드뷔시. “베르가마스 스위트. 드뷔시의 피아노 작품 Moonlight by Debussy

시리즈 " 탐정 사무소 « 월광""는 1985년 ABC에서 방영되었습니다. 제목은 말장난이다. 달빛은 달빛 그 자체일 뿐만 아니라 "아르바이트", "해킹 작업"이라는 전문 용어로도 사용됩니다.

달이 없었다면 이런 일은 일어나지 않았을 것입니다.

시리즈 소개곡 풀버전

시리즈의 제작자인 Glenn Gordon Keron은 채널 경영진으로부터 새 쇼가 탐정 이야기가 될 것이라는 사실을 알게 되었습니다. “아, 그렇죠. 미국 청중이 놓치고 있는 또 다른 탐정이군요.” Caron이 말했습니다. 그러나 아무도 그의 의견에 관심을 기울이지 않았습니다. 얼마 후, 그들은 여전히 '창설에 동의했습니다. 로맨틱 라인"소설 중.

David와 Maddie 시리즈의 주인공

Caron은 줄거리에 대한 영감의 주요 원천으로 William Shakespeare의 The Taming of the Shrew를 인용합니다. 사실 아토믹 셰익스피어 시리즈는 권위 있는, 실제 의상 각색.

패러디 시리즈 “Atomic Shakespeare”

패러디와 그로테스크는 시리즈 대본의 특징이 되었습니다. 여기에는 '초현실적'이라고 분류할 수 있는 요소가 많이 있습니다. 배우들은 네 번째 벽을 깨는 경우가 많다. 그들은 화면에서 관객에게 연설하고, 그들의 캐릭터와 대본에 적힌 행동에 대해 토론하고, 줄거리에 대해 토론합니다. 에피소드 중 하나에서는 시작하기 전에 주인공의 출연자들이 영상의 타이밍에 대해 논의하여 시간을 "당기"려고 노력합니다.

영웅들이 청중에게 연설합니다.

Orson Welles는 "The Dream Sequence Always Rings Twice" 에피소드가 시작되기 전에 청중에게 연설을 녹음했습니다. 이것이 그의 마지막 텔레비전 촬영이었습니다. 그는 일주일 안에 죽을 것이다.

Orson Welles가 에피소드를 미리 봅니다.

Orson Welles가 시리즈에 직접 등장합니다.

이 시리즈는 본질적으로 실험적이었고 일부는 흑백 영화로 양식화되었습니다. 게다가 당시 텔레비전으로 촬영한 에피소드 중 가장 비용이 많이 드는 에피소드였습니다. 예산은 2백만 달러였습니다. 필름 느와르, 스릴러, 코미디, TV 쇼 등 모든 장르가 시리즈에서 패러디되었습니다. 서부 에피소드를 촬영할 계획도 있었지만 그 아이디어는 실현되지 않았습니다. 이러한 스타일화는 시리즈의 특징이 되었습니다. 시청자는 줄거리가 어떻게 더 발전할지 결코 알지 못했습니다.

시리즈 '꿈의 연속은 항상 두 번 울린다'

배우들은 미장센에서 세트장으로 등장하여 시리즈 세트장의 밑면을 보여줄 수 있습니다. 내러티브에는 역할 중 하나에 배우를 캐스팅하는 과정이 포함될 수 있습니다. 그리고 작가 파업으로 끝나는 에피소드에서 배우들은 즉석에서 자신만의 텍스트를 떠올려야 한다.

자기 아이러니는 시리즈의 주요 트럼프 카드입니다.

월광탐정사 시리즈 촬영은 정말 힘들었다

시리즈 촬영에는 구름이 없었습니다. 주인공의 캐릭터가 스스로 느껴졌습니다. 캐릭터, 그리고 그 과정 자체가 매우 어려웠습니다. 종종 제작자는 에피소드를 제 시간에 촬영할 시간이 없었습니다. 여기에는 여러 가지 옵션이 있었습니다. 주인공의 기억 요소를 줄거리에 포함하거나(읽기: 과거 에피소드의 일부 표시) 단순히 방송을 연기하는 것입니다. 후자는 너무 자주 발생하여 제작자들이 기다리는 모습을 보여주는 홍보 영상이 방영되었습니다. 새로운 시리즈. 그러나 이것은 상황에서 가장 우아한 방법이었습니다.

이 시리즈는 80년대의 상징적인 쇼가 되었습니다.

1986년에는 시리즈의 에피소드가 3D 형식으로 발표되었습니다. 이 프로젝트의 후원자는 코카콜라 회사였습니다. 돋보기(4천만 쌍 제작)는 정기 간행물을 통해 배포될 예정이었습니다. 하지만 작가들의 파업으로 인해 해당 에피소드는 제작되지 못했다.

3D 시리즈 프레스킷 표지

3D 시리즈 프레스 키트 확산

우피 골드버그, 피어스 브로스넌, 브루스 윌리스의 아내 데미 무어 - 그와는 거리가 멀다 전체 목록시리즈에 출연한 "게스트 스타". 그들은 그 자신일 수도 있고 어떤 역할을 할 수도 있습니다. 예를 들어 Rocky Balboa가 한때 시리즈에 등장했습니다. 그러나 쇼에서 가장 예상치 못한 게스트는 확실히 Timothy Leary였습니다.

Timothy Leary는 Moonlight Detective Agency의 에피소드에 출연했습니다.

시청률 하락으로 인해 시리즈가 취소되었습니다. 그 이유는 주요 로맨스 라인의 해소와 완성으로 간주되었습니다. 그러나 더 설득력 있는 이유가 있다는 점은 주목할 가치가 있습니다. 시빌 셰퍼드의 임신, 브루스 윌리스의 영화 경력과 그들의 긴장된 관계 영화 세트장그들의 역할을 했습니다. 얼마 전 이 시리즈의 영화 버전이 나올 가능성이 있다는 소문이 돌았습니다. 현대 영화 산업이 그러한 표현의 자유를 수용할지는 여전히 의문입니다.

이 쇼는 시청자들에게 인기가 있었습니다. 그리고 그것은 전문가들의 사랑과 인정을 얻었습니다. 따라서 애니메이션 시리즈 "Alvin and the Chipmunks"의 에피소드 중 하나는 "Moonlight Detective Agency"의 스타일을 패러디합니다.

TV 시리즈 "Alvin and the Chipmunks"의 에피소드 "Dreamlighting"의 일부

1997년에 개봉된 인도 TV 시리즈 One Plus One은 Moonlight Detective Agency의 비공식 패러디입니다.

패션 디자이너 Igor Chapurin이 시리즈에서 영감을 받은 컬렉션을 선보입니다.

국내 디자이너 Igor Chapurin의 "2017 봄-여름" 컬렉션은 80년대 미학에서 영감을 받아 유명한 TV 시리즈에 헌정되었습니다. '달빛'이라 불렸습니다.

수업 목적: 음악 예술의 시각적 가능성에 대한 어린이의 이해를 확장하고 심화시킵니다.

수업 목표:

창의적인 사고, 주의력 및 기억력 개발.
다양한 작곡가의 음악에서 유사하고 다른 특징을 비교하고 식별합니다.
플라스틱 억양 기술을 습득합니다.
음악적 표현 수단을 귀로 식별하는 능력을 강화합니다.

음악 자료: L. van Beethoven 피아노 소나타 14번 "Moonlight", C. Debussy "Moonlight".

수업을 위한 장비:

피아노.
DVD 플레이어. TV 또는 비디오 프로젝터.
L. 베토벤, G. Guicciardi, C. Debussy의 초상화.
"Lunnaya"의 오디오 녹음 베토벤 소나타, 드뷔시의 '달빛'.
베토벤 L. 피아노 소나타 14번 "달빛" – 클라비어.
컬러 카드(컬러 판지).

수업 구조:

정리 시간. 수업의 주요 단계.
대화.
듣기와 분석 음악 조각(베토벤의 '월광 소나타')
플라스틱 억양.
음악(C. Debussy의 "Moonlight")을 듣고 분석합니다.
Debussy의 음악에 대한 비디오 시청, 분석, 비교.
음력 색상의 색상 팔레트 작성 (응용 프로그램)
강의 요약. 획득한 지식의 일반화 및 통합.

수업 중

교사: (신청: 발표 - 슬라이드 2번).

깊은 잠에 빠진 영혼
나는 당신을 밤의 열린 공간으로 보내 줄 것입니다-
바다를 넘어 육지를 넘어 날아라
사막 너머와 울창한 숲 속에서.
밤은 담요로 땅을 덮었다
꿈, 환상, 동화 그리고 꿈...
별과 달도 지쳐 보여요
평화, 평온, 꿈을 보호합니다.

제가 오늘 시로 수업을 시작한 것은 우연이 아닙니다. 왜냐하면 이 수업은 하루 중 가장 신비롭고 낭만적이며 멋지고 시적인 시간에 바쳐질 것이기 때문입니다. 우리 수업의여 주인공은 아름답고 요염한 밤의 빛이며 밤의 여왕은 달 폐하입니다. 오늘 우리는 다양한 시대와 국가의 작곡가들의 작품을 듣게 되지만 이 모든 작품은 달에 헌정되었기 때문에 우리 레슨을 "달의 멜로디"라고 부르겠습니다.

2.

우선, 협회 플레이를 제안합니다. 밤, 달이라는 단어를 들을 때 어떤 생각, 감정, 경험을 경험하시나요? 이러한 개념과 어떤 연관성이 있습니까?

아이들의 답변.

(다음 프레젠테이션 슬라이드에서 (첨부파일: 발표자료 – 슬라이드 번호 3) 밤 풍경과 연관될 수 있는 단어가 등장한다: '신비', '로맨스', '위험', '공포', '환상', '차가움', '마법', '외로움', '신비', '재미' , “빛”, “기쁨”, “명랑함” 등. 어린이들에게 적절한 단어를 선택하라고 한다.)

어린이들의 대답과 카드에 적힌 단어를 요약합니다.

선생님: 다른 사람들그들은 달과 밤을 다양한 방식으로 인식합니다. 어떤 사람들에게는 위험, 불안, 외로움의 시간이고 다른 사람들에게는 시인이 시를 쓰고, 마술이 일어나고, 연인들이 만나는 하루 중 가장 낭만적인 시간입니다.

많은 예술가, 음악가, 시인이 자신의 창작물을 달에 바쳤습니다. 이제 우리는 음악 여행을 떠나 위대한 음악을 듣겠습니다. 독일 작곡가루트비히 판 베토벤.

(첨부: 발표자료 – 슬라이드 번호 4)

교사: 작곡가의 초상화를 보세요. 초상화에 묘사된 인물의 성격은 무엇이라고 생각하시나요? 그는 어떤 삶을 살았나요?

아이들의 답변.

선생님: 베토벤의 시선에서 우리는 가혹함과 가혹함을 느낍니다. 왜냐하면 작곡가의 평생은 운명과의 끝없는 투쟁이었기 때문입니다. 심각한 병, 그는 25세에 겪었습니다. 청각 장애였습니다. 작곡가에게 청력을 잃는 것은 사형 선고입니다. 창의적인 길!.. 그러나 베토벤에게는 그렇지 않았습니다. 그의 작품을 통해 그는 자신의 질병과 운명에 굴복하지 않을 것임을 인류에게 계속해서 증명했습니다.

베토벤은 독일의 작은 도시 본에서 태어났습니다. 그는 20세쯤 되었을 때 오스트리아의 수도인 비엔나로 이주했습니다. 그가 생애가 끝날 때까지 사는 곳. 비엔나에서 그는 16세의 아름답고 어린 소녀인 줄리에타 구이치아르디(Giulietta Guicciardi)를 만났습니다. 베토벤은 이 아름다움에 반했습니다. (첨부파일: 발표자료 – 슬라이드 번호 5), 물론 이것은 젊은 줄리엣을 기쁘게하는 것입니다. 베토벤은 그의 가장 유명한 작품 중 하나인 "달빛"이라고 불리는 피아노 소나타 14번을 그녀에게 헌정함으로써 사랑하는 사람의 이름을 불멸화시켰습니다. '월광 소나타'는 작곡가가 자연과 홀로 반성하는 곡으로, 줄리엣 귀차르디에 대한 자신의 감정을 드러낸다. 듣기 전에 이해를 목표로 하는 질문:

A) 음악의 성격, 이미지. 음악에는 어떤 분위기가 전달되나요?
B) 줄리엣은 베토벤을 사랑했나요? 그들의 관계는 어떻게 발전했는가?

(첨부: 발표자료 – 슬라이드 번호 6)

겨울 저녁에 창문을 장식하고,
하늘이 눈송이로 갈라졌습니다.
달빛은 음악처럼 아름다워
그는 얼어 붙은 집으로 내려갔습니다.
그리고 '월광소나타'가 울려퍼졌다.
마치 밝은 천사가 찾아온 것 같아요...
루트비히 반 베토벤 자신도 한때
차가운 창가에 앉아:
마냥 어두웠는데 겨울 저녁,
어쩌면 그 옆에는 푹신한 고양이가 자고 있었을지도 모릅니다.
그리고 따뜻한 이불을 어깨에 덮어주고,
작곡가가 음악을 썼습니다.
하늘은 다이아몬드 같은 별들로 가득 차 있었고,
달빛 - 보헤미안 유리,
그리고 집들은 마치 모조 다이아몬드처럼 눈송이로 덮여 있습니다.
그리고 포도주는 수정에서 반짝였습니다.

청취 " 월광 소나타"라고 오디오 녹음에 나와 있습니다.

오디션 전 질문에 대한 아이들의 답변. 아이들이 말한 것을 교사가 요약했습니다.

3. 플라스틱 억양.

선생님은 '월광' 소나타의 초기 부분을 피아노로 연주합니다.” 다음으로 반주의 성격(파도의 움직임을 연상시키는 3개의 상승 음표)과 멜로디 라인의 특징(점선 리듬으로 연주되는 한 음표 높이의 주제는 음악에 남성적이지만 약간의 절망감이 있는 캐릭터입니다. 아이들은 조형적 움직임을 통해 멜로디와 화성의 패턴의 특징을 전달하도록 초대됩니다. 이를 위해 아이들은 '하모니', '멜로디', '베이스 보이스'의 3개 그룹으로 나뉩니다.

하모니 그룹:

파도의 움직임과 유사한 부드러운 손의 움직임으로 공중에서 아르페지오 소리가 올라가는 방향을 재현합니다. '억양' 과정에서는 손의 움직임과 조화로운 소리의 정확한 일치, 제스처의 표현력이 평가됩니다.

멜로디 그룹:

같은 높이에 손바닥을 모아서 그는 선율적인 목소리를 "발성"합니다. 점으로 이루어진 리듬의 정확한 재현과 몸짓의 표현력을 평가합니다.

"베이스" 그룹: 마치 깊이 "들어가는" 것처럼 손이 아래쪽으로 부드럽게 움직입니다.

선생님:그래서 "달의 길"을 따라 우리의 음악 여행은 계속됩니다. 이번에 우리는 20세기 초 프랑스로 갑니다.

이때 매우 아름답지만 복잡한 이름을 가진 그림의 새로운 방향, 즉 인상주의가 유럽 전역에 퍼지기 시작했습니다. (첨부: 발표자료 – 슬라이드 번호 7). 인상파 화가들의 그림 – 클로드 모네, 오귀스트 르누아르 등 (첨부: 발표자료 – 슬라이드 번호 8, 9, 10) – 밝은 색상과 빛으로 가득 차 있었습니다. 예술가들은 언제나 야외, 자연의 품 속에서 그림을 그렸기 때문에 우리는 바람의 부는 소리, 나뭇잎의 흔들리는 소리, 따뜻한 공기의 고동 소리, 자연의 다채로운 색을 느끼는 것 같습니다.

그림의 인상주의가 음악, 나아가 달과 어떻게 연결되어 있는지 물을 수 있습니다. 이전 수업에서 우리는 모든 유형의 예술이 서로 연결되어 있고 그림, 건축, 시 및 음악이 공통점이 많다는 사실에 대해 두 번 이상 이야기했습니다! 그래서 인상주의는 회화에서 시작되었고 음악에서도 나타났습니다. 인상파 작곡가 중 한 명은 프랑스인이었습니다. (첨부: 발표자료 – 슬라이드 번호 11). Debussy는 그의 음악 작품에 "Footprints in the Snow", "Fallen Leaves", "The Sea: From Dawn to Noon"과 같은 매우 시적이고 "그림 같은" 제목을 붙이는 것을 좋아했습니다. 과연 이것은 마치 음악이 아닌, 색이 아닌 소리로 그린 그림인 것 같습니다! Debussy의 작품 중 다수에는 자연 그림이 포함되어 있습니다.

오늘 우리는 C. Debussy의 작품 중 하나를 듣고 심지어 볼 것입니다. 베토벤의 소나타처럼 이 곡도 밤에 헌정되었습니다. 작품 제목은 '달빛'이다.

듣기 전에, 이해를 목표로 하는 질문:

이 작품의 독주자는 어떤 악기인가요?
성격, 음악의 분위기(부드러움, 차분함, 평화로움, 고요함)

드뷔시의 "Moonlight" 오디오 녹음(하프 편곡) 듣기.

이전에 제기된 질문에 대한 어린이의 답변입니다. C. Debussy의 음악에 대한 하프와 음색의 대응에 대한 대화가 있습니다. (첨부: 발표자료 – 슬라이드 번호 12)

5.

교사: 우리는 두 번째 듣기와 드뷔시의 음악 비디오 시청을 결합할 것입니다.

당신의 임무는 음악에 완전히 몰입하고 그 소리를 즐기는 것입니다. 그리고 가장 세심한 사람들은 아마도 첫 번째 버전과 두 번째 버전의 차이점을 듣게 될 것입니다. (영상에서는 피아노 편곡)당신이 인상주의 화가라고 상상해 보세요. 당신 앞에는 페인트 팔레트가 있습니다. 바다 표면이나 나뭇잎 등에 달빛이 반사되어 밤 풍경을 그리고 싶습니다. 당신의 그림은 당신이 듣게 될 음악의 삽화가 될 것입니다. 당신의 그림에서는 어떤 색상이 지배적일까요?

C. Debussy(피아노 편곡)의 음악에 맞춰 비디오를 시청하세요. (Debussy의 "Moonlight" 음악에 대한 비디오 클립은 저자의 비디오 튜토리얼 "The Magic Screen"에 나와 있습니다.) 링크를 따라 비디오 옵션을 선택할 수 있습니다

http://video.yandex.ru/search.xml?text=%D0%BB%D1%83%D0%BD%D0%BD%D1%8B%D0%B9+%D1%81%D0%B2%D0 %B5%D1%82+%D0%B4%D0%B5%D0%B1%D1%8E%D1%81%D1%81%D0%B8

아이들의 답변.

6.

선생님, 아이들의 대답을 요약하면 다음과 같습니다.

드뷔시의 가벼운 음악은 또한 "Moonlight" 일러스트레이션의 차분한 톤, 은색과 노란색 음영의 색상 구성을 결정합니다. 영상은 우리를 평화와 평온으로 채워줍니다. 베토벤의 '월광 소나타'에는 열정이나 드라마가 설 자리가 없습니다.

7.

편집 색상 팔레트. 어린이에게는 여러 색상의 카드가 제공됩니다. 과제: Debussy의 음악을 설명하는 데 사용할 수 있는 색상을 선택하세요. 선택한 카드로 작은 구성을 만들어야 합니다.

구성에 대한 설명과 이야기가 포함된 어린이의 답변입니다.

8.

우리는 서로 다른 시대, 국가, 예술 사조의 두 작곡가가 본질적으로 동일한 제목을 가진 두 작품을 들었습니다. 작곡가들이 동일한 자연 현상, 계절, 시간대를 얼마나 다르게 인식하는지 놀랍습니다! 모든 사람은 자신의 삶의 경험과 성격을 바탕으로 자신의 의미와 내용을 음악에 담습니다. 나는 당신의 달 테마 창작물도 서로 다를 것이라고 확신합니다. 우리의 '달빛 아래' 산책이 이제 끝나가는데, 여러분은 어떻게 기억하는지 확인하고 싶습니다. 신소재 (해당 주제에 대한 간단한 설문조사: 프레젠테이션 – 슬라이드 번호 13):

베토벤의 이름은 무엇이었나요?
그는 몇 세기에 살았습니까?
그는 어느 나라에 살았나요?
베토벤은 어떤 병을 앓았나요?
쏘나타 14번의 이름은 무엇인가요?
누구에게 헌정되었나요?
드뷔시의 이름은 무엇이었나요?
그는 몇 세기에 살았습니까?
그는 어느 나라에 살았나요?
어느 예술적 방향그 사람이 상상하는 거야?
'인상주의'는 어떻게 번역되나요?
어떤 작품이 가장 마음에 들었나요?

숙제: 컬러 카드로 "달빛" 아플리케를 만듭니다.

피아노 모음곡:

1. "전주곡"
2. "미뉴에트"
3. “달빛” (클레르 드 륀)
4. 파스피에

"에 대해 자신있게 말하기는 어렵습니다. 베르가마스코 스위트룸"(그 이름은 분명히 고대의 이름이 아닙니다. 이탈리아 댄스, 그러나 Verlaine의 용어("Fetes galantes."의 첫 번째 시리즈 중 "Clair de lune"의 "...masques et bergamasques...")에서 따온 것은 원래 1890년에 등장했던 이 작품이 재작업되어 더 많이 완성되었기 때문입니다. 한 번 이상, 드뷔시의 완전한 성숙기인 1905년에야 최종 모습을 드러냈습니다.

베르가마스코 모음곡의 첫 번째, 두 번째, 네 번째 악장(“ 전주곡», « 미뉴에트" 그리고 " 파스피어") 신고전주의 경향이 강합니다. 전주곡과 미뉴에트는 아마도 나중에 특히 많은 변경과 추가가 있었을 것입니다. 이 부분은 드뷔시의 후기 스타일을 가장 강력하게 반영합니다. 오래된 것과 새로운 것의 이러한 충돌은 그것들을 다소 터무니없게 만듭니다. Paspier는 더 순진하고 신선합니다(비록 더 장황하고 형태가 덜 간결하지만). 여기서 Debussy는 양식화에서 더 멀리 떨어져 있으며 발견된 인상주의 대비와 색상의 반점을 더 자유롭게 사용하기 때문입니다.

하지만 이 모음곡의 가장 좋은 부분은 물론 야상곡이라고 불러야 합니다." 월광"(아마 원래 '센티멘탈 워크'라고 불리던 부분이 아닐까 싶습니다.) "Moonlight"는 초기 드뷔시(Debussy)의 부드럽고 연약한 낭만주의에서 가장 매력적인 영감 중 하나입니다. 그는 여전히 조화로운 수단을 매우 신중하게 사용하지만 이미 그 중에서 매우 미묘하고 세련된 것을 발견합니다.

이 작품의 음악은 의심할 바 없이 흐르는 물의 이미지를 담고 있지만(이로 인해 <리틀 스위트>의 연극 <보트 위에서>에 더 가까워짐) 감정적인 내용은 훨씬 더 깊고 시적입니다. 전체 서정적 풍경의 "유동성"은 놀랍도록 가소적이며, 형태는 보기 드문 자연스러움과 부드러움으로 천천히 펼쳐지고 닫힙니다. 멜로스는 그 모든 유동성에도 불구하고 주요 성가의 연속적인 반복과 증폭, 그리고 명확한 클라이막스로 인해 크고 부드러운 파도의 매우 눈에 띄고 기억에 남는 패턴을 형성합니다. 이후에 극이 개선될 가능성이 있음에도 불구하고 초기 드뷔시는 서정적이고 낭만적인 악센트로 어디에서나 느껴지지만 나중에는 이 악센트가 사라졌습니다. 다시 한번 이 음악의 가능한 프로토타입이 떠오릅니다. 정서적 구조는 멀고도 가깝습니다. 극적인 긴장감 측면에서는 멀지만 시적 영성 측면에서는 가깝습니다. 이것은 “의 Marina와 Pretender의 듀엣입니다.

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자막

전기

인상주의 이전의 드뷔시

드뷔시는 1880년 12월에야 아카데미 회원인 교수와 함께 체계적으로 작곡을 공부하기 시작했습니다. 미술에르네스타 기로. Guiraud의 수업에 들어가기 6개월 전, Debussy는 부유한 러시아 자선가인 Nadezhda von Meck의 가족에서 가정 피아니스트이자 음악 교사로 스위스와 이탈리아를 여행했습니다. Debussy는 1881년과 1882년 여름을 모스크바 근처의 Pleshcheyevo 사유지에서 보냈습니다. von Meck 가족과의 의사소통과 러시아 체류는 젊은 음악가의 발전에 유익한 영향을 미쳤습니다. 그녀의 집에서 Debussy는 Tchaikovsky, Borodin, Balakirev 및 그들과 가까운 작곡가들의 새로운 러시아 음악에 대해 알게되었습니다. von Meck이 차이코프스키에게 보낸 여러 편지에서 때때로 자신의 음악에 대해 감탄하며 말하고 악보를 훌륭하게 읽는 특정 "친애하는 프랑스인"이 언급되었습니다. von Meck과 함께 Debussy는 피렌체, 베니스, 로마, 모스크바 및 비엔나를 방문했으며 그곳에서 처음으로 들었습니다. 뮤지컬 드라마 10년 동안 그의 동경과 숭배의 대상이 된 <트리스탄과 이졸데>. 젊은 음악가는 von Meck의 많은 딸 중 한 명에 대한 우연히 발견된 사랑의 결과로 똑같이 즐겁고 수익성 있는 이 직업을 잃었습니다.

일자리를 찾아 파리로 돌아온 Debussy는 Madame Moreau-Senty의 보컬 스튜디오에서 반주자가 되었고, 그곳에서 그는 부유한 아마추어 가수이자 음악 애호가인 Madame Vanier를 만났습니다. 그녀는 그의 지인 범위를 크게 확장하고 Claude Debussy를 파리 예술 보헤미아 서클에 소개했습니다. Vanier를 위해 Debussy는 "Mandolin"과 "Mutely"와 같은 걸작을 포함하여 여러 절묘한 로맨스를 작곡했습니다.

동시에 Debussy는 음악원에서 공부를 계속하여 동료 음악가들 사이에서 인정과 성공을 얻으려고 노력했습니다. 1883년 드뷔시는 칸타타 글래디에이터(Gladiator)로 두 번째 로마상을 수상했습니다. 거기서 멈추지 않고 그는 이 방향으로 계속 노력했고 1년 후인 1884년 칸타타로 로마 그랑프리를 수상했습니다. 탕자"(프랑스어: L'Enfant prodigue). 예상치 못했던 이상하고 감동적인 일이 Charles Gounod의 개인적인 개입과 자비로운 지원 덕분에 일어났습니다. 그렇지 않았다면 Debussy는 아마도 음악계에서 모든 학자들의 이 판지 전문 왕관을 받지 못했을 것입니다. "이 고유한 원산지 증명서, 깨달음 및 1급 진품성", Debussy와 그의 친구 Erik Satie는 나중에 농담으로 Prix de Rome을 불렀습니다.

로마 시대는 작곡가에게 특히 유익하지 않았습니다. 왜냐하면 로마도 로마도 아니기 때문입니다. 이탈리아 음악그와 가깝지는 않았지만 여기서 그는 라파엘 전파의 시를 알게 되었고 가브리엘 로제티(Gabriel Rossetti)의 가사에 맞춰 성악과 관현악을 위한 시 "The Chosen Virgin"(프랑스어: La damoiselle élue)을 작곡하기 시작했습니다. 그의 특징이 드러나는 작품 창의적인 개성. Villa Medici에서 처음 몇 달을 봉사한 후 Debussy는 교향곡 "Suleima"(Heine의 이름을 따서)를 파리에 보냈고, 1년 후에는 "Spring"이라는 단어가 없는 오케스트라와 합창단을 위한 2부분으로 구성된 모음곡을 파리로 보냈습니다. (후에 유명한 그림 Botticelli)는 아카데미의 악명 높은 공식 리뷰를 야기했습니다.

“의심할 바 없이 드뷔시는 단조롭고 진부함으로 죄를 짓지 않습니다. 반대로 그는 이상하고 특이한 것을 찾고자하는 욕구가 명확하게 표현되어 구별됩니다. 그는 과도한 음악적 색채 감각을 보여 때로는 디자인과 형태의 명확성의 중요성을 망각하게 만든다. 그는 특히 예술 작품에서 진실의 위험한 적인 모호한 인상주의를 조심해야 합니다."

이 리뷰는 무엇보다도 내용의 학문적 관성에도 불구하고 본질적으로 매우 혁신적이라는 점에서 주목할 만합니다. 이 종이 1886년은 음악과 관련하여 '인상주의'가 최초로 언급된 해로 역사상 기록되었습니다. 특히 그 당시 인상주의가 다음과 같이 완전히 형성되었다는 점에 주목해야 합니다. 예술적 운동그림에서는 그러나 음악(드뷔시 자신을 포함하여)에서는 존재하지 않았을 뿐만 아니라 아직 계획되지도 않았습니다. Debussy는 새로운 스타일을 찾기 위한 초기 단계에 불과했으며, 겁에 질린 학자들은 조심스럽게 귀를 닦은 소리굽쇠로 그의 움직임의 미래 방향을 파악하고 그에게 두려운 경고를 했습니다. Debussy 자신은 그의 "Zuleima"에 대해 다소 신랄한 아이러니를 가지고 말했습니다. “그녀는 베르디나 마이어베어를 너무 많이 연상시킵니다”…

그러나 가장 중요한 사건이번에는 아마도 1891년 몽마르트르의 "Tavern in Clou"(프랑스 Auberge du Clou)의 피아니스트이자 두 번째 피아니스트 자리를 맡은 Eric Satie와의 예상치 못한 친분이었을 것입니다. 처음에 Debussy는 카페 반주자의 조화롭게 신선하고 특이한 즉흥 연주에 매료되었고, 고정 관념이없는 음악에 대한 판단, 사고의 독창성, 독립적이고 거친 성격 및 신랄한 재치에 매료되었습니다. . 또한 Satie는 완전히 전문적이지는 않지만 대담한 손으로 쓴 혁신적인 피아노와 보컬 작곡으로 Debussy의 관심을 끌었습니다. 20세기 초 프랑스 음악의 면모를 결정지은 이 두 작곡가의 불안한 우정과 적대감은 거의 25년 동안 지속되었습니다. 30년 후, Erik Satie는 그들의 만남을 다음과 같이 설명했습니다.

"우리가 처음 만났을 때,<…>그는 마치 무소르그스키에 완전히 흠뻑 젖어 있고 자신이 찾고 찾을 수 없었던 자신의 길을 열심히 찾았습니다. 내가 그를 훨씬 능가한 것은 이 점에서였습니다. 로마의 상도, 이 세상 어느 도시의 '상'도 나의 걸음걸이를 짓누르지 않았고, 그것을 나 자신이나 내 짐으로 짊어질 필요가 없었습니다. 뒤쪽에...<…>그 순간 나는 Joseph Péladan의 글에 "Son of the Stars"를 쓰고 있었습니다. 그리고 Debussy는 우리 프랑스인들이 우리의 자연스러운 성향과 완전히 일치하지 않는 Wagner의 압도적인 영향력에서 마침내 우리 자신을 해방시켜야 할 필요성을 여러 번 설명했습니다. 그러나 동시에 나는 그에게 내가 전혀 반바그너주의자가 아니라는 점을 분명히 했습니다. 유일한 질문은 우리만의 음악을 가져야 한다는 것이었고, 가능하다면 독일식 사우어크라우트 없이도 가능했습니다.
하지만 이러한 목적으로 동일한 것을 사용하는 것은 어떨까요? 시각적 수단, Claude Monet, Cezanne, Toulouse-Lautrec 등에서 오랫동안 보아온 것입니까? 이 자금을 음악으로 이체해 보는 것은 어떨까요? 이보다 더 간단한 것은 없습니다. 이것이 바로 진정한 표현력이 아닐까?”

오페라 <로드리게와 히메나>의 대본 작곡을 포기한 (사티의 말에 따르면) "저 한심한 바그너리스트 카툴레 멘데스", 1893년 드뷔시는 Maeterlinck의 드라마 Pelléas et Mélisande를 바탕으로 오페라를 작곡하는 긴 과정을 시작했습니다. 그리고 1년 후, 드뷔시는 말라르메의 에클로그에서 진심으로 영감을 받아 교향곡 전주곡을 썼습니다. 오후 휴식파운" (fr. Prelude à l'Après-midi d'un faune), 이는 새로운 음악 운동, 즉 음악의 인상주의에 대한 일종의 선언문이 될 운명이었습니다.

창조

남은 생애 동안 드뷔시는 질병과 빈곤에 시달렸지만 지칠 줄 모르고 매우 유익하게 일했습니다. 1901년부터 그는 현재의 사건에 대한 재치 있는 논평을 실은 정기 간행물에 출연하기 시작했습니다. 음악생활(Debussy가 사망한 후 1921년에 출판된 Monsieur Croche - antidilettante 컬렉션에 수집되었습니다.) 그의 피아노 작품 대부분은 같은 시기에 등장했다.

두 시리즈의 이미지(1905-1907) 뒤에 모음집이 이어졌습니다. 어린이 코너(1906-1908), 작곡가의 딸 슈슈에게 헌정되었습니다.

Debussy는 가족을 부양하기 위해 여러 차례 콘서트 여행을 떠났습니다. 그는 영국, 이탈리아, 러시아 및 기타 국가에서 작업을 수행했습니다. 피아노 전주곡이 담긴 두 권의 노트(1910-1913)는 작곡가 피아노 스타일의 특징인 독특한 사운드와 시각적 글쓰기의 진화를 보여줍니다. 1911년에 그는 Gabriele d'Annunzio의 미스터리인 The Martyrdom of Saint Sebastian의 음악을 썼고 그의 표시를 바탕으로 악보를 만들었습니다. 프랑스 작곡가그리고 지휘자 A. Kaple. 1912년에는 오케스트라 사이클 이미지가 등장했습니다. Debussy는 오랫동안 발레에 매료되어 1913년 파리와 런던에서 Sergei Pavlovich Diaghilev의 Russian Seasons 회사가 공연한 발레 게임의 음악을 작곡했습니다. 같은 해 작곡가는 어린이 발레 "장난감 상자"작업을 시작했습니다. 악기 편성은 작가가 사망 한 후 Kaple에 의해 완성되었습니다. 이 폭풍우 창작활동제1차 세계대전으로 인해 일시적으로 중단되었으나 이미 1915년에 수많은 피아노 작품, 쇼팽을 기념하는 12개의 연습곡을 포함합니다. Debussy는 어느 정도 프랑스 스타일을 바탕으로 일련의 실내 소나타를 시작했습니다. 기악 XVII-XVIII 세기. 그는 이 주기에서 첼로와 피아노를 위한(1915), 플루트, 비올라와 하프를 위한(1915), 바이올린과 피아노를 위한(1917) 세 개의 소나타를 완성했습니다. Debussy는 Edgar Allan Poe의 이야기 "The Fall of the House of Usher"를 바탕으로 한 오페라에 대한 메트로폴리탄 오페라의 Giulio Gatti-Casazza로부터 의뢰를 받았으며, 그는 젊었을 때 작업을 시작했습니다. 그는 여전히 오페라 대본을 리메이크할 만큼 충분한 힘을 갖고 있었습니다.

에세이

François Lesure가 편집한 Debussy 작품의 전체 카탈로그(Geneva, 1977; 새로운 에디션: 2001).

오페라

펠레아스와 멜리장드(1893-1895, 1898, 1900-1902)

발레

카르마 (1910-1912)
게임(1912-1913)
장난감 상자 (1913)

오케스트라를 위한 작품

교향곡 (1880-1881)
모음곡 "바커스의 승리"(1882)
스위트 "봄" 여성 합창단오케스트라 (1887)
피아노와 오케스트라를 위한 환상곡(1889-1896)
전주곡 "목신의 오후"(1891-1894). 1895년에 제작된 두 대의 피아노를 위한 오리지널 편곡도 있습니다.
"녹턴" - 소프트웨어 교향곡 작품, 3개의 희곡 포함: “구름”, “축하”, “사이렌”(1897-1899)
알토 색소폰과 오케스트라를 위한 랩소디(1901-1908)
"바다", 세 개의 교향곡 스케치(1903-1905). 1905년에 제작된 피아노 4손을 위한 오리지널 편곡도 있습니다.
하프와 현악기를 위한 두 개의 춤(1904). 1904년에 제작된 두 대의 피아노를 위한 오리지널 편곡도 있습니다.
"이미지"(1905-1912)

실내 음악

피아노 트리오 (1880)
바이올린과 피아노를 위한 야상곡과 스케르초(1882)
현악4중주(1893)
클라리넷과 피아노를 위한 랩소디(1909-1910)
독주 플루트를 위한 "Syringa"(1913)
첼로와 피아노를 위한 소나타 (1915)
플루트, 하프, 비올라를 위한 소나타(1915)
바이올린과 피아노를 위한 소나타 (1916-1917)

피아노 작품

A) 피아노 2손용

"집시 댄스"(1880)
두 개의 아라베스크(1890년경)
마주르카 (1890년경)
"꿈"(1890년경)
"베르가마스 모음곡"(1890, 1905년 편집)
"낭만적 왈츠"(1890년경)
녹턴(1892)
"이미지", 3편의 희곡(1894)
왈츠(1894, 음표 유실)
피아노를 위한 작품(1894-1901)
"이미지", 첫 번째 연극 시리즈(1901-1905)

I. Reflet dans l'eau // 물에 반사됨
II. 라모에게 경의를 표함 // 라모에게 바치는 헌사
III.운동 // 운동

모음곡 "인쇄물"(1903)

탑
그레나다의 저녁
비오는 정원

“기쁨의 섬”(1903-1904)
"가면"(1903-1904)
연극 (1904; 오페라 “종탑의 악마” 스케치를 바탕으로 함)
스위트 “어린이 코너”(1906-1908)

Gradus ad Parnassum 박사 // "Gradus ad Parnassum" 박사 또는 "Parnassus로 가는 길" 박사. 제목은 수행 기술의 최고 수준을 달성하기 위한 체계적인 연습인 Clementi 연습의 유명한 주기와 관련이 있습니다.
코끼리 자장가
인형에게 보내는 세레나데
눈이 춤을 춘다
작은 목자
꼭두각시 케이크 산책

연극 2번째 시리즈 "이미지"(1907)

Cloches à travers les feuilles //잎 사이로 종소리 울림
Et la luneDescend sur le Temple qui fut //달빛 아래의 사원 폐허
푸아송 도르 // 금붕어

"하이든에게 경의를 표하다"(1909)
전주곡. 노트 1 (1910)

Danseuses de Delphes // 델픽 댄서
보일스 // 항해
Le Vent dans la Plaine // 평원 위의 바람
Les sons et les parfums Tournent dans l'air du soir // 소리와 향기가 저녁 공기에 떠다닙니다.
Les collines d' Anacapri // 아나카프리 언덕
Des pas sur la neige // 눈 속의 발걸음
Ce qu'a vu le Vent de l'ouest // 서풍이 본 것
La fille aux cheveux de lin // 아마빛 머리 소녀
La sérénade interrompue // 중단된 세레나데
La cathédrale engloutie // 가라앉은 대성당
La danse de Puck // 퍽의 춤
음유시인 // 음유시인

"느린 것 이상(왈츠)"(1910)
전주곡. 노트 2 (1911-1913)

브루야르 // 안개
Feuilles mortes // 죽은 잎
La puerta del vino // 알람브라 문 [번체 번역]
Les fées sont d'exquises danseuses // 요정 - 사랑스러운 댄서
브뤼에르 // 헤더
레빈 장군 - 편심 // 레빈 장군 (Lyavin) - 편심
La Terrasse des Audiences du clair de lune // 달빛에 비친 대추의 테라스(달빛이 비추는 테라스)
온딘 // 온딘
오마주와 S.Pickwick Esq. P.P.M.P.C. // S. Pickwick, Esq.에게 경의를 표합니다.
캐노피 // 캐노피
Les tierces alternées // 교대 삼등분
Feux d'artifice // 불꽃놀이

"영웅의 자장가"(1914)
비가(1915)
희곡 두 권의 "연습곡"(1915)

B) 피아노 4손용

안단테(1881년, 미출판)
디베르티멘토(1884)
"리틀 스위트"(1886-1889)
“6개의 고대 비문”(1914). 1914년에 제작된 피아노 두 손을 위한 6개의 작품 중 마지막 작품에 대한 작가의 편곡이 있습니다.

B) 피아노 2대용

"흑백", 세 편의 희곡(1915)

다른 사람의 작품을 각색한 것

오케스트라를 위한 E. Satie의 두 개의 짐노페디(1번째와 3번째)(1896)
P. 차이코프스키 발레의 세 가지 춤 " 백조의 호수» 피아노 4손을 위한 (1880)
2대의 피아노를 위한 C. Saint-Saëns의 “서주와 론도 카프리치오소”(1889)
2대의 피아노를 위한 C. Saint-Saëns의 두 번째 교향곡(1890)
R. Wagner의 오페라 서곡 " 플라잉 더치맨» 피아노 2대를 위한 (1890)
2대의 피아노를 위한 R. 슈만의 “정전 형식의 여섯 연습곡”(1891)

스케치, 잃어버린 작품, 계획

오페라 "로드리고와 히메나"(1890-1893, 미완성). Richard Langham Smith와 Edison Denisov가 재구성함(1993)
오페라 “종탑의 악마”(1902-1912?; 스케치). 로버트 올리지(Robert Orledge)가 재구성한 작품(2012년 초연)
오페라 “어셔 가문의 몰락”(1908-1917, 미완성). Juan Allende-Blina(1977), Robert Orledge(2004)의 재구성을 포함하여 여러 재구성이 있습니다.
오페라 “사랑의 범죄(Gallant Celebrations)”(1913-1915, 스케치)
오페라 "살람보"(1886)
연극 "사탄의 결혼식"(1892) 음악
오페라 <콜로누스의 오이디푸스>(1894)
바이올린과 관현악을 위한 세 개의 야상곡(1894-1896)
발레 "다프니스와 클로이"(1895-1897)
발레 "아프로디테"(1896-1897)
발레 '오르페우스'(1900년경)
오페라 "원하는대로"(1902-1904)
서정적 비극 "디오니소스"(1904)
오페라 "트리스탄 이야기"(1907-1909)
오페라 '싯다르타'(1907~1910)
오페라 "오레스테이아"(1909)
발레 “가면과 베르가마스크”(1910)
오보에, 호른, 하프시코드를 위한 소나타 (1915)
클라리넷, 바순, 트럼펫과 피아노를 위한 소나타(1915)

소련 백과사전

크렘레프 유. 클로드 드뷔시, 엠., 1965
사비니나 M. 드뷔시, 책에서 20세기 음악 1부, 책. 2, 엠., 1977
야로신스키 S. 드뷔시, 인상주의와 상징주의, 트랜스. 폴란드 출신, M., 1978
드뷔시와 20세기 음악 앉았다. 아트., 엘., 1983
데니소프 E. 그의 저서에서 C. Debussy의 작곡 기법의 일부 특징에 대해: 현대음악그리고 컴퓨터 진화의 문제. 기술, 엠., 1986
J. 바라크 클로드 드뷔시, R., 1962
골라 A.S. 드뷔시, 나 옴므와 아들 전곡, P., 1965
골라 A.S. 클로드 드뷔시. 전체 작품 목록 보기…, P.-Gen., 1983
록스파이저 E. 드뷔시, L.-, 1980.
헨드릭 뤼케: 말라르메 - 드뷔시. Eine vergleichende Studie zur Kunstanschauung am Beispiel von “L'Après-midi d'un Faune”.(= Studien zur Musikwissenschaft, Bd. 4). 박사. 코박, 함부르크 2005, ISBN 3-8300-1685-9.
데니소프 E. 클로드 드뷔시(Claude Debussy) 작곡 기법의 몇 가지 특징에 대하여// 현대 음악과 작곡 기술 발전의 문제. - 중.: 소련 작곡가, 1986.

19세기에. 뛰어난 피아니스트로서 그는 피아노 사운드에 있어 완전히 새로운 미개척 가능성을 열었습니다.

드뷔시의 피아니즘은 미묘하고 투명한 소리, 중얼거리는 악절, 색채의 지배력, 녹음과 관련된 절묘한 페달 테크닉이 어우러진 피아니즘이다. 동시대 사람들은 그의 연주에서 동일한 특성을 주목했는데, 무엇보다도 놀랐습니다. 놀라운 성격 소리: 극도의 부드러움, 가벼움, 유동성, "애무하는" 표현, "충격" 효과 없음.

피아노 음악에 대한 작곡가의 관심은 꾸준했습니다. 최초의 피아노 "실험"은 80년대로 거슬러 올라갑니다(4손을 위한 "리틀 모음곡"). 최신 작품이미 전쟁 기간에 만들어졌습니다(1915 - 12개의 연습곡 "In Memory of Chopin", 두 대의 피아노 "White and Black"을 위한 모음곡). 전체적으로 드뷔시는 80곡이 넘는 피아노 작품을 썼으며, 그 중 대부분은 일반적으로 세계 피아니스트 문학의 걸작으로 인정받고 있습니다.

드뷔시 피아노 스타일의 참신함은 이미 초기 작품, 특히 밝음 "베르가모스 스위트" (1890) . 작곡가 켜짐 새로운 기반여기에서 그는 고대 키보드 모음의 원리를 되살립니다. "Prelude", "Minuet", "Paspier"에서는 18세기 하프시코드 음악의 특징을 알아볼 수 있습니다. 그리고 그 옆에는 처음으로 인상적인 밤 풍경이 나타납니다. 이주기의 가장 인기있는 연극인 "Moonlight"(3 부)입니다.

Debussy의 피아노 작품의 대부분은 인상주의 미학의 영향을 나타내는 프로그래밍 방식의 미니어처 또는 미니어처의 순환입니다(일상적인 인상을 포착하는 데 대규모 형태가 불필요한 것으로 밝혀졌습니다). 많은 연극에서 작곡가는 무용, 행진곡, 노래, 다양한 형태의 민속 음악 장르에 의존합니다. 그러나 장르 요소의 해석은 언제나 인상주의적인 성격을 띠고 있습니다. 즉, 직접적인 구현이 아니라 오히려 기발한 메아리댄스, 행진, 민요. 눈에 띄는 예는 " 그레나다의 저녁" "Prints"(1903) 시리즈에서.

이 사이클은 세 가지 프로그램 작품, 세 가지 다른 작품의 독특한 음악 "초상화"로 구성됩니다. 국가 문화- 중국(“Pagodas”), 스페인(“Evening in Grenada”) 및 프랑스(“Gardens in the Rain”). 각각은 모달 구조의 특별한 매력을 가지고 있습니다(예를 들어 "Pagodas"의 전체 주제 주제는 5음 음계와 그 구성 요소(장초 및 3화음)에서 성장했으며 음색의 독창성("Pagodas"에는 중국 드럼이 있음) , 징, 자바 민속 악기).

연극에서 "그레나다의 저녁" 멋진 여름 저녁의 그림이 나타납니다. 그녀의 음악의 주요 요소는 하바네라와 같은 댄스 모티프와 기타 현 울림의 모방입니다. 마치 여름 저녁 누군가가 조용히 기타를 치며 스페인어를 연주하고 있는 것 같습니다. 포크 멜로디. 스페인의 풍미가 너무 생생해서 스페인 작곡가 마누엘 데 파야(Manuel de Falla)는 이 극을 세세한 부분까지 스페인어라고 불렀습니다. 안달루시아 이미지의 본질에 대한 통찰의 진정한 기적, 진정성이 없는 진실, 즉 민속 원본을 인용하지 않은 진실). 세 가지가 있습니다 다양한 주제댄스 캐릭터. 동양적 이국주의의 분위기를 구현한 첫 번째는 이중 화성 단조, 즉 2초가 늘어난 단조이다(카르멘의 치명적인 열정의 라이트모티프처럼). 피아노 질감의 상위 "티어"에 있는 지배적인 사운드 "시스"의 긴 사운드는 화성 언어의 밝은 색상을 향상시킵니다. 다른 두 주제는 독창성에도 불구하고 국가적으로 특징이 없습니다. 극 전체에 스며드는 춤성에도 불구하고 문자 그대로의 춤은 아니다.

드뷔시는 연주자는 “피아노에 망치가 있다는 사실을 잊어야 한다”고 말했습니다.

이름을 입력하세요 이 경우수단 - "이탈리아 사람"

이 작품에 제목을 부여한 그림 및 그래픽 용어 "인쇄"(프랑스어 "estampe"-인쇄, 각인)는 오케스트라의 다채로움이없는 "흑백"피아노 작문의 특수성을 강조하기 위해 의도 된 것 같습니다. 그러나 세 곡 모두에서 작곡가는 매우 눈에 띄는 음향 효과를 사용합니다. 특히 이것은 특별한 조율을 갖춘 가믈란과 중국 공인 자바 오케스트라를 모방한 것입니다. "파고다."

드뷔시는 파리 만국박람회에서 그들의 소리를 들었고, 그 소리에서 단순한 이국주의 이상의 무엇인가를 느꼈습니다. “미개화된” 민족의 예술은 그가 자신만의 표현 스타일을 찾는 데 도움이 되었습니다.