La Grecia raggiunse il suo punto più alto di crescita economica, politica e culturale a metà del V secolo. AVANTI CRISTO. dopo la vittoria ottenuta dall'alleanza delle città greche sulla potente Persia.
Lo stile dei classici greci combina spontaneità sensuale e razionalità.
"Amiamo la bellezza senza stravaganza e la saggezza senza effeminatezza"- disse Pericle. I greci apprezzavano la razionalità, l'equilibrio e la moderazione, ma allo stesso tempo riconoscevano il potere delle passioni e delle gioie sensuali.
Quando ora parliamo di “arte antica”, immaginiamo le sale dei musei piene di statue e le pareti ricoperte di frammenti di rilievi. Ma poi tutto sembrava diverso. Sebbene i Greci avessero edifici speciali per conservare i dipinti (pinacoteche), la stragrande maggioranza delle opere d'arte non conduceva uno stile di vita museale. Le statue stavano all'aria aperta, illuminate dal sole, vicino ai templi, nelle piazze, in riva al mare; Vicino ad essi si svolgevano cortei, feste e giochi sportivi. Come nell'era arcaica, la scultura divenne colorata. Il mondo dell'arte era un mondo vivo, luminoso, ma più perfetto.
Scultura greca parzialmente sopravvissuto in detriti e frammenti. La maggior parte delle statue ci sono note da copie romane, che furono realizzate in gran numero, ma spesso non trasmettevano la bellezza degli originali. I romani trasformarono gli oggetti in bronzo in marmo bianco come la neve, ma il marmo stesso delle statue greche era diverso: giallastro, luminoso (era strofinato con cera, che gli conferiva un tono caldo). 
Battaglie, scaramucce, imprese di eroi... L'arte dei primi classici è piena di questi soggetti bellicosi. Ad esempio, famosi esempi di scultura greca in tesoro di Sifnos a Delfi. Il cui fregio settentrionale è dedicato alla gigantomachia: la battaglia degli dei con i Giganti. Efesto fa esplodere una fucina per sollevare i venti contro i Giganti, Cibele guida un carro trainato da leoni, uno dei quali tormenta il Gigante. I gemelli Artemide e Apollo combattono fianco a fianco...
Un altro insieme di motivi preferiti sono le competizioni sportive. 
I temi del combattimento corpo a corpo, delle competizioni equestri, delle gare di corsa e del lancio del disco hanno insegnato agli scultori a rappresentare il corpo umano in dinamica. Ora compaiono pose complesse, angoli audaci e gesti ampi. L'innovatore più brillante è stato Scultore attico Mirone.Questo è il suo famoso "Discobolo". L'atleta si è piegato e ha oscillato prima di lanciare, un secondo - e il disco volerà, l'atleta si raddrizzerà. Ma per quel secondo il suo corpo si bloccò in una posizione molto difficile, ma equilibrata.
Statua di bronzo "Auriga", trovato a Delfi, è uno dei pochi originali greci ben conservati. Risale al primo periodo dello stile rigoroso - ca. 470 a.C Questo giovane ha una postura molto eretta (stava su un carro e guidava una quadriga di cavalli), le sue gambe sono nude, le pieghe del lungo chitone ricordano i profondi flauti delle colonne doriche, la sua testa è strettamente ricoperta da un drappo argentato benda placcata, i suoi occhi intarsiati sembrano vivi. È sobrio, calmo e allo stesso tempo pieno di energia e volontà. Come ogni scultura eccezionale, "Auriga" da diverse angolazioni rivela gradi di concentrazione e sfaccettature completamente diverse nel trasmettere emozioni. In questa figura in bronzo con la sua forte plastica fusa si può sentire tutta la misura della dignità umana, come la intendevano gli antichi greci.
La loro arte in questa fase era dominata da immagini maschili, ma, fortunatamente, è stato conservato un bellissimo rilievo raffigurante Afrodite che emerge dal mare: un trittico scultoreo, la cui parte superiore era rotta.
Nella parte centrale, la dea della bellezza e dell'amore, “nata dalla schiuma”, si alza dalle onde, sorretta da due ninfe, che castamente la proteggono con un leggero velo. È visibile dalla vita in su. Il suo corpo e quelli delle ninfe sono visibili attraverso tuniche trasparenti, le pieghe dei vestiti scendono a cascata come rivoli d'acqua, come una musica. Nelle parti laterali del trittico sono presenti due figure femminili: una nuda, che suona il flauto; l'altro, avvolto in un velo, accende una candela sacrificale. La prima è un'etera, la seconda è una moglie, custode del focolare, come due volti della femminilità, entrambi sotto il patronato di Afrodite.
Grande era l'ammirazione dei greci per la bellezza e la sapiente struttura del corpo vivente. Il linguaggio del corpo era anche il linguaggio dell'anima. I greci padroneggiavano l'arte di trasmettere la psicologia "tipica"; esprimevano una ricca gamma di movimenti mentali basati su tipi umani generalizzati. Non è un caso che la ritrattistica nell’antica Grecia fosse relativamente poco sviluppata.
La grande maestria raggiunta dall'arte greca nel V secolo è ancora viva nel IV secolo, tanto che i monumenti artistici più ispirati degli ultimi classici sono contrassegnati dallo stesso timbro di suprema perfezione.
Scopa, Prassitele e Lisippo-
i più grandi scultori greci degli ultimi classici. Per l'influenza che hanno avuto sull'intero sviluppo successivo dell'arte antica, l'opera di questi tre geni può essere paragonata alle sculture del Partenone. Ognuno di loro ha espresso la propria brillante visione del mondo individuale, il proprio ideale di bellezza, la propria comprensione della perfezione, che attraverso il personale, rivelato solo da loro, raggiunge vette eterne - universali. 
Inoltre, ancora una volta, nel lavoro di ciascuno, questa cosa personale è in sintonia con l'epoca, incarnando quei sentimenti, quei desideri dei suoi contemporanei, che corrispondevano maggiormente ai suoi. La resilienza spirituale e l'energia vigorosa che respira l'arte dei classici primi e maturi lasciano gradualmente il posto al pathos drammatico di Skopas o alla contemplazione lirica di Prakitel.
Artisti del IV secolo attratto per la prima volta dal fascino dell'infanzia, dalla saggezza della vecchiaia, dal fascino eterno della femminilità.
Prassitele era famoso per la sua speciale morbidezza nella scultura e per l'abilità nella lavorazione della materia, per la sua capacità di trasmettere il calore di un corpo vivo nel freddo marmo. L'unico originale sopravvissuto di Prassitele è considerato una statua in marmo "Hermes con Dioniso", trovato ad Olimpia.
Sono rimaste quasi altrettanto poche opere originali dello scalpello Skopas, ma anche dietro questi frammenti si respira passione e impulso, ansia, lotta con alcune forze ostili, dubbi profondi ed esperienze dolorose. 
Tutto ciò era evidentemente caratteristico della sua natura e allo stesso tempo esprimeva chiaramente certi stati d'animo del suo tempo. I rilievi del fregio del mausoleo di Alicarnasso (Asia Minore) sono parzialmente conservati.
"Menade" godette di grande fama tra i suoi contemporanei. Skopas raffigurava una tempesta di danza dionisiaca, tendendo l'intero corpo della Menade, inarcando il busto e gettando indietro la testa. I Misteri di Dioniso potevano svolgersi solo una volta ogni due anni e solo sul Parnaso, ma a quel tempo le frenetiche baccanti scartavano tutte le convenzioni e i divieti.
Queste celebrazioni erano un'usanza antichissima, come lo stesso culto di Dioniso, ma nell'arte gli elementi non avevano mai fatto irruzione prima con tanta forza e apertura come nella statua di Skopas, e questo, ovviamente, era un sintomo dei tempi.
Lisippo creò sculture con movimenti complessi, contando di camminare attorno alla statua in cerchio, elaborandone le superfici con uguale cura. L'inversione di una figura nello spazio fu una conquista innovativa di Lisippo. 
Era inesauribilmente vario nell'invenzione di motivi plastici e molto prolifico. Lavorando esclusivamente in bronzo, Lisippo preferiva le figure maschili in termini di soggetto; Il suo eroe preferito era Ercole.
Non è sopravvissuta una sola opera originale dello scultore, ma esiste un numero piuttosto elevato di copie e ripetizioni che danno un’idea approssimativa dello stile del maestro.
Altri scultori cercarono di mantenere le tradizioni dei classici maturi, arricchendoli con maggiore grazia e complessità.
Questo fu il percorso seguito da Leochares, che creò la statua dell'Apollo Belvedere. 
Per molto tempo questa scultura fu considerata l'apice dell'arte antica; l'“idolo del Belvedere” era sinonimo di perfezione estetica. Come spesso accade, gli elogi nel tempo provocarono la reazione opposta. Cominciarono a trovarla pomposa e educata. Nel frattempo Apollo Belvedere- l'opera è veramente eccezionale nei suoi pregi plastici; la figura e l'andatura del sovrano delle muse unisce forza e grazia, energia e leggerezza, camminando per terra, allo stesso tempo si libra sopra il suolo. Per ottenere un simile effetto era necessaria la sofisticata maestria dello scultore; l'unico problema è che il calcolo dell'effetto è troppo ovvio. Apollo Leochara sembra invitare ad ammirare la sua bellezza, e anche nell'era dei tardi classici, la performance virtuosa era molto apprezzata.
L'arte dell'antica Grecia divenne il supporto e il fondamento su cui crebbe l'intera civiltà europea. La scultura dell'antica Grecia è un argomento speciale. Senza la scultura antica non ci sarebbero capolavori brillanti del Rinascimento, ed è difficile immaginare l'ulteriore sviluppo di quest'arte. Nella storia dello sviluppo della scultura antica greca si possono distinguere tre grandi fasi: arcaica, classica ed ellenistica. Ognuno ha qualcosa di importante e speciale. Diamo un'occhiata a ciascuno di essi.
Arte arcaica. Caratteristiche: 1) posizione frontale statica delle figure, che ricorda l'antica scultura egiziana: le braccia sono abbassate, una gamba è avanzata; 2) La scultura raffigura giovani uomini (“kuros”) e ragazze (“koros”), con un sorriso calmo sui volti (arcaico); 3) I Kuros erano raffigurati nudi, i kor erano sempre vestiti e le sculture erano dipinte; 4) Maestria nel rappresentare ciocche di capelli e, nelle sculture successive, le pieghe dei panneggi su figure femminili.
Il periodo arcaico abbraccia tre secoli: dall'VIII al VI secolo a.C. e. Questo è il periodo di formazione delle basi della scultura antica, l'istituzione di canoni e tradizioni. Il periodo denota in modo molto convenzionale il quadro della prima arte antica. In effetti, gli inizi dell'arcaico si possono vedere già nelle sculture del IX secolo a.C., e molti segni dell'arcaico si possono vedere nei monumenti del IV secolo a.C. Gli artigiani della prima antichità utilizzavano una varietà di materiali per il loro lavoro. Sono state conservate sculture in legno, pietra calcarea, terracotta, basalto, marmo e bronzo. La scultura arcaica può essere divisa in due componenti fondamentali: kora (figure femminili) e kouros (figure maschili). Un sorriso arcaico è un tipo speciale di sorriso usato dagli scultori greci arcaici, soprattutto nel secondo quarto del VI secolo. AVANTI CRISTO e. , forse per dimostrare che il soggetto dell'immagine è vivo. Questo sorriso è piatto e sembra piuttosto innaturale, sebbene allo stesso tempo sia un segno dell'evoluzione dell'arte scultorea verso il realismo e la sua ricerca.
Cora Ciò che accomuna quasi tutte le statue femminili è la prospettiva. Molto spesso la corteccia appare frontalmente eretta, le braccia sono spesso abbassate lungo il corpo, meno spesso incrociate sul petto o con in mano attributi sacri (lancia, scudo, spada, bastone, frutto, ecc.). Sul suo volto è visibile un sorriso arcaico. Le proporzioni del corpo sono sufficientemente trasmesse, nonostante la sommaria approssimazione e la generalizzazione delle immagini. Tutte le sculture erano necessariamente dipinte.
Kuros Le sculture maschili del periodo si distinguono per una rigida posa frontale, spesso con la gamba sinistra estesa in avanti. Le braccia sono abbassate lungo il corpo, le mani sono serrate a pugno, meno spesso ci sono sculture con le braccia tese in avanti, come se tendessero un sacrificio. Un'altra condizione indispensabile per le statue maschili arcaiche è la precisa simmetria del corpo. Esternamente, le sculture maschili hanno molto in comune con le statue egiziane, il che indica la forte influenza dell'estetica e della tradizione egiziana sull'arte antica. È noto che i primi kouroi erano fatti di legno, ma non è sopravvissuta una sola scultura in legno. Successivamente, i greci impararono a lavorare la pietra, quindi tutti i kouroi sopravvissuti sono fatti di marmo.
Arte classica. Caratteristiche: 1) La ricerca di un modo per rappresentare una figura umana in movimento, armoniosa nelle sue proporzioni, è stata completata; è stata sviluppata la posizione di “contraposto” - l'equilibrio dei movimenti delle parti del corpo a riposo (una figura in piedi liberamente con appoggio su una gamba); 2) Lo scultore Policleto sviluppa la teoria del contrapposto, illustrando la sua opera con sculture in piedi in questa posizione; 3) Nel V secolo. AVANTI CRISTO e. la persona è raffigurata come armoniosa, idealizzata, di regola, giovane o di mezza età, l'espressione del viso è calma, senza rughe e pieghe del viso, i movimenti sono contenuti, armoniosi; 4) Nel IV secolo. AVANTI CRISTO e. maggiore dinamismo, addirittura nitidezza, appare nella plasticità delle figure; le immagini scultoree iniziano a riflettere le caratteristiche individuali di volti e corpi; appare un ritratto scultoreo.
Il V secolo nella storia della scultura greca del periodo classico può essere definito un “passo avanti”. Lo sviluppo della scultura nell'antica Grecia in questo periodo è associato ai nomi di maestri famosi come Mirone, Policleto e Fidia. Nelle loro creazioni, le immagini diventano più realistiche, se si può dire, addirittura “vive”, e lo schematismo caratteristico della scultura arcaica diminuisce. Ma i principali “eroi” rimangono gli dei e le persone “ideali”. La maggior parte delle persone associa le sculture di questa particolare epoca all'antica arte plastica. I capolavori della Grecia classica si distinguono per l'armonia, le proporzioni ideali (che indicano un'eccellente conoscenza dell'anatomia umana), nonché il contenuto e la dinamica interni.
Policleto, che lavorò ad Argo, nella seconda metà del V secolo. AVANTI CRISTO e, è un rappresentante di spicco della scuola del Peloponneso. La scultura del periodo classico è ricca dei suoi capolavori. Fu un maestro della scultura in bronzo e un eccellente teorico dell'arte. Policleto preferiva ritrarre gli atleti, nei quali la gente comune vedeva sempre un ideale. Tra le sue opere si ricordano le famose statue del "Doriforo" e del "Diadumen". Il primo lavoro è quello di un forte guerriero con una lancia, l'incarnazione della calma dignità. Il secondo è un giovane snello con in testa la fasciatura del vincitore del concorso.
Mirone, vissuto nella metà del V secolo. AVANTI CRISTO e, a noi noto da disegni e copie romane. Questo brillante maestro aveva un'eccellente padronanza della plasticità e dell'anatomia e trasmetteva chiaramente la libertà di movimento nelle sue opere (“Discobolo”).
Lo scultore ha cercato di mostrare la lotta di due opposti: la calma di fronte ad Atena e la ferocia di fronte a Marsia.
Fidia è un altro importante rappresentante del creatore della scultura del periodo classico. Il suo nome risuonò brillantemente durante il periodo di massimo splendore dell'arte classica greca. Le sue sculture più famose furono le statue colossali di Atena Parthenos e Zeus nel Tempio Olimpico, Atena Promachos, situato sulla piazza dell'Acropoli di Atene. Questi capolavori d'arte sono irrimediabilmente perduti. Solo le descrizioni e le piccole copie romane ci danno una vaga idea della magnificenza di queste sculture monumentali.
La scultura dell'antica Grecia rifletteva la bellezza fisica e interiore e l'armonia dell'uomo. Già nel IV secolo, dopo le conquiste di Alessandro Magno contro la Grecia, divennero noti nuovi nomi di scultori di talento. I creatori di questa era iniziano a prestare maggiore attenzione allo stato interno di una persona, al suo stato psicologico e alle sue emozioni.
Un famoso scultore del periodo classico fu Scopas, vissuto nella metà del IV secolo a.C. Introduce l'innovazione rivelando il mondo interiore di una persona, cercando di rappresentare emozioni di gioia, paura e felicità nelle sculture. Non aveva paura di sperimentare e raffigurava persone in varie pose complesse, alla ricerca di nuove possibilità artistiche per rappresentare nuovi sentimenti sul volto umano (passione, rabbia, rabbia, paura, tristezza). Una meravigliosa creazione di scultura rotonda è la statua della Menade; di essa è oggi conservata una copia romana. Una nuova e sfaccettata opera in rilievo può essere chiamata Amazzonomachia, che adorna il mausoleo di Alicarnasso in Asia Minore.
Prassitele fu un importante scultore del periodo classico che visse ad Atene intorno al 350 a.C. Purtroppo ci è pervenuta solo la statua di Hermes da Olimpia, e del resto delle opere conosciamo solo da copie romane. Prassitele, come Scopa, cercava di trasmettere i sentimenti delle persone, ma preferiva esprimere emozioni “più leggere” che fossero piacevoli per la persona. Ha trasferito emozioni liriche, sogno nelle sculture e ha glorificato la bellezza del corpo umano. Lo scultore non forma figure in movimento.
Tra le sue opere si segnalano “Il Satiro in riposo”, “Afrodite di Cnido”, “Hermes con il bambino Dioniso”, “Apollo che uccide la lucertola”.
Lisippo (seconda metà del IV secolo a.C.) fu uno dei più grandi scultori del periodo classico. Preferiva lavorare il bronzo. Solo le copie romane ci danno l'opportunità di conoscere la sua opera.
Opere famose includono Ercole con la cerva, Apoxyomenos, Hermes in riposo e Il lottatore. Lisippo apporta modifiche alle proporzioni, raffigura una testa più piccola, un corpo più asciutto e gambe più lunghe. Tutte le sue opere sono individuali e anche il ritratto di Alessandro Magno è umanizzato.
La piccola scultura si diffuse nel periodo ellenistico e consisteva in figure di persone fatte di argilla cotta (terracotta). Erano chiamate terrecotte di Tanagra dal luogo di produzione, la città di Tanagra in Beozia.
Arte ellenistica. Caratteristiche: 1) Perdita dell'armonia e dei movimenti del periodo classico; 2) I movimenti delle figure acquistano un pronunciato dinamismo; 3) Le rappresentazioni umane nella scultura tendono a trasmettere tratti individuali, un desiderio di naturalismo, un allontanamento dall'armonizzazione della natura; 4) La decorazione scultorea dei templi rimane la stessa “eroica”; 5) Perfezione nel trasmettere forme, volumi, pieghe e “vitalità” della natura.
A quei tempi la scultura decorava case private, edifici pubblici, piazze e acropoli. La scultura ellenistica è caratterizzata dalla riflessione e dalla rivelazione dello spirito di ansia e tensione, dal desiderio di sfarzo e teatralità e talvolta dal naturalismo grezzo. La scuola di Pergamo sviluppò i principi artistici di Skopas con il suo interesse per le manifestazioni violente dei sentimenti e la trasmissione di movimenti rapidi. Uno degli edifici più importanti dell'ellenismo fu il fregio monumentale dell'altare di Pergamo, costruito da Eumene 2 in onore della vittoria sui Galli nel 180 a.C. e. La sua base era ricoperta da un fregio lungo 120 m, realizzato con la tecnica dell'altorilievo e raffigurante la battaglia tra gli dei dell'Olimpo e i giganti ribelli con serpenti al posto delle gambe.
Il coraggio è incarnato nei gruppi scultorei “Il Galata morente” e “Il Gallo che uccide se stesso e sua moglie”. Un'eccezionale scultura dell'ellenismo - Afrodite di Milano di Agesandra - seminuda, severa e sublimemente calma.
Oggi vorrei sollevare un argomento che, per esperienza, a volte provoca una reazione difficile e tutt'altro che ambigua: parlare della scultura antica e, più specificamente, della raffigurazione del corpo umano in essa.
I tentativi di introdurre i bambini alla scultura antica a volte incontrano difficoltà inaspettate quando i genitori semplicemente non osano mostrare ai loro figli statue nude, considerando tali immagini quasi pornografiche. Non ho la presunzione di rivendicare l'universalità del metodo, ma nella mia infanzia un problema del genere non si è nemmeno presentato, perché - grazie alla mia saggia madre - è uscita un'eccellente edizione di leggende e miti dell'antica Grecia di Kuna, abbondantemente illustrata con fotografie delle opere di antichi maestri, sono apparse nella mia vita quando avevo cinque o sei anni, quindi è passato molto tempo prima che la ragazza iniziasse a interessarsi a tutti i tipi di questioni specifiche di genere.
Quindi la lotta degli dei dell'Olimpo con i Titani e le gesta di Ercole si sistemarono nella testa da qualche parte sullo stesso scaffale con la regina delle nevi e i cigni selvatici e furono ricordate non solo come storie bizzarre, ma acquisirono immediatamente un'incarnazione visiva, si affezionarono - forse a quel tempo non del tutto consapevolmente - a pose, gesti, volti specifici - plasticità umana ed espressioni facciali. Allo stesso tempo, mia madre ha trovato immediatamente risposte semplici e comprensibili a tutte le domande dei bambini: in primo luogo, faceva caldo nell'antica Grecia e, in secondo luogo, le statue non sono persone e ora non fanno affatto freddo.
Per quanto riguarda le domande degli adulti, dobbiamo tenere presente che l'idea della divisione dell'uomo in anima e corpo, che nell'antropologia cristiana ha portato infine all'idea della subordinazione del corpo all'anima (e anche più tardi, in alcuni rami protestanti, anche - a un rigido tabù del fisico), fu formulato chiaramente per la prima volta, forse, solo da Platone. E prima ancora, i Greci, almeno per diversi secoli, erano giunti all’idea che l’anima non è solo spirito, soffio, ma qualcosa di individualmente personale e, per così dire, “stazionario”, passando molto gradualmente dal concetto di θυμός a quello di concetto di ψυχή. Pertanto, soprattutto da quando gli dei sono diventati antropomorfi, i maestri greci semplicemente non avevano altro modo per raccontare i diversi aspetti della vita se non raffigurando il corpo umano.
Quindi, una parte significativa della scultura greca sono illustrazioni di miti, che nell'antichità non erano solo "racconti sugli dei", ma anche un mezzo per trasmettere le informazioni più importanti sulla struttura del mondo, sui principi della vita, su cosa dovrebbe e non dovrebbe essere. Cioè, tali "illustrazioni 3D" erano molto più importanti per gli antichi che per me da bambino. Tuttavia, forse, molto più significativo della comprensione dei miti, per noi c'è un'altra opportunità che la scultura greca ha fornito ai suoi creatori: studiare e conoscere la persona stessa. E se i personaggi principali dell'arte primitiva erano vari animali, allora dal Paleolitico e per tutta l'antichità l'uomo divenne senza dubbio tale.
Tutti gli sforzi degli artisti di questo periodo piuttosto lungo erano mirati prima a catturare e trasmettere le caratteristiche anatomiche più generali della struttura del corpo umano, e poi le sue manifestazioni dinamiche più complesse: movimenti, gesti, espressioni facciali. L'arte europea iniziò così il suo lungo viaggio dalle “Veneri paleolitiche” rozze e solo vagamente umane alle opere di Mirone, perfette nelle proporzioni, e da esse oltre; un percorso che convenzionalmente potrebbe essere chiamato la strada verso l'uomo - prima verso il suo corpo e poi verso la sua anima - tuttavia, sempre nel senso psicologico del termine. Ripercorriamo anche alcune delle sue fasi.
Venere paleolitica. Circa 30 mila anni fa
Le primissime immagini umanoidi in Europa, come accennato in precedenza, furono le "Veneri paleolitiche" - minuscole figure realizzate con zanne di mammut o pietre morbide. Le caratteristiche della loro rappresentazione - la quasi totale assenza di braccia, e talvolta anche di gambe e teste, la parte centrale ipertrofica del corpo - suggeriscono che ciò che stiamo guardando, molto probabilmente, non è nemmeno una rappresentazione completa del corpo umano, ma solo un tentativo di trasmettere una delle sue funzioni: la maternità. Il collegamento delle “Veneri” con il culto della fertilità è ipotizzato dalla stragrande maggioranza dei ricercatori; ne abbiamo bisogno solo come punto di partenza per il nostro viaggio.
La tappa successiva sarà Kouros e Kors (letteralmente ragazzi e ragazze), immagini umane scolpite nelle politiche delle antiche città del VII-VI secolo a.C.
Kouros, sorriso arcaico. Kouros e kora
Come vediamo, tali statue, utilizzate, ad esempio, come monumenti a famosi atleti, trasmettono l'aspetto del corpo umano in modo molto più dettagliato, tuttavia sono anche una sorta di "schema umano". Quindi, ad esempio, tutti i numerosi kouros, per qualche ragione inspiegabile, stanno nella stessa posizione: con le braccia premute sul busto, la gamba sinistra estesa in avanti; i più recenti sospetti di ritrattistica vengono finalmente dissipati guardando i loro volti - con la stessa espressione assente e le labbra tese in un modo inquietante - cosiddetto. arcaico: un sorriso.
Prossima fermata. V secolo aC, greco arcaico. Sculture di Mirone e Policleto, che colpiscono lo spettatore con la perfezione delle proporzioni.
Miron. Lanciatore del disco 455 a.C., Policleto. Doriforo (lanciere) (450-440 a.C.) e Amazzone ferita (430 a.C.)
Davvero, chiedi, è di nuovo uno schema? E immagina, la risposta sarà sì. Ne abbiamo almeno due prove. In primo luogo, i frammenti del cosiddetto sono arrivati ai nostri tempi. "Il Canone di Policleto". In questo trattato di matematica lo scultore, seguace del movimento pitagorico, cercò di calcolare le proporzioni ideali del corpo maschile. Apparentemente, la statua divenne successivamente un'illustrazione di tali calcoli. E la seconda prova sarà... l'ampia letteratura greca di quel tempo. Da esso possiamo ricavare, ad esempio, le seguenti righe di Saffo:
Chi è bello è buono.
E chi è gentile diventerà presto bello.
Inoltre, tra tutti gli eroi dell'Iliade di Omero, solo il "parlante" Tersite si rifiuta indiscutibilmente di entrare nella guerra senza fine in cui gli dei stanno guidando gli eroi. L'autore non risparmia la vernice nera per questo personaggio, che oltraggia l'esercito con i suoi discorsi e odia letteralmente tutti; ma non è affatto un caso che Tersite si riveli un terribile mostro per volontà dell'autore:
Un uomo molto brutto, arrivò a Ilion tra i Danae;
Era strabico e zoppo; completamente gobbo da dietro
Le spalle si incontravano sul petto; alzò la testa
Puntato verso l'alto ed era solo scarsamente cosparso di lanugine.
Quindi, possiamo dire che i Greci del periodo arcaico erano sostenitori dell'idea che la bellezza esterna è una manifestazione indispensabile di bellezza e armonia interna e, quindi, calcolando scrupolosamente i parametri del corpo umano ideale, cercarono di rappresentare, no meno, un'anima perfetta, così perfetta da sembrare addirittura senza vita.
Infatti, rispondimi a una semplice domanda: dove volerà la prossima volta il disco lanciato dal discobolo? Più a lungo guardi la statua, più chiaramente capirai che il disco non verrà lanciato da nessuna parte, perché la posizione della mano ritirata dell'atleta non implica affatto un'oscillazione per lanciare, i muscoli del suo petto non mostrano alcun tensione speciale, il suo viso è completamente calmo; Inoltre, la posizione raffigurata delle gambe non consente di effettuare non solo il salto rotatorio necessario per il lancio, ma anche un semplice passo. Si scopre cioè che il lanciatore del disco, nonostante l'apparente complessità della sua posa, è assolutamente statico, perfetto, morto. Come l'Amazzone ferita, nella sua sofferenza, appoggiata con grazia al capitello apparso lì vicino in un momento così opportuno.
Infine, IV secolo. AVANTI CRISTO. introduce nuovi stati d'animo nella scultura greca. A quel tempo, le città-stato greche erano in declino: possiamo supporre che il piccolo universo dell'uomo antico stesse gradualmente finendo la sua esistenza. La filosofia greca si volge decisamente alla ricerca di nuovi fondamenti della felicità umana, offrendo a scelta il cinismo di Antistene o l'edonismo di Aristippo; in un modo o nell'altro, d'ora in poi una persona dovrà affrontare da sola i problemi del significato profondo della sua vita. Lo stesso carattere umano individuale viene alla ribalta nella scultura, in cui per la prima volta compaiono sia espressioni facciali significative che movimento reale.
Lisippo riposa Hermes IV secolo a.C., Menade di Skopas, IV secolo. a.C., Artemide di Gabii 345 a.C
Dolore e tensione sono espressi nella posa della Menade di Skopas, e il suo viso è rivolto al cielo con gli occhi spalancati. Pensoso, con un gesto elegante e familiare, Artemide di Gabio Prassitele si allaccia il perone sulla spalla. Anche Hermes Lisippo a riposo è chiaramente immerso nei suoi pensieri, e le proporzioni eccessivamente allungate e del tutto non classiche del suo corpo rendono la figura leggera, conferendo una certa dinamica anche a questa posa quasi statica. Sembra che ancora un po ', e il giovane prenderà una decisione importante e continuerà a correre. Così, per la prima volta, l'anima comincia ad apparire attraverso i contorni di bellissimi corpi in marmo e bronzo.
A proposito, la maggior parte delle statue che abbiamo esaminato oggi sono nude. Ma qualcuno ha notato questo?
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Scultura antica
EREMO
Afrodite
Afrodite 
Afrodite (Venere Tauride)
Descrizione:
Secondo la “Teogonia” di Esiodo, Afrodite nacque nei pressi dell’isola di Citera dal seme e dal sangue di Urano castrato da Crono, che cadde in mare e formò una schiuma bianca come la neve (da qui il soprannome di “nato dalla schiuma”). La brezza la portò all'isola di Cipro (o vi salpò lei stessa, poiché non le piaceva Citera), dove lei, emergendo dalle onde del mare, fu accolta dall'Ora.
La statua di Afrodite (Venere della Tauride) risale al III secolo a.C. e., ora è all'Ermitage ed è considerata la sua statua più famosa. La scultura divenne la prima statua antica di una donna nuda in Russia. Statua in marmo a grandezza naturale di Venere al bagno (altezza 167 cm), sul modello dell'Afrodite di Cnido o della Venere Capitolina. Le mani della statua e un frammento del naso sono andati perduti. Prima di entrare allo Stato dell'Ermitage, decorò il giardino del Palazzo Tauride, da cui il nome. In passato la “Venere Tauride” doveva decorare il parco. Tuttavia, la statua fu consegnata in Russia molto prima, anche sotto Pietro I e grazie ai suoi sforzi. L'iscrizione realizzata sull'anello bronzeo del piedistallo ricorda che Venere fu donata da Clemente XI a Pietro I (a seguito di uno scambio con le reliquie di Santa Brigida inviate al Papa da Pietro I). La statua fu scoperta nel 1718 durante gli scavi a Roma. Scultore sconosciuto del III secolo. AVANTI CRISTO. raffigurava la dea nuda dell'amore e della bellezza Venere. Una figura snella, linee arrotondate e morbide della silhouette, forme del corpo morbidamente modellate: tutto parla di una percezione sana e casta della bellezza femminile. Insieme alla calma moderazione (postura, espressione facciale), un modo generalizzato, estraneo alla frazionalità e ai dettagli fini, nonché una serie di altre caratteristiche caratteristiche dell'arte dei classici (V - IV secolo a.C.), il creatore di Venere incarnava in lei la sua idea di bellezza, associata agli ideali del III secolo a.C. e. (proporzioni aggraziate - vita alta, gambe leggermente allungate, collo sottile, testa piccola - inclinazione della figura, rotazione del corpo e della testa). 
Italia. Scultura antica nei Musei Vaticani.
Iosif Brodskij
Torso
Se all'improvviso vaghi nell'erba rocciosa,
sembrando meglio nel marmo che nella realtà,
oppure noti un fauno che si abbandona al clamore
con una ninfa, ed entrambi sono più felici nel bronzo che in un sogno,
potrai liberare il bastone dalle tue mani stanche:
sei nell'Impero, amico.
Aria, fuoco, acqua, fauni, naiadi, leoni,
presi dalla natura o dalla testa -
tutto ciò che Dio ha inventato e sono stanco di continuare
cervello, trasformato in pietra o metallo.
Questa è la fine delle cose, questa è la fine della strada
specchio per entrare.
Mettiti in una nicchia vuota e, alzando gli occhi al cielo,
guarda i secoli che passano, scomparendo dietro
angolo, e come germoglia il muschio all'inguine
e la polvere cade sulle spalle: questa abbronzatura di epoche.
Qualcuno si romperà la mano e la testa gli cadrà dalla spalla
rotola giù, bussando.
E ciò che resta è il busto, un'anonima somma di muscoli.
Dopo mille anni, un topo vive in una nicchia con
con l'artiglio spezzato, senza superare il granito,
uscire una sera, strillare, affettare
attraversare la strada per non finire in una buca
a mezzanotte. Non la mattina.
10 segreti di sculture famose
Il silenzio delle grandi statue racchiude molti segreti. Quando ad Auguste Rodin fu chiesto come avesse creato le sue statue, lo scultore ripeté le parole del grande Michelangelo: "Prendo un blocco di marmo e ne taglio tutto ciò che non è necessario". Probabilmente è per questo che la scultura di un vero maestro crea sempre una sensazione di miracolo: sembra che solo un genio possa vedere la bellezza nascosta in un pezzo di pietra.
Siamo sicuri che in quasi ogni opera d'arte significativa si nasconde un mistero, un “doppio fondo” o una storia segreta che si vuole svelare. Oggi ne condivideremo alcuni.
1. Mosè cornuto 
Michelangelo Buanarrotti, "Mosè", 1513-1515
Michelangelo raffigurò Mosè con le corna nella sua scultura. Molti storici dell’arte attribuiscono questo a un’errata interpretazione della Bibbia. Il Libro dell'Esodo racconta che quando Mosè scese dal monte Sinai con le tavolette, gli ebrei trovarono difficile guardarlo in volto. A questo punto della Bibbia viene usata una parola che può essere tradotta dall’ebraico sia come “raggi” che come “corna”. Tuttavia, dal contesto si può chiaramente dire che stiamo parlando specificamente di raggi di luce - che il volto di Mosè risplendeva e non aveva corna.
2. Antichità colorata 
"Augusto da Prima Porta", statua antica.
Per molto tempo si è creduto che le antiche sculture in marmo bianco greche e romane fossero originariamente incolori. Tuttavia, recenti ricerche condotte dagli scienziati hanno confermato l'ipotesi che le statue fossero dipinte in un'ampia gamma di colori, che alla fine scomparivano se esposte prolungatamente alla luce e all'aria.
3. La sofferenza della Sirenetta 
Edward Eriksen, La Sirenetta, 1913
La statua della Sirenetta di Copenaghen è una delle più longeve al mondo: è quella più amata dai vandali. La storia della sua esistenza è stata molto turbolenta. È stato rotto e tagliato a pezzi molte volte. E ora si possono ancora vedere “cicatrici” appena percettibili sul collo, apparse a causa della necessità di sostituire la testa della scultura. La Sirenetta venne decapitata due volte: nel 1964 e nel 1998. Nel 1984, la sua mano destra fu segata. L'8 marzo 2006, un vibratore è stato messo sulla mano della sirena e la sfortunata donna stessa è stata spruzzata di vernice verde. Inoltre, sul retro c'era un'iscrizione scarabocchiata "Buon 8 marzo!" Nel 2007, le autorità di Copenaghen hanno annunciato che la statua potrebbe essere spostata più all'interno del porto per evitare ulteriori episodi di vandalismo e per impedire ai turisti di tentare continuamente di scalarla.
4. "Bacio" senza bacio 
Auguste Rodin, "Il bacio", 1882
La famosa scultura di Auguste Rodin "Il Bacio" era originariamente chiamata "Francesca da Rimini", in onore della nobile dama italiana del XIII secolo su di essa raffigurata, il cui nome fu immortalato dalla Divina Commedia di Dante (Secondo Cerchio, Quinto Canto). La signora si innamorò del fratello minore del marito Giovanni Malatesta, Paolo. Mentre leggevano la storia di Lancillotto e Ginevra, furono scoperti e poi uccisi dal marito di lei. Nella scultura si vede Paolo che tiene in mano un libro. Ma in realtà gli innamorati non si toccano le labbra, come se suggerissero che sono stati uccisi senza commettere peccato.
La ridenominazione della scultura in una più astratta - Il bacio (Le Baiser) - fu fatta dai critici che la videro per la prima volta nel 1887.
5. Il segreto del velo di marmo 
Raffaello Monti, "Velo di marmo", metà del XIX secolo.
Quando guardi le statue ricoperte da un velo di marmo traslucido, non puoi fare a meno di pensare a come sia possibile realizzare qualcosa di simile in pietra. Riguarda la speciale struttura del marmo utilizzato per queste sculture. Il blocco che doveva diventare una scultura doveva avere due strati: uno più trasparente, l'altro più denso. Tali pietre naturali sono difficili da trovare, ma esistono. Il maestro aveva una trama in testa, sapeva esattamente che tipo di blocco stava cercando. La lavorò rispettando la struttura della superficie normale e camminò lungo il confine che separa la parte più densa e trasparente della pietra. Di conseguenza, i resti di questa parte trasparente “risplendevano”, dando l'effetto di un velo.
6. David ideale in marmo rovinato 
Michelangelo Buanarrotti, "Davide", 1501-1504
La famosa statua del David fu realizzata da Michelangelo con un pezzo di marmo bianco avanzato da un altro scultore, Agostino di Duccio, che tentò senza successo di lavorare con il pezzo e poi lo abbandonò.
A proposito, David, che da secoli è considerato un modello di bellezza maschile, non è così perfetto. Il fatto è che ha gli occhi strabici. Questa conclusione è stata raggiunta dallo scienziato americano Mark Livoy dell'Università di Stanford, che ha esaminato la statua utilizzando la tecnologia laser-computer. Il “difetto visivo” della scultura alta più di cinque metri è invisibile, poiché è posta su un alto piedistallo. Secondo gli esperti, Michelangelo ha deliberatamente dotato la sua idea di questo difetto, perché voleva che il profilo del David fosse perfetto da ogni lato.
La morte che ispirava la creatività
7. “Il bacio della morte”, 1930 
La statua più misteriosa del cimitero catalano di Poblenou si chiama “Bacio della Morte”. Lo scultore che lo realizzò rimane ancora sconosciuto. Solitamente la paternità de “Il Bacio” viene attribuita a Jaume Barba, ma c'è anche chi è sicuro che il monumento sia stato scolpito da Joan Fonbernat. La scultura si trova in uno degli angoli più remoti del cimitero di Poblenou. È stata lei a ispirare il regista Bergman a creare il film "Il settimo sigillo" - sulla comunicazione tra il Cavaliere e la Morte.
8. Mani di Venere di Milo 
Agesandro (?), "Venere di Milo", c. 130-100 a.C
La figura di Venere occupa un posto d'onore al Louvre di Parigi. Un contadino greco lo trovò nel 1820 sull'isola di Milos. Al momento del ritrovamento la figura era spezzata in due grandi frammenti. Nella mano sinistra la dea teneva una mela e con la mano destra teneva la veste cadente. Comprendendo il significato storico di questa antica scultura, gli ufficiali della marina francese ordinarono che la statua di marmo fosse rimossa dall'isola. Mentre Venere veniva trascinata sulle rocce verso la nave in attesa, scoppiò una rissa tra i facchini ed entrambe le braccia furono spezzate. I marinai stanchi si rifiutarono categoricamente di tornare e cercare le parti rimanenti.
9. La bellissima imperfezione di Nike di Samotracia 
"Nike di Samotracia", II secolo. AVANTI CRISTO.
La statua di Nike fu ritrovata sull'isola di Samotracia nel 1863 da Charles Champoiseau, console e archeologo francese. Una statua scolpita nel marmo pario dorato dell'isola incoronava l'altare delle divinità marine. I ricercatori ritengono che uno scultore sconosciuto abbia creato la Nike nel II secolo a.C. come segno delle vittorie navali greche. Le mani e la testa della dea sono irrimediabilmente perdute. Furono fatti ripetuti tentativi per ripristinare la posizione originaria delle mani della dea. Si ritiene che la mano destra, sollevata verso l'alto, tenesse una coppa, una ghirlanda o una fucina. È interessante notare che numerosi tentativi di ripristinare le mani della statua non hanno avuto successo: tutti hanno rovinato il capolavoro. Questi fallimenti ci costringono ad ammettere: Nika è bella proprio così, perfetta nella sua imperfezione.
10. Mistico Cavaliere di Bronzo 
Etienne Falconet, Monumento a Pietro I, 1768-1770
Il Cavaliere di Bronzo è un monumento circondato da storie mistiche e ultraterrene. Una delle leggende a lui associate dice che durante la guerra patriottica del 1812, Alessandro I ordinò la rimozione di opere d'arte particolarmente preziose dalla città, incluso il monumento a Pietro I. In questo momento, un certo maggiore Baturin ottenne un incontro con l'amico personale dello zar, il principe Golitsyn, e gli disse che lui, Baturin, era perseguitato dallo stesso sogno. Si vede in Piazza del Senato. Il volto di Peter si volta. Il cavaliere scende dalla sua scogliera e si dirige per le strade di San Pietroburgo fino all'isola di Kamenny, dove allora visse Alessandro I. Il cavaliere entra nel cortile del Palazzo Kamenoostrovsky, da cui il sovrano esce per incontrarlo. "Giovanotto, a cosa hai portato la mia Russia", gli dice Pietro il Grande, "ma finché sono sul posto, la mia città non ha nulla da temere!" Quindi il cavaliere si volta indietro e si sente di nuovo il "galoppo pesante e squillante". Colpito dalla storia di Baturin, il principe Golitsyn trasmise il sogno al sovrano. Di conseguenza, Alessandro I annullò la sua decisione di evacuare il monumento. Il monumento è rimasto al suo posto.
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La Grecia e l'arte sono concetti inseparabili. In numerosi musei archeologici si possono vedere sculture antiche e statue in bronzo, molte delle quali furono sollevate dal fondo del Mar Egeo. I musei di storia locale espongono oggetti di artigianato e tessuti, e i migliori musei di Atene competono con le gallerie d'arte di altre parti d'Europa.
Atene, Museo Archeologico del Pireo.
Origine: la statua fu scoperta tra le altre nel 1959 al Pireo, all'incrocio tra le vie Georgiou e Philon, in un magazzino vicino all'antico porto. La scultura fu nascosta in questa stanza dalle truppe di Silla nell'86 a.C. e.
Descrizione:Statua in bronzo di Artemide
Questo tipo di potente figura femminile era originariamente identificata come la poetessa o musa delle composizioni scultoree di Silanion. Questa statua è identificata come immagine di Artemide dalla presenza di una cintura di faretra sul retro, nonché dalla disposizione delle dita della mano che reggeva l'arco. Quest'opera di stile classicizzante è attribuita a Eufranore sulla base della sua somiglianza con Apollo Patros sull'Agorà.
Molti sono i fatti storici relativi alle statue greche (che non approfondiremo in questa raccolta). Tuttavia, non è necessario possedere una laurea in storia per ammirare l'incredibile maestria di queste magnifiche sculture. Opere d'arte davvero senza tempo, queste 25 statue greche più leggendarie sono capolavori di proporzioni variabili.
Atleta fanese
Conosciuto con il nome italiano L'Atleta di Fano, la Gioventù Vittoriosa è una scultura in bronzo greca rinvenuta nel mare di Fano, sulla costa adriatica dell'Italia. L'Atleta di Fano fu costruito tra il 300 e il 100 a.C. ed è attualmente tra le collezioni del J. Paul Getty Museum in California. Gli storici ritengono che la statua un tempo facesse parte di un gruppo di sculture di atleti vittoriosi ad Olimpia e Delfi. L'Italia rivuole ancora la scultura e ne contesta la rimozione dall'Italia.
Poseidone da Capo Artemision
Un'antica scultura greca ritrovata e restaurata vicino al mare di Capo Artemision. Si ritiene che l'Artemision in bronzo rappresenti Zeus o Poseidone. C'è ancora un dibattito su questa scultura perché i suoi fulmini mancanti escludono la possibilità che si tratti di Zeus, mentre il suo tridente mancante esclude anche la possibilità che si tratti di Poseidone. La scultura è sempre stata associata agli antichi scultori Mirone e Onata.
Statua di Zeus ad Olimpia
La statua di Zeus ad Olimpia è una statua di 13 metri, con una figura gigante seduta su un trono. Questa scultura è stata creata da uno scultore greco di nome Fidia e attualmente si trova nel Tempio di Zeus ad Olimpia, in Grecia. La statua è realizzata in avorio e legno e raffigura il dio greco Zeus seduto su un trono di cedro decorato con oro, ebano e altre pietre preziose. 
Atena Partenone
Atena del Partenone è una gigantesca statua in oro e avorio della dea greca Atena, scoperta nel Partenone di Atene. Realizzato in argento, avorio e oro, è stato creato dal famoso scultore greco antico Fidia ed è considerato oggi il simbolo di culto più famoso di Atene. La scultura fu distrutta da un incendio avvenuto nel 165 a.C., ma fu restaurata e collocata nel Partenone nel V secolo. 
Signora di Auxerre
La Dama di Auxerre di 75 cm è una scultura cretese attualmente conservata al Louvre di Parigi. Raffigura la dea greca arcaica del VI secolo, Persefone. Un curatore del Louvre di nome Maxime Collignon trovò la mini-statua nella volta del Museo di Auxerre nel 1907. Gli storici ritengono che la scultura sia stata creata nel VII secolo durante il periodo di transizione greco. 
Antinoo Mondragon
La statua in marmo alta 0,95 metri raffigura il dio Antinoo tra un massiccio gruppo di statue di culto costruite per adorare Antinoo come un dio greco. Quando la scultura fu ritrovata a Frascati nel XVII secolo, fu identificata per le sopracciglia striate, l'espressione seria e lo sguardo rivolto verso il basso. Questa creazione fu acquistata nel 1807 per Napoleone ed è attualmente esposta al Louvre. 
Apollo di Strangford
Un'antica scultura greca in marmo, l'Apollo di Strangford fu costruito tra il 500 e il 490 a.C. e creato in onore del dio greco Apollo. È stata scoperta sull'isola di Anafi e prende il nome dal diplomatico Percy Smith, sesto visconte Strangford e vero proprietario della statua. Apollo è attualmente ospitato nella Sala 15 del British Museum. 
Kroisos da Anavysos
Scoperto in Attica, Kroisos di Anavysos è un kouros in marmo che un tempo fungeva da statua funeraria per Kroisos, un giovane e nobile guerriero greco. La statua è famosa per il suo sorriso arcaico. Alto 1,95 metri, Kroisos è una scultura indipendente costruita tra il 540 e il 515 a.C. ed è attualmente esposta al Museo Archeologico Nazionale di Atene. L'iscrizione sotto la statua recita: "Fermati e piangi presso la tomba di Kroisos, che fu ucciso dal furioso Ares quando era in prima fila". 
Biton e Kleobis
Create dallo scultore greco Polymidis, Biton e Kleobis sono una coppia di statue greche arcaiche create dagli Argivi nel 580 a.C. per adorare due fratelli legati da Solone in una leggenda chiamata le Storie. La statua è ora nel Museo Archeologico di Delfi, in Grecia. Originariamente costruite ad Argo, nel Peloponneso, una coppia di statue furono trovate a Delfi con iscrizioni sulla base che le identificavano come Kleobis e Biton. 
Hermes con il piccolo Dioniso
Creato in onore del dio greco Hermes, Hermes di Prassitele rappresenta Hermes che trasporta un altro personaggio popolare nella mitologia greca, il bambino Dioniso. La statua è stata realizzata in marmo pario. Secondo gli storici fu costruito dagli antichi greci nel 330 a.C. È conosciuto oggi come uno dei capolavori più originali del grande scultore greco Prassitele ed è attualmente ospitato nel Museo Archeologico di Olimpia, in Grecia. 
Alessandro Magno
Una statua di Alessandro Magno è stata scoperta nel Palazzo di Pella in Grecia. Rivestita e realizzata in marmo, la statua fu costruita nel 280 a.C. per onorare Alessandro Magno, un popolare eroe greco che divenne famoso in diverse parti del mondo e condusse battaglie contro gli eserciti persiani, in particolare a Granisus, Isuai e Gagamela. La statua di Alessandro Magno è ora esposta tra le collezioni d'arte greca del Museo Archeologico di Pella in Grecia. 
Kora in Peplo
Restaurata dall'acropoli di Atene, la Kore di Peplo è un'immagine stilizzata della dea greca Atena. Gli storici ritengono che la statua sia stata creata per servire come offerta votiva in tempi antichi. Realizzata durante il periodo arcaico della storia dell'arte greca, Kora è caratterizzata dalla posa rigida e formale di Atena, dai suoi maestosi riccioli e dal sorriso arcaico. La statua originariamente appariva in una varietà di colori, ma oggi si possono osservare solo tracce dei suoi colori originali. 
Efebo di Anticitera
Realizzato in bronzo pregiato, l'Efebo di Anticitera è una statua di un giovane, dio o eroe, che tiene nella mano destra un oggetto sferico. Opera di scultura in bronzo del Peloponneso, questa statua fu recuperata da un naufragio vicino all'isola di Anticitera. Si ritiene che sia una delle opere del famoso scultore Efranor. L'efebo è attualmente esposto al Museo Archeologico Nazionale di Atene. 
Auriga delfico
Meglio conosciuto come Heniokos, l'Auriga di Delfi è una delle statue più popolari sopravvissute all'antica Grecia. Questa statua in bronzo a grandezza naturale raffigura un cocchiere e fu restaurata nel 1896 nel Santuario di Apollo a Delfi. Qui fu originariamente eretto nel IV secolo per commemorare la vittoria di una squadra di carri negli sport antichi. Originariamente parte di un massiccio gruppo di sculture, l'Auriga delfico è ora esposto nel Museo Archeologico di Delfi. 
Armodio e Aristogitone
Armodio e Aristogitone furono creati dopo l'instaurazione della democrazia in Grecia. Create dallo scultore greco Antenore, le statue erano realizzate in bronzo. Queste furono le prime statue in Grecia ad essere pagate con fondi pubblici. Lo scopo della creazione era quello di onorare entrambi gli uomini, che gli antichi Ateniesi accettavano come eccezionali simboli di democrazia. Il luogo di installazione originale era Kerameikos nel 509 d.C., insieme ad altri eroi della Grecia. 
Afrodite di Cnido
Conosciuta come una delle statue più popolari create dall'antico scultore greco Prassitele, Afrodite di Cnido fu la prima rappresentazione a grandezza naturale di Afrodite nuda. Prassitele costruì la statua dopo essere stato incaricato da Cos di creare una statua raffigurante la bellissima dea Afrodite. Oltre al suo status di immagine di culto, il capolavoro è diventato un punto di riferimento in Grecia. La sua copia originale non è sopravvissuta al massiccio incendio che un tempo ebbe luogo nell'antica Grecia, ma la sua replica è attualmente esposta al British Museum. 
Vittoria Alata di Samotracia
Creato nel 200 a.C. La Vittoria Alata di Samotracia, raffigurante la dea greca Nike, è considerata oggi il più grande capolavoro della scultura ellenistica. Attualmente è esposta al Louvre tra le statue originali più famose al mondo. Fu creato tra il 200 e il 190 a.C., non per onorare la dea greca Nike, ma in onore di una battaglia navale. La Vittoria Alata fu fondata dal generale macedone Demetrio, dopo la sua vittoria navale a Cipro. 
Statua di Leonida I alle Termopili
La statua del re spartano Leonida I alle Termopili fu eretta nel 1955, in memoria dell'eroico re Leonida, che si distinse durante la battaglia dei Persiani nel 480 a.C. Sotto la statua è stato posto un cartello con la scritta: “Vieni a prenderlo”. Questo è ciò che disse Leonida quando il re Serse e il suo esercito chiesero loro di deporre le armi. 
Achille ferito
Achille ferito è una rappresentazione dell'eroe dell'Iliade di nome Achille. Questo capolavoro dell'antica Grecia trasmette la sua agonia prima della morte, ferito da una freccia fatale. Realizzata in pietra di alabastro, la statua originale è attualmente ospitata nella residenza Achilleion della regina Elisabetta d'Austria a Kofu, in Grecia. 
Gallia morente
Conosciuto anche come la Morte di Galata, o il Gladiatore Morente, il Galata Morente è un'antica scultura ellenistica creata tra il 230 a.C. e 220 a.C affinché Attalo I di Pergamo celebrasse la vittoria del suo gruppo sui Galli in Anatolia. Si ritiene che la statua sia stata creata da Epigono, scultore della dinastia Attalide. La statua raffigura un guerriero celtico morente disteso sul suo scudo caduto accanto alla sua spada. 
Laocoonte e i suoi figli
La statua attualmente situata nei Musei Vaticani a Roma, Laocoonte e i suoi figli, è conosciuta anche come Gruppo Laocoonte e fu originariamente creata da tre grandi scultori greci dell'isola di Rodi, Agesender, Polydorus e Atenodoros. Questa statua a grandezza naturale è realizzata in marmo e raffigura un sacerdote troiano di nome Laocoonte, insieme ai suoi figli Timbraeus e Antiphantes, strangolati dai serpenti marini. 
Il Colosso di Rodi
Una statua raffigurante il titano greco chiamato Helios, il Colosso di Rodi, fu eretta per la prima volta nella città di Rodi tra il 292 e il 280 a.C. Riconosciuta oggi come una delle sette meraviglie del mondo antico, la statua fu costruita per celebrare la vittoria di Rodi sul sovrano di Cipro durante il II secolo. Conosciuta come una delle statue più alte dell'antica Grecia, la statua originale fu distrutta da un terremoto che colpì Rodi nel 226 a.C. 
Discobolo
Costruito da uno dei migliori scultori dell'antica Grecia durante il V secolo - Mirone, il Discobolo era una statua originariamente collocata all'ingresso dello Stadio Panathinaikon di Atene, in Grecia, dove si tenne il primo evento dei Giochi Olimpici. La statua originale, realizzata in pietra di alabastro, non sopravvisse alla distruzione della Grecia e non fu mai restaurata. 
Dialume
Trovato al largo dell'isola di Tilos, Diadumen è un'antica scultura greca creata nel V secolo. La statua originale, restaurata a Tilos, fa attualmente parte delle collezioni del Museo Archeologico Nazionale di Atene. 
cavallo di Troia
Realizzato in marmo e rivestito con una speciale placcatura in bronzo, il cavallo di Troia è una scultura dell'antica Grecia costruita tra il 470 a.C. e il 460 a.C. per rappresentare il cavallo di Troia nell'Iliade di Omero. Il capolavoro originale è sopravvissuto alla devastazione dell'antica Grecia ed è attualmente ospitato nel Museo Archeologico di Olimpia, in Grecia. 