Della vita del cretese Domenico Theotokopouli, l'artista che conquistò la Toledo spagnola sotto il nome di El Greco, cioè il greco, non ci sono quasi prove. Le "follie" del suo carattere e lo strano modo pittorico stupirono molti e li costrinsero a prendere in mano la penna, ma solo poche lettere sono sopravvissute. Uno di essi contiene le seguenti righe: “... il tempo era bellissimo, il sole primaverile splendeva dolcemente. Ha dato gioia a tutti e la città sembrava festosa. Immaginate la mia sorpresa quando entrai nello studio di El Greco e vidi che le persiane delle finestre erano chiuse, e quindi era difficile vedere cosa c'era intorno. Lo stesso El Greco sedeva su uno sgabello, senza fare nulla, ma sveglio. Non voleva uscire con me perché, secondo lui, la luce del sole interferiva con la sua luce interiore...”
Di Domenico uomo non è rimasta quasi nessuna prova, solo echi: che visse in grande stile, tenne una ricca biblioteca, lesse molti filosofi e fece anche causa ai clienti (lo amavano, ma il più delle volte non lo capivano), morì quasi nel povertà - come i sottili raggi della luce del giorno irrompono nelle fessure delle “persiane chiuse” della sua vita. Ma non distraggono dalla cosa principale: dalla luce interiore che riempie i dipinti dell'artista El Greco. Soprattutto ritratti.
Non ci sono paesaggi che si aprono dietro la persona ritratta, non c'è abbondanza di dettagli che attirino un occhio curioso. Anche il nome dell'eroe viene spesso tralasciato. Perché tutto questo ti impedirebbe di vedere il volto. E occhi, profondi, scuri, che ti guardano dritto negli occhi. È difficile staccarti da loro, e se ti costringi a vedere il gesto, ti fermerai di nuovo a pensare.
Si tratta del “Ritratto di cavaliere con la mano sul petto” (1577-1579), dipinto dal maestro poco dopo il suo trasferimento a Toledo. Questo ritratto è riconosciuto come uno dei migliori della pittura spagnola del XVI secolo. L'Outlander El Greco ha creato "immagini vivide vita spagnola e storia”, che catturano “esseri viventi autentici, combinando in sé tutto ciò che dovrebbe essere ammirato nel nostro popolo, tutto ciò che è eroico e indomabile, con quelle proprietà opposte che non possono che riflettersi senza distruggerne l'essenza stessa” (A. Segovia). Gli aristocratici delle antiche famiglie di Toledo divennero i veri eroi di El Greco, li vide Luce interna- la loro nobiltà e dignità, fedeltà al dovere, intelligenza, raffinatezza dei costumi, coraggio, moderazione esteriore e slancio interiore, la forza del cuore, che sa per cosa vive e muore...
Giorno dopo giorno, i visitatori della Galleria del Prado si fermano davanti allo sconosciuto hidalgo, sorpresi, con le parole: “Come vivo...” Chi è costui, questo cavaliere? Perché apre il suo cuore con tanta sincerità? Perché i suoi occhi sono così attraenti? E questo gesto di giuramento? E l'elsa della spada?.. Forse da queste domande è nata una leggenda secondo cui la persona raffigurata nel ritratto è un altro grande spagnolo: Miguel de Cervantes. Un guerriero e scrittore che raccontò al mondo la storia di un cavaliere dall'immagine triste, a cui fu dato lo stesso dono divino di El Greco: vedere le persone come dovrebbero essere, vedere la loro luce interiore...
alla rivista "Uomo Senza Frontiere"
Svetlana Obukhova
Della vita del cretese Domenico Theotokopouli, l'artista che conquistò la Toledo spagnola sotto il nome di El Greco, cioè il greco, non ci sono quasi prove. Le "follie" del suo carattere e lo strano modo pittorico stupirono molti e li costrinsero a prendere in mano la penna, ma solo poche lettere sono sopravvissute. Uno di essi contiene le seguenti righe: “... il tempo era bellissimo, il sole primaverile splendeva dolcemente. Ha dato gioia a tutti e la città sembrava festosa. Immaginate la mia sorpresa quando entrai nello studio di El Greco e vidi che le persiane delle finestre erano chiuse, e quindi era difficile vedere cosa c'era intorno. Lo stesso El Greco sedeva su uno sgabello, senza fare nulla, ma sveglio. Non voleva uscire con me perché, secondo lui, la luce del sole interferiva con la sua luce interiore...”
Di Domenico uomo non è rimasta quasi nessuna prova, solo echi: che visse in grande stile, tenne una ricca biblioteca, lesse molti filosofi e fece anche causa ai clienti (lo amavano, ma il più delle volte non lo capivano), morì quasi nel povertà - come i sottili raggi della luce del giorno irrompono nelle fessure delle “persiane chiuse” della sua vita. Ma non distraggono dalla cosa principale: dalla luce interiore che riempie i dipinti dell'artista El Greco. Soprattutto ritratti.
Non ci sono paesaggi che si aprono dietro la persona ritratta, non c'è abbondanza di dettagli che attirino un occhio curioso. Anche il nome dell'eroe viene spesso tralasciato. Perché tutto questo ti impedirebbe di vedere il volto. E occhi, profondi, scuri, che ti guardano dritto negli occhi. È difficile staccarsene e, se ti sforzi, è per vedere il gesto e fermarti di nuovo a pensare.
Si tratta del “Ritratto di cavaliere con la mano sul petto” (1577-1579), dipinto dal maestro poco dopo il suo trasferimento a Toledo. Questo ritratto è riconosciuto come uno dei migliori della pittura spagnola del XVI secolo. Lo straniero El Greco ha creato “immagini vivide della vita e della storia spagnola”, che catturano “esseri viventi autentici, combinando in sé tutto ciò che c’è da ammirare nel nostro popolo, tutto ciò che è eroico e indomabile, con quelle qualità opposte che non possono non riflettersi, senza distruggerne l'essenza stessa” (A. Segovia). Gli aristocratici delle antiche famiglie di Toledo divennero i veri eroi di El Greco, vide la loro luce interiore: nobiltà e dignità, fedeltà al dovere, intelligenza, raffinatezza dei modi, coraggio, moderazione esterna e impulso interno, forza del cuore, che sa per cosa vive e muore..
Giorno dopo giorno, i visitatori della Galleria del Prado si fermano davanti allo sconosciuto hidalgo, sorpresi, con le parole: “Come vivo...” Chi è costui, questo cavaliere? Perché apre il suo cuore con tanta sincerità? Perché i suoi occhi sono così attraenti? E questo gesto di giuramento? E l'elsa della spada?.. Forse da queste domande è nata una leggenda secondo cui il personaggio raffigurato nel ritratto è un altro grande spagnolo: Miguel de Cervantes. Un guerriero e scrittore che raccontò al mondo la storia di un cavaliere dall'immagine triste, a cui fu dato lo stesso dono divino di El Greco: vedere le persone come dovrebbero essere, vedere la loro luce interiore...
E altri dipinti del Museo del Prado all'Ermitage...
El Greco "Cristo che abbraccia la croce" 1600 - 1605
Raffigurato sullo sfondo di un cielo tempestoso tipico di El Greco, Cristo abbraccia la croce con le sue mani aggraziate, guardando verso l'alto con calmo destino. Il dipinto ebbe un grande successo e ne furono realizzate molte versioni nella bottega di El Greco.
El Greco "Sacra Famiglia con Sant'Anna e il piccolo Giovanni Battista" ca. 1600-1605
Il periodo tardo dell'opera di El Greco è caratterizzato dall'uso di colori penetranti e lampi; lo spazio è completamente riempito di figure che oscurano l'orizzonte. Le forme dipinte con una pennellata vibrante perdono la loro matericità. Il piccolo Giovanni Battista invita lo spettatore al silenzio per non disturbare la pace di Cristo bambino...
Velasquez - Ritratto di Filippo IV Ritratto del re Filippo IV. 1653-1657
Le basi del ritratto psicologico nell'arte europea furono gettate dal pittore spagnolo Diego Rodriguez de Silva Velazquez. Nacque in una povera famiglia nobile di Siviglia e studiò con Herrera il Vecchio e Pacheco. Nel 1622 arrivò per la prima volta a Madrid. IN in senso pratico questo viaggio non ebbe molto successo: Velazquez non trovò un posto degno per sé. Sperava di incontrare il giovane re Filippo IV, ma l'incontro non ebbe luogo. Tuttavia, voci su giovane artista raggiunse la corte e l'anno successivo, 1623, il primo ministro, il duca de Olivares (anche lui originario di Siviglia), invitò Velazquez a Madrid per dipingere un ritratto del re. Quest'opera, che non ci è pervenuta, fece un'impressione così piacevole sul monarca che offrì immediatamente a Velazquez la posizione di artista di corte. Ben presto si svilupparono rapporti abbastanza amichevoli tra il re e Velazquez, il che non era molto tipico per l'ordine che regnava alla corte spagnola. Il re, che governava il più grande impero del mondo, era considerato non un uomo, ma una divinità, e l'artista non poteva nemmeno contare su privilegi nobili, poiché si guadagnava da vivere con il lavoro. Nel frattempo, Filippo ordinò che d'ora in poi solo Velazquez dipingesse i suoi ritratti. Il grande monarca fu sorprendentemente generoso e sostenne Velazquez. Lo studio dell'artista si trovava negli appartamenti reali e lì fu installata una sedia per Sua Maestà. Il re, che aveva la chiave della bottega, veniva qui quasi ogni giorno per osservare il lavoro dell'artista. Durante il servizio reale dal 1623 al 1660, Velazquez dipinse circa una dozzina di ritratti del suo signore. Di questi, ci sono pervenuti poco più di 10 dipinti. Pertanto, in media, Velazquez dipingeva il suo signore supremo circa una volta ogni tre anni. Dipingere i ritratti del re era il lavoro di Velazquez e lo fece perfettamente. Grazie a ciò disponiamo di un complesso di opere a suo modo unico: i ritratti di Velazquez tracciano il percorso di vita del re Filippo con la stessa chiarezza con cui divenne poi consueto solo nell’era della fotografia. L’evoluzione è chiaramente visibile nei dipinti dell’artista. In primo luogo, il re stesso cambia, 18 anni nel primo ritratto e 50 anni nell'ultimo, il suo volto porta l'impronta dell'età e dei cambiamenti spirituali; In secondo luogo, la percezione dell’artista del suo modello si approfondisce, passando da superficiale a perspicace. Nel tempo, il modo in cui il modello viene presentato cambia e tecniche artistiche. I modi di Velazquez si trasformano sotto l'influenza della sua stessa crescita creativa, nonché sotto l'influenza delle moderne tradizioni nazionali e straniere. Questo ritratto sotto il petto raffigura Filippo IV su uno sfondo scuro, che indossa abiti neri con un colletto bianco che mette chiaramente in risalto il volto del monarca. Velazquez evita il lusso ostentato nel ritratto del re e mostra " volto umano» il monarca senza alcuna adulazione o astuzia cortese. Sentiamo chiaramente che la persona che ci guarda dalla tela è infelice, l'anno scorso Il regno non fu facile per il re. Questo è un uomo che ha conosciuto la delusione, ma allo stesso tempo un uomo la cui carne è piena di una grandezza innata, che nulla può scuotere. Un altro grande artista, spagnolo fino al midollo - Pablo Ruiz Picasso dice così dell'immagine del re spagnolo: “non possiamo immaginare un altro Filippo IV diverso da quello creato da Velazquez...”
"Ritratto del re Filippo IV" (1653 circa - 1657)
Uno degli ultimi ritratti del monarca. È interessante notare che qui non c'è un solo elemento che parli dello status reale della persona ritratta. Velazquez servì Filippo IV per quasi quarant'anni, dal 1623 fino alla sua morte, dipingendo ritratti del re e della sua famiglia, tele di grandi dimensioni per la Collezione Reale.
Diego Velazquez "Ritratto del giullare Don Diego de Acedo" (El Primo) ca. 1644
Diego Velazquez "Ritratto della regina Marianna d'Austria" 1652-1653
Tiziano (Tiziano Vecellio) "Venere con Amore e l'organista" 1555
Il musicista suona, seduto ai piedi di Venere e ammirando il corpo nudo della dea, giocando distrattamente con Cupido. Alcuni vedevano questo dipinto come un'opera puramente erotica, mentre altri lo percepivano simbolicamente - come un'allegoria dei sentimenti, dove la vista e l'udito agiscono come strumenti per la conoscenza della bellezza e dell'armonia. Tiziano ha scritto cinque versioni di questo tema.
Paolo Veronese (Paolo Cagliari) - "Maria Maddalena penitente" 1583
Dopo la conversione, Maria Maddalena dedicò la sua vita al pentimento e alla preghiera, ritirandosi dal mondo. In questo dipinto è raffigurata mentre guarda il cielo ed è immersa nella luce divina. L'immagine è dipinta in spessore colori scuri, caratteristico dello stile di Veronese nel periodo tardo della sua opera. Prima di entrare nelle Collezioni Reali spagnole, l'opera apparteneva al re inglese Carlo I (eseguita nel 1649)
Anthony Van Dyck "Ritratto di uomo con liuto" 1622-1632
Anthony Van Dyck deve la sua fama proprio al genere della ritrattistica, che nella gerarchia Pittura europea occupava una posizione piuttosto bassa. Tuttavia, a questo punto una tradizione si era già sviluppata nelle Fiandre arte del ritratto. Van Dyck dipinse centinaia di ritratti, diversi autoritratti e divenne uno dei creatori dello stile di ritrattistica cerimoniale del XVII secolo. Nei ritratti dei suoi contemporanei, ha mostrato il loro mondo intellettuale, emotivo, vita spirituale e carattere umano vivente.
Il modello tradizionale per questo ritratto è Jacob Gautier, liutista della corte inglese dal 1617 al 1647, ma la presenza della spada e, soprattutto, le caratteristiche stilistiche dell'opera indicano che deve datare molto prima di Van Il viaggio di Dyck a Londra, che mette in dubbio questa teoria. La presenza di uno strumento musicale non significa necessariamente che il modello fosse un musicista. Come simbolo, gli strumenti musicali venivano spesso raffigurati nei ritratti come indicazione della raffinatezza intellettuale e della sensibilità del soggetto.
Juan Bautista Maino "Adorazione dei pastori" 1612-1614
Uno dei capolavori di Maino. Nella collezione Eremo di Stato C'è un'altra versione di questa storia scritta da Maino. L'artista nacque a Pastrana (Guadalajara) e visse a Roma dal 1604 al 1610. In quest'opera, scritta al ritorno in Spagna, c'è il senso dell' Influenza caravaggesca e Orazio Gentileschi. Nel 1613 Maino divenne membro dell'Ordine Domenicano e il dipinto fu incluso nel ciclo dell'altare del Monastero di San Pietro Martire a Toledo.
Georges de Latour "Il musicista cieco con la ghirigora" ca. 1625-1630
Latour raffigura un vecchio musicista cieco che suona una ghironda. Ha ripetuto questa trama più volte. L'artista, che ha lavorato sotto l'influenza dello stile di Caravaggio, riproduce con entusiasmo i dettagli: il motivo che decora strumento musicale, rughe sul volto di un cieco, i suoi capelli.
Peter Paul Rubens, Jacob Jordaens "Perseo libera Andromeda" ca. 1639-1640
Francisco de Goya "Ritratto di Ferdinando VII" 1814-1815
Dopo la sconfitta di Napoleone nel 1814, Ferdinando VII tornò sul trono spagnolo. Il ritratto lo mostra con una veste reale foderata di ermellino, con uno scettro e gli ordini di Carlo III e il vello d'oro.
Ferdinando VII, che governò il paese fino al 1833, fondò il Museo del Prado nel 1819.
Francisco de Goya "Maria di Santa Cruz" 1805
Maria von Santa Cruz, moglie del primo direttore del Prado, era una delle donne più venerate nella Spagna del suo tempo.
Nel ritratto del 1805, Goya raffigurò la marchesa come la musa della poesia lirica, Euterpe, sdraiata su un divano e con una lira nella mano sinistra. La scelta di questa particolare immagine è dovuta alla passione della marchesa per la poesia.
Francisco Goya - "Autunno (vendemmia)" 1786 - 1787
Francisco GOYA - "La vendemmia" frammento
Nel 1775-1792, Goya creò sette serie di arazzi in cartone per i palazzi dell'Escorial e del Prado alla periferia di Madrid. Questo dipinto in particolare appartiene alla serie delle Stagioni ed era destinato alla sala da pranzo del Principe delle Asturie al Prado. Goya ha rappresentato la trama classica come una scena quotidiana, che riflette la natura del rapporto tra diverse classi: il dipinto raffigura i proprietari di un vigneto con il figlio e la cameriera.
Francisco Goya "Ritratto del generale José de Urrutia" (1798 circa)
José de Urrutia (1739 - 1809) - uno dei più importanti capi militari spagnoli e l'unico ufficiale dell'esercito di origine non aristocratica che nel XVIII secolo raggiunse il grado di capitano generale - è raffigurato con l'Ordine di San Giorgio, che gli fu conferito dall'imperatrice russa Caterina la Grande per la sua partecipazione alla cattura di Ochakov durante la campagna di Crimea del 1789.
Peter Paul Rubens "Ritratto di Maria de' Medici". OK. 1622-1625.
Maria Medici (1573 - 1642) era figlia del Granduca di Toscana Francesco I. Nel 1600 divenne moglie di Re francese Enrico IV. Dal 1610 fu reggente per il suo giovane figlio, il futuro re Luigi XIII. Ha commissionato una serie di opere a Rubens glorificando se stessa e il suo defunto marito. Il ritratto mostra la regina che indossa un copricapo da vedova e uno sfondo incompiuto.
Domenico Tintoretto "Donna che scopre il seno" ca. 1580-1590
Vicente Lopez Portanha "Ritratto di Felix Maximo Lopez, primo organista della Cappella Reale" 1820
Pittore neoclassico spagnolo, che conservò tracce dello stile rococò. Lopez era considerato uno dei migliori ritrattisti del suo tempo, secondo solo a Francisco de Goya. Iniziò a studiare pittura a Valencia all'età di 13 anni e nel giro di quattro anni vinse diversi primi premi all'Accademia di San Carlos, guadagnandosi una borsa di studio per studiare presso la prestigiosa Accademia Reale della capitale. belle arti San Fernando. Dopo aver completato gli studi, Lopez ha lavorato per diversi anni nella bottega di Mariano Salvador Maella, suo maestro. Nel 1814, dopo l'occupazione francese, Lopez stava già abbastanza bene artista famoso, quindi, il re spagnolo Ferdinando VII lo convocò a Madrid e lo nominò artista ufficiale di corte, nonostante il “primo artista reale” a quel tempo fosse lo stesso Francisco Goya. Vicente Lopez fu un artista prolifico, dipinse dipinti su soggetti religiosi, allegorici, storici e mitologici, ma, soprattutto, fu, ovviamente, un ritrattista. Per me lunga carriera dipinse ritratti di quasi tutti persona famosa in Spagna nella prima metà del XIX secolo.
Questo ritratto del primo organista della cappella reale e famoso musicista e il compositore fu scritto poco prima della morte dell'artista, e fu completato dal figlio maggiore Ambrosio Lopez.
Anton Raphael Mengs "Ritratto di Maria Luisa di Parma, Principessa delle Asturie" 1766
Juan Sanchez Cotan "Natura morta con selvaggina, verdure e frutta" 1602
Don Diego de Acedo era a corte dal 1635. Oltre al "servizio di buffone", prestò servizio come messaggero reale ed era responsabile del sigillo del re. A quanto pare i libri, le carte e gli strumenti per scrivere raffigurati nella foto parlano di queste attività. Si ritiene che il ritratto sia stato dipinto a Fraga, provincia di Huesca, durante il viaggio di Filippo IV in Aragona, nel quale fu accompagnato da Diego de Acedo. Sullo sfondo si erge il picco Malicios della catena montuosa del Guadarrama.
Hieronymus Bosch "Estrazione della pietra della follia" ca. 1490
La scena satirica con figure su sfondo paesaggistico raffigura un’operazione per rimuovere la “pietra della stupidità”. L'iscrizione in caratteri gotici recita: "Maestro, rimuovi rapidamente la pietra. Il mio nome è Lubbert Das". Lubbert è un nome comune che denota ignoranza e semplicità. Un chirurgo che indossa un copricapo a forma di imbuto rovesciato, che simboleggia l'ignoranza, “rimuove” una pietra (ninfea) dalla testa di un paziente credulone e gli chiede un generoso pagamento. A quel tempo, gli ingenui credevano che la colpa della loro stupidità fosse una pietra nella testa. Questo è ciò di cui hanno approfittato i ciarlatani.
Raffaello Santi) "La Sacra Famiglia con l'agnello" 1507
Maria aiuta il piccolo Cristo a sedersi sull'agnello, un simbolo cristiano della prossima passione di Cristo, e S. Joseph li osserva. Il dipinto è stato dipinto a Firenze, dove l'artista ha studiato l'opera di Leonardo da Vinci, influenzato dalle sue composizioni con la Sacra Famiglia. Nel Museo del Prado questa è l'unica opera di Raffaello dipinta nel primo periodo.
Albrecht Dürer "Ritratto di un uomo sconosciuto" ca. 1521
Il ritratto appartiene a periodo tardivo La creatività di Dürer. Scritto in un modo simile allo stile Artisti olandesi. Un cappello a tesa larga attira l'attenzione sul volto della persona ritratta; la luce che cade da sinistra concentra su di esso l'attenzione dello spettatore. Il secondo centro di attenzione nel ritratto sono le mani, e soprattutto quella sinistra, in cui la persona sconosciuta tiene in mano un cartiglio, che apparentemente spiega il suo status sociale.
Rogier Van der Weyden "Lamento" ca. 1450
Il modello era il trittico dell'altare del monastero di Miraflores (conservato nella Pinacoteca di Berlino), realizzato da Van der Weyden prima del 1444 e ripetuto con alcune differenze. In questa versione, con la parte superiore aggiunta in epoca sconosciuta, sono rappresentati Maria, Cristo, S. Nello stesso spazio sono raffigurati John e il donatore (cliente del dipinto), membro della famiglia Broers. L'artista trasmette espressamente il dolore della Madre di Dio, stringendo al petto il corpo del figlio morto. Al tragico gruppo di sinistra si contrappone la figura del donatore, separata da una pietra. È in uno stato di concentrazione orante. A quel tempo, i clienti spesso chiedevano di raffigurarsi nei dipinti. Ma le loro immagini erano sempre secondarie: da qualche parte sullo sfondo, tra la folla, ecc. Qui il donatore è raffigurato in primo piano, ma è separato dal gruppo principale per pietra e colore.
Alonso Cano "Cristo morto sorretto da un angelo" ca. 1646-1652
Sullo sfondo di un paesaggio crepuscolare, un angelo sostiene il corpo senza vita di Cristo. L'iconografia insolita di questo dipinto è spiegata dal fatto che è associato non a testi evangelici, ma al cosiddetto Cristo di S. Gregorio. Secondo la leggenda, Papa Gregorio Magno ebbe una visione del Cristo morto sostenuto da due angeli. Kano ha interpretato questa trama in modo diverso: solo un angelo sostiene il corpo immobile di Cristo.
Bartolomé Esteban Murillo "Nostra Signora del Rosario" ca. 1650-1655
L'opera di Bartolome Esteban Murillo conclude l'epoca d'oro della pittura spagnola. Le opere di Murillo sono impeccabilmente precise nella composizione, ricche e armoniose nei colori e belle nel senso più alto del termine. I suoi sentimenti sono sempre sinceri e delicati, ma nei dipinti di Murillo non c’è più quella forza spirituale e quella profondità che è così scioccante nelle opere dei suoi contemporanei più anziani. La vita dell'artista è legata alla sua nativa Siviglia, anche se ha dovuto visitare Madrid e altre città. Avendo studiato con il pittore locale Juan del Castillo (1584-1640), Murillo lavorò a lungo su ordini di monasteri e templi. Nel 1660 divenne presidente dell'Accademia di Belle Arti di Siviglia.
Con i suoi dipinti di soggetto religioso, Murillo cercò di portare conforto e rassicurazione. Non è un caso che molto spesso abbia dipinto l'immagine della Madre di Dio. L'immagine di Maria passò di dipinto in dipinto sotto forma di una bella fanciulla dai lineamenti regolari del viso e dallo sguardo calmo. Il suo aspetto innocente avrebbe dovuto evocare un sentimento di dolce tenerezza nello spettatore. In questo dipinto Bartolomé Murillo ha raffigurato la Madonna e Gesù con il rosario, tradizionale rosario cattolico, la cui preghiera è stata data Grande importanza durante il tempo dell'artista. In quest’opera sono ancora evidenti le caratteristiche del naturalismo che prevalevano nelle opere dei rappresentanti della scuola di Siviglia nella prima metà del XVII secolo, ma lo stile pittorico di Murillo è già più libero rispetto ai suoi primi lavori. Questa maniera libera è particolarmente evidente nella raffigurazione del velo della Vergine Maria. L'artista utilizza una luce intensa per evidenziare le figure su uno sfondo scuro e creare un contrasto tra i toni delicati del volto della Vergine Maria e del corpo di Cristo bambino e le ombre profonde nelle pieghe dei tessuti.
Nell'Andalusia del XVII secolo l'immagine della Vergine col Bambino era particolarmente richiesta. Murillo, la cui vita creativa è stata trascorsa a Siviglia, ha dipinto molti di questi dipinti, intrisi di tenerezza. In questo caso la Madre di Dio è raffigurata con un rosario. E qui, come in nei primi anni del suo lavoro, l'artista rimane fedele alla sua passione per i contrasti di luci e ombre.
Bartolomé Esteban Murillo "Il Buon Pastore" 1655-1660
L'immagine è intrisa di profondo lirismo e gentilezza. Il titolo è tratto dal Vangelo di Giovanni: “Io sono il buon pastore”. Ciò suggerisce che il dipinto raffigura Cristo, anche se in tenera età. Tutto nel film di Murillo è bello e semplice. L'artista amava dipingere i bambini e metteva tutto questo amore nella bellezza dell'immagine di questo ragazzo-Dio. Negli anni 1660-1670, durante il periodo di massimo splendore delle sue capacità pittoriche, Murillo cercò di poeticizzare i suoi personaggi, e fu spesso accusato di un certo sentimentalismo nelle sue immagini e nella loro deliberata bellezza. Tuttavia, questi rimproveri non sono del tutto giusti. Il bambino raffigurato nel dipinto può essere visto ancora oggi sia a Siviglia che nei paesi circostanti. Ed è proprio in questo che si è manifestato l'orientamento democratico del lavoro dell'artista: equiparare la bellezza della Madonna con la bellezza delle comuni donne spagnole e la bellezza di suo figlio, il piccolo Cristo, con la bellezza dei monelli di strada.
Alonso Sanchez Coelho “Ritratto delle Infanti Isabella Clara Eugenia e Catalina Micaela” 1575
Il ritratto mostra la principessa, di otto e nove anni, con in mano una ghirlanda di fiori. Sánchez Coelho dipinse ritratti di infantas, le amate figlie del re Filippo II e della sua terza moglie Isabella Valois, fin dalla tenera età. Tutti i ritratti sono realizzati nel rispetto dei canoni del ritratto di corte: ragazze in abiti magnifici e con espressioni facciali impassibili.
Anton Rafael Mengs. Ritratto del re Carlos III. 1767
Carlo III fu definito forse l'unico monarca veramente illuminato nella storia della Spagna. Fu lui a fondare il Museo del Prado nel 1785, inizialmente come museo storia Naturale. Carlo III sognò che il Museo del Prado, insieme al suo vicino giardini Botanici diventerà un centro di formazione scientifica.
Salito al trono, iniziò ad attuare serie riforme politiche ed economiche, di cui il paese aveva tanto bisogno in quel momento. Tuttavia, i suoi sforzi furono vani: suo figlio Carlo IV non condivideva le opinioni progressiste di suo padre e, dopo la morte di Carlo III, le riforme terminarono.
Questo ritratto è assolutamente tipico del suo tempo. Con ogni dettaglio, l'artista attira l'attenzione sulla posizione occupata dal modello: un mantello bordato di ermellino, una croce maltese tempestata di gioielli, un'armatura lucente - attributi indispensabili della grandezza reale. Drappeggi rigogliosi e pilastri (un elemento dell'architettura classica) sono uno sfondo tradizionale per tali ritratti.
Ma già in questo ritratto sorprende il modo in cui viene presentato il volto della modella. Mengs non fa alcun tentativo di snellire il naso a bulbo del re o di appianare le rughe sulle sue guance rugose. Grazie alla massima individualità, questo dipinto crea un senso di vita che i predecessori di Mengs non potevano raggiungere. Il ritratto ti fa provare simpatia per Carlos III, che è pronto a “mostrare” il suo aspetto imperfetto.
Antoine Watteau "La festa nel parco" ca. 1713-1716
Questa scena affascinante è un tipico esempio delle "vacanze galanti" di Watteau. Una leggera nebbia che sfuma i contorni, una statua di Nettuno quasi nascosta nel fogliame sopra la fontana e un colore dorato sbiadito: tutto ciò trasmette un'atmosfera di piacere acuto ma fugace.
Il dipinto apparteneva a Isabella Farnese, seconda moglie del re Filippo V.
Antonio Carnicero "Sollevare la mongolfiera ad Aranjuez" c. 1784
Il dipinto fu commissionato dal duca e dalla duchessa di Haussouin e cattura lo spirito dell'Illuminismo, che suscitò interesse per le conquiste del progresso scientifico. Nella foto evento reale: nel 1784 a Giardini Reali Aranjuez, alla presenza del monarca, dei membri della sua famiglia e dei cortigiani, è stato effettuato un volo in mongolfiera. Antonio Carnicero era noto per la sua bellezza scene di genere, e questo dipinto è una delle sue opere più ambiziose.
Jose de Madrazo y Agudo "Amore celeste e amore terreno" 1813
Francisco de Zurbaran "Agnus Dei. Agnello di Dio" 1635-1640
Un agnello giace su un tavolo grigio, risaltando nettamente sullo sfondo scuro nella luce brillante e ben focalizzata. Chiunque nel XVII secolo lo avrebbe immediatamente riconosciuto come “l’agnello di Dio” e avrebbe capito che si trattava di un’allusione al sacrificio di sé di Cristo. La lana dell'agnello è meravigliosamente lavorata e sembra così morbida che è difficile distogliere lo sguardo dall'animale e viene voglia di toccarlo.
Juan Pantoja de la Cruz "Ritratto della regina Isabella di Valois" ca. 1604 – 1608
Pantoja de la Cruz dipinse questo ritratto, ripetendo l'opera di Sofonisba Angishola - l'originale bruciato nel palazzo nel 1604. L’artista ha aggiunto all’abito della regina solo un mantello di pelliccia di marmotta.
Sofonisba Angishola fu un'artista cremonese che lavorò alla corte spagnola. Questo è stato il primo ritratto della giovane regina in una serie dell'artista. Il dipinto è stato dipinto in modo vicino allo spagnolo, ma con colori più caldi e chiari.
Jean Rann "Ritratto di Carlo III da bambino" 1723
Luis Melendez "Natura morta con una scatola di dolci, pretzel e altri oggetti" 1770
Il più grande maestro della natura morta spagnola del XVIII secolo, Luis Melendez è nato in Italia, nella famiglia di un artista miniatore delle Asturie. Nel 1717 la famiglia si trasferì a Madrid, dove il giovane entrò nel dipartimento preparatorio dell'Accademia di San Fernando, e si classificò al primo posto tra gli studenti più dotati. Nel 1747 fu però costretto a lasciare l'Accademia, al seguito del padre, che ne fu espulso a causa del conflitto. Durante questo periodo Melendez visita nuovamente l'Italia. Inizialmente aiutando il padre, divenne miniaturista e, al ritorno dall'Italia, fu invitato da Ferdinando VI ad illustrare libri nella Cappella Reale di Madrid. Nel genere della natura morta, a cui l'artista si rivolse all'inizio degli anni Sessanta del Settecento, emerse un nuovo aspetto della sua opera.
Questa natura morta è stata dipinta periodo maturo creatività dell'artista. In questo momento, nelle sue composizioni compaiono oggetti di lusso e argenteria. Tuttavia, l'artista aderisce ancora ai suoi ideali e lavora in linea tradizione del genere. La tangibilità materica di ciascuno degli oggetti dipinti su tela ci fa ricordare i migliori esempi di natura morta nell'arte mondiale. Il vetro trasparente tangibile del vetro si riflette nella superficie opaca e lucida del vaso d'argento. Un morbido pretzel su un tovagliolo bianco che sembra profumare di pane appena sfornato. Il collo di una bottiglia sigillata brilla debolmente. Una forchetta d'argento sporge leggermente oltre il bordo del tavolo illuminato. Nella composizione di questa natura morta non vi è alcuna disposizione ascetica degli oggetti in una fila, caratteristica, ad esempio, delle nature morte di Zurbaran. Forse ha qualcosa in comune con i campioni olandesi. Ma il tono è più scuro, ci sono meno oggetti e la composizione è più semplice.
Juan de Arellano "Cesto di fiori" 1670
Artista barocco spagnolo specializzato in raffigurazioni composizioni floreali, nato a Santorcaz nel 1614. Inizialmente studiò nello studio di un artista ormai sconosciuto, ma all'età di 16 anni si trasferì a Madrid, dove studiò con Juan de Solis, un artista che eseguì commissioni per la regina Isabella. Juan de Arellano visse a lungo su piccole commissioni, tra cui dipinti murali, finché non decise di concentrarsi esclusivamente sulla pittura di fiori e iniziò maestro consumato in quest 'area. Si ritiene che il maestro abbia iniziato copiando le opere di altri artisti, soprattutto italiani, le nature morte fiamminghe hanno aggiunto eleganza e rigore al suo stile; Successivamente, ha aggiunto a questa combinazione le sue idee compositive e una tavolozza di colori caratteristica.
La composizione piuttosto semplice di questa natura morta è caratteristica di Arellano. I colori puri e intensi delle piante risaltano brillantemente su uno sfondo brunastro neutro grazie all'illuminazione intensa.
"Cavaliere con una mano sul petto"- pittura Artista spagnolo El Greco, scritto a Toledo intorno al 1580. Meglio conosciuto per la sua serie di ritratti mondani di caballeros sconosciuti in vesti nere e tagliatori bianchi su uno sfondo scuro. Attualmente conservato al Prado.
La posa del caballero può significare prestare giuramento, o mostrare fiducia quando si conclude un contratto, o l'origine nobile di un personaggio, o anche un segnale condizionato segreto. Una spada e un medaglione d'oro indicano ricchezza e appartenenza alta società. L'aspetto del personaggio è quello tipico di un nobile del Secolo d'Oro spagnolo. Durante il restauro del dipinto si è scoperto che inizialmente lo sfondo non era nero, ma grigio chiaro, ma col tempo il dipinto si è scurito. La ricchezza di sfumature sugli abiti scuri indica l'influenza della scuola di pittura veneziana su El Greco.
In precedenza si credeva che “Il cavaliere con la mano sul petto” fosse un ritratto di Cervantes, ma ora la maggior parte degli storici dell’arte sono propensi a credere che il ritratto raffiguri Juan de Silva y Ribera, terzo marchese di Montemayor e alcalde dell’Alcazar di Toledo. Il critico d'arte Alex Burghart e l'artista Robert Shrive ammettono la possibilità che questo sia un autoritratto dell'artista.
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Appunti
Estratto che caratterizza il Cavaliere con la mano sul petto
"Al contrario, sembra che vada tutto bene, ma cuine", disse Pierre con quell'abitudine alla giocosità che Pierre, che sopportava sempre con imbarazzo il suo ruolo di benefattore davanti alla principessa, ha acquisito per sé nei confronti di lei.- Sì, va bene... buon benessere! Oggi Varvara Ivanovna mi ha detto quanto sono diverse le nostre truppe. Puoi certamente attribuirlo all'onore. E la gente si è completamente ribellata, ha smesso di ascoltare; Anche la mia ragazza ha iniziato a essere scortese. Presto inizieranno a picchiare anche noi. Non puoi camminare per le strade. E, cosa più importante, i francesi saranno qui domani, cosa possiamo aspettarci! "Vi chiedo una cosa, cugino," disse la principessa, "ordinatemi di portarmi a Pietroburgo: qualunque cosa io sia, non posso vivere sotto il governo di Bonaparte."
- Andiamo, mia cugina, da dove prendi le tue informazioni? Contro…
- Non mi sottometterò al tuo Napoleone. Gli altri lo vogliono... Se tu non vuoi farlo...
- Sì, lo farò, lo ordinerò adesso.
Apparentemente la principessa era infastidita dal fatto che non ci fosse nessuno con cui arrabbiarsi. Si sedette su una sedia, sussurrando qualcosa.
"Ma questo ti è stato trasmesso in modo errato", ha detto Pierre. “Tutto è tranquillo in città e non c’è pericolo”. Stavo leggendo proprio adesso...” Pierre mostrò i manifesti alla principessa. – Il Conte scrive che risponde con la vita che il nemico non sarà a Mosca.
"Oh, questo tuo conte", disse con rabbia la principessa, "è un ipocrita, un cattivo che ha incitato lui stesso il popolo a ribellarsi." Non era lui che scriveva in quegli stupidi manifesti che chiunque fosse, trascinatelo per la cresta fino all'uscita (e che stupido)! Chi lo prenderà, dice, avrà onore e gloria. Quindi ero abbastanza felice. Varvara Ivanovna ha detto che la sua gente l'ha quasi uccisa perché parlava francese...
"Sì, è così... Prendi tutto molto a cuore", disse Pierre e cominciò a giocare al solitario.
Nonostante il fatto che il solitario avesse funzionato, Pierre non andò all'esercito, ma rimase nella vuota Mosca, sempre nella stessa ansia, indecisione, paura e allo stesso tempo gioia, aspettandosi qualcosa di terribile.
Il giorno successivo, la principessa partì la sera e il suo amministratore delegato andò da Pierre con la notizia che il denaro di cui aveva bisogno per equipaggiare il reggimento non poteva essere ottenuto senza la vendita di una proprietà. Il direttore generale generalmente rappresentava a Pierre che tutte queste imprese del reggimento avrebbero dovuto rovinarlo. Pierre fece fatica a nascondere il suo sorriso mentre ascoltava le parole del direttore.
"Bene, vendilo", disse. - Cosa posso fare, non posso rifiutare adesso!
L'uomo allo specchio dell'arte: genere del ritratto
Ritratto(Ritratto francese) - immagine una certa persona o gruppi di persone. Il genere del ritratto si diffuse nell'antichità nella scultura, poi nella pittura e nella grafica. Ma la somiglianza esterna non è l'unica cosa che un artista deve trasmettere. È molto più importante quando il maestro trasferisce l'essenza interiore di una persona sulla tela e trasmette l'atmosfera del tempo. Distingueredavanti E Camera ritratti. Ci sono ritrattiraddoppia E gruppo. Hanno lo scopo di decorare le sale di rappresentanza, di lodare alcune persone e di preservare la memoria di persone unite da legami professionali, spirituali e familiari. Categoria specialeammonta a auto ritratto, su cui l'artista raffigura se stesso.
Qualsiasi ritratto può essere attribuito a un ritratto psicologico o
a un personaggio-ritratto, o a una biografia-ritratto.
L'arte aiuta a conoscere una persona. Non solo per vedere il suo aspetto esteriore
volto, ma anche per capirne l'essenza, il carattere, l'umore, ecc. Il ritratto è quasi
sempre realistico. Dopotutto, il suo obiettivo principale è il riconoscimento di ciò che è raffiguratoc'è una persona sopra. Tuttavia, di solito il compito dell'artista non è quello di eseguire con precisionecopiare caratteristiche esterne modelli, non un'imitazione della natura, ma una “ricreazione pittorica” dell'immagine di una persona. Non è un caso che nasca il desiderioriconosciti nel ritratto e magari scopri anche qualcosa di nuovo in se stesso.
Lo spettatore trasmette involontariamente l’atteggiamento dell’artista nei confronti del modello. Importante
è tutto ciò che esprime emozioni, atteggiamento verso la vita, verso le persone: le espressioni facciali
volto raffigurato, espressione degli occhi, linea delle labbra, giro della testa, postura,
gesto.
Spesso interpretiamo un'opera dal punto di vista di una persona oggi
Ogni giorno attribuiamo al carattere tratti del tutto insoliti per il suo tempo, cioè ci sforziamo di comprendere l'ignoto attraverso il conosciuto.
È anche molto importante mostrare la posizione sociale della persona ritratta, per creare un'immagine tipica di un rappresentante di una certa epoca.
Come genere, la ritrattistica è apparsa diverse migliaia di anni fa nell'arte antica. Tra gli affreschi del famoso Palazzo di Cnosso, ritrovati dagli archeologi durante gli scavi sull'isola di Creta, c'è tutta la linea immagini pittoriche di donne legate a XVI secolo AVANTI CRISTO. Sebbene i ricercatori chiamassero queste immagini "dame di corte", non sappiamo chi i maestri cretesi cercassero di mostrare: dee, sacerdotesse o nobili dame vestite con abiti eleganti.
"Parigino". Affresco del Palazzo di Cnosso, XVI secolo a.C.
Il ritratto più famoso di una giovane donna, chiamata dagli scienziati “donna parigina”. Vediamo davanti a noi l'immagine di profilo (secondo le tradizioni dell'arte di quel tempo) di una giovane donna, molto civettuola e che non trascura i cosmetici, come dimostrano i suoi occhi, delineati in un contorno scuro, e le labbra dipinte a colori vivaci.
Gli artisti che hanno creato ritratti ad affresco dei loro contemporanei non hanno approfondito le caratteristiche dei modelli e la somiglianza esterna di queste immagini è molto relativa.
Idee religiose nell'antico Egitto associate al culto
morto, determinato il desiderio di trasmettere la somiglianza del ritratto nell'immagine scultorea di una persona: l'anima del defunto doveva trovare il suo contenitore.
All'inizio del 20 ° secolo. gli archeologi hanno scoperto in tutto il mondo un meraviglioso ritratto della regina Nefertiti.
Creato nel XIV secolo AVANTI CRISTO e.,questa immagine stupisce per la morbidezza delle linee del profilo, la grazia del collo flessibile, l'ariosa leggerezza e le transizioni fluide dei lineamenti irregolari ma affascinanti del volto di una donna.
Nefertiti non era solo la regina d'Egitto, era venerata come una dea. La più famosa e forse la più bella delle mogli dei faraoni egiziani viveva con il marito incoronato in un enorme e lussuoso palazzo sulla riva orientale del Nilo.
Nell'arte dell'antica Grecia, un posto speciale è occupato da immagini generalizzate e idealizzate di eroi o dei. Nella fusione dello spirituale e del fisicoartisti e scultori ne videro l'incarnazionebellezza e armonia dell'uomo. 
Nel suo famoso “Discoball”, lo scultore del V secolo. AVANTI CRISTO e Miron si sforza, prima di tutto, di trasmettere un senso di movimento con la stabilità e la monumentalità delle linee del corpo, senza focalizzare l'attenzione del pubblico sui lineamenti del viso. 
La statua di Afrodite, la dea dell'amore e della bellezza, scolpita dallo scultore Prassitele nel IV secolo, emana una tenerezza e un calore speciali. AVANTI CRISTO. per un tempio sull'isola di Creta. Non c'è grandezza divina in questa immagine, l'immagine respirastraordinaria pace e castità. 
Il ritratto di Caracalla cattura l'immagine di un uomo forte, malvagio e criminale. Le sopracciglia aggrottate, la fronte rugosa, uno sguardo sospettoso e strabico e le labbra sensuali stupiscono con la potenza delle caratteristiche. Una testa forte è posta su un collo spesso e muscoloso. I riccioli ripidi di capelli sono premuti saldamente sulla testa e ne sottolineano la forma rotonda. Non hanno carattere decorativo, come nel periodo precedente. Si trasmette una leggera asimmetria del volto: l'occhio destro è più piccolo e posto sotto il sinistro, la linea della bocca è obliqua. Lo scultore che ha realizzato questo ritratto possedeva tutto il patrimonio delle virtuosistiche tecniche di lavorazione del marmo, tutta la sua abilità era finalizzata a realizzare un’opera che trasmettesse con la massima espressività le caratteristiche fisiche e mentali della personalità di Caracalla;
Il ritratto romano è associato al culto degli antenati, al desiderio di preservarne l'aspetto per i posteri. Ciò ha contribuito allo sviluppo della ritrattistica realistica. Si distingue per le caratteristiche individuali di una persona: grandezza,
moderazione o crudeltà e dispotismo, spiritualità o arroganza.
Il periodo di massimo splendore del genere dei ritratti iniziò durante il Rinascimento, quando valore principale mondo è diventato una persona attiva e determinata, capace di cambiare questo mondo e di andare contro ogni previsione. Nel XV secolo, gli artisti iniziarono a creare ritratti indipendenti, che mostravano modelli sullo sfondo di paesaggi panoramici maestosi.
B. Pinturicchio. “Ritratto di ragazzo” Galleria d'arte, Dresda
Pinturicchio (Pinturicchio) (c. 1454-1513) pittore italiano del primo Rinascimento, noto principalmente per i suoi notevoli affreschi.
Questo è il “Ritratto di ragazzo” di B. Pinturicchio. Tuttavia, la presenza di frammenti della natura nei ritratti non crea l'integrità, l'unità della persona e del mondo che la circonda, per così dire, oscura il paesaggio naturale; Solo nei ritratti del XVI secolo emerge l'armonia, una sorta di microcosmo
L'arte del ritratto del Rinascimento sembra combinarsi
testamenti dell'antichità e del medioevo. Sembra di nuovo solenne
un inno a un uomo potente con il suo aspetto fisico, il mondo spirituale, i tratti individuali del carattere e del temperamento unici.
Maestro riconosciuto Il genere dei ritratti è stato creato dall'artista tedesco Albrecht Dürer, i cui autoritratti deliziano ancora gli spettatori e servono da esempio per gli artisti.
In "Autoritratto" Alberto Dürer(1471–1528) il desiderio è indovinato artista per trovare un idealizzato eroe. Immagini di geni universali del XVI secolo, maestri dell'Alta Era Rinascimento - Leonardo da Vinci e Rafael Santi - personifica l'uomo ideale di quel tempo.
Michelangelo da Caravaggio(1573-1610) “Suonatore di liuto” italiano San Pietroburgo, Museo statale dell'Ermitage
Tra i famosi capolavori del ritratto di quel tempo c'è "Il suonatore di liuto" Michelangelo da Caravaggio(1573-1610), in cui l'artista sviluppa un motivo tratto dalla vita quotidiana reale.
El Greco(1541-1614) Spagna. Ritratto di un uomo con la mano sul petto
Alla fine del XVI secolo nell'opera dell'artista spagnolo El Greco
(1541-1614) appare un nuovo tipo di ritratto, in cui nola solita concentrazione interna di una persona, la sua intensitàvita spirituale, assorbimento in se stessi mondo interiore. Per fare questo, l'artista utilizza contrasti luminosi netti, originalicolore, movimenti a scatti o pose congelate. Spiritualità e bellezza unica quelli pallidi e allungati che ha catturato sono diversivolti con enormi occhi scuri, apparentemente senza fondo.Nel XVII secolo, un posto importante nella pittura europea era occupato da un ritratto intimo (da camera), il cui scopo era mostrare lo stato d’animo di una persona, i suoi sentimenti e le sue emozioni. Un maestro riconosciuto di questo tipo di ritratto era Artista olandese Rembrandt, che dipinse molte immagini piene di sentimento.
"Ritratto di una vecchia signora" (1654) è intriso di sentimenti sinceri. Queste opere vengono presentate allo spettatore persone normali che non hanno né nobili antenati né ricchezze. Ma per Rembrandt, che ha aperto una nuova pagina nella storia del genere del ritratto, era importante trasmettere la gentilezza spirituale della sua modella, le sue qualità veramente umane.
Nel XVII secolo il criterio principale dell'arte diventa il mondo materiale, percepito attraverso i sensi. Nel ritratto, l’imitazione della realtà ha sostituito l’incomprensibilità e l’inspiegabilità delle manifestazioni mentali di una persona e dei suoi diversi impulsi spirituali. Il fascino del morbido velluto e della seta ariosa, della soffice pelliccia e del vetro fragile, delicato, pelle opaca e il metallo duro e scintillante viene trasmesso in questo momento con la massima abilità.
Ritratti del grande olandese Rembrandt(1606-1669) non sono senza ragione considerati l'apice della ritrattistica. Hanno giustamente ricevuto il nome di ritratti-biografie. Rembrandt è stato definito il poeta della sofferenza e della compassione. Le persone modeste, bisognose, dimenticate da tutti gli sono vicine e care. L'artista tratta gli “umiliati e insultati” con amore speciale. In termini di natura della sua creatività, è paragonato a F. Dostoevskij. Le sue biografie di ritratti riflettono un destino complesso, pieno di difficoltà e difficoltà persone normali, che, nonostante le dure prove che li hanno colpiti, non hanno perso dignità umana e calore.
Avendo appena varcato la soglia che separa il XVII secolo. dal XVIII, vedremo nei ritratti una razza di persone diversa, diversa dai loro predecessori. La cultura aristocratica di corte ha portato alla ribalta lo stile rococò con le sue immagini sofisticate, seducenti, pensosamente languide, sognanti e distratte.
Disegnare ritratti di artisti Antonio Watteau(1684-1721), François Boucher(1703-1770) e altri sono leggeri, agili, il loro colore è pieno di tinte aggraziate ed è caratterizzato da una combinazione di mezzitoni squisiti.
Diapositiva 27 A. Watteau. (1684-1721)Mezzeten
Pittura dell'epoca rococò e neoclassica.
Pittura Pittore francese Antoine Watteau "Mezzeten". Nel periodo 1712-1720 Watteau si interessò alla pittura di scene da vita teatrale. Watteau ha utilizzato schizzi delle pose, dei gesti e delle espressioni facciali degli attori che gli piacevano, che ha realizzato in teatro, che è diventato per lui un rifugio di sentimenti vivi. L'immagine romantica e malinconica dell'eroe del teatro fieristico, un attore che esegue una serenata, nel film “Mezzeten” è piena di poesia d'amore.
Monumento a Pietro I dello scultore francese Etienne Maurice Falconet
La ricerca dell'eroico, significativo, monumentale nell'arte è collegata nel XVIII secolo. con il tempo dei cambiamenti rivoluzionari. Uno degli ingegnosi ritratti scultorei dell'arte mondiale è il monumento
Pietro I dello scultore francese Etienne Maurice Falconet(1716-1791), eretto a San Pietroburgo nel 1765-1782 È inteso come l'immagine di un genio e creatore. L'energia indomabile, enfatizzata dal rapido movimento di cavallo e cavaliere, si esprime in un gesto imperioso a distanza di un braccio, in un'apertura coraggiosa un volto dotato di impavidità, volontà, lucidità di spirito.
XIX secolo ha introdotto nell'arte del ritratto la variabilità dei gusti artistici e la relatività del concetto di bellezza. Le ricerche innovative nella pittura sono ora dirette verso un riavvicinamento alla realtà, verso la ricerca della diversità delle immagini.
Eugène Delacroix(1798-1863). Ritratto di F. Chopin
Durante il periodo del romanticismo, un ritratto è percepito come un'immagine dell'io interiore di una persona dotata di libero arbitrio. Il vero pathos romantico appare nel ritratto di F. Chopin dei francesi
artista romantico Eugène Delacroix(1798-1863).
Davanti a noi c'è quello vero quadro psicologico, trasmettendo la passione, l'ardore della natura del compositore, la sua essenza interiore. L'immagine è piena di movimenti rapidi e drammatici. Questo effetto si ottiene trasformando la figura di Chopin, l'intensa colorazione dell'immagine, il chiaroscuro contrastante, i tratti veloci e intensi,
La struttura artistica del ritratto di Delacroix è in consonanza con la musica dello Studio
Mi maggiore per pianoforte di Chopin. Dietro di lei si trova immagine reale- Di-
tempi della Patria. Dopotutto, un giorno, mentre il suo studente preferito stava suonando questo studio,
Chopin alzò le mani esclamando: "Oh, mia patria!"
La melodia di Chopin, genuina e potente, era il suo principale mezzo di espressione, il suo linguaggio. Il potere della sua melodia sta nella sua forza
impatto sull'ascoltatore. È come un pensiero in evoluzione, che è simile allo svolgersi della trama di una storia o del contenuto di eventi storicamente importanti
messaggi.
Nella ritrattistica dei secoli XX-XXI. Condizionalmente, si possono distinguere due direzioni. Uno di loro continua le tradizioni classiche arte realistica, lodando la bellezza e la grandezza dell'uomo, l'altro è alla ricerca di nuove forme astratte e modi per esprimere il suo mondo interiore.
Anche i rappresentanti dei movimenti modernisti emersi nel XX secolo si sono rivolti al genere dei ritratti. Il famoso uomo ci ha lasciato molti ritratti Artista francese Pablo Picasso. Da queste opere si può risalire a come si è sviluppata l’opera del maestro dal cosiddetto. periodo blu al cubismo.
Diapositiva 32 Picasso (1881-1973) "Ritratto di Ambroise Vollard."
Le idee del cubismo analitico hanno trovato la loro incarnazione originale nell’opera di Picasso “Ritratto di Ambroise Vollard”.
Compiti creativi
Trova i ritratti discussi nel testo. Confrontali tra loro, identifica caratteristiche simili e diverse. Dai la tua interpretazione delle loro immagini.
Quali ritratti classificheresti come tradizionali? direzione classica e quali - all'arte astratta. Motiva la tua opinione.
Confronta la lingua di diverse direzioni pittura di ritratto. Determina l'espressività di linee, colore, colore, ritmo, composizione di ciascuna di esse.
Ascoltare composizioni musicali. Abbina i ritratti con quelle opere che sono in consonanza con le immagini catturate su di essi.
Compito artistico e creativo
Preparare un album, un giornale, un almanacco, una presentazione al computer (facoltativo) sull'argomento "Il genere del ritratto nella cultura di tempi diversi".
Includere informazioni su artisti, scultori, grafici, nonché poesie, passaggi in prosa, frammenti opere musicali, in consonanza con le immagini della tua galleria di ritratti.
AscoltareOpere musicali:Notturno di Chopin in si minore; Studio F. Chopin in mi maggiore;
Forse uno dei primi ritratti di El Greco realizzati in Spagna è il cosiddetto “Ritratto di un cavaliere con la mano sul petto” (1577-1579 circa). Ciò è evidenziato, innanzitutto, da uno stile pittorico più tradizionale e scuro, costruito su sfumature di toni brunastri con una pennellata densa e liscia. È tipica una neutralità psicologica dell'interpretazione, che cederà poi il posto ad una caratterizzazione molto più attiva.
Questo famoso ritratto El Greco rappresenta, per così dire, l'immagine di un nobile del suo tempo elevato nel quadro del canone. Elegante, molto calmo, con un gesto di giuramento o convinzione mano destra sul petto, lo sconosciuto caballero incarna la caratteristica dell'aristocrazia spagnola societàgo, cioè l'espressione in apparenza di equanimità, moderazione, dignità.
L'elsa della spada di Toledo è un dettaglio eloquente del suo aspetto severo, un abito nero decorato con un colletto alto e polsini di pizzo bianco come la neve. Antonina Vallantin nota giustamente che questo tipo di spagnolo penetrò sulla scena e viveva già sulle pagine dei romanzi, ma per essere raffigurato dovette aspettare l'arrivo di El Greco a Toledo.
Il ritratto, tuttavia, ha incoerenza interna, poiché l'aspetto ideale dell'immagine non corrisponde del tutto alla personalità della persona ritratta: viene raffigurata una natura poco significativa. L'impressione è ottenuta dalla struttura pittorica della tela, dove il viso e la mano con una disposizione simbolica delle dita emergono dallo sfondo scuro come punti luminosi; La preziosa bellezza del sottile pizzo luccicante e dell'elsa di una spada, come se fosse sospesa nell'aria, acquisisce una fragilità speciale. Il distacco dello sguardo del caballero, dotato del tipico sguardo stravagante di Elgrek, esalta l’espressività dell’immagine.