Classicismo musicale e le principali fasi del suo sviluppo
Classicismo (dal latino classicus - esemplare) - stile in arte XVII- XVIII secoli Il nome "classicismo" deriva da un appello all'antichità classica come il più alto standard di perfezione estetica. I rappresentanti del classicismo hanno tratto il loro ideale estetico da esempi arte antica. Il classicismo si basava sulla fede nella razionalità dell'esistenza, nella presenza di ordine e armonia nella natura e nel mondo interiore dell'uomo. L'estetica del classicismo contiene una somma di regole rigide obbligatorie che devono essere rispettate pezzo d'arte. I più importanti sono il requisito di un equilibrio tra bellezza e verità, chiarezza logica, armonia e completezza della composizione, proporzioni rigorose e una chiara distinzione tra i generi.
Ci sono 2 fasi nello sviluppo del classicismo:
Classicismo del XVII secolo, che si sviluppò in parte nella lotta contro l'arte barocca, in parte nell'interazione con essa.
Classicismo illuminista del XVIII secolo.
Il classicismo del XVII secolo è per molti versi l'antitesi del barocco. Riceve la sua espressione più completa in Francia. Era il periodo di massimo splendore della monarchia assoluta, che garantiva il massimo patrocinio all'arte di corte e pretendeva da essa sfarzo e splendore. La cima Classicismo francese nella zona arti teatrali divennero le tragedie di Corneille e Racine, così come le commedie di Molière, sul cui lavoro Lully faceva affidamento. Le sue "tragedie liriche" portano il segno dell'influenza del classicismo (logica rigorosa della costruzione, eroismo, carattere sostenuto), sebbene abbiano anche caratteristiche barocche: lo sfarzo delle sue opere, l'abbondanza di danze, processioni e cori.
Il classicismo del XVIII secolo coincise con l'Illuminismo. L'Illuminismo è un ampio movimento nella filosofia, nella letteratura, nell'arte, che copre tutto paesi europei. Il nome “Illuminismo” è spiegato dal fatto che i filosofi di quest’epoca (Voltaire, Diderot, Rousseau) cercarono di illuminare i loro concittadini e tentarono di risolvere problemi di struttura società umana, la natura umana, i suoi diritti. Gli illuministi partivano dall'idea di onnipotenza mente umana. La fede nell'uomo, nella sua mente, determina l'atteggiamento luminoso e ottimista inerente alle opinioni delle figure dell'Illuminismo.
L'opera è al centro di dibattiti musicali ed estetici. Gli enciclopedisti francesi lo consideravano un genere in cui si doveva ripristinare la sintesi delle arti che esisteva nel teatro antico. Questa idea costituì la base della riforma dell’opera di K.V. Gluck.
Il grande risultato del classicismo educativo è la creazione del genere della sinfonia (ciclo sonata-sinfonico) e della forma della sonata, che è associata al lavoro dei compositori della scuola di Mannheim. La scuola di Mannheim si sviluppò a Mannheim (Germania) a metà del XVIII secolo sulla base della cappella di corte, nella quale lavoravano soprattutto musicisti cechi ( maggior rappresentante- Il ceco Jan Stamitz). Nel lavoro dei compositori della scuola di Mannheim furono stabilite la struttura in 4 movimenti della sinfonia e la composizione classica dell'orchestra.
La Scuola di Mannheim divenne il predecessore della Scuola di Vienna scuola classica - Direzione musicale, che denota l'opera di Haydn, Mozart, Beethoven. Nella creatività Classici viennesi Si formò finalmente il ciclo sonata-sinfonico, che divenne classico, così come i generi dell'ensemble da camera e del concerto.
Tra i generi strumentali, erano particolarmente popolari vari tipi di musica di intrattenimento quotidiano: serenate, divertissement, suonati all'aria aperta in orario serale. Divertimento (intrattenimento francese) - opere strumentali multimovimento per un ensemble da camera o un'orchestra, che combinano le caratteristiche di una sonata e di una suite e vicine a una serenata e un notturno.
K. V. Gluck - il grande riformatore del teatro dell'opera
Christoph Willibald Gluck (1714 - 1787) - Tedesco di nascita (nato a Erasbach (Baviera, Germania)), è però uno dei rappresentanti di spicco Scuola classica viennese.
L'attività riformatrice di Gluck ebbe luogo a Vienna e Parigi e fu portata avanti in linea con l'estetica del classicismo. In totale, Gluck ha scritto circa 40 opere: italiane e francesi, buffa e seria, tradizionali e innovative. Fu grazie a quest'ultimo che si assicurò un posto di rilievo nella storia della musica.
I principi della riforma di Gluck sono esposti nella sua prefazione alla partitura dell'opera Alceste. Si riducono a quanto segue:
La musica dovrebbe esprimere testo poetico l'opera, non può esistere da sola, fuori azione drammatica. Pertanto, Gluck aumenta significativamente il ruolo della base letteraria e drammatica dell'opera, subordinando la musica al dramma.
L'opera dovrebbe avere un impatto morale su una persona, da qui l'appello ai soggetti antichi con il loro alto pathos e nobiltà ("Orfeo ed Euridice", "Parigi ed Elena", "Ifigenia in Aulis"). G. Berlioz chiamò Gluck “Eschilo della musica”.
L’opera deve rispettare “i tre grandi principi della bellezza in tutte le forme d’arte”: “semplicità, verità e naturalezza”. È necessario liberare l'opera dall'eccessivo virtuosismo e dagli ornamenti vocali (inerenti all'opera italiana) e dalle trame intricate.
Non dovrebbe esserci un netto contrasto tra l'aria e il recitativo. Gluck sostituisce il recitativo secco con uno accompagnato, per cui si avvicina all'aria (nell'opera seria tradizionale, i recitativi servivano solo come collegamento tra i numeri del concerto).
Gluck interpreta anche le arie in un modo nuovo: introduce caratteristiche di libertà improvvisativa, collega lo sviluppo del materiale musicale con i cambiamenti stato psicologico eroe. Arie, recitativi e cori sono combinati in grandi scene drammatiche.
L'ouverture dovrebbe anticipare il contenuto dell'opera e introdurre gli ascoltatori nella sua atmosfera.
Il balletto non dovrebbe essere un numero di inserto che non sia collegato all'azione dell'opera. La sua introduzione dovrebbe essere condizionata dallo svolgimento dell'azione drammatica.
La maggior parte di questi principi furono incarnati nell'opera "Orfeo ed Euridice" (prima nel 1762). Quest'opera segna l'inizio di una nuova tappa non solo nell'opera di Gluck, ma anche nella storia dell'intera opera europea. Orfeo fu seguito da un'altra delle sue opere innovative, Alceste (1767).
A Parigi, Gluck scrisse altre opere di riforma: Ifigenia in Aulis (1774), Armida (1777), Ifigenia in Tauris (1779). La produzione di ciascuno di essi si trasformò in un evento grandioso nella vita di Parigi, provocando accese polemiche tra i "gluckisti" e i "piccinisti" - sostenitori dell'opera tradizionale italiana, personificata dal compositore napoletano Nicolò Piccini (1728 - 1800 ). La vittoria di Gluck in questa controversia fu segnata dal trionfo della sua opera Ifigenia in Tauride.
Pertanto, Gluck ha trasformato l'opera in un'arte di alti ideali educativi, l'ha permeata di un profondo contenuto morale e ha rivelato genuini sentimenti umani sul palco. Riforma dell'opera Gluck ebbe un'influenza fruttuosa sia sui suoi contemporanei che sulle successive generazioni di compositori (soprattutto sui classici viennesi).
La musica barocca è un periodo nello sviluppo della musica accademica europea, approssimativamente tra il 1600 e il 1750. La musica barocca apparve alla fine del Rinascimento e precedette la musica del classicismo. I compositori dell'era barocca hanno lavorato in vari generi musicali. L'opera, apparsa durante il tardo Rinascimento, divenne uno dei principali barocchi forme musicali. Si possono ricordare le opere di maestri del genere come Alessandro Scarlatti (1660-1725), Händel, Claudio Monteverdi e altri. Il genere oratorio raggiunse il suo apice nelle opere di J. S. Bach e Händel; le opere e gli oratori usavano spesso forme musicali simili. Ad esempio, la diffusa aria da capo. Forme di musica sacra come la messa e il mottetto divennero meno popolari, ma la forma della cantata ricevette attenzione da molti compositori protestanti, tra cui Johann Bach. Si svilupparono forme virtuosistiche di composizione come toccate e fughe.
Sonate e suite strumentali furono scritte sia per singoli strumenti che per orchestre da camera. Il genere del concerto è apparso in entrambe le sue forme: per uno strumento con un'orchestra e come concerto grosso, in cui un piccolo gruppo di strumenti solisti contrasta con un ensemble completo. Le opere sotto forma di ouverture francese, con il loro contrasto tra parti veloci e lente, aggiunsero sfarzo e splendore a molte corti reali.
Le opere per tastiere venivano spesso scritte dai compositori per proprio divertimento o come materiale didattico. Tali opere sono le opere mature di J. S. Bach, i capolavori intellettuali generalmente riconosciuti dell'era barocca: "Il clavicembalo ben temperato", "Variazioni Goldberg" e "L'arte della fuga".
17. Musica dell'Illuminismo (realismo, romanticismo, impressionismo).
Durante l’Illuminismo si registra un aumento senza precedenti arte musicale. Dopo la riforma portata avanti da K.V. Gluck (1714–1787), l'opera divenne un'arte sintetica, combinando musica, canto e complessa azione drammatica in un'unica rappresentazione. F. J. Haydn (1732–1809) elevò la musica strumentale al più alto livello dell'arte classica. L'apice della cultura musicale dell'Illuminismo è l'opera di J. S. Bach (1685–1750) e W. A. Mozart (1756–1791). L’ideale illuminista emerge in modo particolarmente chiaro nell’opera di Mozart “Il Flauto Magico” (1791), che si distingue per il culto della ragione, della luce e dell’idea dell’uomo come corona dell’Universo. Arte dell'opera XVIII secolo Riforma dell'opera della seconda metà del XVIII secolo. fu per molti versi un movimento letterario. Il suo progenitore fu lo scrittore e filosofo francese J. J. Rousseau.
18. Diversità di genere del Rinascimento (barocco, classicismo).
Ci sono due fasi storiche nello sviluppo del classicismo. Il classicismo del XVII secolo, nato dall'arte del Rinascimento, si sviluppò contemporaneamente al barocco, in parte in lotta, in parte in interazione con esso, e durante questo periodo raggiunse il suo massimo sviluppo in Francia. Tardo classicismo associato all'Illuminismo, approssimativamente dalla metà del XVIII secolo a inizio XIX secolo, è associato principalmente alla scuola classica viennese.
Il complesso rapporto tra classicismo e barocco diede origine a un dibattito all'inizio del XX secolo: molti musicologi, soprattutto in Germania, considerano il barocco come uno stile unitario della musica europea tra Rinascimento e Illuminismo - fino a circa la metà del XVIII secolo. secolo, prima di J. S. Bach e G. F. Handel compresi. In Francia, culla del classicismo, alcuni musicologi, al contrario, erano inclini a un'interpretazione eccessivamente ampia di questo concetto, considerando lo stile barocco come una delle manifestazioni peculiari del classicismo.
La periodizzazione delle epoche è complicata dal fatto che in varie culture nazionali gli stili musicali si sono diffusi tempo diverso; Ciò che è indiscutibile è che a metà del XVIII secolo il classicismo trionfò quasi ovunque. In questa direzione appartengono in particolare le opere di riforma di K. V. Gluck, le prime scuole viennesi e di Mannheim. I più alti risultati del classicismo nella musica sono associati alle attività della scuola classica viennese - con il lavoro di J. Haydn, W. A. Mozart e L. van Beethoven.
Il classicismo come movimento artistico si sviluppò in Francia nella prima metà del XVII secolo: l'interesse per la cultura antica, sorto nel Rinascimento, diede origine a vari tipi l’arte di imitare modelli antichi, nella Francia assolutista si trasformò in un’estetica normativa, basata sulla “Poetica” di Aristotele e integrandola con una serie di requisiti rigorosi e speciali.
L'estetica del classicismo si basava sulla fede nella razionalità e nell'armonia dell'ordine mondiale, che si manifestava nell'attenzione all'equilibrio delle parti dell'opera, all'attenta rifinitura dei dettagli e allo sviluppo dei canoni fondamentali della forma musicale. Fu durante questo periodo che si formò finalmente la forma della sonata, basata sullo sviluppo e l'opposizione di due temi contrastanti, e fu determinata la composizione classica delle parti della sonata e della sinfonia.
L'arte musicale può essere equiparata al teatro e all'arte letteraria. Opere e altre opere musicali sono state scritte sui temi delle opere di grandi scrittori e drammaturghi.
Lo sviluppo dell'arte musicale è principalmente associato ai nomi di grandi compositori come J. S. Bach, G. F. Handel, J. Haydn, W. A. Mozart, L. V. Beethoven Acquista una siringa da 200 ml acquista siringhe mediche 200 sigma-med.ru.
Un maestro insuperabile Polifonia è stato un compositore, organista e clavicembalista tedesco Johann Sebastian Bach(1685–1750).
Le sue opere erano intrise di profondità significato filosofico, alta etica. È stato in grado di riassumere i risultati nell'arte musicale raggiunti dai suoi predecessori. Le sue opere più famose sono “Il Clavicembalo ben temperato” (1722–1744), “La Passione secondo San Giovanni” (1724), “La Passione secondo San Matteo” (1727 e 1729), numerosi concerti e cantate e la Messa minore (1747–1749) ecc.
A differenza di J. S. Bach, che non scrisse una sola opera, il compositore e organista tedesco Giorgio Frideric Händel (1685–1759)
appartengono a più di quaranta opere. E funziona anche temi biblici(oratori "Israele in Egitto" (1739), "Saul" (1739), "Messiah" (1742), "Sansone" (1743), "Giuda Maccabeo" (1747) ecc.), concerti d'organo, sonate, suite , eccetera.
Il grande maestro dei generi strumentali classici come sinfonie, quartetti e forme di sonata Compositore austriaco
Giuseppe Haydn (1732–1809).
Fu grazie a lui che si formò la composizione classica dell'orchestra. Possiede diversi oratori (“Le Stagioni” (1801), “La Creazione del Mondo” (1798)), 104 sinfonie, 83 quartetti, 52 sonate per pianoforte, 14mess.d.
Un altro compositore austriaco, Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1791),
fu un bambino prodigio, grazie al quale divenne famoso fin dalla prima infanzia. Ha scritto oltre 20 opere, tra cui le famose “Le nozze di Figaro” (1786), “Don Giovanni” (1787), “Il Flauto Magico” (1791), più di 50 sinfonie, numerosi concerti, opere per pianoforte(sonate, fantasie, variazioni), “Requiem” incompiuto (1791), canti, messe, ecc.
È stato un destino difficile, che ha lasciato il segno in tutta la creatività Compositore tedesco Ludwig van Beethoven (1770–1827).
Il suo genio si è manifestato già durante l'infanzia e non lo ha lasciato nemmeno nei guai terribili per qualsiasi compositore e musicista: la perdita dell'udito. Le sue opere hanno un carattere filosofico. Molte opere furono influenzate dalle sue opinioni repubblicane come compositore. Beethoven possiede nove sinfonie, sonate strumentali (Moonlight, Pathétique), sedici quartetti d'archi, ensemble, l'opera Fidelio, ouverture (Egmont, Coriolanus), concerti per pianoforte e orchestra e altre opere.
La sua famosa espressione: “La musica dovrebbe accendere il fuoco nei cuori delle persone”. Ha seguito questa idea per il resto della sua vita.
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Questo articolo può servire materiale aggiuntivo per lezioni di musica nelle classi 7-8. Offre materiale per l'approfondimento musicale culture XVII-XVIII secoli. Nella musica di quell’epoca si formò una lingua che tutta l’Europa avrebbe poi “parlato”.
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"La musica dell'Illuminismo"
Il movimento illuminista ha avuto un impatto significativo su vita musicale. Nella musica dei secoli XVII-XVIII. sta emergendo il linguaggio musicale che poi tutta l’Europa “parlerà”. I primi furono Johann Sebastian Bach (1685 1750) e George Frideric Handel (1685 1759). Bach – grande compositore e organista, ha lavorato in tutti i generi musicali tranne l'opera. Ha portato alla perfezione l'arte polifonica, sorta in Europa durante il Medioevo. IN creatività dell'organo La profondità dei pensieri e dei sentimenti di Bach viene completamente rivelata e si ascolta una confessione dell'anima. Tra le sei generazioni di Bach, quasi tutte sono organisti, trombettisti, flautisti, violinisti, maestri d'orchestra e cantori. Percorso di vita compositore geniale- Questo lotta costante per il diritto alla creatività. Handel, come Bach, usava storie bibliche per i tuoi lavori
Nel corso del XVIII secolo si verificarono in diversi paesi (Italia, Germania, Austria, Francia, ecc.) processi di formazione di nuovi generi e forme di musica strumentale, che infine presero forma e raggiunsero il loro culmine nella cosiddetta “Scuola classica viennese”.La scuola classica viennese, che assorbì organicamente le conquiste avanzate delle culture musicali nazionali, fu essa stessa un fenomeno profondamente nazionale, radicato nella cultura democratica del popolo austriaco. Rappresentanti di questo movimento artistico furono J. Haydn, V.A. Mozart, L. van Beethoven. Ognuno di loro era un individuo brillante. Pertanto, lo stile di Haydn si distingueva per una visione del mondo brillante e per il ruolo principale del genere e degli elementi quotidiani. L'inizio lirico-drammatico era più caratteristico dello stile di Mozart. Lo stile di Beethoven è l'incarnazione del pathos eroico della lotta. Tuttavia, insieme alle differenze che hanno determinato l'individualità unica di ciascuno di questi compositori, sono uniti dal realismo, dai principi di affermazione della vita e dalla democrazia. Il pensiero, orientato al razionalismo e alla generalizzazione astratta durante l'Illuminismo, portò all'emergere di nuovi generi: SINFONIA, SONATA, CONCERTO. Questi generi assumevano la forma di un ciclo sonata-sinfonico, il cui nucleo era la sonata allegro. SONATA ALLEGRO è una struttura proporzionale e simmetrica, composta da tre sezioni principali: esposizione, sviluppo e ripresa.
La scuola classica viennese era caratterizzata da stile artistico classicismo, che ebbe origine in Francia nel XVII secolo.Basandosi su idee sulla regolarità e razionalità dell'ordine mondiale, i maestri di questo stile si sono battuti per forme chiare e rigorose, modelli armoniosi, l'incarnazione di alti ideali morali. Gli esempi più alti e insuperabili creatività artistica consideravano opere d'arte antica, quindi sviluppavano soggetti e immagini antichi. Il classicismo si oppose in gran parte al barocco con la sua passione, variabilità e incoerenza, affermando i suoi principi in varie forme d'arte, compresa la musica.Le attività dei compositori della scuola classica viennese furono preparate dall'esperienza artistica dei loro predecessori e contemporanei, compresa la cultura operistica e strumentale italiana e francese e le conquiste della musica tedesca. La vita musicale di Vienna, il più grande centro musicale, ha svolto un ruolo enorme nella formazione della scuola classica viennese. folclore musicale multinazionale austriaca. L'arte dei classici viennesi è strettamente connessa con l'ascesa generale della cultura austro-tedesca, con l'Illuminismo, che rifletteva gli ideali umanistici del Terzo Stato alla vigilia della Grande rivoluzione francese. Idee creative I classici viennesi sono in stretto contatto con le opinioni di G.E. Lessinga, I.G. Herdera, IV. Goethe, F. Schiller, I. Kant, G. Hegel, con alcune disposizioni degli enciclopedisti francesi.
L'arte dei rappresentanti della scuola classica viennese è caratterizzata dall'universalità del pensiero artistico, della logica e della chiarezza. forma artistica. Le loro opere combinano organicamente sentimenti e intelletto, tragico e comico, calcolo preciso e naturalezza, facilità di espressione.La musica dei compositori della scuola classica viennese lo è nuova fase in sviluppo pensiero musicale. Il loro linguaggio musicale è caratterizzato da un rigoroso ordine combinato con diversità e ricchezza interne. Ciascuno dei maestri della scuola classica viennese aveva una personalità unica. La sfera della musica strumentale si è rivelata più vicina a Haydn e Beethoven. Mozart si è mostrato ugualmente nell'opera e nel generi strumentali. Haydn gravitava maggiormente verso immagini oggettive di genere popolare, umorismo, battute, Beethoven - verso l'eroismo, Mozart, essendo un artista universale - verso varie sfumature di esperienza lirica. Il lavoro dei compositori della scuola classica viennese, che appartiene ai vertici del mondo cultura artistica, ha avuto un enorme impatto su ulteriori sviluppi musica.
Maggior parte forma complessa musica strumentale – SINFONIA (greca “consonanza”). È progettato per essere eseguito da un'orchestra sinfonica. Le possibilità di questo genere sono grandi: ti permette di esprimerti mezzi musicali filosofico e idee morali, parlare di sentimenti ed esperienze. Il genere si è formato a metà del XVIII secolo nel lavoro di rappresentanti della scuola classica viennese. I compositori hanno sviluppato un ciclo sonata-sinfonico di quattro movimenti, che differiscono per natura della musica, tempo e metodi di sviluppo del tema. La prima parte, integrata forma sonata e di solito eseguito a un ritmo veloce, pieno di contenuti drammatici. A volte è preceduto da una lenta introduzione. Il secondo movimento è lento e contemplativo; questo è il centro lirico della composizione. Il terzo è in contrasto rispetto al secondo: mobile, musica dal vivo indossa la danza o carattere giocoso. Fino all'inizio del XIX secolo. i compositori usavano la forma del minuetto (menuet francese, da menu - "piccolo, piccolo"), un salone comune danza XVIII secoli. Successivamente, il minuetto fu sostituito da uno scherzo (dall'italiano scherzo - "scherzo") - questo era il nome di piccole opere vocali o strumentali, veloci nel tempo e divertenti nel contenuto. Il quarto movimento, solitamente veloce, è il finale della sinfonia; qui si riassume lo sviluppo dei temi e delle immagini dell'opera.Una delle forme musicali più complesse e ricche di contenuti, la sonata, cominciò a prendere forma nella prima metà del XVIII secolo. e trovò la sua forma definitiva nella seconda metà del secolo nelle opere dei compositori della scuola classica viennese. La FORMA SONATA è il principio di presentazione del materiale musicale. Non prevede un'alternanza meccanica di parti e sezioni, ma un'interazione di temi e immagini artistiche. Gli argomenti - principali e secondari - sono opposti tra loro o si completano a vicenda. Lo sviluppo dei temi passa attraverso tre fasi: esposizione, sviluppo e ricapitolazione. I temi sorgono nell'esposizione (dal latino expositio - "presentazione, esposizione"). Quello principale suona nella tonalità principale, che determina il nome della tonalità dell'intera composizione. Un argomento secondario viene solitamente presentato con un tono diverso: tra gli argomenti sorge un contrasto. L'ulteriore sviluppo dei temi è in lavorazione. Possono entrare in forte contraddizione reciproca. A volte uno sopprime l'altro o, al contrario, va nell'ombra, lasciando al “rivale” completa libertà d'azione. Entrambi i temi possono apparire sotto una luce diversa, ad esempio verranno eseguiti da un diverso set di strumenti o cambieranno radicalmente carattere. Nella ripresa (ripresa francese, da reprendre - “riprendere, ripetere”) i temi a prima vista ritornano al loro stato iniziale. Tuttavia, il tema secondario suona già nella tonalità principale, arrivando così all'unità con quello principale. Reprise è il risultato di un percorso complesso in cui i temi vengono arricchiti dall'esperienza di esposizione e di sviluppo. I risultati dello sviluppo sono talvolta fissati in una sezione aggiuntiva - codice (dall'italiano coda - "coda"), ma non è necessario. La forma sonata è solitamente utilizzata nella prima parte della sonata e della sinfonia, nonché (con lievi modifiche) nella seconda parte e nel finale.
Uno dei generi principali della musica strumentale è la SONATA (sonata italiana, da sonare - "suonare"). Questo è un lavoro in più parti (di solito tre o quattro parti). Nell'opera dei maestri della scuola classica viennese, la sonata, come la sinfonia, raggiunse il suo apice. A differenza di una sinfonia, una sonata è intesa per uno strumento (di solito un pianoforte) o due (uno dei quali è un pianoforte). La prima parte delle opere di questo genere è scritta in forma di sonata. I principali temi musicali dell'opera sono qui indicati. La seconda parte, solitamente calma e lenta, è in netto contrasto con la prima. Il terzo è il finale, eseguito a ritmo serrato. Riassume i risultati e infine determina la natura generale del lavoro.
Joseph Haydn è considerato il fondatore della scuola classica viennese. Il lavoro di Haydn è associato al fiorire di generi come la sinfonia (ne aveva centoquattro, senza contare quelli perduti), il quartetto d'archi (ottantatré) e la sonata per tastiera (cinquantadue). Molta attenzione Il compositore si è dedicato a concerti per vari strumenti, ensemble da camera e musica sacra.
Franz Joseph Haydn è nato nel villaggio di Rohrau (Austria) da una famiglia costruttore di carrozze. Dall'età di otto anni ha iniziato a cantare nella Cappella di Santo Stefano a Vienna. Il futuro compositore dovette guadagnarsi da vivere copiando note, suonando l'organo, il clavicembalo e il violino. A diciassette anni Haydn perse la voce e fu espulso dalla cappella. Solo quattro anni dopo trovò un lavoro fisso: trovò lavoro come accompagnatore per il famoso italiano compositore d'opera Nicoletto Porpore (1686-1768). Apprezzò il talento musicale di Haydn e iniziò a insegnargli la composizione. Nel 1761 Haydn entrò al servizio dei ricchi principi ungheresi Esterhazy e trascorse quasi trent'anni alla loro corte come compositore e direttore della cappella. Nel 1790 la cappella fu sciolta, ma Haydn mantenne il suo stipendio e la posizione di direttore d'orchestra. Ciò diede al maestro l'opportunità di stabilirsi a Vienna, viaggiare e tenere concerti. Negli anni '90 Haydn visse e lavorò fruttuosamente a Londra per lungo tempo. Ha guadagnato fama europea, il suo lavoro è stato apprezzato dai suoi contemporanei: il compositore è diventato proprietario di numerose lauree e titoli onorari. Joseph Haydn è spesso chiamato il "padre" della sinfonia. Fu nel suo lavoro che la sinfonia divenne il genere principale della musica strumentale. Nelle sinfonie di Haydn è interessante lo sviluppo dei temi principali. Dirigendo una melodia in diverse chiavi e registri, dandole l'uno o l'altro stato d'animo, il compositore scopre così le sue possibilità nascoste, rivela contraddizioni interne: la melodia poi si trasforma, poi ritorna al suo stato originale. Haydn aveva un sottile senso dell'umorismo e questo tratto della personalità si rifletteva nella sua musica. In molte sinfonie, il ritmo del terzo movimento (minuetto) è deliberatamente pesante, come se l'autore stesse cercando di rappresentare i goffi tentativi di un cittadino comune di ripetere i movimenti eleganti di una danza galante. La sinfonia n. 94 (1791) è spiritosa. A metà della seconda parte, quando la musica suona calma e silenziosa, si sentono improvvisamente i colpi dei timpani, in modo che gli ascoltatori "non si annoino". Non è un caso che l’opera si intitolava “With the Fighting Timpani, or Surprise”. Haydn usava spesso la tecnica dell'onomatopea (gli uccelli cantano, un orso vaga per la foresta, ecc.). Nelle sue sinfonie, il compositore si rivolgeva spesso a temi popolari.
I rappresentanti della scuola classica viennese, e soprattutto Haydn, sono responsabili della formazione di una composizione stabile Orchestra Sinfonica. In precedenza, i compositori si accontentavano solo di quegli strumenti che questo momento erano disponibili. L'aspetto di un'orchestra stabile è un chiaro segno di classicismo. Suono strumenti musicali fu così introdotto in un sistema rigoroso soggetto alle regole della strumentazione. Queste regole si basano sulla conoscenza delle capacità degli strumenti e presuppongono che il suono di ciascuno non sia fine a se stesso, ma un mezzo per esprimere una certa idea. La composizione stabile ha conferito all'orchestra un suono solido e omogeneo.
Oltre alla musica strumentale, Haydn prestò attenzione all'opera e alle opere spirituali (creò una serie di messe sotto l'influenza di Händel) e si dedicò al genere dell'oratorio ("La creazione del mondo", 1798; "Le stagioni", 1801).
Fin dalla sua nascita, l'opera non ha visto interruzioni nello sviluppo. Riforma dell'opera della seconda metà del XVIII secolo. fu per molti versi un movimento letterario. Il suo progenitore fu lo scrittore e filosofo francese J.J. Rousseau. Rousseau si occupava anche di musica, e se in filosofia invocava un ritorno alla natura, allora sì genere operistico auspicava un ritorno alla semplicità.L’idea di riforma era nell’aria. L'ascesa di vari tipi di opera comica ne fu un sintomo; altri hanno ricevuto Lettere sulla danza e sui balletti Coreografo francese J. Novera (1727–1810), in cui si sviluppò l'idea del balletto come dramma, e non solo come spettacolo. La persona che ha dato vita alla riforma è stata K.V. Gluck (1714–1787). Come molti rivoluzionari, Gluck iniziò come tradizionalista. Per diversi anni mise in scena una dopo l'altra le tragedie alla vecchia maniera e, sotto la pressione delle circostanze, si dedicò all'opera comica. L'Opera di Vienna era divisa in tre direzioni principali. Posto leader preso una cosa seria Opera italiana(Italiano: opera seria), dove gli eroi e gli dei classici vissero e morirono in un'atmosfera di grande tragedia. Meno formale era l'opera comica (opera buffa), basata sulla trama di Arlecchino e Colombina Commedia italiana(commedia dell"arte), circondati da sfacciati lacchè, dai loro decrepiti padroni e da ogni sorta di furfanti e truffatori. Insieme a queste forme italiane si sviluppò l'opera comica tedesca (singspiel), il cui successo risiede, forse, nell'uso della lingua madre accessibili al grande pubblico. lingua tedesca. Anche prima dell'inizio della carriera operistica di Mozart, Gluck sosteneva un ritorno alla semplicità dell'opera del XVII secolo, le cui trame non erano attutite da lunghe arie solistiche, che ritardavano lo sviluppo dell'azione e servivano solo come occasioni per i cantanti di dimostrare la potenza delle loro voci.
Con la forza del suo talento, Mozart ha unito queste tre direzioni. Mentre era ancora un adolescente, scrisse un'opera di ogni tipo. Come compositore maturo, continuò a lavorare in tutte e tre le direzioni, sebbene la tradizione dell'opera seria stesse svanendo.L'opera di Mozart occupa posto speciale alla scuola classica viennese. Nelle sue opere, il rigore classicista e la chiarezza della forma si univano a una profonda emotività. La musica del compositore è vicina a quelle tendenze della cultura della seconda metà del XVIII secolo rivolte ai sentimenti umani ("Storm and Drang", in parte sentimentalismo). Fu Mozart a mostrare per primo l'incoerenza mondo interiore personalità.
Wolfgang Amadeus Mozart è nato a Salisburgo (Austria). Possedere fenomenale orecchio musicale e memoria, imparò a suonare il clavicembalo già nella prima infanzia, e all'età di cinque anni scrisse le sue prime composizioni. Il primo insegnante del futuro compositore fu suo padre Leopold Mozart, musicista nella cappella dell'arcivescovo di Salisburgo. Mozart padroneggiava magistralmente non solo il clavicembalo, ma anche l'organo e il violino; era famoso come un brillante improvvisatore. Dall'età di sei anni ha girato i paesi europei. A undici anni creò la sua prima opera, Apollo e Giacinto, e a quattordici dirigeva già la prima della sua opera Mitridate, re del Ponto al teatro di Milano. In questo periodo fu eletto membro dell'Accademia Filarmonica di Bologna. Come molti musicisti dell'epoca, Mozart prestò servizio a corte (1769-1781): era accompagnatore e organista dell'arcivescovo di Salisburgo. Tuttavia, il carattere indipendente del maestro suscitò il forte dispiacere dell’arcivescovo, e Mozart scelse di lasciare il servizio. Tra gli eccezionali compositori del passato, fu il primo a scegliere la vita artista libero. Nel 1781 Mozart si trasferì a Vienna e mise su famiglia. Ha guadagnato edizioni rare proprie composizioni, lezioni di pianoforte ed esibizioni (queste ultime servirono da impulso per la creazione di concerti per pianoforte). Mozart prestò particolare attenzione all'opera. Le sue opere rappresentano un'intera era nello sviluppo di questo tipo di arte musicale. L'opera ha attratto il compositore con l'opportunità di mostrare le relazioni tra le persone, i loro sentimenti e aspirazioni. Mozart non si è sforzato di creare una nuova forma operistica: la sua musica stessa era innovativa. IN opere mature il compositore abbandonò la rigida distinzione tra opera seria e opera comica: apparve un'esibizione musicale e drammatica in cui questi elementi si intrecciano. Di conseguenza, nelle opere di Mozart non ci sono inequivocabilmente positivi e eroi negativi, i personaggi sono vivaci e sfaccettati, non collegati. Mozart si rivolgeva spesso a fonti letterarie. Così, l'opera "Le nozze di Figaro" (1786) fu scritta sulla base dell'opera del drammaturgo francese P.O. "Crazy Day o Le nozze di Figaro" di Beaumarchais, bandito dalla censura. argomento principale le opere sono amore, il che, tuttavia, si può dire di tutte le creazioni di Mozart. Tuttavia, nell'opera c'è anche un sottotesto sociale: Figaro e la sua amata Suzanne sono intelligenti ed energici, ma sono di umili origini e semplici servitori nella casa del conte Almaviva. La loro opposizione al maestro (un aristocratico stupido e ingannato) evoca la simpatia dell'autore: è abbastanza ovvio che è dalla parte degli innamorati. Nell'opera "Don Juan" (1787), la trama medievale sul conquistatore dei cuori delle donne ricevette un'incarnazione musicale. Energico, capriccioso, ostinato e libero da tutti Standard morali all'eroe si oppone nella persona del Comandante un potere superiore, personificante l'ordine razionale. La generalizzazione filosofica è adiacente qui Relazioni amorose e genere ed elementi quotidiani. Il tragico e il comico formano un’unità inestricabile. L'autore stesso ha sottolineato questa caratteristica dell'opera, dando alla sua opera il sottotitolo "Un dramma allegro". Sembrerebbe che nel finale la giustizia trionfi: il vizio (Don Juan) viene punito. Ma la musica dell'opera è più sottile e complessa di questa comprensione semplificata dell'opera: evoca nell'ascoltatore la simpatia per l'eroe, rimasto fedele a se stesso anche di fronte alla morte. La parabola filosofica “Il flauto magico” (1791) è stata scritta nel genere Singspiel. L'idea principale dell'opera è l'inevitabilità della vittoria del bene sul male, un richiamo alla fortezza, all'amore, alla comprensione del suo significato più alto. Gli eroi dell'opera sono sottoposti a dure prove (silenzio, fuoco, acqua), ma le superano con dignità e raggiungono il regno della bellezza e dell'armonia.
Mozart considerava la musica la cosa principale, sebbene fosse molto esigente riguardo al testo del libretto. Nelle sue opere il ruolo dell'orchestra è aumentato notevolmente. È nella parte orchestrale che si trova spesso atteggiamento dell'autore A persone che agiscono: o lampeggerà un motivo beffardo, oppure apparirà una bella melodia poetica. A un ascoltatore attento, questi dettagli dicono più del testo. Principale caratteristiche del ritratto rimangono le arie e le relazioni tra i personaggi sono raccontate in ensemble vocali. Il compositore è riuscito a trasmettere i tratti caratteriali di ciascun personaggio negli ensemble.Mozart divenne anche uno dei creatori del genere CONCERTO classico. La base del concerto è la competizione tra il solista e l'orchestra, e questo processo è sempre soggetto a una logica rigorosa. Il compositore possiede ventisette concerti per pianoforte e orchestra, sette per violino e orchestra. In alcune opere l'ascoltatore è colpito dall'abilità virtuosistica e dalla festosità, in altre dalla drammaticità e dai contrasti emotivi. Gli interessi del maestro non si limitavano all'opera e musica strumentale. Realizzò anche opere spirituali: messe, cantate, oratori, requiem. La musica del requiem (1791), destinata a solisti, coro e orchestra, è profondamente tragica (Mozart lavorò alla composizione quando era già malato, infatti, poco prima di morire). Le parti della composizione, che ricordano arie e ensemble d'opera, rendono la musica molto emotiva, e le parti polifoniche (prima di tutto, “Signore, abbi pietà!”) personificano il principio spirituale, la massima giustizia. L'immagine principale del requiem è una persona sofferente di fronte alla dura giustizia divina. Il maestro non ha mai avuto il tempo di finire il requiem; è stato finalizzato sulla base degli schizzi del compositore dal suo allievo F.K. Zyusmayr.
Storicamente, la scuola viennese comprende l'opera di Ludwig van Beethoven (1770-1827), i cui ideali estetici si svilupparono durante l'epoca francese. rivoluzione borghese. A questo proposito, il suo lavoro includeva tema eroico. "La musica dovrebbe sprigionare il fuoco dal seno umano" - queste sono le parole del compositore tedesco Ludwig van Beethoven, le cui opere appartengono a risultati più alti cultura musicale.Musicalmente, il suo lavoro, da un lato, ha continuato le tradizioni Classicismo viennese, d'altra parte, ha catturato le caratteristiche della nuova arte romantica. Dal classicismo nelle opere di Beethoven: sublimità dei contenuti, eccellente padronanza delle forme musicali, appello ai generi della sinfonia e della sonata. Dal romanticismo: un audace esperimento nel campo di questi generi, interesse per le miniature vocali e per pianoforte. Ludwig van Beethoven è nato a Bonn (Germania) nella famiglia di un musicista di corte. Inizia lo studio della musica fin dalla prima infanzia sotto la guida del padre. Tuttavia, il vero mentore di Beethoven fu il compositore, direttore d'orchestra e organista K.G. Nefe. Insegnò al giovane musicista le basi della composizione e gli insegnò a suonare il clavicembalo e l'organo. Dall'età di undici anni Beethoven prestò servizio come assistente organista in chiesa, poi come organista di corte, primo violino in Teatro dell'opera Bonna. All'età di diciotto anni entrò all'Università di Bonn presso la Facoltà di Filosofia, ma non si laureò e successivamente fece molta autodidatta. Nel 1792 Beethoven si trasferì a Vienna. Ha preso lezioni di musica da J. Haydn, I.G. Albrechtsberger, A. Salieri (i più grandi musicisti di quell'epoca). Albrechtsberger introdusse Beethoven alle opere di Händel e Bach. Da qui la brillante conoscenza del compositore delle forme musicali, dell’armonia e della polifonia. Beethoven iniziò presto a dare concerti; diventare popolare. Fu riconosciuto per strada e invitato a ricevimenti cerimoniali nelle case di persone di alto rango. Ha composto molto: ha scritto sonate, concerti per pianoforte e orchestra, sinfonie.
Per molto tempo nessuno si rese conto che Beethoven era stato colpito da una grave malattia: iniziò a perdere l'udito. Convinto dell'incurabilità della malattia, il compositore decise di morire nel 1802. preparò un testamento, dove spiegò le ragioni della sua decisione. Tuttavia, Beethoven riuscì a superare la disperazione e trovò la forza per continuare a scrivere musica. La via d'uscita dalla crisi fu la Terza Sinfonia (“Eroica”). Nel 1803-1808 il compositore lavorò anche alla creazione di sonate; in particolare, la Nona per violino e pianoforte (1803; dedicata al violinista parigino Rudolf Kreutzer, e per questo chiamata “Kreutzer”), la Ventitreesima (“Appassionata”) per pianoforte, la Quinta e la Sesta Sinfonie (entrambe del 1808 ). La sesta sinfonia (“Pastorale”) è sottotitolata “Memorie della vita rurale”. Quest'opera raffigura vari stati dell'anima umana, temporaneamente rimossi dalle esperienze e dalle lotte interiori. La sinfonia trasmette i sentimenti che nascono dal contatto con il mondo naturale e la vita rurale. La sua struttura è insolita: cinque parti invece di quattro. La sinfonia contiene elementi di figuratività e onomatopea (gli uccelli cantano, il tuono ruggisce, ecc.). Le scoperte di Beethoven furono successivamente utilizzate da molti compositori romantici. La cima creatività sinfonica La Nona Sinfonia di Beethoven. Fu concepito nel 1812, ma il compositore vi lavorò dal 1822 al 1823. La sinfonia è di grandi dimensioni; Particolarmente insolito è il finale, che rappresenta qualcosa come una grande cantata per coro, solisti e orchestra, scritta sul testo dell'ode “Alla gioia” di J.F. Schiller. La prima della sinfonia ebbe luogo nel 1825. al Teatro dell'Opera di Vienna. Per attuare il piano dell'autore non bastava l'orchestra del teatro: ventiquattro violini, dieci viole, dodici violoncelli e contrabbassi. Per un'orchestra classica viennese, una composizione del genere era insolitamente potente. Inoltre, ogni parte corale (basso, tenore, contralto e soprano) comprendeva ventiquattro cantanti, il che superava anche le norme consuete. Durante la vita di Beethoven, la Nona Sinfonia rimase incomprensibile a molti; era ammirato solo da coloro che conoscevano da vicino il compositore, dai suoi studenti e dagli ascoltatori illuminati dalla musica. Nel corso del tempo, la sinfonia cominciò ad essere inclusa nel loro repertorio le migliori orchestre pace e trovò una nuova vita.
Quindi, l'apice dello sviluppo classicismo musicale divenne opera di Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart e Ludwig van Beethoven. Lavorarono principalmente a Vienna e formarono una direzione nella cultura musicale della seconda metà del XVIII secolo - l'inizio del XIX secolo- Scuola classica viennese. Si noti che il classicismo nella musica è per molti versi diverso dal classicismo nella letteratura, nel teatro o nella pittura. Nella musica è impossibile fare affidamento sulle antiche tradizioni, poiché sono quasi sconosciute. Inoltre, il contenuto composizioni musicali spesso associato al mondo dei sentimenti umani, che non sono suscettibili allo stretto controllo della mente. Tuttavia, i compositori della scuola classica viennese hanno creato un sistema di regole molto armonioso e logico per costruire un'opera. Grazie a un tale sistema, i sentimenti più complessi venivano rivestiti in una forma chiara e perfetta. La sofferenza e la gioia sono diventate per il compositore oggetto di riflessione, piuttosto che di esperienza. E se in altri tipi di arte valgono le leggi del classicismo dell'inizio del XIX secolo. sembrava obsoleto a molti, quindi nella musica il sistema di generi, forme e regole di armonia sviluppato dalla scuola viennese conserva il suo significato fino ad oggi.