Наївне мистецтво зазвичай розглядають як одну з областей примітиву. Під Н. І. мають на увазі творчість художників-самоучок (і «недоучок»), самодіяльних художників; іноді – деякі форми народного мистецтва. Розмежувати ці області із достатньою чіткістю не завжди можливо.
Насправді терміни наївне мистецтво і примітив все-таки який завжди вживаються як тотожні. Наївним мистецтвом частіше називають твори художників, які, умовно кажучи, «грають на полі» професійного мистецтва: відтворюють властиві йому жанри, сюжети, естетичні «еталони», певною мірою, способи виконання. Але при цьому в їхніх роботах виявляється невідповідність академічним критеріям у тому чи іншому відношенні, що може виглядати як неповноцінність, а може надавати роботі чарівність «наївності». З цієї точки зору, типовими творами наївного мистецтваможна назвати картини «За три дні до дуелі» М.Бєлової (1983), «Закохана молода жінка» невідомого автора ( кінець XVIIIст., Франція). Згадане розрізнення наївного мистецтва та примітиву не є загальноприйнятим.
Примітив - від лат. перший, ранній. Відповідно до значення слова, примітивними спочатку називали явища мистецтва, що відносяться до ранніх стадій розвитку художніх стилів. Так, примітивна грецька архаїка, порівняно з грецькою класикоюта еллінізмом; західноєвропейський живопис середньовіччя, порівняно з Відродженням. Примітивним стали називати первісне мистецтво, коли було відкрито, тощо. Починаючи з XIX століття, у цих явищах мистецтва багато хто бачив не лише недостатньо відшліфовану професійну майстерність, а й переваги цілісності, простоти, щирості, сили впливу.
У XX столітті поняття примітив зблизилося з поняттям наївне мистецтво, включило мистецтво художників-самоучок і любителів («хобі», «мистецтво у вихідні»). З художників-примітивів міжнародну популярність здобули О.Руссо, Н.Піросмані (Піросманашвілі), балканські художники (І.Генераліч та ін.).
Примітив відмінний як від мистецтва професіоналів, а й від народного мистецтва з його багатовіковими традиціями, канонами, глибокої символікою та невиявленістю особистого авторства. Разом з тим, дух примітиву і характерні для нього виразні прийоми все ж таки зближують його з народним мистецтвом.
Мистецтво примітиву, як і архаїчне, і дитяче мистецтво, виявило сильний впливна професійних художників XX століття, що призвело до появи такого напряму як примітивізм. У деяких виданнях між примітивом і примітивізмом немає різниці, тоді поряд з художниками «примітивами» згадуються і професійні художники «примітивісти».
Примітивізм - напрям у професійному мистецтві кінця XIX-XXстоліть, свідомо орієнтоване на «непрофесійні» зразки: на архаїчні та традиційні форми мистецтва різних народів, на дитяча творчість, а також на мистецтво художників-самоуків. У цих явищах мистецтва витончені майстри XIX-XX століть бачили те, чого, як вони вважали, бракувало їм самим: щирість, ненавмисність, простота, цілісність, яскрава виразність, споріднене ставлення до природи тощо.
Тією чи іншою мірою примітивістами можна назвати багатьох відомих європейських майстрів: П.Гогена та його послідовників, кубістів (П.Пікассо та інших.), фовістів (А.Матісс та інших.), дадаїстів, деяких абстракціоністів тощо. У Росії - художників, що входили в об'єднання "Блакитна троянда", "Бубновий валет", "Ослячий хвіст" та ін.
Панков Костянтин Олексійович - художник-примітив, німець за національністю. У дитинстві та юності жив життям рибалок та мисливців, у нерозривній єдності з рідною природою. У творчості Панкова вражає незмінно світлий, позитивний тон, бадьоро відчуття життя всіх явищ світу. Вишукано-точні, музичні та тонкі за кольором, його картини викликають у мешканця сучасного великого міставідчуття сну чи мрії — й те водночас вони надзвичайно достовірні у всіх побутових подробицях.
У 1930-ті роки Панков займався у художній майстерні Ленінградського інституту народів Півночі. Роботи Панкова, як і інших художників-сіверян, демонструвалися у радянському павільйоні на міжнародній виставціу Парижі в 1937 р. і були відзначені Гран Прі.
У 1942 р. снайпера і розвідника Панкова було вбито на Волховському фронті.
Хоча його популярність несумісна з міжнародною славою Анрі Руссо і навіть Піросманашвілі, створені ним твори анітрохи не поступаються творчості цих геніально обдарованих художників-самоучок.
Піросмані Ніко (Микола Асланович Піросманашвілі, 1862-1918) — грузинський художник-самоучка, один із самих відомих представниківпримітивне мистецтво.
Уродженець села, Піросмані змолоду жив у Тифлісі (Тбілісі), працював слугою, кондуктором на залізниці, торгував молоком, бродяжничав; писав для заробітку картини та вивіски на чорній клейонці для шинків, крамниць, заїжджих дворів, винних льохів.
У 1912 році його «відкрили» російські авангардисти (І.Зданевич та ін.), стали підтримувати його матеріально, намагалися ввести в суспільство творчої інтелігенції.
Піросмані писав не лише вивіски – «натюрморти», а й портрети, побутові сцени, тварин, панорами Грузії. Він умів надати будням і святам життя урочистої, ритуальної значущості, його множинні композиції пройняті почуттям єдності буття. Мистецтві Піросмані властива велика спрощеність форм, унікально-індивідуальний і в той же час яскраво національний колорит.
Руссо, Анрі (1844-1910) - французький художник, перший представник мистецтва примітиву, який набув міжнародної популярності. Майже чверть століття служив на митниці, і у художніх колах отримав прізвисько Митник. Пішов у відставку, щоб повністю присвятити себе живопису, але не досяг визнання і помер у злиднях.
Слава прийшла до Руссо вже по смерті. Ставлення сучасників-професіоналів до нього було двоїстим: «метри» сприймали його не зовсім серйозно, зверхньо, як самоучку — і в той же час не могли не бачити його виняткової обдарованості, виразності його речей, спорідненої з архаїчним і дитячому мистецтву.
Мистецтво Руссо відрізняє нічим не скута сміливість задумів, яскравість колірних рішень, свого роду монументальність образів: він не ділить зображуване на більш менш важливе, рівно уважний до будь-якої деталі (що взагалі характерно для примітивного мистецтва).
Деякі вчені зауважують, що для дитини все, що вона бачить навколо себе, — рівноцінно та цікаво. І тому, хоч би як він деталізував зображення, воно не втрачає через це своєї цілісності. Дитина не розділяє навмисно картину світу на головне і другорядне, на «фігуру і тло», як кажуть психологи, або, користуючись музичною термінологією, на «мелодію та акомпанемент».
Думаю, це стосується й багатьох примітивних художників. Розглянемо з цього погляду листя дерев та інші деталі картин К.Панкова; подивимося на картину А.Руссо, де гепард і кінь виглядають, як якась яскрава комаха, що копошиться серед великих стебел і квітів першого плану. Що тут головне, що другорядне?
Багатьом дітям та примітивам притаманне якесь відсторонено позитивне та несуперечливе ставлення до того, що вони зображають. Наприклад, Брейгель, як і наш Панков, писав широкі картини природи та людської праціі побуту, бадьорі на перший погляд, але, придивившись ближче до людей, їхніх дій і святкувань, ми відчуємо якусь похмуру двозначність авторського ставлення, якого зовсім немає у простодушного ненця.
Примітивне мистецтво ніби поза часом — подібно до дитячого мистецтва, а в певному сенсіі самому дитинству. Воно має схожість і з архаїкою. Як і творчість дітей, вона, мабуть, у тих чи інших формах, існувала завжди. І в той же час це характерне явище культури XX століття. Як і дитяче, примітивне мистецтво могло бути помічено і зведено до рангу високої художньої цінності не раніше кінця XIX, а головним чином у XX столітті. Деякі елементи наївного мистецтва можна знайти у сучасне шоу будинок 2, що робить його ще популярнішим.
Чому? Це одне із цікавих питань для обговорення, але не єдине. Таких питань багато. Чи подобаються дітям художники-примітиви? Чи бачать вони свою схожість з ними, їхню відмінність від художників «класиків»? Чи помічають моменти подібності з декоративно-ужитковим мистецтвом, образотворчим фольклором, з архаїчним мистецтвом і з тими художниками XX століття, які свідомо запозичили багато і в архаїки, і в самих дітей?
У приймальні офісу, робочому кабінеті, квартирі або заміському будинкукартини в стилі примітивізму додадуть сучасному інтер'єру дещицю вишуканості та затишку. Вони доповнять обстановку і додадуть до вашого життєвого простору трохи прекрасного. Полотна талановитих художниківстануть не тільки чудовим доповненням до декору, але й непоганим вкладенням коштів.
Примітивізм у живописі – картини, написані від душі
Як стиль живопису примітивізм зародився межі XIX–XX століть і став одним із найпопулярніших напрямів у образотворчому мистецтвіу Європі та дореволюційної Росії. Стиль передбачає навмисне спрощення засобів вираження. Примітивізм у живопису звертається до дитячого досвіду художника та первісного мистецтва, роблячи картину відображенням його особистого світогляду. Живописець прагне уникнути догм сучасного йому «високого» мистецтва та естетичних стереотипів, дивитися на світ не через призму цивілізації, а наївним поглядом дитини.
Примітивізм проявляється у відсутності непотрібних деталей, зайвих подробиць чи складних образів – центральне у картинах займає головна тема. Все, що може відволікти глядача, нещадно викреслюється. Тому полотна примітивістів відрізняються особливою енергетикою та справжньою, чи не первісною виразною силою.
Три причини купити картину сучасних художників-примітивістів
Насправді причин купити картину не три, а значно більше. Але наводити їх все довго і, за великим рахунком, не потрібно. Тому ми наведемо лише три основні причини придбати полотно у стилі примітивізму – картину, яка змінить ваш життєвий простір:
- Картина прикрасить і найвишуканіший, і невибагливий інтер'єр. Повісьте її на стіну і ваш життєвий простір перетвориться!
- У сучасному містілюдині потрібна якась віддушина. Для людей із тонкою вразливою натурою такою віддушиною стане картина.
- Живопис – надійне вкладення. Як і інші предмети мистецтва, написані у стилі примітивізму картини згодом стають лише дорожчими.
Полотна художників-примітивістів та інші картини у «Мансарді Художників»
Картинна галерея«Мансарда Художників» створена закоханими в мистецтво однодумцями у 1997 році та представляє картини найрізноманітніших майстрів упродовж 20 років. Ми працюємо в самому центрі культурної столиці Росії - в мансарді будинку, що зберігає дух, на Петроградській стороні.
З самого заснування і до цього дня галерея була і залишається відкритою для всіх художників – від іменитих майстрів до живописців-початківців. А це означає, що в «Мансарді Художників» вдасться знайти полотна сучасних художників-примітивістів за найдемократичнішими цінами та роботи маститих авторів для найвибагливіших і найзаможніших цінителів живопису.
У «Мансарді Художників» можна придбати полотна у стилі примітивізму та картини в інших стилях, прийшовши в галерею особисто або зробивши замовлення прямо на сайті. Просто повідомте нашим співробітникам артикули полотен, що сподобалися, і ми готові привезти для особистого огляду до п'яти картин. Так ви зможете побачити картину наживо і зрозуміти, як вона виглядатиме у вашому інтер'єрі. Більше того, якщо протягом трьох днів ви зрозумієте, що картина не відповідає вимогам, її можна буде повернути в галерею.
Доставка картин здійснюється за будь-якою адресою в Петербурзі, Ленінградської областічи іншому регіоні Росії. З усіх питань стосовно полотен, їх ціни, замовлення та доставки завжди готові проконсультувати по телефону.
Тивадар Костка народився 5 липня 1853 року, в гірському селищі Кішсебен, що належав Австрії (нині Сабінов, Словаччина) - угорський художник-самоучка.
Його батько Ласлі Костка був лікарем та аптекарем. Майбутній художникз дитинства знав, що стане аптекарем. Але перш ніж стати ним змінив багато професій — працював торговим службовцем, якийсь час відвідував лекції на факультеті права і лише потім вивчив фармакологію.
Якось, йому було вже 28 років, перебуваючи в аптеці, він схопився за олівець і намалював на рецептурному бланку побачену ним з вікна просту сцену — візок, що проїжджав, запряжений буйволами.З того часу, або ще раніше, він твердо мав намір стати художником, для цього він постарався сколотити невеликий капіталець, який дав йому матеріальну незалежність.
Про себе він писав таке: «Я, Тівадар Костка, в ім'я оновлення світу відмовився від своєї юності. Коли я прийняв посвяту від невидимого духу, у мене було забезпечене становище, я жив у достатку та зручності. Але я покинув батьківщину, бо хотів бачити її на заході свого життя багатим і славним. Щоб досягти цього, я довго мандрував Європою, Азією та Африкою. Я хотів знайти пророчу мені істину і втілити її в живопис».
Схоже, що ідея стати художником наполегливо не давала спокою Тивадару Костку.
Одного дня він вирушає до Риму, потім до Парижа, де зустрічається з відомим угорським художником Міхаєм Мункачі.
А потім повертається на батьківщину, і протягом чотирнадцяти років працює в аптеці, прагнучи досягти матеріальної незалежності. Нарешті, невеликий капітал накопичений, і він одного прекрасного дня здає аптеку в ареду і їде вчитися спочатку до Мюнхена, а потім до Парижа.
Далі слідує так добре знайомий нам принцип побудови долі невизнаного генія.
Він зрозумів, що ті навички, які він набуде у процесі навчання, не відповідають його сприйняттю. А тому кидає навчання і 1895 року вирушає у подорож Італією, щоб малювати пейзажі. Подорожував також Грецією, Північній Африціта Близькому Сході.
У 1900 році змінив своє прізвище Костка на псевдонім Чонтварі.
Цінність його творів багатьма критиками зазнавала сумнівів. У Європі їх виставляли (щоправда, без особливого успіху), але у своїй рідній Угорщині Чонтварі раз і назавжди назвали божевільним. Тільки під кінець життя приїхав він до Будапешта і привіз туди свої полотна. Спробував заповідати їхньому місцевому музею, але нікому вони виявилися непотрібними. У 1919 році Тівадар Костка Чонтварі по-справжньому збожеволів і помер жебраком, самотнім, осміяним і нікому не потрібним.
Поховавши нещасного, родичі почали ділити добро. А добра всього було - лише картини. І ось, порадившись із «експертами», полотна вирішили здати в брухт, як звичайне полотно, а гроші поділити між собою, щоб усе було по-чесному.
У цей час випадково чи зовсім навіть не випадково (дивний збіг, однак!) повз проходив молодий архітектор Гедеон Герлоці. Він і врятував твори художника, заплативши за них трохи більше, ніж пропонував старий. Наразі картини Тівадара Чонтварі зберігаються у музеї міста Печа (Угорщина).
І ось, зовсім недавно, одному зі співробітників музею, в процесі розгляду картини Костки «Старий рибалка», написаної 1902 року, спало на думку прикласти до неї дзеркало. І тут він побачив, що картина на полотні не одна, а як мінімум - дві! Спробуйте самі розділити полотно дзеркалом, і ви побачите або бога, що сидить у човні, на тлі мирного, можна сказати, райського пейзажу, або самого диявола, за яким вирують чорні хвилі. А може, і в інших картинах Чонтарі, є прихований сенс? Адже не так простий був, виявляється, колишній аптекар із села Голка.
З терміном «примітивізм» у живопису не все так просто. По-перше, мистецтвознавці не завжди сходяться в думках, говорячи про розшифрування його значення. Крім того, все обтяжується наявністю синонімів, якими його можуть позначати. Або не синонімів зовсім - дивлячись який з точок зору дотримуватися.
Ніко Піросмані (Піросманашвілі). Лев та сонце
Розберемося за поняттями
Наприкінці 19 - початку 20 століть деякі прогресивні європейські художники починають божеволіти за виразністю та лаконічністю артефактів первісних культур. Невигадлива і груба наївність африканських ритуальних масок і фігурок з дерева здається їм простою і очевидною відповіддю на пошуки способів подолання закарузлості та застою в академічному живописі. До того моменту імпресіонізм вже втратив колишню свіжість і скандальність, тому не міг претендувати на роль струсу підвалин.
До творів первісних культур - предків сучасних примітивістських шедеврів - відносяться як доісторичний наскальний живопис або кам'яні боввани, так і культурні традиціїсучасних племінних народів, що заселяють Африку, Океанію та подібних до них. Африканські маски, схожі на ці, стали вирішальним чинником виникнення багатьох авангардних течій на початку 19-го століття.
Джерело фото: newpackfon.ru
В одній із систем координат вважається, що саме творчість професійних художників, які мають академічну художню освіту і всі необхідні навички, але свідомо йдуть на спрощення стилістичних і технічних прийомів для наслідування первісного мистецтва, відноситься до примітивізму. Спадщина художників-самоучок, що пишуть картини невміло, по-дитячому, у цьому випадку відносять до наїв-арту.
В іншому мистецтвознавчому всесвіті примітивізм і наївне мистецтво - повні синоніми та взаємозамінні поняття. З цього погляду термін «наївне мистецтво» - у своєму роді евфемізм, що знадобився для більшої милозвучності, на відміну від поняття «примітивізм», який у багатьох мовах має дещо принизливу конотацію.
Ми візьмемо за аксіому другу версію і матимемо на увазі, що примітивізм, так само як і наївне мистецтво - стилі, до яких належать роботи непрофесійних художників, величина таланту яких перекриває відсутність деяких скіллів на кшталт уміння правильно побудувати перспективу або передати світлотінь.
Для спадщини досвідчених майстрів, зі знанням справи придатних до стилізації того чи іншого виду примітивного мистецтва (стародавнього іконопису, етнічних мотивів чи лубка, наприклад), ми застосуємо термін «неопримітивізм». Саме так чинили на початку минулого століття члени росіян художніх об'єднань«Бубновий валет» та «Ослячий хвіст».
Казимир Северинович Малевич. Діти
1908, 30.2×23.8 см
Наталія Сергіївна Гончарова. Біління льону. З «Селянської серії»
Такі авангардисти як Казимир Малевич, Михайло Ларіонов та Наталія Гончарова черпали натхнення у народній творчості, яку також відносять до примітивного мистецтва. А термін «неопримітивізм» взагалі вперше був ужитий у памфлеті Олександра Шевченка, випущеному художником у 1913 році: «Нео-примітивізм. Його теорія. Його можливості. Його досягнення».
Якщо в Західної Європихудожники лише частково використовували прийоми наїв-арту у своїх роботах, розробляючи з їхньої основі такі напрями як фовізм, кубізм чи експресіонізм, то Росії неопримітивізм став значною течією, з якого зрештою виріс і оформився супрематизм. Тому іноді західні мистецтвознавці застосовують термін неопримітивізм саме щодо російських прихильників ідеалів наївного мистецтва, які старанно пропагували і застосовували їх на практиці.
Михайло Федорович Ларіонов. Венера та Михайло
1912, 85.5×68 см
За зауваженням Олександр Бенуа, «Особливість неопримітівізму полягала в тому, що його представники прагнули не до стилізації, не до наслідування народного майстра, а до вираження істотних сторін народної естетики. Тут найбільш показовим прикладомвиявляється творчість Ларіонова, який - відповідно до народної естетики - зрівнює важливе і неважливе, високе і низинне, доходячи в цьому до крайності - культивуючи принципи огорожі і "казарменного живопису"».
Назад до витоків
Шлях через терни до зірок примітивістам розчистили такі визнані творці як Гоген, Пікассо та Матісс. Після того, як у прагненні отримати зцілення від тяжкої недуги, До якого Гоген зараховував блага цивілізації, художник вирушив на Таїті і там всіляко зливався з природою, попутно збагачуючи свій стиль яскравими барвами екзотичного острова та наївними образами місцевої культури, за ним потяглися й інші.
Поль Гоген. Таїтянські пасторалі
1898, 87.5×113.7 см
Німецькі експресіоністи Еміль Нольде та Макс Пехштейн теж катували щастя на просторах Океанії, а ось їхні соратники Ернст Людвіг Кірхнер та Еріх Хеккель реконструювали первісні декорації просто у себе в майстернях. Французьким художникамза натхненням не доводилося їздити далеко, необов'язково було залишати межі Парижа. З колоній Франції на Заході Африки торговці привозили до столиці всілякі етнічні вироби, які потім розселялися і музеями, і дрібними крамничками.
Вілл Гомперц у книзі «Незрозуміле мистецтво. Від Моне до Бенксі» розповідає, як художник Моріс де Вламінк ненароком стає каталізатором спалаху інтересу до примітивного мистецтва і як наслідок – виникнення такого напряму як фовізм. У 1905 році він побачив в одному з паризьких кафе три різьблені африканські маски. Під впливом експресії «інстинктивного мистецтва», як він його називав, Вламінк викупив маски у власника закладу та поспішив показати видобуток своїм друзям-художникам.
Анрі Матісс. Жінка в капелюсі
1905, 24×31 см
Моріс де Вламінк. Ресторан
Андре Дерен. Порт Кольюр
1905, 72×91 см
Анрі Матісс та Андре Дерен розділяли захоплення Вламинка екпресивною палітрою Ван Гога та екзотичними пошуками Гогена. Його розрахунок виправдався: приятелі розцінили набуті артефакти як вияв свободи мислення, не засміченого матеріалістичними ідеалами цивілізації, але зберіг дитячу безпосередність та наївність. Підсумком зустрічі трьох художників став висновок, що колір та емоції на полотні мають домінуюче значення, на відміну від реалістичності та достовірності зображення.
В результаті на світ з'явилися картини, де вони спробували максимально втілити у життя свої нові художні принципи. Розцвічені божевільними для того часу поєднаннями чистих, незмішаних кольорів, нанесених різкими роздільними мазками, полотна були настільки зухвалими, що організатори Салону 1905 спочатку відмовлялися приймати роботи для показу. Лише завдяки особистому авторитету Матісса таки вдалося продавити участь експериментів трійці у Салоні.
Потім будуть бурхливі і повні обурення відгуки мистецтвознавців, один з яких, як це часто буває (див. імпресіонізм) подарує назву новому авангардному течії - фовізму: маститий критик Луї Восель скаже, що картини, що бризкають кольором, намалювали дикі звірі - «les fauves» по- французький. Але це вже трохи інша історія.
Як Пікассо відкрив Руссо
Живопис молодого багатообіцяючого іспанця також зробив видатний кульбіт під безпосереднім впливом примітивного мистецтва та його сповідників. Коли Пікассо побачив останній писк авторства Матісса - кричущі, ні на що не схожі полотна, вільні від будь-яких академічних забобонів, він втратив спокій і сон. Недовго думаючи, Пікассо вирушає в етнографічний музей, де зберігалося широке зібрання африканських масок. Там він певною мірою пройшов через обряд ініціації. Хто знає, можливо, в цих ритуальних предметах справді полягала магічна сила?
«Я був зовсім один, - Згадував художник. - Хотілося тікати звідти. Але я лишився. Просто не міг піти. Я зрозумів щось дуже важливе; щось відбувалося зі мною. Я дивився на ці фетиші, і мені раптом зрозуміли, що я теж проти всіх. Я теж відчуваю, що довкола невідоме та вороже. Коли я стояв один у тому жахливому музеї в оточенні масок, індіанських ляльок, запорошених манекенів, мені, мабуть, і з'явилися «Авіньйонські дівчата»; не те щоб їх підказали побачені форми: та картина стала моїм першим досвідом екзорцизму – так, саме так!"
Пабло Пікассо. Авіньйонські дівчата, 1907
Таким чином, кілька племінних артефактів змусили Пікассо написати картину, що стала прабатьківницею кубізму, і, як його наслідок, футуризму та ще доброї дюжини різних -ізмів. Але на цьому їхнє магічне втручання в тодішню художнє життяфранцузької столиці не обмежилася. Піддавшись чарівності первісного мистецтва, Пікассо не зміг пропустити феномен висхідної зірки наїв-арту, і вагомо приклав руку до того, щоб Париж всерйоз поставився до непрофесійних творів скромного працівника митниці Анрі Руссо.
Не маючи художньої освіти, Митник (як його прозвала паризька богема), тим не менш, мав серйозні амбіції щодо живопису. Дитяча безпосередність зіграла на руку Руссо - інакше він навряд чи наважився б представити свої незграбні експерименти на суд вимогливої публіки Салону незалежних 1986 року, де могли брати участь усі бажаючі художники.
Дива не відбулося, критики всіляко витончувалися в глузуваннях над творцем-початківцем сорока років від народження, не мають уявлення про лінійну перспективу або принципи композиційної побудови. Зі стрункого хору знущань вибивався голос метра Каміля Піссаро, який відзначив багатство тонів картини Руссо.
Анрі Руссо. Карнавальний вечір
1886
Провал на Салоні незалежних не зміг зламати цілеспрямованого Митника. Навпаки, він залишає свою роботу, щоби весь час присвятити кар'єрі художника. Безмежно вірив у нього та головний його шанувальник – Пікассо. Одного разу він зустрів у глухій лавці картину Руссо, яка продавалася там за вартістю використаного полотна - навіть старик не наважувався просити за неї велику ціну. Іспанець відразу купив її і згодом зберігав до кінця своїх днів, відповідаючи, що вона його «захопила як наслання… це один із найбільш правдивих психологічних портретіву французькому живописі».
Анрі Руссо. Портрет Ядвіги
Більше того, він закотив звану вечерю на честь дивного портрета, куди покликав увесь паризький бомонд і самого винуватця урочистості - першу суперзірку наївного мистецтва. Картину Митника Пікассо повісив на самому видному місці у власній майстерні, а її автора посадив на крісло, що більше скидається на трон. Це був справжній тріумф художника-аматора, хоча частина публіки напевно сприймала те, що відбувається, як особливо витончений глум або розіграш.
Але тільки не Пікассо. Йому приписують висловлювання, що чотири роки він вчився писати, як Рафаель, але ціле життяпішла в нього на те, щоб навчитися малювати, як дитина. Тому він захоплювався даром Руссо, який дозволив тому благополучно пропустити ці стадії і відразу розпочати створення примітивістських шедеврів.
Анрі Руссо. Тигр у тропічну бурю
З чого ж зроблено картини примітивістів?
Які ознаки визначають, що перед вами - твір наївного мистецтва, а не, скажімо, робота експресіоніста, абстракціоніста чи представника якоїсь іншої авангардної течії? До речі, Марк Ротко, який прославився на терені абстрактного експресіонізму, шукав натхнення і секрет мальовничої майстерності. дитячому малюнкуі навіть присвятив цьому цілу книгу - ще до того, як почав самовіддано обробляти живопис кольорового поля.
Ніко Піросмані (Піросманашвілі). Ведмедиця зі своїми ведмежатами
1917, 140×100 см
Зразкам примітивізму справді властиві характерні помилки, яких припускаються при малюванні діти. Але не обов'язково наявність на одній картині всіх перерахованих нижче. Дещо художникам-самоукам все ж таки було під силу.
1. Відсутність лінійної перспективи: предмети на передньому плані рівновеликі об'єктам на задньому плані, через що стає незрозумілим їх співвідношення у просторі, а зображення втрачає обсяг.
2. Деталі фону опрацьовуються так само ретельно, як і предмети поблизу. Наслідки такі самі, як у попередньому пункті.
Бабуся (Ганна Мері) Мозес. Застілля
3. Кольори не втрачають яскравості та насиченості пропорційно віддаленню об'єктів від переднього краюполотна. Зображення стає плоским та нагадує листівку.
4. Відсутні ознаки будь-яких джерел освітлення: навіть за наявності на картині сонця всі поверхні рівномірно освітлені, люди та предмети не відкидають тіней, та й світлових відблисків теж не знайдеш.
Каміль Бомбуа. Здивовані купальниці
1930, 65×81.5 см
5. Порушення анатомії: пропорції людського тілапомилки у зображенні тварин. А як же Пікассо, Сальвадор Далі, Френсіс Бекон, і багато інших, по роботах яких не скажеш, що вони знайомі з будовою людського тіла? Вони теж примітивісти? – Ні. Дивлячись на картину представника наїв-арту, ви побачите, що людина старалася, як могла, і саме завдяки цим зусиллям їхні наївні спроби дотягнутися до «великих» митців виглядають такими зворушливими і мають чарівною чарівністю. А перелічені діячі таких цілей не переслідували, і в їх списку точно не було пункту «усім сподобатися».
6. Подібно до дітей, примітивісти не роблять відмінностей між реальністю та фантазією. На їх картинах можуть благополучно співіснувати люди і єдинороги, причому в рамках не сюрреалістичної фантазії, а як буденність. Леви на таких полотнах не є загрозою для людини, а олень може бути схожим на казкову істоту.
Іван Генералич. Єдиноріг
7. І, нарешті, принципова відмінність, що дає відповідь на закономірно виникає питання, чим все ж таки відрізняються безпредметні полотна модерністів у стилі «мій-5-річний-хто-вгодно-може-краще» від творінь примітивістів. Непрофесійні художники зображують предмети того ступеня реалістичності, який їм доступний з обмежених знань, навичок і умінь. А представники авангардного мистецтва щосили намагаються забути, чого їх навчали в художніх школахабо вдають, що зовсім їх не відвідували. Але стрункість і продуманість композиції, що зашкалює символізм або зрадницьки просвічує крізь удавано-наївне і невміло зображення культурний бекграунд все одно видасть професіонала. Так-так, можете розлогитися, ми все одно вас довідалися, товаришу Шагал і пан Клеє.
Марк Захарович Шагал. Старий в окулярах
1950-ті
Пауль Клеє. Ляльковий театр
1923
Примітивізм: шпаргалка. Художники, які працювали в стилі примітивізму
Анрі Руссо, Ніко Піросманішвілі, Іван Генералич, Бабуся Мозес, Марія Приймаченко, Каміль Бомбуа, Никифор Криницький, Катерина Білокур, Поліна Райко, Серафіна Луї, Олесь Семерня.
Знакові картини примітивістів
Ніко Піросмані (Піросманашвілі). Актриса Маргарита
1909, 94×117 см
Історія картини Піросмані стала легендою. Саме її увічнив у віршах Андрій Вознесенський, які поклав на музику Раймонд Паулс, створивши пісню «Мільйон червоних троянд». Йдеться про спроби бідного художника завоювати серце неприступною французької актрисиМаргарити де Севр, яка виступала в Тифлісі 1905 року, де й втратив від неї голову Піросмані. За деякими версіями, серед «моря квітів», які надіслав до готелю свого зазнання відчайдушний Ніко, були не тільки троянди, і не тільки червоні, але також маки, півонії, лілії, бузок, акація та інші квіткові дари землі грузинської. Все, що заслужив митець за свій вчинок – лише один поцілунок Маргарити. Але через багато років, розгубила і натовпи шанувальників, і колишню привабливість актриса щодня приходила в Лувр, де в 1969 році експонувалася картина Піросмані, і годинами вдивлялася у свій портрет. Так мистецтво пережило недовговічне кохання і швидкоминущу красу.
Марія Оксентіївна Приймаченко. Рибний цар упіймав удуда і радий
XX століття
Безмежна фантазія, сміливі колірні рішення, народний колорит, що обеззброює, - лише небагато складових секрету невибагливого на перший погляд мистецтва художниці з української глибинки. Лише одного разу побачивши картини Марії Приймаченко, навряд чи вдасться переплутати їх із творами іншого автора, настільки вони оригінальні та самобутні. Їх гідно оцінили і поза батьківщиною: роботи Марії мали гучний успіх на виставках у Парижі, Варшаві, Празі та інших європейських містах.
Анрі Руссо. Сон
1910, 298×204 см
«Сон» вважається однією з кращих картинРуссо. Автор давав такий коментар своїй пізній (а, можливо, і останній) роботі: «Ядвіґе сниться чарівний сон. Вона спокійно заснула під звуки флейти невідомого спокусника. Коли місяць відкидає світло на квіти та зелені дерева, звірі, і навіть хижаки, завмирають, прислухаючись до чудових звуків музики». Полотно вражає технічною складністю, а багатство палітри, яку відзначав Пісарро ще на першій картині Руссо, тут досягає апогею: чи жарт, більше двох десятків відтінків одного лише зеленого! Гіпнотизуючий вплив «Сну» були не в змозі протистояти навіть уїдливі критики, а співвітчизник і сучасник Руссо, літератор Андре Бретон заявив, що картина «увібрала в себе всю поезію і всі таємниці нашого часу».
Ви експерт, якщо:
Не посоромтеся вимовити слово «примітивізм», говорячи про середньовічні шедеври Рогіра ван дер Вейдена або Дуччо ді Буонінсені.
Можете з ходу визначити, де – цнотлива красуня пензля справжнього примітивіста Піросмані, а де – підробка «під наїв» Михайла Ларіонова.
Ніко Піросмані (Піросманашвілі). Ортачальська красуня. Права частинадиптиха
Михайло Федорович Ларіонов. Єврейська Венера
1912, 147 см
Ви профан, якщо:
Приймаєте за чисту монету навмисне спрощення, необхідне створення ілюстрацій і карикатур, вважаючи їх зразками незамутненого примітивізму.
Вважаєте, що до примітивізму ставиться будь-який витвір мистецтва, який так і тягне назвати каляками-маляками. Насправді примітивізм (усвідомлений, навмисний зокрема) - як невміла форма, а й особливий погляд на суть речей: чистий, безпосередній, дитячий і навіть первісний. За картинами Малевича, Кандинського, Мондріана стоять великі, дорослі теорії.
Роботи Володимира Любарова знаходяться у Державному Російському музеї, Державній Третьяковській галереї, російських приватних колекціях, а також у музеях та приватних колекціях багатьох країн світу.
Володимир Любаров- відомий книжковий графік, що проілюстрував понад сто книг, серед яких Вольтер, Рабле, Гоголь, Стругацькі, Шолом-Алейхем, Зінгер. Одинадцять років він був головним художником журналу "Хімія і життя", а на початку перебудови організував із групою письменників перше в Росії приватне книговидавництво "Текст".
Проте 1992 року Любаров несподівано для оточуючих різко змінив своє життя. Відмовившись від амплуа престижного столичного художника, він купив маленький будинок у напівзанедбаному селі.Перемиловена краю Володимирської області і з головою поринув у просте селянське життя.
Зайнявшись живописом, він почав зображати своїх нових земляків. "Малюнки з російського життя" мали величезний успіх на Заході, і незабаром Любарова запрошують з виставками до Бельгії, Німеччини, Франції та Швейцарії. А незабаром прийшов успіх і у Росії. За Останніми рокамипройшли дві персональні виставки художника в одній із найпрестижніших московських галерей -Галерея "Будинок Нащокіна", а у 2008 році відбулася персональна виставка Володимира Любарова уДержавній Третьяковській галереї.
У " Нашої вулиці(так називалася одна з виставок художника) Володимира Любарова немає точної географічної адреси: де вона розташована - чи в місті, чи в селі, чи просто в чистому полі - невідомо. І живуть на ній люди різних кровейі віросповідань - росіяни, євреї та особи невизначеної "кавказької національності".
Персонажі відрізняються один від одного не тільки національним екіпіруванням, а й часом, у якому живуть: воно на "Нашій вулиці" тече і вперед і назад, і вкрив і навскіс, а то й зовсім стоїть на місці, як завгодно художнику. І разом з тим це типова російська глибинка: реалії впізнаються відразу - і брудний ринок, і типовий провінційний вокзал, і Парк культури з неодмінною "дівчиною з веслом", і громадяни, що товпляться в чергах, а також природи, що випивають на лоні.
Проживає на "Нашій вулиці" і невелика єврейська громада, що складається з"російських євреїв"- шевців та рабинів, різьбярів та кравців. Цілком органічно вписавшись у російські пейзажі, вони дотримуються суботи, їдять мацу на Песах, вивчають Тору та Талмуд і думають все більше про вічне.
Багато сюжетів Любарова відверто літературні, навіяні легендами, біблійними притчами, оповіданнями, десь за ними маячать тіні Шолом-Алейхема, Бабеля, Ісаака Башевіса Зінгера та героїв російських казок.
Про літературність у живопису іноді говорять, як про брак того чи іншого художника. І даремно кажуть. Література як мати всіх мистецтв була багатьом найбільших живописців потужним джерелом натхнення. Скільки полотен навіяно книгою книг – Біблією!
Говорячи про картини Любарова, знавці часто вимовляють слова «лубок» та «наївність». Ну звичайно, лубок тут має місце і наївність – також. Але яка наївність? Наївними, як я розумію, найчастіше вважають художників, які, маючи природні здібності до живопису, спеціальної освітине отримали, відповідної техніки не опанували, але вражають своїх шанувальників свіжістю погляду на життя та «вимушеною» зневагою законами образотворчого мистецтва.
Любаров до такої породи митців не належить. Він - високий професіоналі мистецтвом своїм володіє досконало. Але що ріднить його з наївними художникамитак це вміння подивитися на світ поглядом, незамутненим професіоналізмом, здивуватися побаченому, можливо, навіть по-дитячому, і змусити нас випробувати таке ж здивування. У цьому сенсі кожен справжній художникнаївний, і кожен справжній витвір мистецтва до певної міри теж наївний.
Він має рідкісним даромбачити у приватних фактах та ситуаціях повсякденності особливий, метафоричний зміст, зв'язок часів та національних традицій, смішне та значне.
Роботи художника свідчать про високу професійну культуру, про творчу винахідливість та неповторну стилістичну манеру автора, його причетність до долі своїх персонажів.
Емоційний, змістовний діапазон творів Володимира Любарова несе в собі непідробну чарівність і глибину щирого співпереживання багатоликому світу, що нас оточує, глибину його філософського узагальнення та гротескної інтерпретації, що саме по собі вже заслуговує на серйозну увагу і вдумливе ставлення як до особистості майстра, так і до його особистості. творчим устремлінням.
Мистецтво Любарова, безсумнівно, належить до яскравих, неповторних явищ сучасної вітчизняної художньої культури.
Валентин Родіонов -Генеральний директор Державної Третьяковської галереї
Прогулюючись нещодавно Новим Арбатом, виявив Володимир Любаров на лотках і стендах, щедро заставлених творами. народної творчості», та чимала кількість картинок Володимира Любарова. Всі ці картинки були забезпечені його «власноручним» підписом. А деякі з них – так навіть одразу трьома: під картинкою, на паспарту та на звороті. Щоб напевно. І ніхто б не сумнівався. Чесно кажучи, найбільше засмутив художника Любарова не сам факт торгівлі підробками на Новому Арбаті, а якість цих виробів. Чи не напружуються хлопці.
хлопці. Надруковані арбатські «журавлини» на ксероксі, потім від руки розфарбовані. Там, де арбатським умільцям не подобається колір, вони його сміливо змінюють. Удосконалюють, так би мовити. А де вже зовсім відриваються - то це в назвах картинок. Складають свої - і ми, мовляв, не ликом шиті. Постояв-постояв художник Любаров біля стенду, розглянув свої картинки і - давай, думає, куплю.
А що? По півтори тисячі рублів великі картинки, а маленькі - так взагалі по триста. Налітай - не скупися. От і Любаров дріб'язатися не став - купив велику картинку. У нього вона, щоправда, називалася "Хор", а тут - "Без фальші". Чому? - Заморочуватись не став, тим більше що в ході жорсткої дискусії з продавцем («Я ті клянуся, оригінал!» - «Ну, ти мені розповідай! Я ж бачу, розфарбований ксерокс!» - «Чоловік, беріть картину або йдіть собі повз! ») Ціну на «самого себе» вдалося спустити до семисот. Що було приємно. І знову ж таки є тепер що показати друзям та знайомим.