스트라빈스키는 어떤 발레를 썼나요? 이고르 페도로비치 스트라빈스키(1882-1971). 분실되거나 출판되지 않은 저작물

그리고 Gor Fedorovich Stravinsky (1882-1971) - 러시아 작곡가, 지휘자. 가수 F.I. 1900~05년에 그는 상트페테르부르크 대학교 법학부에서 공부했습니다. 어린 시절부터 그는 A.P. Snetkova 및 L.A. Kashperova와 함께 피아노를 공부했습니다. 1903~05년에 그는 자신의 영적 아버지라고 불렀던 N. A. 림스키코르사코프(N. A. Rimsky-Korsakov)로부터 작곡 수업을 받았습니다. 수년 동안 그는 S.P. Diaghilev와 친구였습니다. 파리의 "Russian Seasons" 동안 스트라빈스키의 발레 "불새"(1910), "페트루슈카"(1911), "봄의 제전"(1913)이 초연되었습니다. 세계적 명성. 1910년부터 그는 오랫동안 해외에서 살았다. 1914년부터 그는 스위스, 1920년부터 프랑스, 1939년부터 미국에 정착했습니다(1934년에 그는 프랑스 시민권을, 1945년에 미국 시민권을 수락했습니다). 넓게 구동 콘서트 활동(주로 실시 자신의 글, 피아니스트로도 공연함). 1962년에는 작가의 콘서트가 모스크바와 레닌그라드에서 열렸습니다. 스트라빈스키의 작품은 비유적이고 문체적인 다양성으로 구별되지만, 각 창작 시기의 핵심 경향에 종속됩니다. 소위에서는 러시아 시대(1908년 - 20년대 초반)의 최고 작품은 발레 "The Firebird", "Petrushka", "The Rite of Spring", 안무 장면 "The Wedding"(1917, 최종 버전 1923), Stravinsky는 고대 및 현대 러시아 민속, 의식 및 의식 이미지, 부스, 루복에 특별한 관심을 보였습니다. 이 기간 동안 "공연 극장"과 관련된 스트라빈스키의 음악 미학 원칙이 형성되었고 "노래"주제, 자유 운율, 오스티나토, 변형 개발 등과 같은 음악 언어의 기본 요소가 마련되었습니다. , 소위. 신고전주의 시대(1950년대 초까지) 러시아 주제는 고대 신화로 대체되었고, 성서 본문이 중요한 자리를 차지했습니다. 스트라빈스키는 유럽 바로크 음악(오페라-오라토리오 "Oedipus Rex", 1927)의 기술과 수단, 고대 다성 예술 기술(합창단과 오케스트라를 위한 "시편 교향곡", 1930) 등을 마스터하면서 다양한 문체 모델을 사용했습니다. 이 작품들과 "Pulcinella"(GB Pergolesi 주제, 1920)를 부르는 발레, 발레 "The Fairy 's Kiss"(1928), "Orpheus"(1947), 2 차 및 3 차 교향곡 (1940, 1945), 오페라 " The Rake's Progress(1951)는 밝고 독창적인 작품(다양한 역사적 및 문체 모델을 사용하여 작곡가는 개인의 특성에 따라 현대적인 작품을 만듭니다)만큼 스타일화의 높은 예가 아닙니다. 창의성의 후기(1950년대 중반부터)는 종교적 주제(“Sacred chants”, 1956; “Funeral chants”, 1966 등)가 우세하고 보컬 원리(단어)의 역할을 강화하는 것이 특징입니다. 12음기법을 자유롭게 사용합니다(단, 스트라빈스키의 음조적 사고의 틀 내에서). 모든 문체적 대조에도 불구하고 스트라빈스키의 작품은 러시아에 뿌리를 두고 있으며 여러 해의 작품에서 나타나는 안정적인 요소의 존재로 인해 통일성으로 구별됩니다. 스트라빈스키는 20세기 최고의 혁신가 중 한 명입니다. 그는 민속에서 새로운 음악적 구조적 요소를 발견하고 일부 현대적인 억양(예: 재즈)을 동화했으며 미터리듬 구성, 오케스트레이션 및 장르 해석에 많은 새로운 것을 도입한 최초의 사람 중 한 명이었습니다. 최고의 에세이스트라빈스키는 상당히 풍부해졌습니다. 세계 문화 20세기 음악의 발전에 영향을 미쳤다.

에세이: 오페라 - The Nightingale (1914, Paris), Mavra (푸쉬킨의 시 "The Little House in Kolomna"에 기초함, 1922, ibid.), Oedipus the King (opera-oratorio, 1927, ibid.; 2nd edition 1948), The Rake's 진보(1951, 베니스); 발레 - The Firebird (1910, Paris; 2nd edition 1945), Parsley (1911, ibid; 2nd edition 1946), The Rite of Spring (1913, ibid; 2nd edition 1943), Tale about the Fox, the Rooster, Cota da Barana, 퍼포먼스 노래와 음악이 있는(1916; 상연된 1922, 파리), 군인의 역사(발레 무언극, 1918, 로잔), 풀치넬라(노래가 있는, 1920, 파리), 레 노세스(노래와 음악이 있는 안무 장면, 1923), ibid .), Apollo Musaget (1928, Washington; 2nd edition 1947), The Fairy's Kiss (1928, Paris; 2nd edition 1950), Playing Cards (1937, New York), Orpheus (1948, ibid.), Agon (1957, ibid) .); 을 위한 솔리스트, 성가대 그리고 오케스트라 - 칸타타 Star-faced(1912), Babylon(1944), 15~16세기 영국 시인의 시를 바탕으로 한 칸타타. (1952), 예레미야 애도(1958), 성찬(1955), 장례식 찬송(1966) 등; 을 위한 성가대 그리고 오케스트라 - 시편 교향곡(1930년, 1948년 2판) 등; 을 위한 오케스트라 - 3개의 교향곡(1907년, 1917년 2판; 2차 - in C, 1940; 3차 - 3악장, 1945), 불꽃놀이(1908), 바젤 협주곡(현악 오케스트라를 위한, 1946) 등; 콘서트 와 함께 오케스트라 - 바이올린(1931), 피아노 및 관악기(1924; 1950년 2판); 2대의 피아노를 위한 협주곡(1935), 클라리넷과 재즈 밴드를 위한 검은 협주곡(1945); 실내악 앙상블; 피아노 조각; 아카펠라 합창단; 로맨스, 노래 등

이고르 페도로비치 스트라빈스키는 아마도 20세기 음악 문화에서 가장 논란이 많고 전위적인 인물일 것입니다. 그의 원본 작품은 하나의 스타일 모델의 틀에 맞지 않습니다. 가장 예상치 못한 방식으로 다양한 방향을 결합하여 작곡가는 동시대 사람들에 의해 "천 가지 스타일의 남자"라는 별명을 얻었습니다. 위대한 실험가였던 그는 삶에서 일어나는 변화에 민감했고 시대와 함께 살려고 노력했습니다. 그러나 그의 음악은 러시아의 진정한 얼굴을 가지고 있습니다. Stravinsky의 모든 작품에는 러시아 정신이 깊이 스며 들어 있습니다. 이로 인해 작곡가는 해외에서 놀라운 인기를 얻었고 조국에서 진심 어린 사랑을 얻었습니다.

우리 페이지에서 Igor Stravinsky의 짧은 전기와 작곡가에 대한 많은 흥미로운 사실을 읽어보세요.

짧은 전기스트라빈스키

Igor는 1882년 Oranienbaum 마을의 연극 가족에서 태어났습니다. 미래 작곡가의 아버지가 오페라 무대에서 빛났다 마린스키 극장, 그리고 피아니스트인 그의 어머니는 콘서트 중에 남편과 동행했습니다. 상트페테르부르크의 모든 예술적, 문화적 색채가 그들의 집에 모였습니다. 리아도프 , Rimsky-Korsakov, Cui, Stasov, Dostoevsky가 방문했습니다. 미래의 작곡가가 성장한 창의적인 분위기는 이후 그의 예술적 취향 형성과 음악 작곡의 형식과 내용의 다양성에 영향을 미쳤습니다.

어린 시절과 어린 시절에는 가족 중에 천재가 자라고 있다고 의심하기조차 어려웠습니다. 9살 때 Igor는 음악을 배우기 시작했지만 유망한 음악을 배우기 위한 전제 조건은 없었습니다. 음악 경력부모는 아들에게서 그것을 보지 못했습니다. 그들의 주장에 따라 뛰어난 학생과는 거리가 먼 스트라빈스키는 법학부 대학에 입학했습니다. 음악에 대한 그의 깊고 진지한 관심이 나타나기 시작한 것은 바로 그때였다. 사실, 유명한 작곡가이자 가까운 가족 친구 림스키코르사코프젊은 스트라빈스키는 학창 시절 내내 오케스트레이션과 작곡 수업을 받았지만, 그의 학생에게 음악원에 들어가지 말라고 충고했습니다... 시간을 낭비할 가치가 없다고 믿었기 때문입니다. 이론교육연습에 집중해야 할 때. 그는 Stravinsky에게 강력한 작곡 학교를 제공했으며 미래의 음악적 고정 관념을 파괴하는 사람은 평생 동안 선생님의 가장 따뜻한 추억을 간직했습니다.

이고르 스트라빈스키는 뜻밖에도 명성을 얻었고, 이 사실은 창업자의 이름과 직접적인 관련이 있습니다." 러시아 계절"세르게이 디아길레프의 파리에서. 1909년, 그의 다섯 번째 "시즌"을 계획하고 있던 유명한 기업가는 새로운 발레 공연을 위한 작곡가를 찾는 데 몰두했습니다. 파이어버드" 세련된 프랑스 대중을 사로잡기 위해서는 완전히 특별하고 대담하며 독창적인 무언가를 창조해야 했기 때문에 이것은 쉬운 일이 아니었습니다. 디아길레프는 28세의 스트라빈스키에게 주의를 기울이라는 조언을 받았습니다. 젊은 작곡가는 일반 대중에게 알려지지 않았지만 디아길레프의 회의주의는 스트라빈스키가 자신의 작품 중 하나를 연주하는 것을 듣는 순간 사라졌습니다. 놀라운 재능을 가진 경험 많은 기획자는 여기서도 착각하지 않았습니다.

1910년 파리 사람들에게 러시아 예술의 또 다른 측면을 열어준 "불새"의 초연 이후 스트라빈스키는 놀라운 인기를 얻었고 하룻밤 사이에 유럽 대중들 사이에서 가장 유행하는 러시아 작곡가가 되었습니다. 그 후 3년 동안 Firebird의 성공은 일시적인 우연이 아니었음이 입증되었습니다. 이 기간 동안 스트라빈스키는 발레 두 곡을 더 썼습니다. 파슬리" 및 "봄의 제전". 그러나 "Firebird"와 "Petrushka"가 거의 첫 번째 마디부터 대중들 사이에서 열광적인 기쁨을 불러 일으켰다면 " 신성한 봄“처음에는 관객들이 초연에서 극장 역사상 가장 큰 스캔들 중 하나가 터질 정도로 그것을 받아들이지 않았습니다. 분개한 파리 사람들은 스트라빈스키의 음악을 야만적이라고 불렀고, 그 자신도 "벨트를 매지 않은 러시아인"이라고 불렀습니다.

"봄의 제전"은 그가 고국에서 쓴 작곡가의 마지막 작품이었습니다. 그런 다음 길고 어려운 강제 이주가 그를 기다리고있었습니다.

첫 번째 세계 대전스위스 몽트뢰 마을에서 작곡가와 그의 친척을 잡았습니다. Stravinsky의 전기에 따르면 1920년부터 파리가 그의 주요 거주지가 되었습니다. 그 후 20년 동안 작곡가는 많은 실험을 했습니다. 다양한 스타일사용하여 음악미학고대, 바로크, 고전주의를 색다른 방식으로 해석하여 의도적으로 음악적 신비감을 만들어냅니다. 1924년 이고르 스트라빈스키는 자신의 작품을 연주하는 재능 있는 연주자로 처음으로 파리 대중 앞에 나타났습니다.

1934년 그는 프랑스 시민권을 취득하고 '내 생애 연대기'라는 자서전을 출판했습니다. 스트라빈스키는 나중에 30년대 말을 그의 인생에서 가장 어려운 시기라고 불렀습니다. 그는 엄청난 비극을 경험했습니다. 짧은 시간에 작곡가는 그에게 소중한 세 사람을 잃었습니다. 그의 딸은 1938년에 사망했고, 그의 어머니와 아내는 1939년에 사망했습니다. 개인 드라마로 인한 깊은 정신적 위기는 제2차 세계대전이 발발하면서 더욱 악화되었습니다. 그의 구원은 새로운 결혼과 미국으로의 이주였습니다. 스트라빈스키는 1936년 처음으로 해외 순회 공연을 하면서 이 나라를 알게 되었습니다. 이사 후 작곡가는 샌프란시스코를 거주지로 선택하고 곧 로스 앤젤레스로 이사했습니다. 이사한 지 5년 후 그는 미국 시민이 됩니다.

스트라빈스키 작품의 후기 단계는 영적인 주제가 우세한 것이 특징입니다. 그의 창의성의 정점은 "레퀴엠"( "장례식")입니다. 이것은 작곡가의 예술적 탐구의 정수입니다. 스트라빈스키는 84세의 나이에 그의 마지막 걸작을 썼는데, 그때 그는 이미 중병에 걸렸고 곧 떠날 것을 예감했습니다. 사실 '레퀴엠'은 그의 삶을 요약한 작품이다.

작곡가는 1971년 4월 6일에 사망했습니다. 그의 유언에 따라 그는 베네치아의 오랜 친구 옆에 묻혔습니다. 세르게이 디아길레프.

스트라빈스키에 대한 흥미로운 사실

스트라빈스키는 쉬지 않고 18시간 동안 일할 수 있는 드문 직업 윤리를 가지고 있었습니다. 75세에 그는 하루 10시간의 근무 시간을 가졌습니다. 점심 식사 전에는 4~5시간을 작곡에 썼고, 점심 식사 후에는 오케스트레이션이나 편곡에 5~6시간을 바쳤습니다.
I. Stravinsky의 딸 Lyudmila는 시인 Yuri Mandelstam의 아내가되었습니다.
스트라빈스키와 디아길레프는 우정뿐 아니라 친족 관계로도 연결되었습니다. 그들은 서로의 다섯 번째 사촌이었습니다.
작곡가의 첫 번째 박물관은 1990년 우크라이나의 스트라빈스키가 어린 시절을 보냈던 도시인 우스티루그(Ustiug)에 건립되었습니다. 1994년부터 Volyn은 Igor Stravinsky의 이름을 딴 음악 축제를 개최하는 전통을 가지고 있습니다.

작곡가는 항상 러시아를 동경했습니다. Stravinsky의 전기에서 우리는 1962년 10월 그의 소중한 꿈이 이루어졌다는 것을 알게 됩니다. 반세기 만에 그는 고국으로 와서 이곳에서 80주년을 축하하라는 초대를 수락했습니다. 그는 모스크바와 그의 고향 레닌그라드에서 여러 콘서트를 열었고 흐루시초프를 만났습니다. 그러나 그의 도착은 작곡가와 동포와의 접촉을 제한하기 위해 공식적인 열정으로 호텔의 전화를 끄는 보안 서비스의 면밀한 감독으로 인해 가려졌습니다. 이번 여행이 끝난 후 스트라빈스키의 친척 중 한 명이 왜 고국으로 이주하지 않았는지 물었을 때 그는 씁쓸한 아이러니로 대답했습니다. "좋은 점이 조금 있었습니다."
Stravinsky는 Debussy, Ravel, Satie, Proust, Picasso, Aldous Huxley, Charlie Chaplin, Coco Chanel, Walt Disney 등 예술, 문학, 영화계의 많은 유명한 사람들과 우정과 우정의 유대로 연결되었습니다.
작곡가는 항상 감기를 두려워했습니다. 이런 이유로 그는 따뜻한 옷을 선호했고 때로는 베레모를 쓰고 잠자리에 들었습니다.
큰 소리로 말하는 버릇이 있는 사람들은 스트라빈스키에게 본능적인 공포를 불러일으켰지만, 그에 대한 어떤 비난의 힌트라도 그에게는 분노의 폭발을 불러일으켰습니다.
스트라빈스키는 한두 잔 마시는 것을 좋아했고, 이때 그의 특유의 재치로 그의 성을 "스트라비스키"로 써야 한다고 농담을 했습니다.
스트라빈스키는 4개 국어에 능통했고 프랑스어, 독일어, 영어, 이탈리아어, 라틴어, 히브리어, 러시아어 등 7개 언어로 글을 썼습니다.
어느 날, 이탈리아 국경의 세관원은 그의 친구 파블로 피카소가 미래적인 방식으로 그린 작곡가의 특이한 초상화에 관심을 갖게 되었습니다. 이해할 수 없는 원과 선으로 이루어진 그 이미지는 사람의 초상화와 거의 유사하지 않았고, 그 결과 세관원들은 비밀 군사 계획으로 간주하여 스트라빈스키로부터 피카소의 걸작을 압수했습니다...
소련의 스트라빈스키의 음악에 맞춰 장기금지령이 내려졌고 학생들은 이민자 작곡가의 악보에 관심이 있다는 이유로 음악 학교에서 퇴학당했습니다.
돈이 부족했던 어려운 시절, 작곡가의 성격에는 작은 것에도 저축하는 습관이 형성되었습니다. 받은 편지에 우표 흔적이 없는 우표가 보이면 조심스럽게 떼어 다시 사용했습니다.
스트라빈스키는 그림을 훌륭하게 그렸으며 그림에 대한 예리한 감정가였습니다. 로스앤젤레스에 있는 그의 집 도서관에 있는 10,000권의 책 중 3분의 2가 미술에 관한 책이었습니다.
1944년 스트라빈스키는 실험적으로 미국의 공식 국가를 편곡해 큰 스캔들을 일으켰다. 경찰은 작곡가에게 이런 폭력 행위가 반복되면 벌금을 물게 될 것이라고 경고했습니다.
프랑스 보헤미아는 스트라빈스키의 음악에 매료되어 대중적 인기를 얻었습니다. 음악 평론가플로랑 슈미트는 자신이 소유한 시골집을 '파이어버드 빌라'라고 불렀습니다.
1982년, The Rite of Spring의 악보는 경매에서 스위스 자선가인 Paul Sacher에게 548,000달러에 팔렸습니다. 이 금액은 작곡가의 사인으로 주어진 금액 중 가장 큰 액수였습니다. Sacher는 Stravinsky를 개인적으로 알고 있었고 위대한 동시대와 관련된 희귀성을 얻기 위해 모든 노력을 기울였습니다. 오늘날 자허 재단은 스트라빈스키의 편지 166상자와 남아 있는 음악 사인 225상자를 포함하는 스트라빈스키 아카이브를 보유하고 있으며 총 가치는 5,250,000달러입니다.

Aeroflot의 A-319 여객기는 Stravinsky의 이름을 따서 명명되었습니다.
그림처럼 아름다운 파리 스트라빈스키 광장의 주요 장식은 그의 이름을 딴 원래 분수입니다.
클라렌스에서는 "봄의 제전" 거리를 따라 걸을 수 있습니다. 스트라빈스키는 1912년 11월 17일 이 스위스 마을에서 이 발레 작품을 완성했습니다.

스트라빈스키의 전기에 따르면 스트라빈스키는 10살 때 첫사랑인 예카테리나 노센코를 만났습니다. 그러나 지인이 된 첫 순간에 두 아이 사이에 타오르는 상호 동정심과 신뢰의 느낌은 평생을 이어갔습니다. 캐서린이 스트라빈스키의 사촌이라는 사실조차도 그들이 운명을 하나로 묶는 것을 막지는 못했습니다. 1906년에 그들은 가까운 친척들 사이의 결혼 결합 이후 비밀리에 결혼했습니다. 사촌그리고 자매들은 금지되었습니다. Ekaterina는 어릴 때부터 폐 질환으로 고통 받았지만 남편과 Fyodor, Lyudmila, Svyatoslav 및 Milena의 네 자녀를 낳는 것을 막지는 못했습니다. 아내의 건강이 좋지 않은 것을 지원하기 위해 스트라빈스키는 겨울 동안 가족을 스위스로 데려갔습니다. 1914년에 그들은 확립된 전통에 따라 유럽으로 갔지만 돌아올 수 없었습니다. 먼저 제1차 세계 대전이 간섭했고 그 다음에는 혁명이 일어났습니다. Stravinsky 가족의 모든 재산과 저축이 러시아에 남아 있었기 때문에 가족의 재정 상황은 비참한 것으로 판명되었습니다. 좋은 천재유명한 가브리엘 샤넬(Gabrielle Chanel)은 인생의 어려운 시기에 작곡가로 밝혀졌고, 그녀는 스트라빈스키 가족을 자신의 빌라에 초대했습니다. 이 둘이 연결되어 있었나요? 특별한 사람들오늘날에도 이것에 대해 많은 추측이 있지만 우정의 유대 이상의 것은 알려지지 않았습니다. 그러나 코코 샤넬이 수년 동안 작곡가의 가족을 부양했다는 사실은 부인할 수 없는 사실입니다.

1921년, 스트라빈스키의 삶에 또 다른 운명적인 만남이 있었습니다. Diaghilev는 작곡가를 아름답고 똑똑한 여성 여배우 Vera Sudeikina에게 소개했습니다. Vera는 결혼했지만 곧 남편을 떠나 스트라빈스키에 전념했습니다. 그들을 묶은 열정적인 사랑에도 불구하고 음악가는 가족을 떠나지 않았습니다. 다른 여자의 아버지가 있다는 사실을 알고 있던 아이들을 포함해 누구에게나 고통스러웠던 이 이중생활은 약 20년 동안 지속됐다. 1939년 캐서린은 폐병으로 사망했고, 1940년 스트라빈스키는 베라와 결혼해 그녀와 함께 미국으로 건너갔다. 인생은 그들의 사랑이 변덕스러운 것이 아니라 실제적이고 깊은 감정이라는 것을 증명했습니다. 그들은 결혼한 지 50년이 되었습니다. 베라는 유명한 남편보다 10년 더 오래 산 뒤 94세의 나이로 세상을 떠났습니다. 그녀는 남편 옆에 베니스에 묻혔습니다.

스트라빈스키의 작품

스트라빈스키의 작품은 일반적으로 세 시기로 나누어진다. 초기의 이름은 "Russian"이며 기간은 1920년대 초인 1908년으로 제한됩니다. 그때 발레 "Firebird", "Petrushka", "The Rite of Spring"이 발표되어 Stravinsky가 유명해졌습니다. 세 가지 모두 풍부함과 다양성을 갖춘 악보에서 러시아 민속을 사용하여 통합되었습니다. 하나 더 빛나는 예"러시아" 스타일은 마을 결혼식 노래를 모티브로 한 발레 칸타타 "Svadebka"였습니다. 앞마당의 무언극 이야기는 같은시기로 거슬러 올라갑니다. 레너드"(1916)에서 영감을 얻은 아이디어 민화, 오페라 " 나이팅게일"(1916) 및 " 군인의 이야기"(1918).

20년대 초반 스트라빈스키의 작품에서 이전 시대의 경험과 신고전주의 원칙을 적용하려는 욕구를 추적할 수 있습니다. 그의 작품의 주제는 성서적 주제로 전환되면서 확장된다. 고대 신화. 작곡가 작품의 문체 개념이 중대한 변화를 겪고 있음을 알리는 "첫 번째 신호"는 노래를 부르는 발레였습니다. 풀치넬라"(1920), Stravinsky가 바로크 작곡가의 음악을 사용하는 곳입니다. 신고전주의에 경의를 표하는 작곡가는 전선다양한 장르, 구조, 스타일의 작품 - 오페라 " 마브라», « 오이디푸스 왕», « 갈퀴의 모험", 발레 " 요정의 키스», « 아폴로 무사게테», « 오르페우스», « 시편 교향곡"합창단과 오케스트라, 멜로드라마를 위한" 페르세포네" 신고전주의 시대가 지속되었다. 창의적인 삶작곡가의 나이는 30세 정도입니다.

1947년, 지휘자 지망생 로버트 크래프트(Robert Kraft)가 스트라빈스키 서클에 등장했습니다. 작곡가는 그의 젊은 동료에 대한 신뢰를 얻었기 때문에 그가 콘서트를 지휘하는 것을 믿었고 심지어 음악과 예술에 대한 대화를 녹음하겠다는 그의 제안에도 동의했습니다.

Kraft와의 긴밀한 커뮤니케이션을 통해 Stravinsky는 직렬 기술을 실험하게 되었습니다. 그 지지자들은 비엔나 작곡가이자 혁신가였습니다. A. 쇤베르크 그리고 A. von Webern. 그러나이 경우 Stravinsky는 자신의 창의적인 신조를 바꾸지 않았습니다. 그가 직렬 기술의 원칙에 따라 창작한 음악은 여전히 독특한 작가의 스타일을 유지합니다. 직렬 기술의 사용을 생생한 일러스트는 발레 " 아곤", 성서 오페라 "The Flood", 오라토리오 성경적 주제 « 설교와 비유와 기도" 그리고 " 예레미야 선지자의 애도».

영화에 사용된 스트라빈스키의 음악

작품의 단편	영화 산업
"파이어버드"	“드림 가디언즈”(2012), “얼음 성”(2010), “루이스”(2008), “하이쿠 터널”(2001)
"신성한 봄"	"마법 월광"(2014), "발레리나"(2012), "목욕하는 남자"(2010), "마오의 라스트 댄서"(2009), "미싱"(2009), "패자 클럽"(2001), "망자 키우기" "(1999)," 겨울 방학"(1998)
레퀴엠	'한니발' (2014)
흑단 콘서트	"치코와 리타" (2010)
"아폴로 무사게테"	“더 이상 시원해지지 않습니다”(2006)
현악 오케스트라를 위한 협주곡 D장조	“멜린다와 멜린다” (2004)
"아곤"	"매력적인 장난꾸러기" (1991)
"갈퀴의 전진"	"수도원"(1995)
"군인의 이야기"	"발코니"(1963)

이고르 스트라빈스키에 관한 영화

할리우드의 스트라빈스키. (프랑스, 독일, 2014) 다큐멘터리, 전기.
“코코 샤넬과 이고르 스트라빈스키”(프랑스, 일본, 스위스, 2009) 장편 영화. 감독 얀 쿠넨. 이 영화는 K. Greenhalff의 소설 "코코와 이고르"를 원작으로 합니다. 이 영화는 2009년 제62회 칸 영화제 폐막식에서 첫 상영됐다.
천재와 악당. 이고르 스트라빈스키. 긴 길나 자신에게 (2012) 다큐멘터리.
이고르 스트라빈스키: 작곡가. / 이고르 스트라빈스키: 작곡가. (독일, 스웨덴, 2001), 뮤지컬, 전기. 감독 야노스 다르바스. 영화에서는 삶과 음악에 대한 스트라빈스키의 성찰, 니진스키에 대한 추억, 발레 '파이어버드'의 탄생 역사에 대한 이야기를 들을 수 있다.
Igor Stravinsky: "Genius" 프로그램 시리즈 중 하나입니다. I.F. 125주년을 맞이하여 스트라빈스키. 2007. 다큐멘터리. 감독 안드레이 Konchalovsky.
옛날 옛적에 국경에서... (Once, at a Border...) 영국, 1982. 다큐멘터리. 감독 토니 팔머. 이 영화는 작곡가 탄생 100주년을 기념해 제작됐다.

스트라빈스키의 창의적인 유산에는 7500페이지가 넘는 악보가 포함되어 있습니다. 여기에는 자신을 "세계인"이라고 칭한 20세기 가장 위대한 작곡가의 가시적이면서도 밝은 창작 경로가 담겨 있으며, 조화와 삶의 의미를 추구하는 아이디어를 반영하고 상상할 수 있는 모든 스타일과 트렌드를 구현합니다. 클래식부터 재즈까지 세계 음악 문화의 동시대 사람들이 종종 이해하지 못하고 꾸짖고 야유를 받았던 그의 음악은 오늘날 아방가르드 예술의 표준으로 인정받고 있습니다.

비디오: 스트라빈스키에 관한 영화 보기

이고르 페도로비치 스트라빈스키

(1882-1971)

러시아 작곡가, 지휘자. 가수 F.I. 어린 시절부터 그는 A.P. Snetkova 및 L.A. Kashperova와 피아노를 공부했으며 N.A. Rimsky-Korsakov와 작곡 수업을 들었습니다.

1900~1905년상트페테르부르크 대학교 법학부에서 공부했습니다.

1914년 이후스위스에 살았다 1920년 이후- 프랑스, 1939년 이후- 미국에서 ( 1934년프랑스어를 채택함 1945년- 그리고 미국 시민권). Stravinsky는 평생 동안 많은 콘서트를 열었습니다. 그는 지휘자와 피아니스트로 연주했습니다.

일반적으로 I. Stravinsky의 작업은 여러 기간으로 나눌 수 있습니다.

1908년 이후 – 20대 초반 – 러시아 시대 . 스트라빈스키와 디아길레프의 오랜 우정이 시작됩니다. Igor Stravinsky는 발레 (1910), (1911), (1913)을 썼으며 이로 인해 세계적인 명성을 얻었습니다. 그들의 초연은 다음에서 열립니다. "러시아 계절"파리에서.

이 창작 기간 동안 민속, 부스, 대중 판화, 연극 공연 및 음악 스타일에 대한 작곡가의 큰 관심으로 인해 스트라빈스키의 음악 미학이 형성되었습니다. (“노래하는” 주제주의, 자유박자 리듬, 독창주의, 변형 개발 )

JA R – PTICA

1910년 6월 – 이고르 스트라빈스키의 세계적 명성의 시작 – 초연 " 파리 그랜드 오페라 무대의 Firebirds". 악보의 사운드는 위대한 스승의 전통(N.A. Rimsky-Korsakov의 후기 스타일)으로 조명됩니다. 그러나 이것은 다채롭고 눈부신 사운드의 밝기로 놀라운 스트라빈스키입니다. 팔레트.

피 E T R U S H K A

1년 후, 스트라빈스키는 Alexandre Benois의 대본인 "Petrushka"에 두 번째 발레를 썼습니다. 그리고 Blok의 "쇼케이스"와 이탈리아 가면-종이 신부가있는 피에로와 눈에 보이지는 않지만 피 묻은 "꼭두각시 열정"이 여기에 있습니다. Petrushka는 발레의여 주인공 발레리나와 비극적으로 사랑에 빠졌습니다. 그 때문에 그는 세이버로 죽었습니다. 증오받는 무어의 타격.

"Petrushka"에서 Stravinsky는 전례 없는 음악 언어(새로운 오케스트레이션 기술, 무료, "플라스틱" 다성음악, 조화로운 참신함 - 이 모든 것이 거리 "부스 민속"과 결합됨)로 청취자에게 연설하지만 그럼에도 불구하고 덕분에 급성 연극 30~10년대 러시아 음악 생활로 거슬러 올라가는 이미지와 국가적 기원. XIX- 더블 엑스세기, 모두가 이해할 수 있는 .

V E S N A S V Y S H E N N그리고 나

인터뷰에서 씨 N. 뢰리히:

“이 발레의 내용과 스케치는 내 것이고 음악은 젊은 작곡가 I. Stravinsky가 썼습니다. 새로운 발레고대 슬라브인들의 신성한 밤에 대한 여러 장의 사진을 제공합니다. 기억하신다면, 제가 그린 몇몇 그림에서는 이러한 점들이 언급되었습니다...

이 작업은 새벽이 되기 전에 신성한 언덕 꼭대기에서 이루어집니다. 이 작업은 여름 밤에 시작되어 첫 번째 광선이 나타나는 해가 뜨기 전에 끝납니다. 실제로 안무 부분은 의식 춤으로 구성됩니다. 이건 확실한 조건 없이 첫 번째 시도가 될 거예요 극적인 줄거리말이 필요없는 고대의 재현을 보여줍니다. 우리가 고대로 돌아간다면 이 말은 여전히 우리가 이해할 수 없을 것이라고 생각합니다.

- 발레가 짧을까요?

-단막인데 특별히 짧지는 않았던 것 같아요. 발레의 간결함은 경험을 더욱 완벽하게 만듭니다. 물론 줄거리를 묶을 수도 있지만 묶일 것입니다.

- 누구의 춤인가요?

– 포키나<...>우리 셋은 이 작품에 대해 똑같이 흥미를 갖고 함께 작업하기로 결정했습니다.”

아티스트 N.K.의 발레 Roerich. 피터스버그 신문. 28.08.1910.

“내 작업 전반에 걸쳐 나는 청취자들에게 섬세한 리듬으로 인간과 대지의 친밀함, 인간과 대지의 삶의 공통성을 느끼게 합니다. 모든 것은 처음부터 끝까지 춤을 춰야 합니다. 무언극에는 단 하나의 비트도 주어지지 않습니다. 열정적인 열정과 사심 없이 일하기 시작한 니진스키가 연출한 것입니다.”

그리고.스트라빈스키"봄의 제전"에 대해서.

'봄의 제전'의 원래 제목은 '봄의 제전'이었습니다. "안에 큰 희생"(나중에 발레의 두 번째 부분은 "위대한 희생"이라고 불렸습니다). 스트라빈스키의 다른 작품과 달리 이 작품은 제목이 많이 변경되고 변형되었습니다. 당시 언론에서는 이 발레를 '대희생', '신성한 봄', '봄의 결혼식', '봄의 봉헌', '봄의 배웅', '봄의 유령'으로 불렀다. 심지어 '붉은 봄'도요. 이는 분명히 더 정확한 번역을 찾기 위한 검색 때문만은 아니었습니다. 씨프랑스 국민 “Le Sacre du printemps”-발레 초연 직전에 발견된 이름이지만 이 "무모한 발레"의 줄거리 개요가 점진적으로 명확해졌습니다.

작곡가는 인간의 원초적 존재, 부족 관습의 엄격함을 음악에서 부활시키는 것 같습니다. 가장 현명한 사람, 봄 운세, 자연의 힘의 주문, 소녀 납치, 지구의 키스, 선택된 자의 위대함 및 희생-희생의 피로 땅에 물을주는 의식 분위기에 당신을 몰입시킵니다. "The Rite of Spring"의 음악은 긴장감 있고 불협화음의 힘과 다음 구성으로 가득 차 있습니다. 리드미컬한 정교함과 끊임없는 선율의 불협화음 유입이 결합된 복잡한 조화 언어(주제는 러시아, 우크라이나, 벨로루시 의식 노래 및 곡의 가장 오래된 예에 가까운 성가를 기반으로 하며 아마도 강둑을 따라 울렸던 원래 "vesnyankas"로 거슬러 올라갑니다) 드니프르(Dnieper), 테스나(Tesna), 베레지나(Berezina) 및 옛날부터)는 작곡가의 작품에 이전에 등장한 적이 없는 인간과 자연 요소의 통일성에 대한 악보를 만듭니다..

“봄”이 주어졌습니다<…>사람이 살지 않는 새로운 홀에서 대중에게는 너무 편안하고 추워요.<…>좀 더 소박한 무대였다면 <봄>이 더 따뜻한 반응을 얻었을 것이라고 말하고 싶지는 않다. 하지만 이 웅장한 홀을 한 눈에 보는 것만으로도 힘과 젊음이 넘치는 작품과 퇴폐적인 청중의 비호환성을 이해하기에 충분했습니다.<…>이번 시사회에서 역사적인 작품너무 시끄러워서 무용수들은 오케스트라의 소리를 듣지 못하고 리듬을 따라야 했고 니진스키는 온 힘을 다해 비명을 지르고 발을 구르며 무대 뒤에서 그들을 구타했습니다... 청중은... 뒷다리로 서 있었습니다 . 홀에서 그들은 웃고, 야유하고, 휘파람을 불고, 울부짖고, 삐걱거리고, 짖었고, 결국에는 아마도 피곤했을 것입니다. 과도한 기쁨은 상자에 앉아있는 청중을 모욕하고 괴롭히기 시작했습니다 . 그리고 그 소란은 본격적인 전투로 발전했습니다. 왕관을 한쪽으로 밀고 상자 안에 서 있던 나이든 푸르탈레 백작부인은 온몸이 빨갛게 되어 부채를 흔들며 소리쳤습니다. “60년 만에 처음으로 그들은 감히 나를 조롱했습니다.” 그 용감한 여인은 완전히 성실했습니다. 그녀는 자신이 혼란스러워지고 있다고 결정했습니다."

콕토 그리고.초상화-추억.

"... 스트라빈스키... 탄력 있고 특징적인 러시아 노래와 춤의 리듬과 억양을 만들기 시작합니다. 러시아어는 민족지학적 의미나 미학적 의미가 아니라 음악 언어의 기본 원리로서 특히 "음악"에 잘 보존되어 있습니다. 우리 농민과 동부 민족의 구전 전통에 관한 것입니다. 우리는 이러한 포크음악에 대한 태도의 이전과 현재의 차이를 이해해야 합니다. 고대의 억양과 리듬을 모방하는 것과 사회 음악적 경험의 광범위한 기반을 바탕으로 가장 풍부한 억양 전환과 리듬 공식의 유기적 동화를 통해 자신의 언어를 구축하고 예술적 세계관과 창의성을 심화시키는 것은 별개의 문제입니다. 유럽의 합리화된 음악의 일상생활에서 배제된다.”

B. 아사피예프

1915년에 S. 프로코피예프는 러시아에서 막 출판된 이고르 스트라빈스키의 성악과 피아노를 위한 모음곡 "세 개의 노래"(젊은 시절의 추억에서 나온)에 대한 짧은 평론을 썼습니다. “우리 앞에는 크기와 색상에 반비례하는 내용의 작은 회색 공책이 있습니다. 작곡가가 어린 시절의 스케치 중에서 파낸 세 곡의 순진한 노래는 반주를 하여 그의 어린 아이들에게 바쳤습니다. 어린아이 같은 단순함을 그대로 유지한 보컬 부분은 세련된 반주와 어우러져 유난히 짜릿한 인상을 준다. 디자인에 있어서의 실제 반주는 명료하고 단순하지만, 특이한 하모니로 귀를 한 번 이상 꼬집게 될 것입니다. 면밀히 살펴보면 작곡가가 이러한 하모니를 달성하는 재치 있고 동시에 철분한 논리에 놀라게 될 것입니다. 세 곡 모두 형식이 예술적이고 매우 비유적이며 유치하고 장난스럽고 진정으로 쾌활합니다. 개별적으로는 미시적으로 짧지만, 하나로 합치면 콘서트 프로그램을 꾸밀 수 있는 작은 숫자가 된다”고 말했다.

"Pribautki"는 창작 당시 스트라빈스키의 러시아 사이클 중 가장 초기 작품으로, 그가 Afanasyev 컬렉션에서 여러 동화를 문학적 기반으로 삼기 전에도 시적 민속에 대한 그의 큰 관심을 증언합니다. 음악으로 구현되었습니다”(Asafiev의 표현). 이는 뛰어난 간결함뿐만 아니라 노래 미터와의 가장 가까운 근접성, 풍부한 운율, 두운 등시와 산문을 구별하는 모든 것으로 인해 구전 민속에서 두드러집니다. 이와 관련하여 Afanasyev의 농담 중 일부가 노래 (자장가의 두 번째)에도 포함되어 있고 1 년 반 후에 작곡 된 "Tale"에 포함되어 문학적 기반의 내부시와 음악성을 심화시키는 것이 매우 특징적입니다. .그리고 동화는 "Tales"와 "The Story of a Soldier"뿐만 아니라 일부 미니어처에도 자료를 제공했습니다 (동화 "The Bear"의 구절은 "Three Stories for Children"주기에서 가져옴) ).

Stravinsky를 매료시킨 민속 농담의 또 다른 장르 특징은 민속 유머, 농담 및 게임과의 연관성이었습니다. 그들 중 일부는 시적 환상, 발명의 훌륭한 예이며 일반적으로 재치 있고 교묘하게 운율이 맞는 시(재미있는 말이나 수수께끼)의 형태로 디자인됩니다. 이런 종류의 민속의 기원과 의미는 저자 자신이 잘 설명합니다. ""농담"이라는 단어는 특정 종류의 러시아 민속 구절을 나타냅니다. .. "접는"을 의미하고 "at"는 라틴어 "rge"에 해당하며 "baut"는 무기한 분위기 "bait"의 늙은 러시아 동사에서 유래합니다. " (말하다). “농담”은 일반적으로 4행 이하의 짧은 시입니다. 에 의해 민속 전통그들은 참가자 중 한 명이 단어를 말한 다음 두 번째가 단어에 다른 단어를 추가하고 세 번째와 네 번째가 같은 방식으로 행동하는 식으로이 모든 것이 가장 빠른 속도로 진행되는 게임에서 형성됩니다. , "카운팅"과 같은 종류의 게임이며, 그들의 목표도 발언이 늦어지고 느린 파트너를 잡아서 제거하는 것입니다…

또 다른 민속 장르의 이름은 "Podblyudnye"(1914-1917)라는 4개의 노래로 구성된 합창 주기의 부제목으로 바뀌었습니다. 이 주기는 이전 두 개와 동일한 긴밀한 통일성을 특징으로 하며, 이번에는 장르의 어원을 설명하는 컵이나 접시를 사용하여 말하는 고대 관습의 형태로 게임의 시작과도 관련이 있습니다. 이런 종류의 노래에 대한 정의: “새해 전야에 소녀들은 함께 모여 보통 다음과 같이 약혼자에 대한 점을 점칩니다. 테이블 위에 물 한 컵을 놓고 그 안에 반지나 귀걸이 등을 놓고 그 위에 천으로 덮습니다. 식탁보. 그런 다음 모두가 테이블에 앉고, 반찬을 잘 아는 여성들이 노래를 부릅니다. 이때 각 소녀는 특히 가까운 노래 구절의 소리에 맞춰 컵에서 반지를 꺼내려고합니다. 그녀의 마음.

...설명된 의식 행위는 많은 참가자 앞에서 이루어지기 때문에 반복적으로 수행되기 때문에 스트라빈스키가 특별히 재구성한 반복의 전통은 노래의 음악적 구조, 즉 그의 주기의 합창단에서 특별한 의미를 얻습니다. 특히 각 연 뒤에 변함없이 반복되는 후렴 “Slavna” 또는 “Glory”에 의해 하나로 합쳐집니다.

러시아 시대의 나머지 주기인 "어린이를 위한 세 가지 이야기"(1915-1917)와 "네 개의 러시아 노래"(1918-1919)는 장르 측면에서 더 이질적입니다(아마 작곡가가 텍스트 준비의 잔해를 사용했을 수도 있음). 그는 이전에 작곡된 작품을 위해 만들었습니다.) 이는 해당 작품을 구성한 노래의 이름에서 이미 알 수 있습니다. 그러나 여기서도 게임 원리의 우세에 대해서는 의심의 여지가 없습니다. 이와 관련하여 어린이 사이클은 "내 어린 시절의 추억"이라는 라인을 이어갑니다. (작가가 두 사이클의 노래 중 일부를 인용문에 서로 삽입하여 게임과의 연관성을 강조한 것은 우연이 아닙니다.) 그리고 노래의 순환은 가장 자연스럽게 "Pribautki"와 "Podblyudnye"에 가까워집니다. 대부분의 연극의 텍스트는 둥근 춤(), 의식 운세(), 축제() 등 다양한 장르의 민속 게임을 나타냅니다.

Yu.Paisov. 스트라빈스키의 성악과 합창 작품에 담긴 러시아 민속.

20대 초반 ~ 50대 초반 – 신고전주의 기간. 스트라빈스키는 고대 신화, 성서적 주제, 유럽 음악바로크 양식, 고대 다성음악 기술. 이 시기의 뛰어난 작품으로는 오페라 오라토리오 "오이디푸스 렉스"(1927), 합창단과 오케스트라를 위한 "시편 교향곡"(1930), "풀치넬라"(1920)를 부르는 발레, "요정의 키스"(1928) 발레 등이 있습니다. ), "Orpheus"(1947), 두 번째(1940) 및 세 번째(1945) 교향곡, 오페라 "The Rake's Progress"(1951).

1950년대 중반 – 70년대 초반 – 후기.이번 작품에서는 종교적 주제가 중요한 위치를 차지하며(“신성한 성가”(1956), “장례식 성가”(1966) 등) 작곡가는 더 자주 창작합니다. 성악 작품, 십이음 기법을 사용하여 스타일의 혼합성이 나타납니다.

Igor Stravinsky의 작업은 당연히 혁신적인 것으로 간주될 수 있습니다. 그는 민속 사용에 대한 새로운 접근 방식을 발견하고 현대적인 억양(예: 재즈)을 학문적 음악 구조에 도입했으며 리듬 조직, 오케스트레이션 및 장르 해석을 현대화했습니다.

I.F.

오페라:"나이팅게일" (1908-1914); "마브라" (1922); "오이디푸스 왕" (1927); "갈퀴의 전진" (1951).

발레 : "파이어버드" (1910); "파슬리" (1911); "신성한 봄" (1913); "여우, 수탉, 고양이, 숫양에 관한 이야기" (1917); "군인의 이야기" (1918); "나이팅게일의 노래" (1920), "풀치넬라" (1920); "혼례" (1923); "아폴로 무사게테" (1928); "요정의 키스" (1928); "카드 게임" (1937); "오르페우스" (1948 ), "아곤" (1957).

솔리스트, 합창단, 오케스트라를 위한 실내악 앙상블, 사렐라 합창단: « 성 베드로의 이름을 기리는 성가입니다. 상표" (1956); " 트레니 » (“예언자 예레미야의 애도”, 1958); 칸타타 "설교와 비유와 기도"(1961); « 장례식 노래" (1966),"시편 교향곡" (1930); "성조기"(미국 국가, 1941); 칸타타 등등.

챔버 오케스트라의 경우: 스위트룸 3개 발레에서 "파이어버드"(1919); "콘서트 댄스" 24개 악기용(1942); "애도송" (1943) 등

악기와 오케스트라를 위한 : 콘서트 바이올린(1931), 피아노와 관악기(1924), 피아노 2대(1935); "에보니 콘서트" 솔로 클라리넷 및 악기 앙상블(1945) 등

실내악 앙상블: 듀오 협주곡 바이올린과 피아노를 위한(1931); 관악기용 옥텟 (1923); "11개의 악기를 위한 래그타임" (1918);세 개의 연극현악4중주(1914) ); 콘서티나현악4중주를 위한"(1920) 등

피아노의 경우 : 스케르초 (1902);"소나타(1904, 1924); 네 개의 연습곡(1908); "네 손을 위한 쉬운 조각"(1915); “네 손을 위한 다섯 개의 쉬운 작품”(1917); “다섯 손가락”(5음표의 가장 쉬운 8곡, 1921) 등

성악과 피아노를 위한 (악기 앙상블) ): "구름"(A. Pushkin의 단어를 기반으로 한 로맨스, 1902); 노래 S. Gorodetsky, P. Verlaine, K. Balmont (1911)의 말, 러시아 민속 텍스트; "일본의 세 편의 시" ( A. Brandt의 러시아어 텍스트, 1913), "세 곡" (W. 셰익스피어의 말에 따르면, 1953) 등등

작품의 편곡 및 필사 : 러시아 민요, 음악E. Grieg, L. Beethoven, M. Mussorgsky, J. Sibelius, F. Chopin 외.

발레 '파이어버드'

스트라빈스키는 발레에서 "불새"의 줄거리를 발전시켜 "황금 펜을 잡았습니다". 아시다시피 Kuchkas는 이 장르에 관심을 기울이지 않았습니다. Rimsky-Korsakov, Borodin 또는 Mussorgsky의 유산에는 발레가 없습니다 (특히 그 이유는 Rimsky-Korsakov와 Krutikov 간의 서신에서 밝혀졌습니다). 사실, Kuchkist 오페라에는 훌륭한 댄스 음악이 있습니다. 예를 들어 Mlada의 춤, Igor 왕자의 Polovtsian 춤, Khovanshchina의 페르시아 여성 춤과 같습니다. 러시아를 주제로 발레를 창작한 스트라빈스키는 차이콥스키-글라주노프 발레 라인과는 분명히 다른 이 라인을 정확하게 포착하고 발전시켰습니다. Benois, Golovin, Fokin, Diaghilev 등 "예술의 세계" 환경에서 영감을 받고 추진된 그는 국가적으로 특징적이고 다채로운 "의상" 발레를 향했습니다. "The Firebird"는 이 오리엔테이션의 첫 번째 탄생이 되었으며, 이후 "Petrushka"와 "The Rite of Spring"에서 계속되었습니다.

첫 번째 발레에서 스트라빈스키 스타일의 참신함은 Korsakov의 스타일을 통해 나타납니다. 예를 들어 트라이어드의 저주파 비교를 통해 톤의 "깜박임"에 대한 Korsakov의 아이디어를 자체 방식으로 구현하는 다채로운 소개에서 나타납니다. . Kashcheev Kingdom의 Nasty Dance는 리듬에 대한 역동적이고 효과적인 이해를 보여줍니다. 발레의 피날레를 통해 이미 멜로디가 블록 코드에 의해 생성된 환희에 찬 울림의 일반적인 분위기에 용해될 때 민속에 대한 변화되고 창의적으로 자유로운 태도에 대해 이야기할 수 있습니다.

발레 '페트루슈카'

1년 간격으로 '파이어버드' 등장 후" 파슬리" Stravinsky는 librettist A. Benois와 함께 Maslyanaya의 축제를 보여주고, 배경에는 전통적인 삼각 관계가 제공되는 인형극이 있습니다. 연인과 고통받는 Petrushka의 드라마에 초점이 맞춰져 있으며, 인형극의 일반적인 줄거리는 보호받지 못하고 민감한 성격의 드라마로서 예상치 못한 측면에서 펼쳐집니다. Blok의 "Showroom"과 Schoenberg의 "Pierrot Lunaire"에도 유사한 캐릭터가 묘사되어 있지만 Stravinsky의 영웅은 민속 프로토 타입에 더 가깝습니다.

스트라빈스키는 놀랍도록 대담한 발걸음을 내디뎠습니다. 그 전에는 완전히 쿠츠카 전통에 따라 전형적인 농민 민속을 고수하면서 도시에 존재하는 민속, 즉 배럴 오르간 음악, 하모니카, 소위 소부르주아 노래, 짖는 사람들의 외침 등으로 눈을 돌립니다.

* 도시 민속을 사용하는 방법은 Rimsky-Korsakov가 "The Golden Cockerel"에서, Serov가 "Enemy Power"에서, 차이코프스키가 그의 많은 작품에서 설명했습니다.

"파슬리"는 놀랍도록 육즙이 많고 다채로운 혼합물을 제공합니다. 발레 악보의 전반적인 색상은 Kustodiev의 그림과 유사합니다.

"Petrushka"에서는 영향이 보입니다. 인상파 작곡가-Debussy ( "The Sea", "Iberia"), Ravel (Rhapsody Espagnole). 그러나 이러한 레슨은 Stravinsky가 러시아 방식으로 수강하고 다시 생각하고 완전히 다른 억양 자료에 적용했습니다. 따라서 발레가 시작될 때 음악은 공간의 여러 지점에서 나오는 군중의 포효를 재현하며 희극 할아버지의 외침에 의해 끊어집니다. "걷는 거리"의 이미지를 그린 스트라빈스키는 의식적인 "봄" 쿼트 성가(멜로디적으로, 선형적으로, 일종의 수직 화음처럼 들리는)를 하나의 사운드 콤플렉스로 결합한 다음 베이스에 다음의 모티브를 레이어링합니다. 의지가 담긴 노래. 여기에서 러시아 원주민의 구성 기술은 인상파 기술과 불가분의 관계로 결합됩니다. 첫 번째 장면은 다양한 노래를 대위법으로 결합합니다. 러시아인형 춤의 부활의 신비스러운 초점은 다채롭다.

풍부한 프레스코 스트로크로 칠해진 극단적인 그림은 두 개의 중간 그림인 "At Petrushka's"와 "At the Moor's"와 반대되며 질감의 관점에서 "실 같은" 그래픽 방식으로 해결되었습니다. Petrushka의 항의 주제(삼중음 거리에서 서로 다른 키의 두 사운드 라인의 충돌)는 Stravinsky의 가장 인상적인 발견 중 하나입니다 *:

영화 'At Arap's'에서 진부함과 꼭두각시 자동성을 지닌 아랍과 발레리나의 왈츠는 의미를 드러낸다.

네 번째 사진에서는 Maslenitsa 축제의 파노라마가 다시 펼쳐지지만 다르게 표현됩니다. 역동성이 크게 강화되고 윤곽이 바뀌었으며 전반적인 색상이 놀랍습니다. 이것은 Petrushka의 옷장에서 본 춤입니다! 근본적인 작곡기법스트라빈스키가 사용하는 는 점점 더 밀도가 높아지는 음악 구조와 함께 에피소드가 번갈아 나타나는 몽타주입니다. 간호사의 춤에서 마부와 신랑의 춤으로 발전하는 추세입니다. 간호사의 춤(Dance of the Nurses)에서 스트라빈스키는 주로 음운 효과를 도입하는 삼중음의 평행성을 사용하고(예 3) 장면의 정점인 마부 및 신랑과 간호사의 춤에서 그는 코드를 압축하고 오케스트라 음향을 높이는 것을 의미합니다.

발레 '봄의 제전'

아이디어 " 봄의 제전"는 "The Firebird"가 완성되었을 때 Stravinsky에서 나왔습니다. 작곡가의 상상력은 이교도 시대의 늙은 마녀와 봄에 대한 희생으로 끝나는 의식을 상상했습니다. 이 아이디어는 N. Roerich와의 협력을 통해 성숙하고 강화되었으며 성장했습니다. 그의 예술적 재능은 그 당시 이교도, "원 슬라브주의", "스키타이주의"(러시아 혁명 이전 예술의 열정 특징 - Blok, Gorodetsky, Prokofiev를 기억하십시오)를 미화했습니다. .

"신성한 봄"은 이교도 Rus의 본질, 출산 본능에 사로 잡힌 조상의 게임을 부활시키고 의식 달력에 종속되어 생명을 위해 희생하고 지구의 봄 재생을 위해 희생합니다. . 이 사진들 이교도 루스'“봄과 함께 깨어나는 자연의 힘을 단호하게 단언합니다. 발레는 특정 의식을 재현합니다. 전통적인 의미의 줄거리는 없습니다. 드라마틱하게는 다음과 같이 구성된다.

첫 번째 부분(“지구의 키스”)은 봄 목회인 소개로 시작됩니다. 그 다음에는 소녀다운 수줍음과 남성적 대담한 이미지가 번갈아 나타나는 춤과 게임이 이어집니다. 소녀, 남성, 노인의 각 비유적 영역에는 고유한 주제 공식, 질감 있는 움직임 유형 및 오케스트레이션이 있습니다. 이 부분은 Elder-Wise의 등장과 "Earth Dancing"장면으로 끝납니다. 두 번째 부분은 행동을 성찬의 차원으로 옮깁니다. 라운드 댄스는 의식으로 대체됩니다. 그 안에서 우선권은 장로들에게 속하며 전체 클랜은 그들의 행동에 종속됩니다. 그들은 자신이 선택한 것을 선택하고 희생합니다. 발레는 "Great Sacred Dance"로 끝납니다.

"The Rite of Spring"은 주로 "Ruslan"과 "The Snow Maiden"에서 이교도를 미화하는 러시아 음악의 전통에 뿌리를두고 있습니다. 그러나 그녀의 계획의 무게 중심은 크게 다릅니다. 이것은 빛과 선함의 승리가 아니며 Yarila와 그의 생명을주는 힘에 대한 찬송가가 아닙니다. 스트라빈스키는 부족이 신격화된 자연의 힘을 불러내는 의식을 보여줍니다. 작곡가는 이 행동에 에너지와 드라마를 불어넣어 "이교도 Rus의 그림"에 다양한 의미를 부여하고 현대성에 대한 암시를 불러일으킵니다.

The Rite of Spring에는 두 가지 요소가 있습니다. 음악적 사고선도하고 있습니다. 첫 번째는 성가를 처리하는 것입니다. 성가는 가장 단순하고 고풍스러운 윤곽, 즉 본질적으로 성가 공식으로 축소됩니다. 두 번째 요소는 리듬인데, 이는 유난히 효과적이고 움직이며 역동적입니다.

"봄의 제전"의 주제는 돌파리의 초대하는 소리, 캐롤의 삼화음, 결혼 노래의 개별적인 억양을 기반으로 합니다. 스트라빈스키는 성가의 개별적인 차이보다는 성가의 유형화에 관심을 두어 특정 형식적인 원형으로 축소합니다. 이 접근 방식은 이미 러시아 고전 작품에 설명되어 있습니다. Glinka는 "Ruslan and Lyudmila"의 합창단 "Lel the Mysterious"에서, Borodin은 "Prince Igor", Rimsky-Korsakov의 프롤로그에서 "The Battle of Kerzhenets"에서 비슷한 작업을 가끔 수행했습니다. 스트라빈스키는 여기서 더 나아가 가장 중요한 것은 이 기술을 창의적인 원리로 전환한다는 것입니다. 그러나 형식성이 노래의 죽음으로 이어지지는 않습니다. 오히려 그들은 “봄의 제전”이라는 억양적 환경 속에서 번성하고 생명력을 얻습니다. 따라서 오프닝 노래는 말 그대로 초기 억양 그레인에서 성장하며, 링크는 리드미컬하게 늘어나고, 압축되고, 재배열되고, 예상치 못한 헤테로포닉 사운드 신경총, 다음 조합을 형성합니다.

일반적으로 종속적인 요소인 "봄의 제전"의 리듬은 스트라빈스키가 대지의 각성을 그리는지, 둥근 춤을 엮는지, 아니면 "Dancing the Earth"에서 리듬에 주문 기능을 부여하는지를 결정하는 주요 요소로 변합니다. 특히 "Great Sacred Dance"에서요. 리듬은 바 라인의 "장벽"을 뒤집고 미터가 자유롭게 바뀌며 숨을 쉬며(예 4) 복잡한 폴리메트릭 스크립트를 형성합니다.

"봄의 제전"의 음악은 드라마학적으로 두 개의 크레센도로 구성되어 있으며 첫 번째 부분의 끝과 전체 작업의 마지막 부분에 두 개의 클라이맥스가 있습니다. 발레 장면은 봄 달력주기와 관련된 노래의 공통 주제로 통합됩니다. 악보의 한 번호에서 다른 번호로 "돋아나는" 성가는 진정한 교향곡 발전을 위한 모든 전제 조건을 만듭니다. 따라서 “봄의 제전”은 모음곡이라기보다는 독특한 교향곡에 더 가깝다고 볼 수 있는 충분한 이유가 있습니다. Stravinsky는 다양한 방식으로 음악 구조의 긴장감을 달성합니다. 텍스처 라인의 헤테로포닉 인터위빙(소개), "확장된" 강장제 사용("Spring Fortune Telling"), 다중 모드 및 다중 톤 레이어("Secret Games of Girls", "Game of Girls") Snatching”, “Games of Two Cities”) 그리고 가장 중요한 것은 주로 오스티나티즘(ostinatism)의 원리를 사용하여 주로 변형 기술을 사용하여 이러한 동적 불안정성을 보존하고 향상시키는 방법으로 독창적인 주제 구성을 개발한다는 것입니다.

마지막으로, 봄의 제전(The Rite of Spring)에 담긴 스트라빈스키의 매우 중요한 발견에 대해 말할 필요가 있습니다. 악기의 음색과 멜로디 유형은 분리될 수 없습니다. 예를 들어, 도입부에서 멜로디를 설정하는 솔로 하이 바순은 이교도 파이프처럼 들리며 이러한 솔루션이 유일하게 가능한 것으로 보입니다. 오후 휴식 Debussy의 "faun" 또는 "에서 Dumka Parobka를 여는 바순 솔로" 소로친스카야 박람회"무소르그스키(Lyadov가 편곡). 발레의 숫자가 다른 키 큰 나무는 봄의 "수정"역할을 합니다.

1913년에 상영된 <봄의 제전>은 V. 니진스키의 안무도 음악도 이해하지 못하는 <러시안 시즌> 관객들 사이에서 이해를 얻지 못했다. 더욱이 초연으로 인해 스캔들이 발생했습니다. 그러나 안무가 인정에서 거부까지 모순된 평가를 받았고 여전히 받으면 음악은 곧 높이 평가되었습니다. 1년 후, 피에르 몽퇴(Pierre Monteux)가 지휘한 콘서트에서 "봄"은 이 뛰어난 악보와 지속적으로 동반되는 승리, 즉 스트라빈스키의 "러시안" 시대의 정점을 맞이했습니다.

발레 <풀치넬라>와 <요정의 키스>

"봄의 제전" 이후 작곡가는 "외계인" 멜로디 소재인 Pergolesi를 사용하는 두 개의 발레를 씁니다. 풀시넬"(1919)와 "의 차이코프스키 요정의 키스"(1928). 이 작품 중 하나는 신고전주의 시대로 전환할 때 만들어졌고, 다른 하나는 그 안에 만들어졌습니다. 이때 해석의 변화가 있습니다. 발레 장르스트라빈스키. 작곡가는 역사적 의상을 입은 무언극 댄스 캐릭터 공연에 대한 Fokine의 미학에서 벗어나 줄거리와 관련하여 중립적 인 댄스 의상을 입은 고전적 유형의 발레에 전적으로 관심을 집중합니다. 그는 페티파(Petipa) 정신으로 발레에 매료되었습니다. 이 이상을 향한 길에서 "Pulcinella"는 매력적인 "다양성"테스트에 지나지 않습니다. 트리오 소나타의 자료를 기반으로 한 절반 스타일 화, 절반 재구성 및 코믹 오페라페르골레시. "요정의 키스"(안데르센의 동화 "눈의 여왕"을 원작으로 함)는 또 다른 더 심각한 문제를 제기합니다. 차이코프스키의 멜로디 소재를 바탕으로 스트라빈스키는 여기서 새로운 유형의 "백색" 발레를 마스터합니다.

그의 창의적인 길의 이 단계에서 작곡가는 민속과 무관한 멜로디, 즉 확장되고 큰 호흡으로 변합니다. "요정의 키스"에서 그는 차이콥스키의 도움을 받아 어린 시절부터 좋아했던 자신의 고향 멜로디에 의지하여 이 일을 합니다. (이 발레 창작의 원동력은 잠자는 숲속의 미녀 악보에 대한 스트라빈스키의 작업이었으며, 그는 디아길레프의 요청에 따라 일부 단편을 추가로 편곡했습니다.) 스트라빈스키는 성악의 멜로디와 피아노 작품차이코프스키(폭풍 속의 자장가, 나타 왈츠, "남자가 하모니카를 연주하다", 휴모레스크, "아니요, 오직 아는 사람만이" 등)를 그의 스타일의 맥락에 소개합니다. 이 스타일의 법칙. 직접 인용한 성악곡뿐만 아니라 다양한 차이코프스키의 작곡을 연상시키는 멜로디의 전환을 재현 피아노 작품, 또한 기타 - 오페라, 교향곡. 스트라빈스키 자신이 지시한 인용문 목록과 귀로 추측한 숨겨진 인용문 목록은 확장될 수 있으며, 작곡가 자신이 때때로 특정 주제의 연관성을 판단하기 어렵다고 느낀 것은 우연이 아닙니다.

스트라빈스키는 차이콥스키의 멜로디를 평소와 같은 방식으로 작업합니다. 특정 곡을 분리하고, 하나 또는 심지어 다른 멜로디의 주제별 부분을 자유롭게 비교하고, 리듬의 역할을 강화하고, 리듬의 발전을 다양한 오스티나토 구성에 종속시키고, 예상되는 클라이맥스를 줄입니다. 조율하고 금관 악기문자열. 동시에, 그의 악보에는 차이코프스키의 질감을 모방했을 뿐만 아니라 멜로디 소재의 매우 감정적인 흐름에서 비롯된 발레의 질감 있는 선의 길이와 유연성에 대한 증거가 있습니다. 그러나 스트라빈스키는 이러한 감정적 자발성을 객관화하고 이를 대조-충돌이 아닌 대조-비교의 평면으로 해석합니다. 전체 발레는 모음곡 원칙을 기반으로 합니다. 서정적 의미를 지닌 첫 번째와 네 번째의 극단적인 그림은 두 번째와 세 번째와 대조를 이룬다. "Humoresque"와 연극 "하모니카를 연주하는 남자"의 인용문이 포함된 두 번째 사진은 "Petrushka"에서와 같이 시골 휴가의 즐거움을 나타냅니다. 세 번째 장면에서 스트라빈스키는 고전적인 pas de deux(The Sleeping Beauty의 질감 모방)를 소개합니다.

"아폴로 무사게테", "카드 놀이", "발레 장면"

« 아폴로 무사게테"는 "The Fairy's Kiss"보다 몇 달 일찍 완성되어 유사한 문제를 해결합니다. 즉, 클래식 발레의 확장된 멜로디와 구조를 마스터하는 것입니다. ("아폴로는 긴 줄의 다성음악 스타일을 향한 나의 가장 큰 발걸음이었습니다."라고 스트라빈스키는 말했습니다.) 이 경우그는 Lully의 스타일, Delibes, Gounod, Saint-Saëns 및 동일한 차이콥스키의 발레 음악에 초점을 맞춘 "범유럽" 자료를 사용하여 이러한 문제를 해결합니다.

현악기로만 구성된 악기 구성의 선택은 차이콥스키의 현악 세레나데만큼이나 Lully의 오케스트라("24 Violins of the King")를 연상시킵니다. Lully의 문체 공식 중 일부를 재작업한 것은 Alexandrian 발레의 리듬 체계에 대한 모방과 결합됩니다. 즉 "긴" 운문입니다(Stravinsky는 Boileau와 Pushkin의 텍스트를 그의 모델로 지정합니다). 단일 음색 구성을 선택한 작곡가가 사운드의 다양성을 도입하는 방법을 찾는 것은 주목할 만합니다. "Apollo"에서는 음량의 대비가 음색의 대비를 대체합니다. 구조적인 면에서 아폴로는 프롤로그, 두 장면, 에필로그에 포함된 변주곡과 파 드 되 등 순전히 발레 형식의 영역입니다.

다음 발레는 “ 카드 게임"(1936) - "올림픽" 방식으로 "아폴로"와 성격이 다릅니다. 카드 게임을 해석한 줄거리에 따라 스트라빈스키의 음악은 예의바른 품위에서 희극으로 예상치 못한 변화를 경험합니다. I. Strauss, Delibes, Haydn의 모티프를 포함하고 있으며 Rossini의 "The Barber of Seville"의 멜로디를 모방했습니다. 점수는 뚜렷하게 기교적인 모습을 가지고 있습니다.

« 발레 장면"(1938)는 스트라빈스키의 발레에서 그러한 줄거리가 점차 사라지고 있음을 확인합니다. 그것은 아폴로에서는 이미 꽤 관습적이지만, 춤을 정당화하기 위해 거기에 존재합니다. 이제 작곡가는 음악 구조가 줄거리의 중재 없이 춤 구조로 표현될 수 있고 표현되어야 한다고 믿으며 이를 폐지하고 있습니다. 그는 안무가 Balanchine의 사람에게서 같은 생각을 가진 사람을 찾습니다.

발레 '오르페우스', '아곤'

그러나 1947에서 Stravinsky는 플롯 발레로 돌아와 예술가를위한 오르페우스의 영원하고 매력적인 주제를 선택했습니다. 그는 이 고대의 주제를 아이러니나 기괴한 현대화 없이 진지하게 해석합니다. 그리고 누가 알겠습니까? 아마도 고대 음모로 전환하여 Stravinsky는 예술가의 잔인한 현실과의 충돌과 그에 대한 승리, 즉 정신, 예술 및 높은 윤리적 이상의 승리를 비유적으로 표현했습니다. 발레가 탄생하기 불과 2년 전, 가장 피비린내 나는 제2차 세계대전이 끝났다는 점을 생각하면, 발레에 그런 의미를 부여할 이유가 더욱 커진다.

주제별 " 오르페우스“모달, 모티브, 음색 등 안정적이고 수세기 동안 테스트된 의미론적 사운드 공식에서 비롯됩니다. 프리기아 음계와 하프(하프의 모방) 소리로 고대의 분위기를 재현한 발레의 오프닝 멜로디이다. 강력한 명왕성의 왕국은 몬테베르디에서 베토벤, 심지어 베르디까지 바위와 운명의 주제를 연상시키는 삼중음 또는 점선 리듬의 트럼펫과 트롬본 코드로 구현됩니다. 오르페우스에서 들려오는 위로의 노래는 로코코 양식의 특징과 바로크 형상이 결합된 목가적인 오보에 이중창에 맡겨졌습니다. 죽음의 천사의 등장에는 피리, 낮은 나무, 구리의 롤 호출이 동반됩니다. 그러나 사용된 테마의 성격이 무엇이든, 스트라빈스키 자신의 스타일은 발레 전반에 걸쳐 명백히 지배적입니다. 이는 주제 공식의 처리, 구성의 일반적인 성격 및 개발 방법, 개별 발레 번호의 종속에서 눈에.니다. 프레젠테이션은 콘서트와 같은 품질이 특징입니다. 악기 그룹이 솔리스트와 대조되고 오케스트라 자체가 앙상블처럼 들리기 시작합니다. 멜로디 자료를 사용하는 기술은 일반적으로 이전과 동일하게 유지됩니다: 동기 단위의 재배치, 압축 및 확장 등. 동시에 리드미컬한 움직임과 병행하여 간격 움직임에 대한 Stravinsky의 특별한 헌신을 느낄 수 있습니다. 변형 (예를 들어 숫자 44 참조). 이러한 악장은 점묘법적 성격을 띠고 있으며, 연속 기법을 향한 스트라빈스키의 발전을 예상하고 있습니다.

발레의 극작법은 오르페우스와 바칸테스의 장면인 Pas d'action을 지향하며, 이 장면은 드라마가 돋보이며 이후 "봄의 제전"의 마지막 곡으로 리듬의 에너지를 반영합니다. 발레의 신격화에서 같은 "The Rite of Spring"의 "Spring Round Dances"를 연상시키는 노래가 들리며 "Orpheus"음악의 러시아 기원을 강조합니다.

« 아곤" -스트라빈스키가 만든 마지막 발레. 그리스어로 그 이름은 "경쟁", "경쟁", "게임", "분쟁"을 의미합니다. 이 곡은 근본적으로 줄거리가 없으며 줄거리가 매우 전통적인 스트라빈스키의 "백인" 발레 라인을 완성합니다(그러나 우리가 알고 있듯이 이에 대한 경향은 The Rite of Spring에서 나타났습니다). 내러티브는 음악의 안무적 구현으로 대체됩니다. "발레 장면"에 대해 Stravinsky는 다음과 같이 썼습니다. "음악을 작곡할 때 나는 이 줄거리가 없는 "추상적인" 발레의 춤 구조를 명확하게 상상했습니다. "Agon"에서도 비슷한 일이 발생합니다. Balanchine은 그의 임무를 "리듬뿐만 아니라 가시화하는 것"으로 보았습니다. , 멜로디와 하모니뿐만 아니라 악기의 음색도 있습니다." 이와 관련하여 우리는 그러한 솔루션의 기원이 러시아 안무가의 경험으로 거슬러 올라간다는 점을 언급하지 않을 수 없습니다. 우선 F. V. Lopukhov는 발레 "The Greatness"를 작곡했습니다. of the Universe”는 베토벤의 네 번째 교향곡에도 비슷한 목표를 세웠습니다. 이 경험은 잊혀지지 않았지만 발란신(상트페테르부르크 안무 학교 학생)과 스트라빈스키의 작품에서 계속되었습니다.

'아곤'의 4성부 음악은 일련의 4음( es-d-f-e), 서론(Pas de quatre)에서 이미 공식화되었습니다. 이는 음조 구조(동일한 도입부)와 순전히 연속 구조(Double pas de quatre) 모두에서 발견됩니다. 12음 십이음 계열(Galliard)이 이로부터 형성됩니다. 스트라빈스키는 이 시리즈를 안정된 사운드 콤플렉스와 결합하여 주제적으로 사용하고, 일종의 마이크로모드로 취급하고, 3화음과 결합하거나 그 위에 오스티나토 형식을 구축하는 등 주로 음조 특성을 부여합니다. 이 마이크로시리즈와 이를 기반으로 한 12음 시리즈의 진행은 일반적으로 그들이 시작한 사운드로 끝나며, 이는 그 자체로 특정 멜로디 기반을 강조합니다. 동시에 "Agon"의 음악에는 시리즈의 사운드가 서로 다른 음역에 흩어져 있을 때 주제와 질감의 "비물질화"와 함께 시리즈의 다성적 변형을 사용하여 Webern 스타일을 고려하여 만들어진 에피소드가 있습니다. 일시 정지로 강조되는 악기. "Agon" 전체는 음조와 연속 매개변수의 변증법에 속해 있지만, 이 논쟁과 경쟁에서 장점은 스트라빈스키의 일반적인 음조 방식 편에 있습니다.

발레의 리듬과 운율 체계는 결코 추상적이지 않습니다. 그들은 고대 춤의 장르 색상인 사라방드(sarabande), 갈리아드(galliard), 브란레(branle)를 받습니다. 이는 특히 중간 부분(두 번째와 세 번째)에서 두드러집니다. 발레의 결말은 시작부터 다양하다.

Agon 오케스트라는 악기 그룹(종종 솔로)으로 나누어지며 만돌린과 같은 특이한 악기를 포함합니다. 이 그룹은 다양한 조합으로 사용되며 일종의 창의적인 경쟁에도 참여합니다.

이 기사에 전기가 실린 Igor Stravinsky는 뛰어난 러시아 작곡가, 피아니스트 및 지휘자입니다. 그는 음악적 모더니즘의 대표자이다. Igor Fedorovich는 다음 중 하나입니다. 가장 큰 대표자세계 예술.

전기

1882년 6월 17일, 이고르 스트라빈스키가 태어났습니다. 작곡가 부모님의 간략한 전기를 통해 소년의 음악에 대한 열정이 어디서 나오는지 알 수 있습니다. 그의 아버지 Fyodor Ignatievich는 오페라 가수이자 러시아의 명예 예술가 인 Mariinsky Theatre의 솔리스트였습니다. 어머니 안나 키릴로브나는 피아니스트였습니다. 그녀는 남편의 콘서트에 반주자로 참여했습니다. 가족은 집에서 예술가, 음악가 및 작가를 초대했습니다. F. M. Dostoevsky는 Stravinskys의 빈번한 손님이었습니다. Igor Stravinsky는 어린 시절부터 음악에도 참여했습니다. 이 기사에는 작곡가의 부모 사진이 나와 있습니다.

9살 때 미래의 작곡가는 피아노 레슨을 받기 시작했습니다. Igor Fedorovich가 고등학교를 졸업했을 때 그의 부모는 그가 법률 교육을 받도록 주장했습니다. 미래의 작곡가는 상트페테르부르크 대학교에서 공부하는 동시에 음악 이론 분야를 독립적으로 공부했습니다. 그의 유일한 작곡 학교는 Igor Fedorovich가 Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov로부터 배운 개인 교습이었습니다. 이 위대한 사람의 지도하에 I. Stravinsky는 그의 첫 작품을 썼습니다. 1914년에 Igor Fedorovich는 가족과 함께 스위스로 떠났습니다. 곧 1차 세계 대전이 시작되어 스트라빈스키 가족은 러시아로 돌아오지 못했습니다. 1년 후 작곡가는 프랑스로 이주했습니다. 1936년부터 Igor Fedorovich는 미국 여행을 시작했습니다. 제2차 세계대전이 시작된 후 그는 미국으로 영구적으로 이주했습니다. 1944년 I. Stravinsky는 미국 국가를 특이한 편곡으로 연주회에서 연주했습니다. 이를 위해 그는 체포되었습니다. 그는 국가를 왜곡하여 벌금을 물게 되었습니다. 작곡가 자신은 일어난 일을 광고하지 않는 것을 선호했으며 실제로는 그런 일이 일어나지 않았다고 항상 말했습니다. 1945년에 작곡가는 미국 시민권을 받았습니다. 이고르 표도로비치는 1971년에 사망했습니다. 사망 원인은 심부전이었습니다. 작곡가는 베니스 산 미켈레 묘지의 러시아 묘지에 묻혔습니다.

크리에이티브 경로

위에서 언급했듯이 Igor Stravinsky는 Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov의지도하에 그의 첫 작품을 썼습니다. 작곡가는 이를 대중에게 선보였으며 이러한 공연 중 하나에 참석하여 Igor Stravinsky의 음악을 높이 평가했습니다. 곧 유명한 임프 레사 리오가 Igor Fedorovich 협력을 제안했습니다. 그는 그에게 파리에서 열리는 러시아 시즌을 위한 발레 음악을 작곡하도록 의뢰했습니다. I. Stravinsky는 S. Diaghilev와 3년 동안 협력했으며 이 기간 동안 그의 극단을 위해 "봄의 제전", "Petrushka", "불새" 등 세 편의 발레를 작곡하여 유명해졌습니다. 1924년 이고르 페도로비치(Igor Fedorovich)가 피아니스트로 데뷔했습니다. 자작곡 - 피아노 협주곡과 브라스 밴드- Igor Stravinsky가 무대에서 공연했습니다. 지휘자는 그 전에도 그에게 나타났습니다. 그는 1915년부터 1926년까지 이 직책을 맡았습니다. 주로 공연을 진행함 자신의 작품. 그는 음악가들에게 매우 까다로운 사람이었습니다. 50~60년대에는 그의 작곡 대부분이 오디오 녹음으로 만들어졌습니다. 1962년에 I. Stravinsky는 소련을 여행했습니다.

개인 생활

1906년에 작곡가는 그의 사촌 Ekaterina Nosenko와 결혼했습니다. 그것은 큰 사랑의 결혼이었습니다. Stravinsky 부부에게는 Milena, Lyudmila, Svyatoslav 및 Fedor의 네 자녀가있었습니다. 강철의 아들들 유명한 인물기예 Fedor는 예술가이고 Svyatoslav는 피아니스트이자 작곡가입니다. 딸 Lyudmila는 시인 Yuri Mandelstam의 아내였습니다. Catherine이 소비로 고통 받았기 때문에 Stravinskys는 겨울 동안 스위스로 갔고 상트 페테르부르크의 습한 공기는 그녀의 건강에 해로운 영향을 미쳤습니다. 1914년 이고르 페도로비치와 그의 가족은 스위스에 오랫동안 머물러야 했지만, 제1차 세계 대전이 발발하고 혁명이 일어나 러시아로 돌아갈 수 없었습니다. 가족은 러시아에 남아 있던 모든 재산과 돈을 잃었습니다. Igor Stravinsky는 이 사실을 재앙으로 인식했습니다. 작곡가의 가족은 꽤 많았고 모두 먹여야했습니다. 그의 아내와 네 자녀 외에도 자매, 조카, 어머니도 있었습니다. 이 기간 동안 I. Stravinsky는 러시아에서의 작품 공연에 대한 로열티 수령을 중단했습니다. 그가 이민을 갔기 때문에 이런 일이 일어났습니다. 우리나라에서 출판된 그의 모든 작품은 작가에게 돈을 지불하지 않고 공연하는 것이 허용되었습니다. 고치기 위해서는 재정 상황, Igor Stravinsky는 그의 작품을 새로운 버전으로 만들었습니다. 작곡가의 개인적인 삶에는 전설이 없었습니다. 그는 코코 샤넬과의 관계로 인정 받았습니다. I. Stravinsky가 생계 수단이 거의 없었을 때 Mademoiselle이 그를 도왔습니다. 그녀는 작곡가와 그의 가족을 자신의 빌라에 초대했습니다. Igor Fedorovich는 2년 동안 그와 함께 살았습니다. 그녀는 I. Stravinsky의 콘서트 조직을 후원하고 그의 가족을 부양했습니다. 작곡가가 더 이상 자신의 별장에 살지 않게 되자 코코는 이후 13년 동안 그에게 매달 돈을 보냈습니다. 이 모든 것이 그들의 로맨스에 대한 소문을 불러 일으켰습니다. 게다가 코코는 사랑이 많은 여자였다. 그러나 이러한 소문이 사실일 가능성은 거의 없습니다. I. 스트라빈스키는 프랑스 여성의 돈에만 관심이 있었습니다.

1939년 이고르 페도로비치의 아내가 사망했습니다. 얼마 후 I. Stravinsky는 다시 결혼했습니다. 그의 두 번째 아내는 작곡가 Vera Arturovna Sudeikina의 오랜 친구였습니다.

창의력의 러시아 시대

이 기사에 사진이 실린 Igor Stravinsky는 경력의 첫 번째 단계 인 1908-1923에서 주로 발레와 오페라를 썼습니다. 그의 창의적인 경력의 이 기간을 "러시아어"라고 합니다. 이때 그가 쓴 모든 작품에는 공통점이 많다. 모두 러시아 민속의 모티프와 주제를 담고 있습니다. 발레 "The Firebird"에서는 N. A. Rimsky-Korsakov의 작품에 내재된 문체적 특징이 명확하게 드러납니다.

창의성의 신고전주의 시대

이것은 작곡가의 창작 경로 개발의 다음 단계입니다. 1954년까지 지속되었습니다. 그것은 오페라 "The Mavra"로 시작되었습니다. 이 시기의 기초는 18세기 음악의 스타일과 경향을 재고하는 것이었습니다. 이 기간이 끝나면 창의력이 발전하면서 작곡가는 고대와 신화로 변합니다. 고대 그리스. 발레 '오르페우스'와 오페라 '페르세포네'가 작곡됐다. 신고전주의와 관련된 I. Stravinsky의 마지막 작품은 "The Rake 's Progress"입니다. W. Hogarth의 스케치를 바탕으로 한 오페라입니다.

창의성의 연속 기간

50년대에 Igor Stravinsky는 연속 원리를 사용하기 시작했습니다. 이 시기의 과도기적 작품은 알려지지 않은 영국 시인들의 시를 엮은 칸타타였습니다. 그것은 음악의 완전한 다성화를 보여줍니다. 이 시대의 후속 작품은 완전히 연재되었으며 작곡가는 음조를 완전히 포기했습니다. “선지자 예레미야의 애가”는 완전히 12음의 구성입니다.

뮤지컬 극장용 작품

작곡가 이고르 스트라빈스키가 쓴 오페라, 발레, 동화 및 장면 목록:

"Les Noces"(이고르 스트라빈스키의 대본).
"발레 장면"
페트루슈카(대본)
"아곤."
"카드 놀이"(이고르 스트라빈스키의 대본).
"아폴로 무사게테".
“The Firebird”(M. Fokin의 대본).
"페르세포네."
"요정의 키스"(이고르 스트라빈스키의 대본).
"풀치넬라".
"Mavra"(Alexander Sergeevich Pushkin의시를 바탕으로 한 B. Kokhno의 대본).
"홍수".
“여우, 수탉, 고양이와 숫양에 관한 이야기”(이고르 스트라빈스키의 대본).
"오르페우스".
"군인의 이야기"(러시아 동화를 바탕으로 한 C. F. Ramu의 대본).
"신성한 봄".
"The Rake's Progress"(W. Hogarth의 그림을 바탕으로 한 C. Collman과 W. Auden의 대본).
"오이디푸스 왕"
"The Nightingale"(H. H. Andersen의 동화를 바탕으로 한 S. Mitusov의 대본).

오케스트라를 위한 작품 목록

"장례곡"
C 교향곡
러시아 스타일의 Scherzo.
"콘서트 댄스"
축하 전주곡.
Es 장조 교향곡.
덤바튼 오크스.
바이올린과 오케스트라를 위한 협주곡 D장조.
"불꽃".
"어린 코끼리를 위한 서커스 폴카."
오락.
'불새'는 발레 모음곡이다.
피아노와 오케스트라를 위한 카프리치오.
“노르웨이의 네 가지 기분.”
바젤 콘서트.
환상적인 스케르초.
발레 <풀치넬라> 중 모음곡.
올더스 헉슬리(Aldous Huxley)를 기리기 위한 변주곡입니다.
피아노, 브라스밴드, 팀파니, 더블베이스를 위한 협주곡.
피아노와 오케스트라를 위한 '악장'.
세 악장의 교향곡.

합창단의 경우

이고르 스트라빈스키는 많은 글을 썼습니다 합창 작품. 그 중에는:

"기억의 입문."
"시편 교향곡"(합창단과 오케스트라를 위한).
“선지자 예레미야의 애가.”
칸타타 “설교, 비유, 기도”(알토, 테너, 낭독자, 합창단, 오케스트라를 위한).
"Creed"(반주 없이 합창단을 위한 작품).
K. Balmont "Star-faced"의 시를 바탕으로 한 칸타타.
“우리 아버지”(반주 없는 합창단을 위한).
"장례식 노래."
“기뻐하세요, 동정 마리아님.”
칸타타 “바빌론”(독자, 남성 합창단, 오케스트라를 위한).
성 마르코의 이름으로 성가를 부릅니다.
"미사"(for 혼성 합창단관악기 앙상블과 함께).
15~16세기 익명의 영국 시인들의 시를 주제로 한 칸타타.
"Podblyudnye" - 여성 합창단을 위한 러시아 농민 노래.
T. Eliot의 시를 찬송합니다.

실내 작품 목록

에보니 콘서트.
비올라를 위한 비가.
클라리넷을 위한 세 곡.
'군인의 이야기'는 바이올린, 클라리넷, 피아노를 위한 오페라 모음곡이다.
C. Debussy에게 헌정된 관악기를 위한 교향곡입니다.
콘서트 듀엣.
현악4중주를 위한 세 곡.
M. Egon의 묘비에 대한 비문.
재즈 밴드의 전주곡.
현악4중주를 위한 협주곡.
래그타임.
R. Dufy를 기념하는 이중 캐논.
두 개의 트럼펫을 위한 팡파르.
현악기, 관악기, 피아노를 위한 7중주.
두 대의 녹음기를 위한 자장가.
바람을 위한 옥텟.

작곡가를 기리며

Oranienbaum에 위치한 음악 학교는 Igor Stravinsky라는 이름을 가지고 있습니다. 작곡가를 기리기 위해 우표와 동전이 발행되었습니다. ~ 안에 프랑스 도시몽트뢰에는 이고르 스트라빈스키의 이름을 딴 음악 강당이 있습니다. 수성(Mercury) 행성에는 그의 이름을 딴 분화구가 있습니다. "이고르 스트라빈스키"라는 이름은 관광선과 Aeroflot A-319 항공기에서 따왔습니다. 다음은 위대한 러시아 작곡가의 이름을 따서 명명되었습니다: 암스테르담의 거리, 파리의 분수, 로잔의 골목, 오라니엔바움의 광장. 우크라이나(볼린)에는 이고르 스트라빈스키 박물관이 문을 열었습니다. 그리고 1994년부터 이 작곡가, 지휘자, 피아니스트의 이름을 딴 국제 음악 축제가 그곳에서 개최되었습니다.