의미합니다 6: 당신은 "바리케이드 반대편"에 있으므로 존재의 반대편에 있거나 "비판의 정의"를 인식하고 결과적으로 생명을 얻습니다. .
후속 작품, 특히 5번과 6번 교향곡은 공식 선전에 의해 "인식"의 행위, "수정"으로 해석되었습니다.
D. D. 쇼스타코비치(교향곡 10번, 4중주, 바이올린 협주곡 1번)의 작품에서 전쟁이라는 주제, 국민의 영웅주의, 비극적인 손실, 적의 침략 및 승리의 전투를 다각적으로 구현한 것, 현대 현실의 반영, 노동 용맹의 동기 및 D. D. Shostakovich (오라토리오 "숲의 노래") 작품의 평화로운 창조, D. D. Shostakovich 작품의 역사적, 혁명적 주제 처리 (러시아 혁명 시인의 텍스트를 기반으로 한 10 개의 합창시), Yu. 오페라 "Decembrists"), T. N. Khrennikov (오페라 "Mother"), A. I. Khachaturyan (발레 "Spartacus").
쇼스타코비치의 작품에서 가장 주목할만한 장르는 교향곡과 현악 4중주인데, 그는 각각 15개의 작품을 썼습니다. 쇼스타코비치는 생애 전반에 걸쳐 교향곡을 썼지만 쇼스타코비치는 생애 말년에 대부분의 사중주를 썼습니다. 가장 인기 있는 교향곡 중에는 5번과 8번이 있고, 4중주 중에는 8번과 15번이 있습니다.
쇼스타코비치의 음악은 쇼스타코비치가 가장 좋아하는 수많은 작곡가들의 영향을 보여줍니다. J. S. 바흐(푸가와 파사칼리아), L. 베토벤(후기 사중주), G. 말러(교향곡),
D.D.의 14번 교향곡 삶과 죽음의 딜레마에 빠진 쇼스타코비치는 문학적, 철학적 사건과 이미지가 되살아난 거대한 세계 프레스코화를 재현했습니다.
D.D. 의 실내악 교향곡 작품에서 흥미로운 점은 다음과 같습니다. 쇼스타코비치의 느린 음악의 "비중"은 (특히 말기) 음악 액션. 우리는 그의 작업의 독립적이고 본질적으로 중심적인 영역에 대해 이야기할 권리가 있습니다. 철학적인 가사, 그럼에도 불구하고 전체적인 논란의 여지가 있는 이미지생각하는 사람. 이 사고의 범위는 진정으로 우주적입니다. 문자 그대로 '모든' 문화가 그 '분야'로 끌어당겨집니다. 생각은 진정으로 자유롭고, 시대에서 시대로 이동합니다. 그러나 "신화를 창조하는" 자유의 흔적은 어디에도 없습니다. 모든 상상적 국가는 역사적 진실을 숨쉬기 때문입니다.
예술적 및 인식론적 지위 측면에서 음악적 사고의 가장 높은 방법인 교향곡에 대해 말하면, 우리는 항상 현실과의 관계의 일반화된 전체론적 성격을 의미하며, 이는 가장 큰 문체 개념에서 사회 이미지의 구체적인 재창조를 배제하지 않습니다. 환경. 그러니까, M.G. Aranovsky는 다음과 같이 지적합니다. “쇼스타코비치는 시민적 중요성의 문제를 지향하면서 민감한 사회학자로 살았으며 현실의 실제 갈등을 드러내면서 이에 참여하는 사람들과 "음악적 등가물"을 찾았습니다. 사회적 세력". 그러나 이것은 쇼스타코비치뿐만 아니라 의미 론적 집중이 소설이나 서사시보다 열등하지 않을 정도로 순전히 기악 음악의 극적인 채도의 "비밀"을 소유하고 있는 베토벤, 차이콥스키, 말러에도 적용됩니다. 19~20세기 특별한 유형의 교향곡 의미론: "교향곡은 수백만 명의 청취자를 향한 "연설", 모든 "구"와 모든 "단어"를 모호함 없이 이해해야 하는 "연설"로 탄생했습니다. , 청취자의 두뇌와 마음에 도달해야 합니다. 이를 이해하고 경험해야 합니다. 이로 인해 교향곡 개념의 틀 내에서(의미론적 복합체와 상징이 형성되었으며, 그 의미는 현실과의 정신적 비교에서 서로 관계 시스템인 "수평적으로", 그리고 "수직적으로" 모두 확립되었습니다."
말을 아끼지 않고 말할 수 있습니다. Glinka에서 Shostakovich에 이르기까지 러시아 음악은 진화하는 현실적인 방법에 맞춰 발전하고 있습니다. 그리고 모든 주요 문체 개념은 이러한 방법론적 기반을 바탕으로 "작동"하며 이데올로기적, 상상력, 문화적, 역사적 잠재력 중 하나 또는 다른 것을 강조합니다.
혁신 M.P. 음악 분야의 무소르그스키, 실제로는 시간적 미학 자체가 문체의 원천 중 하나가 되었습니다.
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D.D의 개념 쇼스타코비치. 우선, 이는 유기적으로 내재된 역사의식에 관한 것이다. 음악적 사고, 그리고 국가 문화의 세계와 함께 억양적이고 비유적인 공동체를 구축하려는 작곡가의 깊은 의식적이고 일관된 열망입니다.
Shostakovich의 스타일은 세계 문화 전체와 관련된 독특한 현상입니다. 문화 간 풍부함은 바흐나 모차르트의 이미지를 반영하는 것이 아니라, 거대한 음악-역사적 전통을 변증법적으로 "지양"하는 음악 문화 발전의 질적으로 새로운 단계를 달성하는 것으로 표현됩니다. 확립된 형태와 장르를 바탕으로 뮤지컬 예술- 교향곡, 사중주, 소나타 알레그로, 푸가, 각 영역에서 유럽 전문 음악의 업적을 종합하여 작곡가는 러시아 민족 멜로디의 풍부한 리듬과 억양을 기반으로 발전의 새로운 영역을 정복합니다. 넓은 간격의 움직임, 멜로디 윤곽의 가소성, 모드의 온음계 기반, 간결한 표현 수단을 사용한 이미지 집중-러시아 음악의 억양 스타일과 D.D. 쇼스타코비치. 그의 스타일은 음악적 사실주의의 역사적 가치를 논리적으로 일반화하여 제2의 삶을 선사합니다. 라. Mazel은 이에 대해 매우 공정한 판단을 표현합니다. “발견된 표현 및 의미 복합체의 전체 세트, 인류가 만든 것의 전체 합계 뮤지컬 이미지현실과의 자연스러운 연결로 연결되어 구체적인 반영을 나타내며 과학의 이 분야나 저 분야보다 객관적인 인지 가치가 적지 않습니다. 그리고 새로운 경우 음악 작곡, 이 "보편적" 속성을 사용하여 밝고 유기적으로 집중하고 새로운 방식으로 중요하고 의미 있고 역사적으로 확립된 표현 복합체를 표현하고 처리하면 유난히 신선하고 독창적이며 동시에 "오래--"처럼 보일 수 있습니다. 친숙하다”는 표현은 이미 존재했지만 이제서야 진실을 찾은 표현으로 인식될 수 있습니다.” 이와 관련하여 음악적 언어쇼스타코비치는 바흐나 베토벤의 "표현적 의미 복합체"만큼 문화적, 미적 의미에서 보편적인 음악 과정의 패턴입니다.
완전히 러시아 문화의 세계에 속하는 쇼스타코비치의 스타일은 역사적으로 바흐의 다성음악과 베토벤의 교향곡으로 거슬러 올라가는 영역을 명확하게 구분합니다. 그의 작품에서 그들의 발전 과정을 추적하기 전에 다음과 같은 상황을 규정해 보자.
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쇼스타코비치의 스타일에서는 리듬 원리가 비교할 수 없을 정도로 강화됩니다. 강렬한 리듬 호흡, 오스티나토 맥동, "토카타" 기호, 시간의 끊임없는 "냉혹한 실행", 마치 20세기의 존재를 표시하는 것처럼 전체 음악 구조에 스며드는 것입니다. 템포와 리듬. V.N. Kholopova는 리듬 유형을 D.D. 쇼스타코비치는 "불규칙한 악센트"로 표현했습니다. 이러한 유형의 리듬과 불규칙성은 일반적으로 20세기 음악의 특징입니다. 쇼스타코비치에게 이것은 음악적 언어의 정서적, 표현적, 극적인 긴장으로 인해 전통적 언어를 대체합니다. 서유럽 음악메트로 리듬의 "직각성"뿐만 아니라 이러한 지속적인 집중으로 인해 운율 악센트가 "세척"되기 때문에 지속적인 집중이 필요한 특별하고 지적으로 집중된 멜로디 사고의 흐름이 있습니다. 가변 미터로 가득 찬 불규칙한 리듬은 러시아 멜로의 특징이며 물론 쇼스타코비치의 음악 시간 구성 시스템이 간접적으로 연결되어 있다는 점도 주목해야합니다.
아주 특별한 미적 가치현대 음악 예술의 스타일 교육 과정에는 작곡가의 다성적 창의성이 있습니다. 본질적으로 우리는 다성적 글쓰기 발전의 역사에서 가치 있고 기본적인 국가적 표현 플랫폼을 가지고 있는 개념에 대해 이야기하고 있습니다. 이 개념에서 바흐의 다성적 사고에 대한 회상은 다성음악의 기술적 측면과 전주곡과 푸가 주기의 보편적 미학적 순위 측면에서 부인할 수 없습니다. 그러나 생성된 D.D. 쇼스타코비치의 음악 크로노토프는 바흐의 크로노토프와 근본적으로 다릅니다. 음악적 이미지 움직임의 "에너지 기반"의 기능은 리듬에 의해 수행되며, 리듬은 전체 형태에 걸쳐 발전을 위한 잠재력과 자극을 지속적으로 축적합니다. 그러나 여기의 리듬에도 중요한 차이점이 있습니다. 즉, 억양 리듬입니다. 그것은 자급자족할 수 없지만 주제주의의 억양적 진화 논리에 의해 "개요"됩니다.
쇼스타코비치의 다성적 유산의 시간적 미학 문제를 완전히 다루는 척하지 않고(이것은 의심할 바 없이 특별하고 진지한 연구가 필요합니다), D단조 전주곡과 푸가의 다성적 순환에 대한 분석으로 넘어가겠습니다.
오프닝 극의 서사적 '종'과 그 서사적 서술 범위는 역사적 시간에 대한 무한한 회고를 즉각적으로 설명하는 것처럼 보입니다. 더욱이, 역사의 미학은 무소르그스키와 보로딘의 서사시와의 불가피한 음악적, 문화적 연관성과 더 깊은 연관 층에 의해 강화됩니다.
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여유로운 서사시. 베이스의 옥타브 "D"에서 나타나는 약강 형상()은 마치 시간의 거리에서 온 것처럼 음악 언어의 억양-낭송 구조를 강조합니다. 전주곡의 주요 주제 구성은 자연스러운 선율에 따라 배열된 고풍스러운 2성 성가를 통해 표현됩니다.
Prelude의 전체 비유적, 표현적 영역은 서사시 시대의 지배적인 미학을 갖춘 특별한 문화적, 역사적 크로노토프를 만드는 것을 목표로 합니다. (서사시의 집중은 하나 이상의 분석된 작품의 특징입니다. 쇼스타코비치의 11중주곡을 특징짓는 V.P. Bobrovsky는 다음과 같이 썼습니다. "이 작품의 작곡가는 겉으로는 양립할 수 없는 것처럼 보이는 열렬한 서사시와 신경질적인 표현성을 역설적으로 결합합니다.") 이와 관련하여, 특히 쇼스타코비치의 실현하려는 열망은 음악적 수단광범위한 질감 표현과 폴리레지스터 사운드로 표현되는 순전히 공간적 연관성입니다. 음악적 시간 모델의 이러한 공간성은 후자의 서사적 구조를 고려할 때 우연이 아닙니다. (위에서 우리는 민족 예술적 의식에 있어서 “공간의 즐거움”의 문화적 중요성을 이미 언급했다는 점을 상기하십시오.) 따라서 유전적으로 러시아 문화의 세계와 연결된 쇼스타코비치가 서사시적인 시공간 이미지를 재현하는 것은 당연하고 당연한 것입니다. , 순전히 러시아어 억양과 자유로운 이야기 리듬을 사용합니다.
D 단조 전주곡의 음악 연속체는 열려 있습니다 (다시 한 번 풍경 연속체를 해결하는 데 무소르그스키에 내재 된 극적인 시간의 개방성, 심지어 "더 깊은"-고대 러시아 문화의 시간적 인식에 대한 개방성). 그것에 스며드는 푸가는 마지막 구성에서 "녹는" 쿼트 동작으로 끝나며 강력한 다성 음악 개발 과정을 직접적으로 준비합니다.
억양 윤곽이 서곡에 이미 표시되어 있는 푸가 테마의 첫 번째 구현은 즉시 근본적으로 다른 "알고리즘"을 "설정"합니다. 음악적 움직임: 이것은 다성음악 구조의 모든 수준에서 냉혹하게 축적되는 1/4 지속 시간의 측정된 오스티나토 맥동입니다. "R – RR" 프레임워크 내에서 진동하는 역동적인 계획을 통해 수직의 최대한의 명확성이 강조됩니다. 첫 번째 섹션에서 푸가의 시간적 전개를 구성하는 원리는 주제의 억양적 본질에 의해 결정됩니다. 이것은 쇼스타코비치의 전형적인 격언 주제로, 최대한의 간결함은 비유적이고 표현적인 잠재력만을 강조합니다. 쿼드러플 쿼트
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억양 시스템 자체 측면에서 순전히 "러시아어"인 메인 톤의 노래, 우울한 음역으로 인해 악화되는 감정적 금욕주의, 리드미컬 한 오스티나토는 다성 과정의 규모를 예고합니다. 다성적 전개의 비유적 특수성은 테마의 리듬-억양 복합체에 내재되어 있습니다. 오스티나토 리듬의 축적된 에너지는 논리적으로 두 번째 섹션()에서 일시적인 움직임의 강화로 이어집니다.
테마의 첫 번째 실행이 끝난 후 여섯 번째 단계로의 두 번째 이동은 두 번째 억양의 표현과 푸가의 전체 공간에 걸친 장대하고 역동적인 진화를 결정합니다.
푸가의 음악 연속체는 독특한 극작법의 원리를 모델로 삼았습니다. 가속도,이미지의 최대 심리적 집중 방향으로 음악적 과정을 응축합니다. 첫 번째 섹션의 객관화된 논리는 심리적 시간의 주관적인 표현으로 발전합니다.
D 단조 D.D. 전체주기의 미적 개념 수준에서. Shostakovich는 서사적 역사와 변증법에서 드러나는 비유적이고 문체적인 통일성을 지닌 독특한 다중 시간 모델을 만듭니다. 심리적 측면뮤지컬 크로노토프. 당연히 바흐 시대의 다성음악은 그러한 복잡성의 모델을 구현하지 않았고 구현할 수도 없었습니다.
가능하다면 우리는 D.D.의 문체 개념에서 "바흐 라인"을 간략하게 특징지었습니다. 쇼스타코비치. 작곡가의 작품에서 주요 장르는 교향곡이고 그의 사고 방식은 주로 대규모 (교향곡) 이벤트 표시에 끌리기 때문에 "베토벤"을 살펴 보겠습니다.
LA가 지적한 바와 같이 Mazel은 “쇼스타코비치는 그의 주요 작품에서 새로운 유형의 음악적 이미지뿐만 아니라 그들의 새로운 관계와 연결, 이미지 시스템. 이 시스템은 개별적이고 독특하며 동시에 보편적으로 중요합니다. 그것은 기악의 가장 높고 가장 발전된 형태, 즉 소나타 형식과 소나타-교향악 사이클의 형식에 대한 새로운 해석을 생생하게 가져왔습니다." 위의 아이디어를 발전시키면 쇼스타코비치가 세상에 새로운 유형의 건설성을 도입했다고 말할 수 있습니다. 멜로디-억양 미세 요소에서 극적인 무결성에 이르기까지 음악 언어의 전체 수단으로 인해 교향곡은 베토벤과 V.P. 그리고 표현 상태.
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4중주는 존재의 가장 깊은 본질을 포착하고 드러내기 위해 노력하면서 작곡가의 철학적, 세계관 탐구의 기초를 다룹니다.
음악적 리얼리즘의 노선을 자연스럽고 일관되게 이어가는 교향곡가 쇼스타코비치의 길은 숭고함과 기저가 동시에 존재하는 존재의 현실을 재현했다는 점에서도 역설적일 수밖에 없다. 이것이 효과적이고 승리하는 아름다움을 절대적으로 중시했던 베토벤의 미학과의 첫 번째 차이점이다.
쇼스타코비치의 미학과 베토벤의 미학과의 두 번째 차이점: 교향곡 주기의 전체 구조에는 존재를 이해하고 신비화되지 않은 실제 사회 문제인 죽음에 직면하여 끊임없이 자신을 찾는 사람의 이미지가 스며들기 때문입니다.
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그리고 악. 따라서 쇼스타코비치의 교향곡 극작에서 1악장과 3악장의 "느린" 중심이 있는 순환 구조가 명확하게 보이는 것은 우연이 아닙니다. 이 구성의 논리적 "원자"는 "전체의 분할"이 지속적으로 수행되는 주제주의 원칙에 내재되어 있습니다. 철학적 비극적 복합체는 "친밀한 인간"본성의 동기와 결합됩니다. 이것은 작곡가의 언어와 사고의 또 다른 "역설성"을 재현하는 근본적으로 새로운 유형의 대조입니다.
"역설"은 시간성의 법칙을 지시합니다. 쇼스타코비치의 후자는 바흐와 베토벤 원리의 종합으로 정의될 수 있습니다(역시 양립할 수 없는 조합!): 비극 영역은 바흐 고유의 시간적 맥동의 연속성과 동질성이 퇴화되는 절대 시간성의 유형에 따라 발전합니다. 임박한 악의 기계적 단조로움 속으로(예를 들어 교향곡 7번과 8번에서처럼); "인간" 영역은 자체 시간적 윤곽을 갖고 있으며, 그 알고리즘은 멜로디 주제 라인의 연약하고 기괴한 윤곽에 "배치"되어 있습니다. 일반적으로 교향악 주기의 시간적 해결은 사회 역사적 시간의 음악적 유사체뿐만 아니라 문화 간 의미가 스며 들고 음악적 의미, 깊은 국가적 특수성 수단을 통해 통합하는 다차원적인 비유 연속체를 재창조합니다.
(1906-1975).
20세기 러시아의 위대한 작곡가. 음악뿐만 아니라 세계 문화에서도 나타나는 현상입니다. 그의 음악은 그의 시대에 대한 가장 완전한 진실을 글로 표현한 것입니다. 작가가 아닌 음악가가 표현한 것입니다. 단어는 배제되고 불명예스러워졌지만 소리는 여전히 자유롭습니다. 비참한. 시간 - 전체주의 시간 소련의 힘. 프로코피예프와 쇼스타코비치 - 2명의 천재, 음악. 기회는 평등합니다. 프로코피예프는 유럽의 천재이고 쇼스타크입니다. - 소비에트, 그 시대의 목소리, 그 민족의 비극의 목소리.
창의성은 다면적이다. 그는 노래부터 오페라, 교향곡까지 당대의 모든 장르와 형식을 다루었습니다. 훌륭한 콘텐츠: 비극적인 사건부터 일상적인 장면까지. 그의 음악은 1인칭 고백으로 드러난다. 그리고 설교. 현재의 주요 주제- 선과 악의 충돌. 비극적 인식. 양심을 파괴하는 무자비한 시간입니다. 그는 사람이 어떻게 살아남을 수 있는지 결정했습니다. 악의 다양한 얼굴. 음악에는 새로운 조화(혼돈, 12음)가 있습니다. 스타일: 음악 XX세기 모든 어려움을 안고. 멜로딕스는 그렇지 않습니다. 20세기에 들어서면서 그것은 본질적으로 도구가 되었습니다.
쇼스타코비치에는 두 가지 유형이 있습니다.
널리 퍼지는 멜로디- 1시간 동안 교향곡 5개.
깊이 있는 멜로디- 5개 교향곡 1시간 GP.
넓은 범위, 넓은 간격으로 이동, 파손.
LAD - 2도와 4도가 낮아진 자체 마이너 프리지아 마이너입니다. 러시아어에서 음악 리듬의 자유가 있습니다. 박자가 자주 변경됩니다. 악의 이미지는 기계적이다.
다성음악(Polyphony) - 20세기 최대의 다성음악가로서 표현수단의 일부가 중요하며 다성음악의 범위를 확장시켰다. 푸가, 푸가토, 캐논, 파사칼리아 - 장례 행렬. 쇼스타코비치는 이 장르를 부활시켰습니다. 교향곡, 발레, 영화에서의 푸가.
쇼스타코비치의 교향곡과 음악에서의 역할. 20세기 문화. 문제. 드라마의 특징과 순환의 구조.
세계문화의 현상. 이 교향곡은 쇼스타코비치를 위대한 러시아인으로 만들었습니다. 작곡가, 도덕적 강인함의 예. 그는 철학자이자 예술가이자 시민이었습니다. 교향곡 - 악기. 그의 삶에 대한 이해가 구체화 된 드라마.
교향곡 극작:
1시간- 소나타 형식이지만 느린 템포로 작곡되었습니다. 작곡가는 행동이 아니라 성찰로 시작한다. 노출과 발달 사이의 갈등이 시작된다. 클라이막스는 개발의 끝이자 재현의 시작입니다. 부정확한 재현(레닌그라드 교향곡).
2시간-2가지 유형의 스케르초. 1) 전통적인 쾌활함. 순진한 음악.2) 악 - 풍자, 어두운 판타지.
3시간- 높은 곳의 느린 극, 선함, 순수함의 이미지, 때로는 파사칼리아의 한 형태.
4시간-마지막, 영웅적인 성격, 그로테스크하고, 아이러니하고, 카니발적이고, 덜 자주 서정적인 결말.
교향곡 1번바단조 1925. 19세에 작곡됨. 국내 및 해외 4부작으로 진행되는 행사입니다. 기발하고 이상합니다. 소나타 형식의 1h입니다. GP - 멋진 행진곡, PP - 왈츠. 그는 음악원을 졸업한 후 소비에트 생활, 시작 실험 시간. 음악을 썼습니다. 영화, 연극 제작을 위해 2개의 교향곡을 작곡했습니다.
교향곡 2번"10월을 위한 헌신."
3번 교향곡"Pervomayskaya" - Komsomol 시인의 시 합창단이 포함된 1부. 열정이 넘치고, 새로운 세상을 만들어가는 기쁨.
발레 2곡: "골든 에이지", "볼트"
교향곡
오페라 <므첸스크의 맥베스 부인>.그것은 성공적으로 공연되었다가 파괴되었고 그들은 30년 동안 추방되었으며 교향곡 연주는 금지되었습니다. 이것이 쇼스타코비치의 전환점이다. 그의 의식은 분열됩니다.
D. 쇼스타코비치. 교향곡 5번 라단조. 작품의 문제점과 갈등음악 극작의 폭로.
회개, 교정의 교향곡. 동시대인들은 “사람이 어떻게 자신의 결점을 극복하고 새로운 삶을 준비하는지에 대해”라고 재해석했다. 1937년에 작성되었습니다. 날짜는 억압의 정점을 상징하며 진실의 목소리입니다. 사람이 잔인한 상황에서 자신의 영혼을 보존하려고 노력하는 방법에 대해. 그의 가장 고전적인 교향곡 4악장.
1 시간- 소나타 모데라토. Vst.: 오케스트라의 활력 넘치는 외침 - 양심의 목소리. 그것은 교향곡 전체를 관통합니다. Gl.p. – 방황하는 생각, 탈출구를 찾기 위해 고군분투합니다. P.p. - 대비가 나타납니다. 개발됨 - fo-no의 위협적인 구르기. 템포는 더 빨라지고 주제는 왜곡됩니다. 이는 사람의 삶을 왜곡하려는 시도입니다. 상승파의 원리에 따르면 마지막 파도의 꼭대기에서 분노의 행진이 있다. 1시간이 끝납니다. 작은 코드이지만 매우 중요합니다. 모든 힘이 사라졌습니다. 코다 - 지친 숨 - 조용하고 투명한 셀레스타. 피로.
2시간– scherzo 창문, 열려 있음. 삶의 모든 고난을 잊으려는 시도. 댄스, 행진 리듬. 마지막 섹션은 유쾌하고 아이러니한 스케치의 연속입니다. 중간 부분은 트리오-솔로 바이올린-연약하고 무방비한 멜로디입니다.
3시간–largo, 생각으로 돌아가세요. 전개가 없는 소나타 형식. 자비, 연민, 고통의 이미지. 그의 창의성의 정점 중 하나는 깊고 진정한 인간인 Gopak입니다. 슬프고 숭고한 v.p라는 노래가 생각납니다. , p.p. -사람의 외로운 목소리, 기도의 억양, 고통. 발전은 없지만 되풀이됩니다. 슬픈 일이 화를 내고 열정적으로 변합니다.
4시간.- 피날레는 교향곡에서 가장 특별하고, 씁쓸하고, 끔찍한 부분입니다. 그들은 그를 영웅적이라고 부릅니다. D단조로 시작해서 D장조로 끝난다. 외부 세계와의 사람의 투쟁-그것은 그를 분쇄합니다 (심지어 그를 파괴합니다). 트레몰로 브라스 코드로 시작합니다. 팀파니는 어떻게 비트처럼 들리나요? 행렬, 군중, 고양이의 이미지. 그것은 끔찍한 힘으로 우리를 운반합니다.
D. 쇼스타코비치. 교향곡 7번 다장조 "레닌그라드스카야". 창조의 역사. 소프트웨어의 특징. 제1부의 뮤즈형 극작법의 특징.
(1941). 소재와 개념이 전쟁 이전에 개발되었기 때문에 매우 빠르게 작성되었습니다. 이것은 인간과 비인간의 충돌이다. 첫 공연이 열렸던 Kuibyshev에서 완성되었습니다. 1942년 8월 9일 레닌그라드에서 첫 번째 처형. 이날 독일군은 도시를 점령할 계획을 세웠습니다. 악보는 비행기로 전달되었고 K. Iliasberg는 지휘자였으며 오케스트라에는 가장 평범한 생존자들이 포함되었습니다. 교향곡은 즉시 세계적 명성, 그녀는 인간 용기의 상징이되었습니다. 교향곡은 4부분으로 구성되어 있으며, 가장 유명하고 완벽한 부분은 1시간입니다. 각 부분의 제목은 구상되었으나 삭제되었습니다.
1 시간– 소나트.f. 개발 대신 - 새로운 에피소드와 크게 변경된 재현. 박람회– 평화롭고 합리적인 인간 생활의 이미지 삽화– 침략, 전쟁, 악; 재현부– 파괴된 세계. GP – C 메이저, 행진, 노래; PP – G – 주요 서정적, 조용함, 온화함, 마음의 평화, 행복의 이미지; 에피소드 - 나는 이것이 다른 삶이라는 점을 강조하고 싶었습니다. 따라서 악을 상징하는 소프라노 오스티나토 형태의 새로운 자료에 대한 에피소드를 구성했습니다. 리듬은 일정합니다. 다른 키의 편차가 없는 E플랫 장조입니다. 주제는 바보, 사악, 변화 없음입니다. 테마 및 11가지 변형. 이것은 음색의 변형으로, 각 변형에서 테마는 마치 얼굴이 없는 것에서 풍부해지는 것처럼 새로운 색조를 얻습니다. 각 변형마다 그녀는 더 끔찍해지고 어떤 저항도 받지 않습니다. 마지막 변형에서만 그녀는 장애물에 부딪혀 전투에 들어갑니다. 파괴가 발생합니다. 재현 - 망가진 삶에 대한 진혼곡. GP - C단조, PP - 장례 애도. 바순 솔로. 각 측정은 미터를 3/4-13/4에서 변경합니다. 모든 테마가 완전히 변경되었습니다. 해당 부분은 30분 동안 진행됩니다.
D. 쇼스타코비치. 교향곡 9번 Es major. 문제, 구조 및 음악. 극 법.
(1945). 교향곡은 승리에 대한 찬가가 될 것으로 예상되었습니다. 그러나 그것은 당혹감을 불러 일으켰고 인식되지 않았습니다. 교향곡은 기만적이다. 단편, 20분 깊고, 숨겨져 있습니다. 음악의 가벼움과 경박함은 시작에만 있습니다.
1 시간– 소나타 알레그로. GP는 유쾌하고 장난스러운 노래이고, PP는 장난스럽고 장난스러운 노래입니다.
2시간-모데라토. 미래에 대한 사람의 생각은 발전하지 않고 혼자서 형성됩니다. 1개의 주제 – 클라리넷. 매우 개인적인 성격의 감동적인 고백에 이어 다른 영적 도구가 추가되고 대화가 이어집니다. 주제 2 – 미래를 예견하는 색채의 움직임. 씁쓸한 예감, 앞으로 무슨 일이 일어날지 무섭다.
(중단없이 3,4,5시간)
3시간– 프레스토. 영웅적인 스케르초. 인생이 달리는 느낌. 세레이나 - 트럼펫 솔로 - 위대하고 아름다운 것에 대한 부르심.
4시간. - 라르고. 4개의 트롬본(운명의 악기). 운명과 인간의 목소리(바순의 목소리)가 들리는 주제가 나온다. 살아남으려면 '마스크를 쓴 척'을 해야 한다.
5시간. - 빠른 마무리. 다른 사람의 "마스크 페이스"를 사용한 음악이지만 생명은 보존됩니다.
이 교향곡을 통해 슈르스타코비치는 몇 년 안에 자신에게 무슨 일이 일어날지 예측했습니다. 이 교향곡 이후 모든 음악이 파괴되는 암흑기가 찾아오는데, 9번 교향곡 이후 그는 8년 동안 교향곡을 쓰지 않았다.
Dmitry Dmitrievich Shostakovich (1906-1975)의 창의적인 길은 전체 소련 예술 문화의 역사와 불가분의 관계가 있으며 언론에 적극적으로 반영되었습니다 (그의 생애 동안에도 작곡가에 관한 많은 기사, 책, 에세이 등이 출판되었습니다) ). 언론에서는 그를 천재라고 불렀습니다(작곡가는 당시 17세에 불과했습니다).
“쇼스타코비치의 연주에는 천재의 유쾌하고 차분한 자신감이 담겨 있습니다. 내 말은 쇼스타코비치의 탁월한 연주뿐만 아니라 그의 작곡에도 적용됩니다.”(W. Walter, 평론가)
Shostakovich는 가장 독창적이고 독창적이며 밝은 예술가 중 한 명입니다. 그의 전체 창작 전기는 비유와 장르, 형식, 모달 및 억양 분야에서 많은 발견을 이룬 진정한 혁신가의 길입니다. 동시에 그의 작품은 음악 예술의 최고의 전통을 유기적으로 흡수했습니다. 창의성은 그에게 큰 역할을 했으며, 그 원칙(오페라 및 실내악)은 작곡가가 교향곡 영역에 가져왔습니다.
또한 Dmitry Dmitrievich는 베토벤의 영웅 교향곡, 서정적 극적 교향곡을 이어갔습니다. 그의 작품에 대한 삶의 긍정적인 아이디어는 셰익스피어, 괴테, 베토벤, 차이코프스키로 거슬러 올라갑니다. 예술적인 성격으로
"Shostakovich는 "극장의 남자"이며 그를 알고 사랑했습니다."(L. Danilevich).
동시에 작곡가로서 그리고 인간으로서 그의 삶의 길은 소련 역사의 비극적인 페이지와 연결되어 있습니다.
D. D. 쇼스타코비치의 발레와 오페라
첫 번째 발레 – "The Golden Age", "Bolt", "Bright Stream"
작품의 집단적 영웅은 축구 팀입니다. (작곡가가 스포츠를 좋아하고 게임의 복잡성을 전문적으로 이해했기 때문에 우연이 아닙니다. 이로 인해 보고서를 작성할 기회가 생겼습니다.) 축구 경기들, 축구 심판 학교를 졸업한 적극적인 팬이었습니다). 다음은 산업화를 주제로 한 발레 '볼트'이다. 대본은 전직 기병 병사가 썼으며 그 자체는 현대적인 관점에서 보면 거의 패러디에 가깝습니다. 발레는 구성주의 정신으로 작곡가에 의해 만들어졌습니다. 동시대 사람들은 초연을 다르게 회상했습니다. 어떤 사람들은 프롤레타리아 청중이 아무것도 이해하지 못하고 작가를 야유했다고 말하고 다른 사람들은 발레가 기립 박수를 받았다고 회상합니다. 집단 농장에서 펼쳐지는 발레 "Bright Stream"(초연 – 01/04/35)의 음악은 서정적일뿐만 아니라 코믹한 억양으로 가득 차 있으며 이는 작곡가의 운명에도 영향을 미칠 수밖에 없습니다. .
쇼스타코비치 초기그는 많은 작품을 작곡했지만 푸쉬킨을 원작으로 한 최초의 오페라 "집시"와 같이 그의 작품 중 일부는 자신의 손으로 파괴되었습니다.
오페라 "코"(1927-1928)
뜨거운 논란을 불러일으켰고, 그 결과 오랫동안 연극 레퍼토리에서 제외됐다가 다시 부활했다. 쇼스타코비치는 이렇게 말했습니다.
“...오페라가 기본적으로 음악 작품이라는 사실은 무엇보다도 중요했습니다. 'The Nose'에서는 액션과 음악의 요소가 동일합니다. 어느 쪽도 지배적인 위치를 차지하지 않습니다.”
음악과 연극 공연을 종합하려는 노력의 일환으로 작곡가는 자신의 창의적인 개성과 다양한 예술적 경향을 작품에 유기적으로 결합했습니다 (Berg의 "The Love for Three Oranges", "Wozzeck", Kshenek의 "Jumping Over the Shadow"). 사실주의의 연극 미학은 작곡가에게 큰 영향을 미쳤습니다. 일반적으로 "The Nose"는 현실적인 방법의 토대를 마련하고 다른 한편으로는 소련 오페라 극작법의 "고골식"방향의 토대를 마련했습니다.
오페라 “카테리나 이즈마일로바”(“므첸스크의 맥베스 부인”)
유머(발레 볼트의 경우)에서 비극으로의 급격한 전환으로 표시되었지만 비극적 요소는 하위 텍스트를 구성하는 The Nose에서 이미 분명했습니다.
이것 - “...인간의 모든 것이 발 아래 짓밟히고 사람들이 한심한 꼭두각시가 되는 작곡가가 묘사한 세상의 끔찍한 말도 안되는 비극적 감정의 구체화입니다. 그의 각하 코가 그들 위로 솟아 있습니다.”(L. Danilevich).
이러한 대조 속에서 연구원 L. Danilevich는 쇼스타코비치의 창작 활동, 더 광범위하게는 세기의 예술에서 그들의 탁월한 역할을 확인합니다.
오페라 "Katerina Izmailova"는 작곡가 N. Varzar의 아내에게 헌정되었습니다. 원래 계획은 대규모였습니다. 여성의 운명을 묘사하는 3부작이었습니다. 다른 시대. "Katerina Izmailova"는 그것의 첫 번째 부분이 될 것입니다. 자발적인 항의자신을 범죄의 길로 몰아넣는 '어둠의 왕국'에 맞서는 히로인. 다음 부분의 여주인공은 혁명가였어야 했고, 세 번째 부분에서 작곡가는 소련 여성의 운명을 보여주고 싶었습니다. 이 계획은 실현될 운명이 아니었습니다.
동시대 사람들의 오페라 평가에서 I. Sollertinsky의 말은 다음과 같습니다.
“우리는 러시아 역사에서 다음과 같이 전적인 책임을 가지고 말할 수 있습니다. 뮤지컬 극장후에 " 스페이드의 여왕“맥베스 부인만큼 규모와 깊이가 깊은 작품은 없었습니다.”
작곡가 자신은 이 오페라를 "비극 풍자"라고 불렀으며, 이를 통해 그의 작품의 가장 중요한 두 가지 측면을 결합했습니다.
그러나 1936년 1월 28일, 이미 대중으로부터 높은 평가와 인정을 받은 오페라에 관한 "음악 대신 혼란"이라는 기사가 쇼스타코비치가 형식주의 혐의로 기소된 Pravda 신문에 게재되었습니다. 이 기사는 오페라가 제기한 복잡한 미학적 문제를 오해한 결과로 드러났으나, 그 결과 작곡가의 이름이 부정적으로 날카롭게 식별되었다.
이 어려운 기간 동안 많은 동료들의 지원은 그에게 매우 귀중한 것으로 판명되었으며 Baratynsky에 대한 Pushkin의 말로 Shostakovich를 맞이했다고 공개적으로 밝혔습니다.
"그는 우리에게 독창적입니다. 왜냐하면 그는 생각하기 때문입니다."
(당시 메이어홀드의 지원은 단순한 지원이 될 수는 없었지만 오히려 작곡가의 삶과 작업에 위험을 초래했습니다.)
설상가상으로 2월 6일 같은 신문에는 발레 "Bright Stream"을 실제로 삭제한 "Ballet Falsity"라는 기사가 실렸습니다.
작곡가에게 큰 타격을 준 이 기사들로 인해 그의 오페라 활동과 발레 작곡가그들은 수년에 걸쳐 다양한 프로젝트에 끊임없이 관심을 가지려고 노력했음에도 불구하고 끝났습니다.
쇼스타코비치의 교향곡
그의 교향곡 작품(작곡가는 15개의 교향곡을 작곡함)에서 쇼스타코비치는 음악 주제에 대한 깊은 재검토를 바탕으로 비유적 변형 기법을 자주 사용하여 결과적으로 다양한 의미를 얻습니다.
- 에 대한 첫 번째 교향곡미국 사람 음악 잡지 1939년에 그는 다음과 같이 썼다.
이 교향곡(논문 작품)은 2009년에 완성되었습니다. 창의적인 전기작곡가의 수습기간.
- 두 번째 교향곡- 이것은 작곡가의 동시대 생활을 반영한 것입니다. 10주년을 기념하여 의뢰받은 "October"라고 합니다. 10월 혁명국영 출판사 음악 부문 선전부. 새로운 길 찾기의 시작을 표시했습니다.
- 세 번째 교향곡두 번째에 비해 음악적 언어의 민주주의와 노래가 특징입니다.
몽타주 극작의 원리와 연극성, 이미지의 가시성이 뚜렷이 보이기 시작한다.
- 네 번째 교향곡- 쇼스타코비치 교향곡의 새로운 발전을 이룬 비극 교향곡.
"Katerina Izmailova"처럼 그녀도 일시적인 망각에 시달렸습니다. 작곡가는 1936년에 열릴 예정이었던 초연을 "시간이 잘못됐다"고 믿고 취소했습니다. 내용의 복잡성, 날카로움, 음악적 언어에도 불구하고 1962년에야 이 작품이 공연되고 열광적으로 받아들여졌습니다. G. Khubov (비평가)는 다음과 같이 말했습니다.
“교향곡 4번의 음악에서는 삶 자체가 부글부글 끓고 거품이 납니다.”
- 다섯 번째 교향곡종종 셰익스피어 유형의 드라마, 특히 햄릿과 비교됩니다.
“예를 들어 셰익스피어 비극의 삶을 긍정하는 파토스와 같은 긍정적인 아이디어가 스며들어야 합니다.”
그래서 그는 교향곡 5번에 대해 이렇게 말했습니다.
“내 교향곡의 주제는 성격 형성입니다. 이 작품의 컨셉의 중심에는 제가 본 모든 경험을 가진 남자가 있었습니다.”
- 정말 아이코닉한 교향곡 7번('레닌그라드'), 제 2 차 세계 대전의 끔찍한 사건에 대한 직접적인 인상을 받아 포위 된 레닌 그라드에서 작성되었습니다.
쿠세비츠키에 따르면 그의 음악은
“거대하고 인도적이며, 쇼스타코비치처럼 세계 격변의 시대에 태어난 천재 베토벤의 보편적 인간성과 비교할 수 있다…
교향곡 7번의 초연은 42년 8월 9일 포위된 레닌그라드에서 라디오를 통해 콘서트와 함께 초연되었습니다. 작곡가의 아들인 막심 쇼스타코비치는 이 작품이 파시스트 침공의 반인본주의뿐만 아니라 소련에 대한 스탈린의 테러에 대한 반인본주의를 반영한다고 믿었습니다.
- 여덟 번째 교향곡(초연 1943년 11월 4일) - 작곡가 작품의 비극적 라인의 첫 번째 정점(두 번째 정점은 14번 교향곡)으로, 그 음악은 그 중요성을 얕보려는 시도로 논란을 일으켰지만 다음 중 하나로 인식됩니다. 뛰어난 작품 XX세기.
- 9번 교향곡에서(1945년 완성) 작곡가(그런 의견도 있음)는 전쟁이 끝난 뒤에 반응했다.
그는 그 경험을 없애기 위해 고요하고 즐거운 감정에 호소하려고 했다. 그러나 과거에 비추어 볼 때 이것은 더 이상 가능하지 않았습니다. 주요 이념적 노선은 필연적으로 극적인 요소에 의해 음영 처리되었습니다.
- 10번 교향곡교향곡 4번에 제시된 대사를 이어갔다.
그 후 쇼스타코비치는 민속 혁명 서사시를 구현하는 다른 유형의 교향곡으로 전환했습니다. 따라서 "1905"(10 월 혁명 40 주년 기념 교향곡 11 번)와 "1917"(교향곡 12 번)이라는 이름의 교향곡 11 번과 12 번이 나타납니다.
- 교향곡 13번과 14번또한 특별한 장르 특성(오라토리오의 특징, 오페라 극장의 영향)으로 표시됩니다.
이는 보컬과 교향악 장르를 통합하려는 경향이 완전히 드러나는 다중 부분 보컬-심포니 사이클입니다.
작곡가 쇼스타코비치의 교향곡 작품은 다각적입니다. 한편으로는 나라에서 일어나고 있는 일들에 대한 두려움의 영향으로 쓰여진 작품들 중 일부는 명령에 따라 쓰여졌고, 일부는 자신을 보호하기 위해 쓰여졌습니다. 반면에 이것들은 삶과 죽음에 대한 진실되고 깊은 성찰이자 음악의 언어로만 유창하게 말할 수 있었던 작곡가의 개인적인 진술이다. 이것은 14번 교향곡. F. Lorca, G. Apollinaire, W. Kuchelbecker, R. Rilke의 시가 사용된 성악 작품입니다. 교향곡의 주요 주제는 죽음과 인간에 대한 성찰입니다. 그리고 Dmitry Dmitrievich 자신이 초연에서 이것이 음악이자 삶이라고 말했지만 음악 자료 자체는 인간의 비극적 길, 죽음에 대해 이야기합니다. 진실로 작곡가는 여기에서 철학적 성찰의 정점에 이르렀습니다.
쇼스타코비치의 피아노 작품
새로운 스타일 방향 V 피아노 음악 20세기에는 여러 측면에서 낭만주의와 인상주의의 전통을 거부하고 그래픽(때때로 고의적인 건조함) 표현을 배양했으며 때로는 날카로움과 음파를 강조했습니다. 리듬의 명확성이 특히 중요해졌습니다. Prokofiev는 형성에 중요한 역할을했으며 Shostakovich의 특징은 많은 것입니다. 예를 들어, 그는 다양한 음역을 널리 사용하고 대조되는 음파를 비교합니다.
이미 그의 아이들의 작품에서 그는 역사적 사건 (피아노 곡 "군인", "자유의 찬가", "혁명 희생자를 기념하는 장례식 행진")에 반응하려고 노력했습니다.
N. Fedin은 젊은 작곡가의 음악원 시절을 회상하며 다음과 같이 기록합니다.
"그의 음악은 말하고, 수다를 떨며, 때로는 꽤 장난스럽기도 했습니다."
작곡가는 그의 초기 작품 중 일부를 파괴했으며 Fantastic Dances를 제외하고 첫 번째 교향곡 이전에 작성된 작품을 출판하지 않았습니다. "Fantastic Dances"(1926)는 빠르게 인기를 얻었으며 음악 및 교육 레퍼토리에서 확고하게 자리 잡았습니다.
"Preludes" 주기는 새로운 기술과 경로를 찾는 것으로 표시됩니다. 여기의 음악적 언어에는 허식과 고의적인 복잡성이 없습니다. 개인의 개인적 특성 작곡가의 스타일전형적인 러시아 멜로와 밀접하게 얽혀 있습니다.
피아노 소나타 1번(1926)은 원래 "10월"로 불렸으며 관습과 학문주의에 대한 대담한 도전을 나타냅니다. 이 작품은 프로코피예프 피아노 스타일의 영향을 분명히 보여줍니다.
사이클의 성격 피아노 조각반면 10편의 희곡으로 구성된 <격언>(1927)은 친밀감과 그래픽 표현이 특징이다.
첫 번째 소나타와 "격언"에서 Kabalevsky는 "외부 아름다움으로부터의 탈출"을 봅니다.
30년대에는(오페라 "Katerina Izmailova" 이후) 24개의 피아노 전주곡(1932-1933)과 피아노 협주곡 1번(1933)이 등장했습니다. 이 작품에서는 쇼스타코비치의 개별 피아노 스타일의 특징이 형성되었으며 나중에 두 번째 소나타와 5중주와 트리오의 피아노 부분에서 명확하게 확인됩니다.
1950~51년에는 “24개의 전주곡과 푸가” op. 87은 구조상 Bach의 HTC를 나타냅니다. 또한 러시아 작곡가 중 쇼스타코비치 이전에 그러한 사이클을 만든 사람은 없습니다.
두 번째 피아노 소나타(op. 61, 1942)는 L. Nikolaev(피아니스트, 작곡가, 교사)의 죽음을 기념하여 작곡되었으며 그의 기억에 헌정되었습니다. 동시에 그것은 전쟁의 사건을 반영했습니다. 장르뿐 아니라 작품의 극작법에서도 친밀감이 느껴진다.
"아마 쇼스타코비치가 피아노 질감 분야에서 여기만큼 금욕적인 곳은 어디에도 없을 것입니다."(L. Danilevich).
챔버 창의성
작곡가는 15개의 사중주를 만들었습니다. 그는 자신이 인정한 바에 따르면 "특별한 생각이나 감정 없이" 1번 사중주(op. 40, 1938) 작업을 시작했습니다.
그러나 쇼스타코비치의 작품은 그를 사로잡았을 뿐만 아니라, 각 건반마다 하나씩, 24개의 사중주로 구성된 순환을 만드는 아이디어로 성장했습니다. 그러나 인생은이 계획이 실현될 운명이 아니라고 결정했습니다.
전쟁 전 그의 창의성을 완성한 획기적인 작품은 두 대의 바이올린, 비올라, 첼로, 피아노를 위한 5중주(1940)였습니다.
이것은“서정시로 뒤덮인 차분한 반성의 왕국입니다. 여기에는 축제의 재미와 목가적인 이미지가 결합된 고상한 생각, 절제되고 순결하고 명확한 감정의 세계가 있습니다.”(L. Danilevich).
나중에 작곡가는 그의 작품에서 더 이상 그러한 평화를 찾을 수 없었습니다.
따라서 Sollertinsky를 기념하는 트리오는 세상을 떠난 친구의 기억과 끔찍한 전쟁에서 죽은 모든 사람의 생각을 모두 구현합니다.
칸타타-오라토리오 창의성
Shostakovich는 노래와 기타 장르 및 형식, 저널리즘 및 포스터를 널리 사용하는 새로운 유형의 오라토리오를 만들었습니다.
이러한 특징은 "녹색 건설"강화, 즉 산림 보호대 조성과 관련하여 "사건의 뒤를 잇는 뜨거운"창작인 화창하고 밝은 오라토리오 "숲의 노래"에 구현되었습니다. 그 내용은 7부로 공개된다
(“전쟁이 끝났을 때”, “조국을 숲으로 입히자”, “과거의 추억”, “숲을 심는 개척자”, “스탈린그라드가 나아오다”, “미래의 산책”, “영광”).
오라토리오의 스타일에 가까운 것은 가사가 있는 칸타타 "The Sun Shines Over Our Motherland"(1952)입니다. Dolmatovsky.
오라토리오와 칸타타 모두 작곡가 작품의 합창과 교향곡을 통합하는 경향이 있습니다.
같은 시기에 10수의 시가 한 권씩 등장했다. 혼성 합창단세기 전환기의 혁명 시인들의 시구(1951)를 따르지 않은 이 작품은 혁명 서사의 뛰어난 예이다. 주기는 작곡가의 작품 중 첫 번째 작품으로, 기악. 일부 비평가들은 평범한 Dolmatovsky의 말에 따라 만들어졌지만 소련 명명법에서 큰 자리를 차지한 작품이 작곡가가 창의성에 참여하는 데 도움이되었다고 믿습니다. 따라서 Dolmatovsky의 가사를 기반으로 한주기 중 하나가 마치 반대되는 것처럼 14 번째 교향곡 직후에 만들어졌습니다.
영화음악
영화음악은 쇼스타코비치의 작품에서 큰 역할을 한다. 그는 새롭고 알려지지 않은 모든 것에 대한 영원한 열망을 실현하는 이러한 종류의 음악 예술의 선구자 중 한 명입니다. 당시 영화는 여전히 조용했고, 영화음악은 하나의 실험으로 여겨졌다.
영화용 음악을 만들 때 Dmitry Dmitrievich는 실제로 시각적인 내용을 설명하는 것이 아니라 음악이 화면에서 일어나는 일의 깊은 심리적 의미를 드러낼 때 정서적, 심리적 영향을 미치려고 노력했습니다. 또한 영화 작업으로 인해 작곡가는 이전에 알려지지 않은 국가 계층으로 전환하게되었습니다. 민속 예술. 영화 음악은 그의 주요 작품이 연주되지 않을 때 작곡가에게 도움이 되었습니다. 번역이 Pasternak, Akhmatova 및 Mandelstam을 도왔던 것처럼.
쇼스타코비치의 음악이 포함된 일부 영화(이들은 다른 영화였습니다):
<막심의 청년>, <청년 근위대>, <개파리>, <햄릿>, <리어왕> 등
작곡가의 음악적 언어는 종종 확립된 규범과 일치하지 않았으며 그의 개인적인 자질을 크게 반영했습니다. 그는 유머와 재치 있는 말을 중요하게 여기고 재치로 구별되었습니다.
“그의 진지함은 성격의 생동감과 결합되었습니다”(Tyulin).
그러나 Dmitry Dmitrievich의 음악적 언어는 시간이 지남에 따라 점점 더 어두워졌습니다. 그리고 우리가 유머에 관해 이야기한다면, 우리는 그것을 풍자라고 부를 수 있습니다 (도스토옙스키의 소설 "악마"의 영웅 인 Lebyadkin 선장의시에 관한 잡지 "Crocodile"의 텍스트를 기반으로 한 보컬 사이클)
작곡가이자 피아니스트인 쇼스타코비치는 또한 교사(레닌그라드 음악원 교수)였으며, 뛰어난 작곡가, G. Sviridov, K. Karaev, M. Weinberg, B. Tishchenko, G. Ustvolskaya 등을 포함합니다.
그에게는 그의 시야의 폭이 매우 중요했으며, 그는 항상 음악의 외부적인 스펙터클한 측면과 깊은 내면의 감정적 측면 사이의 차이를 느끼고 주목했습니다. 작곡가의 장점은 가장 높은 평가를 받았습니다. 쇼스타코비치는 소련 국가상 최초의 수상자 중 하나였으며 노동의 붉은 깃발 훈장을 받았습니다(당시 극소수 작곡가에게만 수여됨).
그러나 작곡가의 인간적이고 음악적인 운명은 천재의 비극을 보여주는 예이다.
마음에 들었나요? 당신의 기쁨을 세상으로부터 숨기지 말고 공유하세요D. D. Shostakovich의 이름은 전 세계적으로 알려져 있습니다. 그는 20세기 가장 위대한 예술가 중 한 사람이다. 그의 음악은 세계 모든 나라에서 들을 수 있으며, 다양한 국적의 수백만 명의 사람들이 듣고 사랑합니다.
Dmitry Dmitrievich Shostakovich는 1906년 9월 25일 상트페테르부르크에서 태어났습니다. 화학 엔지니어인 그의 아버지는 도량형 본회의소에서 일했습니다. 어머니는 재능 있는 피아니스트였습니다.
아홉 살 때 소년은 피아노를 연주하기 시작했습니다. 1919년 가을, 쇼스타코비치는 페트로그라드 음악원에 입학했습니다. 젊은 작곡가의 졸업 작품은 첫 번째 교향곡이었습니다. 그녀의 엄청난 성공 - 처음에는 소련에서, 그다음에는 외국– 젊고 재능 있는 음악가의 창의적인 길의 시작을 알렸습니다.
쇼스타코비치의 작품은 그의 동시대 시대, 즉 20세기의 위대한 사건들과 분리될 수 없습니다. 엄청난 드라마적 힘과 매혹적인 열정으로 그는 엄청난 사회적 갈등을 포착했다. 그의 음악에는 평화와 전쟁, 빛과 어둠, 인류와 증오의 이미지가 충돌한다.
군 시절 1941~1942년. 폭탄과 포탄의 폭발로 비춰진 레닌그라드의 "철의 밤"에는 일곱 번째 교향곡, 즉 "모든 것을 정복하는 용기의 교향곡"이 나타납니다. 이곳뿐만 아니라 미국, 프랑스, 영국 등 여러 나라에서도 공연됐다. 전쟁 기간 동안 이 작품은 파시스트의 어둠에 대한 빛의 승리, 히틀러 광신자들의 음흉한 거짓말에 대한 진실의 승리에 대한 믿음을 강화했습니다.
전쟁의 시대는 과거의 일이 되어가고 있었습니다. 쇼스타코비치는 <숲의 노래>를 쓴다. 진홍빛 불의 빛은 평화로운 삶의 새로운 날로 대체됩니다. 이 오라토리오의 음악은 이에 대해 이야기합니다. 그리고 합창시, 피아노 전주곡, 푸가, 새로운 사중주, 교향곡이 등장했습니다.
쇼스타코비치의 작품에 반영된 내용에는 새로운 표현 수단이 필요했습니다. 예술적 기술. 그는 이러한 수단과 기술을 발견했습니다. 그의 스타일은 깊은 개인 독창성과 진정한 혁신으로 구별됩니다. 아주 멋진 소련 작곡가누구도 밟지 않은 길을 따라가며 예술을 풍요롭게 하고 그 역량을 확장하는 예술가들에 속합니다.
쇼스타코비치는 수많은 작품을 썼습니다. 그중에는 15개의 교향곡, 오케스트라, 4중주, 트리오 및 기타 실내악 작품이 포함된 피아노, 바이올린 및 첼로 협주곡, 성악 사이클 "유대 민속시에서", Leskov의 이야기 "Mtsensk의 Lady Macbeth"를 바탕으로 한 오페라 "Katerina Izmailova"가 있습니다. ”, 발레 , 오페레타 "Moscow, Cheryomushki". 그는 영화 "The Golden Mountains", "The Counter", "The Great Citizen", "The Man with a Gun", "The Young Guard", "Meeting on the Elbe", "The Gadfly"의 음악을 썼습니다. "Hamlet"등 영화 "Oncoming"의 B. Kornilov 시에 대한 노래 - "아침은 시원함으로 우리를 맞이합니다."
Shostakovich는 또한 활발한 사회 생활과 유익한 교육 활동을 주도했습니다.