Nato il 14 maggio 1944 a Stalinsk (Novokuznetsk) nell'evacuazione. Suo padre era un geologo, sua madre lavorava come pediatra. C'erano tre bambini in famiglia.
Fin dall'infanzia (13 anni), Lev ha studiato al Teatro della creatività giovanile di Leningrado, diretto da Matvey Dubrovin, uno studente dell'innovativo regista Vsevolod Meyerhold.
Nel 1966 si laureò a Leningrado istituto statale teatro, musica e cinematografia (LGITMiK, ora RGISI - Istituto statale russo arti dello spettacolo), dove ha studiato con il regista e insegnante Boris Zone.
Nel 1966, Dodin fece il suo debutto con la commedia televisiva "First Love" basata sulla storia di Ivan Turgenev.
Uno dei suoi primi e più significativi lavori fu l'opera teatrale basata sull'opera di Alexander Ostrovsky "Il nostro popolo - Let's Be Numbered" (1973) al Teatro della Gioventù di Leningrado, grazie alla quale il nome di Dodin fu veramente sentito per la prima volta nella sala teatrale di Leningrado (St. Pietroburgo).
Nel 1975-1979, il regista ha lavorato al Teatro drammatico e comico regionale di Leningrado (ora Teatro drammatico statale su Liteiny).
Nel 1974, la collaborazione di Lev Dodin con il Maly Drama Theatre (MDT) iniziò con lo spettacolo “The Robber” di Karel Capek.
La produzione di “Home” tratto dal romanzo di Fëdor Abramov alla MDT nel 1980 determinò il successivo destino creativo direttore.
Dal 1983, Dodin è direttore artistico dell'accademico Maly Drama Theatre e dal 2002 direttore
.
Nel settembre 1998, il teatro ha ricevuto lo status di Teatro d'Europa, il terzo dopo il Teatro Odeon di Parigi e il Piccolo Teatro di Milano. Lev Dodin è membro dell'assemblea generale dell'Unione dei teatri europei. Nel 2012 è stato eletto presidente onorario dell'Unione dei Teatri d'Europa.
Le esibizioni di Lev Dodin sono state eseguite in molti paesi in tutto il mondo: Australia, Gran Bretagna, Germania, Italia, Stati Uniti, Finlandia, Francia, Repubblica Ceca, Svizzera, Giappone, ecc. Nell'autunno del 1999, si è tenuto un festival delle esibizioni di Dodin Italia.
In totale, Lev Dodin è l'autore di 70 film drammatici e produzioni operistiche. I suoi crediti creativi includono le performance “The Golovlev Gentlemen” (1984) basate sul romanzo di Mikhail Saltykov-Shchedrin al Teatro di Mosca teatro d'arte con Innokenty Smoktunovsky nel ruolo di primo piano, “The Meek” basato sul racconto di Fyodor Dostoevskij con Oleg Borisov nel ruolo del protagonista sui palcoscenici del Teatro Bolshoi di San Pietroburgo (1981) e del Teatro d'Arte di Mosca (1985), “Brothers and Sisters” (1985 ) basato sulla trilogia di Fyodor Abramov, “Demons” (1991) tratto dal romanzo di Dostoevskij e “Re Lear” (2006) di William Shakespeare al Maly Drama Theatre di San Pietroburgo.
Tra le sue ultime produzioni alla MDT ci sono “Three Sisters” (2010) di Anton Chekhov, “Portrait with Rain” (2011) di Alexander Volodin, “Cunning and Love” (2012) di Friedrich Schiller, “An Enemy of the People” ( 2013) di Henrik Ibsen, “ GAUDEAMUS" (2014) tratto dal racconto di S. Kaledin, "Amleto" (2016) secondo S. Grammar, R. Holinshed, W. Shakespeare, B. Pasternak, “Paura. Amore. Disperazione" (2017) basato sulle opere di B. Brecht.
Nel dicembre 2014 a Mosca al Moscow Art Theatre. La prima tournée di A.P. Cechov dell'opera di Lev Dodin " Il frutteto dei ciliegi" Per tre sere di seguito l'auditorium del teatro è stato gremito. La performance è stata mostrata all'interno festival teatrale"La stagione di Stanislavskij".
Dodin lo è direttore artistico lo spettacolo teatrale “He is in Argentina” (2013) basato sull'opera di Lyudmila Petrushevskaya e diretto da Tatyana Shestakova.
Lev Dodin ha messo in scena l'opera Elektra di Richard Strauss al Musical di Salisburgo Festa di Pasqua(Austria, 1995) e al Festival del Maggio Musicale di Firenze (Italia, 1996), “Lady Macbeth Distretto di Mcensk"Dmitry Shostakovich al festival "Maggio musicale fiorentino" (1998), " regina di spade» Pyotr Tchaikovsky all'Opera olandese di Amsterdam (1998) e Parigi opera nazionale(1999, 2005, 2012), al Teatro Bolshoi (2015), l'opera Mazepa di Pyotr Tchaikovsky alla Scala (1999), l'opera Salome di Richard Strauss all'Opéra de Bastille di Parigi (2003), l'opera Khovanshchina » a Vienna Opera di Stato(2014) e altri.
Dal 1967, Dodin insegna recitazione e regia al LGITMiK (ora Istituto statale russo di arti dello spettacolo) e ha formato più di una generazione di attori e registi. Oggi è professore, capo del dipartimento di regia all'Università di San Pietroburgo Accademia di Stato arte teatrale.
Dodin è accademico onorario dell'Accademia russa delle arti, dottore onorario dell'Università umanitaria dei sindacati di San Pietroburgo.
Lev Dodin è l'autore dei libri “Rehearsals of an Untitled Play” (2004), “Book of Reflections” (2004) e della pubblicazione in più volumi “Journey Without End” (2009-2011). Ha pubblicato anche diversi libri sull'argomento lingue straniere. Dodin è membro permanente della giuria di un concorso professionale Lavori letterari"Palmira settentrionale". È direttore artistico del Festival Internazionale del Teatro Invernale.
Le attività teatrali di Lev Dodin e le sue esibizioni sono state notate da molti stati e internazionali premi e riconoscimenti. Nel 1993 gli è stato assegnato il titolo di Artista popolare della Federazione Russa. È vincitore del Premio di Stato dell'URSS (1986), Premio di Stato della Federazione Russa (1993, 2003), Premio del Presidente della Federazione Russa (2001), Premio del Governo di San Pietroburgo nel settore di cultura, letteratura e architettura (2004). Insignito dell'Ordine al Merito per la Patria, IV (2004) e III grado (2009).
Il regista è anche vincitore del Premio Laurence Olivier (1988), del Teatro francese e critici musicali(1992), Premio regionale teatro inglese (1992), Premio UBU italiano (1994), Premio italiano della critica Abbiati "Per il miglior spettacolo d'opera"(1998). Nel 2000, Lev Dodin ha ricevuto il più alto premio teatrale europeo "Europa - Teatro".
Nel 1994, Dodin è stato insignito dell'Ordine francese delle Arti e delle Lettere con dignità di ufficiale "Per il suo enorme contributo alla cooperazione tra le culture russa e francese".
Tra Premi russi regista - “Triumph” (1992), “Golden Mask” (1997, 1999 e 2004), “The Seagull” (2003), “Golden Spotlight” (1996, 2007, 2008, 2011, 2013, 2014, 2016), “ Breakthrough "(2011), Premio Andrei Mironov "Figaro" (2013), Premio d'arte Tsarskoye Selo (2013).
Nel 1996 è diventato il vincitore del premio della Fondazione K. S. Stanislavsky "Per risultati eccezionali in pedagogia", nel 2008 - "Per il contributo allo sviluppo del teatro russo".
Lev Dodin è sposato Artista popolare Russia Tatyana Shestakova, attrice e regista di MDT. La sua prima moglie fu l'attrice Natalya Tenyakova. Il fratello del direttore è Dottore in Scienze Geologiche e Mineralogiche, Socio Corrispondente Accademia Russa Scienza David Dodin.
Il regista e direttore artistico del Teatro drammatico Maly di San Pietroburgo Lev Dodin ha studiato recitazione e ha trovato la sua vocazione nella regia. Biografia creativa Il maestro ha più di 50 produzioni. L'artista popolare della Federazione Russa è riuscito a ottenere il riconoscimento mondiale. Ha presentato le sue opere al pubblico teatrale negli Stati Uniti, in Germania, Gran Bretagna, Australia e in due dozzine di altri paesi. Nel 1998, l'MDT, da lui guidato, ha ricevuto lo status di “Teatro d'Europa”, entrando a far parte di un'associazione prestigiosa e chiusa.
Biografia di Lev Dodin
Lev Abramovich è nato il 14 maggio 1944 a Stalinsk (dal 1961 - Novokuznetsk). I suoi genitori furono evacuati da Leningrado ancor prima che iniziasse il blocco. Subito dopo la fine della guerra la famiglia ritornò a città natale. Il dramma ha attratto il ragazzo prima infanzia. Mentre studiava a scuola, ha iniziato a frequentare il Teatro della Creatività Giovanile. Dopo aver ricevuto un certificato, il giovane è entrato in LGITMiK per studiare recitazione. Dopo aver completato gli studi, l'attore certificato è rimasto all'istituto per un altro anno, passando al dipartimento di regia.
Nel 1966, Lev Abramovich fece il suo debutto professionale. Ha messo in scena lo spettacolo televisivo "First Love" basato su Turgenev. Un anno dopo, il laureato trovò lavoro al teatro Giovane spettatore a Leningrado. Lo ha combinato con l'incarico di insegnante nello stesso Istituto d'Istruzione, da cui si è laureato. Durante i suoi 6 anni al Teatro della Gioventù, il maestro ha messo in scena cinque spettacoli e ha preso parte attiva al lavoro su cinque progetti collaterali.
Dal 1974, l’MDK di Leningrado è diventato l’home theater di Lev Dodin. In esso ha messo in scena quasi 40 opere in 40 anni. Nel 1983, il regista ricevette l'incarico di direttore artistico del teatro e nel 2002 ne divenne il direttore. Durante questo periodo, Lev Abramovich riuscì a lavorare con il Teatro drammatico e comico e il Teatro drammatico Bolshoi di San Pietroburgo. Ha presentato le sue esibizioni sul palco del Teatro d'Arte di Mosca.
Nel 1986 Teatro Nazionale Helsinki è stata la sua “bancarotta”. Negli anni '90 opere teatrali Dodin ha potuto farsi apprezzare nei teatri di Firenze, Salisburgo e Amsterdam. Per i suoi servizi, il regista ha ricevuto due dozzine di premi. Questo elenco include premi, ordini e titoli statali Artista popolare Russia.
Nel 2005 L.A. Dodin iniziò a scrivere libri. Ha pubblicato sei opere, che sono state combinate nella serie "Baltic Seasons". Alcuni sono stati tradotti in inglese e in altre lingue europee.
Vita personale di Lev Dodin
Lev Abramovich era sposato con l'attrice Natalya Tenyakova, ma non ha mai parlato dei dettagli della loro relazione.
Ora il regista è sposato con l'attrice Tatyana Shestakova. Non hanno figli.
Il Teatro d'Europa, meglio conosciuto come Teatro Dodinsky, o Teatro drammatico Maly di San Pietroburgo, sta attraversando un'altra crisi. Finora non ci sono stati morti. L'attrice teatrale Tatyana Shestakova, moglie di Lev Dodin, si è lanciata da una finestra a Parigi alla fine di dicembre dello scorso anno. È sopravvissuta con braccia e gambe rotte.
Il regista stesso era depresso da diversi mesi, non si presentò all'istituto di teatro per il suo corso e sospese le prove de "Il Maestro e Margherita".
Tatyana Shestakova, secondo i dipendenti del teatro, sì Ultimamente era crisi creativa, da quando è stata trasferita dai ruoli principali a quelli dell'età.
Da tempo circolano oscure leggende sul Teatro Dodinsky. Lo shock più grande tra gli appassionati di teatro è stato dopo il suicidio artista famoso Vladimir Osipchuk, seguito diversi anni fa.
È stata una lunga crisi creativa per l'attore, l'opportunità di vivere senza il teatro, di fronte all'impossibilità di continuare a viverci. Nessuno, però, conosce i motivi esatti. Sì, non importa.
La morte di Osipchuk consolidò la cupa reputazione del teatro come una casa dalla quale è impossibile uscire.
Per un attore, diventare allievo di Dodin equivaleva a entrare in schiavitù volontaria, sacrificando la propria anima per il successo. Erano tutti da Dodin grandi stelle- nemmeno per un'ora, per tutta la vita. Ma per questo era necessario rinunciare a se stessi, deponendo la propria vita ai piedi del Maestro. Questo è il suo modo metodo creativo e non c'è niente da fare al riguardo.
Per molti, l'istinto di autoconservazione è subentrato all'ultimo momento, come Maxim Leonidov: sentiva di dover scappare...
"- Maxim, ti sei laureato a Leningrado una volta Istituto Teatrale. Tra i tuoi insegnanti c'era Lev Dodin, che oggi è considerato uno dei migliori registi teatrali. Hai mai desiderato lavorare nella stessa squadra con il tuo famoso insegnante?
Era così. Quando ho lasciato il gruppo "Segreto" e non avevo ancora intenzione di partire per Israele, ho avuto un conversazione seria con Lev Abramovich. Abbiamo anche deciso che probabilmente sarei venuto a lavorare nel suo teatro. Ma poi mi sono spaventato e lo sono stato in modo del tutto naturale. Perché, studiando con Lev Dodin, ho capito perfettamente quale fosse il suo teatro. Questo è assolutamente al cento per cento in teatro e da nessun'altra parte. Ciò richiede di dare il massimo non solo al teatro, ma anche direttamente a Lev Abramovich. Il fatto è che questa è una direzione speciale, una relazione teatrale speciale. In generale, questo non fa per me. Sono un ragazzo piuttosto amante della libertà ed è difficile per me mettermi così incondizionatamente nelle mani anche del mio insegnante preferito.
Ma molti hanno scelto una strada diversa e Osipchuk era uno di questi.
Il Teatro Dodinsky strappa allo spettatore esperienze nascoste, fa appello agli atavismi della coscienza, risveglia i riflessi a livello del simpatico sistema nervoso. Ma questo viene dato agli attori a proprie spese. lavoro colossale, a costo della vita in un diverso sistema di coordinate. A costo di rinunciare alla luce del giorno: come sai, non ci sono finestre nella sala del teatro e trascorrono quasi tutto il tempo lì.
Riguardo al sistema di coordinate: il mondo del Teatro Dodinsky ha la propria lingua e i propri personaggi. Di Dodin si è già parlato come di un Maestro che ha creato una scuola e un metodo di teatro. Delle vittime del metodo non si è ancora scritto, probabilmente perché volontarie e in nome dell'art. Tradotto dal teatro significa santi.
“Dodin non usa la parola “piano”, soprattutto le sue varianti ridotte come il famigerato “piano”. È sostituita dal sostantivo cospirazione, che suona strano agli estranei, e dai verbi che ne derivano: cospirare, cospirare. Queste parole caute significa il livello di comprensione reciproca raggiunto dai partecipanti al lavoro, in contrapposizione all'idea esclusiva e personale del regista che viene fuori dal resto dei partecipanti processo di prova con intenzione.
La parola "prove" viene utilizzata nelle conversazioni con l'amministrazione, il dipartimento artistico e di produzione, nelle conferenze stampa, ecc. Artisti e partecipanti conoscono la parola campione, in generale, che corrisponde al tedesco “die Probe” (prova, esperienza, prova, campione, prova). Il francese “la ripetition” (ripetizione, prova) contraddice fondamentalmente la filosofia creativa di Dodin, questo risulterà chiaro più avanti. Non c’è posto nel vocabolario di Dodin per “correre attraverso”, una delle parole più comuni nel gergo teatrale. Se, durante la produzione di uno spettacolo, un'opera teatrale o gran parte di essa viene rappresentata senza interruzioni, si parla di prova completa. La parola campione significa anche "studio" - una composizione di prova di artisti. Allo stesso tempo, spesso si sentono sentimenti di benessere, non sempre in senso positivo, a seconda della situazione.
Nella sala prove e lavoro educativo non ci sono “pause” o “intervalli” – sempre pause. Una pausa è un momento strutturale significativo in cui si accumulano nuovi pensieri, idee, visioni o, nella terminologia di Dodin, testi interni. Nella memoria dell'autore, alla fine di una prova o di una lezione, non si sentiva mai "finito" o "per oggi è tutto", ecc. Invece dice “ci fermiamo qui”, che ovviamente non ha bisogno di essere commentato.
Per qualche ragione, a Dodin non piace il verbo “lasciare” nel suo significato letterale, che significa direzione del movimento. Preferisce il verbo disperdere, apparentemente perché non è così completo.
Nel laboratorio creativo di Dodin la sfera delle parole quasi domina. Tutte le sue idee, intenzioni, impulsi fondamentali sono espressi principalmente attraverso la parola, sempre originale ed espressiva. Un monologo di sei ore non è una rarità nella biografia di Dodin, insegnante e regista. L'autore ha avuto l'opportunità di assistere almeno tre volte a questa forma di comunicazione con studenti e artisti. E tutte e tre le volte Dodin aveva qualcosa da dire.
Allo stesso tempo, l’atteggiamento di Dodin nei confronti delle parole è quantomeno ambivalente. Non gli piacciono i termini accademici nel suo lavoro. La maggior parte delle parole teatrali, dal suo punto di vista, sono ammuffite e altre sono interpretate in modo così soggettivo che è più sicuro usare le proprie. L’assenza di una terminologia speciale nella sua forma generalmente accettata si spiega anche con una delle fobie personali di Dodin: la paura di essere schiavo delle parole a livello subconscio. Il loro potere senza speranza è stato esplorato nelle performance “Il signore delle mosche”, “Demoni”, “Claustrofobia”, “Chevengur” e in parte in “Gaudeamus”.
In generale, un’analisi linguistica del metodo registico e pedagogico di Dodin potrebbe dare risultati interessanti. Cambia in psicologia creativa percepibile già a livello di dizionario. Ecco le dichiarazioni di quindici anni fa: “... ne sono sicuro: lo spettatore di oggi ha bisogno di essere espulso a lungo e in modo profondo dal suo consueto flusso di vita... Bisogna far capire allo spettatore caduto in sala ... Per me oggi, l'ideale del teatro non è quello che si adatta facilmente al mio corso abituale di vita, ma quello che mi tira fuori da esso, mi interroga, mi impone di riconsiderare qualcosa.
Le glorie sono quasi profetiche. E la scadenza è diventata realtà. Dobbiamo riconsiderare qualcosa. Con urgenza, perché il gesto della Shestakova è un forte segnale da riconsiderare.
Gli attori sono devoti a Dodin disinteressatamente, come un bambino, avendo assorbito la sua riverenza per il processo di nascita del teatro e identificando il regista con il creatore del teatro.
“- Ora ricordo che prima della prima di “Il gabbiano” al Teatro drammatico Maly di San Pietroburgo, l'attore Pyotr Semak ha ricevuto un grave infortunio al collo. Ha insistito affinché la prima non fosse rinviata, ha recitato con un colletto di gesso, perché lui non voleva deludere il suo teatro, il suo regista.. .
Ciò significa che Lev Dodin ha creato una squadra in teatro e ha formato determinati valori."
Questo non è del tutto vero. Perché non si sono formati valori, ma supervalori, e se nel sistema si verifica un secondo terribile fallimento, è giunto il momento di cambiare questi supervalori, altrimenti il mondo intero crollerà. Come crolla edificio del teatro Teatro d'Europa in via Rubinshteina a San Pietroburgo: “Ne abbiamo visitati molti scuole di teatro Europa, da lì si rivolgono a noi per aiuto, per consigli, con richieste di stage e corsi di ogni genere, ma qui non possiamo accettare colleghi, perché se li conduco su per le nostre scale si stancheranno. Una volta questa scala non era meno brutta; non volevano ripararla. Ma all'improvviso, per nostra fortuna, si sparse la voce che l'allora primo segretario del comitato regionale sarebbe venuto, a quanto pare, allo spettacolo "Fratelli e sorelle". Il felice direttore chiamò immediatamente il comitato distrettuale del partito, mandarono una squadra di operai e coprirono l'intera scala di ferro, coprendo il marciume secolare. Il primo segretario del comitato regionale non è arrivato, ma lunghi anni La scala sembrava, anche se strana dal punto di vista architettonico, ma almeno decente. Oggi tutto è stato strappato e il marciume secolare è tornato a emergere. In mezzo a tutto questo, camminiamo e proviamo. Naturalmente non posso permettere a nessuno di essere giovane, mi vergogno." - dice Lev Dodin a proposito dell'edificio del teatro...
Ma il Teatro Dodinsky non vive con le scale, ma con il backstage: lo spirito del backstage, l'atmosfera creata da Dodin. Quando si parla di successo, è un po' falso.
"All'estero, così come in patria, il pubblico è attratto dall'incontro vera arte, dice Lev Dodin. - Nessuno può essere adescato e costretto a sedersi pazientemente auditorium a lungo(ma la nostra performance in tre parti basata sul romanzo “Demoni” di Dostoevskij dura circa 10 ore!), se ciò che accade sul palco non è in sintonia con i pensieri e le esperienze del pubblico. Con la massima sincerità e passione, gli attori condividono i loro pensieri su questioni morali e spirituali moderne che riguardano tutti. Credo che sia proprio questa sincerità e attualità che lo spettatore apprezza, sia a Parigi, Londra, Bruxelles, Amsterdam o San Pietroburgo."
Lo spettatore non apprezza la sincerità; lo spettatore sente come l'artista tradisce sul palco di Dodin vita reale come vengono spesi sangue e carne per lui, lo spettatore, e quindi il teatro di Dodin è reale.
“- È impossibile evitare la sensazione di confusione artistica, perché sei costantemente in uno stato di confusione di fronte a ciò che vorresti esprimere. La confusione artistica è una proprietà integrale di una persona che vorrebbe dire qualcosa Quando è lì non c'è niente da dire, allora non c'è stupidità, ci sono abbastanza parole. Ma quando vuoi dire e capire molto, sei sopraffatto dallo stupidità, che è molto difficile da superare. Ma penso che questo non sia perché sei indietro il ritmo della vita di oggi. Come puoi superarlo? La umilia con il suo atteggiamento nei confronti della cultura. Ti rende indifeso da chiunque. Fa saltare in aria i grattacieli di New York e le case di Mosca perché non puoi raccontare una storia su un grattacielo? ?Ma non sei obbligato a raccontarla, è solo che la performance che stai facendo mostra i tuoi nervi, cosa che hai sperimentato se stai facendo la performance con i tuoi nervi. poi, volenti o nolenti, questo grattacielo crollerà nella tua performance. Se fai una performance con qualcos'altro, non avvertirai alcuna confusione, perché tutte le ricette sono chiare e comprensibili."
Il grattacielo Dodinsky è crollato. Da una finestra a Parigi. Ora abbiamo bisogno che il padrone sopravviva. Perché tutte le vite degli attori del teatro Dodin, come le corde, sono strette nella sua mano. Non possono vivere senza di lui, non vogliono, non sanno come. Lo hanno deciso loro stessi, e così è stato ultima decisione. Oppure - il penultimo, che è la cosa peggiore.
Lev Dodin non solo dirige il MDT di San Pietroburgo, che porta il titolo di Teatro d'Europa, ma è anche a capo del dipartimento di regia della SPGATI da più di 20 anni e durante questo periodo ha completato due corsi di regia. Il risultato è stato strano. Nessuno dei registi rilasciati nel 1994 si è nemmeno avvicinato al livello dell'insegnante. E il maestro non ha firmato affatto i diplomi di regia per i diplomati del 2007. Teatro. Ho deciso di chiedere a Lev Dodin se fosse possibile insegnare la regia e se valesse la pena provarci.
JZ: Circolano voci secondo cui sei rimasto deluso dall'opportunità di insegnare regia e hai deciso di abbandonare del tutto i corsi di regia. Quanto è vero questo?
LD: Probabilmente questo è stato detto nei cuori. Ma penso che sia letteralmente impossibile insegnare la regia; puoi provare a imparare a dirigere. IN in questo caso Dipende dall'allievo, forse anche più che dal maestro. Perché al centro della regia – ho paura di dire “arte” – c’è un inizio personale. Tutto si misura con la scala dell’individuo. Un'altra cosa è che, come mi sembra giustamente, ha notato Kama Ginkas nella sua intervista con Izvestia, una persona meschina alfabetizzata è migliore di una persona meschina analfabeta. Vorrei riuscire a trasmettere a chi viene a studiare dirigendo una serie di competenze tecnologiche e di leggi immutabili. Composizione letteraria, composizione spaziale, composizione musicale, la legge del contrappunto - di solito ai registi non viene insegnata. Ho introdotto questi argomenti nel mio corso. Meyerhold una volta promise che avrebbe scritto un libro di testo sulla regia, che sarebbe stato molto breve e tutto basato sulla teoria musicale. Questo è corretto, perché il vero teatro c'è sempre composizione musicale, indipendentemente dal fatto che ci sia o meno della musica. Puoi anche provare a insegnare le leggi derivanti dal sistema di Stanislavskij. Naturalmente, il “sistema di Stanislavskij” in questo caso è una definizione condizionale, perché le sue istruzioni letterali sono ovviamente obsolete, e poi non sempre le ha espresse con successo, usando le formule del suo tempo. Quindi è abbastanza difficile leggere oggi “Il lavoro di un attore su se stesso” in contrapposizione a “La mia vita nell’arte”. Ma oltre a “La mia vita nell’arte” potete leggere gli appunti artistici di Stanislavskij e i suoi diari. Questa è una lezione straordinaria perché Stanislavskij analizza costantemente la sua tecnologia e si lamenta delle sue imperfezioni. Boris Vulfovich Zon ci ha detto che quando è stato pubblicato il libro "La mia vita nell'arte", uno degli artisti non molto dotati ha esclamato con soddisfazione: "Quindi K.S. afferma di essere un cattivo artista!" Stanislavskij fa davvero un numero enorme di rimproveri per ciascuno dei suoi ruoli. Ma Boris Vulfovich, che ha trovato Stanislavskij sul palco, ha affermato che era semplicemente un artista straordinario. Sia lo stesso Salieri, che maledice, sia lo stesso Otello sono stati interpretati brillantemente da lui. È solo che Stanislavskij ha sempre sognato di raggiungere la perfezione. Forse questa qualità è la cosa principale in quello che chiamiamo il “sistema Stanislavskij”.
JZ: Perfezionismo?
LD: Ricercare costantemente la perfezione pur rendendosi conto che è irraggiungibile. E una risposta costante e viva a ciò che sta accadendo nella vita e a ciò che ti sta accadendo. La conoscenza della vita non è mentale, non a livello teorico, ma attraverso l'esperienza personale e l'immaginazione. Puoi provare a insegnare anche questo. Ma questo avrà senso solo se lo studente è una persona con un grande inizio personale. Ho incontrato spesso giovani brillanti che inizialmente promettevano molto, ma poi si sono esauriti rapidamente. La regia è una corsa a lunga distanza. Più di una maratona. Richiede un potente rafforzamento della vita: deve portare da qualche parte grande gruppo gli artisti, la guida del teatro nel suo complesso, tutti i dipendenti, che spendono un sacco di soldi per prendere decisioni... Ricordo che quando ero giovane mi uccideva semplicemente il fatto di dover dire, fare questo o quello, e la quantità che sarebbe stata la spesa dipendeva da questo. Quindi i primi successi non devono trarre in inganno. Brook iniziò brillantemente e continuò con forza per molti anni, così come Strehler. Ecco perché sono fantastici. Ma molti di quelli che hanno iniziato accanto a loro si sono fermati molto rapidamente. Una persona mette in scena la sua prima esibizione a circa 25 anni, cioè esprime l'esperienza di 25 anni della sua vita, e la performance successiva viene solitamente pubblicata entro e non oltre un anno dopo, cioè la nuova esperienza è solo un anni. E tutto dipende dall'intensità con cui il regista riesce a rinfrescare e arricchire questa esperienza e da quanto è interessato a ricevere impressioni.
JZ: Che tipo di impressioni dovrebbe cercare di ottenere?
LD: Innanzitutto dovrebbero essere esperienze che alzino il livello di cultura. Quando abbiamo iniziato il corso di regia, ho cercato di introdurre tutte quelle materie che non mi erano state insegnate e di cui avevo sentito la mancanza per tutta la vita. In generale, sono sicuro che dirigere l'istruzione non è un istituto; l'apprendistato ha sempre avuto un ruolo enorme; Il teatro è un mestiere creato dall’uomo. E, come in altri mestieri, qui l'esperienza si tramanda di generazione in generazione, da maestro ad allievo. Con gli artisti è stato così primo Rinascimento- quando l'appartenenza ad una determinata bottega ha determinato molto nel destino dell'artista. Poi si è reso autonomo, ma restare in bottega, dove era già semindipendente, ma ha continuato a lavorare accanto al maestro, è, mi sembra, un palcoscenico meraviglioso, che oggi è praticamente cancellato dall'esperienza teatrale.
ZhZ: Ebbene, il modello stesso di un teatro guidato da un maestro sta diventando un ricordo del passato.
LD: E allo stesso tempo ci sono molti teatri e vengono messe in scena molte rappresentazioni. Sono richiesti giovani registi. E quindi la necessità di acquisire esperienza, intelligenza e impressioni artistiche non significa molto. Per qualsiasi spettacolo vengono pubblicate recensioni, una di queste sarà sempre elogiativa - e questo è proprio ciò che è importante per il regista, tutto il resto può essere spiegato dal fatto che gli autori sono stupidi o di parte. Ci sono anche abbastanza soldi per pagare le tasse per tutti. Quindi puoi passare con calma allo spettacolo successivo. Ai miei tempi il problema era esattamente l’opposto: era difficile per un giovane regista sfondare, perché la regia era considerata una professione ideologica. Per la maggior parte ricordo i miei anni giovanili a teatro senza gioia, ma sono grato al destino per avermi dato l'opportunità di lavorare per un periodo piuttosto lungo come secondo regista al Teatro della Gioventù, imparando molto da Zinovy Yakovlevich Korogodskij. Compreso cosa non fare. Cioè lì si è formata anche la mia, per così dire, posizione professionale e morale. Questa è una questione molto importante per un regista, perché la nostra professione non riguarda solo l'espressione di sé, come un artista o un compositore. In teatro i colori sono gli artisti, sono gli oggetti e i soggetti dell'influenza del regista. Devi essere in grado di comportarti con dignità, essere alto almeno quanto loro e allo stesso tempo assicurarti di condurli da qualche parte. Non per niente il regista viene paragonato a un capitano che guida una nave e dice all'equipaggio che stiamo andando sulla rotta giusta, anche se non è affatto sicuro che lì ci sarà terra. Non importa che Colombo cercasse una scorciatoia per l’India, ma scoprì l’America. È importante che abbia navigato verso alcune coste e abbia fatto credere all'equipaggio che stavano navigando nel posto giusto. Il fatto di poter scoprire qualcosa di inaspettato lungo il percorso è meraviglioso e gioioso, ma la cosa più importante è provare a nuotare e cercare. Mi sembra che il problema più grande della regia di oggi sia, curiosamente, l'ossificazione entro certi confini del gusto, che non sono supportati né dalla cultura né da una vivida esperienza di vita, ma rappresentano un tipo di realtà in cui tutto è capovolto e solo quindi ha il diritto di esistere. E mi sembra anche che sia i critici che vecchia generazione i direttori, vedendo tutto questo, hanno paura di dire che il re è nudo, hanno paura di essere in minoranza, di essere accusati di stupidità e di brontolii senili. Sembrano soccombere alla strana convinzione che se tutto viene capovolto, significa che è come dovrebbe essere e significa qualcosa, ma in realtà è solo un segno di completa impreparazione e incapacità. Il fatto che oggi tale incapacità diventi sempre più comune in tutta Europa è la crisi del teatro. Il fatto che oggi il teatro dell'alta letteratura stia scomparendo sempre più nell'oblio e venga sostituito da azioni visive parla di parte della nostra ferocia. Perché era l'arcaico ad essere visivo nelle sue manifestazioni: il selvaggio ballava una specie di danza prima e dopo la caccia, perché a quel tempo non poteva ancora esprimersi nemmeno con l'aiuto dei disegni, per non parlare della scrittura. E ora torniamo spesso a questa arcaicità, se non super-ferocia. Allo stesso tempo, qualsiasi "danza" teatrale moderna, per così dire, che in realtà non ha significato, trova una spiegazione, perché tutto può essere spiegato. E questa situazione, ovviamente, influenza molto la crescita dell'inciviltà nel teatro.
JZ: Ma il teatro visivo non è necessariamente sinonimo di teatro senza cultura?
LD: Non necessariamente. Pina Bausch, ad esempio, aveva un meraviglioso teatro visivo, ma è stato realizzato in un’epoca in cui nelle vicinanze c’era anche un teatro molto potente grande letteratura, ma oggi di questo teatro ce n'è sempre meno, quasi non è più richiesto, almeno dalla critica. È molto richiesto dal pubblico: viaggiamo molto in giro per il mondo e in Russia - e vediamo che dalle capitali del mondo alla periferia, il pubblico risponde in modo estremamente acuto al teatro dal vivo della grande letteratura. Guarda cosa è successo a Parigi al "Demons" - uno spettacolo di nove ore in una lingua straniera. Lo spettatore desidera questo tipo di arte, perché è l'unica che gli dà l'opportunità di entrare in empatia collettiva con qualcosa e, anche se per un momento, di uscire dalla sua solitudine, di sentire che qualcuno soffre non meno di lui, perché la grande letteratura è descrizione dell'umanità sofferente.
ZhZ: Quindi secondo te le immagini non potranno mai svolgere tale funzione?
LD: Non penso che possano. Ancora una volta, il valore di un'immagine dipende dalla profondità del pensiero che esprime. Spesso vediamo immagini e metafore interessanti che esprimono un pensiero molto primitivo. Puoi immaginare un "Amleto" molto metaforico, ma se in esso Amleto è buono a priori e Claudio è cattivo a priori, allora le metafore non mi diranno nulla di nuovo. E c'è molto di questo teatro, presumibilmente metaforico. Imita le opere dei maestri del teatro metaforico, che contengono nuovi significati molto importanti. Ad esempio, nell'“Amleto” di Nyakrosius ci sono scoperte legate al fantasma di suo padre, c'è il suo ultimo grido di disperazione, perché capisce di aver dato vita a un altro omicidio e causato la morte del proprio figlio. Quando avviene la scoperta intellettuale e sensoriale, la metafora dà molto. Ma oggi ci imbattiamo molto spesso in un'imitazione della metafora quando esprime pensieri piatti o non contiene alcun pensiero. Un regista del genere di solito lascia che gli artisti facciano quello che vogliono: dentro scenario migliore Li allargherà in modo che non si scontrino.
ZhZ: Non molto tempo fa, il tuo studente Dmitry Volkostrelov, che non ha ricevuto un diploma di regia, ha messo in scena lo spettacolo “The Locked Door” basato sull'opera di Pavel Pryazhko. Quindi, c'è un'idea molto chiaramente espressa che l'imitazione è una diagnosi società moderna. Imitazione di tutto: attività, sentimenti, vita in quanto tale.
LD: Sì, l'ho sentito prestazione interessante, ma non l'ho ancora visto. È uno spettacolo per giovani?
ZhZ: Tutti i tuoi studenti lavorano lì: i compagni di classe di Volkostrelova: Alena Starostina, Ivan Nikolaev, Pavel Chinarev, Dmitry Lugovkin e altri. Continuano a stare insieme e ovviamente si capiscono.
LD: Grazie a Dio. Sono contento. Penso che l'idea di cui parli non sia priva di significato. Stanislavskij fa una distinzione molto netta tra i concetti di “ritmo” e “tempo”. Ecco perché nasce il concetto di “ritmo tempo”. Spesso il tempo può essere molto veloce, ma il ritmo è zero. E viceversa, il tempo può essere molto lento, ma il ritmo – cioè la tensione della vita spirituale, il battito del cuore – può essere molto alto. Non voglio sembrare un falso patriota di San Pietroburgo, ma una volta ho lavorato per due anni a Mosca, che ho sempre amato moltissimo, e amo ancora, e all'improvviso ho scoperto che c'era un ritmo di vita frenetico con un ritmo molto basso. Inoltre, questo può essere compreso solo dall'interno, perché all'esterno tutto sembra vivere attivamente, muoversi, discutere tra loro. Ma si è scoperto che internamente tutto era fermo. Questo è un problema della cultura odierna in generale, quando le questioni sociali vengono sostituite questioni artistiche. Ad esempio, in Inghilterra (o in Francia, non importa) è molto più facile ottenere un finanziamento per uno spettacolo in cui sono coinvolti due africani, due giapponesi e due ebrei che per uno spettacolo in cui sono coinvolti tutti gli inglesi e loro mettono in scena Shakespeare o Cechov.
ZhZ: Ci sono altri criteri: i registi, ad esempio, assicurano che è abbastanza facile ottenere soldi dai produttori se li convinci che farai un film d'essai.
LD: Ma, devi ammetterlo, è piuttosto strano dire consapevolmente che sto realizzando un film d'essai. Faccio quel che faccio. Sto imparando qualcosa. Ciò a cui ciò porterà è imprevedibile. Come sapete, l'odore di una rosa viene descritto in mille modi. Per trovarne uno nuovo, ci sono due opzioni: o scoprire questi mille modi e trovare il milleunesimo, oppure non conoscerne nessuno e spifferare accidentalmente qualcosa fino ad ora invisibile. Penso che la seconda tendenza stia ora sopprimendo notevolmente la prima.
JZ: Lev Abramovich, da quello che hai appena detto consegue che i registi dovrebbero essere formati nel teatro di parole - e se riescono a svolgere professionalmente questo lavoro, relativamente parlando, tradizionale, allora possono tranquillamente andare a cercare qualcos'altro, di nuovo ?
LD: Direi non al teatro di parole, ma al teatro della grande letteratura, grande argomento. Dopotutto, non per niente la letteratura è stata creata per secoli e non per niente ha presentato al mondo tanti titani del pensiero. Oggi ho l'onore di essere membro della giuria del Big Book. Il libro di Dmitry Bykov su Pasternak e il libro di Pavel Basinsky su Leo Tolstoj vincono quasi di seguito. Sembra che queste non siano figure moderne, molto difficili da analizzare dal punto di vista della vita di oggi. Ma poiché esiste un eroe potente, la sua personalità eleva gli stessi autori. Direi addirittura così: ci sono tre ipostasi Teatro Bolshoi-grande letteratura,grande pittura e ottima musica. Ecco perché dobbiamo studiare. Il bisogno stesso di apprendere indica già la presenza di un inizio personale. Una personalità meschina di solito è soddisfatta di se stessa. Chi non è soddisfatto di sé, chi capisce che intorno a lui c'è un mondo che non conosce, è pronto per fare l'apprendista, per essere secondo. Dopotutto, in sostanza, il discepolato avviene per tutta la vita. Come la Cvetaeva: “L’ora dell’apprendistato è solennemente inevitabile nella vita di ognuno”.
ZhZ: Perché i tuoi studenti ti hanno sconvolto così tanto che hai deciso addirittura di abbandonare l'idea di direttori di formazione?
LD: No, non ho deciso di rifiutare. Ci sto addirittura pensando l'anno prossimo seguire un corso di regia. Perché sia l'una che l'altra generazione dei miei laureati hanno ora scoperto alcune carenze che non potevo prevedere.
JZ: Sono queste carenze generazionali?
LD: No, personale. Di conseguenza, si è scoperto che era personale. Perché le persone assimilano molto rapidamente le cose e la tecnologia esterne, ma trovano l'interno con grande difficoltà. Lo ha detto anche Tovstonogov, che sapeva insegnare ai registi. In ogni corso ebbe diverse figure di rilievo, e ancora oggi i suoi studenti determinano molto teatro moderno. Ma Tovstonogov si è anche lamentato più volte con me che non poteva andare agli spettacoli dei suoi studenti, perché non si sarebbe mai aspettato di crescere così. Forse a volte si sbagliava: in effetti, uno studente è importante solo quando confuta l'insegnante in qualcosa. Anche il mio insegnante Boris Vulfovich Zon non è mai andato agli spettacoli con la partecipazione dei suoi famosi studenti. E capisco di cosa aveva paura: perdere l'energia dell'illusione - pensa di aver imparato, e poi vedrà il diavolo. Una volta andò, perché era un invito personale - l'artista Leonid Dyachkov fece una performance indipendente basata su “ Anime morte" Il giorno dopo, ricordo, Boris Vulfovich venne al pubblico scioccato. “Si rivela una buona cosa”, ha detto. "Non me lo sarei mai aspettato." Questo sano scetticismo di un insegnante è estremamente necessario, mi manca.
JZ: Ti piacciono i tuoi studenti?
LD: Mi piacciono gli attori. Sì, e i registi si stanno sviluppando. Non ci resta che aspettare. Quindi dici che Dima Volkostrelov ha messo in scena una buona esibizione. Per tutti e cinque gli anni ha aspirato alla regia, anche se durante il corso non si è mostrato veramente come regista, ma ha studiato diligentemente, questo è vero. E sono felice se cresce ora. Sono felice del successo dei miei studenti.
ZhZ: Dima, a differenza di molti giovani registi, visita regolarmente la biblioteca.
LD: Questo è esattamente ciò che, mi sembra, hanno imparato: leggere libri: sulla vita e sull'arte. Questo di per sé non è così poco, ma voglio di più.
ZhZ: I tuoi due corsi di regia differivano nei principi o nelle forme di formazione?
LD: Il primo corso è stato di regia e recitazione: prima abbiamo reclutato un gruppo di registi di 9 persone, l'anno successivo abbiamo reclutato gli artisti, e quest'anno ultimo corso C'era un corso di recitazione e regia, cioè tutti gli studenti sono stati reclutati contemporaneamente e hanno studiato per cinque anni, ma alcuni di loro hanno fatto domanda per la regia. E qui è interessante: nel corso in cui si reclutavano prima i registi e poi gli attori, gli artisti risultavano essere la parte un po' lesa, perché si dedicavano molti sforzi ai registi e c'era un tale legame tra me e lo studente attori - il corso di regia. Di conseguenza, gli attori, mi sembra, hanno perso qualcosa. Ma nel corso di recitazione e regia, quelli che hanno cercato di imparare la regia hanno perso molto, perché non ho lavorato molto con loro, ho pensato che se avessero capito tutto quello che facciamo con gli artisti quando scriviamo un'opera teatrale, allora lo faranno, volenti o nolenti, impara qualcosa. È così che ho studiato con Boris Vulfovich Zon: non mi ha insegnato una sola lezione di regia. Sono entrato in un corso di recitazione, dal primo anno ho iniziato a fare test indipendenti e da qualche parte alla fine del secondo Boris Vulfovich mi ha trasferito al dipartimento di regia. Naturalmente ero felice di avere a disposizione un intero corso di recitazione: con loro potevo provare qualsiasi cosa e assistere Boris Vulfovich nelle rappresentazioni di diploma. Ma Boris Vulfovich, stranamente, ironizzava molto sulla professione del regista. Dopotutto, lui stesso un tempo era un regista brillante, ma credeva così tanto nell'arte della recitazione secondo Stanislavskij che considerava la regia profondamente secondaria. Consolò mia madre, raccontandole di me: “Ebbene, se non riesce a dirigere, lettura artistica può sempre studiare”.
ZhZ: Lo capisco bene da ultimo numero Non hai dato il diploma di regista a nessuno?
LD: Abbiamo rilasciato un diploma a Sergei Shchipitsin dopo aver messo in scena tre spettacoli. Ma tutti hanno il diritto di riceverlo. Qui Lena Solomonova mostra inclinazioni da regista e vorrei in qualche modo aiutarla ad avanzare.
JZ: Ci sono opere dei tuoi primi registi diplomati che ti colpiscono?
LD: Beh, per esempio, vedo come sta crescendo Igor Konyaev - sì, in effetti, è già cresciuto. Si è sforzato molto energicamente di dirigere, ha lavorato molto duramente - Igor ha scritto in modo enorme tesine. Allora stavamo lavorando a “Un’opera senza titolo” e gli studenti avevano un compito: trovare materiali sulla vita di un proprietario terriero, sulla vita di una tenuta fine XIX secolo. Quindi Konyaev ha scritto un'intera tesi. È una persona molto meticolosa. Ora dirige il Teatro Russo a Riga, e penso che sia giusto. Sono soddisfatto di come sta crescendo Oleg Dmitriev: mi sembra che combini felicemente la sua crescita come attore (ha interpretato molti ruoli seri sul palco) con la sua crescita come regista. Oleg ha fondato il suo piccolo teatro, il che non gli impedisce di lavorare presso MDT. Oleg Dmitriev ha determinati gusti, preferenze artistiche, è molto istruito e, come Konyaev, laborioso e pedante. Mi sembra che di performance in performance questo porti sempre più frutti. Sono molto interessato allo sviluppo di Yura Kordonsky, che secondo me è già diventata professoressa a tempo pieno (e questa è una posizione molto seria) all'Università di Stanford. Yuri mette in scena spettacoli in tutto il mondo, in Romania lo portano semplicemente tra le braccia. Ma allo stesso tempo è rimasto una persona molto dolce, sottile e apparentemente discreta. Yura ha lavorato in modo molto interessante con noi su “La casa di Bernarda Alba”. Quindi devi solo saper aspettare: il talento del regista si manifesta gradualmente.
russo regista teatrale Leone Dodin. Conosciuto come regista e direttore artistico del Maly Drama Theatre di San Pietroburgo, capo del dipartimento di regia della SPGATI. Dodin è il proprietario della Maschera d'oro, nonché dei titoli di Artista popolare russo e Artista onorato della RSFSR.
Lev Dodin è nato nel 1944 nella città di Stalinsk (Novokuznetsk), dove i suoi genitori fuggirono durante l'evacuazione Blocco di Leningrado. Dopo la fine della guerra, Lev tornò con loro nella città sulla Neva, dove rimase a vivere per molti anni.
Fin dalla prima infanzia piccolo leone si interessò al teatro e ne fu un assiduo frequentatore Scene di Leningrado per i giovani telespettatori. Da scolaro, iniziò a frequentare il Teatro della Creatività Giovanile presso il Palazzo dei Pionieri e lì per la prima volta sentì il potere dell'arte e la consapevolezza che avrebbe dovuto appartenere a questo mondo.
Subito dopo essersi diplomato, Lev entrò con successo all'Istituto di teatro, musica e cinematografia di Leningrado nel corso del famoso Boris Zon, che si diplomò molto attori di talento. Dopo aver studiato recitazione per il numero di anni richiesto, Dodin ha continuato i suoi studi per un altro anno presso lo studio di regia Zone e si è diplomato all'istituto solo nel 1966.
Appena un anno dopo essersi diplomato all'istituto, lo stesso Dodin è diventato insegnante alla LGITMiK, insegnando agli studenti regia e recitazione. Questo incarico rimarrà con lui per molto tempo.
Lev Dodin: “Non sono tanto un regista quanto un insegnante. Almeno per me non esiste il primo senza il secondo. E avrei smesso di dirigere molto tempo fa se non avesse incluso la pedagogia”.
Il percorso creativo di Lev Dodin / Lev Dodin
Il primo indipendente lavoro creativo La prima è stata la commedia televisiva di Lev Dodin "First Love", basata sulla storia di Turgenev.
Dal 1967, Dodin è arrivato al Teatro dei giovani spettatori di Leningrado, dove mette in scena circa 10 spettacoli in sei anni.
Nel 1974 è andato al Teatro Maly Drama di San Pietroburgo. Sotto la sua guida, MDT entrò a far parte dell'Unione dei teatri europei, per poi ricevere lo status di “Teatro d'Europa”.
Lev Dodin è il vincitore di numerosi premi teatrali e statali. Tra questi c'è il Premio Georgy Tovstonogov, Premio teatrale“Golden Sofit”, Ordine al Merito per la Patria, Premio Presidenziale Federazione Russa nel campo della letteratura e dell’arte, Premio di Stato URSS, Premio di Stato della Federazione Russa, Premio teatrale europeo.
Nel 1983, Dodin è stato nominato direttore artistico dell'MDT e nel 2002 ha accettato di assumere l'incarico di regista teatrale.
Lev Dodin: “Quando mi è stato offerto questo posto, il mio primo pensiero è stato di rifiutare. Ma a quel tempo c'erano già i miei studenti nella troupe, che mi scrissero una lettera chiedendomi di venire a teatro. Quindi furono aggiunti altri problemi e altro ancora. Lavoriamo con molti di loro da più di un quarto di secolo. E finora - pah-pah - non solo non siamo stanchi l'uno dell'altro, ma, mi sembra, stiamo appena iniziando a capirci veramente."
Parallelamente al suo lavoro all'MDT, Dodin collabora occasionalmente con altri teatri, incluso il Leningradsky teatro regionale dramma e commedia, Teatro della commedia di Leningrado, Teatro d'arte di Mosca. M. Gorky, Teatro drammatico Bolshoi di Leningrado. M. Gorkij. Mette in scena le sue opere anche sui palcoscenici di Amsterdam, Firenze, Helsinki e Salisburgo.
Il repertorio di Dodin comprende opere basate sulle opere di classici come Anton Chekhov, William Shakespeare, Fyodor Dostoevskij, Dmitry Shostakovich e altri.
Lev Dodin: “La regia è una corsa sulla lunga distanza. Più di una maratona. Richiede un potente allenamento di vita: devi guidare un folto gruppo di artisti da qualche parte, guidare il teatro nel suo insieme, tutti i dipendenti, spendere un sacco di soldi per prendere decisioni...”
Dodin preferisce non parlare della sua vita personale. Si sa solo che è sposato con Tatyana Shestakova, e questo è il suo secondo matrimonio dopo il divorzio da Natalya Tenyakova.
Filmografia di Lev Dodin / Lev Dodin
- 2009 Chevengur (film)
- 2009 Opera senza titolo (film)
- 2009 Coro di Mosca (film)
- Demoni (2008) (film)
- 1989 Stelle nel cielo mattutino (film)
- 1987 Meek (film teatrale)
- 1983 Oh, queste stelle... (film)
- 1982 House (film teatrale)
- 1966 Primo amore (film)