재즈 - 19세기 말에 발생한 음악 예술의 한 형태 - 20세기 초 미국, 뉴올리언스에서 아프리카와 유럽 문화의 통합 결과로 널리 퍼졌습니다. 재즈의 기원은 블루스와 기타 아프리카계 미국인 포크 음악이었습니다. 재즈의 음악적 언어의 특징은 초기에 즉흥 연주, 싱코페이트된 리듬에 기반한 폴리리듬, 그리고 리드미컬한 질감(스윙)을 수행하기 위한 고유한 기술 세트가 되었습니다. 재즈 음악가와 작곡가에 의한 새로운 리듬 및 화성 모델의 개발로 인해 재즈의 추가 개발이 발생했습니다. 재즈 서브 재즈는 아방가르드 재즈, 비밥, 클래식 재즈, 쿨, 모달 재즈, 스윙, 스무스 재즈, 소울 재즈, 프리 재즈, 퓨전, 하드 밥 및 기타 여러 가지입니다.
재즈 발전의 역사
Wilex College 재즈 밴드, 텍사스
재즈는 여러 음악 문화와 국가 전통의 결합으로 생겨났습니다. 그것은 원래 아프리카에서 왔습니다. 모든 아프리카 음악은 매우 복잡한 리듬이 특징이며 음악에는 항상 빠른 발을 구르고 박수를 치는 춤이 수반됩니다. 이를 바탕으로 19세기 말에 또 다른 음악 장르인 래그타임이 등장했습니다. 그 후, 블루스의 요소와 결합된 래그타임의 리듬은 재즈라는 새로운 음악적 방향을 일으켰습니다.
블루스는 19세기 말 아프리카의 리듬과 유럽의 화음의 융합으로 시작되었지만, 그 기원은 노예가 아프리카에서 신대륙으로 끌려온 순간부터 찾아야 합니다. 데려온 노예들은 같은 씨족이 아니었고 보통 서로를 이해조차 하지 못했다. 통합의 필요성으로 인해 많은 문화가 통합되었고 결과적으로 아프리카계 미국인의 단일 문화(음악 포함)가 탄생했습니다. 아프리카 음악 문화와 유럽(신세계에서도 심각한 변화를 겪었음)을 혼합하는 과정이 18세기부터 시작되어 19세기에 "프로토 재즈"의 출현으로 이어졌고, 그 후 일반적으로 재즈가 등장했습니다. 받아들인 감각. 재즈의 요람은 미국 남부, 특히 뉴올리언스였습니다.
재즈의 영원한 젊음의 맹세 - 즉흥 연주
스타일의 특징은 재즈 거장들의 독특한 개별 연주입니다. 재즈의 영원한 젊음의 열쇠는 즉흥 연주입니다. 평생을 재즈의 리듬 속에서 살았고 여전히 전설로 남아 있는 뛰어난 연주자의 등장 이후 - 루이 암스트롱, 재즈 공연의 예술은 그 자체로 새로운 비범한 지평을 보았습니다. 보컬 또는 기악 솔로 연주가 전체 공연의 중심이 됩니다. , 재즈의 개념을 완전히 바꾸었습니다. 재즈는 특정한 형태의 연주일 뿐만 아니라 독특한 경쾌한 시대이기도 하다.
뉴올리언스 재즈
New Orleans라는 용어는 일반적으로 1900년에서 1917년 사이에 New Orleans에서 재즈를 연주한 음악가와 약 1917년에서 1920년대까지 시카고에서 연주하고 레코드를 만든 New Orleans 음악가의 스타일을 설명하는 데 사용됩니다. 재즈 역사의 이 시기는 재즈 시대라고도 합니다. 그리고 이 용어는 또한 뉴올리언스 학교 음악가들과 같은 스타일로 재즈를 연주하고자 했던 뉴올리언스 부흥 운동가들이 다른 시대에 연주한 음악을 설명하는 데 사용됩니다.
아프리카계 미국인 민속과 재즈는 엔터테인먼트 장소로 유명한 뉴올리언스의 홍등가인 스토리빌(Storyville)이 개장한 이후로 갈라져 왔습니다. 이곳에서 재미와 재미를 원하는 사람들은 댄스 플로어, 카바레, 버라이어티 쇼, 서커스, 바 및 식당을 제공하는 많은 매혹적인 기회를 기다리고 있었습니다. 그리고 이 기관의 모든 곳에서 음악이 울렸고 새로운 싱코페이트 음악을 마스터한 음악가들은 일자리를 찾을 수 있었습니다. 점차적으로 Storyville의 유흥 시설에서 전문적으로 일하는 음악가의 수가 증가함에 따라 행진 및 거리 금관 악기 밴드의 수가 감소하고 대신에 소위 Storyville 앙상블이 발생하여 음악적 표현이보다 개별화되었습니다. , 금관 악기 연주에 비해. 종종 "콤보 오케스트라"라고 불리는 이 작곡은 클래식 뉴올리언스 재즈 스타일의 창시자가 되었습니다. 1910년과 1917년 사이에 Storyville의 나이트클럽은 재즈를 위한 이상적인 장소가 되었습니다.
1910년과 1917년 사이에 Storyville의 나이트클럽은 재즈를 위한 이상적인 장소가 되었습니다.
20세기 전반기 미국 재즈의 발전
Storyville 폐쇄 후 재즈는 지역 민속 장르에서 전국적인 음악 방향으로 바뀌기 시작하여 미국 북부 및 북동부 지역으로 퍼졌습니다. 그러나 물론 한 엔터테인먼트 분기의 폐쇄 만이 광범위한 배포에 기여할 수 없었습니다. 뉴올리언즈와 함께 세인트루이스, 캔자스시티, 멤피스는 처음부터 재즈 발전에 중요한 역할을 했습니다. Ragtime은 19세기에 Memphis에서 태어나 1890-1903년에 북미 대륙 전역으로 퍼졌습니다.
한편, 지그에서 래그타임에 이르기까지 모든 종류의 아프리카계 미국인 민속의 잡다한 모자이크와 함께 민스트럴 공연은 빠르게 모든 곳으로 퍼져 재즈의 도래를 위한 무대를 마련했습니다. 많은 미래의 재즈 유명인들이 민스트럴 쇼에서 여정을 시작했습니다. Storyville이 문을 닫기 훨씬 전에 New Orleans의 음악가들은 소위 "보드빌" 공연단과 함께 순회 공연을 하고 있었습니다. 1904년부터 Jelly Roll Morton은 텍사스주 플로리다주 앨라배마에서 정기적으로 순회 공연을 펼쳤습니다. 1914년부터 그는 시카고에서 공연하기로 계약했다. 1915년 그는 시카고와 톰 브라운의 화이트 딕시랜드 오케스트라로 옮겼다. 시카고의 주요 보드빌 투어는 뉴올리언스의 코넷 연주자 프레디 케퍼드가 이끄는 유명한 크리올 밴드도 진행했습니다. 한때 올림피아 밴드에서 탈퇴한 프레디 케파드의 예술가들은 이미 1914년에 시카고 최고의 극장에서 성공적으로 공연을 했으며 원래 딕시랜드 재즈 밴드 이전에도 그들의 공연을 녹음하라는 제안을 받았지만 프레디 케퍼드가 근시안적으로 거절당함. 미시시피를 항해하는 유람선에서 연주하는 오케스트라, 재즈의 영향으로 덮인 영역을 크게 확장했습니다.
19세기 말부터 뉴올리언스에서 세인트폴로 가는 강 여행은 처음에는 주말에, 나중에는 일주일 내내 인기를 얻었습니다. 1900년 이래로 뉴올리언스 오케스트라는 이 강 보트에서 공연을 했으며, 그 음악은 강 여행을 하는 승객에게 가장 매력적인 엔터테인먼트가 되었습니다. 이 오케스트라 중 하나에서 루이 암스트롱의 미래 아내인 슈거 조니(Suger Johnny), 최초의 재즈 피아니스트 릴 하딘(Lil Hardin)이 시작되었습니다. 또 다른 피아니스트인 Faiths Marable의 리버보트 밴드에는 미래의 뉴올리언스 재즈 스타가 많이 등장했습니다.
강을 따라 이동하는 증기선은 종종 오케스트라가 지역 대중을 위한 콘서트를 마련하는 지나가는 역에 정차했습니다. Bix Beiderbeck, Jess Stacy 및 기타 많은 사람들에게 창의적인 데뷔를 한 것은 이 콘서트였습니다. 또 다른 유명한 경로는 미주리를 따라 캔자스 시티까지 달렸습니다. 아프리카계 미국인 민속의 강한 뿌리 덕분에 블루스가 발전하고 마침내 형태를 갖추게 된 이 도시에서 뉴올리언스 재즈맨의 거장 연주는 예외적으로 비옥한 환경을 발견했습니다. 1920년대 초, 시카고는 재즈 음악 발전의 중심지가 되었으며, 미국 각지에서 모인 많은 음악가들의 노력으로 시카고 재즈라는 별명을 가진 스타일이 탄생했습니다.
빅 밴드
클래식하고 확립된 형태의 빅 밴드는 1920년대 초부터 재즈에서 알려졌습니다. 이 형식은 1940년대 말까지 관련성을 유지했습니다. 대부분의 빅 밴드에 들어간 음악가들은 일반적으로 거의 10대에 리허설이나 음표에서 배운 매우 명확한 역할을 했습니다. 방대한 금관악기 및 목관악기 섹션과 함께 신중한 오케스트레이션은 풍부한 재즈 하모니를 생성하고 "빅 밴드 사운드"로 알려진 감각적으로 큰 사운드를 생성했습니다.
빅 밴드는 당시의 대중 음악이 되었고 1930년대 중반에 절정에 이르렀습니다. 이 음악은 스윙 댄스 열풍의 근원이 되었습니다. 유명한 재즈 밴드인 Duke Ellington, Benny Goodman, Count Basie, Artie Shaw, Chick Webb, Glenn Miller, Tommy Dorsey, Jimmy Lunsford, Charlie Barnet을 작곡 또는 편곡하고 레코드에 녹음한 진정한 히트 퍼레이드는 라디오뿐만 아니라 댄스 홀의 모든 곳에서. 많은 빅 밴드는 "오케스트라의 전투"로 잘 알려진 "오케스트라의 전투" 동안 청중을 히스테리에 가까운 상태로 만든 솔로 즉흥 연주를 보여주었습니다.
많은 빅 밴드는 청중을 히스테리에 가까운 상태로 데려온 솔로 즉흥 연주자를 시연했습니다.
빅 밴드는 2차 세계 대전 이후 인기가 떨어졌지만 Basie, Ellington, Woody Herman, Stan Kenton, Harry James 및 기타 많은 사람들이 이끄는 오케스트라는 향후 수십 년 동안 자주 순회 공연을 하고 녹음했습니다. 그들의 음악은 새로운 트렌드의 영향으로 점차 변형되었습니다. Boyd Ryburn, Sun Ra, Oliver Nelson, Charles Mingus, Thad Jones-Mal Lewis가 이끄는 앙상블과 같은 그룹은 조화, 악기 연주 및 즉흥적 자유의 새로운 개념을 탐구했습니다. 오늘날 빅 밴드는 재즈 교육의 표준입니다. Lincoln Center Jazz Orchestra, Carnegie Hall Jazz Orchestra, Smithsonian Jazz Masterpiece Orchestra, Chicago Jazz Ensemble과 같은 레퍼토리 오케스트라는 정기적으로 빅 밴드 작곡의 독창적인 편곡을 연주합니다.
노스이스턴 재즈
재즈의 역사는 20세기의 도래와 함께 뉴올리언스에서 시작되었지만, 이 음악은 1920년대 초 트럼펫 연주자 루이 암스트롱이 뉴올리언스를 떠나 시카고에서 새로운 혁명적 음악을 창조했을 때 진정한 상승을 경험했습니다. 얼마 지나지 않아 시작된 New Orleans 재즈 마스터의 뉴욕 이주는 재즈 뮤지션이 남쪽에서 북쪽으로 계속 이동하는 추세를 나타냅니다.
루이스 암스트롱
Chicago는 New Orleans 음악을 수용하고 뜨겁게 만들었습니다. Armstrong의 유명한 Hot Five 및 Hot Seven 앙상블뿐만 아니라 Eddie Condon과 Jimmy McPartland와 같은 앙상블을 포함하여 오스틴 고등학교 크루가 New Orleans를 되살리는 데 도움을 준 다른 사람들도 포함하여 인기를 얻었습니다. 학교. 클래식 뉴올리언스 재즈의 경계를 넓힌 다른 주목할만한 시카고인으로는 피아니스트 Art Hodes, 드러머 Barrett Deems, 클라리넷 연주자 Benny Goodman이 있습니다. 결국 뉴욕으로 이사한 암스트롱과 굿맨은 이 도시가 세계의 진정한 재즈 수도로 변모하는 데 도움이 되는 일종의 임계 집단을 그곳에서 만들었습니다. 그리고 시카고는 20세기 1/4분기에 주로 사운드 녹음의 중심지로 남아 있었지만, 뉴욕은 Minton Playhouse, Cotton Club, Savoy 및 Village Vengeward와 같은 전설적인 클럽을 주최하는 최고의 재즈 공연장으로 부상했습니다. 카네기 홀과 같은 경기장.
캔자스시티 스타일
대공황과 금주법 시대에 캔자스시티 재즈 씬은 1920년대 후반과 1930년대의 새로운 사운드의 메카가 되었습니다. 캔자스시티에서 번성한 스타일은 블루스가 가미된 소울풀한 곡이 특징이며, 빅 밴드와 소규모 스윙 앙상블이 연주하고 불법적으로 판매되는 주류를 판매하는 선술집의 고객을 위해 연주하는 매우 활기찬 솔로를 보여줍니다. 캔자스시티에서 Walter Page의 오케스트라와 나중에 Benny Moten과 함께 시작하여 위대한 Count Basie의 스타일이 결정화된 것은 이 술집에서였습니다. 이 두 오케스트라는 모두 "어번 블루스"라고 불리는 독특한 형태의 블루스를 기반으로 하고 위의 오케스트라 연주에서 형성된 캔자스시티 스타일의 전형적인 대표자였습니다. 캔자스시티의 재즈 씬은 또한 보컬 블루스의 뛰어난 거장들로 이루어진 은하계 전체로 구별되며, 그 중 유명한 블루스 가수 Jimmy Rushing과 Count Basie Orchestra의 오랜 독주자로 인정받은 "왕"이 있습니다. 캔자스시티에서 태어난 유명한 알토 색소폰 연주자 찰리 파커(Charlie Parker)는 뉴욕에 도착한 후 캔자스시티 오케스트라에서 배운 독특한 블루스 "칩"을 광범위하게 사용하여 이후 보퍼 실험의 출발점 중 하나가 되었습니다. 1940년대.
웨스트 코스트 재즈
1950년대 쿨 재즈 운동에 사로잡힌 아티스트들은 로스앤젤레스 녹음 스튜디오에서 광범위하게 작업했습니다. Miles Davis의 영향을 크게 받은 이 로스앤젤레스 기반 연주자들은 현재 West Coast Jazz로 알려진 음악을 개발했습니다. West Coast 재즈는 그 이전의 격렬한 비밥보다 훨씬 부드러웠다. 대부분의 웨스트 코스트 재즈는 아주 자세하게 쓰여져 있습니다. 이 작곡에서 자주 사용되는 대위법 라인은 재즈에 침투한 유럽의 영향의 일부인 것 같았습니다. 그러나 이 음악은 긴 선형 솔로 즉흥 연주를 위한 많은 공간을 남겼습니다. West Coast Jazz는 주로 녹음 스튜디오에서 연주되었지만 Hermosa Beach의 Lighthouse와 Los Angeles의 Haig와 같은 클럽에는 종종 트럼펫 연주자 Shorty Rogers, 색소폰 연주자 Art Pepper와 Bud Shenk, 드러머 Shelley Mann, 클라리넷 연주자 Jimmy Giuffrey가 포함된 마스터가 등장했습니다. .
재즈의 확산
재즈는 국적을 불문하고 전 세계의 음악가와 청취자들에게 항상 관심을 불러일으켰습니다. 트럼펫 연주자 Dizzy Gillespie의 초기 작업과 1940년대 이후의 흑인 쿠바 음악과 재즈 전통의 융합, 피아니스트 Dave Brubeck의 작품으로 알려진 일본, 유라시아 및 중동 음악과 재즈의 결합을 추적하는 것으로 충분합니다. , 뿐만 아니라 재즈의 뛰어난 작곡가이자 리더인 Duke Ellington Orchestra는 아프리카, 라틴 아메리카 및 극동의 음악적 유산을 결합했습니다.
데이브 브루벡
재즈는 서양 음악 전통뿐만 아니라 끊임없이 흡수했습니다. 예를 들어, 다른 예술가들이 인도의 음악적 요소로 작업하기 시작했을 때. 이러한 노력의 예는 타지마할에서 녹음한 플루트 연주자 폴 혼(Paul Horn)이나 오리건 밴드나 존 맥로플린(John McLaughlin)의 샤크티(Shakti) 프로젝트로 대표되는 "세계 음악"의 흐름에서 들을 수 있습니다. 이전에 주로 재즈에 기반을 둔 McLaughlin의 음악은 Shakti와 함께 작업하는 동안 khatam 또는 tabla와 같은 인도 기원의 새로운 악기를 사용하기 시작했으며 복잡한 리듬이 울리고 인도 라가 형식이 널리 사용되었습니다.
세계의 세계화가 계속됨에 따라 재즈는 끊임없이 다른 음악 전통의 영향을 받습니다.
The Art Ensemble of Chicago는 아프리카와 재즈 형식의 융합에서 초기 개척자였습니다. 후에 세계는 색소폰 연주자이자 작곡가인 John Zorn과 그의 유대 음악 문화 탐구를 마사다 오케스트라 안팎에서 알게 되었습니다. 이 작품은 아프리카 음악가 Salif Keita, 기타리스트 Marc Ribot 및 베이시스트 Anthony Coleman과 녹음한 키보디스트 John Medeski와 같은 다른 재즈 음악가의 전체 그룹에 영감을 주었습니다. 트럼펫 연주자 데이브 더글라스(Dave Douglas)는 발칸 반도의 영감을 그의 음악에 도입했으며, 아시아계 미국인 재즈 오케스트라는 재즈와 아시아 음악 형식의 융합을 주도하는 지지자로 떠올랐습니다. 세계의 세계화가 계속됨에 따라 재즈는 끊임없이 다른 음악적 전통의 영향을 받아 미래 연구를 위한 성숙한 양식을 제공하고 재즈가 진정한 세계 음악임을 증명하고 있습니다.
소련과 러시아의 재즈
Valentin Parnakh의 RSFSR 재즈 밴드의 첫 번째
재즈 씬은 1920년대 소련에서 시작되었으며 동시에 미국에서 전성기를 맞이했습니다. 소비에트 러시아 최초의 재즈 오케스트라는 1922년 모스크바에서 시인, 번역가, 무용가, 연극인인 Valentin Parnakh에 의해 창설되었으며 "RSFSR에서 Valentin Parnakh의 First Eccentric Jazz Band Orchestra"로 불렸습니다. 러시아 재즈의 생일은 전통적으로 이 그룹의 첫 콘서트가 열린 1922년 10월 1일로 간주됩니다. 피아니스트이자 작곡가인 Alexander Tsfasman(모스크바)의 오케스트라는 방송에서 연주하고 디스크를 녹음한 최초의 전문 재즈 앙상블로 간주됩니다.
유행하는 춤을 전문으로 하는 초기 소비에트 재즈 밴드(폭스트롯, 찰스턴). 대중 의식에서 재즈는 배우이자 가수인 Leonid Utesov와 트럼펫 연주자 Ya. B. Skomorovsky가 이끄는 Leningrad 앙상블 덕분에 30년대에 널리 인기를 얻기 시작했습니다. 그의 참여로 인기있는 코미디 영화 "Merry Fellows"(1934)는 재즈 음악가의 역사에 전념했으며 해당 사운드 트랙 (Isaac Dunayevsky가 작성)이 있습니다. Utyosov와 Skomorovsky는 음악과 극장, 오페레타, 보컬 번호 및 공연 요소가 큰 역할을 한 혼합을 기반으로 "차 재즈"(연극 재즈)의 원래 스타일을 형성했습니다. 소련 재즈의 발전에 주목할만한 공헌은 작곡가이자 음악가이자 오케스트라의 리더인 Eddie Rosner에 의해 이루어졌습니다. 독일, 폴란드 및 기타 유럽 국가에서 경력을 시작한 Rozner는 소련으로 이주하여 소련 스윙의 선구자 중 한 명이자 벨로루시 재즈의 창시자가 되었습니다.
대중의식 속에서 재즈는 1930년대 소련에서 널리 보급되기 시작했습니다.
재즈에 대한 소련 당국의 태도는 모호했습니다. 일반적으로 국내 재즈 연주자는 금지되지 않았지만 일반적으로 서구 문화에 대한 비판의 맥락에서 재즈에 대한 가혹한 비판이 널리 퍼졌습니다. 1940년대 후반, 코스모폴리타니즘에 대항하는 투쟁 동안 소련의 재즈는 "서양" 음악을 연주하는 그룹이 박해를 받는 특히 어려운 시기를 겪었습니다. '해동'이 시작되면서 음악가에 대한 탄압은 중단됐지만 비판은 계속됐다. 역사 및 미국 문화 교수인 Penny Van Eschen의 연구에 따르면, 미국 국무부는 소련과 제3세계 국가에서 소련의 영향력 확대에 대항하여 이념적 무기로 재즈를 사용하려고 했습니다. 50년대와 60년대. 모스크바에서는 Eddie Rozner와 Oleg Lundstrem의 오케스트라가 활동을 재개했으며 Iosif Weinstein(Leningrad)과 Vadim Ludvikovsky(모스크바)의 오케스트라와 Riga Variety Orchestra(REO)의 오케스트라가 눈에 띄는 새로운 작곡이 등장했습니다.
빅 밴드는 재능 있는 편곡가와 솔로 즉흥 연주자로 이루어진 은하계 전체를 키웠으며, 이들의 작업은 소비에트 재즈를 질적으로 새로운 수준으로 끌어올리고 세계 표준에 더 가깝게 만들었습니다. 그들 중에는 Georgy Garanyan, Boris Frumkin, Alexei Zubov, Vitaly Dolgov, Igor Kantyukov, Nikolai Kapustin, Boris Matveev, Konstantin Nosov, Boris Rychkov, Konstantin Bakholdin이 있습니다. 다양한 스타일의 실내악 및 클럽 재즈 개발 시작(Vyacheslav Ganelin, David Goloshchekin, Gennady Golshtein, Nikolai Gromin, Vladimir Danilin, Alexei Kozlov, Roman Kunsman, Nikolai Levinovsky, German Lukyanov, Alexander Pishchikov, Alexei Kuznetsov, Viktor Fridman , Andrey Tovmasyan, Igor Bril, Leonid Chizhik 등)
재즈 클럽 "블루 버드"
위의 소비에트 재즈 마스터 중 많은 사람들이 1964년부터 2009년까지 존재한 전설적인 모스크바 재즈 클럽 "Blue Bird" 무대에서 창의적인 경력을 시작하여 현대 러시아 재즈 스타(Alexander와 Dmitry Bril, Anna Buturlina, Yakov Okun, Roman Miroshnichenko 등). 70년대에는 1986년까지 존재했던 피아니스트 Vyacheslav Ganelin, 드러머 Vladimir Tarasov, 색소폰 연주자 Vladimir Chekasin으로 구성된 재즈 트리오 "Ganelin-Tarasov-Chekasin"(GTC)이 널리 인기를 얻었습니다. 70-80년대에는 아제르바이잔의 재즈 4중주 "Gaya", 조지아 보컬 및 기악 앙상블 "Orera" 및 "Jazz-Khoral"도 알려졌습니다.
90년대 재즈에 대한 관심이 쇠퇴한 후 청년 문화에서 다시 인기를 얻기 시작했다. 재즈 음악 축제는 Usadba Jazz와 Jazz in Hermitage Garden과 같은 모스크바에서 매년 개최됩니다. 모스크바에서 가장 인기 있는 재즈 클럽 장소는 세계적으로 유명한 재즈 및 블루스 연주자를 초청하는 작곡가 연합 재즈 클럽입니다.
현대 세계의 재즈
현대 음악 세계는 여행을 통해 배우는 기후와 지리만큼이나 다양합니다. 그러나 오늘날 우리는 점점 더 많은 수의 세계 문화가 혼합되는 것을 목격하고 있으며 본질적으로 이미 "월드 뮤직"(월드 뮤직)이 되어가고 있는 것에 끊임없이 우리를 다가가고 있습니다. 오늘날의 재즈는 전 세계 거의 모든 곳에서 스며드는 소리의 영향을 받지 않을 수 없습니다. 고전적인 배음이 있는 유럽의 실험주의는 색소폰 연주자 Mats Gustafsson, Evan Parker 및 Peter Brotzmann과 같은 유명한 동시대의 작업으로 유명한 냉담한 전위 색소폰 연주자인 Ken Vandermark와 같은 젊은 개척자의 음악에 계속 영향을 미치고 있습니다. 계속해서 자신의 정체성을 찾는 전통적인 젊은 음악가로는 피아니스트 Jackie Terrasson, Benny Green과 Braid Meldoa, 색소폰 연주자 Joshua Redman과 David Sanchez, 드러머 Jeff Watts와 Billy Stewart가 있습니다.
오래된 전통의 소리는 트럼펫 연주자 Wynton Marsalis와 같은 아티스트에 의해 빠르게 계승되고 있습니다. 그는 자신의 소규모 밴드와 그가 이끄는 Lincoln Center Jazz Band의 보조 팀과 함께 작업합니다. 그의 후원 아래 피아니스트 Marcus Roberts와 Eric Reed, 색소폰 연주자 Wes "Warmdaddy" Anderson, 트럼펫 연주자 Markus Printup, 비브라폰 연주자 Stefan Harris는 훌륭한 음악가로 성장했습니다. 베이시스트 Dave Holland는 또한 젊은 재능의 위대한 발견자입니다. 그의 많은 발견 중에는 색소폰 연주자/M 베이스 연주자 스티브 콜먼, 색소폰 연주자 스티브 윌슨, 비브라폰 연주자 스티브 넬슨, 드러머 빌리 킬슨과 같은 예술가들이 있습니다. 젊은 재능의 다른 훌륭한 멘토로는 피아니스트 Chick Corea와 고인이 된 드러머 Elvin Jones와 가수 Betty Carter가 있습니다. 재능을 개발하는 방법과 표현 수단이 오늘날 장려되고 있는 다양한 재즈 장르의 결합된 노력으로 인해 예측할 수 없기 때문에 재즈의 추가 발전 가능성은 현재 상당히 큽니다.
재즈는 특히 미국에서 인기를 얻은 특정 종류의 음악입니다. 처음에는 재즈가 미국 흑인 시민의 음악이었지만 나중에 이 방향은 여러 국가에서 발전한 완전히 다른 음악 스타일을 흡수했습니다. 우리는 이 발전에 대해 이야기할 것입니다.
재즈의 가장 중요한 특징은 원래나 지금이나 리듬입니다. 재즈 멜로디는 아프리카 음악과 유럽 음악의 요소를 결합합니다. 그러나 재즈는 유럽의 영향으로 조화를 얻었습니다. 오늘날까지 재즈의 두 번째 기본 요소는 즉흥 연주입니다. 재즈는 종종 사전 준비된 멜로디 없이 연주되었습니다. 음악가는 게임 중에만 그의 영감에 굴복하여 한 방향 또는 다른 방향을 선택했습니다. 그래서 리스너들의 눈앞에서 음악가의 연주 중에 음악이 탄생했다.
수년에 걸쳐 재즈는 변경되었지만 여전히 기본 기능을 유지 관리했습니다. 이 방향에 대한 귀중한 공헌은 악명 높은 "블루스" - 흑인의 특징이기도 한 여운이 남는 멜로디에 의해 이루어졌습니다. 현재 대부분의 블루스 멜로디는 재즈 방향의 필수적인 부분입니다. 사실, 블루스는 재즈뿐만 아니라 로큰롤, 컨트리 및 웨스턴에서도 블루스 모티프를 사용하는 특별한 영향을 미쳤습니다.
재즈라고 하면 미국의 도시인 뉴올리언스를 언급할 필요가 있습니다. 뉴올리언스 재즈라고 불리는 Dixieland는 처음으로 블루스 모티프, 흑인 교회 노래, 유럽 민속 음악의 요소를 결합했습니다.
나중에 스윙 ( "빅 밴드"스타일의 재즈라고도 함)이 등장하여 광범위한 개발을 받았습니다. 1940년대와 1950년대에는 초기 재즈보다 멜로디와 하모니의 복잡한 상호 작용인 "모던 재즈"가 인기를 얻었습니다. 리듬에 대한 새로운 접근 방식이 있습니다. 음악가들은 다른 리듬을 사용하여 새로운 작품을 만들려고 했기 때문에 드럼 연주 기술이 더 복잡해졌습니다.
재즈의 "뉴 웨이브"는 60년대에 세계를 휩쓸었습니다. 이는 위에서 언급한 동일한 즉흥 연주의 재즈로 간주됩니다. 오케스트라는 공연을 하러 나갈 때 어떤 방향으로 어떤 리듬으로 연주할지 짐작할 수 없었고, 연주의 템포와 속도가 언제 바뀔지 재즈 연주자 중 누구도 미리 알지 못했습니다. 그리고 음악가의 그러한 행동이 음악이 견딜 수 없다는 것을 의미하지는 않습니다. 반대로 이미 존재하는 멜로디의 연주에 대한 새로운 접근 방식이 나타났습니다. 재즈의 발전에 따라 끊임없이 변화하는 음악임을 알 수 있지만, 세월이 흘러도 그 토대를 잃지 않고 있다.
요약하자면:
- 처음에 재즈는 흑인 음악이었습니다.
- 모든 재즈 멜로디의 두 가지 가정: 리듬과 즉흥 연주;
- 블루스 - 재즈 발전에 큰 공헌을 했습니다.
- 뉴올리언스 재즈(Dixieland)는 블루스, 교회 노래 및 유럽 민속 음악을 결합했습니다.
- 스윙 - 재즈의 방향;
- 재즈의 발달과 함께 리듬은 더욱 복잡해졌으며 60년대 재즈 오케스트라는 다시 연주에서 즉흥 연주에 탐닉했습니다.
크리스토퍼 콜럼버스(Christopher Columbus)가 신대륙을 발견하고 유럽인들이 그곳에 정착한 후, 인간 무역상들의 배들은 점점 더 아메리카 해안을 따라갔습니다.
고된 노동, 향수병, 경비원의 잔인한 대우로 지친 노예들은 음악에서 위안을 찾았습니다. 점차 미국인과 유럽인은 특이한 멜로디와 리듬에 관심을 갖게 되었습니다. 재즈는 이렇게 탄생했다. 재즈 란 무엇이며 그 기능은 무엇인지이 기사에서 고려할 것입니다.
음악적 연출의 특징
재즈는 즉흥 연주(스윙)와 특별한 리드미컬한 구성(실신)을 기반으로 하는 아프리카계 미국인 음악을 말합니다. 한 사람이 작곡하고 다른 한 사람이 연주하는 다른 영역과 달리 재즈 뮤지션도 작곡가입니다.
선율은 저절로 만들어지며 작사, 연주는 최소한의 시간으로 구분된다. 재즈는 이렇게 탄생합니다. 오케스트라? 이것은 음악가가 서로 적응하는 능력입니다. 동시에 모두가 자신의 즉흥 연주를 합니다.
즉흥 작곡의 결과는 음악 표기법으로 저장됩니다(T. Cowler, G. Arlen "Happy all day long", D. Ellington "Don't you know what I love?" 등).
시간이 지남에 따라 아프리카 음악은 유럽 음악과 합성되었습니다. 가소성, 리듬, 선율, 소리의 조화(CHEATHAM Doc, Blues In My Heart, CARTER James, Centerpiece 등)를 결합한 멜로디가 등장했습니다.
지도
재즈에는 30가지 이상의 방향이 있습니다. 그 중 몇 가지를 살펴보겠습니다.
1. 블루스. 영어로 번역 된이 단어는 "슬픔", "우울함"을 의미합니다. Blues는 원래 아프리카 계 미국인의 솔로 가사 노래였습니다. 재즈 블루스는 3행 운문 형식에 해당하는 12마디 기간입니다. 블루스 작곡은 느린 속도로 수행되며 텍스트에서 일부 절제된 표현을 추적할 수 있습니다. 블루스 - Gertrude Ma Rainey, Bessie Smith 및 기타.
2. 래그타임. 스타일 이름의 직역은 깨진 시간입니다. 음악 용어에서 "reg"는 소절의 박자 사이에 추가되는 소리를 나타냅니다. 해외에서 F. Schubert, F. Chopin, F. Liszt의 작품에 도취되어 미국에서 방향이 나타났습니다. 유럽 작곡가의 음악은 재즈 스타일로 연주되었습니다. 나중에 원래 작곡이 나타났습니다. Ragtime은 S. Joplin, D. Scott, D. Lamb 등의 작업의 특징입니다.
3. 부기우기. 스타일은 지난 세기 초에 나타났습니다. 저렴한 카페 주인들은 재즈를 연주할 음악가를 필요로 했습니다. 반주라는 것은 물론 오케스트라의 존재가 필요하지만 많은 수의 음악가를 초청하는 데는 비용이 많이 들었다. 다른 악기의 소리는 피아니스트에 의해 보상되어 수많은 리드미컬한 작곡을 만들었습니다. 부기 기능:
- 즉흥 연주;
- 거장 기술;
- 특별 반주: 왼손은 모터 ostinant 구성을 수행하고 저음과 멜로디 사이의 간격은 2 또는 3 옥타브입니다.
- 연속 리듬;
- 페달 제외.
Boogie-woogie는 Romeo Nelson, Arthur Montana Taylor, Charles Avery 등이 연기했습니다.
스타일 레전드
재즈는 전 세계 많은 국가에서 인기가 있습니다. 도처에 팬들의 군대에 둘러싸인 스타가 있지만 일부 이름은 실제 전설이되었습니다. 그들은 널리 알려져 있고 사랑 받고 있으며, 특히 루이 암스트롱이 그러한 음악가입니다.
Louis가 교정 수용소에 가지 않았다면 가난한 흑인 거주 소년의 운명이 어떻게 되었을지는 알 수 없습니다. 여기에서 미래의 스타는 브라스 밴드에서 녹음되었지만 팀은 재즈를 연주하지 않았습니다. 그리고 그것이 어떻게 수행되는지, 그 청년은 훨씬 나중에 발견했습니다. 암스트롱은 근면과 인내 덕분에 세계적인 명성을 얻었습니다.
Billie Holiday(본명 Eleanor Fagan)는 재즈 노래의 창시자로 간주됩니다. 가수는 지난 세기의 50 년대에 나이트 클럽의 장면을 무대로 바꿨을 때 인기의 절정에 도달했습니다.
세 옥타브 범위의 소유자인 Ella Fitzgerald에게 삶은 쉽지 않았습니다. 그녀의 어머니가 사망 한 후, 그 소녀는 집을 떠나 너무 좋지 않은 생활 방식을 이끌었습니다. 가수 경력의 시작은 아마추어 나이츠 음악 대회에서의 공연이었습니다.
조지 거쉰은 세계적으로 유명합니다. 작곡가는 클래식 음악을 기반으로 재즈 작품을 만들었습니다. 예상치 못한 퍼포먼스 방식은 청취자들과 동료들을 사로잡았습니다. 콘서트에는 항상 박수가 함께했습니다. D. Gershwin의 가장 유명한 작품은 "Rhapsody in Blues"(Fred Grof와 공동 저술), 오페라 "Porgy and Bess", "An American in Paris"입니다.
또한 인기 있는 재즈 연주자는 Janis Joplin, Ray Charles, Sarah Vaughn, Miles Davis 및 기타 사람들이었습니다.
소련의 재즈
소비에트 연방에서 이러한 음악적 경향의 출현은 시인, 번역가 및 극장 관객인 Valentin Parnakh의 이름과 관련이 있습니다. 거장이 이끄는 재즈 밴드의 첫 번째 콘서트는 1922년에 열렸습니다. 나중에 A. Tsfasman, L. Utyosov, Y. Skomorovsky는 기악 연주와 오페레타를 결합하여 연극 재즈의 방향을 형성했습니다. E. Rozner와 O. Lundstrem은 재즈 음악을 대중화하는 데 많은 노력을 기울였습니다.
지난 세기의 40년대에 재즈는 부르주아 문화의 현상으로 널리 비판받았다. 1950년대와 1960년대에는 공연자에 대한 공격이 중단되었습니다. 재즈 앙상블은 RSFSR과 다른 연합 공화국에서 만들어졌습니다.
오늘날 재즈는 콘서트장과 클럽에서 방해받지 않고 연주됩니다.
재즈는 리듬과 멜로디의 결합이 특징인 음악의 한 방향이다. 재즈의 또 다른 특징은 즉흥 연주입니다. 음악적 방향은 특이한 소리와 완전히 다른 여러 문화의 조합으로 인해 인기를 얻었습니다.
재즈의 역사는 20세기 초 미국에서 시작되었습니다. 뉴올리언스에서는 전통 재즈가 형성되었습니다. 그 후, 다른 많은 도시에서 새로운 종류의 재즈가 등장하기 시작했습니다. 다양한 스타일의 다양한 사운드에도 불구하고 재즈 음악은 그 특징으로 인해 다른 장르와 즉시 구별될 수 있습니다.
즉흥 연주
음악 즉흥 연주는 모든 종류에 존재하는 재즈의 주요 특징 중 하나입니다. 연주자는 즉흥적으로 음악을 만들고, 미리 생각하지 않고, 리허설하지 않습니다. 재즈 연주와 즉흥 연주에는 이 음악 제작 영역에 대한 경험과 기술이 필요합니다. 또한 재즈 연주자는 리듬과 음조를 기억해야 합니다. 그룹 내 음악가 간의 관계는 그다지 중요하지 않습니다. 결과 멜로디의 성공은 서로의 기분을 이해하는 데 달려 있기 때문입니다.
재즈의 즉흥 연주를 통해 매번 새로운 것을 만들 수 있습니다. 음악의 소리는 게임 당시의 음악가의 열정에 달려 있습니다.
연주에 즉흥 연주가 없으면 더 이상 재즈가 아니라고 말할 수 없습니다. 이러한 유형의 음악 제작은 아프리카 사람들의 재즈로 이어졌습니다. 아프리카인들은 음표와 리허설에 대해 전혀 몰랐기 때문에 멜로디와 주제를 암기하는 것만으로 음악이 서로 전달되었습니다. 그리고 각각의 새로운 음악가는 이미 같은 음악을 새로운 방식으로 연주할 수 있었습니다.
리듬과 멜로디
재즈 스타일의 두 번째 중요한 특징은 리듬입니다. 음악가는 일정한 맥동이 생동감, 놀이, 흥분의 효과를 생성하므로 자발적으로 소리를 생성할 수 있는 능력이 있습니다. 또한 리듬은 즉흥 연주를 제한하여 주어진 리듬에 따라 소리를 추출해야 합니다.
즉흥 연주와 마찬가지로 리듬은 아프리카 문화에서 재즈에 왔습니다. 그러나 음악적 흐름의 주된 특징은 바로 이 특징이다. 프리 재즈의 첫 번째 연주자들은 음악을 만드는 데 있어 절대적으로 자유롭기 위해 리듬을 완전히 포기했습니다. 이 때문에 재즈의 새로운 방향성은 오랫동안 인정받지 못했다. 리듬은 타악기로 제공됩니다.
유럽 문화에서 재즈는 음악의 선율을 계승했습니다. 리듬과 즉흥 연주와 조화롭고 부드러운 음악이 결합되어 재즈에 색다른 사운드를 선사합니다.
재즈는 무엇보다도 즉흥 연주, 삶, 단어, 진화입니다. 진정한 재즈는 Storyville 바의 피아니스트 또는 시카고 외곽의 조용한 장소에서 연주하는 음악가 그룹의 손에서 나오는 미시시피 주에 살고 있습니다.
실제 출생지
재즈의 역사는 음악에서 가장 독창적인 이야기 중 하나입니다. 그의 성격과 스타일, 그의 강한 성격 특성은 매우 매력적이지만 일부 경향은 청취자의 입장에서 고도의 준비를 요구합니다. 미국 밴드 리더인 John Philip Sousa가 말했듯이 재즈는 머리가 아니라 발로 들어야 합니다.그러나 그것은 30년대에 New Orleans의 재즈 밴드 - Buddy Bolden - 또는 시카고의 불법 바에서 Austin High의 남자들과 함께였습니다. 그들은 춤을 추기 위해 음악을 연주했습니다.
그러나 1940년대부터 대중은 발 대신 머리로 재즈를 듣기 시작했다. 지성, 쿨, 자유로움으로 청중을 매료시키려는 새로운 형태의 사운드가 등장하지만, 소우자의 나쁜 발언과 공격에도 불구하고 청중은 재즈를 더욱 열광적으로 받아들인다. 그 엄청난 생명력의 비결은 무엇입니까?
아프리카 계 미국인 음악과 같이 재즈에 대해 이야기하면 할 말이 많지 않습니다.
이것은 현재 만들어지는 개인의 자발적인 표현의 형태 중 하나입니다.이것은 즉흥 연주, 자유, 항의의 노래 및 주변화입니다.재즈의 뿌리는 작업할 때 남미, 북미 주에서 흑인 노예로 간주되어야 합니다. 면화 재배지에서 첫 번째 씨앗과 새싹이 싹이 트고 서양 음악 역사상 마지막 대중 장르의 첫 번째 곡과 선율이 여기에 내려졌습니다. 19세기 후반과 20세기 초반에 뉴올리언스의 블랙 카페에서 되살아나기 시작한 일종의 도시적 표현.
통계에 따르면 아프리카 노예 시장은 약 1,500만 명이었습니다. 남성, 여성 및 어린이는 세계의 다른 지역에서 판매됩니다. 이 사람들의 대부분은 미국에서 끝났습니다. 목화 농장과 담배 밭에는 많은 노동이 필요했습니다. 흑인 아프리카인은 강했고 적은 임금, 음식, 거처를 위해 일했습니다. 게다가 그들에게는 고향 아프리카의 잊을 수 없는 노래와 춤에 대한 기억밖에 없었습니다. 따라서 음악은 노예 생활의 중심이며 노예의 모든 고난과 고통을 극복하는 데 도움이됩니다. 이것은 슬레이브 리듬과 멜로디의 주요 수하물입니다.
종교적 신념이 강한 흑인 아프리카인들은 기독교를 쉽게 받아들였습니다. 그러나 노래와 춤으로 종교 의식을 시작하는 데 익숙해지면서 곧 남측 수용소에서 열리는 집회와 의식에 박수와 리드미컬한 동작을 도입하기 시작했습니다. 검은 피부를 가진 사람들의 목소리는 매우 독특한 음색을 가지고 있었고, 멜로디를 부르는 것은 정말로 당신을 감동시켰습니다. 흑인 개신교 종교 공동체는 저항을 요구하는 자체 찬송가를 만들었습니다.
일에 관한 노래가 이러한 주제, 기도 및 간구에 추가되었습니다. 왜요? 예, 노예가 노래로 일하는 것이 훨씬 쉽다는 것을 깨달았기 때문입니다.
이 문구의 단순함은 아마도 식민지 주민들의 언어에 대한 지식이 부족하고 활기찬 시와 부드러움으로 발전했기 때문일 것입니다. Jean Cocteau에 따르면 블루스는 자동적으로 대중적인 시의 마지막 등장이며 장르로서의 블루스는 일반적으로 재즈입니다.
미국, 문화를 찾아서.
Jazz for USA는 최고의 명함 중 하나이며 모든 음악 역사가는 세계 문화에 대한 가장 중요한 공헌에 동의합니다.
이러한 문화적 정체성의 과정은 상대적으로 짧습니다. 다음 단계가 시작되었습니다: 식민지의 독립. 하지만... 그들이 문화 유산을 만들기 위해 무엇을 해야 했을까요? 한편으로 원주민의 유럽 유산: 오래된 정착민의 후손, 최근 이민자, 다른 한편으로 오랜 노예 생활 후의 흑인 미국 시민. 그리고 노예가 있는 곳에 음악이 있는데, 이것으로부터 적어도 남부에서는 흑인 음악이 어느 정도 더 인기가 있었다는 결론이 나옵니다.
공식 보호 및 인정.
통치자들은 이것이 새로운 음악적 현상임을 깨달았습니다. 그 동안 국무부는 미국인 "재즈맨"의 국제 투어를 통제하고 조직하기까지 했습니다. Louis Armstrong, Duke Ellingtong, Dizzy Gillespie, Jack Teagarden, Stanz Getz, Keith Jarrots 등은 전 세계적으로 스타일을 선보였습니다. 왕과 왕비 앞에서 연주된 루이 암스트롱은 바티칸에서 교황의 영접을 받았고 베니 굿맨과 그의 오케스트라는 1962년 여름 러시아를 순회했습니다. 박수갈채는 귀가 먹먹할 정도로 컸고, Nikita Khrushchev도 기립박수를 보냈습니다.
자연스럽게 블루스가 발전하여 재즈라는 자체 언어가 탄생했습니다. 그러한 언어는 무엇입니까? 리드미컬한 지속성, 특이한 악기 음색, 다른 유형의 음악에서는 찾기 어려운 복잡한 솔로 즉흥 연주, 이것이 재즈의 언어이자 영혼입니다. 모든 것이 마법의 단어인 스윙으로 스며든다. 듀크 엘링통(Duke Ellingtong)이 말했듯이 "스윙은 자체 해석을 초월하는 것, 음악 텍스트에 존재하지 않고 지속적인 연주에서만 나타납니다.
사실, 재즈는 흑인 미국 음악을 이해하는 가장 일반적인 방법 중 하나였으며 지금도 마찬가지입니다. 사랑과 슬픔을 표현하는 음악, 영웅의 삶, 매일의 쓰라림과 실망을 묘사합니다. 초기 재즈는 일종의 실망감, 백인 세계의 흑인이었습니다.
뉴올리언스 생활의 기쁨 
New Orleans라는 이름은 재즈를 찾고, 인식하고, 사랑하는 데 도움이 되는 마법의 열쇠입니다. 주로 프랑스와 스페인 이민자들이 건설하고 거주하는 이 도시에서는 분위기가 다른 주(주)와 달랐습니다. 문화적 수준은 더 높았습니다. 거주자 중 많은 수가 귀족이었고 구대륙의 부르주아가 더 많았습니다. 수입이 많았고 물론 좋은 레스토랑과 아름다운 집도 있었습니다. 오래된 유럽에서 가져온 모든 것 - 섬세한 가구, 수정, 은, 책, 악보 및 따뜻한 봄 저녁을 밝히는 다양한 악기, 키, 바이올린, 플루트 등 모든 것이 먼저 뉴올리언스에서 끝났습니다. 도시는 인디언의 공격을 격퇴하기 위해 높은 성벽으로 둘러싸여 있었고, 도시는 물론 군사 행진을 수행할 자체 오케스트라를 보유한 프랑스 군인 수비대에 의해 방어되었습니다. 이러한 우연의 일치 덕분에 뉴올리언스는 더욱 활기차고 자신감이 생겼습니다.
그것은 흑인과의 관계를 포함하여 모든 측면에서 관용적인 도시로 간주되었습니다.
내전은 국가에 큰 변화를 가져왔습니다. 흑인들에게 노예제가 폐지되었고, 그들은 도시로 이동하여 일을 하기 시작했고, 그들과 함께 음악을 즐겼습니다.
뉴올리언스에서는 노예였던 사람들이 마침내 레코드 가게에서 본 것을 살 수 있었습니다. 그 전에 그들은 박, 뼈, 강판, 금속 그릇으로 자신의 도구를 만들었습니다. 이제 밴조와 하모니카 외에도 트롬본, 호른, 클라리넷 및 드럼을 구입할 수 있습니다. 문제는 예전 노예들은 악보에 대해 전혀 모르고, 솔페지오, 음표, 음악 기법에 대해 전혀 몰랐고 음악을 느끼고 즉흥적으로 할 수 있었다는 것입니다.
무지의 문제는 어렵게 해결되었습니다. 그러나 그들은 노래뿐만 아니라 연주도 해야 하고, 악기는 목소리의 연속이어야 한다는 것을 이해하고 훈련을 시작했습니다.
군악대가 거리를 지날 때면 흑인들은 항상 맨 앞줄에 서서 주의 깊게 경청했고, 교회에서는 신성한 음악의 단 한 소절도 빠뜨리지 않았습니다. 점차적으로 그들은 약간의 핸드 비트를 믹싱하고 몇 마디의 박수(발소리 듣기)를 추가했으며 블루스에 자신의 과거(노예제)를 도입하기 시작했으며, 따라서 새로운 음악이 되살아나기 시작했습니다.
이 음악의 사용은 사회의 하층 사회, 자선 단체 또는 회사가 공공 생활에서 전 노예의 경제적 평화를 실제로 지원하지 않았기 때문에 장례식에서 흑인들이 사용했지만 죽을 때 약간의 돈을주었습니다. 따라서 친척들은 음악가 그룹과 가족, 친구 및 이웃의 여러 후원자가 동행하여 장엄한 장례식을 조직했습니다. 묘지로의 긴 행렬에서 느리고 슬픈 음악이 연주되었습니다. 더 정확하게 말하자면 재즈 즉흥 연주. 왜냐하면 일반적으로 고인은 천국에 있고 그와 함께 기뻐해야 한다는 것이 일반적인 견해였기 때문입니다. 또한 긴 한숨과 감정에 휩싸인 뒤에도 휴식이 부족해 시상식의 마지막은 항상 즐거워야 한다는 환경이 뮤지션들에게 늘 요구됐다.
따라서 전문가들은 흑인의 장례식에서 그들이 처음으로 재즈를 연주하기 시작했다고 믿습니다.