브루크너는 아직 바그너 시대의 잘 알려진 위대한 교향곡 연주자는 아닙니다. 그의 개별 작품에 대한 간헐적이고 드문 연주는 그의 음악이 우리 음악 환경에 쉽게 침투하는 것을 촉진할 수 없습니다. 특히 그는 아는 사람이 덧없고 일시적일 수 없는 작곡가 중 한 명인 반면, 그의 음악을 철저히 숙달하려면 여가와 휴식이 필요하기 때문입니다. 주목. 그러나 브루크너와 동시대인이자 라이벌인 브람스의 음악이 우리 콘서트 프로그램에 스며드는 데는 마찬가지로 시간이 많이 걸렸고 이제 브람스의 작품을 꺼리는 사람은 거의 없습니다.
브루크너처럼 겸손하고 내성적인 작곡가의 삶은 매우 단순했습니다. 그는 1824년 9월 4일 안스펠덴(어퍼 오스트리아)에서 태어났습니다. 그는 학교 선생님의 아들이었습니다. 어렸을 때 그는 합창단에서 노래를 불렀고 동시에 신학교와 같은 교회 기관 중 한 곳인 St. Paul에서 공부했습니다. 플로리아나. 그곳에서 그는 나중에 오르간 연주자가 되었습니다. 1856년에 그는 콩쿠르를 통해 린츠에서 같은 자리를 차지하게 되었고, 혼자서 많은 노력을 기울인 브루크너는 자신을 일류 오르간 연주자이자 대위법 연주자로 만들었습니다. 그럼에도 불구하고 60년대에 그는 비엔나에서 제흐터(Sechter)에게 계속해서 기술을 공부했고, 그 후 그는 궁정 오르간 연주자로 자리를 잡았으며 오르간 연주, 화성, 대위법 및 연습 교수로 초빙되었습니다. 음악 작곡비엔나 음악원으로
(1867). 1875년부터 그는 비엔나 대학에서 음악을 강의했다. 그는 오르간 연주자이자 즉흥 연주자로서 고국과 해외를 두루 여행했습니다. 그는 1865년에 교향곡 1번을 작곡했습니다. 그의 열망에서 브루크너는 그의 시대의 진보적인 경향, 주로 바그너에 끌렸습니다.
브루크너 교향곡 7번 마장조는 그의 9개 교향곡 중 유럽에서 가장 유명하고 사랑받는 작품 중 하나이다. 세계에 들어가려면 작곡가의 생각, 그의 음악 (기본적으로 장엄함)을 처음 접하는 사람에게이 교향곡은 매우 적합합니다. 풍부한 멜로디, 주제의 가소성 및 생각 전개의 명확성은 편견없는 청취자를 끌어 들이고 훌륭하고 심오한 음악가의 자유로운 창의성에 대한 추가 침투를 요구합니다. . 교향곡은 1883년에 완성되었다. 그녀의 처음 세 번의 공연은 라이프치히(1884, Ikisch), 뮌헨(1885, Levi), 비엔나(1886, Richter)에서 그녀의 인기를 얻었습니다. 음악가와 대중이 위대한 작곡가에게 충분한 관심을 기울이도록 강요 한 브루크너 교향곡 중 거의 첫 번째로 밝혀졌습니다.
교향곡 7번의 가장 좋은 악장은 1번과 2번(유명한 아다지오)입니다. 첫 번째 악장에서, 첫 마디부터(선율적으로 풍부한 메인 테마의 표현부터) 끝까지 음악은 아름답고 설득력 있는 표현의 충만함과 선명함을 잠시도 잃지 않습니다. 서정적인 애절함, 진지함, 고상한 선율, 진실하고 따뜻한 음색은 교향곡의 느린 악장의 본질적으로 귀중한 특성을 구성합니다. 브루크너는 항상 그의 아다지오로 탁월합니다. 사실, 바쁘고 초조할 정도로 바쁜 시대에 그들의 자유롭고 여유로운 발걸음에 주의를 집중하는 것은 쉽지 않지만, 나약함과 절약적인 배려를 모르는 이 무진장한 음악의 세계에 침투하고 싶은 사람은 그렇지 않을 것입니다. 여가 시간을 헛되이 잃습니다. 브루크너는 슈베르트와 마찬가지로 서정적 내러티브의 순수함과 천진함을 음악의 진지함과 연결하고, 무의식적인 멜로디 흐름을 전체적으로 창의성의 유기적 성격과 연결하여 가장 독창적이고 단순한 생각이 탄생했습니다. 일련의 상태나 어떤 종류의 통합의 표현으로서 항상 단계적으로 성장하고 사라지며, 무작위로 들이닥치거나 외롭고 고문받는 멜로디처럼 느껴지지 않습니다. 슈베르트와 마찬가지로 브루크너는 서정적 친밀감과 깊은 통찰력, 감성, 인간성을 결합합니다. 덕분에 그의 가사는 개인적인 자의성과 발명의 각인을 잃고 모든 사람에게 필요하고 유용해졌습니다. 한마디로 브루크너는 그렇게 건강하지 못한 편견을 가지고 있지 않습니다. 현대 음악가극도로 주관적인 감정에서 벗어나십시오.
그의 음악에는 진솔한 감정의 목소리가 노래되고, 낭만적이고 자연스럽고 밝고 고상한 감성의 음색이 울려퍼진다. 이 속성은 이제 슈베르트뿐만 아니라 삶에 대한 인식이 그러한 "느린"음악과 일치하지 않는 것처럼 보이는 많은 사람들에게 매력을 느낍니다. 그러나 현대성은 바그너리즘의 관능적인 폭력성보다 슈베르트와 브루크너 교향곡의 서사적 감정적 구조를 선호합니다. 현명한 사상가로서 브루크너는 타인의 의지를 강요하지 않고 관능적인 이미지로 상상력을 억누르지 않지만, 낭만주의자로서 감정의 목소리를 깊이 느끼고 바그너를 사랑하며 종종 후자의 음악 분위기에 몰입한다. , 정화하고 계몽합니다. 바그너에 대한 브루크너의 노예적 의존에 대한 일반적인 말은 제쳐두어야 합니다. 그들은 아무것도 설명하지 않습니다. 결국, 모차르트도 당시 이탈리아인들에게 “의존”했습니다.
비엔나 댄스 리듬과 비엔나 민속의 목가적인 가사가 담긴 브루크너 교향곡의 스케르초 장르 장면, 슈베르트의 스케르초와 공통점이 많지만 기본 사상의 전개 측면에서 베토벤의 스케르초와 가끔 접촉하기도 합니다. 강렬한 1악장과 깊이 사색적인 아다지오에 이어 브루크너의 스케르초는 그처럼 강렬한 음악 이후 형식이 너무 단순해 보이기 때문에 다소 의미를 잃습니다. 인식할 때 이 점을 명심해야 합니다.
Brookier의 피날레에 관해서는 거의 각각 서정적 서사적 교향곡의 끝이나 완성 문제에 대한 새롭고 항상 흥미로운 해결책을 제공합니다. 그들은 또한 음악의 관대함과 창의적인 상상력의 자유에 놀랐습니다. 그들의 결여는 생각의 집중을 방해하는 그들의 디자인의 폭과 상상력의 무한함에 있습니다. 게다가 브루크너의 기념비적인 교향곡을 감상하다 보면 피날레에 대한 청취자들의 관심은 이미 너무 지쳐서 작곡가를 따라가기 어렵고 교향곡의 모든 부분을 무대별로 연결하고 결합하는 '사건'의 전체 과정을 기억하기 어렵다. 장엄하게 펼쳐지는 마지막 '움직임'으로. 물론 이러한 결핍이 음악 자체의 가치를 전혀 손상시키지는 않는다. 이와 관련하여 일곱 번째 교향곡의 피날레는 이해하고 수용하기가 매우 쉽고 전체 교향곡 동작을 합당하게 마무리하고 통합하는 것으로 나타났습니다.
브루크너 교향곡 8번(다단조) 59는 1886년에 완성되었습니다. 생각의 범위와 깊이가 거대한 이 작품은 처음부터 끝까지 밝고 풍부한 음악으로 가득 차 있으며, 이는 강렬한 삶의 감각과 풍부한 정서적 경험을 반영합니다. 교향곡의 네 부분은 사운드로이드 발달의 4단계, 즉 4가지 생활 단계로 구성됩니다. 1악장의 극적이고 열정적인 애절함은 키아로스쿠로의 기발하고 감동적인 연주와 스케르초 트리오의 부드러운 가사로 인해 완화됩니다. 교향곡의 중심은 고상함과 부드러운 느낌이 가장 아름다운 아다지오입니다. 이 곡은 브루크너의 다른 교향곡의 놀라운 느린 악장 중에서도 그 강렬한 선율로 인해 단연 돋보입니다. 결말은 엄청난 개념입니다. 음악의 특성상 장엄하고 장엄한 행렬과 황홀하고 강력한 찬송가가 포함되어 있으며 이전의 모든 발전을 합당하게 완성하고 통합합니다. 전반적으로 이 작품은 아이디어의 세계에서 자신의 위치를 대담하고 강력하게 주장하는 자랑스럽고 용감하며 영웅적인 작품입니다. 8번 교향곡을 인식하기 어려운 점은 계획의 폭, 표현의 무거움, 사운드 스트림의 길이에 있습니다. 그러나 동시에 테마의 명확성과 가소성, 생각의 차분한 전환, 움직임의 분리(지나치게 강조됨) 및 모든 음악의 여유로운 속도는 전체적으로는 아니더라도 점차적으로 동화를 촉진합니다. 한 단계에서 다른 단계로, 피날레로 나아가는 것은 진정으로 상승의 정점이고 교향곡 중에 느끼고 경험되는 모든 것을 장대 한 범위에서 연결하는 방식으로 구성됩니다. 투쟁, 아이디어의 둥근 춤, 열정적 인 영혼이 가득한 노래와 열정적 인 찬송-이 길을 따라 청취자의 의식은 다양하고 깊은 충격을 경험하며 위대한 작곡가의 의지에 따라 음악에 주입 된 감정, 그 창조적 상상력의 힘은 상상조차 하기 어렵습니다. 이 교향곡에서 브루크너의 감정의 범위는 놀랍습니다. 멜로디 주제의 가장 부드러운 부드러움과 분위기의 서정성은 친밀하고 명상적인 차원에서 삶을 감동시키는 한계는 브루크너 교향곡의 한 영역일 뿐인 것 같습니다. 그다지 강렬하게 흥미롭지 않은 다른 극은 건강하고 자랑스럽게 전투적이며 자신감 넘치는 힘과 힘의 음악으로, 이를 방해하는 모든 것에 대한 생명권과 승리를 보장하는 두 가지 원칙입니다. 두 영역 모두 동일한 신념으로 구현됩니다. 그리고 교향곡의 악보를 훑어볼 때, 그 전체 의미, 움직임과 역동성의 모든 음영을 두 가지, 즉 힘의 평온함과 절제, 애정의 무한한 부드러움으로 축소하고 싶습니다.
브루크너의 중요성은 점점 더 커지고 있습니다. 그에 관한 문헌은 점점 더 흥미롭고 깊어지고 있습니다. 이에 대한 가장 좋은 증거는 Ernst Kurt의 최신 주요 작품입니다. 1920년, 1921년, 1924년 브루크너를 위한 일련의 음악 축제, 그의 모든 교향곡의 주기적 연주, 그의 작품의 새로운 판은 독일과 오스트리아에서 그의 음악의 인기에 기여했으며 계속해서 기여하고 있습니다.
따라서 20세기에는 브루크너의 생애 동안 동시대 사람들이 그에게 가한 큰 불의를 바로잡는 일이 이루어졌습니다. 당연합니다. 바그너와 브람스와 동시대에 살았던 겸손한 브루크너는 본질적으로 두 사람보다 앞서 있었습니다. 그는 비엔나 고전주의에 대한 이해와 구현에 있어 브람스보다 더 적합했고, 교향곡 구성과 숭고한 세계관과 묵상에 있어서 바그너보다 더 현명했습니다.
브루크너의 특징은 그가 스텐실로 생각하고 동시에 그것을 진심으로 믿는다는 사실에 있습니다(단조 교향곡은 장조로 끝나야 합니다! 그리고 제시부는 반복으로 반복되어야 합니다!)...
안톤 브루크너의 교향곡 연주는 다른 작곡가(글쎄, 아마도 브람스라도)와는 달리 다음에 달려 있습니다. WHO수행하고 어떻게. 젊은 작곡가 게오르기 도로호프(Georgy Dorokhov)와의 대화에서 브루크너 교향곡의 해석과 그 모든 버전에 질서를 부여하려는 시도에 너무 많은 공간이 할당된 이유가 바로 이 때문입니다.
모든 작곡가(작가, 예술가)는 당신이 정말로 걱정하는 것이 무엇인지 말하는 이유일 뿐입니다. 결국 우리는 미적 경험에 대해 이야기할 때 우선 우리 자신에 대해 이야기합니다. 일찍부터 음악을 연주하기 시작한 작곡가 Dmitry Kurlyandsky는 어린이 작문의 특징과 모차르트의 신동 현상에 대해 논의합니다.
또 다른 중요한 질문: 브루크너는 끊임없이 불공평하게 비교당하는 그의 학생 말러와 어떻게 다릅니까? 비교할 것이 없는 것처럼 보이지만 둘은 완전히 다른 작곡가, 맛을 선택하십시오. 그리고 제 생각에는 브루크너는 너무 깊어서 그의 배경에 비해 어떤 교향곡가(브뤼크너와 경쟁했던 브람스는 말할 것도 없고 같은 말러)가 가볍고 거의 경박해 보입니다.
우리는 현대 작곡가들이 전임 작곡가들의 작품에 대해 토론하는 월요일 대화 시리즈를 계속합니다.
- 언제 브루크너의 음악을 처음 들었나요?
- 제가 브루크너의 음악을 처음 들었던 것은 11살 때였습니다. 부모님의 음반 중에서 그의 첫 번째 교향곡을 발견했을 때(나중에 깨달았지만 아마도 브루크너 스타일에 가장 이례적인 곡이었을 것입니다!) 나는 그것을 듣기로 결심하고 계속해서 들었습니다. 연속 두 번 - 그만큼 마음에 들었다.
그 후 6번, 5번, 9번 교향곡을 알게 되었고, 나중에는 나머지 교향곡도 알게 되었습니다.
처음에는 내가 왜 이 작곡가에게 끌리는지 거의 이해하지 못했습니다. 나는 단지 오랜 기간에 걸쳐 여러 번 반복되는 것을 듣는 것을 좋아했습니다. 후기 낭만주의 음악의 나머지 부분과 비슷하지만 그것과는 뭔가 다릅니다. 나는 항상 첫 번째 마디에서 교향곡의 주요 조성을 즉시 파악할 수 없는 순간에 매력을 느꼈습니다(이것은 부분적으로 5번 교향곡, 특히 6번과 8번 교향곡에 적용됩니다).
그러나 아마도 나는 아마추어적인 취향이 아니라 모스크바 음악원 2학년 때 교향곡 3번의 첫 번째 버전이 담긴 디스크를 발견했을 때만 브루크너를 이해했을 것입니다.
그 순간까지 브루크너 교향곡 3번은 내가 가장 좋아하는 작품 중 하나가 아니었습니다. 하지만 이 녹음을 들었을 때, 이 한 시간 반 동안 내 의식이 급격하게 바뀌었다고 과장 없이 말할 수 있습니다(최종 버전에서는 교향곡 길이가 약 50분이라는 점에 주목합니다).
그리고 수많은 바그너 인용문의 존재 때문이 아니라 일부 조화로운 발견 덕분이 아닙니다. 그리고 모든 자료가 극도로 확장되어 전통적인 형식의 틀에 맞지 않는 것으로 나타났기 때문입니다(공식적으로 에세이는 이에 적합하지만).
일부 구절은 반복적이어서 저를 놀라게했습니다. 때로는 Reich 또는 Adams가 들리는 것처럼 보였습니다 (비록 덜 능숙하게 들렸지만 아마도 나를 사로 잡았을 것입니다). 많은 것들이 매우 서툴러서(재발이 시작되기 훨씬 전에 메인 키가 나타나는 등 수많은 교수적 금기를 위반하여) 더욱 매력적이었습니다.
그 후 나는 브루크너 교향곡의 모든 초기 버전을 알게 되었고(그리고 여섯 번째와 일곱 번째 교향곡을 제외한 거의 모든 것이 저자에 의해 적어도 두 가지 버전으로 존재합니다!) 그들에게서 같은 인상을 받았습니다!
- 어떤 결론이 나오나요?
- 브루크너는 아마도 동시에 가장 구식 작곡가 중 하나일 것입니다. XIX 후반세기 (모든 교향곡에 대해 항상 동일한 구성! 항상 동일한 오케스트라 구성, Bruckner는 겉으로는 업데이트하려고 시도했지만 다소 서투르게 + 오르간 연주자의 사고의 명확한 영향이 거의 항상 보입니다. 오케스트라 그룹, 페달, 대규모의 날카로운 전환 + 많은 조화와 멜리스마적 시대착오), 그러나 동시에 이 같은 역사적 시대의 후기 낭만주의 중 가장 진보적인 것입니다(아마도 그의 의지에 반하는 것입니다!).
그의 교향곡의 초기 판, 후기 교향곡의 일부 순간, 특히 9번 교향곡의 미완성 피날레에서 발견된 신랄한 불협화음을 상기해 볼 가치가 있습니다. 자료 표현의 고정 관념과 원시성이 일부 예측 불가능성과 결합되거나 심지어 그 반대의 경우에도 형성에 대한 절대적으로 특별한 태도는 청취자를 예측 가능성으로 놀라게합니다.
사실, 내가 보기에 브루크너의 특징은 그가 스텐실로 생각하고 동시에 그것을 진심으로 믿는다는 사실에 있는 것 같다. (단조 교향곡은 장조로 끝나야 하며 해설은 반복해서 반복되어야 한다!) ...
그러나 동시에 그는 Bruckner가 정확하게 그의 대위법 기술 덕분에 가장 단순한 장소에서 설득력 있는 결과 이상을 달성한다는 사실에도 불구하고 매우 서투르게 사용합니다!
그들이 브루크너에 대해 그가 "반은 신이고 반은 바보"라고 말한 것은 이유가 없습니다(구스타프 말러도 그렇게 생각했습니다). 이 작곡가에 대한 대중과 전문가 모두의 관심을 여전히 유지하는 것은 숭고함과 소박함, 원시성과 정교함, 단순성과 복잡성의 조합인 것 같습니다.
일부 음악가와 음악 애호가들이 브루크너를 무시하는 이유에 대해 이미 부분적으로 답변하셨습니다. 그러나 시간이 흘러 브루크너의 발견이 명백하다는 것이 입증되었을 때에도 이러한 태도는 왜 변하지 않았습니까? 왜 그는 그렇게 이상하고 완전히 불공평한 평판을 얻었습니까?
-전체 요점은 인식의 특정 관성인 것 같습니다. 브루크너의 경우 음악가와 청취자는 한 가지를 기대하지만, 그들이 받는 것은 그들이 기대하는 것과 전혀 다릅니다.
전형적인 예는 Zero Symphony입니다. 첫 번째 악장에서는 들리는 모든 것이 다가오는 멜로디의 반주이지만 결코 나타나지 않는 느낌이 듭니다.
두 번째 부분의 주요 주제가 조화와 구조에 대한 완료된 시험 과제에 지나지 않는 경우. 하지만 자세히 살펴보면 작곡가가 이런 식으로 청취자를 속이고 있다는 것을 알 수 있습니다.
청취자는 한 가지(잘 쓰여진 교향곡)를 기대하지만 결국 엉망이 되고 만다. 왜냐하면 일어나는 일이 그가 기대하는 것과 다소 다르기 때문이다.
출연자도 마찬가지에요(추가된 요소도 있어요)
브루크너 악보의 특정 순간을 수행할 수 없음).
작곡가의 다른 교향곡에도 동일하게 적용될 수 있습니다. 처음에는 전형적인 독일 학문주의를 기대합니다. 19일 중반세기, 그러나 거의 첫 마디부터 그는 문체 불일치, 정직하게 실행 된 형식, 서투른 변조, 교향곡의 음조가 무엇인지 명확하지 않을 때, 그리고 CD의 비문을 믿지 않을 때 비틀 거리기 시작합니다. B플랫 장조 교향곡”…
- 브루크너의 이야기에는 항상 공정하지 않은 평판에 대한 교훈이 담겨 있나요?
- 브루크너의 평판은 문제가 되지 않는 것 같다. 그렇습니다. 그의 작품 중 상당수는 그의 생애 동안 공연되지 않았습니다. 그러나 일부는 충족됩니다. 더욱이 (교향곡 8번과 같은) 놀라운 성공을 거두었습니다. 동시대 사람들이 성공은 당시 로마 황제에게 주어진 영예에 해당한다고 말했을 때!
요점은 바로 지각의 관성에 있습니다. 사실 브루크너는 당시에는 그럴 만한 타당한 이유가 없었음에도 불구하고 위대한 작곡가가 되기를 열망했습니다.
그의 동시대 사람들이 그에게서 멀어진 이유는 무엇입니까? 보수주의자 - 바그너의 영향. 바그너주의자들은 브루크너가 "교향곡의 바그너"가 아니라고 주장합니다. 더욱이, 바그너 지휘자들은 그의 생애 동안, 특히 브루크너가 죽은 후에 그의 교향곡을 바그너의 교향곡으로 만들어 그들의 인식에 더 가깝게 만들었습니다.
일반적으로 상호 배타적인 단락의 조합: Bruckner는 고고학자, Bruckner는 보수주의자, Bruckner는 Wagnerian입니다.
아니면 당시에도 너무 구식으로 보였던 이상한 작곡과 음악적 구조, 수사학과 파토스로 표현된 그의 극도의 신앙과 경건함이 아이러니한 거리를 초래한 탓일까요?
- 경건은 모두 순전히 외부적인 것입니다. 또 다른 것은 브루크너가 등장한 음악적 환경이다.
한편으로는 음악교사(관련 작품)이기도 하다. 반면에 브루크너는 교회 오르간 연주자입니다(이것들은 다른 작품이기도 합니다). 세 번째 측면에서 그는 순전히 종교적인 음악을 작곡한 작곡가이다.
사실 이 세 가지 요소는 모두 나중에 “교향곡 연주자 브루크너”라고 부를 수 있는 특징으로 발전했습니다. 바그너주의의 손길은 순전히 외부적입니다. 브루크너는 확실히 이해하지 못했고, 가능하다면 작곡가 바그너의 철학을 전혀 이해하고 싶지 않았습니다.
그는 바그너의 대담한 하모니와 순수한 금관 악기가 청취자에 대한 공격적인 공격에만 매료되었습니다. 그러나 오르간 연주자로서 그에게도 새로운 것이 아닐 것입니다!
그러나 물론 브루크너의 신앙심도 무시되어서는 안 됩니다. 그의 순진한 믿음은 하나님에 대한 믿음(그리고 매우 단순하고 유치한 믿음)을 훨씬 넘어섰습니다.
이것은 또한 더 높은 위치에 있는 인간 권위(대주교든 바그너든; 브루크너는 두 사람 모두에게 무릎을 꿇을 준비가 되어 있었습니다)에게도 적용되었습니다. 이는 또한 베토벤의 모델에 따라 교향곡을 작곡할 가능성에 대한 믿음과 관련이 있었는데, 이는 19세기 후반에는 생리학적으로 사실상 불가능했습니다.
내가 보기에 그의 교향곡에서 가장 비극적인 순간은 주요 코드인데, 때로는 일부 교향곡의 파국적인 극작법에 의도적으로 결합되는 경우도 있습니다.
특히 교향곡 2번과 3번의 원본 버전에서는 모든 것이 잘 끝나기 때문에 귀가 아프게 됩니다. 아마도 이것은 죽음을 포함하여 모든 나쁜 일 후에는 매우 좋은 일이 뒤따를 것이라는 브루크너의 순진한 믿음이 나타난 곳일 것입니다. 19세기 말에 많은 사람들은 더 이상 믿지 않았습니다. 브루크너 자신도 이것을 잠재의식 수준에서 이해했습니다.
즉, 브루크너에게 중요한 것은 베토벤적 의미에서의 승리의 성취가 아니라 그 환상이다. 또는 Berg의 "Wozzeck"의 피날레에서와 같이 발생한 비극에 대한 어린이의 무지 (Berg가 성인의 입장에서 오페라를 작곡했다는 차이점이 있음).
그건 그렇고, 이것이 일반 청취자가 브루크너 교향곡의 세계에 들어가기 어려운 이유 중 하나입니다. 그의 교향곡의 코드도 오해의 소지가 있습니다. 결과는 슬픈 것 이상인 것 같지만 갑자기 주요 팡파르가 됩니다.
여기서 우리는 브루크너의 바로크적 사고를 떠올릴 수도 있습니다(단조 작곡은 장3화음으로 끝나야 합니다!). 오직 브루크너에게서만 이것이 다른 확장된 시간 차원에서 일어납니다.
그리고 물론 작곡의 이상한 불균형은 물론 절대적으로 옳습니다. 브루크너의 작품에서 특별한 긴장감을 느끼지는 않지만.
-물론 Bruckner는 언뜻보기에 부정적인 특성긍정적으로 변합니다. 즉:
1) 주제주의의 원시성: 첫째, 브루크너 교향곡의 길고 연속적인 구조가 유지되는 덕분입니다.
둘째, 고전-낭만주의 교향곡(및 고전-낭만주의 교향곡)의 일부 특징을 터무니없는 지점(무의식적임에도 불구하고!)으로 축소하여 일종의 영점, 절대 지점으로 축소합니다. 거의 모든 작품은 초등, 거의 진부한 구성, 심지어 유명한 4번 교향곡까지.
그러나 브루크너는 조금 다르게 생각했습니다. “보세요, 이것이 바로 삼위일체 하나님의 기적입니다!” -그는 그런 순간에 대해 말했습니다!;
2) 스타일 프레임워크의 파괴:
다음을 포함하여 가장 복잡한 주제
a) 문체적 비호환성(바로크식 사고, 학교 교사의 사고, 독일 보수 교향곡가의 사고, 바그너 작곡가의 사고);
b) 다른 작곡가가 되려는 시도가 실패했습니다(바흐, 베토벤, 슈베르트, 바그너, 심지어는 교향곡 3번의 느린 악장의 시작 부분에서처럼 모차르트).
3) (위에서 언급한) 호환되지 않는 것들을 결합하려는 시도
4) 자신의 작곡가의 콤플렉스를 극복하기 위한 방법으로서의 진보성(잘못된 음성 생성, 부적절한 형식 처리, 이상한 오케스트레이션, 라이프치히 학교의 독일 학문주의와 바그너주의의 특징 결합, 상호 배타적인 단락!
9번 교향곡에서 부조리함을 일부 작곡가 수준으로 끌어올리는 것; 초판 교향곡 3번의 코다, 구리가 옥타브가 두 배로 증가한 D E-플랫 절단 조합을 수행할 때; 이 말을 처음 들었을 때 처음에는 연주자들이 실수를 한 줄 알았다.) 결과적으로 그 시대의 스타일을 뛰어넘는 것 같았다.
내 생각에는 브루크너가 19세기 후반 유럽의 가장 진보적인 작곡가인 것 같다. 혁신을 이룬 바그너나 형식과 편성에 대해 근본적으로 다른 태도를 보인 말러도 브루크너만큼 급진적인 혁신가는 아니었습니다.
여기에서 모든 것을 찾을 수 있습니다 : 특정 절대 수준으로 승격 된 원시주의, 학교 개념에 맞지 않는 조화로운 혁신, 재료와 오케스트라를 다루는 데있어 약간의 무능함, 프랑스 치즈의 곰팡이와 유사한 매력 추가, 의도적 인 출발 확립된 프레임워크.
그리고 가장 놀랍고 창조되는 것에 대한 절대적으로 유치한 순진함과 자신감은 무엇입니까 (Bruckner가 음악가로서 경력을 시작한 San Floriana 수도원의 수도사로부터 나오는 일부 종교적 압력에도 불구하고 아마도 덕분에).
이러한 모든 교향곡 클론과 수많은 변종을 올바르게 탐색하는 방법은 무엇입니까? 때때로 당신은 믿을 수 없을 만큼 혼란스러워집니다. 특히 당신이 가장 좋아하는 교향곡을 듣고 싶을 때, 당신은 부주의하게 각본이나 디스크에 있는 비문을 읽고 그 결과 완전히 낯선 작품을 얻게 됩니다...
-여기의 모든 것은 실제로 매우 간단합니다. 브루크너 교향곡의 차이점과 차이점만 알면 됩니다. 가장 다양한 판은 우선 교향곡 4번입니다. 사실 우리는 동일한 자료를 기반으로 한 다양한 교향곡에 대해 이야기할 수 있습니다.
시간이 지나면 교향곡 CD 세트가 나오는 것 같습니다. (어떤 작가의 작품 세트에 대한 아이디어에 대해서는 상당히 회의적이지만 여기에는 상업주의가 많이 포함되어 작곡가의 반대를 평가 절하합니다. 그러나 이것은 약간 다른 이야기입니다) 확실히 두 개의 4분의 1, 즉 1874년과 1881년이 포함될 것입니다. 그들은 매우 다릅니다.
그들은 다른 스케르초를 포함하고 있습니다 다른 재료; 그건 그렇고, scherzo의 첫 번째 버전의 기본 키를 즉시 결정하십시오! 이것은 당장 일어나지 않을 것입니다! 그리고 동일한 소재에 다른 엔딩이 있습니다. 그러나 구조와 리듬의 복잡성이 다릅니다.
다른 버전의 경우, 슬프게도 취향의 문제입니다. 즉, 부분이 재배치된 첫 번째 버전의 교향곡 2번과 교향곡 3번의 간결한 표현(실제로는 이후 버전)입니다. , 이 작곡을 원래 형식으로 듣는 데 추가로 30분을 소비하지 않기 위해.
또는 편집자가 두 번 생각하지 않고 두 개의 서로 다른 판을 결합하고 - 그뿐만 아니라 - 피날레에서 두 개의 새로운 마디를 쓴 Haas 판의 교향곡 8번도 마찬가지입니다.
또한 자신만의 브루크너 교향곡 버전을 만든 신사 지휘자들 때문에 상황이 복잡했다는 점을 고려해야 합니다.
다행스럽게도 현재는 연구 지휘자들만이 이 판본의 연주를 맡고 있는데, 이는 악보의 원문보다 훨씬 더 우스꽝스럽고, 게다가 일반적으로 부족합니다.
이제 해석으로 넘어갈 것을 제안합니다. 버전과의 혼란스러운 상황은 녹음 품질의 가변성으로 인해 더욱 악화됩니다. 어떤 지휘자와 오케스트라의 녹음을 듣고 싶나요?
-수정주의적인 공연을 정말 좋아합니다. 노링턴 교향곡 4번 - 형식의 구조 측면에서 최고의 연주; 헤레베게 교향곡 5번과 7번에서 브루크너는 청취자에게 친숙한 금관부주 없이 등장합니다.
독일 지휘 학교 대표자들의 교향곡 연주 중에서 나는 Wand(브루크너를 일종의 슈베르트의 업그레이드로 보는)와 Georg Tintner를 언급하고 싶습니다. 원본 버전에서는.
불행히도 전체 컬렉션을 편집하기 위해 일부 교향곡을 분명히 연주했다는 사실에도 불구하고 스타 (Karajan, Solti, Jochum)의 공연도 무시해서는 안됩니다.
당연히 나는 몇 년 전 모스크바에서 테오도르 쿠렌치스(Teodor Currentzis)의 교향곡 9번 연주를 떠올리지 않을 수 없습니다. 나는 그의 해석으로 나머지 교향곡을 듣고 싶습니다.
Mravinsky와 Rozhdestvensky의 해석에 대해 어떻게 생각하시나요? 브루크너에 대한 러시아의 접근 방식을 어떻게 보시나요? 병원 평균 기온과 어떻게 다른가요?
- 8번과 9번 교향곡에 대한 Mravinsky의 해석은 상당히 유럽적이고 경쟁적입니다. (불행하게도 60년대 후반의 녹음으로 판단하면 Mravinsky의 경우 7번은 제대로 작동하지 않았습니다).
Rozhdestvensky의 경우 브루크너 교향곡 연주는 평균과 매우 다릅니다. Rozhdestvensky는 브루크너를 절대적으로 20세기 작곡가로 인식합니다. 쇼스타코비치와 거의 동시에 작곡한 작곡가로서(그리고 아마도 그의 교향곡 중 일부를 들었을 것이며, 그가 개인적으로 그를 알았을 수도 있습니다!).
아마도 다른 어떤 공연에서도 그러한 비교가 떠오르지 않을 것입니다. 더욱이 Bruckner와 Mahler 사이의 모든 차이점이 분명해진다는 것은 Rozhdestvensky의 해석에 있습니다. (Mahler가 여러면에서 Bruckner의 추종자라는 의견을 자주들을 수 있지만 이것은 실제로 완전히 잘못된 것이며 아마도 Rozhdestvensky 일 것입니다. 그는 브루크너 교향곡을 연주하면서 이를 가장 설득력 있게 증명했습니다.
그런데 지휘자가 브루크너 교향곡의 모든 버전(그가 발견한 말러의 재편곡 4번 교향곡 포함)을 연주하고 이를 디스크에 녹음했다는 것도 중요한 사실입니다.
말러와 브루크너의 차이점에 대해 더 자세히 말씀해주실 수 있나요? 나는 개인적으로 브루크너의 진폭, 범위 및 확장을 배경으로 말러가 창백해 보이는 것처럼 보이지만 우월성과 장자 상속권을 부여받은 사람은 말러인 일종의 이중 쌍이라는 의견을 반복적으로 접했습니다.
- 이것은 브루크너를 특정인으로 인식하는 가장 흔한 실수 중 하나입니다. 외부적으로 유사점을 찾을 수 있습니다. 두 사람 모두 긴 교향곡을 썼고 두 사람 모두 9개의 완성된 교향곡을 가지고 있었지만 아마도 유사점은 여기에서 끝날 것입니다.
말러 교향곡의 길이는 매번 다양한 사건과 상태 변화가 발생하는 세계를 창조하려는 그의 열망에 따라 결정됩니다. 말러는 물리적으로 30~40분 교향곡의 표준 틀에 맞지 않습니다.
Bruckner는 완전히 다릅니다. 그의 교향곡의 기간은 사건의 풍부함에 의해 결정되지 않으며 실제로는 극소수이지만 그와 반대로 특정 상태의 시간 연장에 의해 (특히 느린 악장에서 느껴집니다) 시간의 흐름이 멈춘다고 할 수 있는 후기 교향곡의 경우 - 사중주 "At the End of Time"에서 메시앙의 묵상에 대한 비유가 즉시 나오거나 원본 버전의 제3 교향곡의 첫 번째 악장에서 사건이 발생했을 때 거의 비극적으로 느린 동작으로 발생합니다).
즉, 말러는 브루크너보다 그 나이대에 더 가깝고, 말러는 브루크너보다 더 낭만적인 사람이다.
- 교향곡 형식에 대한 말러와 브루크너의 접근 방식은 무엇인가?
- 브루크너의 경우 모든 것이 항상 동일한 모델에 따라 구성됩니다. 일관되게 4부로 구성된 사이클, 동일한 이벤트 과정: 항상 첫 번째 부분과 최종 부분의 3가지 주제 설명, 거의 항상 느린 부분, 아바바 공식에 따라 구성됩니다. 거의 항상 단조 스케르초(아마도 4번 교향곡의 사냥용 스케르초는 제외) - 그렇지 않으면 대략적으로 말해서 브루크너가 단지 또 다른 교향곡이 아니라 새로운 버전의 교향곡을 쓸 때마다 말러는 이런 의미에서 전혀 예측할 수 없습니다. 그리고 여섯 개 또는 두 개의 부분이 있을 수 있다는 사실에 있어서; 그리고 드라마투르기의 관점에서 볼 때 가장 중요한 점은 첫 번째 악장이나 피날레(말러의 경우처럼)뿐 아니라 두 번째(교향곡 5번)나 세 번째도 될 수 있습니다.
역시 그들 소속이 아닌 라벨과 달리 말러는 평생 애착을 가질 수 있는 작곡가도 아니다. 말러에게 "푹 빠지는 것"은 환영할 만한 일이지만 그에게 애착을 갖는 것은... 그럴 가능성은 거의 없습니다. 나 자신도 공부하는 동안 말러 감염에 걸렸습니다. 질병은 일시적인 것으로 판명되었습니다. 잘려진 음반 더미와 고 위트레흐트 부르고마스터의 사유지를 매각하여 구입한 말러 악보의 초판은 Pink Flood, Tolkien 및 M.K.와 함께 이미 20년 전 과거로 사라졌습니다. 에셔. 가끔 (아주 드물게) 오래된 음반을 듣고 기대했던 것보다 더 감동을 받았지만 곧바로 정상으로 돌아옵니다. 음악은 흘러나올 때와 마찬가지로 쉽게 나에게 흘러들어오며, 오래된 감정도 빠르게 깨어나고 사라진다...
말러와 브루크너는 작곡 기법이 전혀 다릅니다. 첫째, 악기 편성은 순전히 양적인 기준으로만 받아들인다 하더라도 브루크너는 후기 교향곡이 나올 때까지 대규모 오케스트라를 위해 곡을 쓰지 않았습니다(브루크너의 대규모 오케스트라는 신화입니다!!!).
그 안에만 나무, 바그너식 트럼펫과 추가로 두 명의 타악기 연주자의 삼중 구성이 포함되어 있습니다(이전에 브루크너는 팀파니에만 자신을 제한했습니다!). 심지어 심벌즈의 영향으로 인해 실제로는 8번 교향곡에서만 가능했습니다. 일곱 번째에서는 어떻게 플레이할지 여부에 대한 논쟁의 여지가 있는 문제입니다(이 문제에 대해 많은 사본이 깨졌고 더 많은 복사본이 깨질 것입니다).
둘째, 말러는 거의 첫 단계부터 모든 오케스트라 리소스를 사용합니다. 그러나 그의 동료 Richard Strauss(때때로 이용 가능한 기회 때문에 모든 자원을 사용하기도 함)의 원칙에 따르지는 않습니다. 교향곡 4번에서 알 수 있듯이 무거운 금관악기가 없습니다. 말러가 거대증과 무거움을 비난함) 하지만 이 곡은 다양한 종류의 악기로 가득 차 있는데(악보에는 네 가지 종류의 클라리넷이 있습니다!) 말러가 이를 매우 능숙하게 대체합니다.
음색 변조와 다성음악은 모방적인 것이 아니라(예를 들어 교향곡 7번의 첫 번째 악장에서 귀로만 알아차리기가 매우 미묘하게 브루크너의 경우처럼) 선형적 성격을 띠고 있습니다.
이는 여러 가지 다른 멜로디와 질감의 라인이 결합되는 경우입니다. 근본적인 차이브루크너의 말러.
그러나 일반적으로 작곡 기법 측면에서 말러의 모든 동시대 사람들 중에서 말러는 아마도 라헨만(Lachenmann)과 페르니호프(Fernyhough)와 같은 작곡가 수준에서 그것을 마스터한 20세기 최초의 작곡가일 것입니다.
- 브루크너의 유산에 대한 해석과 이해의 질은 시간이 지나면서 변하는가?
- 틀림없이! 작곡가 브루크너에 대한 연주자들의 견해의 진화를 관찰할 수 있습니다. 처음에는 그를 교향곡의 바그너로 보려는 시도가 있었고, 그 다음에는 그를 후기 낭만주의의 많은 작곡가 중 한 명으로 해석했으며 어떤 경우에는 베토벤 작품의 계승자로 해석했습니다. 전통.
순전히 상업적인 성능을 관찰할 수 있는 경우가 꽤 많으며, 이는 기술적으로 흠잡을 데가 없지만 똑같이 실행 불가능합니다.
요즘 많은 음악가들은 베토벤 모델을 바탕으로 교향곡을 바그너 언어로 작곡하기로 결정한 바보이자 마을 교사 브루크너의 진정한 본질을 깨닫고 있습니다.
그리고 다행스럽게도 그는 이것을 완전히 깨닫지 못했습니다. 이것이 바로 브루크너를 그의 많은 동시대 작곡가 중 한 사람이 아닌 독립 작곡가로 말할 수 있는 이유입니다.
Furtwängler가 브루크너를 해석한 것을 처음 들었을 때(1942년 교향곡 5번 녹음), 지금은 주로 Borya Filanovsky가 지적한 Jochum의 세트를 사용합니다.
-물론 알아요! Furtwängler의 5번째 곡은 이미 역사상 그의 최고 기록 중 하나로 기록되었습니다.
Jochum은 고전적인 Bruckner 세트이지만, 모든 세트(거의 예외 없이! 그리고 이것은 Bruckner에만 적용되는 것이 아닙니다)와 마찬가지로 모든 것이 동등하지는 않습니다. 제 생각에는 (게다가 Jochum은 Bruckner를 평생 녹음했습니다. - dg 및 emi(이 세트의 해적판 사본은 거의 전국에서 판매됨) + 별도의 콘서트 녹음, 때로는 스튜디오 녹음과 크게 다릅니다.
에미만 있어요. 왜 우리는 항상 교향곡에 대해서만 이야기하고 미사와 다른 합창곡에 대해서는 전혀 언급하지 않는 걸까요?
- 브루크너의 미사 중에서 아마도 나에게 가장 가까운 것은 합창단의 두 번째 미사이고, 브라스 밴드, 심지어는 바람 앙상블까지도-특별한 음색 풍미를 더합니다.
그들은 브루크너가 새 대성당 건축이 제안된 장소(나중에 건축됨)에서 공연하기 위해 이 미사를 썼다고 말합니다. 따라서 그 작곡은 아마도 열린 공간에서 공연되었을 것이며, 이는 아마도 그러한 특별한 구성을 설명할 것입니다.
세 번째 미사는 이상하게 보일 수도 있겠지만, 나에게는 비엔나에서 브루크너의 주요 경쟁자였던 브람스의 "독일 레퀴엠"(같은 시기에 작곡됨)과 많은 공통점이 있습니다.
어떤 이유로 거의 실행되지 않는 것으로 밝혀졌습니다. 마지막 에세이브루크너(Bruckner) - 헬고란트(그런데, 9번 교향곡의 피날레에 대한 살아남은 스케치에 따르면 브루크너가 이 작품의 자료도 포함할 것이라고 추측할 수 있습니다), 형태 면에서 매우 예측할 수 없는 작품입니다. 더 중요한 것은) 정식 종교 문헌에 기록되지 않은 합창 브루크너의 작품에 대해서는 거의 예외적인 경우입니다.
- 브루크너의 미사는 다른 작곡가의 미사에 비해 어떤가요?
-아마도 공식에는 근본적이고 세계적인 혁신이 없을 것입니다. 또한 Bruckner는 장르로서의 대중에 대한 해석에서 베토벤보다 훨씬 더 보수적 인 것으로 판명되었습니다 (분명히 여기에서 Bruckner는 일종의 것처럼 보이고 싶지 않았습니다). 교회 관리들 앞에서 이단을 비난함).
그러나 이미 미사(마지막 주요 미사인 세 번째 미사를 제외한 거의 모든 미사)에서는 악장 사이에 작곡가의 시그니처 아치를 찾을 수 있습니다.
예를 들어, Agnus dei에서 전체 미사가 끝날 때 두 번째 미사의 Kyrie의 마지막 부분이 다시 들리거나 Agnus dei에서 푸가 Gloria의 단편이 절정 파동에서 들립니다.
- 통역을 선택할 때 지휘자의 판단과 억양 중 가장 중요하게 생각하는 것은 무엇인가요?
- 지휘자의 의도가 설득력이 있느냐에 달려 있다. Skrowaczewski는 저자의 텍스트를 방해하고 때로는 악기를 변경하는 등 절대적으로 설득력이 있으며, 저자의 텍스트를 정직하게 고수하는 다른 지휘자는 별로 설득력이 없습니다(반대의 상황이 있을 수 있음).
당연히 브루크너를 연주할 때 가장 중요한 것 중 하나는 부품들 사이에 모든 극적인 지점과 아치를 만드는 것입니다. 그렇지 않으면 상황은 잘 알려진 농담과 유사할 수 있습니다. ...
또한 어떤 순간에는 그의 대중과 유사점을 그릴 수 있습니다 (특히 그가 비밀리에 또는 은밀하게 전체 단편을 인용하는 곳에서). 일반적으로 대중에서는 특정 텍스트로 고정되어 있기 때문에 우연이 거의 없습니다. 교향곡에서는 텍스트가 실제로 사라지지만 무의식적으로는 남아 있습니다.
예를 들어, 교향곡 4번의 첫 번째 버전 코다의 4도 5도 크레센도(세 번째 미사의 시작과 복원, 반음 더 낮게 조옮김)는 교향곡을 알 때 간과될 가능성이 없으며 주의를 기울이지 않습니다. .
- 브루크너는 당신의 작업에 어떤 영향을 미쳤나요?
- 물론 직접적인 영향은 감지할 수 없습니다(학생이 학교 기간 동안 작곡 작업을 하는 것은 물론 계산되지 않음). 간접적인 경우에는 일부 질감이 의도적으로 오랫동안 늘어나는 경우... 그리고 아마 그게 다야!
음악원 기간 동안 나는 20세기 작곡가들에게 오히려 영향을 받았습니다. Webern, Lachenmann, Sciarrino, Feldman; 동시대에서 - ...
나에게 있어서 브루크너의 작품에 대한 열정은 - 실제로 그랬다 - 나의 구성적 탐색과 거의 교차하지 않는 유사점이다.
- 브루크너의 전기에서 당신에게 중요하거나 상징적으로 보이는 것은 무엇입니까?
-글쎄, 나는 상징에 대해서도 모릅니다. 그리고 일부 중요한 점... 어쩌면 바그너를 만나고 그의 음악을 알게 될 수도 있습니다. 글쎄요, 제로 교향곡으로 시작하여 평생 동안 베토벤 교향곡 9번의 인상을 받았습니다(이전 악장의 주제에 대한 회상, 작품의 음조 계획-그게 전부입니다).
환상적인 심포니
프로그램 음악의 첫 번째(아마도 가장 눈에 띄는) 예 중 하나, 즉 특정 시나리오가 선행되는 음악입니다. 아일랜드 여배우 Harriet Smithson에 대한 Berlioz의 짝사랑 이야기는 "Reverie", "Ball", "Scene in the Fields", "Procession to Execution", 심지어 "Dream on"을 포함하는 걸작의 기초를 형성했습니다. 안식일 밤”.
볼프강 아마데우스 모짜르트
교향곡 40번
또 다른 슈퍼 히트는 시작부터 비자발적인 자극을 유발합니다. 처음으로 40번을 듣는 것처럼 귀를 조율하십시오(그렇다면 더 좋습니다). 이것은 비록 완전히 진부하기는 하지만 훌륭하지만 첫 번째 부분을 경험하는 데 도움이 될 것이며 그 뒤에도 그다지 놀라운 두 번째 부분이 뒤따르지 않는다는 것을 배우는 데 도움이 될 것입니다. 세 번째와 네 번째.
루트비히 판 베토벤
교향곡 7번
베토벤의 가장 유명한 세 개의 교향곡 중에서 "운명의 주제"가 있는 5번이나 피날레인 "Embrace, Millions"이 있는 9번으로 시작하지 않는 것이 좋습니다. 일곱 번째에는 비애가 훨씬 적고 유머가 더 많으며 화려한 두 번째 부분은 Deep Purple 그룹의 편곡에서 고전과는 거리가 먼 청취자에게도 친숙합니다.
요하네스 브람스
교향곡 3번
브람스의 첫 번째 교향곡은 전통의 연속성을 언급하면서 "베토벤의 10번 교향곡"이라고 불렸습니다. 그러나 베토벤의 9개 교향곡이 다르다면 브람스의 4개 교향곡은 모두 걸작입니다. 3번의 화려한 시작은 잊을 수 없는 알레그레토에서 정점에 도달하는 깊은 서정적 표현의 밝은 표지일 뿐입니다.
안톤 브루크너
교향곡 7번
말러는 브루크너의 후계자로 간주됩니다. 그의 롤러코스터 같은 캔버스를 배경으로 브루크너의 교향곡은 지루해 보일 수 있으며, 특히 끝없는 아다지오는 더욱 그렇습니다. 그러나 각 아다지오 뒤에는 흥미진진한 스케르초가 이어지며, 교향곡 7번은 사려 깊고 몰입되는 첫 악장부터 지루함을 주지 않을 것입니다. 바그너를 기념하는 피날레(Finale), 스케르초(Scherzo), 아다지오(Adagio)도 그다지 좋지 않습니다.
조셉 하이든
교향곡 45번 “이별”
하이든보다 더 간단한 글을 쓰는 것은 불가능해 보이지만, 이 기만적인 단순함이 그의 숙달의 주요 비결입니다. 그의 104개 교향곡 중 단11개만이 단조로 작곡되었는데, 그 중 최고는 연주자들이 한 명씩 무대를 떠나는 마지막 곡인 '이별'이다. 노틸러스 폼필리우스(Nautilus Pompilius) 그룹이 "Goodbye, America"라는 노래를 연주하기 위해 이 기술을 차용한 것은 하이든에게서였습니다.
안토닌 드보르자크
교향곡 '신세계로부터'
드보르작은 교향곡 자료를 수집하면서 공부했습니다. 국악그러나 미국은 인용하지 않고 주로 그 정신을 구현하려고 노력했습니다. 이 교향곡은 여러 면에서 브람스와 베토벤 모두에게 거슬러 올라가지만, 그들의 반대에 내재된 거만함은 전혀 없습니다.
구스타프 말러
교향곡 5번
둘 최고의 교향곡말러는 보인다 비슷한 친구처음에는 친구에게만. 5악장의 첫 번째 악장의 혼란은 영화와 연극에서 반복적으로 사용되는 나른함으로 가득 찬 교과서 Adagietto로 이어집니다. 그리고 서론의 불길한 팡파르는 완전히 전통적인 낙관적 결말로 충족됩니다.
구스타프 말러
교향곡 6번
말러의 다음 교향곡이 세상에서 가장 어둡고 가장 절망적인 음악을 대표할 것이라고 누가 생각이나 했겠습니까! 작곡가는 인류 전체를 애도하는 것 같습니다. 그러한 분위기는 첫 번째 음표부터 확립되고 희망의 광선이 포함되지 않는 피날레로 갈수록 악화됩니다. 마음이 약한 사람에게는 적합하지 않습니다.
세르게이 프로코피예프
"클래식" 교향곡
프로코피예프는 교향곡의 이름을 다음과 같이 설명했습니다. "장난으로 거위를 놀리기 위해 그리고 은밀한 희망으로 ... 시간이 지남에 따라 교향곡이 너무 고전적인 것으로 판명되면 이길 것입니다." 대중을 흥분시킨 일련의 대담한 작곡 이후, 프로코피예프는 하이든의 정신으로 교향곡을 작곡했습니다. 그의 다른 교향곡은 그것과 공통점이 없지만 거의 즉시 고전이되었습니다.
표트르 차이코프스키
교향곡 5번
차이콥스키의 교향곡 5번은 그의 발레만큼 인기가 없지만 멜로디적 잠재력은 적지 않습니다. 예를 들어 Paul McCartney의 경우 2~3분만 히트곡으로 바뀔 수도 있습니다. 교향곡이 무엇인지 이해하고 싶다면 이 장르의 가장 훌륭하고 완벽한 예 중 하나인 차이코프스키의 5번을 들어보세요.
드미트리 쇼스타코비치
교향곡 5번
1936년 쇼스타코비치는 배척당했다. 주 수준. 이에 대해 작곡가는 바흐, 베토벤, 말러, 무소르그스키의 그림자에게 도움을 요청하여 초연 당시 고전이 된 작품을 만들었습니다. 전설에 따르면 보리스 파스테르나크는 교향곡과 그 저자에 대해 이렇게 말했습니다. "그는 자신이 원하는 모든 것을 말했지만 그에 대한 아무 것도 없었습니다."
드미트리 쇼스타코비치
교향곡 7번
20세기 음악적 상징 중 하나이자 확실히 주요한 상징 음악적 상징제2차 세계대전. 파시즘이나 스탈린주의뿐만 아니라 폭력에 기초한 모든 역사적 시대를 묘사하는 유명한 "침략 주제"가 미묘한 북소리로 시작됩니다.
프란츠 슈베르트
미완성 교향곡
여덟 번째 교향곡은 "미완성"이라고 불립니다. 4악장이 아닌 2악장만 있습니다. 그러나 그들은 너무 풍부하고 강해서 완전한 전체로 인식됩니다. 작업을 중단한 후 작곡가는 다시는 작업을 건드리지 않았습니다.
벨라 바르톡
오케스트라를 위한 협주곡
Bartok은 주로 음악 학교에서 수많은 희곡을 쓴 작가로 알려져 있습니다. 버르토크의 협주곡이 이것이 전부가 아니라는 사실은 패러디에 엄격함을 동반하고 정교한 기교에 경쾌한 민요 선율을 동반하는 그의 협주곡에서 입증됩니다. 사실 바르토크의 고별 교향곡이자 라흐마니노프의 차기작이기도 하다.
세르게이 라흐마니노프
심포닉 댄스
라흐마니노프의 마지막 작품은 전례 없는 힘을 지닌 걸작입니다. 시작은 지진에 대해 경고하는 것 같습니다. 이는 전쟁의 공포에 대한 선구자이자 음악의 낭만주의 시대가 끝났다는 인식입니다. Rachmaninov는 "Dances"를 자신의 최고이자 가장 좋아하는 작곡이라고 불렀습니다.
벨 칸토 재단(Bel Canto Foundation)은 모스크바에서 안톤 브루크너(Anton Bruckner)의 음악을 선보이는 콘서트를 조직합니다. 이 페이지에서는 안톤 브루크너의 음악이 포함된 2019년 콘서트 포스터를 확인하고 편리한 날짜의 티켓을 구매할 수 있습니다.
안톤 브루크너(1824 - 1896) - 뛰어난 오스트리아 작곡가, 오르간 연주자, 교사. 시골 교사의 가족에서 태어났습니다. 그는 아버지이자 오르간 연주자인 I.B의 지도 아래 첫 음악적 기술을 습득했습니다. Hörsching의 바이스. 1837년에 그는 린츠 근처의 성 플로리안 수도원에 합창단원으로 임명되어 오르간과 바이올린을 공부했습니다. 오스트리아 최고의 오르간 중 하나인 수도원 교회 오르간의 소리는 미래의 음악가 양성에 큰 영향을 미쳤습니다. 1841~45년 린츠에서 교사가 되기 위한 과정을 마친 후 그는 빈트하그(Windhaag)와 크론스토르프(Kronnstorf) 마을에서 보조 교사로 일했는데, 그곳에서 최초의 음악 작품이 작곡되었습니다. 1845-55년 - 세인트 플로리안의 학교 교사, 1848년부터 수도원의 오르간 연주자이기도 함. 1855년에 그는 린츠 대성당의 오르간 연주자가 되었습니다. 사실 이때부터 시작된다. 음악 활동브루크너. 1856-61년. 그는 1861~63년에 오스트리아 최대의 음악 이론가인 S. Sechter와 통신 강좌를 수강했습니다. Linz Opera House O. Kitzler의 지휘자 밑에서 공부하며 그의 영향으로 Wagner의 오페라를 연구합니다. 1865년 뮌헨에서 열린 바그너의 오페라 트리스탄과 이졸데 초연에서 바그너와 브루크너는 개인적으로 만났습니다. 1864년 브루크너의 첫 번째 성숙한 작품인 D단조 미사(1번)가 완성되었고, 1866년에는 첫 번째 교향곡(1868년 저자의 지시에 따라 린츠에서 연주됨)이 완성되었습니다. 1868년부터 브루크너는 비엔나에 살면서 비엔나 음악 친구 협회(Vienna Society of Friends of Music)의 음악원에서 화성, 대위법, 오르간을 가르쳤습니다. 1875년부터 - 비엔나 대학교 부교수, 1878년부터 - 법원 예배당의 오르간 연주자. 1869년 오르간 연주자로서 그는 프랑스(파리 낸시), 1871년 영국(런던, 앨버트 홀 개관식에 초대됨)을 순회했습니다. 비엔나에서 브루크너는 대중과 음악가들로부터 자신의 음악을 받아들이는 데 어려움을 겪었습니다. 교향곡 7번(1884, 라이프치히)이 초연된 후에야 그는 널리 유명해졌습니다. 브루크너 생애의 마지막 10년 동안 그의 교향곡은 주요 지휘자(G. Richter, A. Nikisch, F. Weingartner 등)의 레퍼토리에 포함되었습니다. 브루크너는 프란츠 요제프 훈장(1886년)과 비엔나 대학교로부터 명예 철학박사(1891년) 칭호를 받았습니다. 그의 유언에 따라 그는 성 플로리안(St. Florian)에 묻혔습니다.
브루크너 유산의 주요 부분은 교향곡과 성스러운 음악입니다. 브람스, 말러와 함께 브루크너는 제2대 오스트리아-독일 교향곡 중 가장 큰 인물이다. 19세기 중반 V. 특이성과 복잡성 음악적 언어는 동시대의 작곡가들 중에서 브루크너를 구별짓는 것으로, 그의 창조적 개성이 형성되는 조건과 연관되어 있다. 구성 스타일브루크너의 음악은 때로는 반대되는 다양한 음악적 전통의 영향을 받아 형성되었습니다. 브루크너는 오랫동안 오스트리아 전통에서 수세기 동안 거의 변하지 않았던 교회 음악 분야에 머물렀고, 겨우 40세가 되어서야 음악에 전념하게 되었습니다. 악기 장르, 나중에 교향곡에 중점을 둡니다. 브루크너가 의지한 전통적인 유형 4악장의 교향곡인 베토벤의 교향곡이 그의 모델이 되었습니다(주로 그의 작품의 일종의 "모델"이 된 9번 교향곡). 후기 낭만주의 시대에 널리 퍼진 "프로그램"음악에 대한 아이디어는 그에게 낯설었습니다. 그러나 브루크너의 교향곡에서는 바로크 양식의 영향도 발견할 수 있습니다. 음악적 전통(주제 및 형성에서). 지불 중 큰 중요성이론적 지식, Bruckner는 완벽하게 마스터했습니다. 음악 이론그리고 다성 기술; 다성음악은 그의 음악에서 중요한 역할을 한다(이 점에서 5번째 교향곡이 가장 특징적이다). 당시 가장 위대한 오르간 연주자이자 즉흥 연주자 중 한 명인 Bruckner는 종종 오르간의 질감 특성 유형, 음색 분포 원리를 오케스트라에 전달했습니다. 그의 교향곡을 들을 때 가끔 교회 음향과의 연관성이 떠오릅니다. 그의 최고의 작품인 "테 데움"과 9번 교향곡을 "사랑하는 하느님"에게 바칠 수 있었던 브루크너의 깊고 순진한 신앙심은 "그레고리오 성가" 영역에 자주 호소하는 것에서 드러납니다. 그의 교향곡의 느린 악장에 대한 신비로운 묵상 속에서, 주관적인 경험과 고통이 일어나는 황홀한 절정 속에서 개인창조주의 위대함 앞에 경배를 드리십시오. 브루크너는 바그너를 깊이 존경했으며 그를 최고의 인물로 여겼습니다. 현대 작곡가(세 번째 교향곡은 바그너에게 헌정되었으며, 일곱 번째 교향곡의 느린 악장은 바그너의 죽음에 대한 인상을 받아 작곡되었습니다.) 그의 영향력은 브루크너 작품의 조화와 편성에 반영되었습니다. 동시에, 바그너의 음악적, 미적 아이디어는 바그너 작품의 음악적 측면만을 인식한 브루크너의 관심 범위를 넘어섰습니다. 바그너 자신도 브루크너를 높이 평가하며 그를 “베토벤 이후 가장 위대한 교향곡가”라고 칭했다.
브루크너 교향곡의 대규모 규모, 거대하고 강력한 오케스트라 색상을 향한 경향, 개발의 길이와 기념비성을 통해 우리는 그의 스타일의 서사적 특징에 대해 말할 수 있습니다. 우주의 원래 조화와 완전성을 확신한 브루크너는 각 교향곡에서 조화롭고 밝은 시작에 대한 최종 확인을 전제로 하는 단번에 선택된 "모델"을 따릅니다. 격화 비극적인 갈등, 브루크너의 마지막 세 교향곡(7번, 8번, 9번)은 특히 강렬한 교향곡 전개가 특징입니다.
Bruckner의 작품 대부분은 여러 판 또는 버전으로 구성되어 있으며 종종 서로 크게 다릅니다. 이는 작곡가가 시대에 양보하여 자신의 작품을 더 쉽게 접근할 수 있도록 노력했다는 사실과 브루크너의 자기 비판이 증가하고 지속적인 창의적 진화가 이루어졌기 때문입니다. 브루크너의 측근이었던 친구들과 학생들도 공연과 인쇄용으로 의도한 브루크너의 악보(종종 그의 동의 없이)에 큰 변화를 주었습니다. 그 결과 브루크너의 음악은 수년 동안 변형된 형태로 대중에게 소개되었다. 브루크너 작품의 원악보는 1930년대와 40년대에야 처음 출판되었습니다. XX세기, 작곡가의 수집 작품의 일부.
1928년에는 국제 브루크너 협회가 비엔나에서 설립되었습니다. 브루크너를 기리는 음악 축제가 린츠에서 정기적으로 개최됩니다.
작품: 번호가 지정되지 않은 2개를 포함한 11개 교향곡(3차 – 1873년, 2차 판 1877-78, 3차 판 1889; 4차 “낭만주의” – 1874, 2차 판 1878-80, 3차 판 1888, 5차 – 1876-78, 7차 – 1887년, 2판, 1890년; 신성한 음악(Requiem - 1849; Magnificat - 1852; 3개의 큰 미사 - 1864, 1866 - 합창단과 브라스 밴드(제2판 1882), 1868; Te Deum - 1884; 시편, 모테트 등); 세속 합창단("Germanenzug") 남성 합창단브라스 밴드 - 1864; 남성 합창단과 오케스트라를 위한 “헬고란트(Helgoland)”. – 1890년 등); 오르간을 위해 일함; 현악 5중주(1879) 등
안톤 브루크너: 교향곡 7번. 위대한 작곡가의 탄생 189주년을 기념합니다.
탄호이저: 오늘, 대 오스트리아 작곡가의 생일을 맞아, 아마도 그의 최고의 교향곡을 하나 더 제안하겠습니다... 일곱 번째... 처음부터 이 곡은 청중을 완전히 사로잡고 마지막 악장이 끝날 때까지 놓지 않습니다. ... 그리고 한 시간 넘게 재생됩니다.. .하지만 누가 좋아할까요? 교향곡이 창작물에서 가장 큰 기쁨을 얻습니다... 나는 끊임없이 일곱 번째를 듣습니다... 더 자주 - 슬픈 분, 시간, 며칠... 음악은 인생의 가장 어려운 순간에도 생각과 감정에 약간의 가벼움을 더합니다. .. 알아요...
아래는 님의 문자입니다. 짧은 전기작곡가와 그의 교향곡 걸작 중 하나의 특징에 대한 설명입니다. 나중에 뵙겠습니다.
오케스트라 구성:플루트 2개, 오보에 2개, 클라리넷 2개, 바순 2개, 호른 4개, 트럼펫 3개, 트롬본 3개, 테너 튜바 4개, 베이스 튜바, 팀파니, 트라이앵글, 심벌즈, 현으로 구성됩니다.
창조의 역사
교향곡 7번은 1881년부터 1883년까지 작곡되었습니다. 1882년 7월 26일 바그너가 살았던 바이로이트에서 그의 마지막 만남은 위대한 오페라 개혁가의 천재성을 존경했던 브루크너와 열렸습니다. 브루크너는 빌라 반프리트(Villa Wahnfried)에서 환대를 받았고, 파르지팔(Parsifal) 초연에도 참석했습니다. 마지막 오페라거장.
Parsifal의 음악은 저명한 오스트리아 작곡가에게 깊은 인상을 주었고 그는 창작자 앞에 무릎을 꿇었습니다. Wagner는 Bruckner의 작품을 높이 평가하고 그의 모든 교향곡을 연주하겠다고 약속했습니다. 이것은 전혀 관심을 끌지 않은 작곡가에게는 엄청난 기쁨이었습니다. 그의 음악은 인식되지 않았고 너무 배웠고 길고 형식이 없다고 간주되었습니다. 비평가들, 특히 당시 전능했던 E. Hanslick은 말 그대로 브루크너를 파괴했습니다. 그러므로 바그너의 약속이 그에게 얼마나 큰 기쁨이었는지 상상할 수 있습니다. 아마도 이것은 빛나는 기쁨으로 가득 찬 첫 번째 악장의 음악에 반영되었을 것입니다.
그러나 이 고귀한 계획은 실현될 운명이 아니었습니다. 1883년 2월 14일 교향곡 2부 아다지오를 작업하던 중에 평소처럼 음악원 수업에 참석하던 브루크너는 바그너의 죽음을 알게 되었다. 작곡가는 깊이와 아름다움이 가장 놀라운 아다지오 중 하나인 이 아다지오를 자신의 기억에 바쳤습니다. 그의 경험은 이 놀라운 음악에 담겨 있으며, 비극적인 소식을 접한 직후 마지막 수십 마디가 작곡되었습니다. 브루크너는 편지에서 “베니스에서 파견이 도착했을 때 이 지경에 이르렀고, 그 후 처음으로 스승을 기리기 위해 진정으로 애도하는 음악을 작곡했습니다.”라고 썼습니다. 여름에 작곡가는 자신이 그토록 존경했던 사람의 무덤을 숭배하기 위해 바이로이트로갔습니다. (바그너는 빌라 반프리트 공원에 묻혀 있습니다.)
작곡가는 1883년 9월 5일에 7번 교향곡을 완성했습니다. 처음에 음악가들은 이전의 모든 브루크너 교향곡처럼 그것을 받아들이지 않았습니다. 피날레 형식에 대한 저자의 자세한 설명을 들은 후에야 지휘자 G. 레비가 피날레를 연주할 위험을 감수했습니다.
이 교향곡의 초연은 1884년 12월 30일 라이프치히에서 아르투르 니키쉬(Arthur Nikisch)의 지휘로 열렸으며, 일부 비평가들은 브루크너가 거인으로서 다른 작곡가들보다 우월하다고 썼음에도 불구하고 꽤 논란의 여지가 있는 호평을 받았습니다. 브루크너는 레비의 지휘 아래 뮌헨에서 7번의 공연을 마친 후에야 승리를 거둘 수 있었습니다. 교향곡은 청중의 열광적인 환영을 받았습니다. 언론에서는 그 저자가 베토벤 자신과 비슷하다는 것을 읽을 수 있었습니다. 유럽의 교향곡 무대를 가로지르는 교향곡의 승리 행진이 시작되었습니다. 그리하여 브루크너가 작곡가로서 뒤늦게 인정받게 되었다.
음악
첫 번째 악장은 브루크너가 가장 좋아하는 기술인 거의 들리지 않는 현악 트레몰로로 시작됩니다. 배경을 배경으로 첼로와 비올라에서 넓고 자유롭게 흐르는 멜로디가 소나타 알레그로의 주요 주제인 성가의 넓은 범위를 포착합니다.
작곡가에 따르면 꿈에서 그에게 나타났다는 것이 흥미 롭습니다. 그는 친구가 Linz에서 왔다는 꿈을 꾸고 멜로디를 지시하면서 다음과 같이 덧붙였습니다. "이 테마는 당신에게 행복을 가져다 줄 것입니다!" 반짝이는 호른과 트럼펫의 화음과 함께 오보에와 클라리넷의 측면 연주는 연약하고 투명하며 미묘하게 변할 수 있으며 낭만적 인 탐구 정신이 스며 들어 세 번째 이미지 (마지막 부분) 인 포크 댄스, 원소의 힘이 깃들어 있습니다. 전개 과정에서는 처음에는 차분하다가 점차 색이 짙어지고 몸부림이 이어지며 엄청난 압력의 파도가 일어나 보복을 포착한다. 그 결과는 밝은 팡파르의 환희에 찬 소리로 주요 주제가 확립되는 코다로만 요약됩니다.
두 번째 부분은 독특합니다. 이 애절하면서도 동시에 용감한 음악은 세상에서 가장 깊고 감동적인 아다지오 중 하나이며 브루크너의 천재성의 가장 큰 발전입니다.
아다지오의 두 가지 주제는 그 범위가 완전히 무한합니다. 그들은 가장 넓은 호흡으로 놀랐습니다. 첫 번째 곡은 처음에는 테너 4중주(바그너리안, 튜바라고도 함)에서 애절하고 집중된 소리를 낸 다음 현악기로 픽업하여 노래하며 멜로디가 점점 더 높아지다가 절정에 이르렀다가 떨어집니다. 두 번째 주제는 마치 슬픔을 달래는 듯 애정 어린 위로로 들어갑니다. 첫 번째 곡이 느린 행진곡의 리듬에 맞춰 4박자였다면 이제는 부드러운 왈츠 동작으로 대체됩니다. 음악은 당신을 꿈의 세계로 안내합니다. 이러한 주제는 다시 번갈아 가며 두 가지 주제로 구성된 론도의 형태를 만듭니다. 극심한 슬픔에서 점차 가벼운 슬픔, 평화로 바뀌다가 밝은 다장조로 황홀한 클라이막스로 전환되면서 변화된 첫 번째 주제를 확증한다. 그러나 그것은 마치 어두운 막이 갑자기 내리는 것과 같습니다. 튜바 5중주는 바그너의 비문처럼 어둡게 들립니다. 작곡가가 7번과 같은 해에 완성한 "Te Deum"에서 인용한 주제는 애절한 멜로디인 "Non confiindar"로 전개됩니다. 뿔피리의 외침은 마치 흐느낌이 터지는 것처럼 들린다. 그러나 악장의 마지막 마디에서 첫 번째 주제는 상실과의 화해처럼 계몽적인 것처럼 들립니다.
M. 칠리오니스 "스케르초"
세 번째 악장은 베토벤과 같은 파워풀한 스케르초로, 밝은 팡파르와 격렬한 군무의 리듬이 스며들어 있다. 끝없이 소용돌이치는 현의 형상은 환상적인 둥근 춤을 연상시킨다. 그것은 트럼펫의 부름에 의해 잘려나갑니다. 간결하고 리드미컬하게 명확합니다. 작곡가에 따르면 그 원형은 수탉의 까마귀였습니다. 음악은 신나는 즐거움으로 가득 차 있는 것 같습니다. 그러나 이것은 기쁨이 아닙니다. 재미는 불길하며 사탄의 미소처럼 보입니다. 트리오는 투명하고 쉽게 고요하며 목가적입니다. 소박한 노래 선율은 바이올린이 주도하고 투명한 울림으로 둘러싸여 있으며 목관 악기 연주로 대체됩니다. 모든 것이 순수함, 신선함, 순결함으로 가득 차 있습니다. 세 부분으로 구성된 형식의 재현은 빠른 흐름으로 떨어지면서 스케르초 시작 부분의 이미지로 돌아갑니다.
밝고 영웅적인 피날레의 첫 번째 주요 주제는 첫 번째 부분의 주제를 수정한 것입니다. 여기서는 계속되는 트레몰로와 함께 바이올린 소리로 활기 넘치는 행진곡의 특징을 띠고 있습니다. 두 번째 곡은 피치카토 베이스와 함께 바이올린으로 연주되는 절제된 합창입니다. 이것은 또한 행진이지만 속도가 느려졌습니다. 마치 행렬과 비슷합니다. 메인테마의 억양을 변형한 마지막 테마는 강렬하고 당당하다. 이제 전체 오케스트라가 장엄한 조화로 울려 퍼집니다.
이 세 가지 이미지는 서로 얽혀 있으며 선과 악, 지옥의 세력과 천사 군대 사이의 투쟁처럼 끔찍하고 강렬한 투쟁이 일어나는 거대한 발전으로 발전합니다. 재현에서는 세 가지 주요 주제가 역순으로 연주되어 코다의 활기차고 승리의 클라이맥스로 이어집니다. 와 함께 메인 테마여기서 피날레는 교향곡의 초기 주제를 병합합니다. 피날레 전체에 스며든 행진곡은 즐겁고 열정적인 찬송가가 된다.
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“내가 아는 사람 중 베토벤에 가까운 사람은 바로 브루크너입니다.” 1882년 Richard Wagner가 한 말은 역설로 인식되었습니다. Bruckner는 60번째 생일을 앞두고 "이상하고" "거대한" 교향곡(거의 연주되지 않음)의 저자가 동시대 사람들에게 수줍음이 많은 사람으로 인식되었습니다. 순진한 견해를 가진 단순한 마음의 괴짜. 불과 몇 년 후, A. Nikisch가 교향곡 7번을 성공적으로 연주한 후 브루크너는 널리 인정을 받았습니다.
안톤 브루크너의 이름은 전 세계 음악 애호가들에게 잘 알려져 있습니다. 뛰어난 오스트리아 작곡가이자 오르간 연주자이자 교사였던 그는 살았습니다. 어려운 삶, 그의 말년에만 합당한 인정을 받았습니다. 생애 마지막 30년 동안 창작되어 오랜 시간 연주를 기다려온 브루크너의 교향곡은 19세기 유럽 교향곡의 발전에 큰 영향을 미쳤다. 오늘날 그들은 세계 교향악 문학의 황금 기금에 들어갔고 세계 최고의 오케스트라 레퍼토리를 장식했습니다.
그는 오스트리아의 작은 마을에서 태어나 수도원 교사 학교에서 공부했으며 젊었을 때 오랫동안 마을 학교 교사로 일한 후 오르간 연주자의 지위를 받았습니다. 처음에는 수도원에서, 그 다음에는 마지막으로 대성당에서 작은 마을 린츠. 수년 동안 그는 계속해서 공부하고 오르간 연주자로서 발전했으며 작곡가 기술의 비밀을 부지런히 연구했습니다.
1868년에는 교향곡 1번과 그 직전에 작곡된 미사 중 하나가 린츠에서 성공적으로 연주되었습니다. 마침내 그의 오랜 꿈이 이루어졌습니다. 그는 지방을 떠나 비엔나로 이사했습니다 (당시 그는 45 세였습니다). 그의 인생에서 가장 풍요로운 동시에 가장 암울한 시기가 시작되었습니다. 두 번째부터 아홉 번째까지 그의 장대 한 교향곡이 속속 탄생했지만 대중의 요구는 없었습니다. 두 번째와 세 번째 교향곡은 비교적 빠르게 연주되었습니다. 그러나 두 번째는 실패했을 뿐이고, 세 번째도 실패했다. 이제부터 어떤 지휘자라도 자신의 연주회 프로그램에 브루크너의 작품을 포함시킬 위험이 있습니다. 수년, 심지어 수십 년 동안 작곡가는 자신의 교향곡 연주를 기다려야 했지만 그 중 일부(예: 5번 교향곡)를 들어본 적이 없습니다.
비엔나에서 그는 낯선 사람이었고 그의 생애가 끝날 때까지 혼자였습니다. 가까운 친구도 없고, 세심하고 헌신적인 통역사도 없고, 믿을 만한 후원자도 없고, 충실한 학생도 없습니다. 뮤지컬 청소년을 대표하는 소수의 팬만이 본질적으로 그와 그의 작품의 운명을 거의 바꿀 수 없습니다.
그에게 명성과 인정이 찾아왔지만 아쉽게도 너무 늦었습니다. 1881년 한스 리히터(Hans Richter)는 교향곡 4번을 성공적으로 연주했습니다(이 교향곡은 여전히 브루크너의 가장 레퍼토리가 많은 교향곡 중 하나입니다). 그런 다음 - 대부분 외국인(비엔나는 여전히 그에게 귀머거리입니다) - 다른 공연: 세 번째, 일곱 번째...
마지막 두 교향곡인 브루크너의 가장 기념비적인 작품인 8번과 9번은 노년기가 빠르게 다가오던 시기에 작곡되었습니다. 그는 더 이상 9번째 작업을 완료할 수 없었습니다. 지난 2년 동안 그는 피날레 작업을 해왔고 이 작업은 죽음으로 인해 중단되었습니다.
":1 부 -
2 부 -
...
47부 -
48부 -
49부 - 안톤 브루크너: 교향곡 7번. 위대한 작곡가 탄생 189주년을 기념합니다.