Ребуси та глибокий філософський сенс. Про що глядач може розмовляти із картиною? У кожного своя відповідь. Залізногірський художник Ярослав Кудряшов своєю творчістю змушує думати. У місті гірників відкрилася його перша персональна виставка. На ній представлені картини останніх років. Робота дається непросто. Кожен штрих — подолання недуги, що сковує тіло, але не творчість. Які таємні послання залишив митець на своїх полотнах?
Ярослав Кудряшов, художник: «Мені хотілося б, щоб ці картини людини ніби витягли з того стану, і я їх так сприймаю для себе».
У кожному сантиметрі тонни смислів — авторських і особистих — глядацьких. Ось жіноча постать на безлюдній дорозі. Навколо сутінків, і лише зупинка засліплює неземним світлом. Зайти, піддатися спокусі? Але щось підказує: кілька кроків і твій шлях обірветься.
Ярослав Кудряшов: «Можна зупинитися, можна пройти повз, залучене цим світлом. Однією з первісних назв картини було «Те світло». Але я подумав, що це було б занадто якось похмуро».
"Спостерігачі". Злі, байдужі. Їх багато, і ти віч-на-віч з ними. А тут одразу три постаті. Але й вони здаються втраченими серед безмовного лісу. Автор любить світло та ніч. Ось "Кіт зовні". Високий паркан, який відокремлює життя від того, що у мріях. Ярослав Кудряшов – майстер самотності. Світ майже казковий. За щоденними справами людина його втратила. Море спокою, яке позбавлене людських очей. І час вибраний особливий — «Після опівночі».
Ярослав Кудряшов: Напевно, це як медіатор для людини. Тому що зазвичай усі справи люди закінчують після опівночі. Комп'ютери свої вимикають, прийшовши додому, поїли і після опівночі… Я, принаймні, так визначив, сакральний час».
Ярослав рідко виходить із дому. Тому його картини — це перепустки у світ, у якому живемо, але мало бачимо. І ще менше цінуємо. Ось яскравий день. Бажаний та недоступний для того, хто у пастці. Навколо спека, а ти відчуваєш холод від нескінченної тіні лозин. А це теж клітка — сходова. Непривітні двері. Дивишся на них і розумієш: вони не охоронці, а варти. Кожна робота для Ярослава – це нескінченна книга. Секунда погляду – нова сторінка.
Ярослав Кудряшов: «Через фізичний стан вдається небагато. Не щодня працюю по півтори години. По годині переважно. Дуже багато творчих задумів. Я маю на увазі, що по годині, по півтори працюю, коли серйозне щось. Але решту часу я думаю над тим, що робити. І коли я підходжу до роботи, я вже не сиджу, я знаю, що мені треба зробити».
Тарас Степаненко
Третьяковська галерея – най великий музейросійського живопису у світі. Історія його почалася з приватної колекціїПавла Третьякова.
Художники мріяли, щоб їх роботи купував саме він, хоча Третьяков не завжди був готовий платити багато. Багатьох підкуповував цей меценат із скромним характером та демократичними поглядами.
Коли Третьяков передав свою галерею у дар Москві, Олександр IIIзавітав йому дворянський титул. Але Павло Михайлович відмовився, вважаючи себе недостойним!
Його смак був також особливим. Він хотів бачити у картині правдивість, щирість та душевність. Ігнорував роботи академічні та пафосні, створені з метою вразити публіку.
Тому багато куплених ним робіт витримали перевірку часом і визнані шедеврами. Про кілька із них я й розповім.
1. Іван Шишкін. Жито. 1878.
Іван Шишкін. Жито. 1878. Державна Третьяковська галерея, м. Москва. Придбана П. Третьяковим. На картині «Жито» ми бачимо неймовірне поєднання жовтого низького жита та високих старих сосен. А ще багато цікавих деталей. Дуже низько літаючі стрижі. Люди, що йдуть по дорозі з косами.
Шишкіна часто дорікали надмірної фотографічності. І справді, якщо ви наблизите зображення, то роздивіться майже кожен колосок.
Але не все так просто. Серед величних сосен стоїть сосна загибла, можливо, від блискавки, що вдарила. Про що нам хоче сказати художник? Про те, що будь-яка сила може бути зламана?
Переживши смерть дружини та двох дітей, Шишкін цілком міг такий настрій перенести на полотно. Але якщо так, він у своїй робив усе, щоб показати красу російської природи.
2. Архіп Куїнджі. Після дощу. 1879.
Архіп Куїнджі. Після дощу. 1879. Державна Третьяковська галерея, Москва. Придбана П. Третьяковим. Головний геройвсіх картин Куїнджі – це світло. Причому звичайне світло художник незбагненним чином перетворював на чарівний, вибираючи найяскравіші явища природи. Так і на картині "Після дощу".
Щойно пройшла страшна гроза. Коричнево-фіолетове небо виглядає жахливо. Але пейзаж уже висвітлюється першими променями. Ось-ось дозріє веселка. Трава після дощу чистого смарагдового кольору.
Немає впевненості, що Куїнджі писав лише з натури. Навряд чи б кінь залишався на відкритому просторі сильну грозу. Швидше за все, її фігура додана для посилення розмаїття між грозовим небом та освітленою сонцем травою.
Куїнджі був оригінальний не лише як художник, а й як людина. На відміну від багатьох своїх не дуже забезпечених колег він розбагатів завдяки вдалим угодам з нерухомістю. Але жив дуже скромно, всі свої гроші роздаючи нужденним.
3. Віктор Васнєцов. Три царівни підземного царства. 1881.
Віктор Васнєцов. Три царівни підземного царства. 1881. Державна Третьяковська галерея, Москва. Вступила у 1910 р. за заповітом М. Морозова Картину «Три царівни» замовив Сава Мамонтов спеціально для кам'яновугільної контори. залізниці. Васнєцов узяв за основу народну казкупро золоту, срібну та мідну царівни.
Але сильно її видозмінив, залишивши лише золоту царівну. Двох інших додав від себе: царівну дорогоцінного камінняі царівну вугілля. Усі три прославляють багатства надр російської землі.
Дівчина в чорному - наймолодша, адже вугілля почали добувати пізніше золота та дорогоцінного каміння. Тому і сукня на ній більш сучасна.
А ще сукня Царівни вугілля скромніша. Адже її призначення – приносити користь людям. А не служити людській жадібності, як доводиться робити двом старшим сестрам.
Третьяков любив купувати роботи у Васнецова: вони були добрими приятелями. І не дивно. Художник був вкрай скромною людиною.
Коли вступав до Академії мистецтв, він дізнався про те, що витримав іспит лише через рік. Коли прийшов здавати наново, впевнений, що провалився вперше.
Перевірте себе: пройдіть онлайн-тест
4. Ілля Рєпін. Бабка. 1884.
Ілля Рєпін. Бабка. 1884. Державна Третьяковська галерея, Москва. Придбана П. Третьяковим. "Стрекозу" мимоволі можна прийняти за роботу імпресіоніста з Парижа. Адже вона така життєрадісна, світла.
Дитина сидить на перекладині на фоні світлого небаі хитає ніжкою. Так і чується стрекотіння цвіркунів і дзижчання джмелів.
Найдивовижніше, що Рєпін не дуже любив імпресіоністів. Вважав, що їм не вистачає сюжетності. Але нічого не міг із собою вдіяти, коли брався малювати дитину. Інша манера листа не йшла до дитячої безпосередності.
На картині Рєпін зобразив свою старшу дочку Віру. Причому він сам і назвав її Бабкою. Адже блакитне плаття так схоже на забарвлення бабки, що присіла на колоду на пару секунд, щоб незабаром злетіти з легкістю в небо.
Віра жила з батьком остаточно його життя. Заміж так і не вийшла. Про неї мало хто приємно відгукувався. У тому числі Чуковський, який добре знав родину Рєпіних Коренів.
За його спогадами Віра Іллівна, не замислюючись, продавала картини батька. А на виручені гроші купувала собі сережки. Була "брехлива, боягузлива ... і тупа розумом і серцем". Ось така різка критика.
5. Валентин Сєров. Дівчина, освітлені сонцем. 1888.
Валентин Сєров. Дівчина, освітлені сонцем. 1888. Державна Третьяковська галерея, Москва. Придбана П. Третьяковим. Ще одна картина, написана в імпресіоністичній манері, зберігається у Третьяківці. Але створено її вже Валентином Сєровим.
Імпресіонізм тут виражений у неймовірної грисвітла та тіні. Сонячні відблиски, яскраво освітлена галявина протиставлені темній корі дерева та спідниці глибокого. синього кольору.
Сєров вважав «Дівчину, освітлену сонцем» найкращою своєю картиною, незважаючи на те, що написав її в 23 роки. Він визнав друзям, що все життя намагався створити щось подібне, але ніяк не виходило.
Сєрову позувала його кузина Марія Симонович. Цілих три місяці по кілька годин щодня. Художник працював над картиною так довго та ретельно, що навіть дуже терпляча Марія не витримала. На четвертий місяць роботи вона втекла до Петербурга з приводу початку занять.
Не лише тому, що втомилася. Потім вона зізналася, що боялася, щоб брат не перестарався. Сама будучи скульптором, вона знала, що якщо нескінченно вносити в роботу виправлення, то можна все зіпсувати.
Можливо, вона вчинила правильно. І навіть завдяки їй картина стала шедевром. Поступилася за популярністю лише картині Сєрова.
6. Ісаак Левітан. Над вічним спокоєм. 1894.
Ісаак Левітан. Над вічним спокоєм. 1894. Державна Третьяковська галерея, Москва. Придбана П. Третьяковим. «Над вічним спокоєм» - один із самих російських та філософських пейзажів Левітана. Вселенський масштаб річкового простору протиставлений тендітній людського життя. Символом її є ледь помітний вогник, що горить у церкві.
Сам Левітан вважав цю картину дуже важливою, бачачи у ній свій характер і душі. Але при цьому вона його лякала. Йому здавалося, що від неї віє холодом вічності, яка «поглинула чимало поколінь і ще більше поглине».
Левітан був людиною меланхолійною, схильною до похмурим думкамта вчинків. Так, за рік після написання цієї картини він зробив демонстративну спробу самогубства. Будучи в пригніченому стані через перипетії особистого життя. На той час у нього закохалися одразу дві жінки: мати та дочка.
А взагалі ця картина – каталізатор вашого світовідчуття. Якщо ви людина оптимістична, то, швидше за все, відчуєте наснагу від споглядання простору. Якщо ви песиміст, то чекайте на інші емоції. Вам, напевно, стане не по собі від всепоглинаючого простору. Михайло Врубель. Бузок. 1900. Державна Третьяковська галерея, Москва. Надійшла з музею І. Остроухова у 1929 р.
На картині Врубеля ми бачимо напрочуд гарний бузок. Вона написана мастихіном*, тому грона суцвіть схожі на об'ємні кристали незвичайного кольору: від світло-блакитного до фіолетового. Взагалі цих кольорів на картині так багато, що можна відчути запах бузку.
На тлі куща виступають обриси дівчини – душі бузку. Ми бачимо лише великі темні очі, густе волоссята витончені руки. Дівчина на відміну від бузку написана пензлем. Це наголошує на її ірреальності.
Картина може повернути нас у дитинство. Адже саме тоді ми були схильні бачити потойбічне. Ось ідеш стежкою серед бузкових кущів у пізні сутінки і вдивляєшся в зелень. А уяву малює нам невідоме: чиїсь очі чи силуети.
Врубель на відміну від звичайної людинизберіг це особливе бачення протягом усього життя. У своїй уяві він поринав у інші світи і потім демонстрував їх нам. У вигляді демонів, серафимів чи душ дерев.
Але якось він не знайшов дороги назад. Незабаром після написання «Безмежи» у Врубеля почало прогресувати психічний розлад. Він повільно згасав у полоні інших світів і помер 1910 року.
У Третьяківці так багато шедеврів російського живопису, що мені було важко вибрати лише сім картин. Напевно, комусь не догодила. Адже я не включила до статті найрозкрученіші шедеври начебто. А ще не розповіла про Верещагіна і.
Керувалася власним смаком, обираючи ті роботи, які мені дуже імпонують. Якщо ви їх раніше не помічали, сподіваюся, що змогли зробити нові відкриття.
* Тонка лопаточка, яку художники використовують для нанесення ґрунту на полотно (основа під барвистий шар картини). Іноді цей інструмент використовується для нанесення фарб.
Для тих, хто не хоче пропустити найцікавіше про художників та картини. Залишіть свій e-mail (у формі під текстом), і Ви першими дізнаватиметеся про нові статті в моєму блозі.
PS. Перевірте себе: пройдіть онлайн-тест
1. Деонардо да Вінчі. Мона Лізу. Найвідомішій картині у світі є чому навчити фотографів, але головне з цього – якими мають бути взаємини з об'єктом зйомки. Як уже говорилося багато разів, її посмішка розповідає про особливий зв'язок між художником та моделлю. Це те, чого повинен досягати кожен фотограф під час створення портретів.
2. Рафаель. Афінська школа. Багато фотографів воліють робити фотографії окремих об'єктів. Одну людину, однієї речі та моменту. Ця робота з тих часів, коли на одне полотно потрібно півгодини часу, щоб його розглянути. На ньому відбувається дюжина різних ситуаційі не одна з них не заважає іншій. Це дуже важливо – вміти скомпонувати багатопланову сцену у кадрі.
3. Ян Вермеєр. Дівчина з перлиною сережкою. Вермеєр любив віконне світло. Це найкраще світлодля портретів Коли ми використовуємо студійне освітлення або спалах, ми намагаємося хоча б віддалено досягти такого ж таки хорошого світла. Так само як і на портреті Мони Лізи, тут існує зв'язок із художником, який передається глядачеві.
4. Едвард Хопер. Нічні яструби. Усі фотографи перебувають у пошуку тих коротких моментів, які згодом «зачеплять» глядача. Ця картина привертає увагу з допомогою свого спокою. Фотографи мають намагатися побачити та спіймати подібні моменти.
5. М.Ешер. Рука і дзеркальна куля. Одна з речей, які має вміти будь-який фотограф – показувати у фотографії перспективу.
6. Норман Роквелл. Чутки. Розповідь через вираз обличчя. Нам не потрібно знати самі чутки, щоб зрозуміти, що відбуватиметься на цій картині. Вміння зловити вираз обличчя, що «говорить» – важлива навичкадля фотографа.
7. Норман Роквелл. Втеча. Норман Роквелл мав талант волати до спогадів глядачів, коли вони бачать його картини. Історія, яку розповідає ця робота, набагато більша, ніж часом може розповісти ціла книга. Створіть таку фотографію і вона принесе вам успіх.
8. Енді Ворхол. Деякі фотографи вибиваються, щоб знайти предмет для зйомки. Вони шукають щось захоплююче. Набагато важливіше вміти перетворити просту річу щось незвичайне, і це саме те, що Уорхол зробив із банками супу.
9. Густав Клімт. Поцілунок. Багато фотографів слідують останнім віянням у фотографії. В інтернеті існує мільйон зображень із використанням HDR (High Dynamic Range), коли три кадри однієї і тієї ж сцени знято з різною експозицієюта з'єднані за допомогою редактора. Це помилка, вважати, що новизни достатньо, що ви можете зняти будь-що з використанням цієї техніки, і вийде хороша фотографія. Клімт був дуже відомий своїми стилізованими картинами, але саме в цій він показує момент глибокого зв'язку між об'єктами. Це має стати уроком для всіх фотографів.
11. Мікеланджело. Стеля Сикстинської капели. Хороша навичка для фотографа – дивитися на речі з різних кутів, щоб отримати найкращий знімок. Не дозволяйте незручній позі стати на шляху натхнення. Знімайте навіть якщо доведеться дивитися прямо вгору.
12. Сальвадор Далі. Три сфінкси острова Бікіні. Важливо бачити форми і фактури, що повторюються, у фотографії і створювати на їх основі хороші кадри.
13. Графіті Бенксі. Банксі – майстер суміщення несумісного. Ви очікуєте побачити одне, а він дивує вас зовсім іншим.
14. Вільям Блейк. Великий архітектор. Блейк може навчити фотографів тому, як поєднувати натхнення та техніку.
15. Вінсент Ван Гог. Нічне кафе. Ми маємо фотографувати речі, які щось для нас означають. Коли дивишся на цю картину, розумієш, що це кафе мало певне значення для Ван Гога, було йому важливо.
16. Катсушік Хокусай. Велика хвиляціна в Канагава | Вирішальні моменти трапляються у житті людей. Фотографи мають шукати подібні моменти й у навколишньому світі.
17. Хірошиг. Жінка йде по дорозі через поля. Фотограф повинен стежити за тим, щоб у кадрі все поєднувалося з діями головного об'єкта. Наприклад, тут лінії дерев, стежка і люди паралельні.
18. Роботи Едгара Мюллера. Мюллер – майстер перспективи. Залежно від того, з якої відстані ви дивитеся на роботу, ілюзія глибини змінюється радикально. Це може навчити фотографів ніколи не зупинятися у пошуку правильного ракурсу.
19. Джорджія О"Кіфф. Мак. Існує ціла "субкультура" фотографії флори. Джорджія О'Кіфф - чудово підходить для того, щоб отримати натхнення для зйомки квітів.
20. Емілі Карр.Kitwancool. Емілі Кар була відома завдяки своїм картинам тотемів. Вона провела все своє життя у пошуках тотемів для своїх робіт. Фотографи завжди мають бути у пошуку проектів. Певного предмета, який можна вивчити та показати за допомогою серії фотографій.
21. П'єр Огюст Ренуар. Бал у Мулен де ла Галетт. Це чудовий приклад зображення багатьох об'єктів, які не змагаються з головним об'єктом.
22. Грант Вуд. Американська готика. Картина "Американська готика" Гранта Вуда - чудовий приклад того, як об'єкт зйомки проектує, відбиває оточення. Грант Вуд спробував уявити, які люди могли б жити у будинку на задньому плані. Цей будинок і пара мають практично фізичну схожість.
23. Едуард Моне. Chez le père Lathuille. Ця сцена могла б бути кадром у жанрі вуличної фотографії.
Образотворче мистецтво здатне подарувати цілу гаму емоцій. Деякі картини змушують вдивлятися в них годинами, інші ж буквально шокують, дивують і «підривають мозок», а разом із ним і ваш світогляд.
Є такі шедеври, які змушують замислитися та шукати таємний зміст. Деякі картини огорнуті містичними загадками, в інших головне — їх непомірно висока ціна. Можна сказати, що живопис, якщо не брати до уваги реалістів, завжди був, є і буде дивним. Але деякі картини дивніші за інші. І хоча саме поняття дивності носить суб'єктивний характер, можна виділити ті відомі роботи, які явно вибиваються із загального ряду.
Едвард Мунк "Крік".
Робота розміром 91х73,5 см була створена у 1893 році. Мунк писав її олією, пастеллю та темперою, сьогодні картина зберігається в Національна галереяОсло. Творіння художника стало знаковим для імпресіонізму, це взагалі одна з найвідоміших на сьогодні картин у світі. Сам Мунк так розповів історію її створення: «Я йшов стежкою з двома друзями. У цей час сонце сідало. Раптом небо стало криваво-червоним, я зупинився, відчуваючи знемогу, і сперся на паркан. Я дивився на кров і язики полум'я над синювато-чорним фьордом та містом. Мої друзі пішли далі, а я все стояв, тремтячи від хвилювання, відчуваючи нескінченний крик, що пронизує природу».
Є дві версії тлумачення сенсу намальована. Можна вважати, що зображений персонаж охоплений жахом і безмовно кричить, притиснувши руки до вух. Інша ж версія говорить, що людина закрила свої вуха від крику, що кричав навколо нього. Усього Мунк створив цілих 4 версії «Кріку». Деякі фахівці вважають, що ця картина є класичним проявом того маніакально-депресивного психозу, якого страждав художник. Коли Мунк пролікувався у клініці, до цього полотна він уже не повертався.
Поль Гоген Звідки ми прийшли? Хто ми? Куди ми йдемо?".
У музеї Бостона витончених мистецтвможна знайти цю роботу імпресіоніста розміром 139,1 х374, 6 см. Написана вона олією на полотні у 1897-1898 роках. Ця глибока робота була написана Гогеном на Таїті, куди він відійшов від суєти паризького життя. Картина стала настільки важливою для художника, що після її закінчення він навіть хотів накласти на себе руки. Гоген вважав, що вона на голову найкраще, що він створив раніше. Художник вважав, що не зможе вже створити щось краще або схоже, йому просто нема чого прагнути.
Гоген прожив ще 5 років, довівши істинність своїх суджень. Сам він казав, що його головну картинутреба розглядати праворуч наліво. На ній присутні три основні групи фігур, які й уособлюють питання, якими озаглавлено полотно. Три жінки з дитиною показують початок життя, у середині люди символізують зрілість, старість представлена літня жінка, яка чекає на свою смерть. Здається, що вона змирилася з цим і думає про щось своє. Біля її ніг розташувалася білий птахсимволізує безглуздість слів.
Пабло Пікассо "Герніка".
Творіння Пікассо зберігається у мадридському музеї королеви Софії. Велика картинарозміром 349 на 776 см написана олією на полотні. Це полотно-фреска було створено у 1937 році. Картина розповідає про наліт фашистських льотчиків-добровольців на місто Герника. В результаті тих подій місто з населенням у 6 тисяч осіб було повністю стерте з землі.
Цю картину художник створив за місяць. У перші дні Пікассо творив по 10-12 годин, у перших же його начерках вже проглядалася Головна думка. У результаті картина стала однією з найкращих ілюстраційвсіх жахів фашизму, жорстокості та людського горя. У «Герніку» можна розглянути сцену звірства, насильства, смерті, страждань та безпорадності. Хоча причини такого явно не вказані, вони зрозумілі з історії. Кажуть, що у 1940 році Пабло Пікассо у Парижі навіть викликали у Гестапо. Його одразу ж спитали: «Ви це зробили?». На що митець відповів: Ні, це зробили Ви.
Ян ван Ейк «Портрет подружжя Арнольфіні».
Ця картина була написана в 1434 олією по дереву. Розміри шедевра становлять 81.8х59.7 см, а зберігається він у Лондонській національній галереї. Імовірно на картині зображено Джованні ді Ніколао Арнольфіні разом зі своєю дружиною. Робота є одним із найскладніших у західній школі живопису часів Північного Відродження.
В цій знаменитій картинівеличезна кількість символів, алегорій та різних зачіпок. Чого вартий лише підпис художника «Ян ван Ейк був тут». У результаті картина є не просто витвором мистецтва, а справжнім історичним документом. Адже на ній зображено реальна подія, що зняв ван Ейк.
Михайло Врубель "Демон сидячий".
У Третьяковській галереї зберігається цей шедевр Михайла Врубеля, написаний ним олією 1890 року. Розміри полотно - 114х211 см. Зображений тут демон дивує. Він постає сумним юнаком з довгим волоссям. Зазвичай люди негаразд представляють злих духів. Сам же Врубель про своє найзнаменитіше полотно говорив, що в його розумінні демон не стільки злісний дух, скільки страждає. При цьому не можна відмовити йому у владі та величності.
Демон Врубеля є чином, перш за все духу людини, що панує всередині нас постійної боротьбиіз самим собою та сумнівів. Ця істота в оточенні квітів трагічно зчепила руки, його величезні очі сумно дивляться в далечінь. Вся композиція висловлює утиск фігури демона. Він ніби затиснутий у цьому образі між верхом і низом рами картини.
Василь Верещагін "Апофеоз війни".
Картина була написана в 1871 році, але в ній автор ніби передбачав жахи майбутніх Світових воєн. Полотно розміром 127х197 см зберігається у Третьяковській галереї. Верещагін вважається одним з найкращих баталістів у російського живопису. Однак війни та битви він писав аж ніяк не тому, що любив їх. Художник засобами образотворчого мистецтванамагався передати людям своє негативне ставлення до війни. Якось Верещагін навіть пообіцяв більше не писати батальних картин. Адже горе кожного пораненого та вбитого солдата художник сприймав надто близько до серця. Результатом такого проникливого ставлення до цієї тематики став «Апофеоз війни».
Страшна картина, що зачаровує, зображує гору людських черепів на полі з воронами навколо. Верещагін створив емоційне полотно, за кожним черепом у величезній купі простежується історія та доля особистостей та близьких їм людей. Сам художник саркастично називав цю картину натюрмортом, адже на ньому зображено мертву природу. Усі деталі «Апофеозу війни» кричать про смерть та порожнечу, це видно навіть у жовтому тлі землі. А синьова неба лише підкреслює смерть. Ідея жахів війни підкреслює дірками від куль і слідами шабель на черепах.
Грант Вуд "Американська готика".
Ця невелика картина має розмір 74 на 62 см. Вона була створена в 1930 році, а зараз зберігається в Чиказькому інституті мистецтв. Картина є одним із самих відомих прикладівамериканського мистецтва минулого століття Вже в наш час ім'я Американської готики» часто згадується у ЗМІ. Картина зображує досить похмурого батька та його дочку.
Численні деталі розповідають про суворість, пуританство і закостенілість цих людей. У них незадоволені особи, посередині картини виявилися агресивні вила, а одяг пари є старомодним навіть за мірками того часу. Навіть шов на одязі фермера повторює форму вил, подвоюючи загрозу тим, хто зробить замах на його спосіб життя. Деталі картини можна вивчати безкінечно, фізично відчуваючи дискомфорт.
Цікаво, що свого часу на конкурсі в інституті мистецтв Чикаго картина була прийнята суддями, як гумористична. А ось жителі Айови образили художника за те, що він виставив їх у такому непривабливому ракурсі. Моделью для жінки виступила сестра Вуда, а ось прототипом сердого чоловіка став зубний лікар живописця.
Рене Магрітт "Закохані".
Картина була написана 1928 року олією на полотні. При цьому є два її варіанти. На одному з них чоловік і жінка цілуються, тільки їхні голови закутані білою тканиною. На іншій версії картини закохані дивляться на глядача. Намальоване і дивує, і зачаровує. Фігури без осіб символізують сліпоту кохання. Відомо, що закохані не бачать нікого довкола, ми ж не можемо розглянути їх істинних почуттів. Навіть один для одного ці люди, засліплені почуттям, насправді загадка.
І хоча основне посилання картини і здається зрозумілим, «Закохані» все одно змушують дивитися на них і думати про кохання. У Магрітта взагалі майже всі картини є ребусами, розгадати які цілком неможливо. Адже ці полотна порушують головні питання про сенс нашого життя. Вони художник говорить про ілюзорність того, що ми бачимо, про те, що навколо нас багато таємничих речей, яких ми намагаємося не помічати.
Марк Шагал "Прогулянка".
Картина була написана олією на полотні у 1917 році, зараз вона зберігається у Державній Третьяковській Галереї. У своїх роботах Марк Шагал зазвичай серйозний, але тут він дозволив собі виявити почуття. Картина висловлює особисте щастя художника, у ній повно кохання та алегорій.
Його «Прогулянка» є автопортретом, де Шагал зобразив поряд із собою свою дружину Беллу. Його обраниця ширяє в небі, вона ось-ось потягне туди і художника, який і так майже вже відірвався від землі, торкаючись її лише кінчиками взуття. В іншій руці чоловіка – синиця. Можна сказати, що так Шагал зобразив своє щастя. У нього і журавель у небі у вигляді коханої жінки, і синиця в руках, під якою мав на увазі свою творчість.
Ієронім Босх "Сад земних насолод".
Це полотно розміром 389х220 см зберігається в іспанському музеї Право. Босх написав картину олією на дереві у 1500-1510 роки. Це найзнаменитіший триптих Босха, хоча картина і має три частини, названа вона на ім'я центральної, присвяченої хтивості. Навколо сенсу дивної картини постійно точаться суперечки, немає такого її тлумачення, яке визнали б єдино вірним.
Інтерес до триптиху виникає через безліч дрібних деталей, Якими і виражена головна ідея. Є тут напівпрозорі фігури, незвичайні споруди, чудовисько, втілені нічні кошмари та бачення та пекельні варіації реальності. На все це митець зміг глянути гострим і випробувальним поглядом, зумівши поєднати несхожі елементи в єдине полотно.
Деякі дослідники намагалися побачити у картині відображення людського життя, яке автор показав марним. Інші знайшли образи кохання, хтось виявив торжество хтивості. Однак сумнівно, що автор намагався уславити плотські насолоди. Адже фігурки людей зображені з холодною відстороненістю та простодушністю. Та й церковна влада досить прихильно поставилася до цієї картини Босха.
Густав Клімт «Три віки жінки».
У Римській Національній галереї сучасного мистецтварозташовується ця картина. Квадратне полотно шириною 180 см було написане олією на полотні 1905 року. Ця картина виражає водночас і радість, і смуток. Художник у трьох постатях зміг показати все життя жінки. Перша, ще дитина, вкрай безтурботна. Зріла жінка виражає умиротворення, а останній вік символізує розпач. При цьому середній вікорганічно вплетений у життєвий орнамент, а старий помітно виділяється з його тлі.
Явний контраст між молодою жінкою та літньою є символом. Якщо розквіт життя супроводжується численними можливостями та змінами, то остання фаза — це закореніла постійність та конфлікт із дійсністю. Така картина привертає увагу і змушує задуматися про задум художника, його глибину. У ньому все життя з її неминучістю та метаморфозами.
Егон Шіле «Сім'я».
Це полотно розміром 152.5х162.5 см написане маслом у 1918 році. Нині він зберігається у віденському "Бельведері". Вчителем Шилі був сам Клімт, проте учень зовсім не намагався його старанно копіювати, шукаючи методи висловлювання. Можна сміливо стверджувати, що роботи Шіле ще куди трагічніші, лякаючіші й дивніші, ніж у Клімта.
Деякі елементи сьогодні назвали б порнографічними, є тут безліч різних перверсій, у всій красі є натуралізм. При цьому картини буквально пронизані якимось щемним розпачом. Вершиною творчості Шіле та його самої останньою картиноює "Сім'я".
У цьому полотні відчай доведено до максимуму, при цьому сам твір для автора виявився найменш дивним. Після того, як від іспанського грипу померла вагітна дружина Шіле, і незадовго до його смерті було створено цей шедевр. Між двома смертями минуло лише 3 дні, їх вистачило художнику, щоб зобразити себе з дружиною та свого, так і не народженої дитини. На той момент Шилі було лише 28 років.
Фріда Кало "Дві Фріди".
Картина з'явилася світ 1939 року. Мексиканська художницяФріда Кало стала відома після виходу у світ кінокартини про неї з Сальмою Хайєк головної ролі. В основі творчості художниці лежали автопортрети. Сама вона пояснювала цей факт так: «Я пишу себе, тому що багато часу проводжу на самоті і тому, що є тією темою, яку знаю найкраще».
Цікаво, що на жодному зі своїх полотен Фріда не посміхається. Її обличчя серйозне, навіть у чомусь скорботне. Зрослі густі брови і ледь помітні вусики над стиснутими губами виражають максимальну серйозність. Ідеї ж картин криються у фігурах, тлі та деталях того, що оточують Фріду.
Символіка картин спирається на національні традиціїМексики, тісно переплітаючись зі старою індіанською міфологією. "Дві Фріди" є однією з найкращих картин мексиканки. У ній оригінальним чиномвідображено чоловічий і жіночий початок, що мають єдину кровоносну систему. Таким чином, художниця показала єдність та цілісність цих двох протилежностей.
Клод Моне Міст Ватерлоо. Ефект туману».
У Санкт-Петербурзькому Ермітажі можна знайти цю картину Моне. Вона була написана олією на полотні 1899 року. При близькому розгляді картини вона постає фіолетовою плямою з нанесеними на неї густими мазками. Однак, віддаляючись від полотна, глядач розуміє всю його магію.
Спершу стають видні неясні півкола, що проходять центром картини, проявляються обриси човнів. А з відстані кілька метрів можна побачити вже всі елементи картини, які зв'язуються в логічний ланцюжок, Зазначає adme.ru .
Джексон Поллок "Номер 5, 1948".
Поллок є класиком жанру абстрактного експресіонізму. Його сама відома картинає на сьогодні найдорожчою у світі. А намалював її художник у 1948 році, просто розливаючи олійну фарбупо фіброліту розміром 240х120 см підлозі. У 2006 році цю картину було продано на аукціоні «Сотбіс» на 140 мільйонів доларів.
Попередній господар, колекціонер та кінопродюсер Девід Гіффен, продав її мексиканському фінансисту Девіду Мартінесу. Поллок казав, що вирішив відійти від таких звичних інструментів художника, як мольберт, фарби та пензлі. Його інструментами стали палички, ножі, совки і фарба, що ллється. Він використав також суміш її з піском або навіть бите скло.
Починаючи творити, Поллок віддається натхненню, навіть не усвідомлюючи, що робить. Тільки потім приходить усвідомлення досконалого. При цьому художник не має страху зруйнувати образ або змінити його ненароком — картина починає жити власним життям. Завдання Поллока – допомогти їй народитися, вийти назовні. А от якщо майстер втратить контакт зі своїм творінням, то на виході вийде хаос та бруд. У разі успіху картина втілить у собі чисту гармонію, легкість здобуття та втілення натхнення.
Жоан Міро "Чоловік і жінка перед купою екскрементів".
Ця картина нині зберігається у фонді художника Іспанії. Вона написана олією на аркуші міді у 1935 році всього за тиждень із 15 по 22 жовтня. Розмір творіння всього 23х32 см. Незважаючи на таку провокаційну назву, картина говорить про жахіття громадянських воєн. Сам автор таким чином зобразив події тих років, що відбуваються в Іспанії. Міро спробував показати період занепокоєння.
На картині можна розглянути нерухомих чоловіка та жінку, які, проте, тягнуться один до одного. Полотно насичене зловісними отруйними квітами, разом із збільшеними статевими органами це виглядає навмисне огидно і бридко сексуально.
Яцек Єрка «Ерозія».
У роботах цього польського неосюрреаліста картини насправді, переплітаючись, породжують нову реальність. У чомусь навіть зворушливі картини вкрай детальні. Вони відчуваються відлуння сюрреалістів минулого, від Босха до Далі.
Йєрка зростав в атмосфері середньовічної архітектури, дивом вціліла після бомбардувань Другої світової війни Малювати він почав ще до вступу до університету. Там спробували змінити його стиль на більш сучасний і менш деталізований, але сам Єрка зберіг свою індивідуальність. Сьогодні його незвичайні картинивиставляються у Польщі, а й у Німеччині, Франції, Монако, США. Є вони у низці колекцій по всьому світу.
Білл Стоунхем "Руки противяться йому".
Картина, написана 1972 року класикою живопису назвати важко. Однак немає жодних сумнівів, що вона входить до найдивніших творів художників. На картині зображений хлопчик, поруч із ним стоїть лялька, а ззаду до скла притиснуті численні долоні. Це полотно дивне, загадкове та в чомусь містичне. Воно вже обросло легендами. Кажуть, що через цю картину хтось помер, а діти на ній живі. Виглядає вона і справді моторошно. Не дивно, що людям із хворою психікою картина навіює страхи та моторошні фантазії.
Сам же Стоунхем запевняв, що намалював себе у віці 5 років. Двері ж за хлопчиком є бар'єром між реальністю та світом сновидінь. Лялька є провідником, яка може проводити дитину з одного світу в інший. Руки ж є альтернативними життями чи можливостями людини.
Картина стала знаменитою у лютому 2000 року. Її виставили на продаж на eBay, розповівши, що на ній є привиди. У результаті "Руки противяться йому" була куплена за 1025 доларів Кімом Сміт. Незабаром покупець був буквально завалений листами з страшними історіями, пов'язаними з картиною, та вимогами знищити це полотно.