Missa em Si menor de Bach. Missa de Bach em Si menor, ou o mundo da alma crente Missa de Bach em Si menor

Missa de JS Bach em Si Menor

A obra-prima mais monumental e em grande escala de Johann Sebastian Bach ainda hoje atrai grandes salas de concerto. A bela música penetra nas profundezas do coração e desperta na pessoa os pensamentos e aspirações mais sublimes. É incrível quanta influência a criação do filho do homem pode ter sobre outras pessoas.

Massa

Quase todos os compositores recorreram à música sacra de uma forma ou de outra. Havia também aqueles que escreviam exclusivamente para os cultos da igreja. Eles são pouco conhecidos do público em geral. Os grandes autores que entraram na história da cultura musical mundial escreveram com mais frequência versões de concerto de cantos litúrgicos baseados no texto canônico. O tema da relação entre o homem e Deus é um dos mais profundos e filosóficos, permitindo expressar uma gama muito complexa de sentimentos e pensamentos humanos.

A missa como gênero musical desenvolveu-se por volta dos séculos XIV-XV. Tradicionalmente, incluía as partes mais significativas do serviço litúrgico no catolicismo:

Kyrie eleison (Senhor, tenha piedade);
Glória (Glória);
Credo (Credo “Eu Acredito”);
Sanctus (Santo);
Agnus Dei (Cordeiro de Deus).

Os nomes são retirados das palavras iniciais das orações do culto. O texto religioso manteve-se sempre inalterado e foi executado pelo coro e solistas, acompanhados por órgão em latim. Posteriormente, as missas solenes passaram a ser escritas com som orquestral. A missa católica sempre foi mais pomposa e colorida, até mesmo para apresentações na igreja, sem falar nas apresentações no palco. Em comparação, o serviço ritual ortodoxo é mais modesto, os efeitos externos foram ativamente condenados pelo clero e até mesmo obras destinadas ao palco também foram escritas. PI Chaikovsky, S.V. Rachmanínov, SI. Taneev e muitos outros apelam à voz interior da alma humana. Já a Missa Católica glorifica a grandeza e o triunfo do Deus Absoluto. Esses recursos também são perceptíveis na música.

História da criação

Bach trabalhou nesta obra monumental durante décadas. Tendo começado a escrevê-lo em 1724, terminou-o por volta de 1749. Mas, ao mesmo tempo, a maior parte do material musical incluído (dois terços) foi retirado de obras previamente escritas, e o compositor fez edições até sua morte. A Missa em Si Menor tornou-se para ele o centro de toda a sua obra, o ápice e a oferenda àquela força vivificante que o dotou de um extraordinário dom musical.

O próprio Johann Sebastian era luterano de religião. Mas o eleitor (governante), a cujo serviço estava, converteu-se ao catolicismo, tornando-se rei da Polónia. Gradualmente, toda a corte de Dresden se converteu ao catolicismo. Bach, que na época era um compositor da corte com um salário muito substancial e, portanto, com grande liberdade artística, esforçou-se por cumprir conscientemente as suas funções. Foi assim que surgiram diversos oratórios, missas e cantatas.

Pela primeira vez, ele enviou as notas das duas primeiras partes (“Kyrie” e “Gloria”) ao seu governante em 1733, acompanhando-as com um modesto pedido de avaliação não de acordo com seus méritos, mas com a maior misericórdia do soberano . Naquele momento, esperava receber o cargo de maestro da corte, mas 4 anos depois assumiu.

Os pesquisadores apresentaram muitas suposições sobre o que serviu de motivo principal para a criação desta obra majestosa e grandiosa. De acordo com uma versão, Bach esperava completá-la com a abertura de uma nova igreja em Dresden no final da década de 1740. Mas a sua construção arrastou-se até 1751. Um ano antes, em 1750, Johann Sebastian Bach morreu.

Também foi assumido que seria esperado em forma final para um determinado evento em Viena, na Catedral de Santo Estêvão. Esta informação é baseada no relacionamento de Bach com um certo oficial de alto escalão, o conde Johann Adam von Questenberg. Mas muito provavelmente, tratava-se do desempenho de alguns números.

E, no entanto, a maioria dos estudiosos de Bach tende a acreditar que o próprio compositor procurou expandir significativamente as possibilidades de execução da música sacra; talvez ele próprio, com a perspicácia inerente ao gênio, tenha previsto o desenvolvimento subsequente da arte musical e seu papel na vida de sociedade.

O manuscrito foi preservado nos arquivos do segundo filho famoso de Johann Sebastian, Philipp Emmanuel Bach. Ele também escreveu a introdução orquestral antes de “Credo”, que não foi incluída na partitura original. Presumivelmente, o nome “High” para a missa apareceu com a mão leve do editor Zimrock em 1845.

Missa alta em si menor de Bach

João Sebastião Bach viveu numa época em que os compositores eram apoiados financeiramente pela Igreja e pela aristocracia. Trabalhou toda a vida como organista em várias paróquias. Além disso, ele era conhecido na Alemanha protestante como um excelente organista, professor e músico. Ele também teve a oportunidade de trabalhar como maestro da corte e figura pública de destaque, compondo músicas para eventos e cerimônias de entretenimento. Assim, ao longo da sua vida escreveu mais de 1000 obras de carácter secular e espiritual.

A Missa em H menor tornou-se a obra central de toda a sua obra. Seu gênio ponderou e projetou por muito tempo. Embora os historiadores da arte afirmem oficialmente que ele trabalhou nisso de 1733 a 1738, há informações de que a ideia poderia ter surgido já em 1724. Considerando a grandiosidade do plano, isso seria bastante natural.

A abordagem de Bach para repensar a missa difere significativamente do que era tradicional na época. Principalmente o conteúdo. Sua obra está repleta de profunda reflexão filosófica, uma espécie de monólogo e um apelo a Deus em nome de um mortal. Isto não é oração no seu sentido clássico; o conceito ideológico de tal apelo é muito mais profundo. As palavras do texto canônico aqui ajudam a “falar” a linguagem apropriada. Mas a dramaturgia é construída de acordo com todas as leis do drama - há conflito, oposição, muitos contrastes, imagens de tristeza, humildade, júbilo e raiva, raiva, completa e completa.

Bach pegou os números tradicionais e os expandiu significativamente, acrescentando várias seções adicionais a cada um. Como resultado, toda a Missa em Si Menor continha 24 números. Obviamente, durante a vida de Bach esta forma musical não poderia ser incorporada - ela exige dos intérpretes a maior habilidade, que não estava disponível para o coro da igreja, e no espaço secular não havia formato para ouvir uma obra musical tão complexa em um texto religioso (já que agora há um concerto). Mas números individuais (“Kyrie”, “Gloria”) foram executados.

Os objetivos e motivos que levaram o compositor a criar esta obra-prima ainda são objeto de debate científico. Carl Emmanuel Bach (filho de Johann Sebastian, que se tornou um pouco menos famoso que seu pai), chamou-a de Grande Missa Católica. A primeira execução de toda a missa foi documentada em 1859. Em meados do século XIX, foi amplamente reconhecida como uma das maiores composições da história da música e hoje é considerada a melhor obra vocal-coral.

Música da Missa em Si menor

Na forma, é um trabalho cíclico fechado composto por 24 números. Cada um deles pode ser executado separadamente, todos juntos possuem muitos elementos unificadores - este é o plano tonal, e os chamados “arcos temáticos”, uma sequência de números. Expandir o número de números, mantendo o texto original inalterado, foi possível separando frases individuais da oração em uma obra inteira. Isso também permitiu ao compositor colocar seus próprios acentos semânticos no conteúdo.

A riqueza das imagens da Missa é surpreendente. Há tristeza, alegria silenciosa, regozijo solene, esperança, sofrimento. Toda a gama de verdadeiros sentimentos humanos é transmitida pelo compositor com impressionante autenticidade e força. O princípio básico do desenvolvimento dramático, semelhante ao sinfônico, baseia-se na comparação contrastante de imagens, na alternância de partes corais e solo, câmara e tutty. Nisso, o autor também estava à frente de seus contemporâneos trabalhando em estilo polifônico.

As imagens líricas são incorporadas por instrumentos orquestrais e meios musicais. Assim, o tema da dor e do sofrimento (que começou no primeiro número de “Kyrie eleison”) é transmitido pelo som das cordas, o menor melódico é dominante, há muitos cromatismos, “entonações de suspiro”. O tema da reflexão leve e calma é expresso por instrumentos de sopro, escala maior, curvas suaves e harmoniosas e textura transparente. O tema do triunfo e da afirmação da fé é realizado em metais, em maior, em entonações ascendentes. A mudança nas cores do timbre apoia organicamente a ideia de oposição.

A Missa abre com uma fuga a cinco vozes « KyrieEleison." O forte forte da abertura é como o grito dos pecadores clamando por perdão. Este é o arrependimento coletivo de toda a raça humana, simbolizado pelo coro. Dividida em 3 partes, a oração “Senhor, tem piedade” tem ao centro um verso luminoso contrastante “Christe eleison” (Cristo, tem piedade), que se tornará um protótipo da futura celebração em “Gloria” (“Glória”) . Um desenvolvimento figurativo complexo de ponta a ponta é construído sobre um mecanismo semelhante de tecelagem de imagens de diferentes esferas em material musical e dramático.

Ouvir uma peça tem um impacto tremendo nos ouvintes. Escrita com a maior competência compositora e psicológica, há mais de 250 anos, hoje não só não perdeu a sua relevância. É mais necessário, compreensível e acessível ao pensamento do homem moderno do que na época em que foi criado.

Fatos interessantes

Nesta obra, Bach não apenas reproduziu suas obras anteriores, mas também trouxe muito daqueles compositores que viveram antes dele ou ao mesmo tempo que ele, sobre os quais pouco sabemos, mas que o inspiraram.
É o próprio Bach não deu um nome à missa. Ele manteve a música em 4 pastas, cada uma com seu título: “Missa” (“Kyrie” e “Gloria”), “Symbolum Nicenum” (“Credo”), “Sanctus” e “Hosanna”.
São 2 autógrafos da obra. Um contém a partitura de 1733 escrita em Dresden (parte do Kyrie e Gloria). O segundo é um autógrafo completo com todas as alterações feitas pelo autor até 1749, herdado por CPE Bach (“Hamburgo” ou “Berlim” Bach, filho de Johann Sebastian Carl Philipp Emmanuel).
Uma das versões pelas quais a missa recebeu um segundo nome, “Alta”, é que, ao contrário das cantatas, paixões e oratórios, não tendo a finalidade direta de serem realizadas durante o serviço, a verdadeira órbita de suas intenções é a ética. e ideais estéticos de uma pessoa comum.
A Missa foi admirada por muitos compositores notáveis, reconhecendo o seu significado excepcional e o padrão dos temas líricos e filosóficos na música.

Prática contemporânea de performance e interpretação

Na partitura sobrevivente, a caligrafia do autor indica a composição para a execução da missa: coro (cerca de 15 pessoas, incluindo solistas), 2 violinos, 1 alto, contínuo, 2 flautas, 2 oboé(ou 3), três tubos, tímpanos. Ao longo dos últimos tempos, a arte performática de concertos passou por uma transformação significativa. Percorreu um longo caminho, sendo influenciado pelas inovações que surgiram na música.

Portanto, muitas vezes você pode ouvir música antiga executada em diversas interpretações. Assim, a Missa em Si menor de Bach tem sido executada há muito tempo sob a influência de tendências românticas - uma tendência a desacelerar, intensificar todas as nuances e monumentalizar. Um exemplo é a execução da Missa sob a batuta do maestro Karl Richter. Sua interpretação é agora considerada clássica; é menos semelhante à versão original de I.S. Bach e em geral no estilo da música barroca, mas tem valor artístico incondicional.

Em contraste, há uma interpretação autêntica do autenticista belga (flamengo) Philippe Herreweghe (nascido em 1847). Ele recria completamente o estilo de atuação correspondente à época de Bach e utiliza instrumentos antigos. Esta execução mais rigorosa e até ascética, no entanto, afeta as profundezas da alma humana com a própria música.

Os intérpretes populares da Missa em SI menor também incluem Helmut Rilling, Frans Bruggen e John Elliot Gardiner.

Missa em Si menor João Sebastião Baché considerada a maior conquista na cultura musical acadêmica. Este é o mais alto nível de compreensão da natureza terrena e sublime, incorporada na música. Somente composições verdadeiramente brilhantes tornam-se cada vez mais importantes para a humanidade após séculos.

Vídeo: ouça a Missa em Si menor

Fragmentos individuais incluídos no corpus final da obra foram escritos no mesmo ano, mas a missa como um todo foi concluída apenas no final de 1738. Na sua forma final, nunca executada durante a vida de Bach, existe desde 1749.

Autógrafo da primeira folha do "Credo".

Estrutura da Missa

Eu.Kyrie

Kyrie eleison- Senhor tenha piedade. Coro de 5 vozes (Soprano I, II, Alto, Tenor, Baixo)
Cristo Eleison- Cristo, tenha piedade. Dueto (soprano I,II)
Kyrie eleison- Senhor tenha piedade. Coro de 4 vozes (Soprano, Alto, Tenor, Baixo)

II. Glória

Gloria in excelsis Deo- Glória a Deus nas alturas. Coro de 5 vozes (Soprano I, II, Alto, Tenor, Baixo)
Et in terra pax- E há paz na terra. Coro de 5 vozes (Soprano I, II, Alto, Tenor, Baixo)
Laudamus te- Nós te elogiamos. Ária (soprano II)
Gratias agimus tibi- Obrigado. Coro de 4 vozes (Soprano, Alto, Tenor, Baixo)
Domine Deus- Senhor Deus. Dueto (soprano I, tenor)
Qui tollis peccata mundi- Aquele que tira os pecados do mundo. Coro de 4 vozes (Soprano II, Alto, Tenor, Baixo)
Qui sedes ad dexteram Patris- Sentado à direita do Pai. Ária (alto)
Quoniam tu solus sanctus- Pois só você é Santo. Ária (baixo)
Cum Sancto Spiritu- Com o Espírito Santo. Coro de 5 vozes (Soprano I, II, Alto, Tenor, Baixo)

III. Credo

Credo in unum Deum- Eu acredito em Um Deus. Coro de 5 vozes (Soprano I, II, Alto, Tenor, Baixo)
Patrem onipotente- Pai Todo-Poderoso. Coro de 4 vozes (Soprano, Alto, Tenor, Baixo)
Et in unum Dominum- E no Único Senhor (Jesus Cristo). Dueto (soprano I, alto)
Et encarnatus est- E encarnado. Coro de 5 vozes (Soprano I, II, Alto, Tenor, Baixo)
Crucifixo- Crucificado. Coro de 4 vozes (Soprano II, Alto, Tenor, Baixo)
E ressuscite- E ressuscitou. Coro de 5 vozes (Soprano I, II, Alto, Tenor, Baixo)
Et in Spiritum Sanctum- E no Espírito Santo. Ária (baixo)
Confiteor- Eu confesso. Coro de 5 vozes (Soprano I, II, Alto, Tenor, Baixo)
E espere- Chá (ressurreição dos mortos). Coro de 5 vozes (Soprano I, II, Alto, Tenor, Baixo)

4. Sanctus, Hosana, Benedictus

Santuário- Santo é o Senhor dos Exércitos. Coro de 6 vozes (Soprano I, II, Alto I, II, Tenor, Baixo)
Hosana- Hosana nas alturas. Coro de 8 vozes (duplo) (Soprano I, II, Alto I, II, Tenor I, II, Baixo I, II)
Benedictus- Abençoado. Ária (Tenor)
Hosana (da capo)- Hosana (fim). Coro de 8 vozes (duplo)

V. Agnus Dei

Agnus Dei- Cordeiro de Deus. Ária (alto)
Dona nobis pacem- Conceda-nos paz. Coro de 4 vozes (Soprano, Alto, Tenor, Baixo). A música repete "Gratias agimus tibi" de "Gloria".

Artista famoso

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Kyrie eleison- Senhor tenha piedade. Coro de 4 vozes (Soprano, Alto, Tenor, Baixo)

II. Glória

Gloria in excelsis Deo- Glória a Deus nas alturas. Coro de 5 vozes (Soprano I, II, Alto, Tenor, Baixo)
Et in terra pax- E há paz na terra. Coro de 5 vozes (Soprano I, II, Alto, Tenor, Baixo)
Laudamus te- Nós te elogiamos. Ária (soprano II)
Gratias agimus tibi- Obrigado. Coro de 4 vozes (Soprano, Alto, Tenor, Baixo)
Domine Deus- Senhor Deus. Dueto (soprano I, tenor)
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Hosana- Hosana nas alturas. Coro de 8 vozes (duplo) (Soprano I, II, Alto I, II, Tenor I, II, Baixo I, II)
Benedictus- Abençoado. Ária (Tenor)
Hosana (da capo)- Hosana (fim). Coro de 8 vozes (duplo)

V. Agnus Dei

Agnus Dei- Cordeiro de Deus. Ária (alto)
Dona nobis pacem- Conceda-nos paz. Coro de 4 vozes (Soprano, Alto, Tenor, Baixo). A música repete "Gratias agimus tibi" de "Gloria".

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Elenco: soprano I, soprano II, contralto, tenor, baixo, dois coros, orquestra.

História da criação

“Sereníssimo Eleitor, caro senhor!
Com profundo respeito trago a Vossa Alteza Real este humilde trabalho da minha habilidade, que consegui na música, e peço-lhe humildemente que olhe para ele com um olhar favorável, e não sobre os méritos da composição em si, que é mal composto, mas com base na sua misericórdia, conhecido pelo mundo... “- com estas palavras Bach em 1733 acompanhou o envio ao Eleitor da Saxônia Frederico Augusto de duas partes de uma de suas maiores criações - a Missa em h menor - Kyrie e Glória. Protestante que serviu na Alemanha protestante, Bach escreveu principalmente músicas para apresentações em igrejas luteranas. É verdade que, de acordo com a reforma de Lutero, secções individuais da Missa eram permitidas no culto protestante, mas não foi por acaso que Bach escreveu a Missa Católica completa, tal como não foi por acaso que a dedicou ao eleitor saxão. O facto é que Frederico Augusto foi também rei da Polónia, país invariavelmente comprometido com o catolicismo, e por isso ele próprio se converteu ao catolicismo. Desde 1717, sua corte em Dresden tornou-se oficialmente católica. Daí o apelo natural de Bach a este género (de Friedrich August recebeu o título de compositor da corte e nos anos seguintes, querendo mostrar a sua diligência, enviou-lhe várias outras missas, maioritariamente compostas por cantatas previamente escritas).

Bach criou a Missa em Si menor ao longo de muitos anos. O distante protótipo do Sanctus, segundo os pesquisadores, data de 1724. O compositor fez as últimas alterações na partitura até o dia em que ficou completamente cego, em 1750.

O gênero da Missa desenvolveu-se historicamente na forma de uma obra de cinco partes, composta por uma oração de perdão (Kyrie), um hino de louvor e ação de graças (Glória), uma parte dogmática - um credo (Credo), um litúrgico clímax retirado do Livro de Isaías do Antigo Testamento (Sanctus), e uma conclusão, glorificando o Senhor Jesus Cristo (Agnus Dei). A princípio foi lido o texto da missa, depois começou a ser cantado. Durante algum tempo, ambas as formas coexistiram, mas no século XIV uma única forma musical finalmente emergiu. A Missa em Si menor de Bach é incrivelmente grande em comparação com as tradicionais. Ele também contém cinco partes – Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus e Agnus Dei – mas estas, por sua vez, são divididas em vários números separados.

A 1ª parte é composta por Kyrie eleison (Senhor, tenha piedade), Christe eleison (Cristo, tenha piedade) e Kyrie eleison II.

A Parte 2 contém oito números: Gloria in excelsis Deo (Glória a Deus nas alturas), Laudamus te (Nós te louvamos), Gratias (Obrigado), Domine deus (Senhor Deus), Qui tollis peccata mundi (Portador dos pecados de o mundo), Qui sedes ad dextram Patris (Sentado à direita do Pai), Quoniam tu solus sanctus (E só tu és santo), Cum sancto spiritu (Com o Espírito Santo).

A 3ª parte inclui Credo in unum Deum (Creio em um só Deus), Patrem omnipotentem (Pai Todo-Poderoso), Et in unum Dominum Jesum Christum (E em um só Senhor Jesus Cristo), Et incarnatus est (E encarnado), Crucifixus etiam pro nobis (Crucificado por nós), Et resurrexit tertia die (Não (E ressuscitou no terceiro dia), Et in spiritum sanctum (E no Espírito Santo), Confiteor unum baptista (Confesso um batismo).

Na 4ª parte há três números - Sanctus Dominus Deos (Santo Senhor Deus), Osanna (Ajude-nos), Benedictus (Bem-aventurado).

O 5º movimento é composto por dois números: Agnus Dei (Cordeiro de Deus) e Dona nobis pacem (Dai-nos a paz).

A Missa em Si menor é uma criação grandiosa na qual o compositor trabalhou durante décadas. Aproximadamente dois terços consistem em música previamente escrita, mas é uma composição única. A primeira parte da missa, inicialmente como obra independente, foi concluída pelo compositor em 1733, mas a data da sua primeira apresentação é desconhecida. Há informações sobre a primeira apresentação de Sanctus em 25 de dezembro de 1724, Kyrie e Gloria em 21 de abril de 1733 em Leipzig, bem como menção à realização da missa em 1734. Há evidências de que a 2ª e a 3ª partes foram criadas de agosto de 1748 a outubro de 1749, após o que toda a partitura, que incluía a Missa de 1733 como 1ª parte, e o Sanctus como 4ª parte, foi montada. Infelizmente, não há dados sobre sua atuação durante a vida do compositor.

Música

A Missa em H menor é uma obra da maior sabedoria filosófica, humanidade e profundidade de sentimento. Suas imagens - sofrimento, morte, tristeza e ao mesmo tempo - esperança, alegria, júbilo - surpreendem pela profundidade e força.

O 1º movimento, Kyrie, composto por três números, abre com um som coral sombrio, após o qual se inicia uma fuga, primeiro em som orquestral. Seu tema triste, como se se contorcesse em agonia, é repleto da mais profunda expressividade. No início do 2º movimento, Glória (nº 4), as trombetas soam alegres e leves. O coro retoma o tema jubiloso, proclamando a glória. Melodias amplas e cantadas dominam aqui. Particularmente notável é o número 5, Laudamus - uma ária soprano acompanhada por um violino solo, como se uma das vozes do coro tivesse estourado com sua canção lírica. Na 3ª parte, Credo (nº 12-19), predominam os contrastes dramáticos. No nº 12, Credo in unum Deum - a melodia ampla e estrita do canto gregoriano corre sequencialmente (em imitação) em todas as vozes do coro tendo como pano de fundo o movimento solene e comedido dos baixos orquestrais. O número 15, Et incarnatus, retorna às imagens tristes. Notas graves pesadas e medidas parecem estar pressionando, e os “suspiros” das cordas soam lamentáveis. Uma melodia simples, rigorosa e cheia de sofrimentos ocultos é entoada pelo coro. As vozes são sobrepostas umas sobre as outras, criando uma rica textura musical. A reflexão dolorosa conduz ao número seguinte (n. 16), Crucifixo, culminação trágica da Missa, a história do sofrimento do Salvador na cruz. Neste episódio comovente, escrito no espírito do lamento ária italiano, Bach usou a forma passacaglia. Treze vezes a mesma melodia aparece no baixo - uma progressão cromática sombria medida e continuamente descendente. Contra seu pano de fundo aparecem acordes separados de cordas e instrumentos de madeira, réplicas fragmentárias do coro, como suspiros e gemidos. No final, a melodia desce cada vez mais, desaparece e, como se estivesse exausta, morre. Tudo fica em silêncio. E imediatamente os sons do coro Et resurrexit (nº 17), cantando a Ressurreição, a vitória da vida sobre a morte, enchem tudo com um amplo e jubiloso fluxo de luz. Os 4º e 5º movimentos combinados abrem com o majestoso movimento lento do coro Sanctus (nº 20) com alegres aniversários nas vozes femininas. A orquestra toca uma fanfarra de trombetas e o toque de tímpanos. Nº 23, Agnus Dei - uma ária de viola comovente com uma melodia flexível, acompanhada pelo canto expressivo dos violinos. O número final da missa, nº 24, Dona nobis pacem, é um hino solene em forma de fuga sobre dois temas, repetindo exatamente o refrão nº 6, Gratias.

L. Mikheeva

A missa é um ciclo de hinos selecionados pela Igreja Católica para serem executados durante o culto do dia. Os cantos eram estritamente legalizados, cantados em latim e seguidos em determinada ordem. Cada canto recebeu seu nome a partir das primeiras palavras da oração: 1. “Kyrie eleison” (“Senhor, tenha piedade”), 2. “Glória” (“Glória”), 3. “Credo” (“Eu Acredito”) , 4. “Sanctus” (“Santo”), 5. “Benedictus” (“Bem-aventurado”), 6. “Agnus Dei” (“Cordeiro de Deus”).

Bach trabalhou na missa por vários anos - de 1733 a 1738. A Missa em Si menor é uma das criações mais majestosas da cultura musical mundial. O conceito desta obra é grandioso, o pensamento nas suas imagens musicais e poéticas é invulgarmente sério e profundo. Em nenhuma de suas obras mais magníficas Bach alcança tanta sabedoria de generalizações filosóficas e tanto poder emocional como na missa.

Com rara liberdade artística, Bach ultrapassa os limites estabelecidos para a música ritual católica e, dividindo cada uma das partes da missa em vários números, eleva o seu número total para vinte e quatro (quinze coros, seis árias, três duetos).

Na Missa, Bach estava vinculado a um texto religioso e a uma forma tradicional, mas é impossível classificar incondicionalmente a Missa em Si menor como uma obra eclesial. Na prática, isto é confirmado pelo facto de que não só durante a vida de Bach, mas também em épocas subsequentes, a Missa em Si menor não foi celebrada durante os serviços religiosos. Isso não foi permitido pela grande complexidade e importância do conteúdo, pelo tamanho gigantesco e pelas dificuldades técnicas que estavam além do poder de superação de um cantor comum e de um coro de igreja comum. A Missa em Si menor é uma composição de concerto que requer habilidades profissionais de execução.

Apesar de cada número musical ser baseado em um texto de oração, Bach não se propôs a incorporar detalhadamente as palavras da oração. Frases curtas e palavras faladas individualmente deram origem em sua imaginação criativa a todo um complexo de ideias associativas e conexões artísticas, sentimentos e sensações fortes que não puderam ser registrados. Através da música, Bach revela a riqueza interior das imagens poéticas, a infinidade de matizes dos sentimentos humanos. Duas palavras: “Kyrie eleison” - Bach é suficiente para criar uma grandiosa fuga a cinco vozes.

Ao longo de toda a primeira parte, composta por três números independentes (coro de cinco vozes nº 1, dueto nº 2, coro de quatro vozes nº 3), são pronunciadas quatro palavras: “Kyrie eleison”, “Christe eleison”.

Para Bach, a massa revelou-se o gênero que, nas condições contemporâneas, era mais adequado para o desenvolvimento de grandes ideias e imagens filosóficas profundas.

O mundo dos pensamentos e aspirações humanas parece imenso na Missa. Com igual inspiração, Bach capta imagens de tristeza, sofrimento e imagens de alegria e júbilo.

Ambos se revelam em toda a sua variedade de nuances psicológicas: no pathos trágico e na concentração sombria do primeiro e segundo refrões de “Kyrie eleison” (ver exemplos 75, 76), na suave tristeza de “Qui tollis” (“Você, que tomou sobre si os pecados paz") ou nas lamentações tristes de “Crucifixo” (ver exemplos 77, 78), na tristeza luminosa da ária “Agnus Dei” (ver exemplo 79); impulsos de alegria, o desejo de vida nos coros vitoriosos e solenes cheios de alegria e inspiração “Gloria”, “Et ressurexit”, “Sanctus” (ver exemplos 74, 75, 76) ou na idílica ária pastoral “Et in Spiritum Sanctum”.

Estruturalmente, a Missa em Si menor é uma série de números individuais fechados. Na maioria deles há um desenvolvimento complexo de uma imagem musical contendo todo um complexo de sentimentos e pensamentos. A completude estrutural e independência de cada coro, ária ou dueto alia-se à integridade e solidez de toda a composição. O principal princípio dramático da massa é o contraste das imagens, que se aprofunda continuamente de seção em seção. Não apenas as grandes partes da Missa são contrastadas, como o Kyrie eleison e o Gloria, o Credo e o Sanctus; contrastes não menos nítidos, às vezes impressionantes, são observados nestas partes e até mesmo dentro de alguns números individuais (por exemplo, em “Glória”).

Quanto mais concentrado o luto, mais trágico ele atinge, mais forte é o surgimento e mais ofuscante é a luz do episódio que o substitui. Por exemplo, no centro do “Credo”, composto por oito números, encontram-se vários relacionados com a imagem de Jesus: “Et incarnatus”, “Crucifixus”, “Et ressurexit”. Cada um dos números mencionados está totalmente finalizado e pode ser executado separadamente. Mas tal como acontece em algumas obras cíclicas instrumentais - sonatas, sinfonias - o conceito ideológico, a dinâmica das imagens artísticas e poéticas unem os três números com uma linha de desenvolvimento interno. “Et incarnatus” fala do nascimento de um homem que tomará sobre si os pecados do mundo; em "Crucifixus" - sobre a crucificação e morte de Jesus; em “Et ressurexit” - sobre sua ressurreição. Como sempre acontece com Bach, as páginas dedicadas a Jesus, o homem sofredor, são as mais sinceras e emocionalmente ricas.

O movimento das imagens musicais leva a um forte aumento de elementos trágicos. A dor desesperada e o sentimento de condenação em “Et incarnatus” são aprofundados pela terrível imagem da morte e da dor humana em “Crucifixus”. Ainda mais chocante é o efeito dramático produzido pela súbita explosão de deleite e alegria abrangente em “Et ressurexit”.

O contraste entre a morte e o poder conquistador da vida é o significado oculto deste ciclo peculiar. Vários aspectos da mesma ideia constituem o conteúdo principal de toda a obra.

A Missa em Si menor coroa a obra de Bach. É a Missa em Si menor a obra em que a verdadeira natureza da arte de Bach, complexa, poderosa e bela, foi revelada com a maior profundidade.

V. Galatsky

Além do Magnificat, Bach voltou-se para outros gêneros de música religiosa baseados em textos litúrgicos latinos. Na segunda metade da década de 1930, em Leipzig, ele escreveu nada menos que cinco missas em latim. Naquela época, o culto na corte real saxônica era realizado de acordo com o rito católico, e quatro missas curtas - Fá-dur, A-dur, g-moll e G-dur - eram destinadas diretamente à execução na Capela Real em Dresden. . A parte principal de sua música foi emprestada pelo compositor de cantatas previamente escritas. Quanto aos números recém-compostos para essas obras, há páginas de uma beleza incrível, principalmente nas missas de Fá maior e Lá maior.

Bach também escreveu obras do gênero Sanctus, que, como se sabe, é parte integrante do serviço católico, baseado no texto eclesiástico latino. A autoria do compositor pode ser considerada estabelecida com precisão em relação a duas obras do gênero, escritas em Leipzig na década de 20: Dó-dur e Ré-dur. A autenticidade do restante é considerada duvidosa.

No entanto, todas estas coisas são completamente insignificantes em comparação com a famosa Missa Solene em Si menor, que o compositor começou a escrever na primeira metade dos anos 30 (o mais tardar em 1733) e concluiu em 1738. Esta obra constitui o mais majestoso culminar final de o caminho criativo do mestre.

Recordemos que Bach se afastou muito da tradição ritual, expandindo o ciclo de seis movimentos consagrado pela igreja numa composição monumental com vinte e quatro números, unidos em quatro grandes partes: Kyria, Gloria, Credo, Sanctus.

A Missa tem quinze refrões, três duetos e seis árias. Intérpretes: coro misto (de quatro a oito vozes), solistas (soprano I e II, alto, tenor, baixo), orquestra (duas flautas, três oboés, dois oboés d'amore, dois fagotes, três trompetes, trompa, tímpanos, cordas), órgão e contínuo.

O destino da Missa Solene é incomum e instrutivo. Pela sua natureza de gênero, formalmente destinado ao culto religioso, quase nunca era realizado e hoje não é realizado na igreja, causando uma atitude fria e até cruel nos círculos clericais. Isto é explicado apenas pela natureza interna, pelo conteúdo figurativo da própria música de Bach, sobre a qual muita inverdade histórica e estética foi escrita na musicologia burguesa. Alguns estão inclinados a presumir que a Missa foi criada sob a influência de circunstâncias cotidianas puramente externas e de motivos mercantis. Outros tentam reduzi-lo às interpretações musicais de textos orantes, ao simbolismo sonoro de um espírito-compositor (A. Pirro). Outros ainda acreditam que Bach procurou recriar na música com a maior precisão possível todas as vicissitudes e acessórios do culto dominical e seus sacramentos (F. Wolfrum). Finalmente, A. Schweitzer e A. Hayes apresentam uma hipótese sobre a intenção utópica do compositor de reunir simbolicamente através da sua obra a dividida igreja cristã ocidental numa síntese de ritos e doutrinas protestantes e católicas.

Mas a música testemunha irrefutavelmente contra estas interpretações obviamente falsas e unilaterais. Em termos de escala, meios expressivos e composição dos intérpretes, a Missa claramente não se destina ao serviço ritual dentro dos muros da igreja, sem falar nas qualidades estéticas que caracterizam o seu conceito e estrutura figurativa.

Quanto às circunstâncias em que a obra foi criada (a conhecida dedicatória de Kyrie e Gloria a Frederico Augusto da Saxónia, etc.), estas circunstâncias confirmam de facto o pensamento amargo de Lessing sobre a “arte que pede pão”. Contudo, também não explicam a origem da Missa solene, muito menos o seu conteúdo interno. Depois de muitas cantatas, depois de oratórios, paixões e do Magnificat, Bach escreveu a Missa em Si menor não porque precisasse dela financeiramente, mas por impulsos internos de sua natureza moral, filosófica e estética. É esta obra que revela da forma mais pura e clara o conceito filosófico e ético do compositor com os seus pontos fortes e, em certo sentido, os seus pontos fracos. Ele era religioso e, portanto, escolheu um texto de culto para seu propósito, e não qualquer outro gênero ou texto de oração tradicional. Além disso, a música em si, apesar de toda a sua beleza, não é de todo desprovida de elementos de êxtase religioso, contemplação e talvez até desapego (no Credo). Mas por mais que as visões e os humores religiosos tenham influenciado o compositor quando ele escreveu sua criação, os impulsos do grande artista humanista revelaram-se mais fortes, e isso determinou o resultado final: em geral, em termos básicos, a ideia de a missa e sua incorporação musical são profundamente humanas e completas, artisticamente verdadeiras e de beleza terrena.

Difere extremamente dos oratórios, do Magnificat e das paixões. Não captura imagens da vida, festivas ou cotidianas. Não há narração de eventos ou cenas dramáticas nele, embora elementos lendários, pictóricos e especialmente dramáticos estejam parcialmente presentes em algumas de suas partes individuais. A verdadeira esfera da Missa Solene são os ideais humanos em sua expressão ética e esteticamente generalizada.

O jovem contemporâneo de Bach, Johann Joachim Winckelmann, falou sobre a beleza geral que surge ao longo do caminho de uma representação ideal dos fenômenos. Bach não escreveu e não poderia escrever recitativos para a missa: não haveria nada para contar sobre eles e não haveria ninguém para falar em nome de quaisquer personagens. Além disso, a missa foi criada, é claro, principalmente para os alemães, e o tradicional texto cult em latim no qual a música foi escrita já estava naquela época muito longe do povo alemão. Além disso, em alguns números (por exemplo, nos primeiros coros de Kyrie, onde enormes fugas são cantadas com apenas duas palavras “Senhor, tem piedade”) o significado do texto é bastante formal; em outros (por exemplo, na ária de baixo em lá maior “E no Espírito Santo”) a música entra em total contradição com a letra e com o dogma do classicismo, que ordena à música “seguir os passos do poeta” ( Winckelmann), acaba sendo violado:

As imagens musicais e poéticas da Missa expressam os pensamentos e sentimentos do compositor fora de quaisquer acontecimentos (épico) e sem personagens (drama). Este é um enorme poema lírico e filosófico de plano sinfônico, e a vida geralmente é capturada em sua música através da esfera lírica.

A sinfonia, mesmo quando aplicada à primeira metade do século XVIII, significa a concretização de uma ideia única através de um desenvolvimento amplo e multifacetado de imagens contrastantes. Este contraste está, de fato, no cerne da Missa Solene. Qual é a sua natureza poeticamente expressiva? Imagens de sofrimento, tristeza, sacrifício, oração humilde, pathos amargo, tão característicos das Paixões, cantatas trágicas, e, por outro lado, imagens de alegria, luz, “triunfo da verdade”, dominantes na cantata da Reforma e no Magnificat, são fundiram-se aqui numa síntese gigantesca, que Bach nunca mais alcançou, nem antes nem depois da Missa Solene. Ele está novamente próximo aqui de Lessing, que escreveu sobre Filoctetes de Sófocles: “Seus gemidos pertencem ao homem; ações - para o herói; e desses dois lados surge a imagem de um homem heróico que não é afeminado, nem insensível, mas representa o ideal mais elevado alcançado pela sabedoria e pela arte do artista.” Pela primeira vez no período pré-Bakhov, a ideia de ascensão das profundezas, “do sofrimento à alegria” recebeu expressão orgânica e proposital de uma forma tão ampla e claramente generalizada.

Portanto, existem dois principais temático esferas que dominam o enorme ciclo de vinte e quatro partes e, sobretudo, os seus coros surpreendentemente variados e perfeitos. Uma delas poderia, utilizando as categorias estéticas do mesmo Lessing, ser definida como a temática do luto e do sofrimento. A gama de seus meios expressivos é ampla, mas alguns dominam claramente, determinando a estrutura emocional da música: o modo menor (principalmente harmônico), linhas melódicas de desdobramento lento, muitas vezes em unidades sequenciais, saturadas de entonações cromáticas intensamente expressivas, um complexo, padrão finamente detalhado da melodia. As figuras rítmicas são predominantemente suaves, calmas, com ostinati pronunciados e duradouros. A harmonia sombria em fases intensas de desenvolvimento é complicada por sucessões elípticas, modulações enarmônicas a rompem e nos picos culminantes aparecem consonâncias nitidamente dissonantes - acordes de sétima diminutos, acordes dominantes, tríades ampliadas, estimulando o movimento e a expressão de declarações líricas:

O tecido polifônico destes coros é predominantemente leve e transparente, embora isso não aconteça em todos os lugares. A orquestra é modesta em termos de som e timbre. Quase ao longo de toda a extensão do fluxo sonoro, fatores formativos atuam e se equilibram, por um lado, aumentando o tom do enunciado e, por outro, preservando a medida do que lhe é esteticamente permissível. São “suspiros, lágrimas”, cheios de grandeza de espírito, e em lugar nenhum, com exceção, talvez, do introdutório. Adágio, eles “não se transformam em choro ou choro” (Lessing).

Mas esta tendência geral é diferenciada, manifesta-se de forma muito diferente no pathos abertamente evasivo e indomável do primeiro Kyrie a cinco vozes e no seu inspirado prelúdio orquestral; na “chama interior” da fuga cromática de quatro partes emocionalmente contida do segundo Kyrie; na letra suplicante e poética da câmara Qui tollis (“Tu, que tomaste sobre ti o pecado do mundo, não rejeites a nossa humilde oração.”), colorida por encantadora figuração instrumental; no ritmo frio e desapaixonado do Credo arcaico-gregoriano; no majestoso voo dos melos Incarnatus (“E fez o homem” (fragmento “Eu Acredito”)); nas antigas variações do Crucifixo, multifacetadas e trágicas; finalmente, na enorme fuga dupla Confiteor (Sobre o arrependimento dos pecadores e a remissão dos pecados.), com as suas súbitas mudanças de entonação e contraste interno (uma interpretação inovadora, ousada e fecunda do coro de Bach!).

Toda esta “esfera de sofrimento”, além da estrutura entonacional comum, tem sua própria tonalidade unificadora - h-moll (com sua dominante natural fis-moll e subdominante e-moll), e uma única linha de movimento: uma ampla, exposição emocionalmente intensa em Kyrie, um avanço - um episódio elegíaco no meio da gloria hinicamente brilhante (a reclamação-súplica Qui tollis), uma culminação trágica no Credo perto do ponto da seção áurea do ciclo (Crucifixus), e finalmente, ecos esmaecidos, reminiscências nas árias menores da apoteose final (Sanctus). Esta é uma linha de desenvolvimento esmaecido.

Outra esfera temática contrastante da Missa pode ser definida como a da luz, da ação e da alegria. É isto que domina todo o ciclo – não só harmonicamente (DIII), mas também de acordo com a intenção filosófica e poética do compositor. Ela encarna, à maneira bachiana, o objetivo ideal da humanidade e o caminho que conduz a esse objetivo. As imagens principais e mais ativas desta esfera também estão contidas nos coros, mas com qualidade expressiva e significado exatamente opostos. Aqui dominam a escala diatônica maior, linhas vocais amplas e dinamicamente energéticas, muitas vezes com contorno de fanfarra de acordes (aqui Bach às vezes se aproxima de Handel), com subidas acentuadas e descidas suaves. Em alguns lugares eles são ricamente decorados com figurações - vocalizações-aniversários jubilosos:

E a harmonia é mais diatônica, move-se principalmente ao longo de graus próximos de parentesco. O ritmo é controlado, ativo, variado, animado. O ritmo é rápido e a conquista é rápida - a conquista dos picos culminantes. Quase todos os coros deste grupo também são fugas ou incluem fugas. No entanto, os elementos homofônicos são expressos neles de forma muito mais ampla, e isso se deve à sua natureza de gênero: alguns são hinos folclóricos (Gratias), outros são coros de dança (Gloria, Osanna), outros são coros de marcha (Cum sancto spiritu, Sanctus) . A apresentação é rica e massiva, a orquestra tem mais brilho, brilho e até beligerância no som (trombetas, tímpanos). Tudo isso é música completamente secular, mundana, ativa e vital. Ela respira poder, a verdade da existência e se eleva acima do texto arcaico e místico. A tonalidade unificadora desta esfera de luz e alegria é D-dur. Dos oito refrões, sete são escritos em Ré maior, o que corresponde aos princípios gerais da estética e harmonia de Bach: Ré-dur é a sua tonalidade de triunfo heróico, a tonalidade do Magnificat e da cantata da Reforma.

As imagens deste círculo também têm uma linha própria e especial de formação e desenvolvimento. Eles não aparecem imediatamente. Seguindo Kyrie, o “pequeno ciclo” Gloria em oito partes é sua enorme exposição contrastante. No Credo eles são postos de lado e obscurecidos por contemplações religiosas, sombrias procissões fúnebres e lamentos. Mas a força efetiva que os preenche não secou e se declara novamente em voz alta; Duas vezes irrompe incontrolavelmente nos refrões de Et resurrexit e no final de Confiteor. O Sanctus triunfal em cinco partes incorpora a declaração final e completa desta esfera temática de luz e ação. Aqui a linha de desenvolvimento move-se dinamicamente para cima.

Consequentemente, a dramaturgia da Missa é tal que as suas esferas contrastantes tendem em direções opostas. Kyrie e Gloria formam sua exposição com a proporção tonal h-D (etapas I-III). Credo é uma espécie de meio de desenvolvimento de uma composição enorme, tonalmente a mais instável, com episódios, retiradas e reviravoltas. Lá, princípios contrastantes são duas vezes levados à reaproximação direta, e duas vezes o primeiro (sofrimento) é resolvido no segundo (alegria). Sanctus - um grande clímax final cheio de força, energia e luz - pode ser definido como uma reprise dinâmica incompleta - tonal (D-dur), e parcialmente temática: o último refrão de Dona nobis pacem repete Gratias.

Além dos principais elementos figurativos e temáticos do ciclo, contém outro que já não tem um significado independente, mas importante: são as árias e os duetos da Missa. Segundo o texto, eles estão incluídos de forma totalmente orgânica na composição geral, principalmente no Credo, onde o coro transmite duas vezes frases inacabadas do verso orante aos solistas. A música desses números é muito diferente dos coros. Têm um plano enfaticamente camerístico, um acompanhamento camerístico e excelentemente finamente instrumentado: cordas, contínuo, por vezes com flautas e oboés d'amour. São também excelentes na aparência do género. Pastorais (dueto Christe eleison), minuetos, (ária Quoniam tu solus sanctus ) predominam aqui ), sicilianos (ária Et in spiritum sanctum), árias e conjuntos de estilo coloratura (ária Laudamus, dueto Et in unum dominum Jesum Christum) Executados com maestria, naturalmente, pequenos cânones de som fresco são tecidos na textura homofônica. Das árias lírico-patéticas, tantas vezes culminando nas paixões, estas pequenas formas de Missa estão muito distantes. Na maioria dos casos, a sua música é mais do tipo interlúdio - alegre, por vezes quase quotidiana, lúdica, não exigindo nada mais elevado do público. A ruptura com o texto litúrgico aqui é completa e definitiva, às vezes produz uma impressão quase paradoxal. O papel dramático desses interlúdios peculiares é muito significativo. Quer o compositor quisesse ou não, mas introduzindo na missa elemento do secularismo, emocionalmente brilhante, de sangue puro, às vezes abertamente associado à canção folclórica e aos gêneros existentes, ele superou objetivamente a aparência de culto ritual de sua obra. A cor clara e harmônica se espalha aqui, as melodias lúdicas e comoventes criam um ambiente luminoso e vivo que banha a massa coral.

Essas páginas líricas de câmara da partitura contribuem para a formação da principal tendência de afirmação da vida principal do ciclo. Mesmo no início da missa, o triste e sombrio Kyrie (B-moll, F-moll) é interrompido por um idílico dueto em Ré maior de duas sopranos. Essa lacuna é um prenúncio da próxima Glória. O clímax trágico da Missa no centro do Credo, reminiscente de um antigo afresco de templo desbotado pelo tempo, é emoldurado por episódios musicais de som festivo e completamente mundanos: um dueto coloratura brilhante, quase como o de Handel, de soprano e contralto em Sol maior e uma ária de baixo graciosa e divertida de Mozart, onde em vez de Deus - o espírito santo, de quem fala misticamente o símbolo da fé, há personagens bastante amantes da vida e temperamentais de “Don Juan” ou “As Bodas de Fígaro ”. Estes também são números - arautos da próxima apoteose D-dur - Sanctus. Pelo contrário, na brilhante e triunfante composição festiva de Sanctus "duas pequenas árias elegíacas são incluídas antes do coro final - Beneductus h-moll, tenor) e Agnus Dei (g-moll, alt). O pathos contido de sua linha vocal de padrão sinuoso e errante, ritmo inquieto e mutável, entonações intensas (trítonos no Agnus Dei), desvios frequentes de harmonia e subidas intensas - forçando cadeias sequenciais que levam a picos melódicos - soam como o último belo e tristes sombras de uma tragédia superada, "Destroços de trevas dilaceradas". Isto está claramente incorporado nas tonalidades escolhidas por Bach. Benedictus - ainda no original “tônico das trevas e da tristeza” - h-moll; Agnus Dei já está no subdominante menor da nova e última tônica de Ré-dur. O efeito de “iluminação de sombra” obtido aqui é incrivelmente sutil e claro.

Assim, as imagens “intermídia” estão localizadas nas proximidades da linha principal de desenvolvimento e atuam como fatores em sua formação.

Esta é a dramaturgia da obra mais profunda e sinfônica de Bach.

K.Rosenschild

Coro Acadêmico Estadual da Rússia em homenagem a Yurlov- um grupo mundialmente famoso, um dos mais antigos de Moscou. Sua história remonta ao coro amador do regente Ivan Yukhov, criado na virada dos séculos XIX para XX. Um acontecimento fatídico na história da equipe foi a nomeação, em 1958, de Alexander Yurlov (1927–1973) como seu líder. Na década de 1960, sob a liderança de um destacado maestro, a Capella ascendeu ao posto de melhor grupo musical do país. O coro colabora com os famosos compositores Georgy Sviridov e Dmitry Shostakovich, tornando-se o primeiro intérprete de obras de Vladimir Rubin e Rodion Shchedrin. Os sucessores de Alexander Yurlov foram músicos, maestros e maestros talentosos Yuri Ukhov e Stanislav Gusev, que fizeram muito para aumentar a glória do grupo.

Desde 2004, a Capella é dirigida por Gennady Dmitryak, Artista Homenageado da Rússia, professor, um dos principais maestros russos de corais e óperas sinfônicas. Sob sua liderança, a Capella voltou a ocupar a vanguarda da vida de concertos do país e começou a implementar grandes projetos criativos. Entre eles estão os festivais de música “Kremlins e Templos da Rússia”, “Holy Love”, revivendo as tradições dos concertos educativos vocais e corais. Em 2016, como parte do festival Kremlins e Templos da Rússia, os concertos a Capella foram realizados em Moscou, Nizhny Novgorod, Veliky Novgorod, Yaroslavl, Pskov e Kostroma.

A geografia dos passeios da Capella cobre todo o território da Rússia, de Magadan a Kaliningrado - a cidade do Anel de Ouro, a região do Volga, os Urais e a Sibéria. Os concertos da banda em Espanha, Grécia, Grã-Bretanha, Bielorrússia, Arménia, Polónia, Ucrânia, Coreia do Norte e países bálticos foram um enorme sucesso. O conjunto participa regularmente do Festival de Páscoa de Moscou, do Grande Festival da Orquestra Nacional Russa, do Festival Internacional Mstislav Rostropovich, do Festival Internacional de Assembléias de Coros, de festivais na Espanha, Grécia, Polônia, Lituânia e outros eventos importantes. Na primavera de 2014, a Capella participou ativamente na preparação e realização dos XXII Jogos Olímpicos de Inverno e dos XI Jogos Paraolímpicos de Inverno em Sochi.

Entre os maestros sinfônicos que trabalham com a Capella estão Valery Gergiev, Yuri Bashmet, Mikhail Pletnev, Sergei Skripka, Dmitry Yurovsky, Vladimir Yurovsky, Alexander Sladkovsky, Pavel Kogan, Teodor Currentzis. O repertório do coro inclui quase todas as obras do gênero cantata-oratório da música russa e da Europa Ocidental - desde a Missa em Si menor de Bach até obras de Britten, Bernstein, Schnittke, Kancheli, Tavener. Um grande projeto da Capella nos últimos anos foi a gravação em estúdio de uma Antologia de obras corais de Georgy Sviridov, dedicada ao 100º aniversário do nascimento do compositor.

Orquestra de Câmara Estadual "Moscow Virtuosi"

Em 1979, o notável violinista Vladimir Spivakov uniu os músicos mais fortes da capital russa na orquestra de câmara Moscow Virtuosi. O conjunto estelar de solistas e acompanhantes dos melhores grupos de Moscou, no qual se apresentaram membros do famoso Quarteto Borodin Mikhail Kopelman, Andrey Abramenkov, Dmitry Shebalin e Valentin Berlinsky, passou o bastão para novas gerações de músicos talentosos - vencedores e laureados de prêmios internacionais e competições totalmente russas. Os anos passam, mas o profissionalismo, a habilidade e a alta ética nas relações na equipe ainda permanecem em primeiro lugar.

Os concertos dos “Moscow Virtuosi” são realizados triunfantemente em países europeus, EUA, Canadá, México, América do Sul, Israel, China, Coreia, Japão, Turquia, etc. , Musikverein em Viena, Royal Festival Hall e Albert Hall em Londres, Pleyel e Théâtre des Champs-Élysées em Paris, Carnegie Hall e Avery Fisher Hall em Nova Iorque, Suntory Hall em Tóquio, etc.), e em pequenas salas de concerto regulares cidades. A geografia da turnê Moscow Virtuosi também inclui todas as regiões da Rússia e do espaço pós-soviético. “Para nós não existem pessoas pequenas nem cidades pequenas”, diz Vladimir Spivakov. “As viagens pela Rússia não têm preço e os encontros com públicos maravilhosos são únicos.”

Músicos de destaque se apresentaram com os Virtuosos de Moscou: Mstislav Rostropovich, Elena Obraztsova, Yehudi Menuhin, Vladimir Krainev, Saulius Sondetskis, Jesse Norman, Yuri Bashmet, Maxim Vengerov, Khibla Gerzmava, Evgeny Kissin, Misha Maisky, Denis Matsuev, Shlomo Mintz, Mikhail Pletnev, Julian Rakhlin, Giora Feidman, Michel Legrand, Pinchas Zukerman. A orquestra foi dirigida por Rudolf Barshai, Christian Zacharias, Peter Gut, Andres Mustonen, Dmitry Sitkovetsky, Vladimir Feltsman, Teodor Currentzis e outros. Jovens talentos tocam com a orquestra, alguns deles - o violinista sueco Daniel Lozakovich, o violoncelista israelense Daniel Akta, o pianista russo Alexander Malofeev - tornaram-se hoje verdadeiras estrelas. O programa de concertos intitulado “Moscow Virtuosi” ganhou reconhecimento especial do público. Hoje e Amanhã” com a participação de talentosos bolsistas da Fundação Internacional de Caridade Vladimir Spivakov, laureados em concursos internacionais.

O extenso repertório da orquestra inclui músicas de vários estilos e épocas, do barroco a obras de Dmitri Shostakovich, Sergei Prokofiev, Bela Bartok, Astor Piazzolla, Krzysztof Penderecki, Rodion Shchedrin, Alfred Schnittke, Sofia Gubaidulina, Arvo Pärt e Gia Kancheli. "Virtuosos" lançou várias dezenas de CDs pelas principais gravadoras do mundo. A orquestra continua a trabalhar arduamente, mantendo o mais alto nível de desempenho e o direito ao ambicioso nome “Moscow Virtuosi”, onde cada músico é um indivíduo brilhante e todos juntos formam um conjunto de classe mundial. Distingue-se por uma elevada cultura europeia de actuação em conjunto, atenção aos mínimos detalhes, uma posição criativa activa em relação ao plano do autor, um talento artístico brilhante, amor e respeito pelo público.

O diretor artístico permanente e maestro principal da orquestra de câmara Moscow Virtuosi desde a sua criação é o violinista e maestro Vladimir Spivakov. É graças ao Maestro Spivakov, aos seus muitos anos de trabalho árduo com a orquestra, que “Moscow Virtuosi” tem um público permanente em todo o mundo, reconhecimento e a mais alta reputação, conquistada ao longo de anos de trabalho árduo. “Moscow Virtuosi” consegue entusiasmar e cativar qualquer ouvinte, dar-lhe a alegria de comunicar com obras-primas e despertar nele a vontade de voltar ao concerto. “Para nós”, diz

Vladimir Spivakov, “a criatividade tornou-se uma necessidade e o trabalho tornou-se uma arte que, nas palavras de Pablo Picasso, lava da alma o pó da vida quotidiana”.

Gennady Dmitryak

Gennady Dmitryak– regente de coral e ópera sinfônica, Artista do Povo da Rússia, diretor artístico e regente-chefe do Coro Acadêmico Estatal da Rússia em homenagem a A. A. Yurlov, professor do departamento de performance coral moderna do Conservatório Estadual de Moscou em homenagem a P. I. Tchaikovsky e o departamento da regência coral da Academia Russa de Música em homenagem aos Gnessins.

O músico foi educado no Instituto Pedagógico Musical do Estado Gnessin e no Conservatório Estadual de Moscou em homenagem a P. I. Tchaikovsky. Seus professores e mentores foram os músicos famosos A. Yurlov, K. Kondrashin, L. Ginzburg, G. Rozhdestvensky, V. Minin, V. Popov.

Gennady Dmitryak trabalhou como maestro no Teatro Musical de Câmara de Moscou sob a direção de BA Pokrovsky, no Teatro de Ópera e Ballet G. Lorca em Havana, no Coro de Câmara de Moscou, no Coro Acadêmico Russo Estatal da URSS sob V. Minin, no Coro Acadêmico Teatro Musical em homenagem a K. S. Stanislavsky e V. I. Nemirovich-Danchenko, o Novo Teatro de Ópera em homenagem a E. V. Kolobov.

Em 1991, criou e até 2006 dirigiu um grupo coral único - o Conjunto de Solistas “Moscow Kremlin Capella”, que deu mais de mil concertos e fez dezenas de digressões.

O potencial criativo de Gennady Dmitryak foi mais plenamente revelado na posição de diretor artístico e regente principal do Coro Acadêmico Estatal da Rússia em homenagem a A. A. Yurlov. Graças ao seu elevado profissionalismo e energia criativa, a Capella assumiu um lugar de destaque entre os grupos corais do país, a geografia das digressões russas e estrangeiras do grupo expandiu-se significativamente e o seu repertório foi reabastecido com obras de música moderna.

Gennady Dmitryak atua não apenas como cantor coral, mas também como regente sinfônico. Isso permitiu que a Capella implementasse uma série de grandes projetos musicais em aliança criativa com orquestras sinfônicas famosas: a Orquestra Sinfônica Acadêmica do Estado da Rússia em homenagem a E. F. Svetlanov, as orquestras da Nova Rússia e Filarmônica Russa e a Orquestra Sinfônica Acadêmica do Estado de Moscou dirigida por Pavel Kogan.

Uma direção importante na atividade criativa do maestro é a execução de obras de compositores nacionais modernos: A. Larin, A. Karamanov, G. Kancheli, V. Kobekin, A. Tchaikovsky, A. Schnittke, R. Shchedrin e outros.

Gennady Dmitryak é o iniciador e diretor artístico de festivais de música russos. Um deles é o festival “Holy Love”, revivendo as tradições de realização de grandes concertos vocais e sinfônicos do “estilo Yurlov”, reunindo grandes grupos orquestrais e corais profissionais e amadores no palco e ao ar livre (no “Open air ”formato). Este é também o festival “Kremlins e Templos da Rússia”, que visa reviver a tradição de execução de obras corais de compositores russos na atmosfera autêntica dos antigos monumentos históricos da Rússia. Em 2016, o programa do festival Kremlins e Templos da Rússia incluiu concertos em igrejas e mosteiros em Moscou, Nizhny Novgorod, Veliky Novgorod, Yaroslavl, Pskov e Kostroma.

Sob a liderança de Gennady Dmitryak, o coral desenvolve atividades sociais e educativas, apresentando programas de obras de música coral russa nas regiões da Rússia. Ele conduz diversas atividades sociais como membro do Presidium da Sociedade Coral de Toda a Rússia: o maestro foi um dos iniciadores da criação do Coro Infantil de 1000 vozes da Rússia; atua como presidente e membro do júri de festivais e shows de coros em toda a Rússia, inclusive no Artek International Children's Center.

O maestro participou da execução e gravação do novo Hino da Federação Russa, participou da posse do presidente russo VV Putin em 2004 no Grande Palácio do Kremlin e foi o maestro-chefe dos coros combinados durante as comemorações dos aniversários de Vitória na Grande Guerra Patriótica. Durante o 4º Fórum da Aliança de Civilizações da ONU no Catar, em dezembro de 2011, ele atuou como maestro-chefe de todos os seus programas culturais. Participou da cerimônia de abertura e da programação cultural dos Jogos Paraolímpicos de Sochi 2014.

Gennady Dmitryak lançou mais de 20 CDs com gravações de estúdio de obras-primas da música coral russa. Entre eles estão os programas temáticos “Do Fundo Dourado da Capela”, “Com Amor pela Rússia”, “A Alma está Triste pelo Céu”, “Que Minha Oração Seja Corrigida”, Requiem de A. Schnittke, “Vigília de Toda a Noite ” por S. Rachmaninov, “Wedding” e Stravinsky e “Kursk Songs” por G. Sviridov. A continuidade das tradições Yurlov revela-se na atitude especial de Gennady Dmitryak para com a obra de Georgy Sviridov. Sob a direção do maestro, o grupo realizou uma gravação em estúdio da Antologia das obras corais do compositor.

Por decreto do Presidente da Rússia D. A. Medvedev datado de 14 de junho de 2010, por muitos anos de atividade frutífera e contribuição para o desenvolvimento da cultura nacional, Gennady Dmitryak foi agraciado com a medalha da Ordem do Mérito da Pátria, grau II. O trabalho do maestro no campo da popularização da música sacra russa, preservando e valorizando os valores cristãos na sociedade moderna foi premiado com as ordens da Igreja Ortodoxa Russa - o Santo Abençoado Príncipe Daniel de Moscou (2012) e “Glória e Honra”, 1º grau (2017). Em 2018, Gennady Dmitryak recebeu o título de “Artista do Povo da Federação Russa”.

Irina Kostina

Irina Kostina– graduado pela Academia Russa de Artes Teatrais (oficina de Alexander Titel e Igor Yasulovich, turma de Natalya Pustova).

A cantora é laureada no festival de criatividade estudantil de Moscou "Festos" (festival de gênero "Vocal Academy "Voice", Moscou, 2008), bem como em vários concursos internacionais: "Magic Candle" (1º prêmio, Kiev, 2001 ), "Little Prince" (Grand Prix, Chisinau, 2002), “Musica classica” (I prêmio, Ruza, 2010), XXIV concurso vocal em homenagem a M. I. Glinka (II prêmio, Moscou, 2011), II concurso vocal em homenagem a M. Magomaev (III prêmio, Moscou, 2012), VIII concurso vocal de Bibigul Tulegenova (1º prêmio, Almaty, 2016) e outros.

Desde 2011, Irina Kostina é solista no Novo Teatro de Ópera de Moscou em homenagem a E.V. Kolobov, onde desempenhou papéis nas performances de A Flauta Mágica e As Bodas de Fígaro (A Primeira Dama e Susanna), de Mozart, e O Barbeiro de Rossini, de Rossini. Sevilha (Rosina), “Rigoletto” de Verdi (Gilda), “Gianni Schicchi” de Puccini (Lauretta, Gherardino), “Capuletos e Montagues” de Bellini (concerto, Julieta), “Elisir do Amor” de Donizetti (Adina) , “Romeu e Julieta” de Gounod (Julieta), “Dido e Enéias” de Purcell com prólogo de M. Nyman (Belinda Brian), “Escola para Esposas” de Martynov (Madame Duparc), “The Snow Maiden” de Rimsky -Korsakov (A Donzela da Neve); parte soprano na cantata “Carmina Burana” de Orff; papéis em produções do teatro “Dez Sopranos da Nova Ópera”, “Tudo isso é Ópera!”, “Valsas, Tangos, Foxtrots”, “Ópera&Jazz”, “Contos de uma Velha Avó”, “Johann Strauss, o Rei da Valsa ”, “Viva Verdi!” .

Desde 2015, ela é solista convidada no Teatro Bolshoi da Rússia, onde fez sua estreia como Gerda (A História de Kai e Gerda de Banevich), e depois executou o papel de soprano no conto de fadas vocal de Prokofiev “O Patinho Feio” (a peça “Contos da Raposa, do Patinho e do Careca”).

Irina Kostina se apresenta nos melhores palcos da capital - no Grande Salão do Conservatório, na Sala de Concertos Tchaikovsky, nas salas da Casa Internacional de Música de Moscou, na Câmara de Arsenal do Kremlin de Moscou; colabora com o Coro Acadêmico Estatal da Rússia em homenagem a A. A. Yurlov e com a Orquestra Sinfônica Estatal “Nova Rússia”. Participou no Festival em Memória de Irina Arkhipova no Palácio Yauza, onde cantou acompanhada pela Orquestra Sinfónica da Rádio Orpheus dirigida por Sergei Kondrashev (2012); no XXXII Festival Internacional de Música em homenagem a S. V. Rachmaninov em Tambov (com a Orquestra Sinfônica de Tambov dirigida por Mikhail Leontyev, 2013); tocou com Alexey Tatarintsev na Filarmônica Regional de Ryazan (com a Orquestra Sinfônica do Governador de Ryazan dirigida por Sergei Oselko, 2015); participou do festival de ópera “Montecatini Terme - São Petersburgo” junto com o barítono Pedro Carrillo e a pianista Laura Pasqualetti (Itália, 2015).

Evgenia Segenyuk

Evgenia Segenyuk nasceu em Moscou em uma família de músicos. Ela se formou com louvor nos departamentos de regência e coral (1994) e depois vocal (1996) da Academia Russa de Música Gnessin. Durante seus estudos, ela foi bolsista da Knowledge Foundation. Em 1998, ela se formou com louvor em um estágio assistente no departamento vocal da Academia Russa de Música Gnessin (professor L. I. Dudareva).

Em 1997, Evgenia foi convidada para integrar a trupe de estagiários do Teatro Bolshoi e, em 1999, integrou o elenco principal da trupe de ópera.

Seu repertório inclui papéis nas óperas “A Life for the Tsar” de Glinka (Vanya), “Eugene Onegin” (Olga), “A Dama de Espadas” (Polina, Condessa), “O Oprichnik” (Fyodor Basmanov) de Tchaikovsky , “A Donzela da Neve” (Lel), “A Noiva do Czar” (Lyubasha), “Kashchei, o Imortal” (Kashcheevna) de Rimsky-Korsakov, “O Jogador” (Mademoiselle Blanche), “Anjo de Fogo” (Cartomante) e “O Amor por Três Laranjas” (Princesa Clarice) de Prokofiev, “Nabucco” Verdi (Fenena), “O Idiota” de Weinberg (Epanchin), “A História de Kai e Gerda” de Banevich (A Rainha da Neve), “A Tale of the Priest and His Worker Balda” de Pravednikov (Balda, estreia mundial) e outros papéis, bem como partes vocais em “Little Missa Solemn” de Rossini, “Stabat Mater” de Pergolesi e Dvorak, Requiems de Mozart, Salieri, Verdi e Dvorak, na Nona Sinfonia e na Missa Solenidade de Beethoven, cantata "Moscou" de Tchaikovsky, na sinfonia-cantata "Canção da Terra" de Mahler (balé de mesmo nome interpretado pela trupe de balé de Covent Garden Teatro durante passeio no Teatro Bolshoi), Cinco canções baseadas em poemas de Mathilde Wesendonck de Wagner e outras obras.

Evgenia Segenyuk participou da estreia mundial da ópera “Filhos de Rosenthal” de L. Desyatnikov (papel de Wagner). No IV Festival “Opera A Priori” (2017) participou na estreia russa da ópera “A Virgem na Torre” de Sibelius (como a Senhora do Castelo). Como atriz dramática, desempenhou o papel de Katarite no balé “Tamasha” (“Espírito”) ao som da música do grupo “KODO” (2012).

Em colaboração com Larisa Golushkina, ela escreveu o roteiro e encenou a peça “Nikolai Golovanov. O Oculto." A produção é baseada nos romances do compositor, interpretados por Evgenia Segenyuk. O papel de Catarina, a Grande na ópera “O Impostor” (“A Imperatriz”) foi escrito especialmente para a cantora pela compositora Valeria Besedina.

Evgenia Segenyuk actuou sob a batuta de maestros famosos, incluindo Evgeny Svetlanov, Yuri Bashmet, Graham Bond, Alexander Vilumanis, Michal Klauza, Olli Mustonen, Valery Polyansky, Gintaras Rinkevičius, Gennady Rozhdestvensky, Vladimir Fedoseev, Mark Ermler. Ela colaborou com os diretores B. Pokrovsky, E. Arie, D. Belyanushkin, L. Dodin, S. Zhenovach, F. Zambello, P. Konvichny, E. Nyakroshyus, A. Sokurov, A. Titel, R. Tuminas, P. Ustinov, V. Fokin. Participante do projeto “Rock and Opera” de O. Naidenysheva.

A cantora possui extenso repertório camerístico e executa constantemente programas solo; viagens na Rússia e no exterior - no Reino Unido, Itália, Grécia, Noruega, Dinamarca, Finlândia, Polónia, Eslovénia, Letónia, Ucrânia, Marrocos, Jordânia, Coreia do Sul, Hong Kong, Japão. Participou repetidamente nos concertos originais de Tikhon Khrennikov e nas gravações das suas obras, recebendo grandes elogios da crítica russa e estrangeira.

Evgenia Segenyuk lecionou na Academia Russa de Música Gnessin.

Laureado do Conselho de Curadores do Teatro Bolshoi (2005), vencedor do concurso aberto de toda a Rússia “Líder do Ano 2007” (na categoria “Melhor Cantor de Ópera”), vencedor do XVII Festival Internacional de Música Clássica - competição entre profissionais cantores (Grande Prêmio, 2015).

Iuri Rostotsky

Yuri Rostotsky formou-se com louvor na Academia Russa de Música Gnessin em 2014 em arte vocal (turma de Svetlana Gorenkova). Aprimorou suas habilidades no programa para jovens cantores Oper Oder Spree (Alemanha, 2014) e na famosa escola de canto Accademia Rossiniana (Itália, 2017) sob a direção de Ernesto Palacio. Participou de master classes de Galina Vishnevskaya, Juan Diego Flores, Vazha Chachava, Robert Gambill, Deborah York, Valentina Levko, Fabio Sartori. Bolsista repetido do Ministério da Cultura da Federação Russa.

A cantora foi premiada no IX Concurso Internacional de Cantores de Ópera em homenagem a Claudia Taev na Estônia (III prêmio, 2015), X Concurso Internacional de Cantores de Ópera de Elena Obraztsova em São Petersburgo (diploma, 2015), I Concurso de Tenor de Moscou nomeado em homenagem a Ivan Kozlovsky (III prêmio e prêmio especial, 2011), IX Concurso Internacional Vocal em homenagem a Zara Dolukhanova “Amber Nightingale” em Kaliningrado (II prêmio e prêmio especial, 2010).

Em 2015–2018 - solista do Novo Teatro de Ópera de Moscou em homenagem a Evgeniy Kolobov. Desde 2018, ele é o principal solista do Teatro Musical de São Petersburgo “Através do Espelho”. No teatro desempenha os papéis de Lindoro (Um Italiano em Argel de Rossini), Ferrando (Isso é o que todas as mulheres fazem de Mozart), Ramiro (Cinderela de Rossini), Nemorino (Elisir do Amor de Donizetti), Berendey (A Neve Donzela de Rimsky-Korsakov), Lensky (“Eugene Onegin” de Tchaikovsky).

Em 2016, estreou-se como Belfiore (O Jardineiro Imaginário de Mozart) em Berlim junto com a Orquestra Sinfônica de Berlim, desempenhou os papéis de tenor na Missa em Mi bemol maior de Schubert em Nuremberg junto com a Orquestra Sinfônica de Nuremberg e no oratório Messias de Handel com o Orquestra Musica Viva em Moscou. Em 2017, desempenhou o papel de Brighella (Ariadne auf Naxos de Richard Strauss) juntamente com a Orquestra Estatal da Rússia (maestro Vladimir Yurovsky). Desempenha regularmente o papel de tenor na cantata cênica Carmina Burana de Orff.

Em 2018, o cantor interpretou o papel de Sansão no oratório homônimo de Handel com a Orquestra Nacional Russa, participou da execução de “Ode à Alegria” do final da Nona Sinfonia de Beethoven junto com a Orquestra Nova Rússia, e se apresentou a parte tenor da “Missa Solene” de Bach junto com a orquestra de câmara "Moscow Virtuosi". Ao longo dos anos, ele também desempenhou os papéis de Damon (Acis e Galatea de Handel dirigido por Peter Neumann), o Jovem Cigano (Aleko de Rachmaninov) e o tenor na Vigília Noturna de Rachmaninov, no Réquiem e na Missa da Coroação de Mozart.

Na temporada 2018/2019, Yuri desempenhou os papéis de Lindoro (o italiano de Rossini em Argel) no Festival de' Bardi van Nederland (Holanda, 2019), Tebaldo (Os Montéquios e Capuleto de Bellini) no PromFest International Opera Music Festival em Pärnu (Estônia, 2019). O cantor também atuou como evangelista e tenor na Paixão de São João e na Paixão de São Mateus de Bach em uma série de concertos na Holanda, Moscou e Nizhny Novgorod (dirigidos por Jorn Boysen). No verão de 2019, participou no “Festival de Arte Russa” em Deauville (França) com as estrelas do ballet russo.

Mikhail Biryukov

Mikhail Biryukov Graduado pela Faculdade de Música e Pedagogia da Universidade Pedagógica da Cidade de Moscou (turma de S. M. Kaznacheev).

Desde 2012 - solista do Coro Acadêmico Russo do Estado em homenagem a A. V. Sveshnikov.

Em 2013, ingressou no Centro Galina Vishnevskaya de Canto Ópera, onde estudou sob a orientação de A. S. Belousova e E. A. Zaremba. No palco do Centro estreou-se como Zaretsky na ópera “Eugene Onegin” de Tchaikovsky, posteriormente atuando nesta ópera como Gremin e Rotny, além de cantar nas performances de “Iolanta” de Tchaikovsky (Rei René, Bertrand), “Ruslan e Lyudmila” de Glinka (Príncipe Svetozar), “Boris Godunov” de Mussorgsky (oficial de justiça), “A Noiva do Czar” de Rimsky-Korsakov (Malyuta Skuratov), “Rigoletto” de Verdi (Monterone), “Carmen” de Bizet (Zuniga) e outras produções. O repertório do artista também inclui os papéis de Varlaam e Pimen em Boris Godunov, Sparafucile em Rigoletto, Collen em La Bohème de Puccini, Mefistófeles em Fausto de Gounod, partes de baixo no Requiem de Mozart e na Nona Sinfonia de Beethoven.

Em 2014, Mikhail Biryukov participou do II Festival Internacional Mstislav Rostropovich em Orenburg, do festival Empire of Opera em Moscou e do festival dedicado ao 120º aniversário da fundação do State Memorial Musical Museum-Reserve de P. I. Tchaikovsky em Klin.