Formazione disegno accademico questa è una disciplina accademica che rivela i principi della costruzione immagine realistica in superficie. Ci insegna a vedere correttamente e a trasmettere correttamente la realtà che ci circonda attraverso il disegno, ci aiuta a comprendere le leggi della struttura della forma degli oggetti e ad utilizzare queste leggi nella pratica della costruzione di un'immagine. Lei dà cultura artistica, conoscenze e competenze necessarie per il lavoro creativo indipendente.
Il compito di disegnare calchi in gesso è comprendere l'essenza della forma e osservare come, a seconda dell'illuminazione, cambia il rapporto tra luce e buio. Un modello in gesso è un'opera d'arte realizzata da un maestro, dove vengono individuati ed enfatizzati solo quei dettagli che contribuiscono all'espressione delle caratteristiche di una determinata testa nella trasmissione di un'immagine visiva. Inoltre, si trova la forma, risolta nel materiale, è visibile un certo modo dello scultore, il che è importante quando si studiano esempi classici.
Disegnare da calchi in gesso ha una funzione molto Grande importanza. È una preparazione per lavorare sulle immagini dei soggetti. È conveniente studiare la forma della testa quando si disegnano i calchi perché la natura stazionaria consente un accurato autocontrollo rapporti proporzionali parti, tutte le distanze possono essere da un punto di riferimento. Inoltre, la natura monocromatica dell'intonaco bianco facilita il compito, permettendoti di concentrare tutta la tua attenzione sulla trasmissione del volume senza rivelare le differenze tonali caratteristiche delle forme viventi.
Sviluppandosi nella forma, il disegno non ha avuto un significato indipendente per molto tempo. Nell'antichità il disegno non veniva distinto specie separate arte.
Il disegno europeo come forma d'arte si sviluppò durante il Rinascimento, quando il suo significato fondamentale fu stabilito nella preparazione di qualsiasi maestro che lavorasse campo artistico. A cavallo tra Medioevo e Rinascimento, così come in primo Rinascimento gli artisti non conservavano i loro disegni, motivo per cui nei musei si trovano così pochi disegni di questo periodo. Gli schizzi di contorno per le miniature sono più comuni, ma il disegno per una miniatura aveva una funzione ben precisa: i punti da dipingere erano delineati con una linea.
L'Alto Rinascimento cambiò radicalmente l'atteggiamento nei confronti del disegno. I grandi maestri - Leonardo da Vinci, Michelangelo, Raffaello - hanno creato e, fortunatamente, conservato molti dei loro disegni degni di essere definiti veri capolavori. Il valore di queste opere è tanto maggiore perché posate in questo periodo base scientifica disegno realistico, è stato creato un apparato prospettico ed è stata studiata l'anatomia dell'uomo e degli animali. È interessante notare che prima di Leonardo non si trovano quasi mai disegni su carta o pergamena. I ricercatori associano questo fatto all'ascesa della pittura murale: gli artisti realizzavano disegni preparatori direttamente sul muro.
Primo disegno preparatorio Parry Spinelli (circa 1387-1453) iniziò a disegnare su carta e, verso la metà del XV secolo, gli schizzi su carta sostituirono finalmente la sinopia. Questo si è rivelato più conveniente; non è stato necessario salire sulle impalcature per disegnare sull'intonaco; Con un cambio di metodo lavoro preparatorio gli artisti iniziarono a realizzare molti disegni, utilizzando ampiamente varie tecniche. E il disegno stesso non è iniziato con schizzi e cartoni preparatori, ma con quelle libere ricerche di una composizione espressiva destinata all'affresco, inizialmente racchiuse nel quadro della pittura murale, e poi sempre più acquisite indipendenza. Si sono diffusi disegni-copie delle opere maestri famosi, che ha aiutato i giovani artisti a imparare a disegnare.
Un metodo di disegno qualitativamente nuovo fu proposto da Pisanello (circa 1395-1455). Ha iniziato a realizzare disegni dal vero, studiando gli oggetti in termini di forma. Questi furono essenzialmente i primi disegni didattici. Pisanello dipinse per ottenere l'effetto di una fioca luce scivolante. In termini di tecnica, questi disegni precedono al pieno Rinascimento quando il disegno diventa una forma d'arte autonoma.
Grandi maestri del disegno Rinascimento italiano ha sviluppato una tecnica in due direzioni: lineare e tonale. Michelangelo, Leonardo e altri maestri della cerchia fiorentina dipinsero in rigoroso modo lineare-plastico, e i veneziani Tiziano, Veronese, Tintoretto crearono disegni del cosiddetto stile pittorico, utilizzando l'effetto di macchie e alcuni schizzi. Di particolare rilievo sono i disegni di Dürer, il rappresentante più brillante Rinascimento tedesco nel XVI secolo. La grafica di Dürer si distingue per la chiarezza, la chiara logica del tratto e della linea. Come ogni fenomeno artistico, il disegno ha avuto i suoi tempi di massimo splendore. Avendo iniziato in modo brillante vita indipendente Durante il Rinascimento, il design europeo acquisì nuove caratteristiche e nuova popolarità nel XVII secolo in Olanda e nel XVIII secolo in Francia. I ritratti a matita sono in grande sviluppo, vengono create vaste collezioni di disegni, opere grafiche decorare le pareti delle case dei comuni cittadini. Clouet e Ingres in Francia, Rembrandt in Olanda, Rubens nelle Fiandre, Tiepolo e Guardi in Italia creano disegni classici nella loro maestria, da cui imparano molte generazioni di artisti.
In Russia, la storia del disegno classico inizia nella seconda metà del XVIII secolo, quando A. Losenko, G. Ugryumov, A. Ivanov, K. Bryullov, essi stessi brillanti disegnatori che avevano precedentemente studiato all'Accademia, insegnarono all'Accademia di San Pietroburgo. Accademia delle arti di Pietroburgo. Un atteggiamento riverente alla linea, forma rigorosa, proporzioni perfette, alta tecnica - tratti caratteriali Disegno russo. La nuova ascesa dell'arte del disegno è associata a P. Chistyakov, l'insegnante di I. Repin, V. Surikov, V. Vasnetsov, V. Polenov, V. Serov, M. Vrubel e altri magnifici maestri. D. Kardovsky studiò anche con Chistyakov, che in seguito sviluppò una metodologia per insegnare il disegno. I Peredvizhniki da Kramskoy a Kasatkin avevano un disegno vivace e forte. SU inizio del XIX secolo e XX secoli, in contrasto con la tendenza emergente della distruzione del vecchio design, hanno messo in primo piano la tecnologia perfetta opera d'arte, dichiarando forma il fine supremo dell'art. IN periodo post-rivoluzionario La tecnica del disegno, sopravvissuta ad anni di negazione ignorante, anni di assalto di nichilisti analfabeti, alla fine ha preservato tradizioni realistiche ed è rimasta uno degli elementi principali dell'insegnamento, inseparabile dal lato contenutistico del disegno. Le principali università d'arte, applicata e architettura in Russia preparano accuratamente i futuri artisti e architetti, prestando grande attenzione al disegno come base disciplina accademica. Il disegno realistico moderno si basa sulla tradizione secolare del disegno artistico, sul lavoro direttamente dalla vita, riconosciuto da quasi tutte le scuole accademiche, che fornisce una base affidabile per la creazione di un disegno compositivo.
I sistemi accademici europei di educazione artistica sono nati come reazione alla formazione corporativa e artigianale, sostituendo lo sviluppo delle tecniche e dei metodi dei singoli maestri con lo studio principi comuni, che determinano la natura della formazione in belle arti. Il disegno ottenne l'indipendenza piuttosto tardi, rimanendo solo per molto tempo fase preparatoria. Prima di diventare un movimento artistico separato, il disegno esisteva come conoscenza professionale nascosta. A poco a poco l'idea di valore fondamentale disegno come base di tutte le belle arti.
Disegno testa in gesso- questa è una sezione complessa e allo stesso tempo molto seria e affascinante del disegno accademico. Quando lavori su un disegno educativo, dovresti sempre ricordare che non è fine a se stesso, ma un passaggio transitorio che ti aiuta a padroneggiare i principi di base del disegno realistico e ad imparare come risolvere con successo problemi creativi.
In questa lezione di disegno ho preparato il materiale in modo che i principi chiave del disegno di una testa umana fossero visibili. Per imparare a disegnare un ritratto, è necessario comprendere la forma della testa, e questo è possibile attraverso la semplificazione e la generalizzazione dei dettagli non necessari. A questo scopo, ho utilizzato una rappresentazione schematica di una testa chiamata “scheggiatura”, un disegno accademico di un teschio, un disegno passo passo di una testa umana e ulteriori disegni schematici per aiutare a comprendere le caratteristiche della struttura anatomica.
1. Forma tridimensionale. Semplificazione e generalizzazione.
SU stato iniziale Quando imparano a disegnare, le persone spesso vedono i contorni di un oggetto invece del suo volume. È esattamente così che i principianti disegnano un ritratto: disegnano i contorni degli occhi, del naso... Ma la testa, gli occhi, il naso, le labbra di una persona: hanno tutti volume, non sono solo contorni. Inoltre, hanno una forma piuttosto complessa. Pertanto, all'inizio della formazione, è necessario essere in grado di generalizzare la secondaria e realizzare la portata di ciascuna forma.
Per prima cosa, proviamo a disegnare il viso di una persona con il naso e la fronte sporgenti, presentati sotto forma di forme geometriche rettangolari.
2. Il cranio è la base della forma della testa.
C'è una lezione importante da imparare dopo. Tutte le principali curve e contorni del viso sono formati dai rigonfiamenti e dalle piegature del cranio. Dopotutto, è il teschio la base su cui è costruita la forma della testa in un ritratto. Prova a tracciare questa relazione confrontando la forma del cranio con il modello della testa. Questo è molto punto importante nell'insegnamento.
Dal momento che il teschio ha forma complessa, allora non sarà facile comprendere immediatamente questa relazione. Pertanto, per prima cosa disegneremo un teschio in generale.
Il cranio è costituito da due sezioni principali: il cervello e la faccia.
Inoltre, la forma del cranio può essere rappresentata approssimativamente come un cubo. Il cranio ha una faccia frontale, due facce laterali, una faccia occipitale e la cosiddetta volta cranica o tetto.
Dopo i disegni convenzionali e generalizzati, do come esempio un disegno accademico accademico di un teschio. Con molti dettagli si possono vedere i lati frontale, occipitale, laterale e l'arco. Puoi anche vedere come i dettagli sono raggruppati in due sezioni principali: il cervello e il viso.
Va anche notato che la parte più larga del cranio si trova più vicino alla parte posteriore della testa. Lo si può vedere chiaramente nella figura qui sotto.
Per chi sta imparando a disegnare un ritratto, possono essere utili i seguenti nomi anatomici: varie parti teschi:
- arcate sopracciliari;
- osso frontale;
- osso parietale;
- osso occipitale;
- osso temporale;
- processo zigomatico;
- zigomo;
- osso mascellare;
- osso mandibolare;
- osso nasale;
- presa per l'occhio o presa per l'occhio.
3. "Orubovka" è la chiave per comprendere la forma della testa umana.
Oltre al cranio, la forma della testa e del viso è influenzata da muscoli, cartilagine, depositi di grasso, ecc. Per non confondersi nei dettagli, il taglio aiuterà a comprendere la struttura anatomica. Un taglio è un'immagine convenzionale della testa di una persona, composta da bordi. Con l'aiuto di tali piani si forma il volume dell'intera testa. Grazie a questi bordi sono chiaramente visibili le principali curve del cranio e i principali gruppi muscolari del viso. In ogni ritratto, per qualsiasi persona, la forma della testa è costruita sulla base di questi bordi di rifinitura. Naturalmente ogni persona ha i propri tratti somatici, le proprie proporzioni, ma i punti chiave nella costruzione della testa corrispondono al taglio. Pertanto, quando disegna un ritratto, l'artista tiene sempre presenti questi aspetti chiave.
Prova a tracciare i piani principali del taglio nel disegno del teschio e nel disegno tonale della testa realizzato a matita.
4. Formazione del volume attraverso luci ed ombre sulla parte anteriore, laterale e superiore della testa.
Per rendere tridimensionale il disegno della testa, è necessario elaborarlo con l'ombreggiatura. Il tratteggio crea il tono desiderato. Cambiando il tono (più chiaro-scuro) vediamo volume e forma. Secondo la legge del chiaroscuro, la luce è distribuita sulla superficie della forma nella seguente sequenza: evidenziazione, luce, penombra, ombra, riflesso, ombra cadente. Se disegni una palla o qualcosa di simile semplice figure geometriche, allora tutto è molto più semplice. Ma come mostrare il chiaroscuro in un disegno tonale di una testa umana? Nel ritratto il chiaroscuro è fatto anche con l'ombreggiatura, come nel disegno della palla. Ma con la differenza che l'artista deve tracciare luci e ombre su ogni singolo frammento del volto in particolare e sull'intera testa nel suo insieme. Cioè, devi mostrare la luce, la penombra, l'ombra - sul naso, sulla fronte, sulle orbite, sulle labbra, sul mento, ecc. Ma oltre a questo, la luce e l'ombra devono essere mostrate sull'intera testa come nel suo insieme, cioè nelle sue grandi facce o lati principali. Ad esempio, un lato della testa potrebbe essere più scuro dell’altro. Questo è un punto importante quando si crea il volume della testa in un ritratto.
Per miglior comprensione Su questo argomento, fornisco come esempio diagrammi visivi e disegni di un moncone di gesso, un teschio e una testa umana. In essi puoi vedere chiaramente i bordi anteriore, laterale e superiore della testa. I diagrammi e i disegni a matita sono progettati in modo tale da poter tracciare gradualmente i bordi principali della testa, il che aiuterà gli artisti alle prime armi a vedere il chiaroscuro sulla superficie della testa nel suo insieme.
5. Sezioni cerebrali e facciali della testa.
Ho già citato sopra disegno schematico in cui erano visibili il cervello e le parti facciali del cranio. Ma come vedere praticamente queste zone nel disegnare un ritratto? Una serie di disegni e diagrammi riportati di seguito possono aiutare in questo. Qui puoi tracciare il confine tra la parte anteriore e quella cerebrale della testa nel solito disegno a matita, calco in gesso e disegno di allenamento del cranio.
6. Disegno a matita tonale passo dopo passo.
Dopo aver studiato le basi caratteristiche anatomiche struttura della testa, puoi iniziare disegno passo dopo passo matita. Qui devi imparare questa sequenza. Per prima cosa disegniamo in termini generali. Quindi complichiamo il disegno aggiungendo dettagli.
UN) Poiché la forma della testa ricorda la forma di un uovo, disegniamo prima la figura corrispondente con una linea.
B) Successivamente, costruiamo un disegno della testa. Disegna un asse di simmetria che attraverserà il centro della testa. Questo è molto importante perché l'asse ti permetterà di confrontare la sinistra e lato destro, che aiuterà a evitare errori e irregolarità. Successivamente, delineiamo i livelli in cui si trovano le sopracciglia, gli occhi, il naso e le labbra. Li delineiamo utilizzando linee leggere. Ho scritto su come determinare questi livelli nella lezione
V) Nella fase successiva, puoi delineare le orbite, gli occhi, il naso, le labbra, nonché lo zigomo, i lobi frontali, i principali gruppi muscolari e le pieghe del viso.
G) Chiariamo i dettagli.
D) Utilizzo una gomma per schiarire il nero delle linee ausiliarie, che alla fine verranno cancellate, però sono necessarie all'inizio della costruzione della testa.
e) Iniziamo con il disegno tonale. Inserisci l'ombreggiatura. Designiamo ombre e luce. “Scolpiamo” la forma della testa usando il tono. Non ho registrato le fasi intermedie dell'ombreggiatura, quindi lo pubblico subito La fase finale disegno.
7. Diverso modo e tecnica di disegno.
Alla fine di questa lezione vorrei aggiungere che il modo e la tecnica del disegno possono essere diversi. Il disegno può essere lineare o tonale. Puoi disegnare con una linea o con un punto. Puoi lavorare in uno stile di schizzo libero, consentendo imprecisioni. Oppure puoi realizzare un accurato disegno accademico. Puoi disegnare in dettaglio o in termini generali.
Ma nonostante tutta la varietà di approcci, l'alfabetizzazione dovrebbe essere visibile nel disegno. I principi della costruzione di una testa sono preservati, sia sulla carta che nella mente dell'artista. Artista professionista con esperienza lavorativa non può disegnare linee ausiliarie costruzione. Potrebbe lavorare in una sequenza diversa. Tuttavia, qualunque sia la tecnica di esecuzione, il suo disegno mostrerà la comprensione delle basi anatomia plastica. Pertanto, se vuoi imparare a disegnare un ritratto, devi comprenderne l'essenza e non semplicemente copiare la natura o l'immagine passo dopo passo. Quando un artista alle prime armi acquisisce una tale comprensione e inizia a vedere la natura analizzando e non solo copiando, avrà molto più successo nell'apprendimento. Spero che i disegni e i diagrammi di questa lezione aiutino i principianti in questo.
In un programma istituzioni educative che formano gli artisti, deve esistere una materia come il disegno accademico. Questa è la capacità di trasmettere il volume e la consistenza di un oggetto utilizzando luci e ombre.
Il significato del disegno accademico
Le opere di quegli artisti che si sono formati in questa disciplina si distinguono sempre: sembrano professionali. I dilettanti possono solo copiare l'ambiente. I professionisti hanno la possibilità di dare libero sfogo alla propria fantasia e disegnare un oggetto da qualsiasi angolazione, anche senza vederlo davanti a sé.
Nel corso della padronanza delle basi del disegno accademico, imparerai l'alfabetizzazione artistica. Di conseguenza, le tue capacità si svilupperanno: rifletterai con sicurezza su carta tutto ciò che hai pianificato. È molto importante che le lezioni si svolgano in aula, sotto la guida di un tutor. Ci sono molte sfumature nella disposizione degli oggetti, nella creazione della giusta illuminazione e nella scelta delle angolazioni migliori.
Come comporre correttamente una composizione, costruire un disegno, disporlo nell'ombra, elaborarlo in tono, dare consistenza: questo può essere insegnato solo da un insegnante esperto che utilizza tutte le capacità dello studio: un'ampia selezione di oggetti, tendaggi e la disponibilità dell’illuminazione necessaria. In alcune istituzioni educative e società amatoriali, classi disegno accademico mantenuto al minimo. Ma se in futuro vuoi creare non alcune cose astratte "per te stesso", ma veri e propri dipinti - nature morte, ritratti, paesaggi - allora non devi risparmiare alcuno sforzo per comprendere l'alfabetizzazione visiva.
Cosa viene insegnato durante il corso?
Durante le lezioni di disegno accademico, imparerai:
leggi della prospettiva;
capacità di disporre gli oggetti su un foglio di carta;
la capacità di riflettere correttamente le proporzioni;
l'arte di disporre luci e ombre e di trasmettere la consistenza degli oggetti.
Nelle tue prime lezioni imparerai a rappresentare figure volumetriche- cubo, cilindro, palla. Allo stesso tempo, padroneggerai le tecniche del chiaroscuro. Come cade la luce, dove si trova l'ombra più profonda, come applicare correttamente l'ombreggiatura: padroneggiare queste abilità ti aiuterà a rappresentare gli oggetti nel modo più realistico. I compiti diventeranno sempre più difficili, perché nella vita circostante non si trovano forme geometriche corrette. Chiaroscuro sarà in prima linea. Senza di esso, è impossibile trasmettere né il volume né la trama degli oggetti. In precedenza, ci volevano anni per padroneggiare la scienza. Oggi, grazie a metodi di insegnamento sviluppati, è possibile acquisire le conoscenze necessarie poco tempo.
Miti
Spesso i miti impediscono agli artisti principianti di iniziare corsi di disegno accademico. Dovrai lavorare secondo uno schema chiaro. Non sono ammesse esibizioni amatoriali. Sì, all'inizio ti verrà insegnato come disegnare le forme geometriche più semplici. Ma, avendo padroneggiato le conoscenze e le abilità di base, sarai in grado di rappresentare gli oggetti circostanti, creando le tue composizioni. È difficile imparare il disegno accademico; ci vuole talento. In effetti, devi solo avere determinate conoscenze ed essere in grado di applicarle nella pratica.
Tuttavia, è meglio padroneggiare la scienza non da soli, ma sotto la guida di un insegnante. Spiegherà, mostrerà e aiuterà a evitare errori. Devi studiare per molti anni, altrimenti non funzionerà nulla. Le conoscenze di base possono essere acquisite in breve tempo. Ci vorranno diverse sessioni per afferrare i principi di base. Quanto tempo e impegno dedichi a ulteriori miglioramenti dipende solo da te. Il processo di apprendimento del disegno accademico è noioso. Quando disegni forme geometriche, dovrai mostrarti studente attento e premuroso. Quanto più velocemente e con successo padroneggi le abilità, prima puoi passare all'eccitante processo creativo.
Materiali per il lavoro
Gli strumenti principali nelle lezioni di disegno accademico saranno matite semplici. Per trasmettere correttamente le sfumature chiare e scure, la trama degli oggetti - i conduttori devono avere una durezza diversa.
Avrai bisogno di matite dure (lavorare alla luce), medie morbide (mezzitoni) e morbide (ombre). Per schizzi e schizzi vengono utilizzate matite molto morbide. Avrai anche bisogno di un coltello affilato per affilare le mine, 2 gomme da cancellare: una morbida e una più dura. Un tablet o una lavagna e anche pulsanti per fissare la carta. La carta utilizzata nelle lezioni è la carta da disegno; è utile anche per un artista alle prime armi avere un blocco da disegno.
In aiuto lezioni pratiche con gli insegnanti puoi studiare letteratura speciale. Uno di migliori libri per artisti principianti - "Fondamenti di disegno accademico educativo" di Nikolai Lee. La pubblicazione esamina in dettaglio la teoria e le questioni pratiche dell'alfabetizzazione visiva. Vengono assegnati incarichi di insegnamento sul disegno accademico. Inoltre, sono disposti in sequenza, dal semplice al complesso.
Dopo aver studiato attentamente il libro, il lettore acquisirà familiarità con le basi della composizione, riceverà le informazioni necessarie sulla prospettiva e le proporzioni, comprenderà le basi del chiaroscuro e avrà un'idea dell'anatomia. Svilupperà concetti volumetrico-spaziali e, a seguito del completamento degli esercizi, miglioreranno le capacità grafiche. Il libro di testo sarà di grande beneficio diverse categorie di lettori- e studenti università d'arte e per studenti di scuole specializzate e solo dilettanti. Non aver paura di iniziare un corso di disegno accademico. La pazienza e la perseveranza daranno sicuramente risultati.
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Gli studenti delle scuole d'arte secondarie e superiori sanno in prima persona cos'è il disegno accademico, perché di solito è incluso nel curriculum. Questo è completamente separato e può essere classificato come educativo. Anche i pittori esperti lo utilizzano nelle loro opere, ma come bozzetto che prepara un dipinto più grande e importante.
Non dovresti pensare che sia facile disegnare; qui devi mostrare tutta la tua abilità, mostrare l'arte dello schizzo, trasmettere il volume su un piano. Di solito è accademico, ma sono possibili eccezioni. Ad esempio, a volte il maestro sceglie un materiale come seppia, carbone o sanguigna. Sono più difficili da disegnare rispetto a matita di grafite, poiché tutti questi materiali richiedono destrezza e abilità nel lavoro. Inoltre, se si disegnano tratti errati, non è più possibile cancellare il carboncino.
Il disegno accademico viene eseguito su carta bianca o colorata. Nel primo caso, di più ombra leggera viene considerata la foglia e il più scuro è il tono ricco della matita. Sulla carta colorata, vengono utilizzati pastelli leggeri per aggiungere riflessi al disegno. La variazione dei toni dal più chiaro al più scuro dipende dall’abilità dell’artista e dalla capacità di utilizzare i materiali.
A seconda dell'ambientazione, sono diverse le tipologie in cui si divide il disegno accademico: ritratto, figura vestita o nuda, torso, busto, mani, diverse posizioni della figura. Lo schizzo dell'immagine avviene gradualmente, ma non da un angolo all'altro: parti dell'immagine vengono raffigurate contemporaneamente, semplicemente nel tempo vengono dettagliate, perfezionate e acquisiscono il tono desiderato e più saturo.
Il disegno accademico ha diverse fasi. Innanzitutto l'artista deve realizzare uno schizzo per rappresentare approssimativamente il risultato finale dell'opera futura. Un rapido schizzo ti permetterà di capire come posizionare il lenzuolo, scegliere le giuste proporzioni, la direzione del movimento del soggetto, il rapporto dei piani, ecc. Quindi puoi iniziare a disegnare per catturare il carattere del ritratto o il movimento della figura, stabilire le proporzioni e la direzione di base.
La fase successiva è la costruzione di piani, volumi, figure, prospettive. Per ritrarre in modo credibile una persona, è necessario conoscere l'anatomia del corpo, conoscere la direzione e la posizione dei muscoli. È inoltre necessario rappresentare i piani in cui si trova la figura. L'ultima fase finale è l'ombreggiatura. Qui l'artista non deve solo scegliere il tono giusto, ma anche la direzione del tratto, il suo tipo e lo spessore. Il tratteggio consente di rappresentare oggetti più vicini o più lontani, in posizione orizzontale o verticale, per creare ombre e luci.
Il disegno accademico è stato introdotto nel curriculum di molte istituzioni artistiche, perché consente allo studente di imparare a trasmettere su carta in modo rapido e chiaro i più piccoli dettagli del soggetto, del suo carattere, della posa e dei movimenti. Se una persona può posare per diverse ore, il che gli consente di essere studiata in dettaglio, gli animali o gli uccelli devono essere disegnati molto rapidamente. Questa tecnica di disegno sviluppa l’immaginazione e l’ingegno dell’artista e insegna l’uso di vari materiali.