Ang bow group ang batayan orkestra ng symphony. Ito ang pinakamarami (mayroong 24 na performer sa maliit na orkestra, at hanggang 70 katao sa malaking orkestra). May kasamang mga instrumento mula sa apat na pamilya, na nahahati sa 5 bahagi. Ang divisi technique (division) ay nagpapahintulot sa pagbuo ng anumang bilang ng mga partido. Ito ay may malaking saklaw mula sa C counter octave hanggang G ikaapat na oktaba. Nagtataglay ng mga pambihirang teknikal at nagpapahayag na kakayahan.
Ang pinakamahalagang kalidad nakayukong mga instrumento– homogeneity ng timbre sa masa. Ito ay ipinaliwanag parehong device lahat ng nakayukong instrumento, gayundin ang mga katulad na prinsipyo ng paggawa ng tunog.
Kayamanan nagpapahayag ng mga posibilidad mga string na nauugnay sa iba't ibang mga pamamaraan paglipat ng busog kasama ang mga string - na may mga stroke. Ang paraan ng paghawak ng busog ay may malaking impluwensya sa karakter, lakas, timbre ng tunog at parirala. Paggawa ng tunog gamit ang busog - arco. Ang mga stroke ay maaaring nahahati sa tatlong grupo.
Unang pangkat: pantay, makinis na paggalaw nang hindi umaalis sa mga string. Maghiwalay– Ang bawat tunog ay nilalaro na may hiwalay na paggalaw ng busog.
Tremolo- mabilis na paghahalili ng dalawang tunog o pag-uulit ng parehong tunog, na lumilikha ng epekto ng panginginig, panginginig, pagkutitap. Ang pamamaraan na ito ay unang ginamit ni Claudio Monteverdi sa opera "Ang Labanan ng Tancred at Clorinda." Legato – isang pinagsamang pagganap ng ilang mga tunog sa bawat paggalaw ng bow, na lumilikha ng epekto ng pagkakaisa, melodiousness, at lawak ng paghinga. Portamento - ang tunog ay nalilikha sa pamamagitan ng bahagyang pagtulak ng busog.
Ang pangalawang pangkat ng mga stroke: pagtulak ng mga paggalaw ng busog, ngunit hindi umaalis sa mga string. Hindi legato, martele– bawat tunog ay ginawa ng isang hiwalay, masiglang paggalaw ng busog. Staccato– ilang maikli, biglaang tunog sa bawat paggalaw ng bow.
Ang ikatlong pangkat ng mga stroke ay mga jumping stroke. Spiccato– tumatalbog na paggalaw ng busog para sa bawat tunog.
Staccato volant– lumilipad na staccato, naglalaro ng maraming tunog sa isang paggalaw ng bow.
Para kapansin-pansing palitan ang timbre mga instrumentong kuwerdas Gumagamit din sila ng mga tiyak na diskarte sa paglalaro.
Pagtanggap col legno- Ang paghampas ng string gamit ang baras ng busog ay nagdudulot ng katok, nakamamatay na tunog. Dahil sa matinding kalikasan nito, ang pamamaraan na ito ay bihirang ginagamit, sa mga espesyal na kaso. Ito ay unang ipinakilala ni Berlioz sa Bahagi V ng Symphony Fantastique - "Dream on the Night of the Sabbath." Ginamit ito ni Shostakovich sa "episode ng pagsalakay" mula sa Seventh Symphony.
Ang tunog ng mga instrumentong kuwerdas ay nagiging ganap na hindi nakikilala kapag tinutugtog sa pamamagitan ng plucking - pizzicato. Tunog ang string na pizzicato na tuyo at biglang - Delibes "Pizzicato" mula sa ballet na "Sylvia", Tchaikovsky's Fourth Symphony, scherzo.
Upang pahinain o pigilan ang tunog, gumamit ng mute ( con sordino) - isang goma, goma, buto o kahoy na plato na inilalagay sa mga string sa stand. Pinapalitan din ni Surdina ang timbre ng mga instrumento, ginagawa itong matte at mainit, tulad ng sa "Death of Ose" na bahagi mula sa "Peer Gynt" suite ni Grieg. Ang isang kawili-wiling halimbawa ay din ang "Flight of the Bumblebee" mula sa Act III ng opera na "The Tale of Tsar Saltan" ni Rimsky-Korsakov - ang tunog ng mga naka-mute na violin ay lumilikha ng kumpletong ilusyon ng paghiging.
Maliwanag na coloristic na pamamaraan ng pagtugtog ng mga instrumentong string - harmonika. Ang mga harmonika ay may napakaespesyal na timbre; Sa forte, ang mga harmonika ay parang sparks, sa piano ay maganda ang tunog nila, misteryoso. Ang sipol ng harmonics ay kahawig ng pinakamataas na tunog ng plauta.
Sa ikalawang kalahati ng ika-20 siglo, ang paghahanap para sa mas mataas na pagpapahayag ay humantong sa katotohanan na nagsimula silang gumawa ng mga tunog sa mga instrumentong kuwerdas na dati ay itinuturing na hindi masining. Halimbawa, ang laro sa stand sul ponticello lumilikha ng isang malupit, pagsipol, malamig na sonority. Isang laro sa itaas ng fingerboard sul tasto – ang sonority ay humina at mapurol. Ginagamit din ang pagtugtog sa likod ng kinatatayuan, sa leeg, at pagtapik sa katawan ng instrumento gamit ang iyong mga daliri. Ang lahat ng mga pamamaraan na ito ay unang ginamit ni K. Penderecki sa kanyang komposisyon para sa 52 string na instrumento na "Lament for the Victims of Hiroshima" (1960).
Sa lahat ng mga instrumento ng string, maaari mong sabay-sabay na tumugtog ng mga double notes, pati na rin ang tatlo at apat na sonorous chords, na mahusay na tinutugtog o arpeggiato. Ang ganitong mga kumbinasyon ay mas madaling gumanap na may walang laman na mga string at ginagamit, bilang panuntunan, sa mga solong gawa.
Ang mga ninuno ng nakayukong mga instrumento ay Arabic rebab, Persian kemancha, na dumating sa Europa noong ika-8 siglo. Mga naglalakbay na musikero sa medyebal na Europa sinamahan ang kanilang mga sarili sa Fidele at Rebecca. Sa panahon ng Renaissance, sila ay naging laganap viols, pagkakaroon ng isang tahimik, muffled na tunog. Ang pamilya ng mga viols ay marami: viola da braccio, viola da gamba, viola d amore, bass, double bass viola, bastard viola - na may pangunahing at resonator string. Ang mga viol ay may 6–7 string, na nakatutok sa ikaapat at pangatlo.
Paksa 3. Instrumentasyon para sa buong komposisyon orkestra.
Instrumentasyon sa komposisyon ng orkestra Mayroon itong mahalaga, ngunit hindi maaaring maging isang wakas sa sarili nito. Ang mga gawain nito ay gawing mas malinaw ang pag-unlad piraso ng musika, i-highlight ang mga pangunahing salik musikal na pag-iisip. Kaya, halimbawa, sa panahon ng isang pagpapatupad ng isang tema, ang instrumentasyon, bilang panuntunan, ay hindi nagbabago, sa gayon ay binibigyang-diin ang integridad ng tema at nakatuon ang pangunahing atensyon sa modal-harmonic at melodic na pag-unlad nito. sa kabaligtaran, sa paglitaw ng bagong materyal na kaibahan sa tema, nagbabago ang instrumento, sa gayon ay binibigyang-diin ang pagbuo ng tema.
Kasama sa plano ng instrumento ang pagsusuri ng gawaing pangmusika: ang pagbuo ng materyal na pangmusika, pagkakaisa, ang istraktura ng metro-rhythmic pulsation (kumpletong ritmo), dynamic na intonasyon, atbp. Kailangan mong sumilip, makinig nang mabuti (paglalaro ng piyesa), at pagyamanin ang piyesa hanggang sa mature ang diskarte (plano) para sa instrumento.
Tingnan natin ang plano ng instrumentasyon gamit ang halimbawa ng "Russian Overture" ni N. Budashkin. Overture sa key ng F-dur sa 4-part form, na may mga palatandaan ng isang rondo, gayunpaman, ang ika-4 na bahagi (refrain) ay nasa minor.
Pagkatapos ng isang maikling pagpapakilala, ang pangunahing tema ng overture ay tumunog, ito ay ipinakita sa mga pagitan ng alto domras, ang gitna at mataas na mga rehistro kung saan ay nagbibigay ng isang mayaman at mayamang tunog, ang mga pagtatapos ng mga parirala sa tema ay puno ng mga sipi ng mga accordion ng pindutan. , kung gayon ang lahat ay baligtad. Ang tema ay ipinakita sa isang chordal na paraan ng mga akordyon, at ang mga fillings ay nilalaro ng domra primas. Ang mosaic na pagtatanghal ng tema sa simula ng gawain ay lumilikha ng isang masayahin, masayang kalooban.
Narito ang isang graph ng paksa mula sa ika-1 hanggang ika-4 na numero:
Pagpupuno ng Paksa
1) d
2) d
3) mga akordyon ng butones d
4) d
5) button accordions at viola
Para sa kumpletong kalinawan, nagbibigay kami ng isang halimbawa ng musika.
Tingnan ang Appendix (halimbawa Blg. 57 a, halimbawa Blg. 57 b, halimbawa Blg. 57 c)
Sinusundan ito ng isang liriko na yugto sa susi ng fis-moll. At muli, ipinagkatiwala ni N. Budashkin ang domra chorus sa altos sa itaas na rehistro, bagaman sa mga tuntunin ng saklaw ay maaari itong i-play ng prima domras.
Tingnan ang Appendix (halimbawa blg. 58)
Ito ang kagandahan ng instrumentation. Ang Domra primas ay kasama sa pagbuo ng musikal na materyal, ngunit ang mga button accordion ay naka-off mula sa laro, na nagpapahintulot sa tainga ng tao na magpahinga mula sa timbre na ito.
Tingnan ang Appendix (halimbawa blg. 59)
Ngunit anong kasiyahan ang nararanasan ng nakikinig kapag tinatalakay ang paksang ito? maikling panahon magkasabay na tunog, sa tertz presentation, domra altos na may mga accordion sa nuance p .
Tingnan ang Appendix (halimbawa blg. 60)
Sinusundan ito ng isang yugto ng likas na pag-unlad, gamit ang gitnang uri ng pagtatanghal ng materyal na pangmusika: pagbabago, pagkakasunud-sunod, orihinal na punto. Ang nangingibabaw na precursor na ito ay muling humahantong sa amin sa susi ng F-dur, sa pangunahing tema ng overture. Ang lahat ng mga grupo ng orkestra ay lumahok sa pag-unlad nang detalyado f – ff . Hindi tulad ng simula, ang instrumento ay nagbabago nang malaki. Ang tema ay hindi na nahahati sa mga timbre - ito ay ganap na tumutunog sa grupo ng domra, nakakakuha ng kaunting lakas at katatagan, at ang paglalaro ng mga accordion ng pindutan ay pumupuno lamang.
Tingnan ang Appendix (halimbawa blg. 61)
Ang ikalawang liriko na yugto ay tumutunog sa C major kasabay ng domra altos at bayans sa nuance mf (ito ay mas mahaba), tunog marilag at mayaman, nakapagpapaalaala sa "The Tale of Baikal" ng parehong N. Budashkin.
Tingnan ang Appendix (halimbawa blg. 62)
Sa estratehikong paraan, ang seksyong ito ay marahil ay mas kumplikado, dahil bilang karagdagan sa simula nito, ginagamit ng may-akda ang buong komposisyon ng orkestra, ngunit ang monotony ay hindi nararamdaman, dahil ang mga pag-andar ng mga grupo ng orkestra ay nagbabago sa lahat ng oras. Ito ay isa sa mga paraan upang mapanatili ang pagiging bago ng naisagawang texture.
Kawili-wiling pag-aralan Ang huling yugto instrumentasyon. tulad ng nabanggit sa itaas, ito ay tunog sa eponymous na menor de edad. At ang pinaka-kagiliw-giliw na bagay ay ang tema ay nahahati muli sa mga segment ng timbral, ngunit sa imahe ng salamin: hindi ang mga violas ang nagsisimula sa tema, ngunit ang mga accordion ng pindutan - pinupuno ang domra ng mga violas, atbp.
Pagkatapos tutti- isang maikling episode ang tunog sa mga intonasyon ng liriko na mga tema at ang huling yugto ng overture - Coda, ang pangunahing tema ng overture na tunog. At muli, ang pagtuklas ng gumagawa ng instrumento: sa unang pagkakataon, ang tema kasama ng mga fill ay tinutugtog ng lahat ng mga instrumento. Parang engrande at makapangyarihan.
Tingnan ang Appendix (halimbawa blg. 63)
Malamang na kapansin-pansin na sa proseso ng pagsusuri ay walang sinabi tungkol sa grupo ng mga balalaika. Ito ay dahil sa piyesang ito ay walang melodic episodes na itatalaga sa grupong ito (with some exceptions of balalaikas). Talaga, ito ay isang kasamang papel at metrorhythmic pulsation. Ang buong teatro ng aksyon ay nasa pangkat ng mga domras at button accordion. Marahil ito ay isang klasikong halimbawa ng instrumentasyon. Nang walang maraming timbre (tulad ng sa isang symphony orchestra), ang may-akda, na may kaunting paraan, ay nakagawa ng isang maliwanag na canvas katutubong genre. Ang pangunahing bagay ay upang mahusay na pamahalaan kung ano ang mayroon ka.
KabanataII. Mga function ng orkestra.
Paksa 1. Ang himig ay ang reyna ng mga tungkuling orkestra. Mga pamamaraan para sa paghihiwalay nito.
Ang melody sa orchestral texture sa karamihan ng mga kaso ay nagdadala ng pangunahing emosyonal na pagkarga, kaya ang instrumentalist ay nahaharap sa isang seryosong gawain - upang makahanap ng mga paraan upang palakasin ang melodic line. Ang paghihiwalay ng melody ay nakamit sa pamamagitan ng isang bilang ng mga pamamaraan:
Pagdodoble ng himig nang sabay-sabay;
Pagdodoble sa isang octave o ilang octaves;
Paghihiwalay ng melody timbre;
Nagdadala ng isang himig sa layo mula sa mga maharmonya na tinig (pagpili ng isang libreng zone);
Phono-ornamental na pagdodoble (superimposition ng maliliit na tagal sa mas malaki at vice versa).
SA mga marka ng orkestra madalas (lalo na sa katutubong musika) ang isang himig ay tumutunog nang walang anumang saliw. Minsan mayroong paghahati sa ilang mga boses, na bumubuo ng mga subvoice. Mula sa punto ng view ng instrumentation, ang naturang pagtatanghal ay itinuturing bilang isang kabuuan bilang isang himig at, sa panahon ng instrumento, ay ipinagkatiwala sa mga instrumento ng parehong timbre group na gumaganap ng pangunahing melodic na boses. Ang pagtatanghal ng subvocal ng tema ay nagiging isang pagtatanghal ng choral-subvocal, iyon ay, isang pagtatanghal na may malinaw na ipinahayag na pagkakaisa, ngunit umuunlad ayon sa prinsipyo ng melodic subvocals.
Tingnan ang Appendix (halimbawa blg. 64)
Para sa orkestra na tela, ang superposisyon ng sonority ng ilang mga instrumento sa sonority ng iba ay may malaking kahalagahan. Dalawang pangunahing uri ng pagdoble ang mapapansin: mga tumpak na duplikasyon (unison, octave at alternate octave) at hindi tumpak na mga duplikasyon (phono-ornamental at nagbibigay-diin).
Ang magkasabay na pagdodoble ay ginagamit upang makamit ang isang mas malinis, mas malakas na sonority o upang mapahina ito; para sa isang mas kilalang pagtatanghal ng tema, upang makamit ang higit na kalinawan sa melodic pattern; upang lumikha ng bagong boses.
Tingnan ang Appendix (halimbawa blg. 65)
Ang pagdodoble ng oktaba ay pangunahing ginagamit upang mapalawak at mapahusay ang sonority. Ito marahil ang pinakakaraniwang pamamaraan sa tutti, kabilang din dito ang pagdodoble ng dalawa, tatlo at apat na octaves.
Tingnan ang Appendix (halimbawa blg. 66)
Ang mga pagdodoble ng oktaba ay lubhang kakaiba. Ang sonority ay lumabas na hindi kapani-paniwala - kakaiba, katulad, sa mga salita ni Gevart, sa "isang hindi likas na pahabang anino na sumusunod sa likod ng isang tao" 2 . Ang pamamaraan na ito ay katangian ng musika ng isang kakaibang kalikasan.
Tingnan ang Appendix (halimbawa blg. 67)
Ang melody ay maaari ding makilala sa pamamagitan ng timbre. Ang isang napaka-karaniwang pamamaraan ay ang paglalahad ng melody sa ibang, contrasting na paraan kumpara sa pagtatanghal ng iba pang orchestral function sa orkestra, at ang tunog ng melody sa isang contrasting timbre ay nakakatulong sa kakayahang magsagawa ng melody sa parehong register sa na tinutunog ng melodic figuration.
Tingnan ang Appendix (halimbawa blg. 68)
Sa instrumentasyon mayroong konsepto ng "pagpili ng isang libreng zone" - ito, una sa lahat, ay tumutukoy sa pangunahing tungkulin tekstura - melodies. Ito ay napakahusay kapag posible na tumugtog ng isang melody sa layo mula sa iba pang mga function. Ang pamamaraan na ito ay dapat gamitin kung ang tekstura ng gawaing musikal ay nagpapahintulot o tumutugma sa intensyon ng may-akda. Sa prinsipyo, mayroong pattern sa pagpuno ng distansya sa pagitan ng mga boses na nangunguna sa himig, depende sa ginamit na rehistro: sa loob ng ika-3, ika-4 na oktaba ay halos hindi napupuno, sa loob ng ika-2, ika-3 oktaba ay bihirang mapunan, sa loob ng Ika-1. at ang 2nd octaves ng pagpuno ay nangyayari sa loob ng 1st at minor octave na ito ay halos palaging napupuno.
Ang konklusyon na ito ay ginawa batay sa pagsusuri ng maraming mga musikal na gawa. Dapat pansinin na sa pagsasagawa ay may mga pinaka pambihirang solusyon;
Tingnan ang Appendix (halimbawa Blg. 69 a, halimbawa Blg. 69 b)
Ang mga Phono-ornamental na duplikasyon o pagdodoble ay hindi gaanong karaniwan kaysa sa mga inilarawan sa ibaba, ngunit umiiral ang mga ito at kailangan mong malaman ang tungkol sa mga ito. Kinakatawan nila ang sabay-sabay na kumbinasyon (nagpapatong) ng iba't ibang anyo ng pagtatanghal ng parehong materyal na pangmusika. Sa kasong ito, ang isa sa mga form, rhythmically at linearly na pinasimple, iyon ay, ibinigay sa mas malalaking tagal, ay nagsisilbing isang uri ng background, na parang ang paunang batayan para sa isa pa, rhythmically na mas animated, iyon ay, ibinigay sa mga tala ng mas maliit na tagal. . Sa pagsasagawa, mayroong gayong mga pagdoble kapag ang pondo ay maaaring maging materyal na ginanap para sa malalaking tagal o, sa kabaligtaran, para sa maliliit na tagal - hindi ibinubukod ng isa ang isa. Sa pangkalahatan, mas mainam na tawagan ang mga duplikasyon (pagdodoble) na ito bilang phono-ornamental, iyon ay, kapwa pagdodoble sa isa't isa.
Tingnan ang Appendix (halimbawa blg. 70)
Paksa 2. Counterpoint. Ang lokasyon ng counterpoint na nauugnay sa melody.
Counterpoint – punto laban sa punto (isinalin mula sa Latin). SA sa malawak na kahulugan ang salitang counterpoint ay anumang melodic na linya na tumutunog nang sabay-sabay sa tema: 1) kanonikal na imitasyon ng tema; 2) isang pangalawang tema, na tumutunog nang sabay-sabay sa pangunahing isa; 3) isang espesyal na binubuo ng independiyenteng melodic sequence na naiiba sa tema sa ritmo, direksyon ng paggalaw, karakter, rehistro, atbp. Ang positibong boses ay kadalasang nalilito sa counterpoint. Ang echo ay malapit sa melody, may parehong direksyon ng paggalaw, at tunog sa parehong timbre. Sinusubukan nilang ihiwalay ang counterpoint mula sa melody, bigyan ito ng ibang direksyon ng paggalaw, at higit sa lahat, italaga ito sa mga instrumento ng isang contrasting timbre. Ang Counterpoint mismo ay katulad ng melody, at ang pag-unlad nito ay nailalarawan sa pamamagitan ng parehong mga katangian tulad ng melody: pagdodoble, kasabay ng mga kaugnay na timbre, na humahantong sa dobleng mga nota, mga chord. Maaaring mag-iba ang paglalagay ng counterpoint kaugnay ng melody. Ang pangunahing bagay ay ang dalawang linyang ito ay malinaw na tumunog sa orkestra.
Tingnan ang Appendix (halimbawa Blg. 71 a)
Sa halimbawang ito (71 a) ang counterpoint ay matatagpuan sa itaas ng melody (accordion II), at mga tunog sa isang octave (domra prima, domra viola). Ang melody at counterpoint ay contrasting rhythmically at sa timbre.
Tingnan ang Appendix (halimbawa Blg. 71 b)
Sa halimbawang ito (71 b), mas mababa ang tunog ng counterpoint kaysa sa melody na tumutunog sa domra at button accordion I. Ang pangalawang button na accordion ay gumaganap ng contrapuntal function na may mas maliliit na tagal sa isang mababang register.
Tingnan ang Appendix (halimbawa blg. 71c)
Sa halimbawang musikal na ito (71c) mayroong isang medyo bihirang kaso sa mga gawa para sa katutubong orkestra. Melody at counterpoint na tunog sa isang pangkat ng mga harmonika (akordyon), magkakatulad na mga instrumento. Ang kaibahan ay rehistro lamang, rhythmically halos parehong uri.
Ngunit, gayunpaman, maaaring may mga halimbawa na hindi masyadong malinaw at tiyak. Kaya, kadalasan ang pag-andar ng isang counterpointing na boses ay ginagampanan ng melodic na mga linya ng isang makasagisag na kalikasan at kahit melodic-harmonic figurations. Sa kasong ito, hindi sila gaanong tutol sa nangungunang melody habang sinasabayan nila ito.
Tingnan ang Appendix (halimbawa blg. 72)
Kaya, sa halimbawa sa itaas, ang melody ay ginaganap sa pamamagitan ng domra prima tremolo, at ang counterpoint sa anyo ng melodic figurations ay nilalaro ng balalaikas at domra double bass. Ang kaginhawahan ng tunog ay nakakamit dahil sa dashed line - melody legato, counterpoint staccato. Sa kabila ng homogeneity ng mga instrumento, ang parehong mga linya ay tunog convex.
Sa kumplikadong mga musikal na gawa, kung minsan ay mahirap matukoy ang nangungunang melodic line at counterpoint, kung saan ang bawat isa sa melodic layers ay nagpapahayag ng sarili nitong matingkad na indibidwal na imahe.
Tingnan ang Appendix (halimbawa blg. 73)
Sa halimbawang ito, Symphony-Fantasy ni R. Gliere, isang kumplikadong fragment ng presentasyon ng musical material ang ibinigay. Tatlong melodic na linya ang malinaw na ipinahayag dito, na mahirap kilalanin - kung ano ang pag-andar ng bawat isa sa kanila.
Paksa 3. Pedal. Posisyon ng pedal na may kaugnayan sa melody. Ang konsepto ng isang organ point. Self-pedaling na tela.
Sa malawak na kahulugan ng salita, ang konsepto ng "orchestral pedals" ay nauugnay sa pandinig na representasyon ng kapunuan, tagal at pagkakaugnay ng tunog.
Ang isang natatanging tampok ng harmonic pedal ay ang mas mahabang tagal ng mga napapanatiling tunog kumpara sa melody (figuration, counterpoint).
Sa isang katutubong orkestra, ang pedal ay partikular na kahalagahan, dahil ang mga pangunahing pamamaraan ng pagtugtog ng maraming mga instrumento ay hindi nakapagpapatibay ng sonoridad ng orkestra (halimbawa, staccato mga instrumento ng grupong balalaika). Ang pinakakaraniwang ginagamit na mga pedal ay bass domras (mababa at gitnang rehistro), button accordion at viola domra (middle register).
Sa mga tuntunin ng posisyon ng pitch, ang pedal ay madalas na matatagpuan sa ibaba ng melody. Ang pinakamahusay na rehistro para sa mga tunog ng pedal sa isang folk orchestra ay itinuturing na rehistro mula sa "E" ng maliit na oktaba hanggang sa "A" ng una. Ang isang orkestra na pedal ay naglalaman ng iba't ibang uri ng maharmonya na tunog. Lohikal na paggamit ng pedal sa tatlo at apat na boses na pagtatanghal. Gayunpaman, madalas na bahagi lamang ng mga harmonic na tunog (halimbawa dalawa) ang ginagamit para sa pedal. Minsan isang harmonic sound lang ang pinapanatili bilang pedal. Ito ay maaaring isang bass o ilang uri ng middle harmonic na boses. Ang tunog ng pedal ay maaaring mapanatili hindi lamang sa bass. Kadalasan mayroong mga kaso kapag ito ay pinananatili sa itaas na boses, ito ay nagpapahiwatig na ang pedal ay hindi palaging matatagpuan sa ibaba ng melody. Mula sa punto ng view ng timbre na ginamit, ang pedal ay maaaring italaga kapwa sa mga instrumento ng isang timbre group na may kaugnayan sa melody na tinutugtog, at sa mga instrumento ng isang contrasting timbre. Mas mainam na gumamit ng contrasting tone pedal kapag ang melody at ang pedal ay nasa parehong register.
Tingnan ang Appendix (halimbawa blg. 74)
Sa halimbawang ito, ang pedal ay dumadaan malapit sa bass domra, bilang background ng melodic line ng alto domra.
Tingnan ang Appendix (halimbawa Blg. 74 a)
Ito ay hindi isang bihirang halimbawa kapag ang pedal ay tumunog sa itaas na rehistro, sa itaas ng melody na tumatakbo sa unang pindutan ng accordion at balalaikas para sa approx.
Tingnan ang Appendix (halimbawa Blg. 74 b)
Sa ibinigay na musikal na fragment ng "The Lizard" ni G. Fried, ang "mix" na pamamaraan ay ginagamit, kapag ang melody at pedal ay tumunog sa parehong mga kumbinasyon.
Melody: domra prima I, domra alto I, button accordion I;
Pedal: domra prima II, domra alto II, button accordion II plus domra bass at balalaika prima. Sa halimbawang ito, tumutunog ang pedal sa isang rehistro.
Ang self-pedaling musical fabric ay isang phenomenon kapag ang melodic line ay ipinakita sa matagal na tinig na mga tunog, na tipikal para sa hugot na Russian. awiting bayan. Naturally, hindi na kailangang gumamit ng anumang mga pedal dito.
Tingnan ang Appendix (halimbawa blg. 75)
Ang isang espesyal na kaso ng orchestral pedal ay isang napapanatiling tunog na isa ring organ point. Sa tela ng orkestra mayroong iba't ibang mga punto ng organ. Ang tampok na pagtukoy ng mga organ point ay ang pagganap na kanilang ginagawa. tiyak na pag-andar. Binubuo ito sa katotohanan na ang mga indibidwal na tunog (madalas na tonic at nangingibabaw), na parang nakahiwalay mula sa natitirang bahagi ng tisyu, ay nagiging isang kakaibang background na nasuspinde ang paggalaw o nagyelo sa paggalaw nito, na pinananatili nang higit pa o hindi gaanong makabuluhang oras, laban kung saan nagpapatuloy ang pagbuo ng melodic at harmonic. Kadalasan, ginagamit ang mga organ point sa boses ng bass. SA panitikang musikal Ang mga organ point ay matatagpuan hindi lamang sa mga pinahabang nota, kundi pati na rin sa maindayog at kung minsan ay may palamuting mga tunog. Ito ay medyo bihira sa mga score para sa mga folk orchestra.
Tingnan ang Appendix (halimbawa blg. 76
Ang halimbawang ito ay nagpapakita ng isang kaso kung saan ang organ point ng double basses ay isang pedal din.
Paksa 4. Harmonic figuration. Iba't-ibang mga figurations.
Ang mga Harmonic figuration ay karaniwang mga middle harmonic na boses sa kanilang ritmikong paggalaw at figurative pattern, na nakahiwalay sa melody at sa bass voice. Ang isang halimbawa ay ang mga stereotypical na anyo ng pagtatanghal ng waltz accompaniment, bolero, polonaise, atbp. Ang Harmonic figuration ay tumutulong upang ipakita ang higit na kalayaan ng pagkakaisa. Sa orkestra ng Russia mga instrumentong bayan Karaniwan kong ipinagkakatiwala ang harmonic figuration sa balalaikas ng mga segundo at altos, kung minsan ay may pagdaragdag ng mga balalaikas ng primes o bass balalaikas. Ang mga kaso ng pagsasagawa ng mga harmonic figuration na may domras at button accordions ay hindi gaanong karaniwan at higit sa lahat ay pinagsama sa mga figuration na may balalaikas.
Ang pinakasimpleng harmonic figuration ay paulit-ulit na chord.
Tingnan ang Appendix (halimbawa blg. 77)
Ang isang espesyal na kaso ng paulit-ulit na chord ay paulit-ulit na chord legato. Ang paghahalili ng mga harmonic na tunog sa magkaibang direksyon para sa dalawang instrumento ay lumilikha ng impresyon ng pag-indayog legato, ito ay posible lamang sa mga button accordion o wind instrument, mas madalas na may domras.
Tingnan ang Appendix (halimbawa blg. 78)
Ang mga paulit-ulit na chord ay medyo madaling laruin, kaya karaniwan na gumamit ng mga paulit-ulit na chord sa mas kumplikadong mga rhythmic pattern.
Tingnan ang Appendix (halimbawa blg. 79)
Ang isang mas kapansin-pansin na anyo ng harmonic figuration ay ang paggalaw kasama ang mga tunog ng isang chord: alternating dalawang tunog, isang maikling arpeggio na may paglipat mula sa mababang balalaikas sa mas mataas at vice versa. Kadalasan maaari kang makahanap ng paggalaw kasama ang mga tunog ng isang chord nang sabay-sabay (prima balalaikas, pangalawang balalaikas, alto balalaikas, posibleng paggamit ng bass balalaikas, depende sa texture na ipinakita).
Tingnan ang Appendix (halimbawa Blg. 80 a, halimbawa Blg. 80 b)
Ang isang hindi tipikal na pagtatanghal ng harmonic figuration ay ang paggamit ng mga di-chord na tunog (superposition ng figurations sa melodic line). Ang figuration na ito ay lumalapit sa counterpoint. Ito ay partikular na tipikal para sa mga figurations na ginanap sa itaas ng melody.
Tingnan ang Appendix (halimbawa blg. 81)
Paminsan-minsan, ang harmonic figuration ay nakakakuha ng nangingibabaw na kahalagahan. Kaya, halimbawa, sa pagpapakilala sa ilang mga dula o seksyon ng mga dulang ito na malaya sa anyo. Ang ganitong mga sandali sa musika ay nagpapakilos sa tagapakinig, naghahanda sa kanya para sa pangunahing aksyon.
Tingnan ang Appendix (halimbawa blg. 82)
Paksa 5. Bass. Mga katangiang pamamaraan ng pagganap at pagtatanghal. Figured bass. Mga solong bahagi.
Tungkol sa mga nabanggit na orchestral function, masasabi nating mayroon sila katangian na tampok– maaari silang tumunog sa anumang rehistro ng materyal na ipinakita, at, higit pa rito, nasa anumang pitch na relasyon sa bawat isa. Ang bass ay isang pagbubukod sa bagay na ito - ito ay palaging ang pinakamababang tunog ng isang pagtatanghal ng orkestra. Ang bass bilang isang orchestral function at bass bilang isang tunog na nagpapakilala sa harmony ay iisa at pareho.
Ang mga nagsisimulang instrumentalista ay kadalasang nagkakamali kapag gumagawa ng instrumento para sa isang grupo ng mga balalaikas, kung saan ang mas mababang boses ay tumutugtog ng balalaika bass. Lumilitaw ang error dahil sa katotohanan na ang balalaika alto ay isang transposing instrument (tunog ng isang octave na mas mababa) at ang mga boses ay gumagalaw - ang bass ay napupunta sa gitnang mga boses, at ang alto ay napupunta sa mas mababang mga boses (isang pagbabago sa harmonic function) .
Tingnan ang Appendix (halimbawa blg. 83)
Sa karamihan ng mga kaso, ang bass ay nakikilala bilang isang independiyenteng function ng orkestra. Ito ay nakakamit sa pamamagitan ng pagdodoble sa boses ng bass pagkakaisa o isang oktaba. Sa isang orkestra ng mga katutubong instrumento, upang magbigay ng kalayaan sa boses ng bass, ginagamit ang isang contrasting na paraan ng paggawa ng tunog - staccato balalaika basses at double basses.
Tingnan ang Appendix (halimbawa blg. 84)
Upang lumikha ng espasyo at surround sound sa bass voice, hindi lamang octave presentation ang ginagamit (bass, double bass), kundi pati na rin sa pagitan ng fourths at fifths.
Tingnan ang Appendix (halimbawa blg. 85)
Minsan ang bass ay hindi itinatangi sa isang orkestra bilang isang independiyenteng function ng orchestral texture, ngunit kasabay ng mas mababang nota ng ilang iba pang function.
Tingnan ang Appendix (halimbawa blg. 86)
Mayroong ilang iba pang mga uri ng bass. Halimbawa, itinatampok. Ang pinakasimpleng anyo ang itinatampok na bass ay isang bass na binubuo ng dalawang alternating tunog: ang pangunahing, na tumutukoy sa function (harmonic) at ang auxiliary. Kadalasan, ang auxiliary bass ay ang neutral na tunog ng triad.
Tingnan ang Appendix (halimbawa blg. 87)
Ang figured bass ay minsan ay medyo kumplikado, higit sa lahat ay gumagalaw kasama ang mga tunog ng chord.
Tingnan ang Appendix (halimbawa blg. 88)
Ito ay walang pagbubukod kapag ang bass ay gumaganap ng melodic function sa mababang rehistro. Sa mga marka ng folk orchestra, ang gayong pagpapakita ng boses ng bass ay hindi karaniwan.
Tingnan ang Appendix (halimbawa blg. 89)
KabanataIII. Pagsusuri ng clavier.
Paksa 1. Clavier at ang mga katangian nito. Instrumentasyon ng mga piraso ng keyboard.
Ang clavier ay isang kaayusan gawaing orkestra para sa piano. Orihinal na gawa para sa piano o button accordion, iminungkahi para sa instrumentation.
Upang i-orkestrate ang isang partikular na piyesa, hindi sapat na malaman ang mga kakayahan ng mga instrumentong orkestra at ang mga prinsipyo ng pagtatanghal ng materyal na pangmusika - mahalagang malaman din ang mga katangian ng texture ng instrumento kung saan orihinal na isinulat ang piyesa. Kapag nag-instrumento ng mga piyesa ng piano, kailangan mong tandaan na ang piano ay walang tuluy-tuloy, pangmatagalang tunog, na magagamit sa mga instrumentong kuwerdas dahil sa paggalaw ng mga bubulusan. Gayunpaman, ang piano ay may isang aparato (pedal), dahil sa kung saan ang mga tagal ay pinahaba, bagama't sila ay naitala sa mas maliliit na tagal.
Tingnan ang Appendix (halimbawa blg. 90)
Kapag sinusuri ang clavier, kailangan mong maging maingat sa pagre-record ng texture ng piano. Madalas mong mahahanap ang mga pagdadaglat ng mga boses sa na-record na texture. Halimbawa, kulang ng double note sa isa sa mga boses.
Tingnan ang Appendix (halimbawa blg. 91)
Ang isang tampok ng maraming mga gawa sa piano ay ang limitasyon ng hanay ng mga chord na nilalaro ng isang octave interval. Bilang isang resulta, ang mga chord tutti napakadalas na may mga puwang sa pagitan ng mga boses, na dapat punan sa panahon ng instrumentation.
Tingnan ang Appendix (halimbawa blg. 92)
Tingnan ang Appendix (halimbawa 93 a, halimbawa 93 b)
Ang isa sa mga tampok ng texture ng piano ay ang pagpapalit ng mabilis na paulit-ulit na mga tunog ng isang chord sa pamamagitan ng paghalili ng dalawa o higit pang mga tunog ng chord na ito.
Tingnan ang Appendix (halimbawa Blg. 94 a, halimbawa Blg. 94 b)
Ang buong iba't ibang mga piraso na isinulat para sa piano ay maaaring makilala sa dalawang pangunahing uri. May mga piyesa na may partikular na texture ng piano na, kapag ginamit ng sinumang master, mawawala sa tunog, at may mga piyesa na may ganoong texture na, na may mahusay na pag-decode, ay makapagpapayaman sa tunog ng piyesa.
Kapag sinusuri ang mga piraso ng piano mula sa punto ng view ng kanilang pagiging angkop para sa instrumentasyon, dapat na maingat na ihambing ang mga kakayahan ng piano at orchestral na mga instrumento, ihambing ang mga coloristic na kakayahan ng mga piano at orchestral na grupo, at, sa wakas, ang teknikal na pagpapatupad ng texture ng piano. .
KabanataIV. Inayos mula sa isang symphonic score.
Paksa 1. Mga pangkat ng mga instrumento ng isang symphony orchestra at ang kanilang kaugnayan sa mga instrumento ng isang folk orchestra.
Mga hinihipang instrument:
a) kahoy
b) tanso
Ang anumang marka ay isang kumpletong pagtatanghal ng mga saloobin ng may-akda, kasama ang lahat ng mga pagpapakita ng mga teknikal na paraan at mga pamamaraan ng pagsisiwalat. masining na imahe. Samakatuwid, kapag muling nag-instrumento mula sa isang symphonic na marka, dapat mong, kung maaari, panatilihing buo ang texture ng instrumental na gawa. Ang gawain ng gumagawa ng instrumento ay ilipat ang mga ito, pagkatapos ng maingat na pagsusuri ng mga function ng symphonic score, sa marka ng Russian folk orchestra. Kung pinag-uusapan natin ang pagtatantya ng mga timbre ng isang symphony orchestra gamit ang paraan ng isang Russian orchestra, maaari nating ipagpalagay na ang string group ng isang folk orchestra, higit sa lahat domras, ay tumutugma sa bow group ng isang symphony orchestra, at button accordions ay tumutugma sa ang woodwind at brass groups. Gayunpaman, ito ay totoo lamang sa isang tiyak na lawak at hangga't ang pag-unlad ng materyal ay tumutugma sa katangian, teknikal na kakayahan at lakas ng tunog ng mga nakalistang grupo.
Ang mga walang karanasan o baguhan na mga manlalaro ng instrumento ay madalas na nakikita ang gawain ng muling pag-instrumentasyon lamang sa mga sulat ng bow group - mga domram, at ang wind group - mga bayan, nang hindi isinasaalang-alang ang mga timbre, lakas ng tunog, o mga teknikal na kakayahan ng mga instrumento.
Kung ang mga instrumentong woodwind ay kahit papaano ay katumbas ng pangkat ng akurdyon, lalo na sa mga tuntunin ng lakas ng tunog, kung gayon ang pangkat ng tanso sa tunog tutti – f kung ihahambing sa isang butones na grupo ng accordion, nangangailangan ito ng karagdagang mga mapagkukunan na umakma sa lakas ng tunog. Ang paggaya sa isang brass group, ang mga button accordion ay dapat ipakita sa octave o chords kung ang texture ay harmonic, kasama ang balalaikas tremolo chords. At kung minsan ito ay hindi sapat; materyal na pangmusika Ang bow group ay buo o bahagyang ipinagkatiwala sa button accordion group (technically complex material, high tessitura, arpeggiated texture) at vice versa (bagaman hindi gaanong madalas), kapag ang melodic function ng wind instruments ay ginampanan ng domra at balalaika group. Kapag inihambing ang mga kulay ng isang symphony orchestra sa isang folk orchestra, na sa halip ay mahirap sa timbre, ito ay nagkakahalaga ng pagsasaalang-alang: makatuwiran bang muling i-instrumento ang mga gawa kung saan ang may-akda ay gumagamit ng pintura bilang batayan? matalinghagang katangian(tulad ng Dukas, M. Ravel, C. Debussy). Ito ay mas kapaki-pakinabang upang muling i-instrumentong mga piyesa na nauugnay sa katutubong awit na batayan at magkatulad sa karakter, kalikasan at paraan ng Russian folk orchestra.
Isinasaalang-alang ang mga tiyak na kakayahan ng Russian folk orchestra, kinakailangan sa isang tiyak na lawak na "ihiwalay" mula sa tunay na tunog ng isang symphony orchestra, at sa parehong oras ay mapanatili ang pangunahing ideya ng may-akda.
Narito ang ilang halimbawa ng muling pag-orkestra ng isang symphonic na marka.
Tingnan ang Appendix (halimbawa blg. 95)
Ang halimbawang ito ay eksaktong sumasalamin sa kaso kung posible na ilipat ang buong texture ng isang symphony orchestra sa isang folk orchestra, halos walang pagbabago. Ang tanging bagay ay ang pedal, na ginagawa ng oboe at mga sungay sa symphonic score, ay itinalaga sa isang grupo ng mga balalaikas. At hindi ito isang hindi mapag-aalinlanganang desisyon - may mga pagpipilian.
Tingnan ang Appendix (halimbawa Blg. 96 a, halimbawa Blg. 96 b)
Sa halimbawang ito, mas mahusay na ilipat ang bahagi ng mga unang biyolin sa pindutan ng akurdyon I, dahil sa domra ang rehistrong ito (ang unang tatlong hakbang) ay hindi maginhawa at masama ang tunog. Ang mga tunog ng pedal ng kahoy ay ginagawa sa pamamagitan ng button accordion II plus prima balalaikas. Ang pag-andar ng pangkat ng mga instrumentong tanso ay ipinagkatiwala sa III button accordion at balalaikas, segundo at violas. Ito lang siguro ang tamang desisyon.
Tingnan ang Appendix (halimbawa Blg. 97 a, halimbawa Blg. 97 b)
Sa fragment na ito ng symphony, ang mga bahagi ng una at pangalawang violin ay ginagampanan ng mga accordion, dahil nilikha nila ang magalang na background na ito nang mas malinaw kaysa sa domras. Harmonic pedal para sa domras at balalaikas approx. Upang gawing mas kitang-kita ang tema (ito ay pinangungunahan ng mga violas), kino-duplicate ito ng ikatlong button na akordyon (bilang isang subtimbre). Ang ganitong pagtatanghal ng texture ay hindi lumalabag sa intensyon ng may-akda, ngunit, sa kabaligtaran, nag-aambag sa pagsisiwalat ng masining na imahe.
Isaalang-alang natin ang isa pang pagpipilian para sa muling instrumento, kapag ang texture ng mga instrumento ng hangin ay malinaw na nakahiwalay mula sa pagganap na gawain ng mga instrumentong string. Sa isang symphony orchestra, tulad ng sa isang folk orchestra, ang pinakamalaking grupo ay ang mga string. Para sa anumang nuance (sa sa kasong ito p) tunog ng mga instrumentong kuwerdas, mayaman at nakakaalarma. Kapag muling ginagamit ang fragment na ito, kinakailangang magdagdag ng balalaika group sa domra group upang makakuha ng parehong epekto.
Tingnan ang Appendix (halimbawa Blg. 98.a, halimbawa Blg. 98 b)
Ang lahat ng mga halimbawa ng muling instrumento ay ibinibigay para sa isang buong komposisyon ng isang orkestra ng katutubong instrumento na walang grupong tanso. Kung ang orkestra ay may hindi bababa sa isang plauta at isang oboe, kung gayon ang gawain ng gumagawa ng instrumento ay lubos na pinasimple - lumilitaw ang isang mapagkukunan sa pangkat ng mga button accordion at balalaikas para sa pagpapatupad ng iba pang mga gawaing masining.
Panitikan
Andreev V. Mga materyales at dokumento. / V. Andreev. – M.: Muzyka, 1986.
Alekseev P. "Russian folk orchestra" - M., 1957.
Alekseev I. Russian folk orchestra. / I. Alekseev - M., 1953.
Blok V. Orchestra ng mga instrumentong katutubong Ruso. / V. Blok. – M.: Muzyka, 1986.
Basurmanov A. Handbook ng accordion player. / A. Basurmanov. – M.: kompositor ng Sobyet, 1987.
Vertkov K. Mga instrumentong katutubong Ruso. / K. Vertkov. – L., 1975.
Vasiliev Yu Isang kwento tungkol sa mga instrumentong katutubong Ruso. / Yu. Vasiliev, A. Shirokov. – M.: kompositor ng Sobyet, 1976.
Vasilenko S. Instrumentasyon para sa symphony orchestra. / S. Vasilenko. T. 1. - M., 1952.
Gevart F. Bagong kurso instrumentasyon. / F. Gevart. – M., 1892.
Gevart F. Metodolohikal na kurso ng instrumentasyon. / F. Gevart. – M., 1900.
Glinka M. Mga tala sa instrumentasyon. Pamanang pampanitikan. / M. Glinka. – L.-M., 1952.
Zryakovsky N. Pangkalahatang kurso ng instrumentasyon. / N. Zryakovsky. – M., 1963.
Zryakovsky N. Mga problema sa pangkalahatang kurso ng instrumentasyon. / N. Zryakovsky. Bahagi 1. – M., 1966.
Kars A. Kasaysayan ng orkestrasyon. / A. Kars. – M.: Muzyka, 1990.
Konyus G. Aklat ng suliranin sa instrumentasyon. / G. Konyus. – M., 1927.
Maksimov E. Orchestras at ensembles ng Russian folk instruments. / E. Maksimov. – M., 1963.
Rimsky-Korsakov N. Mga Batayan ng orkestra. / N. Rimsky-Korsakov. – M., 1946.
Rimsky-Korsakov N. Mga Batayan ng orkestra. – Mga akdang pampanitikan at pagsusulatan. / N. Rimsky-Korsakov. T. 3. - M., 1959.
Rozanov V. Instrumentasyon. / V. Rozanov. – M.: kompositor ng Sobyet, 1974.
Tikhomirov A. Mga instrumento ng Russian folk orchestra. / A. Tikhomirov. – M., 1962.
Chulaki M. Mga instrumento ng symphony orchestra. / M. Chulaki. – M., 1962.
Shishakov Y. Instrumentasyon para sa isang orkestra ng mga instrumentong katutubong Ruso. / Yu. – M., 1964.
1 Saanman, kapwa sa simula at kasunod nito, lahat ng mga halimbawa ng musika ay isinulat nang walang piccolo domra, dahil Ang instrumentong ito ay hindi ginagamit sa karamihan ng mga orkestra.
Ang kursong instrumentasyong ito ay inilaan para sa praktikal na pag-aaral ng disiplinang ito sa isang unibersidad ng musika; ito ay inilaan lalo na para sa mga mag-aaral ng theoretical at composition department (pangunahin ang mga kompositor at bahagyang theorists lamang).
Ang instrumentasyon ay isang praktikal na disiplina, na naging mapagpasyahan para sa nilalaman at istraktura ng aklat-aralin na ito. Detalyadong Paglalarawan Hahanapin ng mag-aaral ang mga katangian ng kanilang mga saklaw, katangian at tampok ng kanilang mga rehistro sa mga aklat-aralin sa agham ng instrumento. Dito ay nagbibigay lamang kami ng maikling - sa lawak na kinakailangan para sa praktikal na gawain - pagsasaalang-alang sa mga pangkat ng orkestra na kasama sa orkestra ng symphony - yumuko, woodwind at tanso, pati na rin ang mga orkestra - yumuko, maliit na symphonic at malaking symphonic. Ang kursong ito ay kumakatawan sa paunang yugto ng pag-aaral ng instrumentasyon; Para sa mga kadahilanang pedagogical, ipinakilala nito ang isang bilang ng mga paghihigpit sa paggamit ng mga indibidwal na instrumento at grupo ng orkestra, kapwa may kaugnayan sa matinding mga rehistro at mga teknikal na kakayahan. Sa karagdagang praktikal na aktibidad ng batang orkestra, habang pinagkadalubhasaan niya ang sining ng orkestra, natural na mawawala ang mga paghihigpit na ito.
Kasama sa aklat-aralin ang mga espesyal na pagsasanay: sa pag-aayos ng mga chord sa mga nakayukong instrumento, sa woodwinds, tanso, mga pagsasanay sa pagkonekta ng mga grupo ng kahoy at tanso, pati na rin sa pag-aayos ng mga chord 1 at 3 sa isang malaking symphony orchestra. Ang pangunahing lugar sa aklat-aralin ay inookupahan ng mga gawain na nakaayos sa isang mahigpit na tinukoy at sistematikong pagkakasunud-sunod para sa lahat ng mga grupo ng orkestra nang hiwalay - mga string, kahoy, tanso - at para sa maliit at malalaking symphony orchestra.
Kapag kumukuha ng kursong instrumentasyon, ginagamit ito ng mga gurong namumuno sa kursong ito bilang materyal para sa Praktikal na trabaho karaniwang ginagamit ng mga mag-aaral ang mga piyesa ng piano. Gayunpaman, ang mga piraso na angkop para sa layuning ito at nakakatugon sa lahat ng mga kinakailangan na dapat nilang matugunan (mga gawa kung saan ang mga timbre at function ng mga indibidwal na instrumento at mga grupo ng orkestra ay malinaw at malinaw na makikilala, ngunit sa parehong oras ay maliit sa tagal at sukat) ay napakakaunti. . Siyempre, halos lahat ay maaaring i-orkestra piraso ng piano, ngunit napakabihirang sa kanila, pagkatapos ng orkestra, ay magbibigay ng impresyon na partikular na binubuo para sa orkestra. Samakatuwid, kailangan kong gumawa ng mga espesyal na problema, puro orkestra sa texture, na naging batayan ng Practical Course sa Instrumentation.
Ang musikal na materyal ng mga iminungkahing gawain ay halos simple sa melodic, harmonic at textural terms. Ang isang bilang ng mga gawain ay maliit na prelude na piraso, kumpleto sa anyo, para sa orkestra, kung saan ang koneksyon sa pagitan ng nilalaman ng musika, musikal na anyo, melody, pagkakatugma, ang pagbuo ng pagganyak at orkestra ay nagkakaroon na ng puwersa.
Ang kursong ito ay nagtatakda bilang pangunahing layunin nito na paunlarin ang pakiramdam ng mag-aaral sa orkestra at turuan siyang mag-isip nang orkestra, kapwa sa timbre at textural na mga termino. Ang pagkabigong sumunod sa mga kundisyong ito ay hahantong sa abstract na komposisyon ng musika, at ang pagkakaayos nito sa isang orkestra ay magiging inorganic.
Upang makabisado ang pamamaraan ng orkestra, dapat munang pag-aralan ng isang mag-aaral ang mga kakayahan ng bawat instrumento na bahagi ng orkestra: ang saklaw nito, mga rehistro, ang lakas ng tunog sa mga ito, mga teknikal na kakayahan at iba pang mga indibidwal na katangian at tampok. At gayundin ang relasyon sa pagitan ng mga instrumento at grupo ng orkestra. Dapat niyang iposisyon ang chord tutti, makamit ang pantay ng tunog, tiyaking malinaw na maririnig ang lahat ng iba't ibang elemento ng texture, at marami pang iba. Ang isang mahalagang papel sa mastering orchestration ay ginagampanan ng kakayahang mag-isip nang lohikal, na lubhang nakakatulong sa paghahanap ng mga tamang timbre, ang kanilang mga kumbinasyon at ang pagkakasunud-sunod ng kanilang mga paghahalili. Ang lahat ng ito ay mas madaling maunawaan at matutunan sa simpleng wika ng mga iminungkahing gawain. Tulad ng sa lahat ng larangan ng pagkamalikhain at agham (at ang orkestra ay pagkamalikhain at agham), upang makapasa sa yugto ng pag-aaral, kailangan mong lumipat mula sa simple hanggang sa kumplikado. Ang mga kompositor ng mag-aaral, anuman ang istilo at direksyon ng pagsulat nila ng musika, sa kanilang hinaharap na gawain ay kailangan pa ring harapin ang pangangailangan na maiposisyon nang tama ang chord sa tutti (kahit na ito ay hindi isang simpleng triad, ngunit binubuo ng lahat ng labindalawang tunog ), master ang kumbinasyon at paghahalili ng iba't ibang timbre at lahat ng iba pang elemento na kasama sa konsepto ng pamamaraan ng orkestra. At muli, mas madaling matutunan ito gamit ang simpleng materyal. Ang pagkakaroon ng mastered sa unang yugto ng mastering isang orkestra, ang kompositor ay mamaya mahanap ang kanyang sariling estilo ng orkestra na kailangan niya para sa kanyang musika. (Nga pala, tinuruan ni A. Schoenberg ang kanyang mga estudyante gamit ang simpleng materyal ayon sa klasikal na sistema.)
Tulad ng malinaw na sa sinabi, bago magpatuloy sa praktikal na solusyon sa mga problemang kasama sa aklat-aralin na ito para sa mga instrumentong nakayuko, woodwind, at tanso, dapat mahigpit na maunawaan ng mag-aaral ang mga pangunahing kaalaman sa instrumento (sa pagpapasya ng guro, mula sa alinman sa mga magagamit na aklat-aralin). Lubos kong inirerekumenda na pag-aralan mong mabuti ang aklat ni N. Rimsky-Korsakov na "Mga Pangunahing Kaalaman ng Orkestrasyon", kasama ang mga talahanayan sa pangkat ng bow, grupo ng woodwind, grupo ng tanso, pati na rin ang mga kabanata na tumatalakay sa pagkakatugma sa woodwind at mga instrumentong tanso. Sa mga kabanatang ito Espesyal na atensyon Dapat bigyang-pansin ng isa ang mga halimbawa tungkol sa lokasyon ng pagkakaisa sa woodwinds, tanso at sa kanilang mga koneksyon.
Ang mga pagsasanay sa kursong ito ay dapat ding tapusin bago lutasin ang mga kaukulang problema.
At pagkatapos lamang nito maaari mong simulan ang aktwal na paglutas ng mga problema.
Sa lahat ng mga problema na iminungkahi dito, ang musikal na materyal ay ipinakita sa paraang ang tamang solusyon nito sa marka, maliban sa maliliit na detalye, ay hindi nagpapahintulot ng mga pagkakaiba-iba. Dapat marinig at piliin ng mag-aaral ang pinaka-katangiang mga timbre para sa isang partikular na function ng umiiral na texture, sa ilang mga kaso punan ang nawawalang gitna sa mga chords, minsan magdagdag ng octave bass, at makahanap ng magandang voice leading.
Ang paglutas ng mga madaling problema ay maaaring gawin nang pasalita sa ilalim ng gabay ng isang guro. Ang mas kumplikadong mga gawain o indibidwal na mga sukat ng mga ito ay nasa marka.
Dapat itong isaalang-alang na ang mga rekomendasyong inaalok sa aklat-aralin tungkol sa paggamit ng mga indibidwal na instrumento, mga grupong orkestra at ang kanilang mga kumbinasyon at kahalili ay nalalapat lamang sa mga gawain at pagsasanay na matatagpuan sa kursong ito. Samakatuwid, hindi lahat ng mga posibilidad ng mga instrumento at ang kanilang pakikipag-ugnayan sa isa't isa sa orkestra ay ipinakita dito. Ang mga paghihigpit na ito ay sadyang ipinakilala, at ang mga ito ay kinakailangan sa paunang yugto ng isang mag-aaral na pinagkadalubhasaan ang orkestrasyon. Matapos makapagtapos mula sa konserbatoryo at magsimula ng isang independyente malikhaing buhay, ang batang kompositor mismo ang makakahanap ng solusyon sa ilang problemang orkestra na haharap sa kanya. Siyempre, imposibleng gumawa ng mga problema para sa lahat ng posibleng kaso ng orkestrasyon. Ito ay halos hindi kinakailangan. Ang orchestration ay hindi pagpipinta ng abstract na binubuo ng musika sa iba't ibang kulay at timbre, ngunit isa sa mga bahagi anyong musikal, tulad ng melody, harmony, pag-unlad at pag-uulit ng mga motif, atbp. Samakatuwid, kapag bumubuo ng isang orkestra na gawa, ang kompositor ay dapat na tumpak na isipin ang tunog ng orkestra, ang orchestral texture at marinig ang bawat musikal na parirala, melody, harmony, chord sa timbre ng orkestra.
Ngayon gusto kong pag-usapan ang mga pinakakaraniwang pagkakamali na ginagawa ng mga nagsisimulang kompositor kapag nagsusulat ng musika/mga marka para sa isang symphony orchestra. Gayunpaman, ang mga error na gusto kong itawag sa iyong pansin ay karaniwan din hindi lamang sa symphonic music, ngunit gayundin sa musika sa estilo ng rock, pop, atbp.
Sa pangkalahatan, ang mga error na nakatagpo ng isang kompositor ay maaaring nahahati sa dalawang grupo:
Ang una ay ang kakulangan ng kaalaman at karanasan. Ito ay isang madaling itama na bahagi.
Ang pangalawa ay isang kakulangan ng karanasan sa buhay, mga impression at isang pangkalahatang hindi matatag na pananaw sa mundo. Mahirap ipaliwanag, ngunit ang bahaging ito ay minsan mas mahalaga kaysa sa pagkakaroon ng kaalaman. Pag-uusapan ko ito sa ibaba.
Kaya, tingnan natin ang 9 na pagkakamali na dapat bigyang pansin.
1. Walang malay na paghiram
Nabanggit ko na ito sa isa sa aking mga podcast (). Ang unconscious plagiarism o unconscious borrowing ay isang rake na halos lahat ay nahuhulog. Ang isang paraan upang labanan ito ay ang makinig sa iba't ibang musika hangga't maaari. Kadalasan, kung makikinig ka sa isang kompositor o performer, malakas ang impluwensya niya sa iyo, at ang mga elemento ng kanyang musika ay tumatagos sa iyo. Gayunpaman, kung makikinig ka sa 100-200 o higit pang iba't ibang kompositor/grupo, hindi ka na kumopya, ngunit gagawa ng sarili mong kakaibang istilo. Ang paghiram ay dapat makatulong sa iyo, at hindi maging isa pang Shostakovich.
2. Kakulangan ng balanse
Ang pagsulat ng balanseng marka ay medyo isang kumplikadong proseso; Kapag nag-aaral ng instrumento, ang espesyal na pansin ay binabayaran sa sonority ng bawat grupo ng orkestra kung ihahambing sa iba. Ang bawat multi-layered consonance ay nangangailangan ng kaalaman sa dynamics ng mga indibidwal na instrumento.
Katangahan ang sumulat ng chord para sa tatlong trumpeta at isang plauta, dahil ang plauta ay hindi maririnig kahit na sa gitnang dinamika ng tatlong trumpeta.
Maraming ganyang moments.
Halimbawa, ang isang piccolo flute ay maaaring hampasin buong orkestra. Maraming mga subtleties ang may karanasan, ngunit malaking papel gumaganap ng kaalaman.
Ang pagpili ng texture ay gumaganap din ng isang mahalagang papel - adhesion, layering, overlay at framing sa pagkakaroon ng parehong mga instrumento, nangangailangan sila ng iba't ibang mga dinamika. Nalalapat ito hindi lamang sa orkestra.
Sa mayamang rock at pop arrangement, mahalagang isaalang-alang ito sa halip na umasa sa paghahalo. Bilang isang patakaran, ang isang mahusay na pag-aayos ay hindi nangangailangan ng interbensyon mula sa panghalo (ibig sabihin ang taong gumagawa ng paghahalo).
3. Hindi kawili-wiling mga texture
Ang paggamit ng mga monotonous na texture sa mahabang panahon ay nakakapagod para sa nakikinig. Pag-aaral ng mga marka ng mga masters, makikita mo na ang mga pagbabago sa orkestra ay maaaring mangyari sa bawat sukat, na patuloy na nagpapakilala ng mga bagong kulay. Napakabihirang ang isang melody na tinutugtog ng isang instrumento. Ang mga duplikasyon ay patuloy na ipinakilala, nagbabago ng mga timbre, atbp. Ang pinakamahusay na paraan iwasan ang monotony - pag-aralan ang mga marka ng ibang tao at pag-aralan nang detalyado ang mga pamamaraan na ginamit.
4. Extra effort
Ito ay ang paggamit ng hindi pangkaraniwang mga diskarte sa paglalaro, ang mga nangangailangan ng labis na konsentrasyon mula sa mga gumaganap. Karaniwan, ang mga simpleng diskarte ay maaaring gamitin upang lumikha ng isang mas euphonious na marka.
Ang paggamit ng mga bihirang pamamaraan ay dapat na makatwiran at maaari lamang gamitin kung ang nais na emosyonal na epekto ay hindi makukuha sa anumang iba pang paraan. Siyempre, ginagamit ni Stravinsky ang mga mapagkukunan ng orkestra sa maximum, ngunit nawalan siya ng nerbiyos. Sa pangkalahatan, mas simple ang mas mahusay. Kung magpasya kang gumawa ng avant-garde, maghanap muna ng isang orkestra na handang tumugtog nito :)
5. Kakulangan ng emosyon at lalim ng intelektwal
Ang balanseng patuloy kong sinasabi.
Kailangan mong mamuhay ng isang kawili-wiling buhay upang magkaroon ng emosyon sa iyong musika. Halos lahat ng kompositor ay naglakbay at nagsagawa ng masinsinang buhay panlipunan. Mahirap makakuha ng mga ideya kung sarado ka sa loob ng apat na pader. Mahalaga rin ang intelektuwal na bahagi - dapat ipakita ng iyong musika ang iyong pananaw sa mundo.
Ang pag-aaral ng pilosopiya, esotericism, at mga kaugnay na sining ay hindi isang kapritso, ngunit isang kinakailangang kondisyon para sa iyong malikhaing pag-unlad. Upang magsulat ng mahusay na musika, kailangan mo munang maging isang mahusay na tao sa loob.
Iyon ay, paradoxically, upang magsulat ng musika, ito ay hindi sapat upang malaman lamang ito. Kailangan mo ring makipag-usap sa mga tao, kalikasan, atbp.
6. Hysteria at intellectual overload
Ang labis na damdamin o malamig na intelektwalidad ay humantong sa isang kabiguan sa musika. Ang musika ay dapat na isang emosyon na kinokontrol ng isip, kung hindi man ay nanganganib na mawala ang pinakadiwa ng musikal na sining.
7.Paggawa ng template
Ang paggamit ng mga itinatag na cliches, cliches, atbp. ay pumapatay sa pinakadiwa ng pagkamalikhain.
Kung gayon, bakit ka mas mahusay kaysa sa isang tagapag-ayos ng sasakyan?
Mahalagang magtrabaho sa pagiging natatangi ng bawat isa sa iyong mga gawa, maging ito ay isang marka o isang pag-aayos ng isang pop na kanta, ang iyong Sarili ay dapat na madama dito para maiwasan ang pag-uulit. Siyempre, minsan magandang gumamit ng mga template dahil maganda ang pakinggan nila, ngunit bilang resulta, nawawala ang pinakamahalagang bagay - ang iyong sarili.
8. Kamangmangan sa mga kasangkapan
Kadalasan ang mga hanay ng mga instrumento ay ginagamit nang hindi tama, ang mahinang kaalaman sa mga diskarte ay humahantong sa katotohanan na ang mga manlalaro ng orkestra ay hindi maaaring gumanap sa iyong mga bahagi.
At, ang pinaka-kawili-wili, ang isang mahusay na nakasulat na bahagi ay pakinggan kahit sa isang VST, ngunit ang mga bahagi na isinulat nang hindi isinasaalang-alang ang mga katangian ng instrumento ay hindi masyadong kapani-paniwala kahit na sa live na pagganap.
Bigyan kita ng isang simpleng halimbawa.
Dahil ako ay isang gitarista, upang matukoy ang playability ng isang bahagi, kailangan ko lang tingnan ang mga tala upang maunawaan kung paano akma ang bahagi sa gitara. Ibig sabihin, karamihan sa mga bahagi ay pisikal na nalalaro, ngunit ang mga ito ay maaaring hindi maginhawa na walang saysay na pag-aralan ang mga ito, o ang mga ito ay isinulat sa paraang, kahit na tumugtog sa isang gitara, ang mga ito ay tutunog na parang ibang instrumento. . Upang maiwasan ito, kailangan mong mag-aral ng mga solong gawa para sa mga instrumentong sinusulatan mo. Maipapayo na matutunan ang mga pangunahing pamamaraan ng laro.
Halimbawa, kaya kong tumugtog ng lahat ng instrument ng rock band + trumpeta, flute, double bass at ilang drums. Hindi ito nangangahulugan na maaari akong pumili at tumugtog ng hindi bababa sa isang malinaw na melody, ngunit kung kinakailangan, maaari ko itong matutunan at i-play ito kahit papaano nang may pagka-clumsily :)
Ang pinakamagandang bagay ay maghanap ng soloista at ipakita sa kanya ang iyong trabaho, kaya mabilis kang matututong magsulat ng mga puwedeng laruin at maginhawang bahagi. Bilang karagdagan, mahalaga na ang iyong mga bahagi ay madaling i-sight-play o mabilis na kunan (kung nagsusulat ka para sa mga musikero ng session).
9. Artipisyal na tunog na mga marka
Dahil ang karamihan sa mga may-akda ay nagtatrabaho sa VST, napakahalaga na ang iyong mga marka ay mukhang makatotohanan nang kaunti o walang pagwawasto. Tulad ng isinulat ko sa itaas, maganda ang pagkakasulat ng mga bahagi kahit sa regular na MIDI. Nalalapat ito sa parehong komposisyon ng rock at isang buong orkestra ng symphony. Mahalagang tiyakin na ang nakikinig ay hindi nag-iisip: ang orkestra ay tunog ng mekanikal o ang mga tambol ay gawa ng tao. Siyempre, sa maingat na pakikinig maaari mong palaging makilala ang isang live na pagganap mula sa isang programa, ngunit ang isang hindi musikero at 90% ng mga musikero ay hindi magagawa ito, sa kondisyon na nagawa mo nang perpekto ang iyong trabaho.
Good luck at maiwasan ang mga pagkakamali.
Leonard Bernstein
Hindi ko alam kung narinig mo na ba ang salitang "instrumentasyon", "orkestrasyon"? Samantala, ito marahil ang pinakakawili-wiling bagay sa musika.
Tulad ng maaari mong hulaan, ang salitang "instrumentasyon" ay may kinalaman sa mga instrumento - mabuti, siyempre, sa mga instrumentong pangmusika.
Kapag ang isang kompositor ay lumikha ng musika para sa isang orkestra, dapat niyang isulat ito sa paraang aktuwal na matutugtog ito ng orkestra, gaano man karami ang mga instrumento nito: pito, labimpito, pitumpu, o marahil isang daan at pito (sa modernong malaking orkestra na eksakto kung gaano karaming mga instrumento - isang daan at pito!). At dapat alam ng bawat musikero sa orkestra kung ano ang tutugtog at kung anong oras. Para magawa ito, inaayos ng kompositor ang kanyang musika. Ang orkestra ay napakahalaga sangkap pagbubuo ng musika.
Ang kompositor ng Russia na si Rimsky-Korsakov ay isang mahusay na master ng orkestrasyon. Sumulat siya ng isang sikat na libro sa mundo, "Mga Batayan ng Orkestrasyon," at maraming kompositor ang nag-aral mula sa aklat na ito at ginaya si Rimsky-Korsakov. Sa halos bawat gawa niya, kumikinang ang orkestra sa lahat ng kulay at kumbinasyon ng mga tunog. At ginagawa ito ng kompositor para sa kalinawan ng musika, at hindi lamang upang ipakita ang kanyang husay. Ito ay hindi kasing simple ng maaaring tila.
Kung titingnan natin, halimbawa, sa mga tala ng Rimsky-Korsakov's Capriccio Espagnol, makikita natin na apat na bar lamang ang magkasya sa isang buong pahina. Ang bawat instrumento - mula sa piccolo flute hanggang sa double bass - ay tumutugtog ng apat na sukat na ito sa sarili nitong paraan, at, samakatuwid, kailangan mong isulat ang iyong sariling linya para sa bawat isa.
Maiisip ng isang tao na nang binubuo ni Rimsky-Korsakov ang musikang ito, nang marinig niya ito sa kanyang sarili, sabay-sabay niyang naramdaman ang apat na linya ng musika: ang pangunahing melody, at isang espesyal na ritmo ng Espanyol bilang isang saliw, at isa pang himig na kahanay ng una, at, sa wakas, isa pa, ibang ritmong Espanyol - saliw.
At kaya siya ay nahaharap sa isang problema: kung paano isulat ang musikang ito para sa isang symphony orchestra ng isang daang tao upang sila ay maglaro nang magkasama? Hindi lang magkasama! Upang ang lahat ng apat na linyang ito ay kumonekta at tunog malinaw, malakas, kapana-panabik! Paano ito gagawin? Ibinahagi ni Rimsky-Korsakov ang apat na linyang ito sa pagitan ng mga instrumento tulad ng sumusunod:
Ibinigay niya ang pangunahing himig ng sayaw (sinasabi ng mga musikero ang "tema") sa mga trombone.
Ang pangalawa, parallel melody - sa mga violin.
Hinati niya ang unang ritmong Espanyol sa pagitan ng woodwind at sungay.
Ang pangalawang ritmo ng Espanyol ay ibinigay sa mga trumpeta at timpani kasama ng iba pang bass at tambol.
Pagkatapos ay nagdagdag siya ng trabaho sa iba pang mga instrumento ng pagtambulin: tatsulok, castanets, tamburin, upang bigyang-diin ang likas na katangian ng Espanyol ng ritmo.
Ang lahat ng mga tunog na ito ay pinagsama-sama ay napakahusay. Ano ang ginawa ni Rimsky-Korsakov? Kinuha niya ang mga walang laman na notes na naglalaro sa kanyang ulo at binihisan ang mga iyon. Ngunit ang magandang orkestra ay hindi lamang ang pananamit ng musika. Ito ay dapat na tamang orkestra para sa bawat piraso ng musika. Pagkatapos ng lahat, ang mga damit ay dapat na angkop: para sa maulan na panahon- isa, para sa gabi - isa pa, para sa larangan ng palakasan - isang pangatlo. Ang hindi maayos na pag-orkestra ng musika ay parang pagsusuot ng sweater para lumangoy sa pool.
Kaya, tandaan natin: ang ibig sabihin ng mahusay na instrumento ay orkestrasyon na eksaktong akma para sa ibinigay na musika, na ginagawa itong malinaw, matunog, at epektibo.
Siyempre, hindi ito madaling makamit. Isipin kung ano ang dapat malaman ng isang kompositor upang i-orkestrate ang musika na kanyang nilikha.
Una, dapat maunawaan ng kompositor kung paano hawakan ang bawat instrumento nang paisa-isa. Ano ang kayang tugtugin ng instrumentong ito at kung ano ang hindi nito; ano ang kanyang pinakamataas at pinakamababang tunog; maganda at hindi gaanong magagandang tala. At sa pangkalahatan, kailangan mong isipin ang lahat ng mga tunog na maaaring makuha mula sa instrumentong ito!
Pangalawa, dapat alam ng kompositor kung paano ikonekta ang iba't ibang instrumento, kung paano balansehin ang kanilang tunog. Kailangan niyang mag-ingat na ang malalaki at malalakas na instrumento tulad ng trombone ay hindi lumulunod sa mga tunog na mas tahimik, mas malambot, tulad ng plauta. O para hindi malunod ng mga drum ang tunog ng mga violin. At kung magsusulat siya ng musika para sa teatro o para sa isang orkestra ng opera, kailangan niyang mag-ingat na hindi malunod ng mga instrumento ang mga mang-aawit. At marami pang problema!
Ngunit ang pinakamahalagang problema ay ang problema sa pagpili. Isipin mo na lang na nakaupo ka sa harap ng isang orkestra ng isang daan at pitong instrumento ng lahat ng uri, at isang daan at pitong musikero ang naghihintay para sa iyong desisyon - kung ano ang tutugtog at kailan!
Malamang naiintindihan mo kung gaano kahirap para sa isang kompositor na gumawa ng desisyon at piliin ang tama mula sa lahat ng mga instrumentong ito, hindi banggitin ang katotohanan na mayroong libu-libo at milyon-milyong mga posibleng kumbinasyon ng mga instrumento!
Upang mas maunawaan ang gawa ng kompositor, subukan nating magsanay ng instrumento sa ating sarili. Ito ay medyo abot-kaya.
Gumawa ng ilang maikling melody - ang pinakasimpleng, pinaka-hangal na gusto mo. Pagkatapos ay subukang i-orkestrate ito - kailangan mong magpasya kung paano ito gagawin sa iyong sarili! Subukan muna ang "o-o-o" na tunog - malambot at umuusbong, tulad ng isang organ o clarinet sa mababang rehistro. Matututo ba siya ng mabuti? Siguro oo siguro hindi. O baka kailangan mo ng mga tunog ng string? Subukang mag-hum o mag-hum, tahimik lang. Paano kung kailangan mo ng malakas na tunog ng string? Pagkatapos: zoo-um, zoo-um, za-zoo-um... O marahil isang bagay na mas angkop sa iyong melody mataas na tunog mga instrumentong kahoy, maikli at matutulis: tik-tik-tik. Subukan ang mga ito! O ta-ta-ta-ta-ta pipe? O tirli-tirli-tirli-tirli ng mga plauta? O kaya...
Aba, napakarami nila, iba't ibang tunog! Bilang karagdagan, maaari mong makita na ang tamang sagot ay hindi isang tunog, ngunit isang kumbinasyon ng dalawa o tatlong tunog.
Ngunit ang isa pang karanasan ay lalong magandang gawin sa gabi, kapag nakahiga ka sa kama, bago matulog. Subukang makinig ng ilang musika, isang musikal na tunog gamit ang iyong panloob na tainga. At pagkatapos ay isipin kung ano ang kulay ng musikang ito. Ano sa tingin mo? Maraming tao ang nag-iisip na ang mga tunog ng musika ay may mga kulay! Halimbawa, kapag kumanta ka ng "oh-oh", mukhang mala-bughaw sa akin. At kung gagawin mo ang "um-um, um-um", kung gayon ang kulay sa akin ay parang pula. O ako lang? Kapag kumanta ka ng "ta-ta-ta", nakikita ko ang maliwanag, orange. Nakikita ko talaga ang kulay sa isip ko. At kaya mo? Maraming tao ang nakakakita ng iba't ibang kulay kapag nakakarinig sila ng musika, at ang pangkulay na ito ng mga tunog ay bahagi ng orkestrasyon.
Ngunit paano nakayanan ng isang kompositor ang napakahirap na gawain - ang pagpili ng mga instrumento?
Mayroong dalawang paraan. Ang una ay ang pagsulat ng musika para sa mga instrumento na bahagi ng iisang pamilya. Halimbawa, para sa isang orkestra na binubuo lamang ng mga string - para sa isang string orchestra. Ang pangalawang paraan ay ang paghahalo ng mga instrumento mula sa iba't ibang pamilya, halimbawa cellos at oboes. Kung kinuha ng kompositor ang unang landas, kung gayon ito ay katulad ng kung inanyayahan niya ang mga kamag-anak sa gabi.
At kung ayon sa pangalawa, nagtipon siya ng mga kaibigan.
Ngunit ano ang ibig sabihin ng salitang "pamilya" na may kaugnayan sa mga instrumentong pangmusika? Ang salitang ito ay palaging ginagamit kapag nagsasabi sa mga bata tungkol sa orkestra. Halimbawa, pinag-uusapan nila ang tungkol sa isang pamilya ng mga instrumentong woodwind, at nagsimula ito: "ang ina ay klarinete," "lolo ay bassoon," "mga kapatid na babae ay piccolo," "nakatatandang kapatid na babae ay flute," "tiyuhin ay English horn," at iba pa. sa. Grabeng lisp! At gayon pa man mayroong katotohanan dito. Ang mga ito kasangkapang gawa sa kahoy talagang bumubuo ng isang bagay tulad ng isang pamilya. Ang mga ito ay magkakamag-anak dahil lahat sila ay nilalaro sa parehong paraan: sa pamamagitan ng pag-ihip ng hangin sa kanila, at lahat sila - o halos lahat - ay gawa sa kahoy. Kaya nga tinawag silang woodwinds. Ang mga musikero na tumutugtog ng mga instrumentong ito ay nakaupo malapit sa entablado.
Ang mga instrumentong ito ay may mga pinsan - clarinets ng iba't ibang uri, pagkatapos - saxophones, alto flute, oboe d'amour, counter-bassoon - isang mahabang listahan ngunit mayroon ding isang grupo ng mga pangalawang pinsan, mga sungay, na gawa sa tanso at Dapat ay kabilang sa pamilya ng mga instrumentong tanso ngunit napakahusay ng mga ito sa parehong kahoy at tanso!
Ngayong naging pamilyar na tayo sa pinalawak na pamilyang ito, tingnan natin kung paano ito magagamit sa instrumentasyon.
SA symphonic fairy tale Ang "Peter and the Wolf" ni Sergei Prokofiev ay may isang lugar kung saan inilarawan ang isang pusa - isang kahanga-hangang maliit na himig para sa clarinet. Ito ay isang napakatalino na pagpipilian. Walang ibang instrumentong woodwind ang makapagpahatid ng galaw ng isang pusa pati na rin ng clarinet. Siya ay may tulad na velvety, matamlay, pusa-tulad ng tunog! At upang kumatawan sa pato, pinili ni Prokofiev ang oboe. Ano ang maaaring mas mahusay kaysa sa quacking tunog ng isang oboe!
Ngunit sapat na tungkol sa mga instrumentong woodwind. Tingnan natin ang isa pang pamilya - ang string family.
Gumagamit kami ng apat na uri ng mga instrumentong may kuwerdas: mga violin (siyempre, madali mong makikilala ang mga ito). Tapos yung viola. Mukha silang violin, mas malaki lang ng kaunti at mas mababa ang tunog ng violin. Pagkatapos ay mga cello (mas malaki pa sila, at mas mababa pa ang tunog nito). At sa wakas, ang mga double bass ay ang pinakamalaki at pinakamababa.
At narito ang maaaring ikagulat mo: kahit iisa lang ang violin na tumutugtog, kailangan pa ring i-orkestrate ng kompositor ang musika para dito. Ito ay maaaring mukhang hangal - orkestra para sa isang instrumento? Ngunit ito ay orchestration sa miniature. Kahit isang instrumento ay pinipilit ang kompositor na pumili.
Una, dapat niyang piliin ang biyolin mula sa lahat ng mga instrumento, kung ito ay angkop sa musika na naririnig ng kompositor sa kanyang isipan.
Pagkatapos ay kailangan niyang gumawa ng marami pang pagpipilian: alin sa apat na kuwerdas ng biyolin ang tutugtog; kung saang direksyon dapat gumalaw ang busog, pataas o pababa; Dapat bang tumalbog ang busog (tawag sa mga musikero na ito na spiccato) o madulas nang maayos (legato), o marahil ay hindi mo dapat paglaruan ang isang busog, ngunit bunutin ang mga string gamit ang iyong daliri (pizzicato)?.. Muli, maraming mga posibilidad!
Ang bawat pagpipilian ay napakahalaga. Halimbawa, kung tumutugtog ang isang violinist sa D string, ang tunog ay lumalabas nang mas maselan, ngunit kung siya ay tumutugtog nang eksakto sa parehong mga nota, hindi mas mataas o mas mababa, ngunit sa G string, ang tunog ay lumalabas na ganap na naiiba, mas makapal at mas mayaman.
Ngayon isipin na hindi isang string instrument ang tumutugtog, ngunit apat - isang quartet. Ang bilang ng mga posibleng pagpipilian ay nakakagulat! Ang isang tipikal na string quartet ay binubuo ng dalawang violin, isang viola at isang cello, at ang mga mahuhusay na masters tulad ng Beethoven ay maaaring mag-orchestrate ng musika para sa apat na string na ito upang makabuo ng kamangha-manghang iba't ibang mga tunog at kulay.
Ang mga magagaling na kompositor ay laging naghahanap ng mga bago, mga espesyal na tunog. Sumulat sila ng musika para sa iba't ibang kumbinasyon ng mga instrumentong pangkuwerdas. Halimbawa, nagdagdag si Frans Schubert ng isa pang cello sa quartet - ito ay naging isang quintet (limang instrumento), at isang bagong kayamanan ng mga tunog ang ipinanganak. Bakit cello ang dinagdagan niya at hindi viola o ibang violin? At hindi isang double bass? Dahil alam niya: bibigyan siya ng cello ng eksaktong kulay na kailangan niya para sa musikang ito.
Ngayong napagmasdan na natin ang mga pamilyang woodwind, wind at string, tingnan natin ang dalawa pang pamilya sa komunidad ng orkestra - brass at percussion.
Walang kasing dami ng mga instrumentong tanso sa orkestra gaya ng mga kuwerdas, ngunit alam ng pamilyang ito kung paano makinig sa kanilang sarili! Narito ang mga miyembro nito: trumpeta, trombone, tuba at, siyempre, ang sungay, na nakilala namin kapag pinag-uusapan natin ang tungkol sa mga kahoy.
Mga kasangkapang tanso maaaring makabuo ng mga tunog ng iba't ibang kulay. At ang mga tunog na ito ay hindi palaging magiging malakas at brassy. Halimbawa, ang luma Italyano na kompositor Ang musika ng Gabriel para sa tanso ay parang isang echo;
Ngunit, siyempre, kadalasan ang tanso ay pamilyar sa tunog, tulad ng isang brass band sa isang parada.
Ang pamilya ng mga tambol na sumusunod sa tanso ay napakalaki. Malamang na aabutin ng isang buong linggo para ilista ang lahat ng mga instrumentong percussion, dahil halos kahit ano ay maaari instrumentong pagtambulin: kawali, kampana, baseball bat - anumang bagay na gumagawa ng ingay. Ang ulo ng pamilyang ito ay ang timpani; napapaligiran sila ng lahat ng uri ng tambol, kampana, tatsulok, simbalo... Ngunit magkasama sila ay isang pamilya, at may musikang isinulat partikular para sa mga tambol. Halimbawa, ang Mexican na kompositor na si Carlos Chavez ay gumawa ng isang piraso sa klasikong anyo Ang Toccatas ay eksklusibo para sa mga instrumentong percussion.
Ngunit ang mga attachment ng pamilya ng mga instrumento ay mas mababa sa palakaibigan, "sosyal" na mga kalakip: ang mga miyembro ng iba't ibang mga musikal na pamilya ay nagkakaisa upang gawing maganda at maliwanag ang musika. Nagsisimula ang lahat sa pinakasimpleng kumbinasyon: maingat na pinagmamasdan ng dalawang tao ang isa't isa - magiging magkaibigan kaya sila kung magtutulungan sila? Iyon pala! At narito ang isang sonata para sa plauta at piano, para sa dalawang instrumento mula sa napakalayong pamilya. Ngunit mahusay silang naglalaro nang magkasama! Sonata para sa violin at piano, cello at piano. Ang bawat kumbinasyon ng mga instrumento ay nagbibigay ng isang bagong tunog, isang bagong kulay. Ngunit pagkatapos ay ang pangatlo, ang ikaapat ay idinagdag sa dalawang instrumento - at mayroon kaming isang buong orkestra, dahil mayroon itong hindi bababa sa isang kinatawan mula sa bawat pamilya. Pagkatapos ay mayroong higit pang mga instrumento, sa halip na pitong musikero ay mayroon kaming labing pito, pitumpu at sa wakas ay isang daan at pito... Isipin kung ano ang maibibigay ng magagandang kumbinasyon ng mga tunog malaking orkestra, kung tumutugtog siya ng musika ng isang kompositor na dalubhasa sa sining ng instrumentasyon.
Isinalaysay muli ni S. Soloveichik.