Rokotov, Fedor Stepanovitš. Portree A.P. Struyskoy. 1772. Tretjakovi galerii
Lõuend, õli. 59,8 x 47,5

Portree naine näib väljuvat pimedusest; Ainult ilmekad silmad on selgelt piiritletud – säravad, pilkupüüdvad. Eriti edukas Struyskaja portree puhul on silmad alati huvitavad Rokotovi portreedel. Need väljendavad erinevaid tundeid, on alati eriti eredad ja moodustavad portree keskpunkti. Nad räägivad isegi "Rokotovi silmadest" kui erilisest "oskusteabest".
Portree maaliti Aleksandra Petrovna abikaasa Nikolai Struiski tellimusel. Samal ajal maalis Rokotov ka Nikolai Struiski enda portree. Samal viisil teostatud Nikolai Struisky on endiselt palju vähem tuntud. Seda portreed saab näha ka Tretjakovi galeriis, teises ruumis.
Arvatavasti telliti paari portreed pulmadeks ja sel juhul pole Alexandra Struyskaya portreel vanem kui 18 aastat.
Rokotov jäi Struiskide perekonna sõbraks pikkadeks aastateks ja Nikolai Struiski oli peaaegu ainus Rokotovi talendi austaja ja oli esimene, kes kogus tema teoste kollektsiooni.
Nikolai Struiskist räägitakse palju vastuolulisi lugusid. Kirglikult maalimise ja kirjanduse vastu ning kirjastamisega tegeledes jäi ta ikkagi oma majapidamises türanniks ja pärisorjade jaoks türanniks.
Muide, "kummaline härrasmees" pidas end luuletajaks ja pühendas oma jumaldatud naisele hulga kohmakaid, mahukaid luuletusi. Irooniline, et ükski neist ei läinud ajalukku, kuid õpikuks sai luuletus, mis ei pühendatud kaunitarile endale, vaid Rokotovi portreele.
See on kuulus Nikolai Zabolotski “portree”, mis on kirjutatud 20. sajandil pärast kõigi kolme tegelase – kunstniku ja tema mõlema modelli – surma.
Armasta maalimist, luuletajad!
Ainult tema, ainus, antakse
Muutuvate märkide hinged
Ülekanne lõuendile.
Kas mäletate, kuidas mineviku pimedusest
Vaevalt satiini mähitud,
Jälle Rokotovi portreest
Kas Struiskaja vaatas meid?
Ta silmad on nagu kaks udu,
Pool naeratus, pool nutta,
Tema silmad on nagu kaks pettust,
Pimedusega kaetud ebaõnnestumised.
Kahe mõistatuse kombinatsioon
Pool rõõm, pool hirm,
Hullu õrnushoog,
Surmava valu ootus.
Kui saabub pimedus
Ja torm läheneb
Mu hingepõhjast nad virvendavad
Tema ilusad silmad.

Borovikovski Vladimir Lukitš
M. I. Lopukhina portree
1797
Lõuend, õli
72 x 53,5

"Ta läks ammu mööda ja neid silmi pole enam
Ja see naeratus, mida vaikselt väljendati
Kannatus on armastuse vari ja mõtted kurbuse vari,
Kuid Borovikovsky päästis tema ilu.
Nii et osa tema hingest ei lennanud meist minema,
Ja seal on see välimus ja see keha ilu
Et meelitada tema juurde ükskõikseid järglasi,
Õpetage teda armastama, kannatama, andestama, vaikima"
(Ja. Polonsky)

Borovikovskil on salapärane asi – M. I. Lopuhhina portree, kahtlemata tema parim töö, meistriteos. Esiteks torkab silma see valgus, millega naise kuju on üle ujutatud, nagu T. Alekseeva täpselt märkis, „neelab värvi heleduse“ ja värvilaigud (kasutagem tema märkust, mis aga puudutab; Teine Borovikovski portree) tekivad "justkui õhu sügavusest". Lopukhina on sellesse õhuvoolu sukeldatud.
Nagu ikka Borovikovsky puhul, on ta valges kleidis ja värviline sall, nagu ikka, veidi paremale nihutatud, et näeksime maastikku. Ta on omakorda veidi flirtiv, äärmiselt iseseisev ja suveräänne ning näeb välja väljakutsega. Aga see valgus, mis libiseb üle noore näo, need lendlevad lokid, need nii õrnalt kontuuritud huuled (need lihtsalt ei värise) – kõik selles kütkestavas näos on täis pehmust ja lüürilisust – seesama kergeusklikkus, mis äratab täieliku usalduse. Kuid kerguse, lüürilisuse ja usalduse tunne kaob korraga, niipea kui talle silma vaatate - neis on viinamarja tihket rohelust. Ei, veelgi enam: nad on võõrandunud, peaaegu vaenulikud. Igal juhul on barjäär veelgi selgem ja teravam kui Rokotovi mudelitel. Lopukhina nägu on kujutatud nii realistliku oskusega ja ometi osutub kõrgeimaks reaalsuseks tundmatu sügav kogemus, mille kohta me aimame (mida täpsemalt üritame lahti harutada). Ükskõik kui erinevad mõlemad kunstnikud ka poleks, isegi polaarsed, oma maalimaneerilt, stiililt, modelli suhtes, suhtumises maailma, on neil siiski oma. parim asi Borovikovski saab Rokotoviga lähedaseks ning lähenemise ühisosaks osutub lähedus tundmatule ja loori tunne.
Tšaikovskaja O.G. “Nagu uudishimulik sküüt...”: 18. sajandi teise poole vene portree ja mälestused. - M.: Raamat, 1990. Lk 267.
(

Valentin Aleksandrovitš Serov
Tüdruk, keda valgustab päike (M.Ya. Simonovitši portree)
Lõuend, õli. 89,5x71 cm.
osariik Tretjakovi galerii, Moskva.

Kunstnikule poseeris tema nõbu Maria Jakovlevna Simonovitš (1864-1955). Kompositsiooni originaalsus väljendub selles, et makett on paigutatud puude võra alla. Serov annab mängu edasi murdosa löökidega päikesekiired, värelevad värvilised varjud. Soojad õrnad kiired ei häiri noore kangelanna lummavat olekut. Tema lõdvestunud poos suurendab muljet lahustumisest kerges peegelduses ja vikerkaaresähvatustes. Ainult tüdruku nägu, valge pluus ja käed on kaetud värviliste impressionistlike refleksidega ning figuuri raamivad detailid on maalitud tumedates toonides. Hämmastav on kunstniku oskus modelli silmade kujutamisel, millest paistab vaikne valgus voogavat. Nii tekib kujutlus päikesevalguse ja inimhinge valguse läbitungimisest.

Somov Konstantin Andrejevitš
(1869-1939)
E. P. Nosova portree. 1911. aastal
Lõuend, õli. 138,5 x 88 cm
Riiklik Tretjakovi galerii

1910. aastal, päevil, mil Somov Moskvasse saabus ja Euphemia Pavlovna Nosova portree kallal tööd alustas, kirjutas ta kirjades: "Blond, kõhn, kahvatu näoga, uhke välimusega ja väga elegantne, hea maitse kus".
On teada, et Evfemia Pavlovna oli ühe Rjabushinsky tütar, kuulsad kaupmehed ja kolmanda põlvkonna töösturid, otsesed osalised eesotsas arhitekt Shekhteliga Vene juugendstiili arendamisel. Ta on sündinud 1883. aastal (märgitud on ka 1881, kuid küsitav on surmaaasta). Igal juhul raamatus “K.A. Kunstniku maailm. Kirjad. Päevikud. Kaasaegsete hinnangud." Moskva, 1979, mida ma samal 1979. aastal käes hoidsin, teatati, et E. P. Nosova elab Roomas.
Portree telliti Somovilt, kes tuli Moskvasse maalima G. L. Girshmani portreed, ilmselgelt seoses tulevaste või möödunud pulmadega, samal 1910. aastal. Sünni- ja surmakuupäevaga ollakse siiani täiesti eriarvamusel. Kui Evfemia Pavlovna (nimi vanausuliste suguvõsast pärit vanaemalt) sündis 1883. aastal, siis on kummaline, et ta abiellus alles 27-aastaselt. Ta õppis muusikat ja maali, tundis huvi teatri vastu ja unistas ehk lavast? Kuid teiste allikate kohaselt sündis ta 1881. aastal ja suri 1970. Niisiis, ta abiellus alles 29-aastaselt? Kas see on ilus ja rikas pruut?
Samuti on andmeid sündide ja surmade kohta: 1886-1976. Isegi päevad ja kuud on märgitud. Need tunduvad olevat kõige ustavamad. Ta abiellub 24-aastaselt ja me näeme noort naist, kes on tema elus pöördepunktis, uhke ja kangekaelne oma nooruses. Minu mainitud raamat oli trükkimiseks valmis kaks-kolm aastat enne ilmumist, kui mitte varem, siis plaani järgi ilmusid sel ajal raamatud ja Evfemia Pavlovna võis endiselt Roomas elada.
Ja tema Somovi portree sattus koos kollektsiooniga Tretjakovi galeriisse, kuhu ta selle 1917. aastal ladustamiseks andis. Tema kollektsiooni kuulusid Rokotovi maalid, kes olid tol ajal kõigi poolt täiesti unustatud, Borovikovsky, Kiprensky, Venetsianov. Kummaline, ma ei mäleta, kas nägin Tretjakovi galerii seinte vahel E. P. Nosova portreed? Ma ei pruugi kunstnikust veel midagi teada, kuid tema modelli ilu tõmbaks kindlasti minu tähelepanu.
Somov kirjutas: “Ta istub valges satiinkleidis, kaunistatud musta pitsi ja korallidega, see on pärit Lamanovast, tal on kaelas 4 pärlipaela, juuksed on hingematvad... nagu oleks seal mingi tohutu mardikas peas." Raamatu reproduktsioonist on näha: Evfemia Pavlovna on tõesti erakordne modell. Ja seda mitte ainult jõukuses, vaid ka stiilis, vene juugendstiili laps, selle elav eeskuju ja mitte dekadentsi vari, vaid elujaatuse ilu ja jõud.
Somov kirjutas: "Karbis oli Nosova, kes oli riietatud hingematvalt, erksinine satiinkleit, tikitud pärlmutterlillede siididega, roosade tülli õlgadega, Riviera kaelal pikkade rippuvate suurte teemantiotstega. trühvlid, mida ühendavad teemandid...”
Euphemia Pavlovna, seltskonnadaam ja vene maalide kollektsionäär XVIII kunstnikud - XIX algus sajandeid, 27 aastat vana. Mõelgem 24. Naiste ilu parimaks vanuseks, mil küpses naiselikkuses on veel näha noorust, kuid mitte kergemeelsuse ega edevuse vari, vaid läbimõeldud tõsidus ja erakordse isiksuse kõige loomulikum uhkus.
«Ta on väga ilus. Aga mis piin ta kleit on, välja ei tule midagi...” - langeb kunstnik otse meeleheitesse. Kuid päevast päeva säravale kaunitarile poseerimine pole lihtne ülesanne. Samuti tuleb märkida, et Lamanova kleit ei olnud tema jaoks lihtne. Mitte hinna pärast. Nadežda Pavlovna Lamanova (1861-1941) lõi kleidid kunstiteosena ja mitte üldiselt, vaid modellile, liikudes mannekeenist elav modell, muutmine ja töötlemine, nagu maalikunstnik, viib ta sageli minestamiseni. Daamid kannatasid selle välja, sest teadsid: see kulub ära, aga kleit tuleb välja nagu Pariisist tulnud. IN ajalooline perspektiiv selgelt - parem kui Pariisist.
Somov märgib: "Tunnistasin Ninale oma ebaõnnestumise, ta turgutab mind, ütleb, et on kangekaelne ja kannatlik."
Kuna tal oli kunstiline maitse, teadis ta: nii Lamanova kleit kui ka tema Somovi portree on meistriteosed ning ta saavutas kangekaelselt ja kannatlikult omalt poolt sama, mis need kunstnikud, igaüks omas sfääris ja tema sfääriks oli elu ise. selle kõrgeimad ilmingud.
Alati iseendaga rahulolematu, töö käigus alati meeleheitel Somov töötas hoolsalt seal, kus teised poleks leidnud, mida muud teha saaks, ja lõi midagi ainulaadset. Portree valmis 1911. aastal. Huvitava hinnangu annab Mihhail Nesterov, kes Moskvas tuntud kaunitari, Vaba Esteetika Seltsi koosolekutel osalejat justkui polekski näinud.
M. Nesterovi kirjast 3. märtsist 1911 (Moskva):
"Noh, et oma kirjutamist väärikalt lõpetada, räägin teile uuest suurest Somovi portreest koos teatud Nosovaga, mis on siin kunstimaailmas eksponeeritud - siin, vend, on tõeline meistriteos! - kauaoodatud töö, mille kallal lõõgastute. See on nii hingestatud, vaoshoitud ja üllas, meisterlikult viimistletud. See pole Levitski ega Kramskoy, vaid midagi, mis on ilu poolest lähedane esimesele ja tõsiduse poolest teisele. Mehest kasvas kohe väga suur meister.»
Kunstnik näeb ennekõike kunstniku loomingut, ometi on selge: edu aluseks on erakordne modell, kes tunneb huvi kunsti, eriti vene keele vastu. maali XVIII- 19. sajandi algus. Ja renessanss Itaalias.
Evfemia Pavlovna, abiellunud tekstiilitootja poja V. V. Nosoviga, asus elama Vvedenskaja väljakul asuvasse häärberisse, mille interjööre muudeti kohe tema maitse järgi. Ta meelitas oma idee juurde kuulsaid arhitekte ja kunstnikke, isegi Valentin Serovit, kellega ta väidetavalt läbi ei saanud ja tõenäoliselt suri ta peagi, ning saatis isegi Mstislav Dobužinski Itaaliasse, ilmselt külastama seal, kus ta juba oli. , ja ta Naastes lõi ta fresko Cosimo de Medici palees nähtute vaimus: koobalti taustal kullastusega reprodutseeritakse mütoloogiline süžee, kuhu on lisatud hoone omanike portreed. häärber. Nad räägivad neoklassitsismist, kui siin ilmneb sama renessansi esteetika, nagu Sandro Botticelli.
Häärberi interjööri muudatused, renessansi vaimus fresko loomine käis paralleelselt Somovi tööga Lamanova kleidis E. P. Nosova portree kallal, mis ajendas kunstnikku kujunduse ja värvide klassikalise selgusele, jäädvustades. kogu põnevus tema modelli romantilise elevuse ja juugendstiili ajastust. Tõepoolest, meistriteos, vene kunsti maailma meistriteos. Somovil pole midagi sellist. Puhas klassika tema romantiliste fantaasiate seas.
Peter Kiele

Serebryakova Zinaida Evgenievna. WC taga. Autoportree. 1909.
Riiklik Tretjakovi galerii, Moskva
Lõuend papil, õli.
75x65 cm

Kompositsioon esitatakse peegeldusena peeglis, mis on autoportree žanri jaoks traditsiooniline. See tehnika toob intiimsuse puudutuse ja loob samal ajal vajaliku irdumise. Näib, et kunstnik oma hommikutualetis vaatab end väljastpoolt, nagu poseeriv modell. „Läbi klaasi” motiiv ei tekita salapära. Isegi küünlad, mis tavaliselt sümboliseerivad maalikunstis aja mööduvust, näivad pildi eredas atmosfääris oma tähenduse unustavat. Ruumi ruum on täidetud varjunditega valge. Soojus õhkub kangelanna tohututest läikivatest pruunidest silmadest ja sõbralikust näost. Käed ja juuksed raamivad nägu. Maalimise atribuutika asemel on tualettlaual naiseliku ilu atribuutika. Serebryakova ei demonstreeri kuidagi oma kaaskunstnike hulka kuulumist. Jääb tunne, et autoportree on kirjutatud lähedastele pereringis olevatele inimestele.

ALTMAN Nathan Isaevich (1889-1970)

"...Altmani rabas tema välimus, suurepärane võime kanda oma äkilise kuulsuse koormat, mis juba andis sellele noorele naisele, tema eakaaslasele, midagi kuninglikku. Kui Altman palus Ahmatoval endale poseerida, oli ta nõus, kuigi oli juba vapustava Modigliani joonistuse omanik, mida aga Altman ei näinud: Lev Gumiljovi noor naine Anna Andreevna ei saanud seda kellelegi näidata Kuulus portree ilmus hiljem, kui algasid pikad seansid Vassiljevski saarel asuvas pööningutöökojas, kus Anna Ahmatova elas lähedal asuvas "möbleeritud majas New Yorgis", nagu Akhmatova hiljem meenutas. või möbleeritud tubades “Prince's Court”, nagu Altman ise meenutas. futuristlik ajastu, mis on sarnane linnarütmiga; kirjutas oma enesekindlusse, tervisesse, figuuri peaaegu akrobaatilisesse painduvusse. Igal portreel on oma alltekst ja varjatud draama. Ja võib vaid oletada, mis motiivid sundisid Altmani Ahmatova kuvandit ümber mõtlema. Selle portree maalimise ajal elas Anna Andrejevna üksi Peterburis, lahkudes Tsarskoje Selost ja Gumiljovi majast. Saabus tema viimane vaheaeg Gumiljoviga ja justkui oleks algamas uus elu, ta koges uue sündimise tunnet ja ilmselt polnud tal endal aimugi, kuidas see välja näeb. Vähemalt selle järelduse võib teha Ahmatova luuletustest selle tema portree kohta:

Nagu peeglisse, vaatasin murelikult
Hallil lõuendil ja iga nädalaga
Sarnasus muutus aina kibedamaks ja kummalisemaks
Minu oma uue pildiga...

See on üks parimad portreed Altman, üks neist, kus tema kirg kombineerida kokkusobimatut tekitas ootamatu efekti. Kui jätta välja lüüriline alltekst, siis on Ahmatova portree tüüpiliselt ilmalik portree ja samas avangardportree. Sellises stiilide segus on nii teravust kui ka esteetilist õigustust. Ahmatova portree sai sensatsiooniks ühel Peterburi kunstinäitusel 1915. aastal. Kuulus kriitik L. Bruni kirjutas, et “see pole asi, vaid verstapost kunstis”... Altmani portree vägi mitte ainult ei tsementeerinud Ahmatova kuvandit tema kaasaegsete teadvuses, vaid osutus palju aastaid hiljem hüpnootiliseks. kui temast olid juba teised portreed olemas ja Akhmatova ise oli juba teine. Portree jäi meelde isegi viis aastat pärast selle ilmumist: "Ma tunnen sind ja armastan sind päevast, kui nägin teie Ahmatova portreed," kirjutas Vjatš. Ivanov kunstniku albumis 1920. aastal. Nad mäletasid seda isegi kakskümmend aastat hiljem. M.V. Alpatov, kes nägi Akhmatovat esimest korda 30ndatel, meenutas sama portreed: "Sel hetkel avanes uks ja ta ise sisenes tuppa, vaikselt ja kergelt, nagu oleks ta Altmani portreelt välja astunud." Huvitav on see, et Akhmatovale endale ei meeldinud Altmani portree, korrates ikka ja jälle, et talle ei meeldi Altmani portree "nagu mis tahes stilisatsioon kunstis". Ta oli sallimatu mütoloogiline pilt", mis võttis kuju tagasi 1910. aastatel ja mis järgnes Ahmatovale kogu tema elu, kuigi tema enda saatus ei kujunenud sugugi selle portree järgi."
(

Marina Tsvetaeva “Anna Ahmatova”
Kitsas, mitte-vene laager -
Köidete kohal.
Sall Türgi maadest
Langes nagu mantel.

Teid antakse üle ühele
Katkine must joon.
Külm - lõbusalt, kuumus -
Sinu meeleheites.

Kogu su elu on jahe,
Ja kuidas see lõpeb?
Pilves – tume – otsmik
Noor deemon.

Igaüks maisest
Sinu jaoks on see tühiasi mängida!
Ja relvastamata salm
Sihib meie südameid.

Hommikul unisel tunnil,
- Tundub veerand viis, -
Ma armusin sinusse
Anna Ahmatova.

Vene maalikunst eristub maailmast õigustatult kunstilised kunstid. Fakt on see, et kuni XVII sajandini kodune maalimine oli eranditult seotud religioosne teema. Olukord muutus reformeeriva tsaari Peeter Suure võimuletulekuga. Tänu tema reformidele hakkasid vene meistrid tegelema ilmaliku maaliga ja ikoonimaal eraldus omaette suunana. Seitsmeteistkümnes sajand on selliste kunstnike nagu Simon Ušakov ja Joseph Vladimirov aeg. Seejärel tekkis portreekujundus Venemaa kunstimaailmas ja sai kiiresti populaarseks. Kaheksateistkümnendal sajandil ilmusid esimesed kunstnikud, kes lahkusid portree maalimine maastikule. Kunstnike väljendatud sümpaatia talviste panoraamide vastu on märgatav. Kaheksateistkümnendat sajandit mäletati ka igapäevase maalikunsti tekke poolest. 19. sajandil kogusid Venemaal populaarsust kolm liikumist: romantism, realism ja klassitsism. Nagu varemgi, pöördusid vene kunstnikud jätkuvalt portreežanri poole. Just siis ilmusid O. Kiprenski ja V. Tropinini maailmakuulsad portreed ja autoportreed. 19. sajandi teisel poolel kujutasid kunstnikud üha enam tavalist vene rahvast rõhutud olekus. Realism muutub selle perioodi maalikunsti keskseks liikumiseks. Just siis ilmusid rändkunstnikud, kes kujutasid ainult päris, päris elu. Kahekümnes sajand on muidugi avangard. Tolleaegsed kunstnikud mõjutasid oluliselt nii oma järgijaid Venemaal kui ka kogu maailmas. Nende maalidest said abstraktse kunsti eelkäijad. Vene maal on tohutu imeline maailm andekad kunstnikud kes ülistasid oma loominguga Venemaad

Väljaanded jaotises Muuseumid

Kaunitaride saatused kuulsad portreed

Tunneme neid nägemise järgi ja imetleme nende ilu parimas nooruses. Aga kuidas need naised pärast maali valmimist elasid? Mõnikord osutub nende saatus üllatavaks. Mälestades Sofia Bagdasarovaga.

Sarah Fermor

JA MINA. Višnjakov. Sarah Eleanor Fermori portree. Umbes 1749–1750. Vene muuseum

Višnjakovi maal on üks ilusamaid vene rokokoo näiteid ja üks kuulsamaid keisrinna Elizabeth Petrovna ajastu portreesid. Eriti muljetavaldav on kontrast 10-aastase tüdruku lapseliku sarmi ja selle vahel, et ta püüab teha kõike "nagu täiskasvanu": võtab õige poosi, hoiab etiketi järgi lehvikut, hoiab hoolikalt oma kehahoia. õukonnakleidi korsett.

Sarah on Vene teenistuses venestatud šotlase kindral Willim Fermori tütar. Just tema võttis meile Königsbergi ja kogu Ida-Preisimaa ning ehitas riigiteenistuses pärast tulekahju uuesti üles klassikalise Tveri sellisel kujul, mis meid praegu rõõmustab. Sarah' ema oli samuti pärit Šoti perekonnast - Bruces'ist ja kuulsa Jacob Bruce'i vennatütar, "Nõia Sukharevi tornist".

Saara abiellus tol ajal hilja, 20-aastaselt oma eakaaslase Jacob Pontus Stenbockiga, Rootsi krahviperekonna esindajaga (sealt oli pärit isegi üks Rootsi kuninganna). Stenbockid olid selleks ajaks kolinud Venemaa Eestisse. Paar elas ausalt öeldes päris hästi: piisab, kui öelda, et nende Tallinna palees asuvad praegu Eesti peaministri ruumid ja valitsuse istungite ruum. Saarast sai mõnede märkide kohaselt üheksa lapse ema ja ta suri keiser Aleksander I ajal - kas 1805. aastal või isegi 1824. aastal.

Maria Lopukhina

V.L. Borovikovski. Portree M.I. Lopukhina. 1797. Tretjakovi galerii

Borovikovski maalis palju portreesid vene aadlikest, kuid see on kõige võluvam. Selles rakendatakse kõiki meistri võtteid nii osavalt, et me ei märkagi täpselt, kuidas meid nõiutakse, kuidas luuakse selle noore daami võlu, kellele peaaegu sada aastat hiljem pühendas Jakov Polonski luule (“... kuid Borovikovsky päästis ta ilu”).

Lopukhina on portreel 18-aastane. Tema kergus ja pisut üleolev pilk näivad olevat kas tavaline poos sellise sentimentalismiajastu portree jaoks või märgid melanhoolsest ja poeetilisest meelelaadist. Kuid me ei tea, milline ta iseloom tegelikult oli. Pealegi, selgub, et Maria oli oma trotsliku käitumise poolest tuntud Fjodor Tolstoi (ameeriklane) õde. Üllataval kombel, kui vaadata tema venna portreed tema nooruspõlves (L. N. Tolstoi Riiklik Muuseum), näeme sama imposantset ja pingevaba viisi.

Portree tellis tema abikaasa Stepan Lopukhin vahetult pärast pulmi. Lopukhin oli Mariast 10 aastat vanem ning pärit rikkast ja üllast perekonnast. Kuus aastat pärast pildi maalimist suri tüdruk tarbimise tõttu. Kümme aastat hiljem suri ka tema abikaasa. Kuna nad olid lastetud, päris maali Fjodor Tolstoi ainus ellujäänud tütar, kellelt Tretjakov selle 1880. aastatel ostis.

Giovannina Pacini

K.P. Brjullov. Rattur. 1832. Tretjakovi galerii

Bryullovi “Horsewoman” on hiilgav tseremoniaalne portree, milles kõik on luksuslik - värvide heledus, kardinate hiilgus ja modellide ilu. Vene akadeemilisusel on, mille üle uhkust tunda.

Sellele on kirjutatud kaks tüdrukut, kes kandsid perekonnanime Pacini: vanim Giovannina istub hobuse seljas, noorem Amatzilia vaatab teda verandalt. Kuid kas neil oli õigus sellele perekonnanimele, pole siiani selge. Maali tellis tema kauaaegsele kallimale Karl Brjullovile nende lapsendaja ema, krahvinna Julia Samoilova, üks kõige ilusamad naised Venemaa ja Skavronski, Litti ja Potjomkini kolossaalse varanduse pärija. Esimesest abikaasast lahkununa läks Samoilova elama Itaaliasse, kus nii Rossini kui ka Bellini külastasid tema salongi. Krahvinnal polnud oma lapsi, kuigi ta abiellus veel kaks korda, üks kord noore ja nägusa mehega Itaalia laulja Peri.

Kõrval ametlik versioon, Giovannina ja Amazilia olid õed - ooperi “Pompei viimane päev” autori, helilooja Giovanni Pacini, krahvinna sõbra (ja kuulujuttude järgi armukese) tütred. Ta võttis nad pärast mehe surma oma koju. Dokumentide järgi otsustades oli Pacinil aga ainult üks tütar, tüdrukutest noorim. Kes oli vanim? On olemas versioon, et ta sündis väljaspool abielu sama tenori Peri, Samoilova teise abikaasa õe poolt. Või oli krahvinnal ja tüdrukul lähedasem suhe perekondlik side... Ega asjata hakati “Ratsunaist” esmakordselt pidama krahvinna enda portreeks. Suureks saades abiellus Giovannina Austria ohvitseri, kapteniga husaarirügement Ludwig Aschbach ja läks temaga Prahasse. Samoilova garanteeris talle suure kaasavara. Kuna aga krahvinna läks vanas eas pankrotti (kolmandale abikaasale, prantsuse aristokraadile pidi ta maksma tohutult alimente), korjasid mõlemad “tütred” lubatud raha vanaproua “emalt” advokaadi vahendusel sisse. Samoilova suri Pariisis vaesuses, kuid tema õpilaste edasine saatus on teadmata.

Elizaveta Martõnova

K.A. Somov. Daam sinises. 1897–1900. Tretjakovi galerii

Somovi “Lady in Blue” - üks maalikunsti sümbolitest Hõbedaaeg, kunstikriitik Igor Grabari sõnadega – “Meie aja La Gioconda”. Nagu Borissov-Musatovi maalidel, ei ole siin mitte ainult ilu nautimine, vaid ka mõisniku Venemaa hääbuva võlu imetlemine.

Portreel Somovile poseerinud Elizaveta Martõnova oli ilmselt üks kunstniku vähestest naisarmastustest. Kunstnik kohtus temaga, arsti tütrega Keiserlikus Kunstiakadeemias õppides – ta oli 1890. aastal, kui naistele lubati esimest korda sellesse õppeasutusse astuda. Üllataval kombel tundub, et Martõnova enda teoseid pole säilinud. Tema portreesid ei maalinud aga mitte ainult Somov, vaid ka Philip Malyavin ja Osip Braz. Temaga koos õppis Anna Ostroumova-Lebedeva, kes märkis oma memuaarides juhuslikult, et kuigi Martõnovat kirjeldati alati kui pikka ja uhket kaunitari, oli ta tegelikult vertikaalselt vaidlustatud. Kunstniku iseloom oli emotsionaalne, uhke ja kergesti haavatav.

Somov maalis teda mitu korda: 1893. aastal akvarelliga profiilis, kaks aastat hiljem pliiatsiga ja 1897. aastal lõi ta temast väikese õlivärvi portree taustal. kevadine maastik(Astrahani kunstigalerii). Ta lõi sama pildi katkendlikult kolm aastat: kaks neist veetis kunstnik Pariisis ja Martõnova asus pikaks ajaks Tirooli elama, et ravida kopsuhaigust. Ravi ei aidanud: umbes neli aastat pärast maali valmimist suri ta umbes 36-aastaselt tarbimise tõttu. Ilmselt polnud tal perekonda

Galina Aderkas

B.M. Kustodijev. Kaupmehe naine teed joomas. 1918. Vene muuseum

Kuigi Kustodijevi “Kaupmehe naine tee ääres” on kirjutatud revolutsioonijärgsel 1918. aastal, on see meie jaoks tõeline illustratsioon helgest ja hästi toidetud Venemaalt, kus on laadad, karussellid ja “pransuse leiva krõmps”. Pärast revolutsiooni Kustodiev oma lemmikteemasid siiski ei vahetanud: elu lõpuni aheldatud inimese jaoks ratastool, sai sellest eskapismi vorm.

Sellel portreepildil poseeris kaupmehe naisele Galina Aderkas, naturaalne paruness perekonnast, mille ajalugu ulatub 13. sajandi Liivimaa rüütlini. Üks parunesse von Aderkas oli isegi Anna Leopoldovna õpetaja.

Astrahanis oli Galja Aderkas Kustodijevite majakaaslane kuuendalt korruselt; Kunstniku naine tõi tüdruku stuudiosse pärast värvika modelli märkamist. Sel perioodil oli Aderkas väga noor, arstiteaduse esimese kursuse üliõpilane. Ja ausalt öeldes näeb tema figuur visanditel palju õhem ja mitte nii muljetavaldav. Ta õppis, nagu öeldakse, kirurgiat, kuid kirg muusika vastu viis ta teise valdkonda. Huvitava metsosoprani omanik, in nõukogude aastad Aderkas laulis üleliidulise raadiokomitee muusikaringhäälingu direktoraadis vene koori koosseisus, osales filmide dubleerimisel, kuid erilist edu ei saavutanud. Ta abiellus ilmselt teatud Boguslavskyga ja võib-olla hakkas tsirkuses esinema. Puškini maja käsikirjade osakond sisaldab isegi käsitsi kirjutatud memuaare, mille autoriks on G.V. Aderkas, pealkirjaga “Tsirkus on minu maailm...”. Milline oli tema saatus 30ndatel ja 40ndatel, pole teada.

Üksikute detailide ja vene tikkijate kätega kootud mustrite motiivide kirjutamise täpsus või selged kaunistused nikerdatud tassidel ja kaussidel üllatab ja rõõmustab nii mineviku kui ka tänapäeva vaatajaid.

Luksuslikud pärlitega tikitud rõivad, hämmastavalt kaunid tolleaegsed peakatted, kaunid väärikate kaelakeedega kaunistatud bojaarid, brokaatkaftaanides bojaarid - kõiges on tunda, millise armastusega vene rahvusliku ilu ja kultuuri, meie esivanemate rikkaliku pärandi vastu, need pildid olid maalitud. Igaühe läheduses võite seista kaua - imetleda vene mustreid ja tunda uhkust ja samal ajal kurbust, kurbust, et palju on kadunud, pole säilinud ega säili ka tänapäeval. Seetõttu on sellised maalid, mis sisaldavad ainulaadseid tõendeid Vene maa kultuurist, meile eriti väärtuslikud.

Kunstnik Konstantin Makovski elulugu

Ja Konstantin Egorovitš, kes oli pärinud oma isa kire, kogus kõik vene iidse käsitöö meistriteosed, kuid need olid "ilusad antiikesemed". Osa asju sättis ta osavalt elutubades ja töökodades ning kasutas neid siis oma maalidel, teisi aga pani lihtsalt oma suures vanas eebenipuust kapis välja, et saaks siis imetleda ja imetleda Vene meistrite ilu ja oskusi.

Kamina karniisil seisid iidsed majapidamistarbed: hõbedased kulbid, tassid, pesualused, lehvikud – bojaariajast pärit esemed. Iidsed bojaarbrokaadist kostüümid, mitmevärvilised saradressid, pärlitega naastud käepaelad, pärlpitsiga tikitud kokoshnikud - kõike seda on näha kunstniku maalidel. Ja peale Konstantin Jegorovitši armastusega kogutud asjade osalesid tema maalides ka tema ümber kogunenud inimesed. Mõnikord mängiti välja stseene bojaarielust, mis seejärel kanti üle lõuendile. Ja see tekitas kahtlemata publiku elavat huvi, sest Makovski maalide kaudu said nad tuttavaks Venemaa ajaloo ja esivanemate kultuuriga.

Kunstniku tütar rääkis oma mälestustes, kuidas "... lavastati luksuslikke "elavaid pilte" bojaarielust...". Mõnikord oli nendele õhtutele kutsutud kuni 150 inimest, kelle hulgas oli iidsete perekondade esindajaid, kunstniku kujutatute järeltulijaid. Nad “...kavalalt ja kaunilt brokaadist ja sametist riietesse...”, et reprodutseerida neis kunstniku väljamõeldud stseeni. Nii ilmusid maalid - “Pulmapidu”, “Pruudi valik” ja paljud teised maalid.

Konstantin Makovski maalid

Vene vanavara kogumine K.E. Makovsky jätkas õppimist kogu oma elu. Vene meistrite meistriteoseid kogudes tutvus kunstnik Venemaa ajalooga ja sai neid imetledes innustust uutest ideedest. Nüüd äratavad tema maalid meis mitte ainult imetlust esivanemate rikkaliku pärandi vastu, vaid ka soovi kodumaa kohta üha rohkem teada saada.

Kirjanik E.I. rääkis, kuidas K.E. Makovsky kasutas oma kollektsiooni. Fortunato, kellel oli õnn olla tema modell.

K.E. Makovsky polnud ainult kunstnik. Suuremate ajaloolastega suheldes sai ta ise suureks spetsialistiks Vene antiigi alal. K.E. Makovski püüdis säilitada Venemaa kunstipärandit. Seetõttu pole juhus, et 1915. aastal astus temast Renessansi Seltsi liige kunstiline vene, mille peamiseks ülesandeks oli vene muinasaja säilitamine, uurimine ja propageerimine.

On kibe ja kurb, et kunstniku elus nii tähtsal kohal olnud üle poole sajandi kogutud kollektsioon, millest sai kogu vene kultuuri ajastu peegeldus, pannakse oksjonile vaid kuus kuud pärast tema surma. . Septembris 1915 sai K.E Makovski ühel Petrogradi tänaval löögi tänavaautolt. Raske peavigastuse saanud kunstnik suri kaks päeva hiljem. Äkksurm rikkus kõik mu plaanid...

Oksjonil oli nimekirjas üle 1000 eseme, osa neist läks pealinna muuseumidesse: Vene Muuseumi, Ermitaaž, Parun Stieglitzi Tehnikajoonistuskooli muuseum ja Moskva muuseumid. Paljud esemed ostsid Moskva antiigifirmade esindajad. Ehtsad ülikonnad, hõbetassid, kulbid, klaasid läksid silmapaistvate Moskva kollektsionääride kätte.

Kuid mitte kõik ei imetlenud K. Makovski maale ja tema tööstiili.

Tema alguses loominguline tee K. Makovski jagas rändkunstnike seisukohti (“Äikesetormi eest jooksvad lapsed”, “Kohtumine”), kuid juba 1880. aastatel eemaldus kunstnik neist pöördumatult ja hakkas korraldama isikunäitusi.

1883. aastal lõi ta maali „Boyarsky pulmapidu V XVII sajand”, millele järgnesid “Tsaar Aleksei Mihhailovitši pruudi valik” (1886), “Ivan Julma surm” (1888), “Pruudi riietamine krooniks” (1890), “Suudlusriitus” (1895). ,). Maale saatis edu nii Venemaal kui ka rahvusvahelistel näitustel. Osade eest pälvis K. Makovski 1889. aasta maailmanäitusel Pariisis kuldmedali.

Tema maalide hinnad olid alati kõrged. P.M. Tretjakov ei suutnud mõnikord neid omandada. Kuid väliskollektsionäärid ostsid meelsasti "bojari" tsükli maale, nii et enamik kunstniku teoseid lahkus Venemaalt.

Tänu sellele edule sai K.E.Makovskist üks rikkamaid inimesi. Kogu oma elu ümbritses teda luksus, millest ükski vene kunstnik polnud kunagi unistanud. Makovsky täitis kõik tellimused mis tahes teemal võrdselt säravalt. Just viimane tekitas paljudes arusaamatust ja isegi hukkamõistu. Mõned olid ilmselt edu peale kadedad, teised aga uskusid, et maalidel peaksid olema inimesed oma igapäevaeluga. Kuid selliseid maale ei müüdud nii kergesti ja paljud uskusid, et Makovsky kirjutas teemadel, mis olid nõutud, see tähendab enda rikastamise huvides.

Siiski elas ta alati nii, nagu tahtis ja kirjutas, mida tahtis. Tema nägemus ilust langes lihtsalt kokku nende inimeste nõudmiste ja nõudmistega, kes olid valmis tema maalide eest palju raha maksma. Tema kerge edu sai peamiseks põhjuseks rändkunstnike negatiivsele suhtumisele temasse ja tema loomingusse. Teda süüdistati kunsti ja oma ande kasutamises materiaalsete hüvede saamiseks.

K.E. Makovsky alustas oma kunstiteed koos rändkunstnikega, eksponeerides maale rahvaelu teemadel. Aja jooksul tema huvid aga muutusid ja alates 1880. aastatest sai temast edukas salongiportreemaalija. Seda, et see juhtus materiaalse rikkuse nimel, ei saa uskuda. Sellest räägivad ju tema arvukad kollektsioonid ja mitmetahuline talent. Kuid ei saa salata, et Makovski ei taotlenud tunnustust välismaal. Lisaks huvitas eurooplasi Venemaa ajalugu, mistõttu müüdi tema teosed kiiresti.

Oma isiklikus elus oli Makovsky ka õnnelik. Tema meeldiv välimus, seltskondlikkus ning selgete silmade alati avatud ja naeratav pilk muutsid Konstantin Egorovitši alati oodatud külaliseks. Ta oli kolm korda abielus. Tema esimene naine Lenochka Burkova, Aleksandrinski teatri näitlejanna, elas temaga lühikest elu. Võluv ja õrn neiu tõi tema ellu palju rõõmu ja soojust. Kuid haigus viis ta varakult maisest elust eemale.

Muretu ja elurõõmu ahne Konstantin Jegorovitš lohutas end kiiresti, kui nägi ballil erakordse iluga tüdrukut - Yulenka Letkovat. Tüdruk oli vaid kuusteist aastat vana ja võluv maalikunstnik oli kolmkümmend kuus. Varsti toimusid pulmad. Olles elanud kakskümmend aastat õnnelikku pereelu, maalis Konstantin Jegorovitš palju maale, millest enamik sisaldab tema noore naise armsat kujutist. Sest pikkadeks aastateks Julia Pavlovna Makovskaja oli tema muusa ja portreede modell.

1889. aastal käis Konstantin Makovski maailmanäitusel Pariisis, kus eksponeeris mitmeid oma maale. Seal hakkas ta huvi tundma noore Maria Aleksejevna Matavtina (1869-1919) vastu. Sündis 1891. aastal vallaspoeg Konstantin. Pidin oma naisele kõik üles tunnistama. Julia Pavlovna ei andestanud reetmist. Paar aastat hiljem esitati lahutus. Ja Konstantin Egorovitš jätkas õnnelikku pereelu oma kolmanda naisega, keda ta kasutas ka modellina. Samuti kujutas ta oma lõuenditel sageli oma lapsi nii teisest kui ka kolmandast abielust.