Antonio Vivaldi è stato il creatore del genere. Dalla storia di Antonio Vivaldi. Caduta da ripide altezze nelle valli

Uno di maggiori rappresentanti Era barocca A. Vivaldi è entrato nella storia della cultura musicale come creatore del genere concerto strumentale, il fondatore della musica a programma orchestrale. L'infanzia di Vivaldi è legata a Venezia, dove suo padre lavorava come violinista nella Cattedrale di San Marco. La famiglia aveva 6 figli, di cui Antonio era il maggiore. Quasi nessun dettaglio è stato conservato sull’infanzia del compositore. Si sa solo che studiò violino e clavicembalo.

Il 18 settembre 1693 Vivaldi fu tonsurato monaco e il 23 marzo 1703 fu ordinato sacerdote. Allo stesso tempo, il giovane continuava a vivere in casa (presumibilmente a causa di una grave malattia), cosa che gli dava la possibilità di non uscire lezioni di musica. Vivaldi fu soprannominato il “monaco rosso” per il colore dei suoi capelli. Si ritiene che già in questi anni non fosse troppo zelante nei suoi doveri di sacerdote. Molte fonti raccontano una storia (forse apocrifa, ma rivelatrice) di come un giorno, durante una funzione, il "monaco dai capelli rossi" lasciò in fretta l'altare per scrivere un tema di fuga che gli venne in mente all'improvviso. In ogni caso, i rapporti di Vivaldi con gli ambienti clericali continuarono a riscaldarsi, e presto lui, citando i suoi cattive condizioni di salute, si rifiutò pubblicamente di celebrare la Messa.

Nel settembre 1703 Vivaldi iniziò a lavorare come insegnante (maestro di violino) presso l'orfanotrofio di beneficenza veneziano "Pio Ospedale delia Pieta". I suoi compiti includevano l'insegnamento del violino e della viola d'amore, nonché la supervisione della sicurezza strumenti a corda e acquistare nuovi violini. I “servizi” della “Pietà” (si possono a buon diritto chiamare concerti) furono al centro dell'attenzione del pubblico illuminato veneziano. Per ragioni di economia Vivaldi fu licenziato non nel 1709, ma nel 1711-16. reintegrato nello stesso incarico, e dal maggio 1716 era già primo violino dell'orchestra della Pietà.

Anche prima del suo nuovo incarico, Vivaldi si era affermato non solo come insegnante, ma anche come compositore (principalmente autore di musica sacra). Parallelamente al suo lavoro alla Pietà, Vivaldi cercava opportunità per pubblicare le sue opere secolari. 12 sonate in trio op. 1 furono pubblicati nel 1706; apparve nel 1711 la collezione più famosa concerti per violino “Ispirazione armonica” op. 3; nel 1714 - un'altra raccolta intitolata “Stravaganza” op. 4. I concerti per violino di Vivaldi divennero ben presto ampiamente conosciuti in Europa occidentale e soprattutto in Germania. I. Quantz, I. Mattheson hanno mostrato grande interesse per loro, il grande J. S. Bach “per piacere e istruzione” ha arrangiato personalmente 9 concerti per violino di Vivaldi per clavicembalo e organo. In questi stessi anni Vivaldi scrisse le sue prime opere “Ottone” (1713), “Orlando” (1714), “Nero” (1715). Nel 1718-20 vive a Mantova, dove scrive principalmente opere per il carnevale, oltre a opere strumentali per la corte ducale mantovana.

Nel 1725 fu pubblicata una delle opere più famose del compositore, con il sottotitolo “Un’esperienza di armonia e invenzione” (op. 8). Come le precedenti, la raccolta è composta da concerti per violino (ce ne sono 12). I primi 4 concerti di quest'opera portano i nomi del compositore rispettivamente “Primavera”, “Estate”, “Autunno” e “Inverno”. Nella pratica esecutiva moderna, sono spesso combinati nel ciclo "Stagioni" (nell'originale non esiste un titolo del genere). Apparentemente Vivaldi non era soddisfatto dei proventi derivanti dalla pubblicazione dei suoi concerti e nel 1733 annunciò a un certo viaggiatore inglese E. Holdsworth la sua intenzione di rifiutare ulteriori pubblicazioni, poiché, a differenza delle copie stampate, le copie scritte a mano erano più costose. Da allora, infatti, non sono apparse nuove opere originali di Vivaldi.

Fine anni '20 -'30. spesso chiamati “anni di viaggio” (in precedenza a Vienna e Praga). Nell'agosto 1735 Vivaldi tornò alla carica di direttore dell'orchestra della Pietà, ma al comitato direttivo non piacque la passione per i viaggi del suo subordinato e nel 1738 il compositore fu licenziato. Allo stesso tempo, Vivaldi continuò a lavorare duramente nel genere operistico (uno dei suoi librettisti era il famoso C. Goldoni), mentre preferiva partecipare personalmente alla produzione. Tuttavia spettacoli d'opera Vivaldi non ebbe molto successo, soprattutto dopo che il compositore fu privato della possibilità di dirigere le sue opere al teatro di Ferrara a causa del divieto cardinalizio di entrare in città (il compositore fu accusato di avere una relazione amorosa con Anna Giraud, suo ex allievo, e il rifiuto del “monaco dai capelli rossi” di “servire la messa). Di conseguenza, la prima dell'opera a Ferrara fu un fallimento.

Nel 1740, poco prima della sua morte, Vivaldi fece il suo ultimo viaggio a Vienna. Le ragioni della sua improvvisa partenza non sono chiare. Morì nella casa della vedova di un sellaio viennese di nome Waller e fu sepolto in povertà. Subito dopo la sua morte, il nome dell'eccezionale maestro fu dimenticato. Quasi 200 anni dopo, negli anni '20. XX secolo Il musicologo italiano A. Gentili ha scoperto una collezione unica di manoscritti del compositore (300 concerti, 19 opere, opere sacre e profane composizioni vocali). Da questo momento inizia una vera rinascita dell'antico splendore di Vivaldi. La casa editrice musicale Ricordi iniziò a pubblicare le opere complete del compositore nel 1947, e la società Philips ha recentemente iniziato ad attuare un piano altrettanto grandioso: pubblicare “tutto” Vivaldi in registrazioni. Nel nostro Paese Vivaldi è uno dei compositori più eseguiti e più amati. Grande patrimonio creativo Vivaldi. Secondo l'autorevole catalogo tematico-sistematico di Peter Riom (designazione internazionale - RV), copre più di 700 titoli. Il posto principale nell’opera di Vivaldi fu occupato dal concerto strumentale (ne sono conservati circa 500 in totale). Lo strumento preferito del compositore era il violino (circa 230 concerti). Inoltre, ha scritto concerti per due, tre e quattro violini con orchestra e basso continuo, concerti per viola d'amore, violoncello, mandolino, flauti longitudinali e traversi, oboe, fagotto. Sono conosciuti più di 60 concerti per orchestra d'archi e basso continuo, sonate per vari strumenti. Di oltre 40 opere (la paternità di Vivaldi è stata accertata con precisione), solo la metà di esse è sopravvissuta. Meno popolari (ma non per questo meno interessanti) sono le sue numerose opere vocali: cantate, oratori, opere su testi spirituali (salmi, litanie, "Gloria", ecc.).

Molte delle opere strumentali di Vivaldi hanno sottotitoli programmatici. Alcuni si riferiscono al primo esecutore (concerto di Carbonelli, RV 366), altri alla festa durante la quale questa o quella composizione fu eseguita per la prima volta (“Per la festa di San Lorenzo”, RV 286). Numerosi sottotitoli ne indicano alcuni dettaglio insolito tecnica esecutiva (nel concerto intitolato “L’ottavina”, RV 763, tutti i violini solisti dovranno essere suonati nell’ottava superiore). I titoli più tipici sono quelli che caratterizzano l'umore prevalente: "Riposo", "Ansia", "Sospetto" o "Ispirazione armonica", "Cetra" (gli ultimi due sono i nomi di raccolte di concerti per violino). Allo stesso tempo, anche in quelle opere i cui titoli sembrano indicare momenti pittorici esterni ("Tempesta in mare", "Cardellino", "Caccia", ecc.), La cosa principale per il compositore rimane sempre il trasferimento del carattere lirico generale Umore. La partitura di “The Seasons” è dotata di un programma relativamente ampio. Già durante la sua vita, Vivaldi divenne famoso come un eccezionale esperto di orchestra, inventore di numerosi effetti coloristici, e fece molto per sviluppare la tecnica di suonare il violino.

Antonio Vivaldi (1678-1741) - uno dei rappresentanti di spicco Età barocca. Nacque a Venezia, dove studiò dapprima con il padre, violinista presso la Cappella di S. Marco, poi migliorato sotto Giovanni Legrenzi. Concertato molto in vari paesi europei, era molto entusiasta di insegnare e mettere in scena le sue opere. Per lungo tempo è stato insegnante di violino in uno degli orfanotrofi veneziani per ragazze orfane.

Vivaldi era soprannominato “il prete rosso” (Prete rosso) per il colore dei suoi capelli. Unì infatti la professione di musicista con i doveri di sacerdote, ma fu poi licenziato per comportamento “illegale” durante una funzione religiosa. L'anno scorso Il compositore trascorse il suo tempo a Vienna, dove morì in povertà.

Il patrimonio creativo di Vivaldi comprende più di 700 titoli: 465 concerti strumentali (di cui cinquanta grossi), 76 sonate (comprese quelle in trio), circa 40 opere (uno dei suoi librettisti fu il famoso C. Goldoni), opere di cantata-oratorio, tra cui testi spirituali. Principale significato storico la sua creatività consiste nel creare un concerto strumentale solista.

Uno degli artisti più sensibili del suo tempo, Vivaldi fu tra i primi compositori a portare in primo piano nell'arte l'emotività aperta, la passione (affetto) e il sentimento lirico individuale. Sotto la sua indubbia influenza, la tipologia estremamente tipica del concerto di musica barocca per più solisti (concerto grosso) passò in secondo piano nell'era classica, lasciando il posto ai concerti solistici. La sostituzione di un gruppo di solisti con un partito era espressione di tendenze omofoniche.

Fu Vivaldi a sviluppare la struttura e il tema tematico del tardo barocco concerto solista. Sotto l'influenza dell'ouverture dell'opera italiana, stabilì un ciclo di concerti in tre parti (veloce - lento - veloce) e ordinò la successione di tutti e assolo sulla base della forma del concerto barocco.

La forma concertistica dell'epoca barocca era basata sull'alternanza del ritornello ( argomento principale), ritornando e trasponendo ripetutamente, con episodi basati su nuovi temi melodici, materiale figurativo o sviluppo motivico del tema principale. Questo principio gli ha dato una somiglianza con un rondò. La trama è caratterizzata da contrasti tra tutti orchestrali e assoli, corrispondenti all'aspetto del ritornello e degli episodi.

Le prime parti dei concerti di Vivaldi sono energiche, assertive, varie nella struttura e nei contrasti. Le seconde parti portano l'ascoltatore nel regno dei testi. Qui domina la cantabilità, dotata di caratteristiche improvvisative. La trama è prevalentemente omofonica. I finali sono brillanti, pieni di energia, e completano il ciclo con un movimento veloce e vivace.

Dinamico in 3 parti forma ciclica I concerti di Vivaldi esprimevano gli ideali artistici dell'arte del “contrasto ben organizzato”. La logica del loro sviluppo figurativo rivela l'influenza del concetto estetico generale dell'epoca barocca, che divideva il mondo umano in tre ipostasi: Azione - Contemplazione - Gioco.

Il concerto strumentale solista di Vivaldi è rivolto a un piccolo ensemble strumenti ad arco guidato da un solista. Può essere un violoncello, una viola damour, un flauto longitudinale o traverso, un oboe, un fagotto, una tromba e persino un mandolino o uno scialle. Eppure, molto spesso il violino svolge il ruolo di solista (circa 230 concerti). La tecnica violinistica dei concerti di Vivaldi è varia: passaggi rapidi, arpeggi, tremolo, pizzicato, note doppie (fino ai tratti di decima più difficili), scordatura, uso del registro più acuto (fino alla 12a posizione).

Vivaldi divenne famoso come uno straordinario esperto di orchestra, inventore di numerosi effetti coloristici. Possedere senso acuto colore del suono, si è rivolto liberamente a molti strumenti e alle loro combinazioni. Ha usato oboi, corni, fagotti, trombe e corno inglese non come voci di supporto, ma come strumenti melodici indipendenti.
La musica di Vivaldi ha assorbito elementi del colorato folklore musicale veneziano, ricco di canzonas melodiose, barcarolles e ritmi di danza infuocati. Il compositore si affidò particolarmente alla siciliana e fece ampio uso del tipico italiano danze popolari taglia 6/8. Utilizzando spesso una struttura accordo-armonica, ha utilizzato magistralmente tecniche di sviluppo polifonico.

Pubblicando i suoi concerti in serie di 12 o 6 opere, Vivaldi ha anche dato denominazioni generali per ciascuna serie: "Ispirazione armonica" (op. 3), "Stravaganza" (op. 4), "Cetra" (op. 9).

Vivaldi può essere definito il fondatore della musica orchestrale a programma. La maggior parte dei suoi concerti hanno un programma specifico. Ad esempio: "Caccia", "Tempesta in mare", "Pastorella", "Riposo", "Notte", "Preferito", "Cardellino".
I concerti per violino di Vivaldi divennero ben presto ampiamente conosciuti nell'Europa occidentale e soprattutto in Germania. Il grande J. S. Bach, “per piacere e istruzione”, arrangiò personalmente nove concerti per violino di Vivaldi per clavicembalo e organo. Grazie a questi musicisti, Vivaldi, che non era mai stato nelle terre della Germania settentrionale, si rivelò, nel vero senso della parola, il “padre” dello strumentalismo tedesco del XVIII secolo. Diffondendosi in tutta Europa, i concerti di Vivaldi servirono come esempi del genere concertistico per i suoi contemporanei. Pertanto, il concerto per clavicembalo si è sviluppato sotto l'indubbia influenza artistica del concerto per violino (un esempio convincente può essere fornito da).

Le prime orchestre apparvero a cavallo tra il XVII e il XVIII secolo. Erano costituiti da musicisti della corte reale e i compositori scrivevano musica per gli strumenti che avevano a disposizione. L'orchestra come la conosciamo oggi inizia a prendere forma a metà del XVII secolo, dopo che un gruppo di strumenti a corda si stabilì al suo interno.

VENEZIA

1678–1741

Antonio Vivaldi

1678–1741

4 marzo 1678 Venezia in famiglia Vivaldi apparve il primogenito. Il bambino nato al settimo mese aveva una costituzione così debole che, a causa del pericolo mortale, fu subito battezzato dalla levatrice con il nome Antonio Lucio. Sebbene Vivaldi Poi nacquero altri due figli e tre figlie, nessuno di loro, ad eccezione del primogenito, divenne musicista. I fratelli minori ereditarono dal padre la professione di parrucchiere.

Circa i primi anni di vita Antonio Si sa poco. Il suo talento musicale si è manifestato molto presto. Già all'età di dieci anni sostituiva spesso il padre nell'orchestra della Basilica di San Marco quando si esibiva fuori Venezia. Il primo e principale insegnante Antonio lo era Giovanni Battista Vivaldi(suo padre), che a quel tempo era già diventato un famoso virtuoso. La prima composizione attribuita a Vivaldi risale al 1691 (13 anni). Lo stile esecutivo virtuosistico del giovane Vivaldi e le caratteristiche delle sue prime opere fanno inoltre ritenere che agli inizi del 1700 egli studiò con Arcangelo Corelli, famoso violinista e compositore italiano.

Enorme influenza sulla formazione dei giovani Vivaldi influenzato dall'atmosfera musicale della città in cui è nato e cresciuto. Ho deciso di scegliere la carriera da prete. Probabilmente, questa decisione di Antonio fu influenzata dalla pluriennale attività del padre in cattedrale San Marco. Secondo i documenti, il 18 settembre 1693, all'età di 15 anni e mezzo, Antonio Vivaldi divenne viceparroco. A giudicare dai documenti, Vivaldi ha sfruttato l'opportunità per diventarlo, aggirando uno speciale seminario spirituale. Grazie a questo, ha avuto molto più tempo per studiare musica. Non sorprende che ancor prima di completare la sua educazione spirituale abbia acquisito una reputazione eccezionale virtuoso del violino .

"Ospedale della Pietà" . Iniziò così il primo periodo della sua brillante attività pedagogica e creativa.

Divenuto insegnante in uno dei migliori “conservatori” di Venezia, Vivaldi si è trovato in un ambiente con brillanti tradizioni musicali, dove gli si sono aperte opportunità per realizzare un'ampia varietà di idee creative. Come altri compositori del XVIII secolo che fungevano da insegnanti, Vivaldi doveva creare regolarmente per i suoi studenti un'enorme quantità di musica sacra e secolare: oratori, cantate, concerti, sonate e opere di altri generi. Inoltre, ha insegnato a coristi, ha provato con l'orchestra e ha diretto concerti, oltre a insegnare teoria musicale. Grazie ad un'attività così intensa e poliedrica Vivaldi il suo “conservatorio” cominciò a distinguersi notevolmente tra gli altri a Venezia.

"Le stagioni" Compositore veneziano Antonio Vivaldi- i primi quattro dei dodici concerti per violino della sua ottava opera, alcune delle sue opere più famose e alcune delle più conosciute opere musicali con stile barocco. Concerti scritti dentro 1723 e pubblicato per la prima volta due anni dopo. Ogni concerto è dedicato a uno periodo dell'anno ed è composto da tre parti, corrispondente a ciascun mese.

Il compositore ha preceduto ciascuno dei concerti con sonetto- Tipo programma letterario. Si presume che l'autore delle poesie sia lo stesso Vivaldi. Va aggiunto che il pensiero artistico barocco non si limita a un unico significato o trama, ma coinvolge significati, accenni e simboli secondari.

La prima evidente allusione sono le quattro età dell'uomo, dalla nascita alla morte.

Altrettanto evidente è l'allusione alle quattro regioni d'Italia, secondo le quattro direzioni cardinali e il percorso del sole nel cielo. Questa è l'alba (est, Adriatico, Venezia), mezzogiorno (sonnolento, caldo sud), magnifico tramonto (Roma, Lazio) e mezzanotte (fredde pendici delle Alpi, con i loro laghi ghiacciati).

Allo stesso tempo, Vivaldi raggiunge qui le vette del genere e dell'immagine diretta, senza rifuggire dall'umorismo: la musica contiene l'abbaiare dei cani, il ronzio delle mosche, il ruggito di un animale ferito, ecc.

Tutto ciò, insieme alla forma impeccabilmente bella, ha portato al riconoscimento del ciclo come un capolavoro indiscutibile.

Antonio Vivaldi è un eccezionale violinista e compositore, uno dei più brillanti rappresentanti dell'arte violinistica italiana del XVIII secolo. A differenza di Corelli, con la sua rara attenzione a pochi generi, il compositore-violinista Vivaldi, che scrisse più di 500 concerti per diverse composizioni e 73 sonate per vari strumenti, creò 46 opere, 3 oratori, 56 cantate e dozzine di opere cult. Ma il genere preferito nella sua opera è stato senza dubbio il concerto strumentale. Del resto i concerti grossi costituiscono solo poco più di un decimo dei suoi concerti: ha sempre preferito i lavori solistici. Più di 344 di essi sono scritti per uno strumento (con accompagnamento) e 81 per due o tre strumenti. Tra i concerti solistici ci sono 220 concerti per violino. Possedendo un acuto senso del colore del suono, Vivaldi ha creato concerti per un'ampia varietà di composizioni.

Il genere del concerto attirò particolarmente il compositore per l'ampiezza del suo impatto, l'accessibilità a un vasto pubblico, il dinamismo del ciclo in tre parti con una predominanza di tempi veloci, i sorprendenti contrasti di tutti e soli e la brillantezza della presentazione virtuosistica. . Lo stile strumentale virtuoso ha contribuito alla luminosità complessiva delle impressioni della struttura figurativa dell'opera. Fu in questa interpretazione creativa che il concerto a quel tempo era il più grande e accessibile dei generi strumentali e tale rimase fino all'approvazione della sinfonia in vita da concerto.

Nell'opera di Vivaldi, il concerto per la prima volta ha acquisito una forma completa, realizzando le possibilità nascoste del genere. Ciò è particolarmente evidente nell'interpretazione dell'inizio solista. Se nel Concerto grosso di Corelli i brevi episodi solistici di poche battute ciascuno hanno un carattere chiuso, allora in Vivaldi, nati da un volo illimitato di fantasia, sono strutturati diversamente: in una presentazione libera, vicina all'improvvisazione delle loro parti, il virtuoso

natura degli strumenti. Di conseguenza, la scala dei ritornelli orchestrali aumenta e l'intera forma acquisisce un carattere dinamico completamente nuovo, con accentuata chiarezza funzionale delle armonie e ritmi nettamente accentuati.

Come già accennato, Vivaldi possiede un numero enorme di concerti per vari strumenti, principalmente per violino. Durante la vita del compositore furono pubblicati relativamente pochi concerti: 9 opere, di cui 5 coprono 12 concerti e 4 coprono 6. Tutti, ad eccezione di 6 concerti op. 10 per flauto e orchestra, destinato a uno o più violini con accompagnamento. Pertanto, fu pubblicato meno di 1/5 del numero totale di concerti di Vivaldi, il che si spiega non solo con il sottosviluppo dell'editoria musicale dell'epoca. Forse Vivaldi deliberatamente non ha permesso la pubblicazione dei suoi concerti più complessi e tecnicamente riusciti, cercando di mantenere segreti i segreti delle sue capacità esecutive. (Più tardi N. Paganini fece lo stesso.) È significativo che la stragrande maggioranza delle opere pubblicate dallo stesso Vivaldi (4, 6, 7, 9, 11, 12) consistono nei concerti per violino più facili da eseguire. Fanno eccezione le famose op. 3 e 8: op. 3 comprende i primi concerti pubblicati e quindi particolarmente significativi di Vivaldi, con la diffusione dei quali cercò di affermare la sua fama di compositore; da 12 concerti op. 8–7 hanno titoli dei programmi e occuparlo completamente posto speciale nell'opera del compositore.

Dodici concerti dall'op. 3, denominate dal compositore “Ispirazione armonica” (“L'Estro Armonico”), erano senza dubbio ampiamente conosciute molto prima della loro pubblicazione ad Amsterdam (1712). Ciò è confermato dalle copie manoscritte di singoli concerti situate in molte città europee. stile e originalità “ La divisione in due accordi delle parti dell'orchestra permette di datare le origini del ciclo agli inizi del 1700, quando Vivaldi suonò nella Cattedrale di San Marco. Le parti orchestrali di ciascuno dei concerti sono presentate in una versione a 8 voci - 4 violini, 2 viole, violoncello e contrabbasso con cembalo o organo); grazie a ciò la sonorità orchestrale è divisa in due cori, cosa che poi si ritrova estremamente raramente nelle creazioni di Vivaldi. in questo caso Composizioni “a due cori”, Vivaldi seguì una lunga tradizione, che a quel tempo si era già completamente esaurita.

O. 3 riflette una fase di transizione nello sviluppo del concerto strumentale, quando le tecniche tradizionali convivono ancora con le nuove tendenze. L'intera opera è divisa in 3 gruppi di 4 concerti ciascuno a seconda del numero dei violini solisti utilizzati. Ce ne sono 4 nel primo gruppo, 2 nel secondo e uno nel terzo. I concerti per 4 violini, con un'eccezione, non furono più creati. Questo gruppo di concerti, con il suo piccolo smembramento di sezioni solistiche e tutti, è il più vicino al Concerto grosso di Corelli. Anche i concerti per due violini con ritornelli più sviluppati nell'interpretazione dell'inizio solista ricordano per molti aspetti Corelli. E solo nei concerti per un violino gli episodi solisti ricevono uno sviluppo sufficientemente completo.

I migliori concerti di quest'opera sono tra quelli eseguiti più frequentemente. Questi sono i concerti in si minore per 4 violini, la minore per 2 e mi maggiore per uno. La loro musica avrebbe dovuto stupire i contemporanei con la novità del loro senso della vita, espresso in immagini insolitamente vivide. Già oggi uno dei ricercatori ha scritto del penultimo episodio solista della terza parte del doppio concerto in la minore: “Sembra che nella lussuosa sala dell'epoca barocca si aprissero finestre e porte, e la natura libera entrasse con saluto; la musica suona un pathos fiero e maestoso, non ancora familiare al XVII secolo: l’esclamazione di un cittadino del mondo.”

Pubblicazione op. 3 segnò l'inizio di un forte contatto di Vivaldi con gli editori di Amsterdam, e per meno di un ventennio, fino alla fine degli anni Venti del Settecento, tutti gli altri furono pubblicati ad Amsterdam edizioni a vita concerti del compositore. Alcune di queste opere hanno anche dei titoli, anche se non programmatici nel senso stretto del termine, ma che aiutano a comprendere l'intenzione musicale dell'autore. Apparentemente riflettono la fascinazione dei compositori per le associazioni figurative caratteristica di quel periodo. Quindi 12 concerti per un violino con accompagnamento op. 4 si chiamano “La Stravaganza”, che si può tradurre come “eccentricità, stranezza”. Questo nome potrebbe essere stato inteso a sottolineare lo straordinario coraggio pensiero musicale, inerente a quest'opera. 12 concerti per uno e due violini con accompagnamento dall'op. 9 portano il titolo “Lira” (“La Cetra”), che qui simboleggia ovviamente l'arte della musica. Infine, il già citato op. 8 con il suo programma di 7 concerti si intitola “Un'esperienza di armonia e fantasia” (“II Cimento dell'Armonia e dell'Inventione”), come se l'autore volesse avvertire gli ascoltatori che si tratta solo di un modesto tentativo, di una timida ricerca nel un'area finora sconosciuta dell'espressività musicale.

La pubblicazione dei concerti coincise con il periodo di massimo splendore dell'attività di Vivaldi come virtuoso violinista e direttore dell'orchestra dell'Ospedale. IN anni maturi Durante la sua vita fu uno dei violinisti più famosi d'Europa a quel tempo. Le partiture pubblicate durante la vita del musicista non forniscono un quadro completo delle sue straordinarie capacità arti dello spettacolo, che ha svolto un ruolo enorme nello sviluppo della tecnologia del violino. È noto che a quell'epoca esisteva ancora un tipo comune di violino con il manico corto e il manico piccolo, che non consentiva l'uso di posizioni alte. A giudicare dalle testimonianze dei suoi contemporanei, Vivaldi possedeva un violino dal manico particolarmente allungato, grazie al quale poteva raggiungere liberamente la 12a posizione (in una delle cadenze dei suoi concerti, la nota più alta è Fa diesis della 4a ottava - per confronto, notiamo che Corelli si è limitato ad utilizzare la 4a e la 5a posizione).

Così uno dei suoi contemporanei descrive la straordinaria impressione dell'esibizione di Vivaldi al Teatro Sant'Angelo il 4 febbraio 1715: “... accompagnando il cantante alla fine dello spettacolo, Vivaldi eseguì in modo eccellente un assolo, che poi si trasformò in una Fantasia, che mi ha portato al vero orrore, perché nessuno ha mai potuto né potrà mai interpretarla; Con incredibile velocità, eseguendo qualcosa di simile a una fuga su tutte e 4 le corde, alzò le dita della mano sinistra così in alto sulla tastiera che erano separate dal supporto da una distanza non maggiore dello spessore di una cannuccia, e non c'era spazio lasciato all'archetto per suonare sulle corde...” .

Nonostante le possibili esagerazioni, questa descrizione sembra generalmente plausibile, come confermato dalle cadenze sopravvissute di Vivaldi (si conoscono in totale 9 manoscritti delle sue cadenze). Rivelano in modo più completo lo straordinario talento tecnico di Vivaldi, che gli ha permesso di espandere significativamente le capacità espressive non solo del violino, ma anche di altri strumenti. La sua musica per suonatori ad arco utilizza in modo creativo le nuove tecniche tecniche che si diffusero in quel periodo: suonare accordi con varie opzioni di arpeggio, usare posizioni alte, effetti di staccato dell'arco, lanci taglienti, bariolage, ecc. I suoi concerti mostrano che era un violinista con un una tecnica di inchino altamente sviluppata che comprendeva non solo lo staccato semplice e volatile, ma anche sofisticate tecniche di arpeggio con ombreggiature insolite a quel tempo. L'immaginazione di Vivaldi nell'inventare varie opzioni per suonare gli arpeggi sembra inesauribile. Basti fare riferimento al Larghetto di 21 battute del secondo movimento del Concerto in si minore op. 3, in cui tre tipi di arpeggi vengono utilizzati contemporaneamente, venendo alla ribalta alternativamente.

Eppure la maggior parte punto forte Apparentemente il violinista Vivaldi aveva una mobilità straordinaria nella mano sinistra, che non conosceva restrizioni nell'uso di qualsiasi posizione sulla tastiera.

Le peculiarità dello stile esecutivo di Vivaldi hanno dato un'impronta di originalità unica all'esecuzione dell'orchestra dell'Ospedale, da lui diretta per molti anni. Vivaldi raggiunse una straordinaria sottigliezza di gradazioni dinamiche, lasciandosi alle spalle tutto ciò che i suoi contemporanei conoscevano in quest'area. È anche importante che le esibizioni dell'orchestra dell'Ospedale siano avvenute in una chiesa, dove regnava il silenzio più rigoroso, che permetteva di distinguere le più piccole sfumature di sonorità. (Nel XVIII sec musica orchestrale di solito accompagnavano pasti rumorosi, dove non si poteva parlare di attenzione ai dettagli dell'esecuzione.) I manoscritti di Vivaldi mostrano un'abbondanza di sottili transizioni di sfumature sonore, che il compositore di solito non trasferiva su spartiti stampati, poiché a quel tempo tali sfumature erano considerate ingiocabile. I ricercatori del lavoro di Vivaldi hanno stabilito che l'intera scala dinamica delle sue opere copre 13 (!) gradazioni di sonorità: dal pianissimo al fortissimo. L'uso coerente di tali sfumature ha effettivamente portato a effetti di crescendo o diminuendo, allora completamente sconosciuti. (Nella prima metà del XVIII secolo, il cambiamento di sonorità negli archi aveva un carattere “a terrazza”, come un piatto o un organo a più manuali.)

Dopo il violino massima attenzione Vivaldi era attratto dal violoncello tra gli archi. La sua eredità comprende 27 concerti per questo strumento con accompagnamento. Il numero è sorprendente, poiché a quel tempo il violoncello era ancora raramente utilizzato come strumento solista. Nel XVII secolo era conosciuto principalmente come strumento di continuo e solo all'inizio prossimo secolo avanzato al gruppo dei solisti. I primi concerti per violoncello apparvero nel nord Italia, a Bologna, e erano senza dubbio familiari a Vivaldi. I suoi numerosi concerti testimoniano una comprensione profondamente organica della natura dello strumento e della sua interpretazione innovativa. Vivaldi evidenzia chiaramente i toni bassi del violoncello, che ricordano il suono di un fagotto, limitando talvolta l'accompagnamento a un continuo per migliorare l'effetto. Le parti solistiche dei suoi concerti contengono notevoli difficoltà tecniche, che richiedono all'esecutore una grande mobilità della mano sinistra.

A poco a poco, Vivaldi introdusse nuove tecniche di violino nelle parti di violoncello: espansione del numero di posizioni, staccato, tiri d'arco, utilizzo di corde non adiacenti in rapido movimento, ecc. L'alto livello artistico dei concerti per violoncello di Vivaldi ci consente di classificarli tra gli esempi più eccezionali di questo genere. L'opera del compositore abbraccia due periodi di dieci anni, particolarmente significativi per lo sviluppo del nuovo strumento, il decennale che precede la comparsa delle suite per violoncello solo di Bach (1720).

Affascinato dalle nuove varietà di corde, Vivaldi non prestò quasi alcuna attenzione alla famiglia delle viole. L'unica eccezione è la viola d'amore, per la quale ha scritto sei concerti. Vivaldi fu senza dubbio attratto dal delicato suono argenteo di questo strumento, creato dai toni delle corde metalliche risonanti (aliquote) tese sotto il supporto. La Viola d'amore viene utilizzata più volte come strumento solista indispensabile nelle sue opere vocali (in particolare, in uno dei migliori arie oratorio "Giuditta". Vivaldi possiede anche un concerto per viola d'amore e liuto.

Di particolare interesse sono i concerti di Vivaldi per strumenti a fiato: legno e ottone. Qui fu uno dei primi a dedicarsi a nuove varietà di strumenti, gettando le basi del loro repertorio moderno. Creando musica per strumenti che esulano dall'ambito della sua pratica esecutiva, Vivaldi ha scoperto un'inesauribile inventiva nell'interpretazione degli stessi. possibilità espressive. Ancora oggi i suoi concerti per fiati impongono agli esecutori seri requisiti tecnici.

Il flauto è utilizzato in vari modi nell'opera di Vivaldi. All'inizio del XVIII secolo esistevano due varietà: longitudinale e trasversale. Vivaldi scrisse per entrambi i tipi di strumenti. Particolarmente significativo è stato il suo contributo alla creazione del repertorio per il flauto traverso come strumento da concerto solista. Si noti che praticamente non c'erano opere da concerto per lei. I flautisti eseguivano spesso opere destinate al violino o all'oboe. Vivaldi fu uno dei primi a creare concerti per flauto traverso, che rivelarono nuove possibilità espressive e dinamiche del suo suono.

Oltre alle due varietà principali dello strumento, Vivaldi scrisse anche per il flautino, un flauto apparentemente simile al moderno flauto piccolo. Molta attenzione Vivaldi prestò attenzione all'oboe, che occupava un posto d'onore nelle orchestre d'opera del XVII secolo. L'oboe veniva spesso utilizzato soprattutto nella “musica per all'aria aperta" Sono conservati 11 concerti di Vivaldi per oboe e orchestra e 3 concerti per due oboi. Molti di loro furono pubblicati durante la vita del compositore.

In 3 concerti per vari strumenti (“con molti Istromenti”), Vivaldi utilizzò il clarinetto, che allora era ancora nella fase sperimentale del suo sviluppo. Il clarinetto è presente anche nella partitura dell'oratorio “Judith”.

Vivaldi ha scritto una quantità sorprendente per il fagotto: 37 concerti solisti con accompagnamento. Inoltre, il fagotto viene utilizzato in quasi tutti i concerti da camera, nei quali è solitamente abbinato al timbro del violoncello. L'interpretazione del fagotto nei concerti di Vivaldi è caratterizzata dall'uso frequente di registri bassi e densi e da un rapido staccato, che richiede una tecnica altamente sviluppata da parte dell'esecutore.

Vivaldi si rivolse agli ottoni molto meno frequentemente che ai legni, il che si spiega con la difficoltà di utilizzarli in un recital in quel periodo. Nel XVIII secolo la scala degli ottoni era ancora limitata ai toni naturali. Pertanto, nei concerti solistici, le parti degli ottoni solitamente non andavano oltre Do e Re maggiore, e i necessari contrasti tonali erano affidati agli archi. Il Concerto per due trombe e i due concerti per due corni e orchestra di Vivaldi mostrano la straordinaria capacità del compositore di compensare i limiti della scala naturale con l'aiuto di frequenti imitazioni, ripetizioni di suoni, contrasti dinamici e tecniche simili.

Nel dicembre 1736 apparvero due concerti di Vivaldi per uno e due mandolini e orchestra. Grazie all'orchestrazione trasparente con frequenti pizzicati, hanno raggiunto un'unità organica con il timbro degli strumenti solisti, pieno dell'incantevole bellezza del suono. Il mandolino attirò l'attenzione di Vivaldi con il suo timbro colorato e come strumento di accompagnamento. In una delle arie dell'oratorio “Giuditta” il mandolino era utilizzato come strumento obbligatorio. Le parti di due mandolini figurano nella partitura di un concerto eseguito all'Ospedale nel 1740.

Tra gli altri strumenti a pizzico Vivaldi utilizzò il liuto, utilizzandolo in due dei suoi concerti. (Al giorno d'oggi, la parte del liuto viene solitamente suonata con la chitarra.)

Essendo violinista per vocazione, il compositore Vivaldi seguì sempre essenzialmente gli schemi della cantilena del violino. Non sorprende che non usasse quasi mai le tastiere come strumenti solisti, anche se per esse mantenne invariabilmente la funzione continua. Un'eccezione è il Concerto in do maggiore per più strumenti con due piatti solisti. Vivaldi si interessò molto ad altro strumento a tastiera– l'organo, con la sua ricca tavolozza di colori e suoni. Sono conosciuti sei concerti di Vivaldi con organo solo.

Affascinato dalle diverse possibilità della nuova forma di concerto solista, Vivaldi cercò di utilizzarla in opere per ensemble di varie composizioni. Ha scritto molto soprattutto per due o più strumenti con accompagnamento orchestrale: sono noti in totale 76 dei suoi concerti di questo tipo. A differenza del Concerto grosso, con il suo consueto gruppo di tre solisti - due violini e basso continuo, queste opere rappresentano un tipo completamente nuovo di concerto d'insieme. Le loro sezioni soliste utilizzano gruppi di strumenti molto diversi per composizione e numero, comprendendo fino a dieci partecipanti; nello sviluppo vengono alla ribalta i singoli solisti o domina la forma del dialogo strumentale.

Vivaldi si è rivolto più volte anche al tipo di concerto orchestrale, in cui predomina la sonorità tutti, intervallata solo da esecuzioni di singoli solisti. Sono note 47 opere di questo tipo, le cui idee erano molto in anticipo sui tempi. Ha dato vari titoli ai suoi concerti orchestrali, etichettandoli come "Sinfonia", "Concerto", "Concerto a quattro" o "Concerto ripieno" (tutti).

Il gran numero di concerti orchestrali di Vivaldi indica il suo costante interesse per questo tipo di genere. A quanto pare, il suo lavoro all'Ospedale lo costrinse a utilizzare spesso forme simili di fare musica che non richiedevano solisti di prim'ordine.

Infine, è costituito un gruppo speciale concerti da camera Vivaldi per diversi solisti senza orchestra. Usano in modo particolarmente ingegnoso le possibilità di combinare strumenti di natura diversa. Tra le 15 opere di questo genere figurano i già citati 4 concerti dall'op. 10 nella prima edizione.

Lo sviluppo del concerto solista (principalmente il concerto per violino) è merito di A. Vivaldi, la cui principale area di creatività era musica strumentale. Tra i suoi numerosi concerti, i concerti per uno o due violini e orchestra occupano un posto centrale.

Vivaldi fece importanti acquisizioni nel campo dello sviluppo tematico e della forma compositiva. Per i primi movimenti dei suoi concerti, sviluppò e stabilì finalmente una forma vicina al rondò, che fu poi adottata da I.S. Bach, così come i compositori classici.

Vivaldi ha contribuito allo sviluppo della tecnica virtuosistica del violino, stabilendo un nuovo stile drammatico di esecuzione. Lo stile musicale di Vivaldi si distingue per generosità melodica, suono dinamico ed espressivo, trasparenza della scrittura orchestrale, armonia classica unita alla ricchezza emotiva.

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Antonio Luciano Vivaldi è un compositore, direttore d'orchestra, insegnante, virtuoso violinista italiano, autore di 500 concerti per strumenti solisti e orchestra, 90 opere, un genio le cui opere furono dimenticate per 200 anni.

Antonio nacque il 4 marzo 1678 a Venezia nella famiglia del barbiere e musicista Giovanni Battista Vivaldi e di sua moglie Camilla. Giovanni era originario di Brescia, e all'età di 10 anni si stabilì a Venezia con la madre. A quei tempi, i barbieri rasavano, tagliavano, arricciavano e ungevano i loro clienti, e li intrattenevano anche suonando musica.

Vivaldi Sr. ha combinato l'acconciatura con il suonare il violino. Giovanni divenne violinista nella cappella della Basilica di San Marco e anche il suo nome figura nell'elenco dei fondatori società musicale e anche sul frontespizio di un'opera, datato 1689.

Il direttore della società menzionata era il compositore e autore di opere Giovanni Legrenzi. Sulla base di questi fatti, i compilatori della biografia di Vivaldi sono giunti alla conclusione che il compositore deve il suo talento e i primi passi nel campo musicale a suo padre, che ha instillato nel figlio l'amore per il violino e gli ha trasmesso le proprie capacità, intonazione giusta e abilità del gioco. Esiste anche una versione che il giovane Antonio studiò con Giovanni Legrenzi.

Le circostanze della nascita di Vivaldi Jr. hanno permesso di scoprire la data esatta della sua nascita. Il fatto è che il ragazzo è nato prematuro, nel settimo mese. L'ostetrica che ha partorito ha consigliato al bambino di essere battezzato immediatamente per ogni evenienza morte improvvisa. Un paio d'ore dopo la nascita, il bambino era già battezzato, come testimonia la registrazione nel libro della chiesa.

Chiesa di San Giovanni a Bragor, dove fu battezzato Antonio Vivaldi nel 1678

Secondo la leggenda quel giorno ci fu un terremoto a Venezia e il bambino nacque prematuro. Camilla avrebbe promesso di dare suo figlio al clero se fosse sopravvissuto. Sorprendentemente, Antonio sopravvisse, nonostante avesse una salute cagionevole e una corporatura esile.

A causa dell'asma, il ragazzo aveva difficoltà a muoversi; strumenti a fiato. Ma il violino, amato fin dall'infanzia, era a completa disposizione del futuro maestro, e dall'età di 10 anni Antonio sostituì il padre, suonando nella Cappella di San Marco.

Dall'età di 13 anni, Vivaldi Jr. ha servito come "portiere" nella cattedrale, aprendo le porte del tempio. Poi hanno avuto luogo molte altre iniziazioni del giovane ministro della chiesa a posizioni più elevate. Antonio servì la messa una sola volta; gli venne concessa un'esenzione per motivi di salute, e al giovane fu data la possibilità di dedicarsi alla musica.

A quei tempi i preti veneziani univano la scrittura di concerti e la musica sacra al servizio di Dio. Questo era considerato naturale come avere strumenti musicali in ogni negozio di barbiere. Nel XVII secolo Repubblica Veneta era uno dei più illuminati e paesi culturali mondo, e nel campo dell’opera, la musica secolare e sacra danno il tono al resto d’Europa.

Musica

All'età di 25 anni Vivaldi iniziò ad insegnare l'arte del violino all'Ospedale della Pietà di Venezia. I conservatori furono allora chiamati scuole di accoglienza presso i monasteri, dove venivano educati gli orfani e i bambini i cui genitori non erano in grado di provvedere loro. Queste scuole erano finanziate con i fondi della repubblica.

I centri per ragazze erano specializzati nelle discipline umanistiche, con particolare attenzione al canto, alla musica e all'esecuzione di melodie spirituali, salmi e inni. Ai ragazzi, formati come commercianti e artigiani, venivano insegnate le scienze esatte.

Antonio Vivaldi divenne maestro di violino per i giovani alunni dell'orfanotrofio, e poi insegnante di viola. I suoi compiti includevano la scrittura mensile di concerti, cantate, opere vocali per solisti e coro, nonché la realizzazione di nuovi oratori e concerti per ciascuno festa della chiesa. Inoltre, l'insegnante ha insegnato personalmente agli orfani la musica, suonando strumenti e cantando, provando e affinando le abilità delle ragazze.

Vivaldi lavorò alla Pietà dal 1703 al 1740, senza contare una pausa di otto anni dal 1715 al 1723, e dal 1713 divenne direttore del conservatorio. In tutti questi anni, il compositore ha lavorato instancabilmente; ha scritto più di 60 opere solo per il rifugio, tra cui cantate, concerti per solisti, corali e orchestrali.

Nel 1705 e nel 1709 le case editrici veneziane pubblicarono due opere di Vivaldi di 12 sonate e nel 1711 - 12 concerti con il titolo "Ispirazione armonica". In quegli stessi anni sui giovani e compositore di talento sentito per la prima volta fuori dall'Italia. Nel 1706 Vivaldi si esibì presso l'ambasciata francese e tre anni dopo il suo oratorio fu ascoltato dal re danese Federico IV, al quale Antonio dedicò successivamente 12 sonate.

Nel 1712, il musicista si incontrò Compositore tedesco Gottfried Stölzel, e cinque anni dopo Vivaldi si trasferì a Mantova per tre anni su invito del principe Filippo d'Assia-Darmstadt.

Dal 1713, il compositore si interessò a una nuova forma di arte musicale- opera secolare. La prima opera scritta da Vivaldi fu Ottone alla Villa. Talentuoso giovanotto impresari e mecenati se ne accorsero e presto Antonio ricevette un ordine dal proprietario del Teatro San Angelo per una nuova opera.

Secondo il compositore, nel periodo dal 1713 al 1737 scrisse 94 opere, ma fino ad oggi sono sopravvissute solo 50 partiture con paternità confermata del grande Vivaldi. L'autore delle opere ebbe un successo straordinario, ma la fama secolare di Vivaldi fu di breve durata. Il pubblico veneziano musicalmente sofisticato trovò presto nuovi idoli e le opere di Antonio passarono di moda.

Nel 1721 il maestro visitò Milano, dove presentò il dramma “Sylvia”, e l'anno successivo tornò con un oratorio su tema biblico. Dal 1722 al 1725 Vivaldi visse a Roma, dove scrisse nuove opere e si esibì davanti al papa su invito personale. Per il musicista-sacerdote questo evento è stato un grande onore.

Nel 1723-1724 Vivaldi scrisse i famosi concerti, erroneamente chiamati “Le Stagioni” nella CSI ( nome corretto- "Quattro stagioni"). Ciascuno dei concerti per violino è dedicato alla primavera, all'inverno, all'estate e all'autunno. Secondo la maggior parte dei critici e ricercatori questi concerti rappresentano l’apice della creatività del maestro.

La natura rivoluzionaria delle opere del genio sta nel fatto che l'orecchio umano coglie chiaramente nella musica il riflesso di processi e fenomeni caratteristici di una particolare stagione. Quindi, nella canzone del violino puoi sentire il rumore di un temporale e l'abbaiare dei cani, il cigolio delle zanzare e il gorgoglio dei ruscelli, le voci dei bambini, i trilli degli uccelli di razze riconoscibili e persino la caduta di un pattinatore sul ghiaccio.

Visite e viaggi portarono il maestro a incontrare l'imperatore austriaco Carlo VI. Il re era un grande fan del lavoro di Vivaldi e tra loro iniziarono rapporti amichevoli. Sorprendentemente, mentre la popolarità della musica del compositore diminuiva nella sua terra natale, Venezia, la sua fama cresceva in Europa, presso le corti dei re francesi e austriaci.

Alla fine della sua vita, la fortuna abbandonò il geniale compositore, che fu costretto a vendere le sue sonate per pochi centesimi, solo per non vegetare nella povertà. Deluso dai veneziani, che smisero di amare le sue creazioni, Antonio Vivaldi decise di trasferirsi a Vienna, “sotto l'ala protettrice” del reale ammiratore del suo talento, Carlo VI.

Sfortunatamente, subito dopo il trasferimento del compositore a Vienna, l'imperatore morì, poi scoppiò la guerra e il maestro fu dimenticato.

Vita privata

Come sacerdote, Antonio Vivaldi fece voto di celibato, che osservò per tutta la vita. Eppure, i malvagi hanno potuto scorgere una violazione della decenza nel suo stretto rapporto con una delle allieve del Conservatorio della Pietà, Anna Giraud e sua sorella Paolina.

Vivaldi è stata l'insegnante e mentore di Anna, che, secondo i ricordi dei contemporanei, ha attirato l'attenzione del pubblico non con la forza e l'estensione della sua voce, ma con il suo talento recitativo. Per questa ragazza, il compositore ha scritto le migliori opere, composto arie e trascorso del tempo insieme a casa e in viaggio.

La sorella di Anna, Paolina, idolatrava il maestro e divenne con lui infermiera e badante volontaria, aiutandolo a far fronte a disturbi congeniti e debolezza fisica. Per molto tempo l'alto clero ha chiuso un occhio sulla passione del maestro per la musica secolare e l'opera, ma non poteva perdonarlo per la costante presenza di due giovani ragazze.

Nel 1738, il cardinale arcivescovo di Ferrara, dove avrebbe dovuto svolgersi il successivo carnevale con le stesse opere, non permise a Vivaldi e ai suoi compagni di entrare in città, e ordinò anche che fosse celebrata una messa vista la caduta in disgrazia del compositore. .

Morte

Il brillante compositore morì in povertà e solitudine in una terra straniera, a Vienna. La vita di Antonio Vivaldi venne interrotta il 28 luglio 1741. La sua proprietà fu venduta e venduta per debiti e il suo corpo fu sepolto in un cimitero per i poveri della città. Solo un mese dopo la morte di Antonio, le sue sorelle minori ricevettero una triste notizia.

Composizione scultorea a Vienna dedicata ad Antonio Vivaldi

Dopo la sua morte, il nome di Vivaldi fu immeritatamente dimenticato. Forse amò sinceramente e profondamente solo la musica italiana, rimanendo per lungo tempo il suo unico fedele estimatore. Bach trascrisse dieci concerti di Vivaldi strumenti diversi e orchestra, e l'eredità del compositore veneziano ebbe un'influenza tangibile sull'opera del virtuoso organista.

Gran parte del merito per la ricerca e la scoperta dei capolavori di Vivaldi per i posteri va al musicologo italiano Alberto Gentili, che all'inizio del XX secolo scoprì 14 volumi delle opere del compositore.
Antonio Vivaldi è il primo compositore a creare concerti per violino e orchestra, due, quattro violini e due mandolini.
L'unico ritratto a colori di Vivaldi, familiare a tutti dalle fotografie nei libri di testo, potrebbe essere l'immagine di una persona completamente diversa (le iniziali non sono indicate nella foto e il ritratto stesso non è simile ad altri ritratti del compositore ).

Il maestro era soprannominato “prete rosso” per via del colore dei suoi capelli ramati, raro tra i veneziani.
Vivaldi divenne famoso anche per il fatto che in cinque giorni poteva scrivere un'opera in tre atti e dozzine di variazioni musicali su un tema.
Il famigerato "Tango della Morte", attribuito a Vivaldi, è in realtà una composizione intitolata Palladio compositore moderno di Karl Jenkins, e "Elf Night (Song)" è una canzone dei Secret Garden.
La composizione "Summer Thunderstorm (Storm)" del ciclo "Seasons" eseguita è una delle melodie più popolari al mondo.

Discografia

Opere:

"Ottone in campagna", 1713;
"Roland, il pazzo immaginario", 1714;
"Arsilda, regina del Ponto", 1716;
"Incoronazione di Dario", 1717;
"Artaban", 1718;
"Teuzone", 1719
"Tito Manlio", 1719;
"Farnace", 1727 e altri.

Musica corale e vocale:

Sacro (massa);
Laudate Dominum omnes gentes;
Stabat Mater e altri.
Salmi:
Beato vir;
Confitebor tibi Domine;
Dixit Dominus;
Lauda Gerusalemme e altri.

Oratori:

“Giuditta Trionfante”, 1716;
“L'Adorazione dei Tre Magi al Bambino Gesù”, 1722;
“Grande cantata “Gloria e Imene”, 1721.
Cantate per voce con accompagnamento:
“Sotto la chioma di un bellissimo faggio”;
“Il mio sguardo è rivolto verso di lui”;
“Cupido, hai vinto”;
“Sei scomparso, giorni d'oro”;
"Quindi piangete, fonti di lacrime" e altri.

Concerti strumentali e sonate, tra cui:

"Tempesta in mare";
"Piacere";
"A caccia";
"Le stagioni";
"Notte";
"Cardellino";
"Preludio".