Diapositiva 1
Diapositiva 2
Diapositiva 3
Diapositiva 4
Diapositiva 5
Diapositiva 6
Diapositiva 7
Diapositiva 8
Diapositiva 9
Diapositiva 10
La presentazione sul tema “La formazione dell'opera” può essere scaricata in modo assolutamente gratuito sul nostro sito web. Oggetto del progetto: MHC. Diapositive e illustrazioni colorate ti aiuteranno a coinvolgere i tuoi compagni di classe o il pubblico. Per visualizzare il contenuto, utilizzare il player o, se desideri scaricare il report, fare clic sul testo corrispondente sotto il player. La presentazione contiene 10 diapositive.
Diapositive della presentazione
Diapositiva 1
La formazione dell'opera
Eseguita da Svetlana Kutyaeva
Diapositiva 2
Opera (opera italiana, letteralmente - composizione, dal latino opera - opera, prodotto, opera), un genere di arte musicale e drammatica. La base letteraria di O. (libretto) è incarnata dai mezzi drammaturgia musicale e principalmente nelle forme di musica vocale. O. - un genere sintetico che unisce in un unico azione teatrale vari tipi di arti: teatro, musica, arti visive (scenografia, costumi), coreografia (balletto). Storicamente si sono sviluppate alcune forme di musica operistica. Sebbene esistano alcuni principi generali della drammaturgia operistica, tutte le sue componenti vengono interpretate in modo diverso a seconda dei tipi di opera. Le forme vocali della musica classica sono varie. I caratteri dei personaggi si rivelano più pienamente nei brani solisti (aria, arioso, arietta, cavatina, monologo, ballata, canzone).
Diapositiva 3
). Il recitativo (intonazione musicale e riproduzione ritmica del linguaggio umano) ha varie funzioni nel parlato. Spesso si collega (trama e in musicalmente) locali finiti separati; è spesso un fattore efficace nella drammaturgia musicale. In alcuni generi di poesia, principalmente la commedia, si usa il discorso colloquiale al posto del recitativo, di solito nei dialoghi. Il dialogo scenico, la scena di una rappresentazione drammatica in O. corrisponde ensemble musicale(duetto, trio, quartetto, quintetto, ecc.), le cui specificità consentono di creare situazioni di conflitto, mostrano non solo lo sviluppo dell'azione, ma anche lo scontro di personaggi e idee. Pertanto, gli ensemble compaiono spesso nei momenti culminanti o finali dell'azione operistica. Il coro è interpretato diversamente in O.
Diapositiva 4
Nella drammaturgia musicale O. grande ruolo assegnati all'orchestra, i mezzi espressivi sinfonici servono a rivelare più pienamente le immagini. L'esecuzione comprende anche episodi orchestrali indipendenti: un'ouverture, un intervallo (introduzione ai singoli atti). Un componente in più spettacolo d'opera- balletto, scene coreografiche in cui le immagini plastiche si combinano con quelle musicali. La storia di O. è strettamente connessa con lo sviluppo della cultura e della storia società umana. Spesso O. fungeva da sorta di avamposto ideologico arte musicale, che riflette gli acuti problemi del nostro tempo - disuguaglianza sociale, la lotta per l'indipendenza nazionale, il patriottismo.
Diapositiva 6
Origini teatro musicale- nelle feste popolari e nei giochi. Già negli antichi giochi dionisiaci greci e nella tragedia greca, il ruolo della musica era grande. Aveva anche un posto significativo nelle rappresentazioni del culto popolare medievale (“sacro”). Come genere indipendente O. si formò a cavallo tra il XVI e il XVII secolo. Nel corso di diversi secoli della sua esistenza, sono emerse molte scuole d'opera, stili e tipi di produzione operistica nazionali. In molte culture nazionali europee, in conformità con le idee umanistiche del Rinascimento, furono sviluppati i principi di un nuovo tipo di performance musicale e drammatica. Queste ricerche erano state precedentemente coronate da successo nel paese classico del Rinascimento: l'Italia. Un gruppo di filosofi, poeti, musicisti e artisti (la cosiddetta “Camerata fiorentina”, 1580) predicava la rinascita della tragedia antica. L'ideale dei fiorentini nella musica era la semplicità, la naturalezza dell'espressione; Subordinavano la musica alla poesia nelle loro esibizioni. I primi O. - "Dafne" (1597-98) ed "Euridice" (1600), musica di J. Peri, testo di O. Rinuccini - furono scritti con questo spirito. La tappa successiva nella storia di O. è “Orfeo” di C. Monteverdi (1607).
Diapositiva 1
Opera operistica dello studente della classe 10A Mitrokhin Sergei Dirigente: Timoshkova Tatyana Nikolaevna 2009Diapositiva 2
Contenuti: Storia dell'opera operistica Personaggi operistici Opere operistiche
Diapositiva 3
Creatività operistica Il teatro musicale ha una lunga storia. Le sue origini risiedono nelle feste popolari e nei giochi che combinavano canto, danza, pantomima, azione e musica strumentale. Anche le rappresentazioni drammatiche dell'antichità non potevano fare a meno della musica. Il suo ruolo è grande sia nella tragedia antica che nelle rappresentazioni popolari e di culto (“sacre”) medievali. Tuttavia, come un tipo speciale di arte drammatica in cui la musica funge da base per l'azione, l'opera emerse a cavallo tra il XVI e il XVII secolo. In molte culture nazionali d'Europa, sotto l'influenza delle idee umanistiche del Rinascimento, stavano esplorando modi per creare un nuovo tipo di spettacolo musicale e teatrale. Queste ricerche furono coronate dai primi e più significativi risultati ideologici e artistici nel paese classico del Rinascimento: l'Italia. Inizialmente le rappresentazioni non avevano una denominazione precisa e venivano chiamate favola in musica ( fiaba musicale), poi dramma in musica, poi, infine, opera in musica ( composizione musicale), o, in breve, opera (opera, letteralmente - azione, lavoro; in latino opera significa lavoro, creazione). Le rappresentazioni d'opera nel primo terzo del XVII secolo erano destinate principalmente alla nobiltà di corte. Ma, a partire dal 1637, in paesi diversi In Europa stanno aprendo i teatri musicali pubblici, accessibili a fasce più ampie della popolazione urbana. A poco a poco, l'opera ha preso un posto importante nella vita della società ed è diventata parte integrante della cultura mondiale.
Diapositiva 4
Diapositiva 5
Nel XVII secolo emersero numerosi importanti compositori, i fondatori delle scuole d'opera nazionali. Si tratta di C. Monteverdi in Italia, J. B. Lully in Francia, G. Purcell in Inghilterra. Il contenuto delle opere erano argomenti mitologici o storico-leggendari. Le migliori opere riflettevano le idee umanistiche del nostro tempo e rivelavano connessioni con la musica popolare, ma i loro autori non potevano evitare completamente l'influenza dell'ideologia feudale-assolutista, dei gusti estetici e delle visioni dell'ambiente aristocratico. Queste rappresentazioni erano chiamate opera seria (letteralmente opera seria); erano caratterizzati da grande sfarzo e solenne euforia. In Francia, opere di questo tipo venivano chiamate tragedia lirica o musicale. Nel Settecento l'opera seria italiana decadde progressivamente sui palcoscenici dei teatri musicali europei; il suo contenuto si impoverì sempre più. Anche la tragedia lirica francese si è ossificata nelle sue forme convenzionali. Anche l’opera di corte spagnola, la cosiddetta zarzuela, visse una crisi. In connessione con la crescita del movimento democratico antifeudale, un gran numero di importanza pubblica un'opera comica, realistica nel suo orientamento, che utilizza storie quotidiane tratte dalla vita circostante, nelle sue origini associata alla musica popolare e al teatro. In Italia, dove veniva chiamata opera buffa, i compositori G. B. Pergolesi, G. Paisiello e D. Cimarosa divennero popolari autori di rappresentazioni comiche; in Francia - F. Philidor, P. Monsigny, A. Grétry; in Austria e Germania questo nuovo genere musicale e teatrale era chiamato singspiel (letteralmente - un gioco con il canto), in Inghilterra - ballata o opera di canzoni (chiamata anche "opera dei mendicanti")
Diapositiva 6
in Spagna - tonadilla. IN ultimo quarto Nel XVIII secolo in Russia si formò un teatro musicale democratico distintivo a livello nazionale (opere comiche dei compositori M. M. Sokolovsky, V. A. Pashkevich, M. A. Matinsky, E. I. Fomin). Le attività del XVIII secolo furono di straordinaria importanza Compositore tedesco K.V. Gluck (originario della Repubblica Ceca) e l'austriaco W.A. Mozart, che si riflettevano nel loro lavoro idee avanzate epoca dell'Illuminismo. Questi sono i due più grandi riformatori arte dell'opera. Uno di loro, che si oppose attivamente all'estetica e alla pratica del teatro d'opera aristocratico di corte, creò un'eroica tragedia musicale intrisa di pathos civico, sentimenti sublimi. L'altro, basandosi sui risultati dell'opera buffa e del singspiel, ha fornito esempi altamente realistici di commedia, dramma e fiabe filosofiche, notevoli per la loro pienezza di vita e perfezione delle caratteristiche musicali e drammatiche, e per lo sviluppo rapido e contrastante dell'azione. Alla vigilia si sono svolte le attività di Gluck e Mozart Rivoluzioni francesi fine XVIII secolo - questo è molto importante punto di svolta nella storia d'Europa. Durante il periodo turbolento della rottura dei vecchi rapporti feudali e della maturazione di nuovi rapporti borghesi, il ruolo del teatro musicale come portavoce di idee sociali progressiste aumentò notevolmente. D'ora in poi, nel suo sviluppo, è più strettamente connesso con l'evoluzione generale cultura musicale, arti dello spettacolo e letteratura. Nella storia dell'opera, la lotta tra varie tendenze ideologiche e creative cambia stili artistici, condizionato dalle leggi dello sviluppo socio-politico e dalle caratteristiche delle culture nazionali. Gli artisti progressisti, in condizioni di lotta ideologica, difendono principi progressisti e democratici cultura nazionale.
Diapositiva 7
La loro creatività innovativa cattura le contraddizioni della realtà moderna, le idee di liberazione sociale e nazionale dell’epoca e la diversità delle relazioni umane. Coprendo ampi strati di ascoltatori democratici, l'opera contribuisce alla formazione dell'autocoscienza delle persone e funge da una delle più alte manifestazioni della loro cultura nazionale. Il ruolo socio-politico del teatro musicale si intensificò durante il periodo francese. rivoluzione borghese, che ha apportato grandi cambiamenti al contenuto e alle forme dell'opera. Il tema eroico-patriottico, proposto durante gli anni dell'impennata rivoluzionaria, ricevette un grande sviluppo nell'opera del XIX secolo e, prima di tutto, nell'opera di L. Beethoven, che ebbe un'enorme influenza sulla musica delle generazioni successive dei compositori. Il 19 ° secolo fu segnato dalla comparsa di molte opere operistiche classiche, in cui venivano glorificate le persone, le nobili azioni umane, la lotta per la libertà, la felicità e la giustizia. I grandi compositori del passato hanno creato un'enorme varietà di tipi di opere musicali e teatrali, tra le quali le più comuni sono le opere eroico-patriottiche, epiche, lirico-drammatiche e comiche. Lo sviluppo di questi tipi è notato in vari paesi con le sue caratteristiche specifiche, a seconda delle specifiche condizioni sociali, culturali e storiche di sviluppo di ciascuna scuola d'opera nazionale. Tuttavia andamento generale ci fu una conferma e un'espansione delle possibilità ideologiche e artistiche del realismo. Allo stesso tempo, in alcune scuole d'opera della prima metà dell'Ottocento, accanto al realismo, tendenze romantiche. Nella dichiarazione contenuto nazionale e forme dell'arte operistica tedesca, un ruolo importante è stato svolto da K. M. Weber, nelle cui opere elementi popolari e quotidiani del Singspiel
Diapositiva 8
combinato con segni di un dramma romantico. Il successore di Weber fu R. Wagner; la sua opera segna una tappa importante nella storia del teatro musicale della seconda metà del XIX secolo. Wagner ha arricchito l'arte operistica mondiale con creazioni eccezionali, sebbene alcune di esse non siano prive di caratteristiche contraddittorie. Lottando per l'alto contenuto dell'arte contro l'intrattenimento esterno e le convenzioni teatrali obsolete, sforzandosi di incarnare grandi idee ideologiche, Wagner non evitò una certa vaghezza, indeterminatezza e talvolta un'eccessiva complessità di espressione, che era più evidente in l'ultimo periodo la sua creatività. Caratteristiche tipiche dell'italiano opera comica trovò brillante espressione nell'opera di G. Rossini, i cui risultati sono significativi anche nel campo dell'opera eroico-patriottica. Il più grande classico Opera italiana divenne G. Verdi, uno dei maestri più notevoli del mondo arte realistica. Nel corso di molti decenni di attività creativa, ha creato vari tipi opere d'opera. All'inizio Verdi era più interessato ai temi eroici e patriottici, incarnati in senso romantico. Dalla metà del secolo scrisse principalmente opere lirico-drammatiche - drammi psicologici, caratterizzati da un profondo realismo e talvolta raggiungendo il livello di vere e proprie tragedie. Verso la fine della sua vita, a ultimo decennio XIX e l'inizio del XX secolo si mostrarono attivamente compositori di talento P. Mascagni, R. Leoncavallo e soprattutto G. Puccini. La base della loro ricerca ideologica e artistica fu il movimento letterario degli anni Ottanta dell'Ottocento, chiamato verismo (vero - significa sincero, veritiero). I veristi cercavano di creare opere drammaticamente intense su temi presi in prestito dalla vita della gente comune, principalmente dalle classi sociali inferiori svantaggiate.
Diapositiva 9
In questo sforzo progressista, tuttavia, a volte peccarono di naturalismo. Caratteristiche nazionali Il teatro musicale francese dei primi decenni del XIX secolo è maggiormente associato al genere dell'opera comica, che fu fruttuosamente sviluppata da D. F. Aubert. Nel secondo terzo del secolo nacque e ricevette ampio utilizzo un tipo di cosiddetta "grande opera" ("grande opera") - una performance monumentale, ricca di momenti scenici efficaci, una performance romanticamente colorata su temi storici. Questo tipo operistico è stato incarnato in modo più vivido nell'opera di J. Meyerbeer. Nella seconda metà del XIX secolo, la "grande opera" fu contrapposta all'"opera lirica". I suoi autori - primo fra tutti C. Gounod, seguito da L. Delibes e J. Massenet - rappresentarono la vita quotidiana di una persona comune, la quotidianità che lo circonda, i sentimenti intimi, sinceri. La formazione dell'opera lirica significava il rafforzamento e il rafforzamento delle caratteristiche realistiche dell'opera francese. L'apice del realismo nella scuola nazionale francese è l'opera di J. Bizet, vitale purosangue e ricco, brillantemente fantasioso, permeato di ottimismo. Movimenti di liberazione Il XIX secolo portò alla luce una serie di nuove scuole d'opera nazionali profondamente indipendenti. Nella lotta del popolo ceco per l'indipendenza nazionale valore eccezionale ebbe opere di B. Smetana, con le quali si esibì nella seconda metà del sec. Fondatore del ceco classici musicali, Smetana sviluppò tipi speciali di opera eroico-patriottica e comica, corrispondenti alle tradizioni popolari-nazionali. Significativo è anche il contributo di A. Dvorak al teatro musicale della Repubblica Ceca, soprattutto nel campo dell'opera fiabesca, e di L. Janacek. A metà del XIX secolo furono determinati percorsi di sviluppo specifici a livello nazionale per la scuola d'opera polacca, diretta da S. Moniuszko, e quella ungherese, diretta da F. Erkel.
Diapositiva 10
Diapositiva 11
Le migliori opere mondo classici dell'opera caratterizzato da nazionalismo e realismo, l'unità di contenuto profondo e perfetto forma artistica, identità nazionale della musica, connessione con l'arte popolare, con il pensiero sociale avanzato. Queste qualità sono fortemente inerenti all'opera classica russa, il cui fondatore fu M. I. Glinka. La base della canzone popolare dell'opera classica russa le conferisce caratteristiche di originalità unica; i suoi mezzi e le sue forme artistiche sono diversi espressività musicale; la tipica certezza e importanza delle singole immagini si combinano con immagini ampiamente rappresentate della vita popolare, con lo sfondo storico e sociale dell'azione. Nei primi decenni del XIX secolo, la creatività operistica russa era rappresentata dai nomi dei compositori S. I. Davydov, K. A. Kavos, poi A. N. Verstovsky. Le opere di Glinka - brillanti epiche della vita della gente - segnarono l'inizio di un nuovo periodo nella storia del teatro musicale russo e furono il più grande risultato dell'arte operistica realistica mondiale. I compositori classici russi, seguendo Glinka, hanno creato opere operistiche altamente patriottiche che riflettevano i destini storici della loro patria, il rapporto tra il popolo e lo stato, la lotta contro l'oppressione sociale e la protesta contro la violenza contro l'individuo. A. S. Dargomyzhsky è stato l'autore del primo dramma musicale sociale e quotidiano russo "Rusalka", che proponeva il tema della disuguaglianza di classe. L'ascesa del movimento democratico rivoluzionario negli anni '60 dell'Ottocento determinò la direzione delle attività dei compositori " Un gruppo potente» - associazione creativa, guidato da M. A. Balakirev, che comprendeva A. P. Borodin, M. P. Mussorgsky, N. A. Rimsky-Korsakov, Ts A. Cui.
Diapositiva 12
Diapositiva 13
Nel corso dei decenni successivi, i capolavori dei classici dell'opera russi e mondiali compaiono uno dopo l'altro. Nella loro gente drammi musicali“Boris Godunov” e “Khovanshchina” M. P. Mussorgsky hanno fornito immagini insuperabili per forza e profondità del passato della Russia durante i periodi critici del suo sviluppo storico. La monumentale opera epica “Il principe Igor” di A. P. Borodin glorifica l'alto patriottismo del popolo russo, delinea chiaramente caratteri nazionali. Le opere di N. A. Rimsky-Korsakov sono diverse nei tipi, ricche di contenuti e versatili nei mezzi di incarnazione artistica. Il dramma musicale storico-sociale “La donna di Pskov” è adiacente all’opera lirico-comica “ Maggio notte"; la meravigliosa "fiaba primaverile" "La fanciulla di neve" - con l'opera epica "Sadko"; opera storica e quotidiana" La sposa dello zar" - con la leggenda dell'opera "Il racconto della città invisibile di Kitezh e della fanciulla Fevronia" e l'opera-satira "Il galletto d'oro". Uno dei più grandi fenomeni nella storia del teatro musicale mondiale è l'opera operistica di P. I. Čajkovskij, caratterizzata dalla sua eccezionale profondità caratteristiche psicologiche, una vera espressione del mondo spirituale delle persone e dei drammatici conflitti. La natura lirico-drammatica dell'opera operistica di Čajkovskij, che a volte acquisisce sfumature tragiche, ha ricevuto la sua espressione più chiara in opere come "Eugene Onegin", "L'Incantatrice", " regina di spade" Creatività ad ampio raggio compositore geniale copre anche temi storici ("Mazepa", "Maid of Orleans") e popolari ("Cherevichki")
Diapositiva 14
Diapositiva 15
Insieme a questi luminari dell'opera russa, contributi significativi al suo sviluppo furono dati da A. G. Rubinshtein (“Il demone”), A. N. Serov (“Potere nemico”), E. F. Napravnik (“Dubrovsky”), S. V. Rachmaninov (“Aleko”), S. I. Taneyev (“Oresteia”). Nella seconda metà del XIX e all'inizio del XX secolo si formarono anche scuole d'opera realistiche di altre nazionalità che abitavano in Russia. Sono rappresentati: in Ucraina S. Gulak-Artemovsky e soprattutto N.V. Lysenko; in Georgia - M. A. Balanchivadze, D. I. Arakishvili, Z. P. Paliashvili; in Armenia - A. Tigranyan, A. A. Spendiarov; in Azerbaigian - U. Hajibeyov. Sviluppo di questi scuole nazionali procedette sulla base dell'attuazione delle tradizioni musica folk ed esperienza mondiale, principalmente classici russi. L'erede dei migliori successi dei classici dell'opera nazionali e stranieri fu l'opera sovietica in tutta la sua diversità ideologica e artistica. Sviluppando le grandi tradizioni classiche, studiando da vicino la realtà, i compositori d'opera sovietici si sforzano di riflettere in modo veritiero e artisticamente perfetto la vita nel suo costante movimento in avanti, per rivelare bellezza e ricchezza mondo spirituale Popolo sovietico, a un'incarnazione fedele e versatile di argomenti attuali del nostro tempo e del passato storico. Risultati significativi lungo questo percorso arrivarono le opere di I. I. Dzerzhinsky, D. B. Kabalevsky, S. S. Prokofiev, T. N. Khrennikov, Yu A. Shaporin, V. Ya Shebalin e altri. La cultura musicale e teatrale sovietica, socialista nel contenuto, si distingue per una varietà di forme nazionali. Tra compositori d'opera K. F. Dankevich, Yu. S. Meitus, G. I. Mayboroda, E. K. Tikotsky, N. G. Zhiganov, E. A. Kapp, G. G. Ernesaks, M. O. Zarin si sono distinti dalle repubbliche fraterne , E. G. Brusilovsky e molti altri.
Diapositiva 16
Il fiorire dell'arte musicale e teatrale delle nazioni socialiste è uno dei risultati più significativi Cultura sovietica ottenuto come risultato dell'attuazione della politica nazionale di Lenin. Questi risultati sono particolarmente degni di nota considerando che in un certo numero di alleati e repubbliche autonome(Uzbekistan, Kazakistan, Kirghizistan, Bielorussia, Tatarstan, Bashkiria, ecc.) opere nazionali creato per la prima volta solo negli anni Il potere sovietico. Le opere dei classici dell'opera portano un elevato piacere estetico alle più ampie masse di ascoltatori. Il mezzo principale della loro influenza artistica è la melodia vocale. L'espressività e la bellezza del canto, le immagini melodiche luminose e l'accessibilità sono qualità integrali dell'opera realistica. Tuttavia, per una divulgazione completa del conflitto drammatico, delle posizioni sceniche e dei sentimenti dei personaggi, è necessario un uso magistrale di tutte le possibilità espressive della musica. Nell'opera, che N. G. Chernyshevsky chiamava “ nella sua forma più completa la musica come arte”, combina principi vocali (solistici, d'insieme e corali) e strumentali (sinfonici). La loro stretta relazione è una condizione indispensabile per un'opera operistica a tutti gli effetti. In conformità con il concetto ideologico, la natura della trama e il testo del libretto, il compositore utilizza in modo creativo forme di musica operistica storicamente consolidate: vocale (aria, arioso, recitativo, ensemble, scena corale) e sinfonica (ouverture, intervallo, danze). Queste forme si distinguono per una libertà significativa e ogni grande compositore riceve una rifrazione individualmente unica. Tuttavia è possibile evidenziare alcuni schemi drammatici generali. I personaggi degli eroi dell'opera si rivelano più pienamente nei lunghi numeri di canto solista (aria, arioso, canzone, monologo).
Diapositiva 17
Il recitativo è spesso inteso per una trama e una connessione musicale tra forme vocali rotonde e solide (aria, ensemble, coro). Ma nella sua forma melodicamente sviluppata gioca anche un ruolo importante caratterizzazione figurativa e funge da fattore efficace nello sviluppo musicale (in alcuni generi di opera, principalmente comica, invece di recitativo musicale viene utilizzato il dialogo colloquiale). Negli ensemble - duetti, terzetti, quartetti e grandi scene finali (spesso con un coro) - i mezzi musicali sono generalizzati situazioni drammatiche, si combinano immagini simili o contrastanti, le contraddizioni di interessi, personaggi e passioni vengono chiaramente rivelate. Pertanto, gli ensemble appaiono spesso nei momenti culminanti o finali dello sviluppo drammatico. Le possibilità artistiche della musica consentono al compositore di creare immagini su larga scala della vita popolare in scene corali di massa, per rivelare in modo completo le connessioni dell'eroe con l'ambiente sociale, sviluppo musicale l'opera ha un grande ruolo per l'orchestra, che spesso concentra il principale contenuto drammatico della scena; i mezzi di espressione sinfonici completano e approfondiscono in modo significativo la rappresentazione musicale delle situazioni sceniche, l'ambientazione dell'azione e le esperienze dei personaggi. Questi sono dentro schema generale mezzi artistici dell'opera, utilizzando i quali il compositore può mostrare in molti modi e in rilievo fenomeni significativi della vita, relazioni tra persone, vari gruppi sociali, incarnare personaggi tipici, mostrare pace della mente persona. Legare organicamente in un'unica azione teatrale la musica (vocale e strumentale) che ne fa parte posto di primo piano in un gioco, una parola, un movimento scenico, belle arti e spesso coreografia, l'opera assume le più ampie opportunità manifestazione della vita,
Diapositiva 18
Anastasia Ilyukhina e Tatyana Egorova, classe 9a, scuola AOU n. 9, Dolgoprudny
Cos'è l'opera? Predecessori dell'opera. Storia del genere. Varietà d'opera. Elementi dell'opera.
Scaricamento:
Anteprima:
Per utilizzare le anteprime delle presentazioni, crea un account Google e accedi ad esso: https://accounts.google.com
Didascalie delle diapositive:
Opera Origini Storia Elementi base dell'opera moderna
Cos'è l'opera? Predecessori dell'opera moderna Storia del genere Varietà dell'opera Elementi dell'opera Contenuti
L'opera L'opera è un'arte straordinaria. È allo stesso tempo molto antico, e molto rilevante, e massiccio - e intimo, e semplice - ed estremamente complesso. E tutto perché può essere proprio, caro a chiunque, poiché utilizza ciò che quasi tutti hanno: una VOCE. "L'opera, e solo l'opera, ti avvicina alle persone, rende la tua musica legata al pubblico reale, ti rende una risorsa non solo per i singoli circoli, ma, a condizioni favorevoli, per l'intero popolo." Queste parole appartengono a Pyotr Ilyich Tchaikovsky, il grande compositore russo.
All'aria aperta, ai piedi della montagna, i cui pendii, lavorati a forma di gradini, fungevano da luoghi per gli spettatori, in Grecia antica hanno avuto luogo eventi celebrativi spettacoli teatrali. Attori mascherati, cantando, rappresentavano tragedie che glorificavano la forza dello spirito umano. Il canto corale occupava un posto significativo: era il coro a esprimere l'idea principale dell'opera. Anche le origini dell'opera cinese si trovano nelle profondità dei secoli: possono essere fatte risalire alla metà del I millennio a.C. e. Durante l'era Song (X-XIII secolo) divennero popolari vari tipi di opere musicali e poetiche. forme di grandi dimensioni– emergono gli stili Nanxi (lilla) e Yuanben, caratterizzati da una combinazione di dialoghi prosaici con arie poetiche, dall’uso di immagini di maschere e da alcuni schemi di melodia alternata. Predecessori dell'opera moderna
Opera nel nostro comprensione moderna Questa parola ebbe origine a cavallo tra il XVI e il XVII secolo in Italia. I creatori di questo nuovo genere furono poeti e musicisti che adoravano arte antica e ha cercato di far rivivere l'antica tragedia greca. Ma sebbene nei loro esperimenti musicali e teatrali abbiano utilizzato trame di mitologia greca antica, non hanno fatto rivivere la tragedia, ma hanno creato una forma d'arte completamente nuova: l'opera. Le origini dell'opera moderna L'antico edificio dell'opera
La parola "orega" tradotta dall'italiano significa letteralmente lavoro, composizione. In ciò genere musicale poesia e arte drammatica, vocale e musica strumentale, espressioni facciali, danza, pittura, scenografie e costumi. Cos'è l'opera?
Primo Teatro dell'opera fu inaugurato nel 1637 a Venezia; in precedenza l'opera serviva solo per l'intrattenimento di corte. Primo grande opera può essere considerata Euridice di Jacopo Peri, rappresentata nel 1597. I pionieri dell'opera furono: in Germania - Heinrich Schütz, in Francia - Camber, in Inghilterra - Purcell; In Spagna, le prime opere apparvero all'inizio del XVIII secolo. In Russia, Araya fu il primo a scrivere un'opera (“Cefalo e Procri”) basata su un testo russo indipendente (1755). La prima opera russa scritta in maniere russe è "Tanyusha, o Happy Meeting", musica di F. G. Volkov (1756). Storia del genere Jacopo Peri
Storicamente si sono sviluppate alcune forme di musica operistica. Sebbene esistano alcuni modelli generali di drammaturgia operistica, tutte le sue componenti, a seconda dei tipi di opera, sono interpretate in modo diverso: grande opera(opera seria - italiana, tragédie lyrique, poi grand-opéra - francese), semi-comica (semiseria), opera comica (opera-buffa - italiana, opéra-comique - francese, Spieloper - tedesca), opera romantica, per un romantico complotto. Tipi di opera ballata opera semi-opera, mezza opera, mezza opera (semi - metà latina) - una forma di opera barocca inglese che combina dramma orale (genere) dramma, messa in scena vocale, danza e opere sinfoniche. Uno degli aderenti alla semi-opera è il compositore inglese Henry Purcell, opera-balletto
Nell'opera buffa, tedesca e francese, è consentito il dialogo tra numeri musicali. Ci sono anche opere serie in cui è inserito il dialogo, ad esempio. "Fidelio" di Beethoven, "Medea" di Cherubini, " Sparatutto magico» Weber. L'operetta dovrebbe essere considerata la figlia dell'opera comica, che divenne particolarmente diffusa nella seconda metà dell'Ottocento. Opere per spettacoli per bambini (ad esempio, le opere di Benjamin Britten - "Il piccolo spazzacamino", "L'arca di Noè", le opere di Lev Konov - "Re Matt il primo", "Asgard", " Brutta anatra", "Kokinwakashu"). Varietà d'opera
Un'opera operistica è divisa in atti, immagini, scene e numeri. Prima degli atti c'è un prologo, alla fine dell'opera c'è un epilogo. L'ensemble operistico comprende: solista, coro, orchestra, banda militare, organo. Una delle parti principali dell'opera è l'aria. Il significato di questa parola è “canzone”, “canto”. Altre parti di un'opera operistica sono recitativi, arioso, canzoni, duetti, trii, quartetti, ensemble, ecc. Le voci operistiche hanno le loro designazioni. Femminile: soprano, mezzosoprano, contralto; maschile: controtenore, tenore, baritono, basso. Elementi dell'opera
I caratteri dei personaggi si rivelano più pienamente nei numeri solisti (aria, arioso, arietta, cavatina, monologo, ballata, canzone). Il recitativo ha varie funzioni nell'opera: riproduzione musicale, intonazione e ritmica del linguaggio umano. Spesso collega (dal punto di vista della trama e musicalmente) i singoli numeri completati; è spesso un fattore efficace nella drammaturgia musicale. In alcuni generi d'opera viene utilizzata la lingua parlata invece del recitativo. Elementi dell'opera
Il dialogo scenico, la scena di una rappresentazione drammatica in un'opera, corrisponde a un insieme musicale (duetto, trio, quartetto, quintetto, ecc.), La cui specificità consente di creare situazioni di conflitto, di mostrare non solo lo sviluppo di l'azione, ma anche lo scontro di personaggi e idee. Pertanto, gli ensemble compaiono spesso nei momenti culminanti o finali dell'azione operistica. Elementi dell'opera
Il coro nell'opera viene interpretato in diversi modi. Può essere uno sfondo, non correlato a quello principale trama; a volte una sorta di commentatore di ciò che sta accadendo; le sue capacità artistiche consentono di mostrare immagini monumentali della vita popolare, di rivelare il rapporto tra l'eroe e le masse (ad esempio, il ruolo del coro nei drammi musicali popolari di M. P. Mussorgsky “Boris Godunov” e “Khovanshchina”) . Elementi dell'opera Opera "Boris Godunov"
Nella drammaturgia musicale dell'opera, un ruolo importante è assegnato all'orchestra, i mezzi espressivi sinfonici servono a rivelare più pienamente le immagini. L'opera comprende anche episodi orchestrali indipendenti: ouverture, intervallo (introduzione ai singoli atti). Un'altra componente dello spettacolo d'opera è il balletto, scene coreografiche in cui le immagini plastiche si combinano con quelle musicali. Elementi dell'opera
La presentazione è stata preparata dagli studenti della classe 9a Ilyukhina Anastasia e Egorova Tatyana AOU scuola n. 9 a Dolgoprudny Insegnante Teplykh T.N. Grazie per l'attenzione!