D. Shostakovich - classico della musica del 20 ° secolo. Nessuno dei suoi grandi maestri gli fu così strettamente associato destini difficili suo paese natale, non seppe esprimere con tanta forza e passione le stridenti contraddizioni del suo tempo, per valutarle con un severo giudizio morale. È in questa complicità del compositore con il dolore e le disgrazie del suo popolo che risiede il significato principale del suo contributo alla storia della musica nel secolo delle guerre mondiali e dei grandiosi sconvolgimenti sociali, che l'umanità non aveva mai conosciuto prima.
Shostakovich per natura è un artista dal talento universale. Non c'è un solo genere in cui non abbia detto la sua parola pesante. Entrò in stretto contatto anche con quel tipo di musica che talvolta veniva trattata con arroganza dai musicisti seri. È autore di numerose canzoni apprezzate dal grande pubblico, e ancora oggi i suoi brillanti adattamenti di brani popolari e musica jazz, a cui era particolarmente affezionato durante la formazione dello stile - negli anni '20 e '30. Ma la principale area di applicazione delle forze creative per lui era la sinfonia. Non perché altri generi di musica seria gli fossero completamente estranei: era dotato del talento insuperabile di un compositore veramente teatrale e il lavoro nel cinema gli forniva i principali mezzi di sussistenza. Ma la critica scortese e ingiusta mossa nel 1936 in un articolo editoriale sul quotidiano Pravda dal titolo "Confusione invece di musica" lo scoraggiò a lungo dall'impegnarsi nel genere operistico - i tentativi fatti (l'opera "Giocatori" di N. Gogol) è rimasto incompiuto e i piani non hanno raggiunto la fase di attuazione.
Forse è proprio qui che si riflettevano i tratti della personalità di Shostakovich: per sua natura non era propenso a forme aperte di espressione di protesta, cedeva facilmente a persistenti nullità a causa della sua speciale intelligenza, delicatezza e indifferenza contro la grossolana tirannia. Ma questo era solo il caso della vita: nella sua arte era fedele ai suoi principi creativi e li affermava in un genere in cui si sentiva completamente libero. Pertanto, la sinfonia concettuale, in cui poteva dire apertamente la verità sul suo tempo, senza scendere a compromessi, divenne il centro della ricerca di Shostakovich. Non rifiutò però di partecipare ad imprese artistiche nate sotto la pressione dei severi requisiti per l'arte imposti dal sistema comando-amministrativo, come il film di M. Chiaureli “La caduta di Berlino”, dove l'elogio sfrenato del la grandezza e la saggezza del “padre delle nazioni” arrivarono al limite estremo. Ma la partecipazione a tali monumenti cinematografici o ad altre opere, a volte anche di talento, è stata distorta verità storica e coloro che crearono un mito gradito alla leadership politica, non protessero l'artista dalle brutali rappresaglie commesse nel 1948. Il principale ideologo del regime stalinista, A. Zhdanov, ripeté i crudeli attacchi contenuti in un vecchio articolo del Il quotidiano Pravda accusò il compositore, insieme ad altri maestri della musica sovietica dell'epoca, di aderire al formalismo antinazionale.
Successivamente, durante il “disgelo” di Krusciov, tali accuse furono ritirate e le opere eccezionali del compositore, la cui esecuzione pubblica era stata vietata, arrivarono all’ascoltatore. Ma il drammatico destino personale del compositore, sopravvissuto a un periodo di ingiusta persecuzione, lasciò un'impronta indelebile nella sua personalità e determinò la direzione del suo ricerche creative, rivolto ai problemi morali dell'esistenza umana sulla terra. Questa era e rimane la cosa principale che distingue Shostakovich tra i creatori di musica del 20 ° secolo.
Il suo percorso di vita Non è stato movimentato. Dopo essersi diplomato al Conservatorio di Leningrado con un brillante debutto: la magnifica Prima Sinfonia, iniziò la vita di compositore professionista, prima nella città sulla Neva, poi durante la Grande Guerra Patriottica. Guerra Patriottica A mosca. La sua attività come insegnante al conservatorio fu relativamente breve: non la lasciò di sua spontanea volontà. Ma fino ad oggi i suoi studenti hanno conservato la memoria del grande maestro, che ha svolto un ruolo decisivo nella formazione della loro individualità creativa. Già nella Prima Sinfonia (1925) sono chiaramente evidenti due proprietà della musica di Shostakovich. Uno di questi ha influenzato la formazione di un nuovo stile strumentale con la sua intrinseca facilità, la facilità di competizione tra strumenti da concerto. Un altro si è manifestato nel desiderio persistente di dare alla musica il significato più alto, di rivelarla attraverso i mezzi genere sinfonico concetto profondo di significato filosofico.
Molte delle opere del compositore che seguirono un inizio così brillante riflettevano l'atmosfera turbolenta del tempo in cui un nuovo stile L’era è stata forgiata nella lotta tra atteggiamenti contraddittori. Quindi nella Seconda e nella Terza Sinfonie ("Ottobre" - 1927, "Primo Maggio" - 1929) Shostakovich ha reso omaggio al poster musicale, riflettevano chiaramente l'influenza dell'arte marziale e di propaganda degli anni '20; (non è un caso che il compositore abbia incluso frammenti corali basati su poesie dei giovani poeti A. Bezymensky e S. Kirsanov). Allo stesso tempo, hanno anche mostrato una brillante teatralità, che era così accattivante nelle produzioni di E. Vakhtangov e Vs. Meyerhold. Furono le loro esibizioni a influenzare lo stile della prima opera di Shostakovich "The Nose" (1928), scritta sulla base della famosa storia di Gogol. Da qui non solo la satira tagliente e la parodia, che arriva al grottesco nella rappresentazione dei singoli personaggi e della folla credulona che cade rapidamente nel panico e si affretta a essere giudicata, ma anche quella struggente intonazione del "risato tra le lacrime", che ci aiuta a riconoscere una persona anche in tanta volgarità e ovviamente una nullità, come il maggiore Kovalev di Gogol.
Lo stile di Shostakovich non solo assorbì le influenze provenienti dall'esperienza della cultura musicale mondiale (qui i più importanti per il compositore furono M. Mussorgsky, P. Tchaikovsky e G. Mahler), ma assorbì anche i suoni della vita musicale di quel tempo - che cultura accessibile al pubblico del genere “leggero”, che controllava la coscienza delle masse. L'atteggiamento del compositore nei suoi confronti è ambivalente: a volte esagera, parodia le svolte caratteristiche delle canzoni e delle danze alla moda, ma allo stesso tempo le nobilita, elevandole alle vette della vera arte. Questo atteggiamento si riflette in modo particolarmente chiaro nei primi balletti “The Golden Age” (1930) e “Bolt” (1931), nel Primo Concerto per pianoforte (1933), dove la tromba solista diventa una degna rivale del pianoforte insieme all'orchestra , e più tardi nello scherzo e nel finale della Sesta sinfonia (1939). Virtuosismo brillante e audaci eccentricità si combinano in questo lavoro con testi pieni di sentimento e la sorprendente naturalezza dello svolgersi della melodia “infinita” nella prima parte della sinfonia.
E infine, non si può fare a meno di menzionare l'altro lato dell'attività creativa del giovane compositore: ha lavorato molto e con insistenza nel cinema, prima come illustratore per la dimostrazione di film muti, poi come uno dei creatori del cinema sonoro sovietico. La sua canzone dal film "Oncoming" (1932) ha guadagnato popolarità a livello nazionale. Allo stesso tempo, l’influenza della “giovane musa” influenzò anche lo stile, il linguaggio e i principi compositivi delle sue opere concertistiche e filarmoniche.
Il desiderio di incarnare i conflitti più acuti del mondo moderno con i suoi enormi sconvolgimenti e feroci scontri di forze opposte si rifletteva soprattutto nelle principali opere del maestro degli anni ’30. Un passo importante in questo percorso è stata l'opera “Katerina Izmailova” (1932), scritta sulla trama del racconto “Lady Macbeth” di N. Leskov Distretto di Mcensk" L'immagine della protagonista rivela una complessa lotta interna nell'anima di una natura integra e riccamente dotata dalla natura - sotto il giogo delle "abominazioni di piombo della vita", sotto il potere di una passione cieca e irragionevole, si impegna seriamente crimini seguiti da crudeli punizioni.
Tuttavia, il compositore ottenne il suo più grande successo con la Quinta Sinfonia (1937), il risultato più significativo e fondamentale nello sviluppo della sinfonia sovietica negli anni '30. (una svolta verso una nuova qualità di stile è stata delineata nella Quarta Sinfonia - 1936, scritta in precedenza, ma poi non ascoltata). La forza della Quinta Sinfonia sta nel fatto che le esperienze del suo eroe lirico si rivelano nella più stretta connessione con la vita delle persone e, più in generale, di tutta l'umanità alla vigilia del più grande shock mai vissuto dai popoli del mondo. mondo: la seconda guerra mondiale. Ciò ha determinato il dramma enfatizzato della musica, la sua intrinseca espressione accresciuta: l'eroe lirico non diventa un contemplatore passivo in questa sinfonia, giudica ciò che sta accadendo e ciò che verrà con la più alta corte morale. Si rifletteva l'indifferenza verso il destino del mondo posizione civile l'artista, l'orientamento umanistico della sua musica. Può essere sentito anche in una serie di altre opere appartenenti ai generi della musica da camera. creatività strumentale, tra cui spicca il Quintetto per pianoforte (1940).
Durante la Grande Guerra Patriottica, Shostakovich divenne uno dei primi artisti che combatterono contro il fascismo. La sua Settima Sinfonia ("Leningrado") (1941) è stata percepita in tutto il mondo come la voce viva di un popolo combattente che è entrato in una battaglia per la vita o per la morte in nome del diritto di esistere, in difesa dei più alti valori umani . In quest'opera, come nell'Ottava Sinfonia creata più tardi (1943), l'antagonismo dei due campi opposti trovò espressione diretta e immediata. Mai prima d’ora nell’arte della musica le forze del male erano state delineate in modo così chiaro, mai prima d’ora la noiosa meccanicità della “macchina di distruzione” fascista, che lavorava alacremente, era stata smascherata con tanta furia e passione. Ma la bellezza spirituale e la ricchezza del mondo interiore di una persona che soffre dei problemi del suo tempo è presentata altrettanto chiaramente nelle sinfonie "militari" del compositore (come in molte altre sue opere, ad esempio, nel Trio per pianoforte in ricordo di I. Sollertinsky - 1944).
Negli anni del dopoguerra si sviluppò l'attività creativa di Shostakovich nuova forza. Come prima, la linea guida della sua ricerca artistica era presentata in monumentali tele sinfoniche. Dopo la Nona (1945), un po' più leggera, una sorta di intermezzo, non privo tuttavia di chiari echi della guerra appena conclusa, il compositore creò l'ispirata Decima Sinfonia (1953), che sollevava il tema del tragico destino dell'artista, l’alto grado della sua responsabilità nel mondo moderno. Tuttavia, il nuovo fu in gran parte il risultato degli sforzi delle generazioni precedenti, motivo per cui il compositore fu così attratto dagli eventi di svolta nella storia russa. La rivoluzione del 1905, segnata dalla Bloody Sunday del 9 gennaio, prende vita nel monumentale programma dell'Undicesima Sinfonia (1957), e i risultati del vittorioso 1917 ispirarono Shostakovich a creare la Dodicesima Sinfonia (1961).
Le riflessioni sul significato della storia, sul significato delle gesta dei suoi eroi, si sono riflesse anche nel poema vocale-sinfonico in una parte “L'esecuzione di Stepan Razin” (1964), basato su un frammento di E. Yevtushenko poesia “Centrale idroelettrica di Bratsk”. Ma gli eventi del nostro tempo, causati dai drastici cambiamenti nella vita delle persone e nella loro visione del mondo, annunciati dal 20° Congresso del PCUS, non hanno lasciato indifferente il grande maestro della musica sovietica: il loro respiro vitale è palpabile nel Tredicesimo Sinfonia (1962), scritta anche sulle parole di E. Yevtushenko. Nella Quattordicesima Sinfonia, il compositore si è rivolto alle poesie di poeti di vari tempi e popoli (F. G. Lorca, G. Apollinaire, V. Kuchelbecker, R. M. Rilke) - era attratto dal tema della caducità della vita umana e dell'eternità creazioni della vera arte, davanti alla quale anche la morte onnipotente. Lo stesso tema ha costituito la base per la progettazione di un ciclo vocale-sinfonico basato sulle poesie dei grandi Artista italiano Michelangelo Buonarroti (1974). E infine, nell'ultima, la Quindicesima Sinfonia (1971), rivivono le immagini dell'infanzia, ricreate davanti agli occhi di un saggio creatore che ha conosciuto una misura davvero incommensurabile della sofferenza umana.
Con tutto il significato della sinfonia creatività del dopoguerra Shostakovich, non esaurisce tutte le cose più significative create dal compositore negli ultimi trent'anni della sua vita e percorso creativo. Ha prestato particolare attenzione ai generi strumentali da concerto e da camera. Ha creato due concerti per violino (e 1967), due concerti per violoncello (1959 e 1966) e un secondo concerto per pianoforte (1957). Le migliori opere di questo genere incarnano concetti profondi di significato filosofico paragonabili a quelli espressi con forza così impressionante nelle sue sinfonie. La gravità della collisione tra lo spirituale e il non spirituale, gli impulsi più alti del genio umano e l'assalto aggressivo della volgarità, la primitività deliberata è palpabile nel Secondo Concerto per violoncello, dove una semplice melodia "di strada" viene trasformata in modo irriconoscibile, rivelando la sua essenza disumana.
Tuttavia, sia nei concerti che in musica da camera L'abilità virtuosa di Shostakovich nel creare composizioni viene rivelata, aprendo lo spazio alla libera concorrenza tra gli artisti musicali. Qui il genere principale che attirò l'attenzione del maestro fu il tradizionale quartetto d'archi (il compositore ne scrisse tante come sinfonie - 15). I quartetti di Shostakovich stupiscono per la loro varietà di soluzioni, dai cicli multimovimento (Undicesimo - 1966) alle composizioni a movimento singolo (Tredicesimo - 1970). In alcune delle sue opere da camera (nell'Ottavo Quartetto - 1960, nella Sonata per viola e pianoforte - 1975), il compositore ritorna alla musica delle sue opere precedenti, dandole un nuovo suono.
Tra le opere di altri generi si possono citare il ciclo monumentale di Preludi e Fughe per pianoforte (1951), ispirato alle celebrazioni di Bach a Lipsia, e l'oratorio “Il canto delle foreste” (1949), dove per la prima volta nella musica sovietica è stato sollevato il tema della responsabilità dell'uomo nel preservare la natura che lo circonda. Si potrebbero citare anche Dieci poesie per coro a cappella (1951), ciclo vocale“Dalla poesia popolare ebraica” (1948), cicli di poesie dei poeti Sasha Cherny (“Satire” - 1960), Marina Cvetaeva (1973).
Il lavoro nel cinema è continuato anche negli anni del dopoguerra: la musica di Shostakovich per i film "The Gadfly" (basato sul romanzo di E. Voynich - 1955), nonché per gli adattamenti cinematografici delle tragedie di W. Shakespeare "Amleto" ( 1964) e “Re Lear” (1971) divennero ampiamente conosciuti).
Shostakovich ha avuto un impatto significativo sullo sviluppo della musica sovietica. Non ha influenzato tanto l’influenza diretta dello stile del maestro, caratteristico di lui mezzi artistici, tanto quanto nel desiderio di un alto contenuto musicale, nella sua connessione con i problemi fondamentali della vita umana sulla terra. Umanistica nella sua essenza, veramente artistica nella forma, l'opera di Shostakovich ottenne riconoscimenti a livello mondiale e divenne una chiara espressione del nuovo che la musica della Terra dei Soviet diede al mondo.
La creatività di Shostakovich nel periodo degli anni '20 e '30. (Secondo l'articolo: M. Aranovsky. Nel libro Russian Music and the 20th Century, a cura di M. Aranovsky).
Shostakovich entrò rapidamente e con fama nella musica del XX secolo. La sua prima sinfonia (1926), scritta per la fine del Conservatorio di Leningrado, fece rapidamente il giro di molti palcoscenici di concerti in tutto il mondo, annunciando la nascita di un nuovo grande talento. Negli anni successivi, il giovane compositore scrisse molto e in modi diversi - con successo e non così bene, arrendendosi ai propri piani e eseguendo ordini da teatri e cinema, contagiandosi con la ricerca di un ambiente diverso e rendendo omaggio all'impegno politico. In quegli anni era difficile separare il radicalismo artistico dal radicalismo politico. Il futurismo, con la sua idea di “opportunità produttiva” dell’arte, di schietto anti-individualismo e di appello alla “massa”, era in qualche modo simile all’estetica bolscevica. Da qui la dualità di opere come la 2a ("Dedica all'ottobre") e la 3a ("Primo maggio") sinfonie, create su temi rivoluzionari così popolari a quel tempo, ma in un linguaggio musicale più vicino all'ASM che al Proletkult. Va notato che tale "doppio indirizzo" era generalmente tipico per quel tempo. Agli innovatori dell'arte allora sembrava che la rivoluzione corrispondesse allo spirito delle loro audaci ricerche e potesse solo contribuire ad esse. Più tardi si convinceranno dell'ingenuità della loro fede nella rivoluzione. Ma in quegli anni vita artistica era davvero ribollente e ribollente. I migliori saggi Questo periodo comprendeva: la prima sinfonia, l'opera “The Nose”, il primo concerto per pianoforte, un ciclo di preludi per pianoforte.
Shostakovich ricevette il primo duro colpo dalla “megamacchina della cultura” totalitaria nel 1936 in connessione con la produzione della sua seconda – e ultima – opera “Lady Macbeth di Mtsensk” (nell’articolo “Confusione invece della musica” ispirato dal Comitato Centrale del Partito comunista sindacale dei bolscevichi (bolscevichi) sul quotidiano Pravda "). In un altro contesto politico, ciò potrebbe essere considerato una curiosità o una manifestazione di schizofrenia di partito. Tuttavia, il contesto sociale è importante. Il significato inquietante di tali diatribe ideologiche era che nel 1936 il volano mortale della repressione funzionava già in tutta la sua gigantesca portata. Quindi la critica ideologica significava solo una cosa6: o sei “dall’altra parte delle barricate”, e quindi dall’altra parte dell’esistenza, oppure riconosci la “giustizia della critica”, e di conseguenza ti viene data la vita. .
Le opere successive, e soprattutto la V e la VI sinfonia, furono interpretate dalla propaganda ufficiale come un atto di “consapevolezza”, come una “correzione”.
L'incarnazione multiforme del tema della guerra, dell'eroismo del popolo, delle tragiche perdite, delle invasioni nemiche e delle battaglie vittoriose nelle opere di D. D. Shostakovich (Decima sinfonia, quartetti, Primo concerto per violino), Riflessione della realtà moderna, motivi del valore lavorativo e creazione pacifica nelle opere di D. D. Shostakovich (oratorio “La canzone delle foreste”), trattamento del tema storico e rivoluzionario nelle opere di D. D. Shostakovich (Dieci poesie corali basate su testi di poeti rivoluzionari russi), Yu A. Shaporin (. opera “Decembrists”), T. N. Khrennikov (opera “Mother”), A. I. Khachaturyan (balletto “Spartacus”).
I generi più importanti nell'opera di Shostakovich sono le sinfonie e i quartetti d'archi: in ciascuno di essi ha scritto 15 opere. Mentre le sinfonie furono scritte durante tutta la carriera del compositore, Shostakovich scrisse la maggior parte dei quartetti verso la fine della sua vita. Tra le sinfonie più popolari ci sono la Quinta e l'Ottava, tra i quartetti ci sono l'Ottava e la Quindicesima.
La musica del compositore mostra l'influenza di un gran numero dei compositori preferiti di Shostakovich: J. S. Bach (nelle sue fughe e passacaglie), L. Beethoven (nei suoi ultimi quartetti), G. Mahler (nelle sue sinfonie),
Quattordicesima sinfonia di D.D. Shostakovich con il suo dilemma tra vita e morte, ricreando un gigantesco affresco mondiale di eventi e immagini letterari e filosofici rivissuti.
È interessante notare che nell'opera sinfonica da camera di D.D. Il “gravità specifica” della musica lenta di Shostakovich supera significativamente (specialmente in periodo tardivo) musica-azione. Abbiamo il diritto di parlare di una sfera indipendente, essenzialmente centrale, della sua creatività - testi filosofici, in cui un olistico, anche se immagine controversa una persona pensante. La portata di questo pensiero è veramente cosmogonica; letteralmente “tutte” le culture vengono attirate nel suo “campo”; il pensiero è veramente libero, si sposta di epoca in epoca. Ma da nessuna parte c’è traccia di libertà “creatrice di miti”, poiché ogni stato fantasioso respira verità storica.
Quando si parla di sinfonismo come metodo più alto di pensiero musicale in termini di status artistico ed epistemologico, intendiamo sempre la natura olistica generalizzata del suo rapporto con la realtà, che non esclude, nei più ampi concetti stilistici, la ricreazione concreta di immagini della società sociale ambiente. Quindi, M.G. Aranovsky osserva giustamente: “In Shostakovich, con il suo orientamento verso problemi di significato civico, viveva un sociologo sensibile, rivelando i veri conflitti della realtà, cercava “equivalenti musicali” a coloro che vi partecipavano forze sociali". Ciò, tuttavia, riguarda non solo Shostakovich, ma anche Beethoven, Čajkovskij, Mahler, che possiedono i "segreti" della saturazione drammatica della musica puramente strumentale a un livello tale che la sua concentrazione semantica non era inferiore a un romanzo o un'epica. In secoli XIX-XX un tipo speciale di semantica sinfonica: “La sinfonia nasce come un “discorso” rivolto a milioni di ascoltatori, un “discorso” in cui ogni “frase” e ogni “parola” deve essere compresa, priva di ambiguità , devono raggiungere il cervello e il cuore dell'ascoltatore - comprenderli e sperimentarli. Per questo motivo, nell'ambito dei concetti sinfonici (si formarono complessi e simboli semantici, il cui significato fu stabilito sia "orizzontalmente" - un sistema di relazioni tra loro, sia "verticalmente" - nel confronto mentale con la realtà).
Possiamo dirlo senza mezzi termini: la musica russa da Glinka a Shostakovich si sta sviluppando in linea con l'evoluzione dei metodi realistici. E ogni grande concetto stilistico “lavora” su questa base metodologica, evidenziandone l’uno o l’altro potenziale ideologico, immaginativo, culturale e storico.
Innovazione MP Mussorgsky nel campo dell'estetica musicale, e in effetti della stessa estetica temporale, divenne una delle fonti stilistiche
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concetti di D.D. Shostakovich. Si tratta innanzitutto del senso della storia che in essa è organicamente insito pensiero musicale, e il desiderio profondamente consapevole e coerente del compositore di stabilire comunità intonazionali e figurative con il mondo della cultura nazionale.
Lo stile di Shostakovich è un fenomeno unico in relazione alla cultura mondiale nel suo insieme; la sua ricchezza interculturale si esprime non nel riflesso dell'immaginario di Bach o Mozart, ma nel raggiungimento di una fase qualitativamente nuova nello sviluppo della cultura musicale, che dialetticamente “sottopone” un'enorme tradizione storico-musicale. Basato su forme e generi consolidati arte musicale- sinfonia, quartetto, sonata allegro, fuga, sintetizzando i risultati della musica professionale europea in ciascuna di queste aree, il compositore conquista per loro nuove frontiere di sviluppo, basate sulla ricchezza ritmica e di intonazione delle melodie nazionali russe. Ampio movimento intervallare, plasticità dei contorni melodici, base diatonica del modo, concentrazione di immagini con mezzi espressivi laconici - caratteristiche che sono ugualmente caratteristiche dello stile intonazionale della musica russa e dello stile di scrittura intonazionale di D.D. Shostakovich. Il suo stile generalizza logicamente i valori storici del realismo musicale, dando loro, per così dire, una seconda vita. LA. Mazel esprime un giudizio profondamente giusto al riguardo: “L'intero insieme dei complessi espressivi e semantici trovati, l'intera somma di quelli creati dall'umanità immagini musicali connesso da connessioni naturali con la realtà, ne rappresenta il riflesso specifico e non ha valore cognitivo oggettivo meno di questo o quel ramo della scienza. E se nuovo composizione musicale, utilizzando questa proprietà "universale", si concentra in modo brillante e organico e in un modo nuovo rappresenta ed elabora una serie di complessi espressivi significativi, significativi, storicamente stabiliti, quindi può sembrare insolitamente fresco, originale e allo stesso tempo come se "a lungo termine" familiare”, può essere percepita come un'espressione già esistente, ma verità scoperta solo ora." A questo proposito linguaggio musicale Shostakovich è un modello del processo musicale, universale nel suo significato culturale ed estetico come i “complessi espressivo-semantici” di Bach o Beethoven.
Lo stile di Shostakovich, che appartiene completamente al mondo della cultura russa, distingue chiaramente aree che storicamente risalgono alla polifonia di Bach e alla sinfonia di Beethoven. Prima di tracciarne lo sviluppo nella sua opera, premettiamo la seguente circostanza.
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Nello stile di Shostakovich, il principio ritmico è incomparabilmente rafforzato: l'intenso respiro ritmico, la pulsazione ostinata, i segni della "toccata", il costante "correre inesorabile" del tempo, permeando l'intero tessuto musicale, come a segnare la presenza del XX secolo, il suo tempo e ritmo. V.N. Kholopova attribuisce il tipo di ritmo a D.D. Shostakovich a "senza accento irregolare". Questo tipo di ritmo e la sua irregolarità sono generalmente caratteristici della musica del XX secolo. Per Shostakovich ciò è dovuto alla tensione emotiva, espressivo-drammatica del linguaggio musicale, che soppianta il tradizionale Musica dell'Europa occidentale la "quadratura" del ritmo metro, così come il flusso speciale e intellettualmente concentrato del pensiero melodico che richiede una concentrazione costante, a causa di questa concentrazione costante che "lava via" gli accenti metrici. Va anche notato che il ritmo irregolare, pieno di metri variabili, è caratteristico dei melo russi, con i quali, ovviamente, il sistema di organizzazione del tempo musicale di Shostakovich è indirettamente collegato.
Molto speciale valore estetico perché i processi di educazione stilistica nell'arte musicale moderna dipendono dalla creatività polifonica del compositore. Si tratta, in sostanza, di un concetto che ha un valore nella storia dello sviluppo della scrittura polifonica e che ha una piattaforma espressiva nazionale fondamentale. Le reminiscenze del pensiero polifonico di Bach in questo concetto sono innegabili sia in termini di aspetti tecnologici della polifonia sia in termini di rango estetico universale del ciclo Preludio e Fuga. Tuttavia, il creato D.D. Il cronotopo musicale di Shostakovich è fondamentalmente diverso da quello di Bach. Le funzioni della “base energetica” del movimento dell'immaginario musicale sono svolte dal ritmo, che attraverso l'intera forma accumula costantemente potenzialità e stimoli per lo sviluppo. Tuttavia, anche qui il ritmo presenta una differenza significativa: è un ritmo di intonazione; non è autosufficiente, ma “delineato” dalla logica delle evoluzioni intonazionali del tematismo.
Senza la pretesa di fornire una copertura completa del problema dell’estetica temporale del patrimonio polifonico di Shostakovich (questo richiede indubbiamente una ricerca speciale – seria! –), passiamo all’analisi del ciclo polifonico del Preludio e Fuga in re minore.
Le “campane” epiche dell'opera d'apertura, la sua portata narrativa epica, sembrano delineare immediatamente una sconfinata retrospettiva del tempo storico; Inoltre, l'estetica dello storico è arricchita dalle inevitabili associazioni musicali e culturali con l'epopea di Mussorgsky e Borodin, nonché da strati associativi più profondi
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racconto epico e piacevole. La figurazione giambica (), che emerge dall'ottava “Re” tenuta al basso, come dalla distanza del tempo, enfatizza la struttura intonazione-recitativa del linguaggio musicale. La formazione tematica principale del Preludio è esposta mediante un canto arcaico a due voci, disposto lungo i gradini del modo naturale.
L'intera sfera figurativa ed espressiva del Preludio è finalizzata alla creazione di uno speciale cronotopo culturale e storico con l'estetica dominante del tempo epico. (Si noti che la concentrazione dell'epica è caratteristica di più di un'opera analizzata. Caratterizzando l'undicesimo quartetto di Shostakovich, V.P. Bobrovsky scrive: "Il compositore in quest'opera combina paradossalmente l'apparentemente incompatibile: fervente epismo ed espressività nervosa.") A questo proposito, soprattutto il desiderio di realizzazione di Shostakovich mezzi musicali associazioni puramente spaziali, che si esprimono nell'ampiezza della presentazione strutturale e del suono poliregistro. Questa spazialità di questo modello di tempo musicale non è casuale, data la struttura epica di quest'ultimo. (Ricordiamo che sopra abbiamo già menzionato il significato culturale della “delizia nello spazio” per la coscienza artistica nazionale.) Quindi è naturale, ovvio che Shostakovich, geneticamente connesso con il mondo della cultura russa, ricrea l'immagine dell'epica spazio-temporale , usando un'intonazione puramente russa e un ritmo liberamente fiabesco.
Il continuum musicale del Preludio in re minore è aperto (di nuovo l'apertura del tempo drammatico inerente a Mussorgskij nel risolvere il continuum scenico; e ancor più “profondo” - alla consapevolezza temporale nell'antica cultura russa): la germinazione della grana tematica del la fuga che lo permea si conclude nell'ultima costruzione con una mossa di quarto “scioglimento”, preparando direttamente il processo di potente sviluppo polifonico.
La primissima implementazione del tema della Fuga, i cui contorni di intonazione erano già mostrati nel Preludio, “imposta” immediatamente un “algoritmo” fondamentalmente diverso movimento musicale: si tratta di una pulsazione ostinata misurata di quarti di durata, che si accumula inesorabilmente a tutti i livelli della struttura polifonica. La massima chiarezza della verticale è enfatizzata dal piano dinamico, oscillante nell'ambito di “R – RR”. Il principio di organizzazione dello sviluppo temporale della Fuga nella sua prima sezione è determinato dall'essenza intonazionale del tema. Questo è un tipico tema di aforisma per Shostakovich, il cui massimo laconicismo non fa che sottolinearne il potenziale figurativo ed espressivo. Quarto quadruplo
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il canto del tono principale, ancora una volta puramente “russo” in termini di sistema di intonazione stesso, l'ascetismo emotivo, aggravato dal cupo registro del suono, l'ostinato ritmico prefigurano la scala del processo polifonico. La specificità figurativa dello sviluppo polifonico è incastonata nel complesso ritmo-intonazione del tema: l'energia accumulata del ritmo ostinato porta logicamente all'intensificazione del movimento temporaneo nella seconda sezione ();
il secondo passaggio alla sesta fase al termine della prima esecuzione del tema determina l'espressione delle seconde intonazioni e la loro grandiosa evoluzione dinamica attraverso l'intero spazio della Fuga.
Il continuum musicale della Fuga è modellato sul principio di una peculiare drammaturgia accelerando, condensando il processo musicale nella direzione della massima concentrazione psicologica delle immagini. La logica oggettivata della prima sezione si sviluppa in un'espressione soggettiva del tempo psicologico.
A livello di concezione estetica dell'intero ciclo in re minore D.D. Shostakovich crea un modello multitemporale unico, la cui unità figurativa e stilistica si rivela nella dialettica epico-storica e aspetti psicologici cronotopo musicale. Naturalmente la polifonia dell’epoca di Bach non poteva e non poteva incarnare modelli di tale complessità.
Abbiamo, se possibile, brevemente caratterizzato la “linea Bach” nella concezione stilistica di D.D. Shostakovich. Passiamo a "Beethoven", poiché nell'opera del compositore il genere principale è sinfonico e il suo metodo di pensiero gravita principalmente verso la visualizzazione su larga scala (sinfonica) di eventi.
Come notato da L.A. Mazel, “nelle sue opere principali, Shostakovich ha creato non solo un nuovo tipo di immagini musicali, ma anche le loro nuove relazioni e connessioni, una nuova sistema di immagini. Questo sistema è individuale, unico e allo stesso tempo universalmente significativo. Ha dato vita a una nuova interpretazione delle forme di musica strumentale più elevate e sviluppate: la forma della sonata e la forma del ciclo sonata-sinfonico." Sviluppando l'idea di cui sopra, possiamo dire che Shostakovich ha introdotto nel mondo un nuovo tipo di costruttività sinfonismo, dovuto all'intero insieme di mezzi del linguaggio musicale - dai microelementi di intonazione melodica all'integrità drammatica. E questo significa che anche il concetto di tempo è cambiato rispetto all'osservazione di Beethoven e V.P. Bobrovsky sul paradosso della combinazione incompatibile dell'epica e stati espressivi.
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Il quartetto tocca le fondamenta stesse delle ricerche filosofiche e della visione del mondo del compositore, cercando di catturare ed esporre l'essenza più intima dell'essere.
Il percorso del sinfonista Shostakovich, che prosegue con naturalezza e coerenza la linea del realismo musicale, non poteva che essere paradossale anche perché ricreava la realtà dell'esistenza, in cui il sublime e il vile esistono contemporaneamente. Questa è la prima differenza rispetto all’estetica di Beethoven, in cui veniva data assoluta importanza all’idea di bellezza efficace e trionfante.
la seconda differenza tra l'estetica di Shostakovich e quella di Beethoven: poiché l'intera struttura del ciclo sinfonico è permeata dall'immagine di una persona che comprende l'esistenza e si trova costantemente di fronte a un problema sociale reale e non mistificato: la morte
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e il male. Non è quindi un caso che nella drammaturgia sinfonica di Shostakovich sia ben visibile una struttura ciclica, con centri “lenti” nel Primo e nel Terzo movimento. L '"atomo" logico di questa costruzione è radicato nei principi del tematismo, dove viene costantemente effettuata la "scissione del tutto" - il complesso filosofico-tragico è combinato con motivi di natura "intima-umana". Questo è un tipo di contrasto fondamentalmente nuovo, che ricrea un’altra “paradossalità” del linguaggio e del pensiero del compositore.
La "Paradoxalia" detta le leggi della temporalità. Quest'ultimo in Shostakovich può essere definito come una sintesi dei principi di Bach e di Beethoven (ancora una combinazione di incompatibili!): la sfera tragica si sviluppa secondo il tipo di temporalità assoluta, in cui la continuità e l'omogeneità della pulsazione temporale insita in Bach degenera nella monotonia meccanica del Male incombente (come, ad esempio, nella Settima e nell'Ottava Sinfonie); La sfera “umana” ha i propri contorni temporali, il cui algoritmo è “adagiato” nei contorni fragili e bizzarri della linea melodico-tematica. In generale, la soluzione temporale del ciclo sinfonico ricrea non solo un analogo musicale del tempo socio-storico, ma un continuum figurativo multidimensionale, permeato di significati interculturali e integrandoli attraverso i mezzi della specificità semantico-musicale, profondamente nazionale.
(1906-1975).
Grande compositore russo del XX secolo. Un fenomeno non solo nella musica, ma anche nella cultura mondiale. La sua musica è la verità più completa sul suo tempo, espressa per iscritto. Non è stato espresso da uno scrittore, ma da un musicista. La parola è stata esclusa, disonorata, ma i suoni restano liberi. Tragico. tempo - tempo totalitario Il potere sovietico. Prokofiev e Shostakovich - 2 geni, la musica. le opportunità sono pari. Prokofiev è un genio europeo e Shostak. - Sovietico, la voce del suo tempo, la voce della tragedia del suo popolo.
La creatività è multiforme. Ha coperto tutti i generi e le forme del suo tempo: dalla canzone all'opera e alla sinfonia. Grandi contenuti: dai grandi eventi tragici alle scene di tutti i giorni. La sua musica è una confessione in prima persona, rivelata. e sermone. Presente argomento principale- lo scontro tra il bene e il male. Percezione tragica. Un tempo spietato, distruttivo per la coscienza. Ha deciso come una persona potrebbe sopravvivere. I diversi volti del male. C'è una nuova armonia nella musica (caos, dodecafonia). Stile: musica XX secolo con tutte le difficoltà. La melodica no principale nel XX secolo, divenne di natura strumentale.
Shostakovich ha 2 tipi:
Melodie che spaziano- 5 sinfonie.
Melodie in profondità- 5 sinfonie 1 ora GP.
Vasta gamma, movimenti ad ampi intervalli, rotture.
LAD - minore proprio, minore frigio con 2° e 4° grado abbassato. Dal russo musica c'è libertà ritmica - frequenti cambi di metro. Le immagini del male sono meccaniche.
Polifonia - il più grande polifonista del 20 ° secolo, parte dei mezzi di espressione importanti, ha ampliato la portata della polifonia. Fuga, fugato, canon, passacaglia - corteo funebre. Shostakovich ha fatto rivivere questo genere. La fuga in una sinfonia, nel balletto, nel cinema.
La sinfonia di Shostakovich e il suo ruolo nella musica. cultura del 20° secolo. Problemi. Caratteristiche caratteristiche del dramma e struttura del ciclo.
Fenomeno nella cultura mondiale. La sinfonia ha reso Shostakovich un grande russo. compositore, un esempio di fortezza morale. Era un filosofo, un artista e un cittadino. Sinfonie - strumentali. drammi in cui si incarna la sua comprensione della vita.
Drammaturgia sinfonica:
1 ora- scritto in forma di sonata, ma a un ritmo lento. Il compositore inizia con la riflessione, non con l'azione. Il conflitto inizia tra esposizione e sviluppo. Il culmine è la fine dello sviluppo, l’inizio della ripresa. Ripresa imprecisa (Sinfonia di Leningrado).
2 ore-scherzo di 2 tipi. 1) allegria tradizionale. musica ingenua.2) male - satira, fantasia oscura.
3 ore-palo lento dell'alto, immagini di bontà, purezza, talvolta forma di passacaglia.
4h- il finale, personaggio eroico, finali grotteschi, ironici, carnevaleschi, meno spesso lirici.
Sinfonia n. 1 Fa minore 1925. Scritto all'età di 19 anni. Questo è un evento all'interno del paese e all'estero 4 parti. È bizzarro, strano.1h in forma di sonata. GP - marcia fantasia, PP - valzer. Dopo essersi diplomato al conservatorio, è andato a Vita sovietica, inizio tempo per gli esperimenti. Ha scritto musica. per film, produzioni teatrali, ha scritto 2 sinfonie.
2a sinfonia"Dedizione a ottobre."
3a sinfonia"Pervomayskaya" - una parte, con cori su poesie di poeti Komsomol. Pieno di entusiasmo e gioia di costruire un nuovo mondo.
2 balletti: "L'età dell'oro", "Bolt"
Sinfonia
Opera "Lady Macbeth di Mcensk". Fu messo in scena con successo, poi fu distrutto, furono espulsi per 30 anni e alla sinfonia fu vietata l'esecuzione. Questo è un punto di svolta per Shostakovich. La sua coscienza si divide.
D. Shostakovich. Sinfonia n. 5 in re minore. Le problematiche dell'opera e la sua divulgazione nella drammaturgia musicale conflittuale.
Sinfonia di pentimento, correzione. I contemporanei hanno reinterpretato: "Su come una persona lotta con i suoi difetti e si prepara per una nuova vita". Scritto nel 1937. La data simboleggia il culmine della repressione, è la voce della verità. Di come una persona cerca di preservare la propria anima in condizioni crudeli. La sua sinfonia più classica in 4 movimenti.
1 ora- sonata moderata. Vst.: esclamazioni energiche dell'orchestra - la voce della coscienza. Percorre tutta la sinfonia. Gl.p. – un pensiero errante, che lotta alla ricerca di una via d’uscita. P.p. - contrasto, si apre. Sviluppato: il passo minaccioso del fo-no. Il ritmo è più veloce, i temi sono distorti: un tentativo di distorcere la vita di una persona. Secondo il principio dell'onda ascendente, sulla cresta dell'ultima onda si svolge una marcia rabbiosa. 1 ora finisce. codice piccolo, ma molto importante. Tutte le forze sono scomparse. Coda - un respiro esausto - una celesta tranquilla e trasparente. Fatica.
2 ore– finestra dello scherzo, aperta. Un tentativo di dimenticare tutte le difficoltà della vita. Danza, ritmi di marcia. Le ultime sezioni sono un'allegra serie di sketch ironici. La parte centrale è un trio - violino solista - una melodia fragile e indifesa.
3 ore–largo, tornare ai pensieri. Forma sonata senza sviluppo. Un'immagine di misericordia, compassione, sofferenza. Uno dei picchi della sua creatività è Gopak: profondo, veramente umano. Mi ricorda una canzone: triste, sublime v.p. , p.p. - una voce solitaria di una persona, l'intonazione della preghiera, della sofferenza. Non c'è sviluppo, ma una ripresa: ciò che era triste diventa arrabbiato, appassionato.
4 ore.- il finale è la parte più straordinaria, amara, terribile della sinfonia. Lo chiamano eroico. Inizia in re minore e termina in re maggiore. La lotta di una persona con il mondo esterno: lo schiaccia (lo addirittura distrugge). Inizia con un accordo di tremolo in ottone. In che modo i timpani suonano come ritmi? Immagine di un corteo, folla, gatto. Ci trasporta con una forza terribile.
D. Shostakovich. Sinfonia n. 7, do maggiore, “Leningradskaya”. Storia della creazione. Caratteristiche del software. Caratteristiche della drammaturgia a forma di musa della parte 1.
(1941). È stato scritto molto rapidamente, poiché il materiale e il concetto sono stati sviluppati prima della guerra. Questo è uno scontro tra l’umano e l’inumano. È stato completato a Kuibyshev, dove ha avuto luogo la sua prima rappresentazione. Prima esecuzione a Leningrado, 9 agosto 1942. In questo giorno i tedeschi progettarono di conquistare la città. La partitura fu consegnata in aereo, il direttore d'orchestra era K. Iliasberg e l'orchestra comprendeva i sopravvissuti più comuni. La sinfonia divenne immediatamente fama mondiale, è diventata un simbolo del coraggio umano. La sinfonia ha 4 parti, la più famosa e perfetta dura 1 ora. Sono stati concepiti i titoli per ciascuna parte, ma poi sono stati rimossi.
1 ora– Sonat.f. Invece dello sviluppo: un nuovo episodio e una ripresa notevolmente modificata. Esposizione– un’immagine di una vita umana pacifica e ragionevole; episodio– invasione, guerra, male; riprendere– un mondo distrutto. GP – Do maggiore, marcia, canto; PP – Sol – maggiore lirico, tranquillo, gentile, immagine di tranquillità, felicità; episodio - Volevo sottolineare che questa è una vita diversa, da qui la costruzione dell'episodio su materiale nuovo, sotto forma di ostinato soprano, che simboleggia il male. Il ritmo è costante. Mi bemolle maggiore senza deviazioni nelle altre tonalità. L'argomento è stupido, malvagio, nessun cambiamento. Tema e 11 variazioni. Si tratta di variazioni timbriche, dove in ogni variazione il tema acquista nuove sfumature, come se da senza volto diventasse ricco. Ad ogni variazione diventa più terribile e non incontra alcuna resistenza, solo nell'ultima variazione incontra un ostacolo ed entra in battaglia. Si verifica la distruzione; ripresa: un requiem per una vita rovinata. GP – Do minore, PP – lamento funebre. Assolo di fagotto. Ogni misura cambia il metro da ¾-13/4. Tutti i temi sono stati completamente cambiati. La parte dura 30 minuti.
D. Shostakovich. Sinfonia n. 9, Mi maggiore. Problemi, struttura e musica. drammaturgia.
(1945). Ci si aspettava che la sinfonia fosse un inno alla vittoria. Ma ha causato sconcerto e non è stato riconosciuto. La sinfonia è ingannevole. Breve, 20 minuti. Profondo, nascosto. La leggerezza e la frivolezza della musica sono solo all'inizio.
1 ora– Sonata allegra. GP è una canzone allegra e maliziosa, PP è una canzone maliziosa e giocosa.
2 ore-Moderato. I pensieri di una persona sul futuro da soli con se stessi si formano senza sviluppo. 1 argomento – clarinetto. Una toccante confessione di carattere molto personale, poi si aggiungono altri strumenti spirituali e ne segue una conversazione; Argomento 2 – prevedere il futuro, mosse cromatiche. Un'amara premonizione, spaventosa per ciò che accadrà in futuro.
(3,4,5 ore senza interruzione)
3 ore– Presto. Scherzzo eroico. La sensazione della vita che corre. Sereina - solista alla tromba - un richiamo al grande, al bello.
4 ore. --Largo. 4 tromboni (strumento del destino). Arriva un tema in cui si sente la voce del destino e dell'uomo (la voce del fagotto). Per sopravvivere, devi fingere, "indossare una maschera".
5 ore. - Finale veloce. Musica con la "faccia mascherata" di qualcun altro, ma la vita preservata.
Con questa sinfonia Šrstakovich predisse cosa gli sarebbe successo di lì a pochi anni. Dopo questa sinfonia inizia un periodo oscuro, in cui tutta la musica viene distrutta. Dopo la 9, non scrive una sinfonia per 8 anni.
Il percorso creativo di Dmitry Dmitrievich Shostakovich (1906-1975) è indissolubilmente legato alla storia dell'intera cultura artistica sovietica e si riflette attivamente sulla stampa (anche durante la sua vita furono pubblicati molti articoli, libri, saggi, ecc. Sul compositore ). Sulle pagine della stampa fu definito un genio (il compositore all'epoca aveva solo 17 anni):
“Il modo di suonare di Shostakovich... ha la gioiosa e calma sicurezza di un genio. Le mie parole si applicano non solo all’eccezionale esecuzione di Shostakovich, ma anche alle sue composizioni” (W. Walter, critico).
Shostakovich è uno degli artisti più originali, originali e brillanti. Tutta la sua biografia creativa è il percorso di un vero innovatore, che ha fatto numerose scoperte nel campo sia del figurativo che dei generi e delle forme, modali e intonazioni. Allo stesso tempo, il suo lavoro ha assorbito organicamente le migliori tradizioni dell'arte musicale. Per lui, la creatività ha giocato un ruolo enorme, i cui principi (opera e voce da camera) il compositore ha portato nella sfera della sinfonia.
Inoltre, Dmitry Dmitrievich ha continuato la linea del sinfonismo eroico di Beethoven, del sinfonismo lirico-drammatico. L'idea di affermazione della vita del suo lavoro risale a Shakespeare, Goethe, Beethoven, Čajkovskij. Per natura artistica
"Shostakovich è un 'uomo di teatro', lo conosceva e lo amava" (L. Danilevich).
Allo stesso tempo, il suo percorso di vita come compositore e come persona è legato alle tragiche pagine della storia sovietica.
Balletti e opere di D. D. Shostakovich
I primi balletti – “The Golden Age”, “Bolt”, “Bright Stream”
L'eroe collettivo dell'opera è una squadra di calcio (il che non è un caso, dal momento che il compositore amava lo sport e comprendeva professionalmente le complessità del gioco, che gli ha dato l'opportunità di scrivere resoconti su partite di calcio, era un tifoso attivo, diplomato alla scuola per arbitri di calcio). Poi arriva il balletto “Bolt” sul tema dell'industrializzazione. Il libretto è stato scritto da un ex soldato di cavalleria e di per sé, dal punto di vista moderno, era quasi una parodia. Il balletto è stato creato dal compositore nello spirito del costruttivismo. I contemporanei hanno ricordato la prima in modo diverso: alcuni dicono che il pubblico proletario non ha capito nulla e ha fischiato l'autore, altri ricordano che il balletto ha ricevuto una standing ovation. La musica del balletto “Bright Stream” (prima – 01/04/35), che si svolge in una fattoria collettiva, è piena di intonazioni non solo liriche, ma anche comiche, che non potevano non influenzare il destino del compositore .
Šostakovič dentro nei primi anni Ha composto molto, ma alcune delle sue opere sono state distrutte con le sue stesse mani, come ad esempio la prima opera “Gypsies” basata su Pushkin.
Opera "Il Naso" (1927-1928)
Ha causato feroci polemiche, a seguito delle quali è stato rimosso per molto tempo dal repertorio teatrale, e in seguito è stato resuscitato di nuovo. Secondo le parole di Shostakovich, egli:
“...è stato guidato soprattutto dal fatto che l'opera è principalmente un'opera musicale. In “The Nose” gli elementi di azione e musica sono uguali. Né l’uno né l’altro occupano un posto predominante”.
Nel tentativo di sintetizzare musica e performance teatrale, il compositore ha combinato organicamente la propria individualità creativa e varie tendenze artistiche nell'opera ("L'amore per le tre arance", "Wozzeck" di Berg, "Jumping Over the Shadow" di Kshenek). L'estetica teatrale del realismo ha avuto un'enorme influenza sul compositore. In generale, "The Nose" getta le basi, da un lato, del metodo realistico e, dall'altro, della direzione "gogoliana" nella drammaturgia operistica sovietica.
Opera “Katerina Izmailova” (“Lady Macbeth di Mcensk”)
È stato caratterizzato da una brusca transizione dall'umorismo (nel balletto Bolt) alla tragedia, sebbene gli elementi tragici fossero già evidenti in The Nose, costituendone il sottotesto.
Questo - “...l'incarnazione del sentimento tragico delle terribili sciocchezze del mondo rappresentato dal compositore, in cui tutto ciò che è umano viene calpestato e le persone sono patetiche marionette; Su di loro svetta Sua Eccellenza il Naso” (L. Danilevich).
Il ricercatore L. Danilevich vede in questi tipi di contrasti il loro ruolo eccezionale nell'attività creativa di Shostakovich e, più in generale, nell'arte del secolo.
L'opera “Katerina Izmailova” è dedicata alla moglie del compositore N. Varzar. Il piano originale era su larga scala: una trilogia che descriveva il destino di una donna epoche diverse. "Katerina Izmailova" sarebbe la prima parte, raffigurante protesta spontanea l'eroina contro il “regno oscuro” che la spinge sulla via del crimine. L'eroina della parte successiva avrebbe dovuto essere una rivoluzionaria, e nella terza parte il compositore voleva mostrare il destino di una donna sovietica. Questo piano non era destinato a realizzarsi.
Dalle valutazioni dell'opera da parte dei contemporanei, le parole di I. Sollertinsky sono indicative:
“Possiamo dirlo con piena responsabilità nella storia della Russia teatro musicale Dopo " regina di spade"Non c'è mai stata un'opera di tale portata e profondità come Lady Macbeth."
Lo stesso compositore definì l'opera una “tragedia-satira”, combinando così i due aspetti più importanti della sua opera.
Tuttavia, il 28 gennaio 1936, sul quotidiano Pravda apparve un articolo “Confusione invece di musica” sull'opera (che aveva già ricevuto grandi elogi e riconoscimenti da parte del pubblico), in cui Shostakovich fu accusato di formalismo. L'articolo si è rivelato il risultato di un malinteso sulle complesse questioni estetiche sollevate dall'opera, ma di conseguenza il nome del compositore è stato nettamente identificato in modo negativo.
Durante questo periodo difficile, il sostegno di molti colleghi si è rivelato inestimabile per lui e, che ha dichiarato pubblicamente di aver salutato Shostakovich con le parole di Pushkin su Baratynsky:
"Con noi è originale, perché pensa."
(Anche se il sostegno di Meyerhold in quegli anni difficilmente poteva essere solo un sostegno. Piuttosto, creò un pericolo per la vita e il lavoro del compositore.)
Per finire, il 6 febbraio lo stesso giornale ha pubblicato un articolo “Ballet Falsity”, che di fatto ha cancellato il balletto “Bright Stream”.
A causa di questi articoli, che hanno inferto un duro colpo al compositore, alla sua attività come opera e compositore di balletto si è concluso, nonostante nel corso degli anni abbiano costantemente cercato di interessarlo a vari progetti.
Sinfonie di Shostakovich
Nella sua opera sinfonica (il compositore ha scritto 15 sinfonie), Shostakovich utilizza spesso la tecnica della trasformazione figurativa, basata su un profondo ripensamento delle tematiche musicali, che, di conseguenza, acquisisce una pluralità di significati.
- DI Prima Sinfonia americano rivista musicale nel 1939 scrisse:
Questa sinfonia (lavoro di tesi) è stata completata nel biografia creativa periodo di apprendistato del compositore.
- Seconda Sinfonia- questo è un riflesso della vita contemporanea del compositore: si chiama “October”, commissionato per il 10° anniversario Rivoluzione d'Ottobre dipartimento di propaganda del settore musicale della casa editrice statale. Ha segnato l'inizio della ricerca di nuovi percorsi.
- Terza Sinfonia segnato dalla democrazia e dalla cantabilità del linguaggio musicale rispetto alla Seconda.
Il principio della drammaturgia del montaggio, della teatralità e della visibilità delle immagini comincia ad essere chiaramente visibile.
- Quarta Sinfonia- una sinfonia tragica, che segna una nuova tappa nello sviluppo della sinfonia di Shostakovich.
Come "Katerina Izmailova", ha sofferto un temporaneo oblio. Il compositore cancellò la prima (che avrebbe dovuto aver luogo nel 1936), credendo che sarebbe avvenuta “nel momento sbagliato”. Solo nel 1962 l'opera fu eseguita e accolta con entusiasmo, nonostante la complessità, l'acutezza del contenuto e del linguaggio musicale. G. Khubov (critico) ha detto:
"Nella musica della Quarta Sinfonia, la vita stessa ribolle e ribolle."
- Quinta sinfonia spesso paragonato al tipo di dramma shakespeariano, in particolare ad Amleto.
“deve essere permeato di un’idea positiva, come, ad esempio, il pathos di affermazione della vita delle tragedie shakespeariane”.
Quindi, riguardo alla sua Quinta Sinfonia ha detto:
“Il tema della mia sinfonia è la formazione della personalità. È stato l’uomo con tutte le sue esperienze che ho visto al centro del concept di questo lavoro”.
- Davvero iconico Settima Sinfonia (“Leningrado”), scritto nella Leningrado assediata sotto l'impressione diretta dei terribili eventi della Seconda Guerra Mondiale.
Secondo Koussevitzky, la sua musica
“immenso e umano e può essere paragonato all'umanità universale del genio di Beethoven, che, come Shostakovich, nacque in un'epoca di sconvolgimenti mondiali...”.
La prima della Settima Sinfonia ebbe luogo l'8 settembre 1942 nella Leningrado assediata con il concerto trasmesso alla radio. Maxim Shostakovich, figlio del compositore, credeva che quest’opera riflettesse non solo l’antiumanesimo dell’invasione fascista, ma anche l’antiumanesimo del terrore di Stalin nell’URSS.
- Ottava sinfonia(prima 04.11.1943) - il primo culmine della linea tragica dell'opera del compositore (il secondo culmine è la Quattordicesima Sinfonia), la cui musica ha causato polemiche con tentativi di sminuirne il significato, ma è riconosciuta come una delle opere eccezionali XX secolo.
- Nella Nona Sinfonia(completato nel 1945) il compositore (esiste una tale opinione) ha risposto alla fine della guerra.
Nel tentativo di liberarsi dell'esperienza, ha tentato di fare appello a emozioni serene e gioiose. Tuttavia, alla luce del passato, ciò non era più possibile: la linea ideologica principale è inevitabilmente offuscata da elementi drammatici.
- Decima sinfonia ha continuato la linea stabilita nella sinfonia n. 4.
Successivamente, Shostakovich si rivolse a un diverso tipo di sinfonia, incarnando l'epopea rivoluzionaria popolare. Appare così una dilogia: le sinfonie n. 11 e 12, che portano i nomi “1905” (sinfonia n. 11, dedicata al 40 ° anniversario della Rivoluzione d'Ottobre) e “1917” (sinfonia n. 12).
- Sinfonie Tredicesima e Quattordicesima segnato anche da particolari caratteristiche di genere (caratteristiche dell'oratorio, influenza del teatro d'opera).
Si tratta di cicli vocale-sinfonici a più parti, dove si manifesta pienamente la tendenza alla sintesi dei generi vocali e sinfonici.
L'opera sinfonica del compositore Shostakovich è multiforme. Da un lato si tratta di opere scritte sotto l'influenza della paura di ciò che sta accadendo nel Paese, alcune sono state scritte per ordine, altre sono state scritte per proteggersi. D'altra parte, queste sono riflessioni veritiere e profonde sulla vita e sulla morte, dichiarazioni personali di un compositore che sapeva parlare fluentemente solo nel linguaggio della musica. Questo è Quattordicesima sinfonia. Si tratta di un'opera vocale-strumentale in cui vengono utilizzate poesie di F. Lorca, G. Apollinaire, W. Kuchelbecker, R. Rilke. Il tema principale della sinfonia è la riflessione sulla morte e sull'uomo. E sebbene lo stesso Dmitry Dmitrievich alla prima abbia affermato che questa è musica e vita, il materiale musicale stesso parla del tragico percorso dell'uomo, della morte. In verità, il compositore è salito qui ai vertici della riflessione filosofica.
Il lavoro per pianoforte di Shostakovich
Nuovo direzione dello stile V musica per pianoforte Il XX secolo, negando per molti aspetti le tradizioni del romanticismo e dell'impressionismo, coltivò la presentazione grafica (a volte deliberatamente asciutta), a volte enfatizzò la nitidezza e la sonorità; la chiarezza del ritmo acquisì particolare importanza. Prokofiev ha svolto un ruolo importante nella sua formazione e molte cose sono caratteristiche di Shostakovich. Ad esempio, utilizza ampiamente registri diversi e confronta sonorità contrastanti.
Già nel lavoro dei suoi figli, ha cercato di rispondere a eventi storici (il pezzo per pianoforte “Soldato”, “Inno alla libertà”, “Marcia funebre in memoria delle vittime della rivoluzione”).
N. Fedin nota, ricordando gli anni del conservatorio del giovane compositore:
"La sua musica parlava, chiacchierava, a volte in modo piuttosto malizioso."
Il compositore distrusse alcune delle sue prime opere e, ad eccezione di Danze fantastiche, non pubblicò nessuna delle opere scritte prima della Prima Sinfonia. "Fantastic Dances" (1926) guadagnò rapidamente popolarità e si affermò saldamente nel repertorio musicale e pedagogico.
Il ciclo “Preludi” è improntato alla ricerca di nuove tecniche e percorsi. Il linguaggio musicale qui è privo di pretenziosità e deliberata complessità. Caratteristiche individuali di un individuo lo stile del compositore strettamente intrecciato con i tipici melo russi.
La Sonata per pianoforte n. 1 (1926) era originariamente chiamata "Ottobre" e rappresenta un'audace sfida alle convenzioni e all'accademismo. L'opera mostra chiaramente l'influenza dello stile pianistico di Prokofiev.
Carattere del ciclo pezzi per pianoforte“Aforismi” (1927), composto da 10 opere teatrali, al contrario, è caratterizzato da intimità e presentazione grafica.
Nella Prima Sonata e negli “Aforismi” Kabalevskij vede “una fuga dalla bellezza esteriore”.
Negli anni '30 (dopo l'opera “Katerina Izmailova”) apparvero 24 preludi per pianoforte (1932-1933) e il primo concerto per pianoforte (1933); in queste opere si formano quelle caratteristiche dello stile pianistico individuale di Shostakovich che saranno poi chiaramente identificate nella Seconda Sonata e nelle parti pianistiche del Quintetto e del Trio.
Nel 1950-51 il ciclo “24 Preludi e Fughe” op. 87, che nella sua struttura rimanda all'HTC di Bach. Inoltre, nessuno dei compositori russi ha creato tali cicli prima di Shostakovich.
La seconda sonata per pianoforte (op. 61, 1942) è stata scritta sotto l'impressione della morte di L. Nikolaev (pianista, compositore, insegnante) e dedicata alla sua memoria; allo stesso tempo rifletteva gli eventi della guerra. Non solo il genere, ma anche la drammaturgia dell'opera è caratterizzata dall'intimità.
"Forse da nessun'altra parte Shostakovich è stato così ascetico nel campo della struttura del pianoforte come qui" (L. Danilevich).
Creatività da camera
Il compositore ha creato 15 quartetti. Per sua stessa ammissione, iniziò a lavorare al Primo Quartetto (op. 40, 1938) “senza pensieri o sentimenti particolari”.
Tuttavia, il lavoro di Shostakovich non solo lo affascinò, ma portò all’idea di creare un ciclo di 24 quartetti, uno per ciascuna tonalità. Tuttavia, la vita decretò che questo piano non fosse destinato a realizzarsi.
L'opera fondamentale che completò la sua linea creativa prebellica fu il Quintetto per due violini, viola, violoncello e pianoforte (1940).
Questo è “il regno delle riflessioni calme, ricoperte di poesia lirica. Ecco un mondo di pensieri elevati, sentimenti sobri, castamente chiari, combinati con divertimento festoso e immagini pastorali” (L. Danilevich).
Successivamente, il compositore non riuscì più a trovare tanta pace nel suo lavoro.
Pertanto, il Trio in memoria di Sollertinsky incarna sia i ricordi di un amico defunto sia i pensieri di tutti coloro che sono morti in un terribile tempo di guerra.
Creatività cantata-oratorio
Shostakovich ha creato un nuovo tipo di oratorio, le cui caratteristiche risiedono nell'uso diffuso della canzone e di altri generi e forme, nonché del giornalismo e dei manifesti.
Queste caratteristiche sono state incarnate nell'oratorio solare e luminoso "Song of Forests", che è stato creato "sulla scia degli eventi" legati all'intensificazione della "costruzione verde" - la creazione di cinture di protezione forestale. Il suo contenuto è rivelato in 7 parti
("Quando finì la guerra", "Vestiamo la Patria di foreste", "Memorie del passato", "I pionieri piantano foreste", "Gli Stalingrado si fanno avanti", "Camminata futura", "Gloria").
Vicino allo stile dell'oratorio è la cantata “Il sole splende sulla nostra patria” (1952) sui testi. Dolmatovsky.
Sia nell'oratorio che nella cantata c'è una tendenza verso una sintesi delle linee canto-corale e sinfonica dell'opera del compositore.
Nello stesso periodo apparve un ciclo di 10 poesie coro misto non accompagnato dalle parole dei poeti rivoluzionari della fine del secolo (1951), che è un eccezionale esempio di epica rivoluzionaria. Il ciclo è la prima opera nell'opera del compositore in cui non è presente musica strumentale. Alcuni critici ritengono che le opere create secondo le parole di Dolmatovsky, mediocri, ma che occupavano un posto importante nella nomenklatura sovietica, abbiano aiutato il compositore a impegnarsi nella creatività. Pertanto, uno dei cicli basati sulle parole di Dolmatovsky è stato creato immediatamente dopo la XIV sinfonia, come in opposizione ad essa.
Musica da film
La musica da film gioca un ruolo enorme nel lavoro di Shostakovich. È uno dei pionieri di questo tipo di arte musicale, realizzando il suo eterno desiderio per tutto ciò che è nuovo e sconosciuto. A quel tempo il cinema era ancora muto e la musica da film era vista come un esperimento.
Durante la creazione di musica per i film, Dmitry Dmitrievich ha cercato di non illustrare effettivamente le immagini, ma di avere un impatto emotivo e psicologico, quando la musica rivela il profondo sottotesto psicologico di ciò che sta accadendo sullo schermo. Inoltre, il lavoro nel cinema ha spinto il compositore a rivolgersi a strati nazionali precedentemente sconosciuti arte popolare. La musica per i film ha aiutato il compositore quando le sue opere principali non venivano eseguite. Proprio come le traduzioni hanno aiutato Pasternak, Akhmatova e Mandelstam.
Alcuni dei film con la musica di Shostakovich (questi erano film diversi):
"La giovinezza di Maxim", "La giovane guardia", "Il tafano", "Amleto", "Re Lear", ecc.
Il linguaggio musicale del compositore spesso non corrispondeva alle norme stabilite e rifletteva in gran parte le sue qualità personali: apprezzava l'umorismo e le parole spiritose e si distingueva per il suo spirito.
"La serietà in lui era combinata con la vivacità del carattere" (Tyulin).
Tuttavia, va notato che il linguaggio musicale di Dmitry Dmitrievich è diventato sempre più oscuro nel tempo. E se parliamo di umorismo, allora con piena fiducia possiamo chiamarlo sarcasmo (cicli vocali basati su testi della rivista "Crocodile", su poesie del capitano Lebyadkin, l'eroe del romanzo di Dostoevskij "Demoni")
Compositore, pianista, Shostakovich fu anche insegnante (professore al Conservatorio di Leningrado), che formò numerosi compositori eccezionali, tra cui G. Sviridov, K. Karaev, M. Weinberg, B. Tishchenko, G. Ustvolskaya e altri.
Per lui, l'ampiezza dei suoi orizzonti era di grande importanza, e ha sempre sentito e notato la differenza tra il lato spettacolare esternamente e quello emotivo profondamente interiore della musica. I meriti del compositore ricevettero il massimo apprezzamento: Shostakovich fu tra i primi vincitori del Premio di Stato dell'URSS e ricevette l'Ordine della Bandiera Rossa del Lavoro (che a quel tempo era ottenibile solo per pochissimi compositori).
Tuttavia, il destino stesso umano e musicale del compositore è un'illustrazione della tragedia del genio in.
Ti è piaciuto? Non nascondere la tua gioia al mondo: condividilaIl nome di D. D. Shostakovich è conosciuto in tutto il mondo. È uno dei più grandi artisti del XX secolo. La sua musica è ascoltata in tutti i paesi del mondo, è ascoltata e amata da milioni di persone di diverse nazionalità.
Dmitry Dmitrievich Shostakovich è nato il 25 settembre 1906 a San Pietroburgo. Suo padre, un ingegnere chimico, lavorava presso la Camera Principale dei Pesi e delle Misure. La madre era una pianista dotata.
All'età di nove anni, il ragazzo iniziò a suonare il pianoforte. Nell'autunno del 1919, Shostakovich entrò al Conservatorio di Pietrogrado. Il lavoro di diploma del giovane compositore è stata la Prima Sinfonia. Il suo clamoroso successo: prima in URSS, poi in Russia Paesi esteri– ha segnato l'inizio del percorso creativo di un giovane musicista brillantemente dotato.
L'opera di Shostakovich è inseparabile dalla sua epoca contemporanea, dai grandi eventi del XX secolo. Con enorme potere drammatico e passione accattivante, ha catturato enormi conflitti sociali. Nella sua musica si scontrano immagini di pace e guerra, luce e oscurità, umanità e odio.
Anni militari 1941-1942. Nelle "notti di ferro" di Leningrado, illuminate da esplosioni di bombe e proiettili, appare la settima sinfonia: "Sinfonia del coraggio che conquista tutto", come veniva chiamata. È stato eseguito non solo qui, ma anche negli Stati Uniti, in Francia, Inghilterra e altri paesi. Durante gli anni della guerra, quest’opera rafforzò la fede nel trionfo della luce sulle tenebre fasciste, della verità sulle nere bugie dei fanatici di Hitler.
Il tempo della guerra stava diventando un ricordo del passato. Shostakovich scrive "La canzone delle foreste". Il bagliore cremisi dei fuochi è sostituito da un nuovo giorno di vita pacifica: la musica di questo oratorio ne parla. E dopo apparvero poesie corali, preludi e fughe per pianoforte, nuovi quartetti, sinfonie.
Il contenuto riflesso nelle opere di Shostakovich richiedeva nuovi mezzi di espressione, nuovi tecniche artistiche. Ha trovato questi mezzi e tecniche. Il suo stile si distingue per la profonda originalità individuale e la genuina innovazione. Meraviglioso Compositore sovietico apparteneva a quegli artisti che seguono percorsi inesplorati, arricchendo l'arte e ampliando le sue capacità.
Shostakovich ha scritto un numero enorme di opere. Tra questi ci sono quindici sinfonie, concerti per pianoforte, violino e violoncello con orchestra, quartetti, trii e altre opere strumentali da camera, il ciclo vocale “Dalla poesia popolare ebraica”, l'opera “Katerina Izmailova” basata sulla storia di Leskov “Lady Macbeth di Mtsensk ”, balletti , operetta "Mosca, Cheryomushki". Ha scritto le musiche per i film “Le montagne d'oro”, “Il contatore”, “Il grande cittadino”, “L'uomo con la pistola”, “La giovane guardia”, “Incontro sull'Elba”, “Il tafano”, "Amleto", ecc. La canzone sulle poesie di B. Kornilov dal film "Oncoming" - "Il mattino ci saluta con freschezza".
Shostakovich condusse anche una vita sociale attiva e un fruttuoso lavoro di insegnamento.