Voce
La voce umana è una delle fonti sonore più difficili da registrare. Innanzitutto, ha una messa a fuoco nitida. In secondo luogo, durante la lettura del testo, il suono della voce umana è un segnale pulsato, che rivela chiaramente le carenze dell'acustica della stanza. In terzo luogo, nessuna delle fonti sonore presenta una tale diversità. Le consonanti esplosive ("b", "p") sono combinate con vocali cantilenanti e le consonanti "da polso" per non udenti "k", "t", "p" sono combinate con sibili e sibili "s", "sh", "sch".
Si scopre che la voce umana combina suoni a cui l'ingegnere del suono non può avvicinarsi con un solo metro. Quindi spesso ascoltiamo registrazioni in cui vocali volanti e ben riverberate sono combinate con sibilanti vicine, e la lettera "s" inviata a uno scarso riverbero digitale sembra un suono completamente estraneo e innaturalmente lungo. Aggiungiamo a questo una quantità abbastanza grande di rumore, soprattutto se posizioni il microfono troppo vicino: si tratta di respiri, vari tipi di schiocchi, isterici ad alta frequenza.
Una voce umana ordinaria (non “messa in scena”) ha uno spettro che non supera i 2…3 kHz. Il lavoro sulla produzione vocale è in gran parte mirato ad espandere lo spettro delle frequenze e la voce operistica raggiunge i 5...7 kHz. Ci sono due formanti di canto: basso 300...500 Hz e alto 2...3 kHz, che conferisce alla voce una qualità squillante e la fa risaltare rispetto all'intera orchestra. Caratteristica La voce umana ha un tono fondamentale poco espresso e la seconda armonica suona molte volte più forte. C'è molto nel suono voce cantata dipende dalla scuola di produzione. Una voce ben prodotta ha un volume abbastanza uniforme in tutti i registri. Ma una tecnica esecutiva comune tra i cantanti è talvolta chiamata “soffiare bolle”, in cui note confortevoli, risonanti ed efficaci vengono cantate dieci decibel più forti delle altre. In questi casi l’unico modo per sfuggire al sovraccarico è con l’aiuto di un compressore.
Non posizionare il microfono troppo vicino, poiché in questo caso è stato progettato il timbro della voce Sala grande, risulterà tagliente e duro a causa grandi quantità alte frequenze presenti nel suono. Per una voce operistica brillante, la distanza ottimale dal microfono può arrivare fino a tre metri. Ma i cantanti tendono a voler avvicinarsi il più possibile al microfono. Esistono due modi per "fissare" la posizione del cantante: puoi mettergli un leggio davanti o puoi installare un microfono aggiuntivo in cui canterà. (Non è necessario collegarlo al telecomando...)
La voce umana risponde molto bene al riverbero durante la registrazione del canto. Con un ritmo di canto lento, può essere molto lungo, basta fornire un ritardo di 30...50 ms in modo che la dizione non ne soffra. Ma la correzione della frequenza deve essere introdotta con molta delicatezza. Gli equalizzatori parametrici sono ampiamente utilizzati alle frequenze che coincidono con le formanti vocali. Il noto “filtro di presenza” è stato infatti progettato per evidenziare la zona 2…3 kHz.
Strumenti popolari
Domra e balalaika
Orchestra russa strumenti popolari, creato all'inizio del XX secolo da Vasily Andreev, è costruito a somiglianza di una sinfonia. Gruppo strumenti ad arco corrispondono ai domras, che sono divisi in quattro gruppi: primo, secondo, contralto e basso, che svolgono rispettivamente la funzione di violini, viole e violoncelli. Di solito suonano le parti più importanti dell'orchestra. Le orchestre usano domra a tre corde, solo i solisti suonano quelle a quattro corde. La loro accordatura coincide con quella del violino, e spesso il repertorio fa la stessa cosa. Anche le balalaiche sono divise in quattro gruppi: primi, secondi, balalaiche basse e balalaiche contrabbasso. Questi ultimi sono analoghi dei contrabbassi, mentre i primi e i secondi sono, piuttosto, bassi ad arco che suonano il pizzicato. Tutti gli strumenti elencati hanno tasti e quindi sono esenti da falsità.
Il metodo tradizionale per suonare domra e balalaika è il tremolo. La velocità del tremolo determina la sua azione furtiva e, quindi, la qualità della sua prestazione. Il suono tremulo di un gran numero di strumenti crea un suono pulsante di meravigliosa bellezza. Ho ascoltato una registrazione quadrifonica di un'orchestra di strumenti popolari, e il suo suono mi ha ricordato il rumore del mare, la cui vastità è formata da tanti punti inconsciamente localizzati. Quando si registrano piccole composizioni, il tremolo pone un certo problema; in esso si sente il "metallo", come un tintinnio. La qualità del suono del tremolo in una piccola formazione può essere migliorata applicando ritardi di 8, 15 e 30 ms, che lo accelerano e creano la sensazione di più musicisti.
Le domra e le balalaika hanno una formante insufficientemente espressa nella regione di 400...500 Hz - mancano i bassi, per così dire, "carne". Alzando questa gamma di frequenze utilizzando un filtro parametrico si evidenzia il tono principale, rendendo il suono tridimensionale e profondo. Ma un aumento eccessivo della formante provoca un'enfasi sull'effetto di percussione provocato dal colpo sulle corde con un plettro o con le dita.
È vantaggioso posizionare il microfono a breve distanza dallo strumento (circa 60 cm), puntandolo verso la parte inferiore della tavola armonica. Quando si suona in coppia su una console, la testa del microfono deve essere posizionata nell'angolo in basso a destra (rispetto all'esecutore) del leggio ed essere diretta equamente verso l'uno e l'altro musicista. Quando registri duetti, puoi puntare un microfono stereo verso i musicisti con un angolo di apertura di 120 gradi. In questo caso, gli artisti dovrebbero sedersi mezzo girati l'uno verso l'altro.
Chitarra
(La sezione sulla chitarra è stata scritta in collaborazione con A.I. Weizenfeld - nota dell'autore)
La chitarra nella pratica europea è classificata come uno strumento accademico, ma in Russia è tradizionalmente “arruolata nel dipartimento” degli strumenti popolari. La chitarra, insieme alla partecipazione all'orchestra folk, si esibisce come solista strumento da concerto o come accompagnamento vocale. La chitarra acustica classica è uno strumento silenzioso, piuttosto silenzioso, e di questo bisogna tenerne conto durante la registrazione. Tuttavia, questo dipende molto dallo stile di gioco.
Fig. 1 Posizionamento del microfono durante la registrazione di una chitarra
Esistono due tipologie principali di chitarre, a seconda del materiale delle corde utilizzate: nylon sintetico e metallo. Il materiale delle corde influisce in modo significativo sul carattere del suono e sulle caratteristiche della tecnica di produzione del suono.
Le corde sintetiche sono le prime tre corde di una chitarra, mentre le tre corde del basso hanno fili di rame, bronzo, ottone o argento avvolti su fili di seta. Le corde sintetiche hanno un suono morbido ma denso con pochi armonici.
Le corde di metallo sono più rigide. Anche le corde dei bassi in metallo hanno una corda, molto spesso d'acciaio, avvolta su una corda d'acciaio. Le corde di metallo hanno un timbro brillante e squillante con molte armoniche.
I metodi di produzione del suono hanno una grande influenza sul carattere del suono. Esistono metodi con unghie e senza unghie. Nel primo modo di suonare la corda viene toccata prima con la pelle del polpastrello e poi con l'unghia. La pelle fornisce densità sonora, l'unghia fornisce luminosità e sonorità. Con il metodo senza chiodo, il suono diventa opaco, sbavato, con un attacco poco chiaro e suoni "sorprendenti" evidenti, motivo per cui i chitarristi classici professionisti utilizzano solo il metodo con chiodo. Tuttavia, a volte quando chitarra acustica I chitarristi pop che di solito usano il plettro suonano con le dita; puoi anche incontrare il metodo senza chiodi; I chitarristi dilettanti (bardi, ecc.) spesso suonano con il metodo nailless. Gli artisti di flamenco hanno le unghie più lunghe di quelle “classiche” e la pelle dei polpastrelli non partecipa alla produzione del suono, quindi il suono della chitarra nella musica flamenca è più aspro e sonoro che nel repertorio classico.
A seconda di dove viene prodotto il suono sulla corda, sul capotasto o sul manico, il suono della chitarra può diventare duro, come un clavicembalo, o morbido, come un'arpa.
Le corde di metallo vengono suonate meno spesso con le dita, più spesso con un mediatore (plettro). Produce un attacco solido con un suono aspro, ma l'attacco può essere ammorbidito spostando il colpo della corda più vicino alla tastiera e modificando l'angolo del plettro. Succede tra i chitarristi non sufficientemente professionisti che i colpi di plettro sulla corda verso il basso e verso l'alto differiscano in forza e timbro, il che porta ad un suono vario.
Documentazione chitarra classica non è così semplice come potrebbe sembrare.
La gamma dinamica di una chitarra è di circa 20 dB. La gamma di frequenza della chitarra per i toni fondamentali va da 73 a 1200 Hz e lo spettro si estende fino a 9 kHz. La frequenza e il livello delle formanti dipendono fortemente dal volume, dalla forma e dal materiale del corpo.
Per registrare un accompagnamento di chitarra, di solito viene installato un microfono, che è diretto alle corde nell'area della presa (Figura 1, voce 1). Spostando il microfono verso il supporto e il fondo della tavola armonica (posizione 2) si rende il timbro meno profondo, con un innalzamento della gamma media. Posizionando il microfono al collo (posizione 3), si ottengono medi bassi pronunciati e alti più aperti.
Se si sta registrando un repertorio di chitarra classica da concerto, vengono solitamente utilizzate tecniche multimicrofono, sfruttando l'acustica della stanza.
La distanza dal microfono allo strumento in ciascun caso viene selezionata individualmente in base alle condizioni di registrazione: potrebbe essere la presenza di rumore estraneo da cui è necessario disconnettersi, o il modo sciatto di suonare del chitarrista, quando il lavoro della mano sinistra diventa udibile: tintinnio sui tasti di corde mal premute, fischio delle dita sulle corde quando scivolano lungo la tastiera, ecc.
Quando si registrano interpreti di romanzi e canzoni d'arte con capacità vocali modeste, a volte c'è il problema di bilanciare la voce con la chitarra, che suona più forte e "si arrampica" nel microfono vocale. In questa situazione è consigliabile utilizzare un microfono bidirezionale per la voce (punto 4). Con il suo lato “non uditivo” sarà rivolto verso la chitarra.
Bayan e fisarmonica
Un altro strumento popolare popolare è la fisarmonica a bottoni, (indicato comein altri paesi con una “fisarmonica a pulsanti” (fisarmonica a pomello) - ca. ndr). Nell'orchestra interpreta il ruolo di un gruppo di ottoni. Bayan è molto ricco capacità espressive, ed è spesso usato come strumento solista. Tuttavia, il repertorio speciale della fisarmonica a bottoni è piuttosto limitato e di conseguenza esistono molti arrangiamenti per fisarmonica a bottoni. In realtà la sua sorella europea, la fisarmonica, non è diversa dalla fisarmonica a bottoni.
Fig 2 Posizionamento del microfono durante la registrazione di una fisarmonica
Ci sono fisarmoniche a bottoni già pronte e fisarmoniche più semplici già pronte. Uno dei problemi con la registrazione di una fisarmonica a bottoni è una grande quantità di rumore: il battito dei tasti, gli interruttori di registro, il rumore dell'aria quando si cambia il movimento del mantice, lo scricchiolio della cintura. Tutti questi rumori risultano essere più vicini nel piano del suono utile, il che diventa particolarmente evidente quando si utilizza il riverbero artificiale.
Quando registri una fisarmonica solista, puoi utilizzare tre microfoni (Figura 2, elemento 1): due microfoni mono saranno diretti alle tastiere sinistra e destra e diversi dietro la schiena del musicista: ciò indebolirà il suono dei tasti. Se ci limitiamo a questo, possiamo ottenere il suono di due strumenti indipendenti. Per ottenere un suono unificato, davanti allo strumento è posizionato un microfono stereo (è possibile anche un microfono mono). Quando si registra un repertorio d'organo, è auspicabile una correzione sufficientemente profonda per le basse frequenze: conferirà al suono un suono vellutato, tridimensionale e profondo simile al suono di un organo.
È possibile registrare una fisarmonica a bottoni solista in modo particolarmente efficace se si utilizzano microfoni PZM. Daranno al suono della fisarmonica una maggiore profondità nelle basse frequenze. I microfoni sono posizionati sul pavimento attorno al musicista, formando un triangolo approssimativamente equilatero con il vertice al posto del leggio (posizione 2). Non dovrebbe esserci moquette sotto e il pavimento dovrebbe essere il più duro possibile senza risultare risonante. Se, a causa dell'aumento delle alte frequenze caratteristico di questi microfoni, il clic dei pulsanti risulta enfatizzato, il segnale può essere leggermente regolato. A proposito, tutti i microfoni installati a sinistra e tastiera destra, è necessario posizionarli un po' indietro per ridurre un po' questo colpo, e restringere la loro base affinché la registrazione non produca il suono di due vari strumenti.
Altri strumenti
IN orchestra popolare spesso vengono utilizzati quelli in legno strumenti a fiato, come un flauto e un oboe, che in questo caso svolge il ruolo di corno popolare. Per creare un caratteristico timbro di pietà popolare, un microfono da oboe viene posizionato tra le gambe del musicista e diretto direttamente nella campana dello strumento.
La presenza di una batteria in un'orchestra folk crea ulteriori difficoltà perché può essere molto più forte e suonare in modo più rimbombante rispetto a tutti gli altri strumenti dell'orchestra. Un'altra cosa è che ci sono molti strumenti acustici veramente popolari: vari sonagli, tamburelli, ecc. Spesso imitano il suono delle tradizionali percussioni orchestrali: padelle invece di gong, tronchi di betulla secchi invece di scatole, ecc.
Riassumendo la storia dell'orchestra di strumenti popolari, dirò anche che suona bene e bello con un riverbero artificiale generale per l'intera composizione.
Nella partitura per un'orchestra di strumenti popolari russi, le righe superiori sono occupate dal gruppo domra, sotto ci sono gli strumenti a fiato e le fisarmoniche, seguiti dagli strumenti a percussione, e sotto ci sono gli strumenti del gruppo balalaika.
Se l'orchestra ha delle arpe, queste vengono poste sopra le balalaika. Sopra il gruppo della balalaika sono indicati anche gli strumenti solisti, la parte di un cantante solista o di un coro. Nel gruppo domra, gli strumenti sono posizionati nel seguente ordine (contando dall'alto verso il basso): piccolo, piccolo, alto, basso; nella sezione dei fiati c'è un flauto, un oboe, e sotto di essi ci sono le fisarmoniche a bottoni (la prima fisarmonica a bottoni è più alta della seconda). In gruppo strumenti a percussione- timpani sopra, sotto - triangolo, tamburello, rullante, piatti, grancassa, campane e xilofono. In un gruppo di balalaika, la prima è seguita da una seconda, viola, basso e contrabbasso. All'inizio della partitura e in ogni nuova pagina, tutti i righi sono collegati da una linea sottile, e ogni gruppo separatamente è collegato da una linea retta ancora più spessa con “antenne” lungo i bordi. Le doghe per la fisarmonica e le parti gusli sono collegate da una staffa attorcigliata (riccia). I righi di ciascun gruppo sono collegati individualmente da stanghette continue lungo l'intero pezzo. La maggior parte le voci dell'orchestra sono divise in due o tre parti a seconda composizione quantitativa esecutori su questo strumento. Di norma, i seguenti strumenti sono costantemente divisi: piccola domra, contralto e basso; Prima balalaika, fisarmoniche a bottoni.
Se gli strumenti sono divisi in parti in tutto il brano, allora all'inizio della partitura prima del rigo su cui è indicata la parte di questo strumento, vengono visualizzati i numeri romani: I, II (uno sotto l'altro). Se la divisione avviene all'interno del brano per un breve periodo, sotto il rigo di questa parte viene scritta la parola "divisi", cioè divisione, e quando si ritorna a una presentazione monofonica - non divisione o unisono (questi termini sono designati in una lingua straniera e molto spesso in forma abbreviata - non div., unis.).
Quando si dividono le voci in parti, i gambi delle note della prima parte sono diretti verso l'alto e la seconda verso il basso (anche se la seconda parte è designata più alta della prima). I tempi sono indicati solo sopra i gruppi principali dell'orchestra: domra e balalaika; volume, designazioni verbali dei metodi di estrazione del suono, natura della musica - di seguito, per ciascuna parte separatamente.
Per rendere conveniente la ripetizione di singole parti o brevi segmenti di un brano durante il processo di apprendimento del brano, nella partitura e nelle voci orchestrali vengono posizionati dei numeri racchiusi in un quadrato in determinati punti (molto spesso all'inizio di ogni nuovo parte): 1, 2, 3, che sono designati nella partitura sui gruppi principali dell'orchestra.
Le pause che durano più misure sono indicate nelle parti da una linea a forma di pausa intera e da un numero corrispondente al numero di misure durante le quali questa parte non prende parte al gioco. Controllo della traduzione. 2 Dopo aver completato il lavoro sulla strumentazione è necessario controllare la registrazione della partitura. Si deve iniziare contando il numero totale di battute sulla tastiera e sul punteggio. Quindi dovresti rivedere attentamente le parti di ciascuna voce separatamente dall'inizio alla fine, prestando attenzione alla corretta registrazione delle chiavi, dei segni accidentali, della durata delle note e delle pause, ai cambiamenti nelle indicazioni del tempo e controllando l'accuratezza dei tratti marcati, del fraseggio e sfumature dinamiche. Successivamente è necessario ripassare ciascuna parte separatamente per la seconda volta, prestando attenzione alla logica e alla sequenza del movimento delle voci, nonché alla facilità di esecuzione di questa parte sullo strumento. Dopo aver finito di controllare le voci in senso orizzontale, è necessario verificare la loro relazione verticale, cioè la corretta costruzione degli accordi, la presenza in essi di segni di alterazione casuale, l'unità ritmica (se ce n'è una). È estremamente necessario controllare l'armonia al pianoforte: se gli accordi suonano abbastanza compatti e belli.
Strumentazione per il gruppo domra . Numero di strumenti e parti nel gruppo domr. Per ottenere la migliore sonorità in un gruppo di domra, si osserva approssimativamente la seguente proporzione: piccolo: alto: basso = 4: 3: 2. Questa proporzione viene seguita, tenendo conto della diversa intensità del suono delle domra piccole, alte e basse: gli strumenti più grandi hanno un suono più potente e più forte, e il loro numero nell'orchestra diminuisce sempre proporzionalmente. Le domra piccole e alte nell'orchestra sono divise in prima e seconda. Inoltre, in alcuni casi, per due parti viene utilizzato il divisi del primo piccolo e del primo contralto domras. Le domra basse sono in molti casi divise anche in prime e seconde; tuttavia, è più consigliabile non scriverli su righi separati, ma usare i divisi secondo necessità, poiché le domra dei bassi molto spesso eseguono una parte comune. Notazione div. nel caso di divergenza di una voce in due, così come la designazione unis., nel caso di combinazione delle due voci precedenti in una voce è obbligatoria, poiché altrimenti i musicisti orchestrali potrebbero fraintendere la registrazione in div. suona solo la nota più alta o solo quella più bassa, oppure prova a suonare note doppie. Nei casi in cui viene utilizzato un riconoscimento abbreviato e il primo e il secondo strumento sono scritti sulla stessa riga, la notazione div. e uni. diventare ancora più necessario. La separazione degli strumenti e il loro suonare insieme può essere indicata senza l'uso di parole div. e unis., e con l'aiuto di gambi e pause: i primi strumenti sono scritti con gambi rivolti verso l'alto, i secondi con gambi rivolti verso il basso. Nei casi in cui una melodia viene eseguita dalla prima e dalla seconda domra in unis. per ogni nota devi scrivere due calme: verso il basso e verso l'alto; Se la melodia viene eseguita solo dai primi strumenti, tutti i gambi vengono scritti verso l'alto e al posto dei secondi vengono poste delle pause. Distribuzione della polifonia nel gruppo domr.
Raddoppiamento all'unisono e all'ottava.
Esistono due metodi principali di strumentazione utilizzati quando compaiono nuove voci: 1) dividere le voci utilizzando divisi, 2) collegare gradualmente nuovi strumenti.
Durante la strumentazione è consentito il raddoppio di qualsiasi voce (o più voci) all'unisono e in un'ottava.
Per il gruppo domra sono consentiti i seguenti raddoppiamenti di ottava:
1) raddoppiare la voce melodica superiore un'ottava più alta per la piccola domra, per i divizi della piccola domra 1a e 2a, portando la piccola domra e la domra alta nell'ottava.
2) “Presentazione a 2 piani” - raddoppiando le due voci superiori un'ottava più alta (i contralti 1° e 2° sono duplicati un'ottava più alta rispetto ai piccoli domra 1° e 2°).
Il basso nel gruppo domra raramente raddoppia in ottava. Quando si dirige una melodia al basso, il domra-alto a volte la duplica un'ottava più alta.
Metodi più rari di utilizzo del gruppo domr.
La tecnica principale per suonare la domra è il tremolo. Tra le altre tecniche che cambiano in modo significativo il carattere del suono di un gruppo, le più comunemente usate sono: staccato, pizzicato e, meno spesso, suonare note doppie e accordi, armoniche, suonare sullo stand, ecc. Poiché nello staccato e nel pizzicato il il suono svanisce abbastanza rapidamente, queste tecniche vengono utilizzate principalmente nel movimento più o meno veloce o nell'accompagnamento di accordi: è inoltre necessario tenere conto che il pizzicato è più debole dello staccato, quindi è più consigliabile utilizzarlo in pp. Suonare con accordi e note doppie viene solitamente utilizzato con sforzando, con consonanze ripetute e con la trama accordale generale dell'opera.
Nella distribuzione di un accordo tra domra è consigliabile attenersi alle seguenti regole: a) cercare, quando possibile, di utilizzare corde aperte per facilitare l'esecuzione di accordi e note doppie; b) concentrare il massimo degli strumenti nella gamma sonora più favorevole (registri medi e gravi); c) osservare, se possibile, una corretta guida vocale nell'accostamento degli accordi (richiesto: corretta risoluzione della settima); d) nel raddoppio dare la preferenza innanzitutto ai passi I e V; e) non raddoppiare il terzo tono e il settimo dell'accordo sotto il Mi dell'ottava minore (a meno che ciò non sia previsto dall'autore).
G gruppo domra nell'orchestra. Presentazione del materiale musicale nel gruppo domr.
Se analizziamo l'uso del gruppo domra in un'orchestra (gruppo solista domr o tutti orchestrali con materiale principale nel gruppo domra), possiamo identificare i due tipi più comuni di presentazione del materiale musicale: 1) ogni voce ha un ritmo melodico indipendente linea, 2) alcune voci sono duplicate (di solito le domra piccole sono duplicate dalle domra contralto un'ottava più bassa).
Per imparare a strumentare un gruppo domra in questo modo, devi essere fluente nell'uso varie tecniche armonia: a) muovendo voci armoniche: b) usando suoni ausiliari e di passaggio: c) frammentando e combinando ritmicamente: Naturalmente tutte queste tecniche vengono utilizzate nella pratica nell'interazione e in varie combinazioni.
Strumentazione per un gruppo di balalaika. Numero di strumenti e parti in un gruppo di balalaika.
In un gruppo orchestrale di balalaiche, di solito si osservano le seguenti proporzioni tra il numero di strumenti in ciascuna parte: prima: secondi: viole: bassi: K-basso = 6: 2: 2: 1: 3. Il piccolo numero di balalaiche basse ciò si spiega con il fatto che vengono solitamente utilizzati come raddoppio di ottava della parte di contrabbasso o all'unisono con le domra di basso. Numero maggiore i contrabbassi sono spiegati dal fatto che creano le basi dell'intero suono orchestrale. Nel gruppo delle balalaika, divisi balalaikas di ca. Il divisi di secondi e viole viene utilizzato molto meno frequentemente, mentre il divisi di contrabbassi e contrabbassi viene utilizzato solo in casi eccezionali. Quando si registra un gruppo di balalaika nella partitura, viene utilizzato un riconoscimento comune, ad eccezione dei casi in cui le note divisi delle balalaiche sono evidenziate con una parentesi dritta aggiuntiva se sono scritte su due righe diverse. A due voci in balalaika ca. Quando si suona la prima balalaika, tutte e tre le corde dello strumento vengono solitamente utilizzate contemporaneamente e nella stragrande maggioranza dei casi la sua parte orchestrale è presentata a due voci.
a) se l'estensione lo consente, di seguito, oltre alla melodia, viene aggiunta una seconda voce basata sull'armonia
b) per utilizzare il registro grave e più sonoro della prima balalaika nell'esecuzione a due voci della sua parte, è possibile che la voce melodica passi dalla voce superiore a quella inferiore e viceversa. Questa tecnica è però possibile solo se la melodia viene riprodotta un'ottava più alta da altri strumenti.
c) se l'uso della prima balalaika nella melodia è impossibile, viene creata per essa una parte orchestrale indipendente a due voci basata sui suoni armonici.
Quando si scrivono balalaiche a due voci, è necessario tenere conto di quanto segue: se nei registri basso e medio è possibile utilizzare qualsiasi intervallo conveniente, nel registro acuto si dovrebbero preferire intervalli ampi (il registro acuto della balalaika non non suona abbastanza pieno e l'uso di una seconda voce più bassa uniforma il suono complessivo dell'intervallo).
Se possibile, la voce più bassa dovrebbe essere meno mobile della voce più alta. Ciò è dovuto, da un lato, all'inconveniente tecnico di eseguire salti e passaggi veloci con il pollice, e dall'altro alla necessità di preservare una maggiore individualità nella linea melodica. Dettagli sulla presentazione degli accordi nel gruppo accompagnatorio di balalaika, viole e seconde.
Le balalaiche di seconda e le viole sono usate principalmente in suono congiunto come strumenti di accompagnamento e principalmente nel registro grave.
La tecnica più tipica per loro è suonare gli accordi con il pollice o con il plettro staccato (a volte gli accordi estesi vengono tremolati).
2) In un accordo a 4 voci è preferibile utilizzare intervalli ampi (h 5, m 6), che, incrociandosi e sovrapponendosi tra loro, formano un accordo dal suono coeso in un accordo serrato (è necessario scrivere anche divizi balalaika -primo 1° e 2°). Se hai accordi per secondi di balalaika e viole, non dovresti andare oltre l'8°-9° tasto (in modo che il suono non si deteriori).
Raddoppiamento dei suoni armonici in un gruppo di balalaika. Quando si suonano strumenti in un gruppo di balalaika, è più opportuno procedere principalmente dalla comodità di suonare doppie note e accordi sulle balalaika. Ma per evitare parallelismi, come dimostra la pratica, è meglio raddoppiare la prima o la quinta dell'accordo, poi la terza. Il Septima in D7 non dovrebbe essere raddoppiato. In altre parole, è più auspicabile raddoppiare i suoni armonici meno intensi.
La concorrenza e altre violazioni delle regole dovrebbero essere assolutamente vietate:
A) nello studio degli accordi di accompagnamento e dei loro abbinamenti con il basso; b) tra la prima balalaika e il basso.
Sulla base di quanto sopra, è consigliabile eseguire la strumentazione per un gruppo di balalaika in due fasi:
2) Inserisci gli accordi di accompagnamento delle seconde balalaika e delle viole, seguendo la voce che conduce tra loro e il basso. Quando scrivi gli accordi di accompagnamento, devi fare attenzione a non usarli importo massimo corde aperte.
Strumentazione per varie composizioni di orchestre di strumenti popolari.
Orchestra d'archi. È costituito da gruppi di domra e balalaika.
Il numero di timbri è piccolo, il contrasto principale è: il gruppo domra - il gruppo balalaika. Gli strumenti che guidano la linea melodica possono essere: domra piccola, domra contralto, domra bassa, domra piccola + contralto, prima balalaika, prima + balalaika. piccole domra, ecc. La melodia può essere eseguita con vari tratti e varie tecniche. Se necessario, cambia anche la trama orchestrale. Importante è la scelta della tonalità, da cui dipende la luminosità e il colore del suono. Naturalmente non tutti i brani possono suonare altrettanto bene nella composizione per archi di un'orchestra folk. È meglio scegliere brani piccoli che, tuttavia, permettano di mostrare una quantità sufficiente di colori orchestrali.
Orchestra d'archi con fisarmoniche a bottoni, gusli e percussioni. Questa composizione è la più diffusa. La scala dinamica della fisarmonica a bottoni è molto ampia. Il bayan, che suona una voce melodica, nel registro medio e inferiore è uguale in forza sonora al contralto domras. Nel registro acuto lascia il posto al fa domra - piccolo. Due fisarmoniche a bottoni con accordi nel registro medio sono in grado di sopportare il suono dell'intera orchestra (40 persone ciascuna).
I Bayan creano una nuova colorazione timbrica e forniscono una serie di altri vantaggi: a) hanno una copertura della linea melodica più ampia rispetto a qualsiasi strumento a corda; b) l'uso di una fisarmonica a bottoni a una voce, in un'ottava, 2 fisarmoniche a bottoni in un'ottava e gli accordi creano una varietà di colori nel suono delle fisarmoniche a bottoni stesse; c) la fisarmonica a bottoni si sposa bene con una domra - viola e domra - basso in legato o con una piccola domra e domra - piccolo in staccato, questo crea nel primo caso un timbro più denso, e nel secondo uno più morbido; d) il contrasto della fisarmonica a bottoni con le corde è molto più luminoso del contrasto di domra e balalaika. Il bayan esegue sia melodia che contrappunto, figurazione armonica e pedale armonico (solitamente in accordi, senza mescolarsi con gli altri 2 timbri). I gusli addolciscono e impreziosiscono la sonorità orchestrale. Il gusli solista suona come un nuovo timbro nell'orchestra. Esistono due tendenze principali verso l'uso dei gusli in un'orchestra: a) doppi accordi di un gruppo di balalaika o enfatizzazione del cambio di armonie; b) utilizzarli occasionalmente, prevalentemente da solista, come nuova colorazione timbrica. La batteria svolge tre funzioni: 1. enfatizza i climax dinamici (timpani, piatti, rullante); 2. enfatizza il ritmo (rullante, tamburello, triangolo); 3. dare un nuovo sapore, colorazione (timpani, campane, ecc.). L'obiettivo principale è ottenere un suono prominente e prominente per il solista che non venga soffocato dall'orchestra.
J.Haydn. Sinfonia n. 84; P. Čajkovskij. Romeo e Giulietta
J.Bach. Concerti di Brandeburgo. Concerto F n. 1°.
“PECULIARITÀ DEL LAVORO SUI PARTITI
PER ORCHESTRA DI STRUMENTI FOLK RUSSI"
Compilato da:
Ped. aggiungere. arr. MBOU DOD
DDT, Murmansk, 2015.
Lo studio approfondito e la lettura della partitura in tutti i suoi dettagli permettono di trovare in essa sempre più nuovi mezzi espressione artistica. Conoscere questi dettagli e individuare tutte le tecniche di espressione artistica è molto importante quando si impara ed si esegue un brano davanti ad un pubblico.
Parole chiave: Orchestra di strumenti popolari russi "Kalinka"
1. Tipi di spartiti per un'orchestra di strumenti popolari russi
Il termine punteggio deriva dalla parola italiana partitura, che significa “divisione”, “distribuzione”. Denota una notazione musicale di un'opera musicale per un gruppo esecutivo, in cui sono combinate le parti dei singoli strumenti.
Nelle partiture viene adottato un ordine speciale per la registrazione delle parti: si trovano una sotto l'altra, unendosi in gruppi di strumenti omogenei. All'interno di un gruppo, le parti vengono scritte dall'alto verso il basso: dagli strumenti di registro più alti a quelli di registro più gravi.
La trama orchestrale ha le sue caratteristiche. La presenza di un gran numero di voci implica la registrazione su più linee, ma queste non sono tutte le specifiche trama orchestrale. Si differenzia dalle altre partiture non solo per il numero di linee e designazioni della nomenclatura, ma anche per il principio di presentazione del tessuto musicale.
In una composizione da camera, ciascuna voce si sviluppa in modo indipendente; sono rari i casi in cui una voce viene eseguita contemporaneamente da più strumenti. In un'orchestra, l'esecuzione di una voce da parte di più strumenti è una tecnica tipica. Pertanto, una partitura orchestrale è costituita da ripetizioni multiple degli stessi elementi in registri o timbri diversi e dà l'impressione di essere multi-elementare.
L'orchestra di strumenti popolari russi è caratterizzata dal seguente ordine di gruppi nelle partiture:
- domra; armoniche; batteria; arpa; .
La parte strumentale solista e quella vocale sono poste sopra un gruppo di balalaika.
Per facilitare la lettura, le note musicali sono disposte secondo la classifica, cioè le note suonate contemporaneamente devono trovarsi sulla stessa verticale. Allo stesso scopo, con l'aiuto di accoladas (parentesi speciali) e interruzioni di stanghette, viene rappresentata graficamente la struttura dell'orchestra.
Ogni riconoscimento ha il suo scopo. La partitura utilizza i seguenti accordi:
- principale (o generale) – sottile linea verticale, che si trova all'inizio della linea di partitura e copre tutti i righi che compongono la partitura; gruppo - una linea ispessita con “antenne” lungo i bordi, adiacente a quella principale e che copre ciascun gruppo orchestrale separatamente; aggiuntivo - una sottile parentesi quadra che copre i campi di strumenti identici all'interno del gruppo, posta a sinistra di quella del gruppo; contorto (o figurato) - copre i campi del gruppo di ciascuno degli strumenti che non formano un gruppo (bayan, xilofono, campane, ecc.); posto a sinistra di quello principale.
La parte dei timpani è combinata da un riconoscimento di gruppo con parti di strumenti a percussione registrati su archi. La parte strumentale del concerto (ad eccezione della fisarmonica da concerto) non ha un riconoscimento indipendente. Assolo d'archi occasionali, annotati su un rigo separato, sono inclusi nel riconoscimento generale del loro gruppo. Tutti i riconoscimenti sono posti solo all'inizio della linea musicale. Le stanghette in una linea di partitura hanno interruzioni dove finisce un gruppo e inizia un altro gruppo. La lunghezza dei segmenti della stanghetta corrisponde alla lunghezza dei riconoscimenti di gruppo o figurati. In assenza di riconoscimenti, il verso presenta interruzioni negli intervalli tra le strofe. La linea di punteggio è altrimenti chiamata “sistema”. Lei potrebbe essere:
- completo (compresi i righi per tutte le voci); abbreviato (escluse le parti in pausa).
I nomi degli strumenti (designazioni della nomenclatura) sono visualizzati sul lato sinistro della prima pagina della partitura sui pentagrammi corrispondenti e non sono ripetuti nel sistema completo. Con una linea di partitura abbreviata, i nomi degli strumenti suonanti sono posti ai margini o sopra i righi corrispondenti (Appendice. Sistema di riconoscimento).
2. Metodi per annotare parti di strumenti popolari russi
Le parti della maggior parte degli strumenti popolari russi sono scritte con l'accordatura C. In questo caso, le parti di alcuni strumenti sono scritte così come suonano, mentre le parti di altri sono scritte un'ottava più bassa o più alta.
Un'ottava più alta del suono reale viene annotata per le parti domra di contralti a tre corde, balalaiche di tenore a tre e quattro corde e contrabbasso di contralti e contrabbassi, armoniche di contrabbasso e, se registrate in chiave di violino, tenore quelli. Le parti del piccolo domra a tre e quattro corde, dell'armonica piccola orchestrale e del flauto sono annotate un'ottava più bassa del suono reale.
2.1 tavola di comparazione registrazione e suono di strumenti
in partiture per orchestra di strumenti popolari russi
Nome strumento musicale | Suono in relazione alla notazione |
Domra ottavino a tre corde | Un'ottava più alta |
Domra ottavino a tre corde | Come è scritto |
Domra ottavino a tre corde mezzosoprano | Come è scritto Un litro sotto |
Domra ottavino a tre corde contralto | Un'ottava più bassa |
Domra ottavino a tre corde tenore | Un'ottava più bassa Undecima sotto |
Domra ottavino a tre corde | Come è scritto |
Domra ottavino a tre corde contrabbasso | Un'ottava più bassa Un quinto in meno |
Domra ottavino a quattro corde | Un'ottava più alta |
Domra ottavino a quattro corde | Come è scritto |
Domra ottavino a quattro corde | Come è scritto |
Domra ottavino a quattro corde | Un'ottava più bassa |
Domra ottavino a quattro corde | Come è scritto |
Domra ottavino a quattro corde contrabbasso | Un'ottava più bassa |
Balalaika prima | Come è scritto |
Seconda Balalaika | Come è scritto Un quinto in meno Un'ottava più bassa |
Balalaika alto | Un'ottava più bassa |
Basso balalaica | Come è scritto |
Contrabbasso Balalaika | Un'ottava più bassa |
Armonica soprano | Come è scritto |
Armonica contralto | Come è scritto |
Armonica a tenore-basso | Nella chiave di basso - come scritto In chiave di violino: un'ottava più bassa |
Contrabbasso armonica | Un'ottava più bassa |
Timbro dell'armonica | Un'ottava più alta |
Timbro dell'armonica | Un'ottava più bassa Come è scritto |
Armoniche timbriche riposo | Come è scritto |
|
Nome strumento musicale | Come è scritto |
|
| Un'ottava più alta |
|
| Come è scritto |
Corna di Vladimir | Come è scritto |
Flauto grande | Come è scritto |
Piccolo flauto | Come è scritto |
|
| Come è scritto |
Xilofono | Come è scritto |
Campana | Due ottave più alte Un'ottava più alta |
|
| Come è scritto |
3. Modi di studiare i punteggi
La lettura degli spartiti è un processo di studio completo di un'opera musicale, durante il quale è possibile farsi un'idea del suono reale e contenuto artistico di questo saggio. Leggere una partitura richiede abilità speciali. Il metodo per padroneggiare la partitura mediante l'analisi visiva è il più economico, ma è possibile se il lettore ha un orecchio musicale interno e un'esperienza ben sviluppati.
All'inizio dell'attività pratica, possiamo consigliare di familiarizzare con le partiture orchestrali al pianoforte come metodo principale per leggere le partiture.
Modi di leggere i punteggi:
c) riproduzione integrale del testo musicale.
L'uso del pianoforte può essere diverso:
- esecuzione di voci melodiche; esecuzione di combinazioni armoniche; esecuzione di singoli passaggi; esecuzione di figurazioni.
Quando suona al pianoforte, l'esecutore riproduce l'altezza e gli aspetti metro-ritmici di un'opera musicale, completando la colorazione timbrica, il livello di dinamica, i dettagli della trama, sviluppando e migliorando così il suo orecchio interno per la musica. Questo metodo, combinato con un'analisi completa del punteggio, fornisce una comprensione accurata dello stesso contenuto musicale lavoro, il suo vero suono eseguito da un'orchestra.
Per mantenere il tempo, la dinamica, il ritmo e la specificità timbrica e avvicinare il più possibile il suono del pianoforte a quello reale eseguito dall'orchestra, la presentazione orchestrale può essere rielaborata in modo abbastanza significativo. Pertanto, il lettore della partitura deve conoscere gli schemi inerenti alla trascrizione pianistica composizione orchestrale. Ciò può essere ottenuto sulla base dell'analisi di molte opere musicali dal punto di vista dello studio delle caratteristiche strutturali della loro trama.
L’analisi verticale e orizzontale del punteggio implica:
- analisi dettagliata delle funzioni orchestrali dei singoli gruppi e dei singoli strumenti dell'orchestra; analisi della trama orchestrale; analisi della forma dell'opera; analisi del piano orchestrale complessivo; elaborazione artistica dell'opera.
4. Varietà di trame musicali
Il termine trama deriva da Parola latina texture, che significa “lavorazione”, “struttura”, “disegno”. Denota un insieme di mezzi di presentazione musicale. Questo concetto comprende tutto ciò che costituisce la struttura tecnica della sonorità musicale: melodia, basso, accordi, echi, figurazione, passaggi, decorazioni ornamentali, combinazioni polifoniche, ecc.
Le varietà di texture sono diverse e infinite. La scelta di una trama o di un'altra è determinata dalle intenzioni artistiche del compositore e dalle capacità tecniche strumenti musicali. La trama riflette anche l’appartenenza della composizione a un certo epoca storica, stile, genere. Il cambiamento nella natura della trama è influenzato anche dallo sviluppo drammatico della forma musicale dell'opera.
Attualmente vengono considerate le principali tipologie di fatture:
- omofonico (o omofonico); polifonico.
La trama omofonica è composta da due elementi:
- melodia; accompagnamento armonico.
La tessitura polifonica è composta da:
- diverse linee melodiche (voci polifoniche); non c'è accompagnamento armonico; le combinazioni armoniche nascono quando le voci polifoniche si muovono secondo le leggi speciali della scrittura polifonica. Un tipo di struttura polifonica è la polifonia subvocale, che si verifica quando varie opzioni una melodia (principale). Questa trama è tipica per molti canzoni folk: russo, bielorusso, ucraino. Una trama composta da una melodia è chiamata monodica. In questa struttura, la melodia può essere presentata in una o più ottave contemporaneamente. La struttura dell'accordo (o accordo-armonico) è formata da una sequenza di accordi. La voce melodica e le voci di accompagnamento formano una formula ritmica generale e sono percepite come un complesso melodico-armonico fuso. Questa struttura può essere considerata come un tipo speciale di omofonico, in cui la melodia e l'accompagnamento armonico sono uniti da una struttura ritmica comune. Una texture contenente elementi omofonici e polifonici è detta mista. Nelle opere per orchestra di strumenti popolari russi si possono trovare tutti i tipi di strutture. Il più comune è tipo misto, in cui la presentazione omofonica si arricchisce di elementi polifonici.
I tipi di trama differiscono non solo segni esterni, ma anche in un certo senso organizzazione interna:
- in una tessitura monodica, tutte le voci eseguono solo la melodia; nella polifonia subvocale eseguono la melodia e le sue varianti; in un magazzino imitativo-polifonico, una melodia, un contrappunto o più linee contrappuntistiche contemporaneamente; in una trama omofonica, la melodia viene eseguita sullo sfondo di un accompagnamento armonico.
Il tessuto musicale, quindi, è costituito da una o più componenti, che differiscono per il ruolo che svolgono nel tessuto musicale complessivo. Questi componenti si riducono a quanto segue:
- melodia principale; armonia; contrappunto (sottovoce).
I componenti principali di una texture sono chiamati funzioni texture. La funzione armonia è composta dai seguenti elementi:
- basso (i suoi movimenti quando si inverte l'accordo cambiano il contenuto dell'armonia complessiva); voci armoniche (se sono disposte in un ordine di altezza diverso, l'armonia generale non cambia).
Il basso, essendo una sorta di melodia, è allo stesso tempo la base, il fondamento dell'intero suono dell'orchestra. Sulla base di ciò, possiamo isolare la voce del basso in una funzione strutturale separata.
Pertanto, le funzioni della trama includono:
- melodia (voce principale); basso (voce armonica del basso); armonia (un insieme di voci armoniche, ad eccezione del basso); contrappunto (una melodia aggiuntiva che contrasta o varia quella principale).
Ognuna di queste funzioni può manifestarsi in modo molto diverso a seconda del contenuto dell'opera, del suo stile e del suo carattere.
4.1 Specifiche della trama orchestrale
La funzione melodica può essere rappresentata eseguendo una melodia in una o più ottave. Ciascuna delle voci che eseguono la melodia può essere raddoppiata o triplicata nella stessa ottava.
Oltre alla conduzione all'unisono e all'ottava, la melodia può essere espressa in intervalli e persino in accordi. In questo caso la funzione melodica è costituita dalla voce principale, che guida la melodia, e dalle voci di sostegno, che sono in subordinazione intervallare e ritmica con quella principale. Insieme alla voce principale, le voci di supporto sono solitamente duplicate in ottave adiacenti.
La funzione del basso si esprime o in un'ottava con o senza raddoppi all'unisono, oppure in due ottave con l'aggiunta della seconda dal basso. Questa funzione non è solo associata al registro grave, ma persiste anche nei registri medi e anche in quelli acuti. In alcuni casi, il basso non ha indipendenza funzionale, ma si fonde con il resto delle voci armoniche.
La funzione armonica presuppone un numero illimitato di opzioni per presentare il tessuto musicale eseguito da un'orchestra. Possono essere presentate diverse opzioni contemporaneamente: alcuni strumenti eseguono un'armonia sostenuta, altri - una figurazione armonica, che per diversi strumenti può avere una diversa struttura metro-ritmica.
La funzione contrappuntistica si trova in diversi registri e in diverse voci. Spesso viene eseguito da qualche gruppo dell'orchestra in una composizione completa o parziale. In questo caso, il contrappunto viene eseguito simultaneamente su più ottave.
5. conclusione
Lo studio di una partitura orchestrale è la prima e principale fase di preparazione per le prove e l'esecuzione di un brano da parte di un'orchestra. Dovrebbe iniziare con analisi dettagliata, è necessario determinare forma musicale composizione, rapporto delle sue parti, climax, cambi di tempo, sviluppo della dinamica, tipo di trama, a quale funzione appartiene ciascuna voce, casi di raddoppio delle voci e loro appartenenza a gruppi orchestrali. È quindi possibile esaminare ciascuna funzione individualmente. Se escludiamo tutti i raddoppi e lasciamo le linee melodiche principali, otteniamo un complesso di voci principali, cioè la base melodico-armonica dell'opera. Il passo successivo è leggere le voci della partitura al pianoforte, a causa della saturazione partiture orchestrali al pianoforte devi limitarti a suonare solo un complesso di voci base. L'esecuzione di una composizione al pianoforte con sufficiente convinzione artistica è segno di completamento lavoro preliminare sopra il punteggio.
Lo studio approfondito e la lettura della partitura in tutti i suoi dettagli permettono di trovare in essa sempre più nuovi mezzi di espressione artistica. Conoscere questi dettagli e individuare tutte le tecniche di espressione artistica è molto importante quando si impara ed si esegue un brano davanti ad un pubblico. Il processo di studio dei punteggi richiede le seguenti competenze:
- la capacità di comprendere un'opera musicale in un contesto culturale e storico; la capacità di padroneggiare la cultura musicale e testuale, di leggere approfonditamente e decifrare il testo musicale dell'autore; la capacità di comprendere i modelli e i metodi di esecuzione del lavoro pezzo di musica, preparando il lavoro per discorso pubblico, compiti, modi e metodi di organizzazione ottimale processo di prova; la capacità di utilizzare i meccanismi della memoria musicale, il lavoro dell'immaginazione creativa in condizioni; la capacità di padroneggiare ed espandere costantemente il repertorio corrispondente al profilo esecutivo.
Libri usati:
Orchestra Etsky di strumenti popolari russi. – M., 2011. – 88 pag. Teoria della musica di Vakhromeev. - M.: Muzyka, 1971. – 224 p. Problemi di prestazioni attivi strumenti a corda: Raccolta di articoli. Numero I. – San Pietroburgo, 2004. – 91 p. Strumentazione: Esercitazione ad un corso speciale. – Murmansk: MGPI, 2001. – 95 pag. orchestre di strumenti popolari russi. - M.: Compositore sovietico, 1985. -336 pag. Rozanov. – M., 1974. - 135 pag. Chaikin legge spartiti per un'orchestra di strumenti popolari russi. – M., 1966. – 6-45 pag.