위치
회장실(본관), Krasnaya sq., 1
전시개관시간
티켓:
박물관 티켓으로참가자들:
주립 역사 박물관러시아 연방 국가 기록 보관소
러시아 주립 도서관
Yu.D.의 개인 소장품. 주라비츠키(미국)
E.A.의 개인 소장품 말린코(RF)
주얼리 하우스 안나 노바
일반 정보 파트너:
혁신 정보 파트너:
프로젝트에 대한 정보 지원:
프로젝트 파트너:
극장 "블롯"
처음으로 국립 역사 박물관은 독특한 구슬 작품 컬렉션과 19세기 전반의 기타 장식, 응용 및 미술 작품을 선보입니다. 꽃과 식물을 모티브로 하고 그 상징성을 가지고 있습니다. 이번 전시에는 흥미로운 역사를 지닌 약 100여 점의 전시물이 전시된다.
상대적인 연대순 근접성과 풍부한 기록 및 기타 증거에도 불구하고 19세기 전반의 문화는 아직 제대로 연구되지 않은 상태로 남아 있습니다. 이 문화의 가장 흥미롭고 복잡한 측면 중 하나는 바로크 양식의 상징, 제국 이미지, 18세기 말에 침투한 동양 셀람(꽃의 언어) 패션을 기반으로 한 꽃의 상징주의입니다. . 꽃 상징주의의 메아리는 오늘날에도 여전히 존재합니다. 따라서 빨간 장미는 사랑의 표시, 백합-순결과 순결로 간주됩니다. 그러나 이러한 문화적 현상의 풍부함은 대체로 숨겨져 있습니다. 이번 전시는 현대 관객들에게 그 다양성을 보여주기 위한 것입니다.
전시회의 첫 번째 홀에서는 알렉산드라 표도로브나 황후의 개인 소지품으로 대표되는 꽃 모티브로 변하는 개인의 경험을 볼 수 있습니다. 이것은 그녀가 사용한 손으로 쓴 Blumensprache(꽃의 언어), 꽃 스케치가 있는 일기, 식물 표본 상자, 황후가 아버지에게 보낸 편지, "휴일 설명 "The Magic of the White Rose" 앨범의 시트입니다. 1829년 포츠담에서 알렉산드라 표도로브나의 생일을 축하하기 위해 헌정되었습니다. 이번 전시에서는 꽃말과 같은 현상의 인기를 보여주는 잡지와 매뉴얼도 선보인다.
홀에는 Jacques Delisle, Zhukovsky, Pushkin, Karamzin의 시와 시를 소재로 한 비디오가 상영되며, 물론 꽃의 언어와 꽃 상징이 반영되었습니다.
두 번째 홀은 장식, 응용 및 미술 대상의 구성을 복잡하게 만드는 원칙에 따라 구성되며 여러 섹션으로 구성됩니다.
첫 번째 섹션에서는 개별 식물, 꽃의 의미와 장식 및 응용 예술에서의 이러한 의미의 사용을 보여줍니다. 다음은 단독 모티브와 그에 따른 설명이 포함된 개체입니다. 사랑의 상징인 장미; 고대 여신 세레스의 이미지 패션과 관련된 옥수수 귀; 물망초, 제비꽃, 그 의미는 고귀한 앨범의 문화에 깊이 엮여 있습니다. 남성적인 배음을 지닌 참나무 등
두 번째 섹션에서는 디자인에 꽃꽂이가 포함된 오브제를 보여주며, 행운의 상징인 화환, 꽃다발, 화환의 이미지와 의미를 드러냅니다. 화환과 꽃다발에 암호화된 꽃 메시지 등 아크로그램도 여기에 표시됩니다.
세 번째 섹션에는 꽃의 의미를 보완하고 다양한 변형을 도입하는 거문고, 화살, 풍요의 뿔과 같은 색상과 다양한 속성의 조합을 사용하는 디자인의 장식 및 응용 예술 개체가 포함됩니다.
마지막 섹션에서는 꽃, 식물, 신화적 인물, 동물형, 의인화형 주제의 조합을 보여줍니다.
이번 전시에는 19세기 예술의 전통을 바탕으로 현대 주얼리 하우스인 안나 노바(Anna Nova)의 작품과 Yu.D.의 개인 소장품도 전시됩니다. Zhuravitsky(사물이 처음으로 표시됨) 및 E.A. 말린코.
방법론적 작업
주제:
"장식에서 식물 형태의 양식화"
폴리시추크 올가 베니아미노브나
제1어린이 미술학교 교사. N.P.Shleina.
코스트로마 2015
"예술은 추상입니다. 자연에서 추출하고, 그 기반으로 환상을 품고, 결과보다는 창작 과정에 대해 더 많이 생각합니다."
폴 고갱
콘텐츠
1. 설명문. 장식의 개념과 종류.
5. 주제에 대한 수업 요약: "장식 구성 수업에서 장식품의 식물 형태 양식화."
6. 참고문헌 목록.
7. 어린이 미술 학교 학생들의 창작 작품.
8. 도시, 지역, 지역 및 국제 전시회 및 대회의 졸업장 목록.
1. 설명문
현대 세계 문화는 모든 유형의 미술 분야에서 거대한 유산의 소유자입니다. 건축, 회화, 조각, 장식 및 응용 예술의 가장 위대한 기념물을 연구하는 동안 예술적 창의성의 또 다른 영역을 무시할 수 없습니다. 우리는 장식에 대해 이야기하고 있습니다.장식품은 사회의 물질 문화의 일부입니다. 세계 예술 문화의 이 구성 요소의 풍부한 유산에 대한 세심한 연구와 숙달은 예술적 취향의 발전, 문화사 분야의 아이디어 형성에 기여하며 내면 세계를 더욱 중요하게 만듭니다.
장식에 관한 문헌은 광범위할 수 있습니다. 모든 작품의 텍스트는 부차적인 역할을 합니다. 나는 작곡 수업에서 장식에 관해 이야기해야 학생들에게 주요 형태에 대한 아이디어를 줄 필요가 있다는 결론에 도달했습니다. 꽃 장식에 대해 더 자세히 다루겠습니다. 나는 내 작품을 "장식에서 식물 형태의 양식화"라고 불렀는데, 그 안에서 식물이 어떻게 예술적 형태로 변형될 수 있는지 보여주고 싶었습니다.
자연과 예술은 밀접하게 연결되어 있는 것으로 알려져 있습니다. 회화와 조각은 어느 정도 자연을 직접적으로 모방하는 데 기반을 두고 있습니다. 장식품 역시 자연의 모방을 바탕으로 하고 있으며, 실제로 자연에는 장식품의 원형이 많이 있습니다.
장식의 원형은 식물, 동물, 사람, 인간 노동의 예술 작품입니다. 작가는 자연에서 채취한 표본을 어떻게 장식품의 형태로 그 목적에 부합할 수 있는 형태와 색상으로 변형시켜야 하는가? 자연의 프로토타입과 비교하여 장식이란 무엇입니까? 이것은 인간의 손으로 만들어지고 상상으로 변형된 장신구이다.
장식- 구성 요소의 반복과 교대에 기반한 패턴 다양한 물건을 장식하기 위한 것입니다. 장식품은 인간의 시각 활동 중 가장 오래된 유형 중 하나이며, 먼 과거에는 상징적이고 마법적인 의미와 상징성을 전달했습니다.
장식의 출현은 수세기 전으로 거슬러 올라가며 처음으로 구석기 시대(기원전 15~10,000년)에 그 흔적이 기록되었습니다. 신석기 문화에서는 장식이 이미 다양한 형태에 이르렀으며 지배하기 시작했습니다. 시간이 지남에 따라 장식은 지배적인 위치와 인지적 중요성을 잃어버리지만 플라스틱 창의성 시스템에서 중요한 조직 및 장식 역할을 유지합니다. 각 시대, 스타일, 그리고 연속적으로 등장하는 민족 문화는 고유한 시스템을 발전시켰습니다. 따라서 장식은 작품이 특정 시대, 사람, 국가에 속한다는 믿을 만한 표시입니다. 장식의 목적은 장식하는 것입니다. 장식은 고대 동양, 콜럼버스 이전 미국, 고대 아시아 문화 및 중세, 유럽 중세 등 현실을 반영하는 전통적인 형태가 우세한 특별한 발전에 도달합니다. 민속 예술에서는 고대부터 장식의 안정적인 원리와 형태가 발전해 왔으며 이는 국가 예술 전통을 크게 결정합니다.
장식품은 다양한 장소에 배치할 수 있으며, 장식품의 성격은 장식하는 물건 부분의 성격과 일치해야 합니다. 따라서 장식품 (장식)은 식물이나 동물 모티프와 같은 기하학적 요소의 리드미컬 한 반복을 기반으로 구축 된 패턴으로 다양한 사물 (가정 용품, 가구, 의복, 무기 등), 건축 구조물의 디자인을 대상으로합니다.
모티프(모티프는 장식품의 일부, 주요 요소임)에 따라 장식품은 여러 그룹으로 나뉩니다.기하학, 식물, 동물형, 의인화 및 결합.
기하학적 장식 점, 선, 원, 다이아몬드, 다면체, 별, 십자가, 나선 등으로 구성될 수 있습니다.
꽃 장식 양식화 된 나뭇잎, 꽃, 과일, 가지 등으로 구성됩니다. 모든 민족에게 가장 흔한 모티브는 "생명 나무"입니다. 이것은 꽃 장식입니다. 그것은 꽃이 만발한 덤불과 좀 더 장식적이고 일반화된 방식으로 묘사됩니다. 이러한 장식품의 구성은 매우 다양합니다.
동물 모양 장식 실제 동물과 환상적인 동물의 양식화된 인물이나 인물의 일부를 묘사합니다.
의인화 된 장식 남성과 여성의 양식화된 인물이나 인간의 얼굴과 신체 일부를 모티브로 사용합니다.
기형 장식. 인간의 상상력이 만들어낸 캐릭터를 모티브로 삼았는데, 이들은 서로 다른 동물의 특성을 동시에 가질 수도 있고, 인간의 인어, 켄타우로스, 사이렌의 특성을 동시에 가질 수도 있다.
붓글씨 장식 . 개별 글자나 텍스트 요소로 구성되며 때로는 기하학적 요소나 꽃무늬 요소와 복잡하게 결합되기도 합니다.
문장 장식 . 표지판, 엠블럼, 문장, 군사 장비 요소-방패, 무기, 깃발이 모티브로 사용됩니다.
패턴에서 다양한 모티브의 조합을 찾는 것은 드문 일이 아닙니다. 그런 장식품을 부를 수 있습니다결합.
구성에 따라 장식품은 줄무늬 (프리즈), 사각형, 원, 삼각형 (로제타) 등 여러 유형으로 나뉩니다.
선형, 세포형, 폐쇄형 패턴의 세 가지 유형이 있습니다.
선형 장식품
- 세로 또는 가로로 모티프가 교대로 나타나는 줄무늬 장식품입니다.
셀룰러 또는 교감 장식 - 세로, 가로로 반복되는 모티브로, 사방팔방으로 끝없이 이어지는 장식물입니다. 교감은 장식의 요소이자 주요 동기입니다.
닫힌 장식
직사각형, 정사각형, 원형으로 배열됩니다. 그 안에 있는 모티프는 반복되지 않거나 평면을 회전하면서 반복됩니다.
장식은 대칭 또는 비대칭일 수 있습니다..
대칭
(고대 그리스어에서-비례성) - 변화, 반복, 재생산 중에 나타나는 대응, 불변성. 예를 들어, 양측 대칭은 평면의 오른쪽과 왼쪽이 동일하게 보인다는 것을 의미합니다.어울리지 않음
- 대칭의 부재 또는 위반.
대칭축은 그림을 거울처럼 동일한 두 부분으로 나누는 가상의 선입니다. 대칭축의 수에 따라 그림은 다음과 같습니다. 하나의 대칭축, 2개, 4개, 원에는 일반적으로 무한한 수의 대칭축이 있습니다.
시각 예술에서 대칭은 예술적 형태를 창조하는 수단입니다. 그것은 장식적인 구성에 존재하며 장식의 리듬 표현 형태 중 하나입니다.
율 장식적인 구성에서는 모티프, 그림 및 그 사이의 간격이 교대로 반복되는 패턴을 호출합니다. 리듬은 모든 장식용 구성의 주요 속성입니다. 장식의 특징은 모티프와 이러한 모티프 요소의 리드미컬한 반복, 기울기 및 회전입니다.
리드미컬한 구성 - 이것은 장식용 구성에서 모티프의 상대적 배열입니다. 리듬은 장식의 특정 움직임을 구성합니다. 작은 것에서 큰 것으로, 단순한 것에서 복잡한 것으로, 밝은 것에서 어두운 것으로, 특정 간격으로 동일한 형태의 반복으로 전환합니다.
리듬에 따라 패턴은 정적이거나 동적이 됩니다.
고르지 못한 리듬은 구성에 역동성을 부여하는 반면, 균일한 리듬은 차분하게 만듭니다.
2. 장식 작곡 수업에서 방법론적 작업과 양식화 교육의 목표와 목적.
현대 러시아에서는 추가 교육 시스템이 어린이와 청소년 교육에서 중요한 역할을 하며, 그 주요 목적은 어린이에게 지식과 창의성을 갖도록 동기를 부여하는 것입니다.
미술학교에서는 시각적 문해력에 대한 기본 지식과 기술을 습득하는 것뿐만 아니라 창의적 능력을 키우는 것도 중요합니다.
미술 학교의 수업은 아이들에게 일관되고 유능하게 창의적인 작업을 수행하고, 비유적으로 생각하는 능력을 개발하고, 흥미롭고, 중요하고, 놀라운 것을 보고 반영할 수 있도록 가르쳐야 합니다. 이를 위해 교사는 어린이가 특정 경험을 하도록 격려하는 관찰, 연상, 감정을 위한 다양한 방법론적 기술을 포함합니다. 아이의 창의적 잠재력을 개발하기 위한 다양한 형태. 교사의 임무는 지각의 신선함과 자발성, 풍부한 상상력, 이미지 과정에 대한 열정 등 어린이의 특성을 보존하는 것입니다.
모든 작업은 학생들이 현실을 묘사하는 능력뿐만 아니라 현실에 대한 태도를 표현하는 능력, 즉 예술적 이미지를 창조하는 능력을 개발하려는 욕구에 기초해야 합니다.
페인트 및 기타 재료를 사용하여 작업하는 활동의 감정적 강도는 사려깊어야 합니다. 교사는 색상, 그라데이션 및 조합이 어떤 감정과 분위기를 표현할 수 있는지에 대한 어린이의 감수성을 키워야 합니다. 이는 '감정적 기분 기술'의 도움을 받습니다. 여기에는 어린이의 상상력에 호소하기, 재미있는 순간을 통해 흥미를 일깨우기, 음악, 텍스트 듣기 등 다양한 기술이 포함됩니다.
환경의 참신함, 특이한 작업 시작, 아름답고 다양한 재료는 단조로움과 지루함을 방지하는 데 도움이 됩니다. 이 모든 것은 이미지의 세계와 감정 및 감정의 세계를 연결함으로써 아이들의 상상력과 정서적 반응성을 개발하고 창의적인 능력을 드러냅니다. 그들이 만드는 작품은 다르지만 모두의 작품은 창의적입니다.
수년간의 교육 실습 후에는 어린이에게 그림 그리기를 가르치는 것이 다소 흥미롭고 강렬하며 창의적인 길이라는 것을 이해하게 됩니다. 학교에 오는 어린이는 처음에는 단순히 배우고 싶어합니다. 그는 세심하고 집중하며 배울 준비가 되어 있지만 겁을 먹고 단순히 시각 예술 이론에 "어리둥절"할 수도 있습니다.
돈, 복잡한 개념과 표현. 그러므로 모든 것은 선생님에게 달려있습니다.
일반적인 교육 프로그램은 주로 학문적 원리와 과제를 가르치는 것을 목표로 하며 창의적 능력 개발을 위한 자료를 포함하지 않으며 새로운 기술, 기법 및 기법을 소개하지도 않습니다.
현대 세계에서 추가 교육을 받는 학교는 다양한 대회와 전시회에 지속적으로 참여하여 높은 수준의 활동을 보여야 하며, 이를 통해 새로운 예술적 재료, 현대 기술 및 작업 방법을 연구해야 합니다. 이는 결과적으로 작업을 재구성할 필요성으로 이어집니다.
방법론적 작업은 우리 시대 미술의 경향을 고려하여 작성되었습니다. 방법론적 작업의 목표:
시각적 활용 능력, 색상 및 모양 분야에 대한 어린이의 지식과 이해를 확장하고 풍부하게 합니다.
미적 능력을 개발하고 학생들의 예술적 취향을 형성합니다.
교육 시 시연 방법 및 시각화 기술을 사용하는 방법을 배웁니다(테이블, 모델 및 그림 없이는 수업을 진행하는 것이 불가능합니다).
양식화 교육의 목표와 목적.
목표:
학생들의 아이디어를 예술적 형태로 구현하는 양식화 프로그램을 숙달하는 과정에서 습득한 기술과 능력을 바탕으로 학생들의 개성을 예술적이고 미학적으로 발전시킵니다.
어린이의 세계관을 형성하고 예술적이고 상상력이 풍부한 사고, 취향, 자연의 아름다움에 대한 인식을 키우는 데 도움을 줍니다.
더욱 창의적인 발전을 위한 장식 구성 분야의 영재 아동 식별.
작업:
스타일링 기술을 소개합니다.
다양한 방법으로 식물 형태를 양식화하는 방법을 알아보세요.
스타일화에 그래픽 기술을 적용하는 방법을 알아보세요.
스케치를 사용하여 독립적으로 작업하는 기술을 배웁니다.
학생들은 창의적인 활동에 대한 경험을 얻습니다.
3. 장식 및 응용 예술, 장식의 양식화.
장식 및 응용 예술 예술가들은 다양한 형태의 식물 세계에 대한 연구와 접시, 직물, 목재 제품 등 가정 용품에 대한 묘사에 항상 큰 관심을 기울였습니다.
민속 예술가들은 자신의 비전과 취향에 따라 평면이나 입체 형태로 식물 세계에 대한 완전히 다른 이미지를 만들었습니다. 선형 패턴의 형태와 복잡한 공간 형태의 형태로 꽃과 식물을 묘사할 수 있습니다. 이는 자연 모티브의 양식화 정도에 따라 달라집니다. 작가는 어떠한 양식화도 없이 자연을 모티브로 사물을 장식하지 않는다. 묘사된 것의 실제 모습을 변형시키는 양식화는 항상 일반화를 통해 달성됩니다. 양식화의 목적은 묘사된 대상의 일반화되고 단순화된 이미지를 제시하고, 보는 사람이 모티프를 더 이해하기 쉽게 만들고, 표현력을 최대한 표현하며, 중요한 것은 예술가가 실행하기에 편리하도록 하는 것입니다. 이미지가 실행될 재료와 장식을 위해 할당된 공간에 따라 아티스트는 특정 스타일 지정 옵션을 선택해야 합니다.
식물(꽃, 잎, 과일)은 양식화하여 단순화하거나 자연주의적으로 전달하거나 이미지를 복잡하게 만들 수 있습니다. 나뭇잎은 나뭇잎 덩어리로 묘사되었으며 때로는 이집트의 파피루스 잎, 그리스의 월계수 잎 및 아칸서스 잎으로 별도로 묘사되었습니다. 예를 들어 에게해 미술에서는 백합, 고딕 미술에서는 장미, 이집트 미술에서는 연꽃과 백합, 일본에서는 국화 등 꽃이 가장 좋아하는 모티브였습니다.
18세기에는 주인이 직접 제품을 발명하고 마지막 작업까지 직접 수행했습니다. 장식적인 디자인을 만들 때 그는 항상 시각적 표준 모델에 중점을 두었습니다. 이탈리아 르네상스의 주요 거장들은 태피스트리, 직물, 도자기 디자인을 만들었습니다. 이 시기의 시각적 모티프는 사실주의와 축제적인 색상으로 구별됩니다.
19세기 초 유럽에서는 식물 모티브에 대한 관심이 높아졌습니다. 식물의 묘사는 예술에서 별도의 주제가 되고 있습니다. 예술 학교와 산업 학교가 널리 보급되고 있습니다. 장식품으로 장식된 제품의 급속한 발전을 서비스하면서 "식물의 완벽한 형태를 결정하는 방법"과 식물의 자연스러운 스케치를 과거의 장식품과 유사하게 양식화하는 방법과 같은 다양한 모티프를 묘사하는 최초의 방법이 등장했습니다. 동시에 샘플 도면의 사본도 보존되었습니다. 이 방법은 고전적인 방법으로 19세기 전반으로 거슬러 올라갑니다. 그것은 자연 형태의 창조적 일반화의 결과로 얻은 식물이나 그 일부의 이상적인 형태를 장식적 모티브로 사용하는 데 기반을 두고 있습니다. 예술가는 지난 세기의 장식품과 식물의 예술적 이미지를 구성하는 특정 법칙을 고려하여 "완벽한 형태"라는 방법에 따라 식물 형태를 해석했습니다. 창의적인 일반화를 통해 이는 다양한 기하학적 모양(삼각형, 사각형, 원 등)을 가진 꽃, 잎, 과일 윤곽의 유사성을 기반으로 한 기본 양식화-도식화로 이해되었습니다.
19세기 후반에는 대부분의 응용 미술 작품이 꽃무늬로 과포화되어 이전에 개발된 모티프가 반복되었습니다. 장식적 모티프의 부활에 대한 희망은 '자연으로의 회귀' 운동의 확산과 연관되기 시작했습니다. 생활에서 식물을 그리는 작업이 있습니다.
독일과 오스트리아에서는 식물 그리기 및 양식화에 관한 책과 매뉴얼이 출판됩니다. 특히 Karl Krumbolz의 "꽃과 장식", Joseph Ritter von Stock의 "예술 속의 식물", Johann Stauffager의 "양식화 및 자연 식물 그리기", Meurer의 "식물 형태. 장식에 식물의 사용".
우리는 두 가지 유형의 스케치를 만들었습니다. 첫 번째 유형은 모든 임의의 각도, 비율 및 색상을 유지하면서 식물 그룹의 스케치를 다룹니다. 두 번째 유형은 식물을 묘사하는 각도가 더 큰 특징 식별을 고려하여 선택된다는 점에서 다릅니다. 이 작업에는 디자인과 도면에 대한 많은 분석이 포함됩니다. 명암을 옮기지 않고 동일한 두께의 윤곽선을 도입하고 균일하게 색상을 채워 실물 크기의 이미지를 평면화함으로써 장식성을 구현했습니다.
M. Meurer는 축적된 모든 업적을 단일 방법으로 결합했습니다. Meurer의 식물 형태 비교 연구 과정에는 식물학의 기초에 대한 이론적 연구, 실물에서 식물 그리기, 식물 표본 상자 그리기, 과거 장식품 복사가 포함됩니다. 그런 다음 학생들은 자신의 상상력을 바탕으로 자연 식물 형태를 예술적인 형태로 변형하는 작업을 진행할 수 있습니다. 동시에, 식물의 형태를 변형시키는 과정에서 아름다움뿐만 아니라 장식품을 만드는 재료와 식물 자체, 꽃과 잎, 인식 가능해야 합니다.
따라서,표적창의적인 양식화 장식 및 응용 예술에서는 표현력과 장식성이 향상되고 자연, 주변 세계의 실제 물체보다 우월한 새로운 예술적 이미지를 창조하는 것입니다.
4. 식물 형태의 양식화 원리. 스타일화의 개념.
그렇다면 스타일화란 무엇일까요?"양식화"라는 용어는 미술에서의 "장식성" 개념과 동일합니다.
양식화 – 이는 특정 작가, 운동, 방향, 국립 학교 등의 모든 스타일 특징의 예술적 언어를 다른 의미로 의도적으로 모방하거나 자유롭게 해석하는 것으로, 조형 예술에만 적용됩니다.양식화 – 다양한 기존 기술, 디자인 및 모양의 단순화, 체적 및 색상 관계를 사용하여 묘사된 그림 및 개체의 장식적 일반화. 장식 예술에서 양식화는 전체를 리드미컬하게 구성하는 자연스러운 방법입니다. 가장 일반적인 양식화는 이미지의 대상이 패턴의 모티브가 되는 장식품입니다.
양식화 수업은 학생들의 예술적 상상력을 개발하는 과정에서 가장 중요한 수업 중 하나입니다. 실습에서 알 수 있듯이 양식화 수업은 학문적 드로잉 및 회화뿐만 아니라 구성 및 색채 과학과 같은 학제 간 연결과 긴밀히 협력하여 수행되어야 합니다.
교사는 중요한 과제에 직면해 있습니다. 아이는 우리를 둘러싼 사물, 현상을 살펴보고 내부 구조, 사물의 상태를 분석하여 변형하고, 수정하고, 단순화하고, 더 편리하게 만들고, 마침내 새로운 독창적인 모델을 만들었습니다. 따라서 학생들은 자연에 대한 평면적-장식적 비전과 비유적-연관적 사고를 개발하도록 도움을 받아야 합니다.
양식화 및 스타일의 개념
장식적인 구성에서 중요한 역할은 예술가가 주변 현실을 얼마나 창의적으로 처리하고 자신의 생각과 감정, 개별적인 색조를 가져올 수 있는지에 달려 있습니다. 이것은 ... 불리운다양식화 .
양식화작업 과정이 모양, 체적 및 색상 관계를 변경하기 위한 여러 가지 기존 기술을 사용하여 묘사된 개체(그림, 개체)를 장식적으로 일반화하는 방법입니다.
장식 예술에서 양식화는 전체를 리드미컬하게 구성하는 방법으로, 덕분에 이미지는 장식성이 증가한 징후를 얻고 독특한 패턴 모티프로 인식됩니다(그런 다음 구성의 장식 양식화에 대해 이야기하고 있습니다).
스타일화는 두 가지 유형으로 나눌 수 있습니다.
a) 외부 표면 , 개별 캐릭터는 없지만 기성 역할 모델 또는 이미 생성된 스타일 요소(예: Khokhloma 페인팅 기술을 사용하여 만든 장식 패널)가 있음을 전제로 합니다.
b) 장식적인 , 작품의 모든 요소가 기존 예술 앙상블의 조건에 종속됩니다(예: 이전에 설정된 내부 환경에 종속된 장식 패널).
장식적인 양식화는 공간 환경과 관련하여 일반적인 양식화와 다릅니다. 따라서 문제를 완전히 명확하게 하기 위해 장식성의 개념을 고려해 보겠습니다. 장식성은 일반적으로 작품의 예술적 특성으로 이해되며, 이는 작가가 자신의 작품과 작품이 의도한 대상 공간 환경 사이의 연결을 이해한 결과로 발생합니다. 이 경우 별도의 작업이 더 넓은 구성 전체의 요소로 생각되고 실현됩니다. 라고 할 수 있다스타일 는 시간에 대한 예술적 경험이고, 장식적인 양식화는 공간에 대한 예술적 경험입니다.
장식적인 양식화는 추상화를 특징으로 합니다. 즉, 대상의 본질을 반영하는 더 중요한 세부 사항에 주의를 집중하기 위해 예술가의 관점에서 볼 때 사소하고 무작위적인 특징으로부터 정신을 산만하게 하는 것입니다.
자연 형태의 양식화
우리 주변의 자연은 예술적 양식화를 위한 훌륭한 대상입니다. 동일한 주제를 무한히 연구하고 전시할 수 있으며, 진행 중인 작업에 따라 지속적으로 새로운 측면을 드러낼 수 있습니다.
식물 이미지로 자연스러운 형태의 스타일링을 시작할 수 있습니다. 곤충 및 새와 결합 된 꽃, 허브, 나무, 이끼, 이끼가 될 수 있습니다.
자연 모티프의 장식적인 양식화 과정에서는 두 가지 방법으로 진행할 수 있습니다. 처음에는 실제 사물을 스케치한 다음 장식적 특성을 식별하는 방향으로 처리하거나 자연적인 특징에서 시작하여 즉시 양식화된 장식 스케치를 수행합니다. 개체. 어떤 묘사 방식이 작가에게 가까운가에 따라 두 가지 방식 모두 가능합니다. 첫 번째 경우에는 작업이 진행됨에 따라 세부 사항을 주의 깊게 그리고 형태에 대한 점진적인 연구가 필요합니다. 두 번째 방법은 작가가 대상의 세부 사항을 오랫동안 주의 깊게 연구하고 그 대상의 가장 특징적인 부분을 강조하는 방식이다.
예를 들어 가시 엉겅퀴는 잎 모양에 가시와 각진 부분이 있다는 점으로 구별되므로 스케치할 때 날카로운 모서리, 직선, 깨진 실루엣을 사용할 수 있으며 형태를 그래픽으로 처리할 때 대비를 적용할 수 있습니다. 색 구성표를 사용할 때 밝고 어두운 점 - 대비 및 다른 키
동일한 동기는 다른 방식으로 변형될 수 있습니다. 자연에 가깝거나 자연에 대한 암시의 형태로 연관적으로; 그러나 지나치게 자연주의적인 해석이나 극단적인 도식화, 인식을 박탈하는 것은 지양해야 한다. 하나의 특정 특징을 선택하여 이를 지배적으로 만들 수 있으며, 반면 개체의 모양은 특징적인 특징 쪽으로 변경되어 상징적이 됩니다..
예비 스케치 작업은 양식화 된 구성의 그림을 만드는 데 매우 중요한 단계입니다. 작가는 자연스러운 스케치를 수행함으로써 자연을 더 깊이 연구하고 자연 물체의 형태, 리듬, 내부 구조 및 질감의 가소성을 드러내 기 때문입니다. 스케치 단계는 창의적으로 진행되며, 모두가 자신의 스타일, 잘 알려진 모티브를 전달하는 자신만의 손글씨를 찾고 실천합니다.
자연스러운 형태의 스케치에 대한 기본 요구 사항을 강조하겠습니다.
작업을 시작할 때 식물의 모양, 동물의 실루엣 및 단축 회전의 가장 두드러진 특징을 식별하는 것이 중요합니다.
모티프를 배열할 때는 소성 방향(수직, 수평, 대각선)에 주의하고 그에 따라 그림을 배열할 필요가 있습니다.
묘사된 요소의 윤곽을 구성하는 선의 특성에 주의하세요. 전체 구성의 상태(정적 또는 동적)는 직선 구성인지 부드럽고 유선형 구성인지에 따라 달라질 수 있습니다.
보이는 것을 스케치하는 것뿐만 아니라 시트에 묘사된 환경에서 눈에 보이는 세부 사항을 선택하여 리듬과 흥미로운 형태 그룹을 찾는 것이 중요합니다.
스타일링 과정에서 발생하는 주요 공통 특징 장식 구성 요소 및 개체의 경우 이는 다음과 같습니다.형태의 단순성, 일반성과 상징성, 기이함, 기하학성, 다채로움, 관능성.
우선, 장식적인 양식화는 묘사된 대상과 형태의 일반성과 상징성을 특징으로 합니다. 이 예술적 방법은 이미지의 완전한 진정성과 세부적인 세부 사항을 의식적으로 거부하는 것을 의미합니다.스타일링 방법 묘사된 물체의 본질을 드러내고, 가장 중요한 것을 표시하고, 이전에 숨겨진 아름다움에 시청자의 관심을 끌고, 그에 상응하는 것을 불러 일으키기 위해 불필요한, 이차적인 모든 것을 이미지에서 분리해야 하며 명확한 시각적 인식을 방해해야 합니다. 생생한 감정.
양식화 된 대상의 본질을보다 명확하고 감각적으로 표현하기 위해 불필요하고 불필요한 모든 것을 분리하여 제거합니다.가장 특징적이고 가장 눈에 띄는 특징이 사용되며 동시에 일반적으로 묘사된 대상의 특징은 다양한 정도로 과장되고 때로는 추상화를 만들기 위해 왜곡됩니다. 이러한 예술적인 과장을 위해서는 기하학적에 가까운 자연의 형태(잎사귀 모양 등)가 결국 기하학적인 형태로 변형되고, 길쭉한 형태는 더욱 늘어나며, 둥근 형태는 둥글게 되거나 압축된다. 양식화된 개체의 여러 특징 중 하나가 선택되어 지배적으로 만들어지는 반면, 개체의 다른 특징은 부드러워지거나 일반화되거나 심지어 완전히 폐기되는 경우가 많습니다. 결과적으로 묘사된 자연 물체의 크기와 비율에 의식적인 왜곡과 변형이 있으며, 그 목표는 장식성 증가, 표현성(표현) 향상, 작가의 의도에 대한 시청자의 인식을 촉진 및 가속화하는 것입니다. 이 창작 과정에서 이미지가 대상의 본질에 더 가까울수록 더 일반화되고 조건부화되는 상황이 자연스럽게 발생합니다. 일반적으로 양식화된 이미지는 추상적인 이미지로 쉽게 바뀔 수 있습니다.
창의적인 스타일화의 결과는 이미지에 상징성을 부여하는 일반화된 특징을 가진 개체의 이미지입니다.
자연 물체의 모든 유형과 양식화 방법은 단일 그림 원칙을 기반으로 합니다.예술적 변신 다양한 시각적 수단과 시각적 기법을 사용하여 실제 자연물을 표현합니다.
자연 물체의 예술적 변형의 주요 목표는 실제 자연 형태를 양식화되거나 추상적인 형태로 변형하고 그러한 힘의 표현력과 감성을 부여하는 것입니다.사실적인 이미지에서는 얻을 수 없는 밝기와 기억력.
주제에 대한 수업 요약: "장식 구성 수업에서 리본 패턴으로 식물 형태의 양식화."
수업 주제 : “줄무늬 패턴으로 식물 형태를 스타일링”
수업 목표:
교육적인: 소개하다재학생식물 형태의 양식화 기능으로 "양식화"의 개념을 밝히고 장식품에 대한 모든 것을 알려줍니다., 그 유형. 식물의 외부 형태를 장식적인 모티브로 변환하는 방법으로 양식화를 마스터합니다.
양식화 과정에서 얻은 식물 모티브로 구성된 리본 장식의 구성입니다.
발달: 기여하다창의적 사고를 개발하고 구현 기회를 제공하며, 수업에서 식물 모티프 구성을 위한 창의적인 솔루션을 선택하기 위한 조건을 조성합니다.장식 구성 분야에서 학생들의 지평과 지식을 확장합니다.
교육적인: 학생들에게 예술에 대한 사랑의 감각을 키우고, 구성 감각을 개발하고, 작업을 수행할 때 정확성을 심어줍니다.
작업:
1. “장식”의 개념을 강화합니다.
2. 스타일화의 개념을 제시합니다.
3. 식물 형태의 구조를 연구합니다.
4. 그래픽 표현 수단을 사용하여 이러한 식물 형태의 양식화를 가르칩니다.
5. 대칭과 비대칭의 개념을 강화합니다.
6. 리듬감의 발달.
행동 양식: 언어적, 시각적,현실적인.
작업 단계:
1. 이 식물 형태의 구조를 분석합니다(이미지에서 어떤 기하학적 형태로 표현될 수 있는지).
2. 그래픽 수단을 사용하여 이 식물 형태를 스타일화합니다.
기하학적 요소(모양)를 기반으로 장식용 모티브의 선형 이미지를 만듭니다.
그 자리를 기반으로 장식적인 모티브의 이미지를 만듭니다.
3. 결과 이미지를 사용하여 리본 장식의 반복 역할을 할 꽃 모티브를 만듭니다(스케치 작업).
4. 장식품의 이미지를 확대해 보세요. 장식을 2-3개의 반복되는 식물 모티프(교류)로 제한하십시오.
5. 장식품의 이미지를 컬러로 그립니다.
수업 진행 상황.
주제를보고하고 수업의 목적을 논의합니다. 그래서,오늘우리 수업의 주제 : "리본 장식으로 식물 형태의 양식화."
수업의 목적은 식물 형태의 양식화 기능을 익히고 습득한 지식을 실제로 적용하는 것입니다. 먼저 장식품이 무엇인지, 그 유형을 기억한 다음 양식화로 넘어갑니다. 장식품은 장식이다.장식품의 기원은 확실하지 않습니다. 장식의 기원은 수세기 전으로 거슬러 올라갑니다. 장식품은 작품이 특정 시대, 인물, 국가에 속해 있다는 확실한 표시입니다.
장식품은 다양한 사물(가정용품, 가구, 의류, 무기, 건축)의 디자인을 위해 식물, 동물 모티프 등 기하학적 요소의 리드미컬한 반복을 기반으로 만들어진 패턴입니다.
모티브에 따라 장식품은 기하학, 꽃, 동물, 의인화 등으로 구분됩니다. 꽃무늬를 살펴보겠습니다. 꽃무늬 디자인은 꽃, 잎, 과일 등 실제로 자연에 존재하는 식물을 기반으로 합니다. 구성에 따라 장식품은 줄무늬 (우리가 당신과 함께 할 것), 정사각형, 직사각형, 원 등 여러 유형으로 나뉩니다. 이를 바탕으로 선형, 셀룰러, 폐쇄형의 세 가지 유형의 장식이 구분됩니다.
선형 장식품은 모티프가 선형으로 교대로 반복되는 줄무늬 장식품입니다.
셀룰러 패턴은 가로와 세로 모두 반복되는 모티브입니다. 이것은 모든 방향에서 끝없는 패턴입니다.
닫힌 장식품은 직사각형, 정사각형, 원형으로 배열됩니다.
이 모든 장식품을 살펴보면, 우리는 전통적인 선과 점의 도움을 받아 상상력의 힘으로 자연스러운 형태가 새로운 것으로 변형된다는 것을 알 수 있습니다. 우리는 식물이 자연과 동일하지는 않지만 추측합니다. 기존의 형태는 극도로 일반화된 기하학적 형태로 단순화되었습니다. 이를 통해 추가 노력 없이도 장식 모티브를 여러 번 반복할 수 있습니다. 단순화와 일반화 과정에서 자연적인 형태가 상실된 것이 이미지의 평면성을 가져왔다. 이것은 양식화입니다. 장식적인 일반화, 단순화, 모양과 색상을 변경하여 묘사된 개체를 평평하게 만드는 것입니다.
자연의 형태는 어떻게 장식적인 모티브로 변하는가? 첫째, 삶의 스케치가 만들어집니다. 다음은 변형, 즉 스케치에서 기존 형태로의 전환입니다. 이미지를 단순화하고 간단한 기하학적 모양으로 분해해야 합니다. 이것은 모티프의 변형, 양식화입니다. 스타일화는 중요하지 않은 특징에 주의를 돌리는 것을 의미하며, 본질을 전달하는 더 중요한 특징(예: 가시엉겅퀴)에 주의를 집중시킵니다. 하나의 스케치에서 다양한 장식품을 만들 수 있습니다. 그런 다음 모티브를 반복하여 자신만의 독특한 장식품을 만들어 보세요.
예비 스케치 작업은 양식화된 구성의 그림을 만드는 데 매우 중요한 단계입니다. 수업의 작업은 두 단계로 진행됩니다. 첫 번째 단계에서는 학생들이 실제 생활에서 스케치를 만들고 두 번째 단계에서는 이를 기하학적 형태로 변환합니다. 이 식물은 알아볼 수 있어야합니다.
장식품이 완전히 그려지면 색상에 대해 생각하기 시작합니다. 색은 장식의 중요한 수단 중 하나로 구성과 밀접한 관련이 있다. 색상 조합은 리드미컬하게 반복될 수 있습니다. 양식 요소도 마찬가지입니다. 선명하거나 대조적이거나 부드러울 수 있습니다. 명도와 채도가 다른 색상을 사용하여 대조되는 조합을 만듭니다. 검정색과 밝은 색상을 결합하면 가장 큰 대비가 만들어집니다. 더 부드러운 조합은 회색과의 연결을 만듭니다. 보색, 따뜻한 색조와 차가운 색조는 대비에 의해 뚜렷하게 구분됩니다. 색상의 부드러움은 다양한 톤의 색상을 사용하여 얻을 수 있습니다. 같은 색상이라도 다양한 색조로 다채로운 조합을 만들 수 있습니다.
1. 장식 구성 수업에서 식물의 이미지를 방해하지 않고 생명의 꽃 스케치를 양식화된 기하학적 형태로 변환하는 방법의 예입니다.
실루엣은 단순한 기하학적 모양에 맞아야 합니다.
장식적인 모티브를 개발할 때에는 입체적인 형태를 평면적인 형태로 변형시키는 것이 바람직하다. 3차원 이미지가 필요한 경우 일반화와 관례를 사용하는 것이 필수적입니다.
2. 장식 구성 수업에서 다양한 모양으로 양식화된 스란둔 꽃의 예. 보이는 것을 스케치하는 것뿐만 아니라 리듬과 흥미로운 형태(줄기, 잎) 그룹을 찾아 눈에 보이는 요소를 선택하는 것이 중요합니다.세부시트에 묘사된 환경에서.
하나의 동일한 동기는 다양한 방식으로 변형될 수 있습니다. 자연에 가깝거나 자연에 대한 암시의 형태로,연관적으로; 그러나 어떤 식물도 양식화될 때(시연 자료 - 식물 양식화의 예가 포함된 사진 및 그림) 인식을 박탈당할 수 없습니다.
작업할 때모티브의 스케치 (꽃.) 부차적 인 세부 사항을 버리고 특징적이고 가장 눈에 띄는 특징에주의를 기울일 필요가 있습니다. 이 경우 꽃의 특징을 최대한 과장하여 도상성을 부각시킬 수 있다.
물체의 모양을 어떻게 바꿀 수 있나요? 예를 들어 종이 길쭉한 모양이면 좀 더 활발하게 뻗을 수 있고, 원형에 가까운 민들레 꽃은 최대한 둥글게 만들 수 있다.
묘사되는 물체의 각도에 주의하는 것도 중요합니다. ~에정적 구성 3/4 회전을 피하고 수직 또는 수평 축을 따라 모티프를 배치하여 평면도 또는 측면도를 사용하는 것이 좋습니다.
안에동적 구성 각도와 기울기를 사용하는 것이 더 합리적입니다.
장식용 구성의 색상과 풍미도 변형될 수 있습니다. 이는 조건부일 수 있으며 자연 버전에서 완전히 추상화될 수 있습니다.
작곡 수업 중에 만든 어린이 작품입니다.
그리고 아직 전시회에 대해 조금 더 말씀드릴 필요가 있습니다.
처음으로 국립 역사 박물관은 독특한 구슬 작품 컬렉션과 19세기 전반의 기타 장식, 응용 및 미술 작품을 선보입니다. 꽃과 식물을 모티브로 하고 그 상징성을 가지고 있습니다. 이번 전시에는 흥미로운 역사를 지닌 약 100여 점의 전시물이 전시된다.
박물관 홈페이지에서 가져온 내용입니다.
전시는 정말 작습니다. 그리고 두 개의 꽃병과 소파 위의 구슬로 장식된 장식물을 제외하면 모든 전시물은 작습니다. 걸어가면서 자세히 살펴봐야 할 경우가 바로 이런 경우이다. 라벨은 그다지 상세하지 않으며 방의 화면에는 소설 작품이 읽혀집니다. (인테리어 드로잉 전시에서는 전시에 전시된 앨범의 스토리가 화면을 통해 들려오는데 매우 흥미로웠습니다.)
전시도 다소 절충적이다. 구슬 작업이 충분하지 않거나 박물관의 전략에 따라 다른 부서 및 다른 조직에서 전시물을 유치해야하거나 다른 이유로 인해 전시물이 많이 포함되어 있다는 인상도 받았습니다. 나뭇잎, 꽃 등의 이미지가 있지만 왠지 맥락에 맞지 않았습니다. 하지만 아마도 나는 전시회 자체에 대해 조금도 탐구하지 않았을 것입니다. 전시물을 촬영하다 보면 그 하나하나에 푹 빠져 결과적으로 나무는 보고 숲은 보지 못할 수도 있습니다. 그리고 한 가지 더-이것은 역사 박물관에서 1 년 남짓 만에 열리는 아홉 번째 전시회이지만 과거의 거의 모든 전시회는 기사도, 민속 의상, 그리스 금, Gambs 가구 등 "단행본"이었습니다. 그리고 이번 전시회에서 전시물은 일종의 예술적 연결로 서로 통합됩니다. 특이한! 그러나 아래에서는 프로이센 명판, 유리 잔, 그리고 니콜라스 1세의 아내인 알렉산드라 표도로브나 황후의 편지 두 개를 더 드리겠습니다. 이 편지는 종이에 그려진 그림 때문에 분명히 번역되지 않았습니다.
비즈 장식에 대해. 나는 이번 전시회에 전시된 물건 중 많은 것들이 구슬로 짜여져 있다는 것을 알고 있습니다. 보다 정확하게는 구슬로 짜여져 있습니다. 즉, 구슬을 꿰맬 소재, 천, 가죽이 없습니다. 그렇다면 이것은 나에게 발견입니다. 나는 그런 기술에 대해 몰랐습니다.
아래의 모든 전시물은 전시회의 두 쇼케이스에서 가져온 것입니다. 즉, 제가 특별히 선택한 것은 아닙니다.
구슬, 명주실; 편물
GIM 70488 BIS-1084
구슬, 명주실; 편물
GIM 77419/33 BIS-1432
비즈, 캔버스, 가죽, 구리 합금; 자수, 엠보싱, 금도금, 널링
GIM 78112 BIS-1240
구리합금; 주조, 금도금
GIM 68257/29 LU-6763; GIM 68257/47 LU-6764
AP Vershinin (그림의 작가이자 연기자)
Bakhmetyev 공장, 러시아, Penza 지방, Gorodishchensky 지역, 마을. 니콜스코예, 1810년대.
무색 결정, 우유 유리; 오버레이, 다이아몬드 엣지, 규산염 페인트로 페인팅
GIM 61679/3 1771 예술.
6. 알렉산드라 표도로브나 황후의 편지. 1840년
알렉산드라 표도로브나 황후가 아버지인 프로이센 국왕 프리드리히 빌헬름 3세에게 보낸 편지
종이, 잉크
GA RF, F. 728, Op. 1, D. 829, 파트 III, L. 179
처음으로 국립역사박물관은 이 예술이 가장 꽃피웠던 시기인 19세기 전반의 독특한 구슬 자수 작품 컬렉션을 선보였습니다. 또한 식물을 모티브로 한 장식, 응용 및 미술 작품을 볼 수 있습니다.
두 개의 홀이 방문객에게 열려 있습니다. 첫 번째는 꽃 모티브, 즉 꽃 패턴, 식물이나 꽃으로 양식화된 형태에 대한 매력을 반영합니다. 다음은 알렉산드라 표도로브나 황후의 개인 소지품입니다: 꽃 스케치가 담긴 일기, 식물 표본 상자, 편지.
전시의 이 부분에는 꽃말과 같은 현상의 인기를 보여주는 잡지와 매뉴얼도 포함되어 있습니다. Delisle, Zhukovsky, Pushkin, Karamzin의 시를 소재로 한 비디오가 홀에서 방송됩니다. 이 작품들은 꽃의 언어와 꽃의 상징성을 반영합니다.
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작곡을 더욱 복잡하게 만드는 원칙에 따라 지어진 두 번째 홀은 여러 섹션으로 구성됩니다. 첫 번째는 개별 식물, 꽃의 의미와 장식 및 응용 예술에서 이러한 의미의 사용을 보여줍니다.
두 번째 섹션에서는 꽃다발과 화환에 암호화된 꽃 메시지가 포함된 항목을 볼 수 있습니다. 세 번째는 꽃의 의미를 보완하는 색상과 다양한 속성의 조합을 사용하여 디자인한 장식 및 응용 예술 작품을 보여줍니다. 그리고 네 번째 - 식물과 신화적인 인물.
이 전시회에는 19세기 예술의 전통을 활용한 현대 보석상들의 작품도 포함되어 있습니다. 또한 개인 소장품도 처음으로 공개됩니다.
구성의 모든 요소를 리듬에 종속시키는 장식적 원리는 아르누보 스테인드 글라스의 시각적 범위에서 우세했습니다. 보시다시피, 모티브의 원은 유기적 자연의 재료입니다. 스타일에 사용되는 동물, 새, 나뭇잎, 나무, 꽃은 장식에서 가장 자연스럽게 자리를 찾을 수 있습니다.
마찬가지로 아르누보 스타일에는 단순한 것부터 가장 복잡한 것까지 모든 종류의 장식 장식이 있었습니다. 놀랍도록 미묘하고 완전한 장식적 구성은 보는 사람의 시선을 사로잡았으며 의도한 대상에 매력을 더했습니다.
예술가의 의지와 상상력에 전적으로 의존하는 다양한 장식적 변형을 통해 아르누보 스타일은 단일 이념적 지향과 예술적 무결성을 유지했습니다.
중세 시대의 모티프인 신화적 이미지로 전환한 낭만주의 예술가들을 빛나게 한 예술은 처음에는 자연의 아름다움과 자연스러움만을 미화하다가 점차적으로 눈에 보이는 현상과 이상 사이의 연결을 확립하려고 노력하면서 점점 더 신비로운 방향을 획득했습니다. 아이디어, 보이지 않는 현실. 기호와 상징의 언어는 새로운 발전 단계를 거쳤습니다.
상징은 세기 전환기의 전체 예술 문화에서 장식품으로 들어 왔습니다. 장식 패턴의 장식적 본질은 상징주의 덕분에 새로운 의미가 등장하면서 배경으로 사라지는 것처럼 보였습니다. 새로운 의미론은 현실의 전통적인 기호인 상징적 이미지에 의해서만 제공될 수 있으며, 현실에서 직접 가져온 단편은 아닙니다. 형상, 사물, 사물의 단편이 플라스틱 상징, 플라스틱 은유로 변했습니다. 예를 들어, 스타일의 주요 거장 중 한 명인 F. Shekhtel은 장식이 차지하는 새로운 위치를 미묘하게 느꼈습니다. 장식은 종종 조형적인 의미를 가지며 예술 작품에 대한 감각적 인식에 중요한 역할을 하여 긴장이나 약점을 표현했습니다. , 상승 또는 하락.
이 시대 장식의 선은 주요 주제를 이끌어 가려고 노력했으며, 이는 미래의 사물의 모습을위한 기초가되는 중요한 입자였습니다. 실제로 아르누보 스타일은 장식의 중요성을 재평가하고 모든 유형의 예술에서 그 위치를 결정하는 것을 가능하게 했습니다.
새로운 예술적 방향에 따라 특정 요소는 한 개체에서 다른 개체로 쉽게 옮겨질 수 있습니다. 동시에, 아르누보 스타일에는 같은 유형의 장식적 모티브를 위한 자리가 없었습니다. 새로운 경우마다 패턴은 다른 소리와 플라스틱 표현력을 얻었습니다. 예술가들이 동양적 모티프를 매우 중요하게 여겼음에도 불구하고 유럽 전역에 알려진 전통적인 요소는 인식할 수 없을 정도로 변경되었습니다. 복숭아 꽃, 카네이션, 체리, 대나무 줄기 - 이 모든 것이 재작업되어 새로운 의미를 얻었습니다. 양식화된 자연 형태는 독립적인 장식 요소로 사용되었으며 색상, 형태, 구조 등 고유한 아름다움에 감탄하는 인상을 주는 조건으로 사용되었습니다.
식물상은 예술가, 그래픽 예술가, 공예가들의 특별한 관심의 대상이 됩니다. 이 경우 아르누보에서 볼 수 없는 전통적인 동물적 장르도, 전통적인 풍경화나 정물화도 다루지 않습니다. 작가는 자연 전체에 관심이 있는 것이 아니라 꽃, 잎, 줄기 등 자연의 개별적인 부분이나 대상에 관심이 있습니다. 이 모든 "캐릭터"는 일반적인 환경이나 자연 환경이 아닌 자체적으로 수행됩니다. 고립된 대상으로서, 또는 존재 조건이 예술가와 관련되지 않는 대상으로서. 7*
다양한 꽃과 식물 모티프는 유리에 묘사하기 위해 가장 좋아하는 주제였으며 주로 부드러운 곡선 줄기, 표현적인 실루엣, 기발하게 몸부림 치는 비대칭 윤곽이 있는 이국적인 식물이었습니다. 화려한 꽃, 바다 희귀성, 파도가 스테인드 글라스 창에 완전히 존재합니다. 붓꽃, 양귀비, 수련, 백합, 열매, 솔방울 및 기타 다양한 식물 형태의 모티브를 셀 수 없이 많이 찾을 수 있습니다. 이 모든 것은 Emile Luxfer와 Arsene Herbinier "Spring Flowers", 아티스트 Pizzagalli의 "Poppies"창, Arnold Liongrün의 스테인드 글라스 창 "Water Lilies"및 Wilhelm의 유사한 "Water Lilies"등 주요 거장들의 작품에서 볼 수 있습니다. Wilhelm Haas의 "꽃무늬" 창문인 Mewes, Znamenskaya(상트페테르부르크)에 있는 아파트 건물에 있는 A. Khrenov의 수련과 양귀비가 있는 비교할 수 없는 스테인드 글라스 창문입니다. 아니요. L.K.의 잊을 수 없는 작곡도 마찬가지입니다. 티파니는 “피어난 목련과 붓꽃”, “격자 위의 클레마티스”, “사계절. 봄. 여름', '호수와 붓꽃이 있는 풍경'. 아픈. ~에서부터
아이리스
대부분의 경우 붓꽃은 중앙 대형 유리창의 장식 프레임과 스테인드 글라스 창문의 그림 같은 장면에 나타납니다. 이는 기하학과 꽃 모티브가 얽혀 있는 패턴에서 가장 흔히 볼 수 있습니다. 이 꽃은 아르누보의 상징이 되었습니다. 잎과 줄기의 엄격한 직선과 꽃의 부드러운 윤곽, 꽃의 절제된 색상 조합이 새로운 스타일의 컨셉과 완벽하게 일치했습니다. 그는 F. Shekhtel의 집 외관에 묘사되어 있으며 M. Vrubel은 그를 사랑했으며 A. Blok은 그에 대한시를 썼으며 로맨스는 그에게 바쳐졌습니다. 아이리스는 그 명성에 걸맞은 탁월한 가치를 갖고 있습니다. 유럽에서 아이리스는 신뢰, 지혜, 희망을 상징합니다. 붓꽃은 스테인드 글라스 예술뿐만 아니라 꽃병, 부채, 스크린, 엽서 및 그림의 그림에도 나타나기 시작했습니다.
대부분의 스테인드 글라스 구성에서 붓꽃은 Shelkovichnaya Il의 Capital Chocolate House에 있는 스테인드 글라스 창과 같이 물망초 하인들에 둘러싸여 왕좌에 앉아 있는 왕처럼 강력하게 묘사됩니다. 아니요.
또는 상트 페테르부르크 건물 화이트 홀의 스테인드 글라스 창. 아니요.
티파니(미국)의 작품 "Blooming magnolias and 붓꽃" 1905년. 아니.
스테인드 글라스 구성의 아래쪽 "세속적"부분 전체를 채우는이 꽃은 산 너머에 많은 아름다움이 있기를 기대하면서 낙심하지 않는 친근한 가족, 결속력을 의인화합니다.
이 아름다운 꽃을 묘사한 삽화를 살펴보면 스테인드 글라스 창의 주요 구성과 그 추가의 유일한 영웅 역할을 할 수 있다고 말할 수 있습니다.
장미
장미 꽃은 다른 상징적 의미를 지녔습니다. 비너스의 꽃으로 인식되는 장미는 사람의 삶에서 가장 아름다운 것, 즉 사랑, 아름다움, 행복의 상징으로 사용되었습니다. 우리는 이 아름다운 꽃을 다음 작품에서 찾을 수 있습니다: Giovanni Beltrami (이탈리아) 스테인드 글라스 "Peacocks" 1900. 아픈. 아니요.
Jacques Grube, (프랑스) 스테인드 글라스 "장미와 갈매기" 1905 아픈. 아니요.
맨션 카사 나바스(Casa Navas), 계단의 레우스 스테인드 글라스(스페인) 병. 아니요.
Jacques Grube (네덜란드) 스테인드 글라스 창 Les Roses 1906) 병. 아니요.
스테인드 글라스 샤펠. 현대병. 아니요.
많은 스테인드 글라스 구성에서 장미는 투명한 커튼처럼 천장 바로 아래에서 창문을 따라 화환 모양으로 내려왔습니다.
종종 대규모 작곡의 경우 작가는 영원한 낙원 생활을 상징하는 나무 이미지를 사용했습니다. 태양의 이미지에 가장 적합한 꽃인 해바라기는 생명의 아름다움과 축제와 동일시되었습니다.
아르누보는 단순한 기하학적 패턴을 다양한 모양, 색상, 선으로 바꾸었고 심지어 큰 주제 장면을 유리 예술로 가져왔습니다.
북부의 자연은 우리에게 열대 지방을 꿈꾸게 만들었습니다. 그리고 무성한 야자 잎과 대나무의 이미지가있는 창문이 나타났습니다. 회색 우울한 현관 문에서 예기치 않게 이국적으로 "자라"는 것입니다. 그러나 대부분의 경우 친숙하고 사랑받는 꽃이 유리에 각인되어 밝은 스테인드 글라스 색상으로 행인의 눈을 즐겁게했습니다.
고르지 않은 색상의 "오팔" 유리로 만들어진 수련과 달걀 캡슐은 마치 호수 물에 반사된 것처럼 빛 속에서 놀고 있습니다.
엄숙한 리본과 화환으로 둘러싸인 창문 유리를 따라 내 눈앞에 고귀한 백합이 솟아 올랐습니다.
스테인드 글라스 창문의 주홍 양귀비는 꿈의 땅으로 손짓했습니다. 러시아 문화의 은시대에이 꽃은 마법의 꿈을 상징했습니다.
물론 대부분의 스테인드 글라스 창문은 귀여운 야생화, 메꽃, 과일 나무 꽃과 같은 식물의 집단 이미지로 만들어졌습니다. 또는 단순히 어린이 그림의 정신으로 양식화된 꽃 형태입니다. 중앙에 작은 유리 반구(카보숑)가 있고 주변에 대칭적인 둥근 꽃잎이 있습니다.
기본적이고 자연스러운 선의 대가인 모스크바 건축가 F. Shekhtel은 눈에 띄는 자연 형태의 콘크리트 장식에서 벗어나 추상적이고 리드미컬하게 구성된 선과 색상 점의 장식으로 전환한 최초의 사람 중 한 명입니다.
수정, 돌, 광물의 기하학적 세계는 때때로 후기 모더니즘의 거장들의 원형으로 드러납니다. 그러나 여기서 기하학은 더 복잡한 형태로 나타나며 '자연스러운 성격'을 획득합니다. I.A. 저택에 있는 L. Kekushev의 스테인드 글라스 창과 같은 후기 작품. Mindovsky, V. Walkot의 Metropol Hotel 연회장의 스테인드 글라스 창, Mokrheide Hunting Castle의 2층 홀과 식당의 스테인드 글라스 창 또는 프라하 Vinogradsky Prospekt에 있는 주거용 건물의 스테인드 글라스 창 이러한 경향의 놀라운 예가 있습니다.
스타일에 사용되는 모티프의 범위는 장식보다 순수 예술에 완전한 우선 순위를 두지 않습니다. 여기서 우리는 장식품에서 가장 자연스럽게 자리를 잡을 수 있는 물건을 다루고 있습니다. 다시 한 번 반복합니다. 이것은 동물, 새, 나뭇잎, 나무, 꽃 등 유기적 자연에서 나온 물질입니다.
뒤에 실제 사물의 원형이 없지만 종종 장식 패턴의 기초를 형성하는 선의 조합인 단순한 선조차도 비유적인 의미를 획득했습니다.
선형 조합은 긴장이나 이완, 상승 또는 하강의 인상을 만들 수 있습니다.
기하학적 모티프에서도 아르누보는 불안한 긴장감이라는 특징을 도입하는 방법을 알고 있습니다. 규칙적인 원은 서로 다른 원 안에 배치되어 일반적인 대칭을 깨뜨립니다. 삼각형이나 사각형 격자의 규칙성이 깨져 표면이 고르지 않고 흔들리는 것처럼 보입니다. 나쁘다. 대칭이 아니다.
꽃무늬와 기하학적 구성을 갖춘 장식용 스테인드글라스는 러시아를 포함한 아르누보 건축의 필수적인 속성이었는데, 아르누보 건축은 19~20세기 초 다른 나라들에 뒤처지지 않았습니다. 다양한 소득을 가진 주민들을 위한 저택과 대형 아파트 건물, 은행, 기차역 및 기타 공공 건물은 스테인드 글라스 창문 없이는 상상할 수 없었습니다.
아르누보 스타일을 연구한 대부분의 미술사학자들은 장식이 스타일의 형성과 발전에 중요한 역할을 한다는 의견을 가지고 있습니다. Madsen은 장식을 "상징적 구조"라고 부르며 이러한 유형의 비유적 사고에 순전히 의미 있는 의미를 부여합니다. 8*