Studio. La pittura a schizzo occupava un posto significativo nel lavoro di Malyutin.
Gli schizzi possono essere divisi in due tipi. Alcuni sono durevoli: sono stati creati dalla natura, con un'attenta elaborazione delle forme in due o quattro ore ed erano destinati principalmente opere di genere. Questi includono, ad esempio, quanto segue: "Pastore con pastore" (1893, Galleria Tretyakov), "Capanna" per il dipinto "Fiera di campagna" (1907, Galleria Tretyakov), "Ragazzo" per il dipinto "Nonno e nipote" (1932, Consiglio centrale panrusso dei sindacati), “Angurie” per il dipinto “Artel Lunch” (1934, Galleria Tretyakov).
Questi studi sono stati effettuati su primerizzato a grana fine, denso tela di lino. Malyutin applica energicamente vernici pastose cancellate con tratti corporei e strutturati che scolpiscono espressamente le forme.
Il secondo tipo di schizzi comprende schizzi di 15-20 minuti, che sono stati eseguiti dall'artista sul posto durante i suoi frequenti viaggi nella regione di Mosca, nella Russia settentrionale, in Crimea e in altri luoghi della nostra Patria.
Monastero in Istria
In questi schizzi di dimensioni standard (9x15 centimetri), Malyutin perseguiva un duplice obiettivo. Per lui si trattava, in primo luogo, dell'allenamento costante delle mani e degli occhi sul posto e, in secondo luogo, negli schizzi “slap” l'artista cercava le relazioni cromatiche di cui aveva bisogno.
La dimensione di 9x15 centimetri corrispondeva esattamente al piccolo quaderno da disegno (regalo di K. Korovin). di solito accompagna Malyutin durante le sue gite sul campo. Quando progettava di scrivere schizzi, Malyutin portò con sé solo un piccolo album da disegno. Non gli piaceva lavorare sul posto con altri disegnatori. Dopo aver spremuto i colori di cui aveva bisogno sulla tavolozza, prese in tasca calce e pennelli e andò a dipingere.
Il materiale principale per questi schizzi erano lastre di compensato durevole, a tre strati, ben stagionato, con uno spessore compreso tra 1,5 e 2,5 millimetri. In rari casi, una tela innescata a grana fine veniva incollata sul compensato (studio “Capanna”, 1925, collezione di O. S. Malyutina).
Le tecniche per applicare i colori in piccoli schizzi dipinti rapidamente erano eccezionalmente diverse. Si trattava di una stesura molto sottile, semilucida (vernici piuttosto diluite in modo sottile) nello schizzo “Alabino. Stream" con l'inserimento in alcuni punti del pittoresco e colorato strato di struttura in compensato; poi uno schizzo dipinto più impasto “Skorotovo” (1936) con uno strato semi-smalto di colori di fondo e tratti massicci, simili a corpi, in rilievo, fortemente pronunciati (nuvole); poi muratura energica con pennellate corte e larghe di colori di medio spessore, che scolpiscono chiaramente le forme in “Peasant Yard” (1911); poi i tratti longitudinali e strutturati ampiamente distribuiti su tutta la lunghezza dello schizzo (cielo e acqua) in combinazione con piccoli tratti molto impastati e in rilievo del primo piano (riva e pietre) nello schizzo “Crimea. Mare" (1925).
Alcuni studi si distinguono per una massiccia stesura di pasta densa colorata simile allo smalto, disposta nettamente a piccoli tratti (studio “Albero. Crimea” (1925).
Malyutin ha utilizzato abilmente la superficie strutturata del compensato nel suo schizzo. Dipinto nello schizzo “Crimea. Beach" (1925) è realizzato in modo tale che la trama del compensato, leggermente strofinata con vernice grigia (che ha lasciato tracce su di esso sotto forma di numerose linee), trasmetta perfettamente la riva sabbiosa della spiaggia. Solo sullo sfondo, alcuni tratti di vernice blu e calce trasmettono espressamente l'acqua e la schiuma della risacca. La figura femminile seduta sulla spiaggia è delineata con pochi tratti leggermente applicati di rosso e nero veneziano.
Malyutin dipingeva sempre i suoi schizzi con pennelli di setole di varie dimensioni.
Studio. L'artista Malyutin S.V.
Come dipingere uno schizzo a olio
(a breve sul sito è prevista la visione gratuita del video “Lezioni di pittura”. Dipinti ad olio»
Vorrei descrivere come applico nella pratica i materiali e i metodi di lavoro sopra descritti. Ad esempio, è stato selezionato il paesaggio "Fine estate".
Alla fine dell'estate - inizio autunno, le foglie degli alberi ingialliscono e l'erba assume colori diversi. Le ombre degli alberi diventano più fredde, con una sfumatura viola. Più vicino all'orizzonte, a causa di cielo blu, gli alberi, la vegetazione sembrano più freddi che nella calda estate. L’autunno è il periodo in cui non puoi lasciar passare una giornata senza dipingere all’aria aperta. Due o tre ore di lavoro con i colori ad olio al giorno per me personalmente si trasformano in minuti di completamento pace della mente, pace e armonia con la natura.
Per dipingere questo schizzo avevo bisogno di una tela trattata con gelatina e primer acrilico, precedentemente incollata sulla tavoletta. Ho deciso di eseguire la verniciatura di fondo con colori a tempera, quindi ho fatto scorta materiali necessari per olio e pittura a tempera. Ho realizzato un mirino con carta nera in base alle dimensioni della tela preparata. Oltre allo sketchbook, per la massima comodità, ho portato con me una sedia pieghevole e un ombrellone.
Dopo aver scelto la visione più attraente del paesaggio utilizzando il mirino, dopo aver valutato la composizione e le relazioni tonali del futuro schizzo, ho iniziato a lavorare.
Per dipingere un ritratto ad olio da una foto (), avrai bisogno di un disegno a matita preliminare e preciso. Nel mio caso, la costruzione della composizione e il disegno preliminare sulla tela possono essere eseguiti con un sottile pennello Kolinsky n. 2 e vernice a tempera trasparente ocra. Usando un mirino, ho deciso che l'obiettivo principale dello schizzo sarebbe stata la vegetazione. Sulla base di ciò, ho posizionato la linea dell'orizzonte sopra il centro della tela. Per enfatizzare la prospettiva del paesaggio e per bilanciare la composizione, ho delineato una strada che si spinge in lontananza.
Prima di iniziare la pittura di fondo con la tempera, ho fatto mentalmente il lavoro preparatorio.
1. Esaminato attentamente i rapporti tonali del paesaggio.
2. Imposta le aree più chiare e saturate.
3. Determinato quali colori prevarranno nello schizzo in primo piano, al centro e sullo sfondo.
Per evitare errori nell'ulteriore costruzione tonale dell'opera, inizio la pittura di fondo con i frammenti più intensi del quadro, indipendentemente dal fatto che si tratti di una natura morta o di una figura umana. Successivamente scrivo dal più scuro al più chiaro. Accade spesso che il fondo bianco della tela sia il punto minimamente saturo dello schizzo. In questi casi do al terreno una tinta calda o fredda, a seconda delle circostanze e del luogo in cui il quadro è dipinto (in classe o all'aria aperta).
Nel paesaggio "Fine estate" soluzione ottimale era la pittura di fondo, che iniziava con gli alberi sullo sfondo. Il fatto è che la vegetazione e la superficie della terra sullo sfondo erano chiaramente distinte da una striscia viola-blu e avevano tono leggero, vicino al cielo. Vernici utilizzate: azzurro cielo, viola cadmio, rosso-viola napoletano, bianco zinco e titanio in rapporto 1:1.
Sopra gli alberi vicino all'orizzonte, il cielo aveva una tinta ocra-rossastra e in tono diventava l'elemento più leggero dell'immagine. Vernici utilizzate: Ocra dorata di Mosca, rosso cadmio chiaro, bianco. Questo contrasto di tonalità calde e fredde all'orizzonte segnava il confine tra gli alberi e il cielo.
Fornirò estratti dagli appunti di D. Constable sul cielo: “ Un paesaggista, per il quale il cielo non è una delle parti più importanti della composizione, trascura il suo miglior assistente... Il cielo è una cosa molto compito difficile, sia in termini di composizione che di esecuzione. Con tutta la sua brillantezza, non dovrebbe sporgere in avanti, ma dovrebbe solo evocare l’idea di una distanza infinita. Ciò non si applica, ovviamente, ai rari fenomeni naturali o agli effetti luminosi casuali, che attirano sempre un'attenzione particolare..."
Passando all'inquadratura media, ho utilizzato toni più contrastanti e saturi per gli alberi e l'altra vegetazione. Tenendo conto della prospettiva aerea, ho dipinto l'ombra e la luce con colori più caldi. Colori dell'ombra utilizzati: viola cadmio, azzurro cielo, terra d'ombra bruciato, luce rossa cadmio. Vernici utilizzate per la luce: giallo ocra, ocra dorata di Mosca, rosso cadmio, giallo limone cadmio, bianco titanio.
Sul terreno più vicino allo spettatore, l'erba e la strada sono leggermente più chiare e calde rispetto al tono degli alberi. Qui sono state utilizzate le seguenti vernici: giallo ocra, Ocra dorata di Mosca, rosso cadmio, giallo cadmio limone, carminio, rosso inglese, bianco.
Tale pittura di fondo conferiva già al futuro schizzo una prospettiva aerea e determinava il colore dell'opera.
Dopo che la tempera si è asciugata, ho iniziato a dipingere con oli.
In questa fase del lavoro dovevo:
1. “Enfatizzare” il volume del fogliame e dei tronchi degli alberi vicini.
2.Preparare il primo piano come base per quello successivo.
3. Annota in dettaglio il secondo piano dello schizzo.
4.Aggiungi, utilizzando la velatura, varie sfumature nei punti giusti dello schizzo.
Dopo aver ridipinto la base con colori a tempera, ho continuato con uno schizzo ad olio degli alberi sullo sfondo. Alle ombre degli alberi è stato dato un contorno sfocato utilizzando una miscela di colori. Vernici utilizzate: uva nera, bianca, celeste; La luce è stata rappresentata utilizzando vernici giallo limone, bianco e azzurro cielo.
Con un pennello di setola n. 16 ho dipinto il cielo, utilizzando il cosiddetto allungamento dal tono caldo (vicino all'orizzonte) al freddo e dal chiaro allo scuro, in modo da dargli volume. Vernici utilizzate: azzurro cielo, blu FC, viola cadmio, nero uva, bianco. Mentre dipingevo il cielo, ho applicato uno strato di vernice in direzione diagonale.
Come descritto sopra, non dovrebbero esserci due tratti identici nel dipinto (vedi metodi pittura ad olio). Pertanto, ho utilizzato pennelli di varie dimensioni (secondo i frammenti dell'opera).
La luce in primo piano e sullo sfondo dello schizzo è stata realizzata con tratti impastati utilizzando una spatola.
Dopo aver aggiunto volume ai tronchi degli alberi e alla vegetazione dello sfondo, sono passato ai dettagli.
Nella fase finale del lavoro, tutto quello che dovevo fare era dipingere con più attenzione i rami sottili degli alberi, l'erba e i tratti di strada con un pennello a nucleo sottile (n. 2).
Successo dentro attività creativaè previsto, innanzitutto, per quell'artista che, nel persistente desiderio di creare un'opera d'arte, supera, nonostante varie difficoltà, eventuali barriere e ostacoli nella sua percorso di vita. Ricorda Vincent Van Gogh... Dopotutto, questo artista (e non solo lui) ha dimostrato che una persona con la sua perseveranza e desiderio di raggiungere il suo obiettivo è capace di molto.
Un giorno famoso scultore A Michelangelo è stata posta la domanda: "Come si realizzano sculture così meravigliose?" Alla quale ha risposto: "Prendo una pietra e taglio tutto ciò che non è necessario in essa". È più o meno lo stesso nella pittura. Per analogia, devi solo mettere il tono di pittura desiderato nel punto corrispondente sulla tela... In questo modo l'artista potrà trasmettere i suoi sentimenti e pensieri, rivelando allo spettatore nuova realtà. Ma per sapere come, cosa e dove mettere il tono della pittura, devi lavorare e svilupparti molto, studiare e amare la pittura.
Maggior parte Miglior maestro per un pittore è la natura, e nessuno può insegnare più della natura. Gli insegnanti si limitano a guidare, consigliare e insegnare all'artista principiante le basi della pittura e condividono le proprie osservazioni. Ovunque tu sia, qualunque cosa tu senta e qualunque sia il tuo umore, cerca sempre di notare nella realtà che ti circonda ciò che, a prima vista, ti sembra poco interessante. persona ordinaria. Osserva e confronta le relazioni tonali tra cielo e terra, colori di sfondo e di primo piano. Realizza rapidi schizzi della vita quotidiana e non distruggerli in nessun caso in seguito. Anche se alcuni di loro non sono andati come li vedete idealmente.
Prova a immaginarti nei panni di un naturalista che studia i fenomeni naturali e le abitudini degli animali; un fisionomista che studia le caratteristiche strutturali e le espressioni facciali delle persone nel tentativo di indovinare e determinare i loro tratti caratteriali.
L'artista deve riflettere il suo tempo sulla tela e allo stesso tempo essere in grado di esprimere se stesso, il che richiede la sua costante apertura al mondo che lo circonda.
Presta maggiore attenzione alle persone che ti circondano: pantomima, espressioni facciali, stile di abbigliamento (fai schizzi veloci).
Per espandere i tuoi orizzonti professionali, prova a visitare quante più mostre e musei possibile, studia riproduzioni di grandi pittori e leggi varia letteratura.
Quando inizia un artista? Ciascuno a tempo debito. Un artista in un ambiente naturale si forma sotto l'influenza dell'ambiente: genitori, insegnanti, società. L’ambiente è fonte di creatività e risveglio del talento.
La personalità creativa di ognuno si forma in modo diverso. Pertanto, è impossibile determinare la soglia che separa il maestro dallo studente. A volte è solo un passo, a volte ce ne sono molti. La padronanza della maestria per uno avviene quasi istantaneamente, per un altro richiede molto tempo e impercettibilmente.
La storia della pittura è piena di una varietà di esempi dei primi tempi sviluppo artistico e, al contrario, relativamente tardi. Di solito il talento si manifesta in un'atmosfera artistica, ma spesso proviene da un ambiente estraneo all'arte. La maggior parte degli artisti i cui nomi sono ben noti hanno ricevuto un'educazione accademica; altri pittori hanno studiato diligentemente, ma non nelle accademie; E alcuni hanno imparato a dipingere da soli.
A ogni vero artista insito in un insieme specifico di qualità, senza le quali non può aver luogo: amore per la natura, sete di conoscenza.
Perché un'introduzione così prolissa?
Dopo aver frugato tra vecchie cartelle, ho scoperto diversi schizzi sopravvissuti del mio apprendistato, dipinti a olio. È interessante guardare indietro di un paio di decenni e ricordare le sensazioni che provi dal lavoro.
Ogni schizzo è uno schizzo educativo, veloce (non più di 15 minuti) nei colori di un particolare stato di natura. La parte degli schizzi è paesaggistica: sera, tramonto, notte. Naturalmente dovevano essere scritti senza illuminazione. Ad esempio, le finestre del portico ben illuminate sono dipinte nell'oscurità totale con colori aperti letteralmente al tatto.
Lo scanner, sfortunatamente, non è stato in grado di trasmettere la vivacità del colore corretto. Ha presentato tutte le aree più scure come un riempimento nero solido senza colore.
L'artista inizia proprio con questi schizzi “per condizione”. Noi, studenti del dipartimento di pittura, ne abbiamo dipinti a centinaia con l'unico scopo di “riempirci” le mani e gli occhi, utilizzando il colore e il pennello più largo.
Per quanto riguarda gli schizzi diurni, se il dipinto sembra sfocato, ti consiglio di socchiudere gli occhi e vedere come lo spazio piatto del paesaggio si scompone in luci e ombre. Non importa quanto tecnico e dettagliato sia il disegno educativo. Tutto ciò che conta è il corretto rapporto tra luce e ombra. Questa è l'essenza del lavoro all'aria aperta, e non l'intenzione di dipingere un numero enorme di paesaggi in vendita.
Ma, oltre alla confutazione del paragrafo precedente, diciamo che gli schizzi migliori e più degni, ovviamente, sono stati venduti da tempo. Tutto ciò che viene presentato qui è ciò che rimane.
Etichetta: Pittura da cavalletto
La parola "etude" è un'esatta trascrizione russa del termine francese "étude", che nella traduzione da questa lingua significa "apprendimento" o "ricerca". Questa parola in russo ha diversi significati abbastanza diversi tra loro e si concentrano principalmente nel campo dell'arte. Tuttavia, l'impronta del significato originale dell'originale francese è evidente in ogni senso della parola.
Schizzo nella pittura
Uno dei significati più comuni che le persone hanno in mente quando dicono la parola “studio” riguarda il campo della pittura. In questo senso si intende un'opera che solitamente è realizzata dal vero e può essere un paesaggio, una natura morta, un ritratto o altro genere arti visive, basato sul riflesso della realtà. Spesso uno schizzo è chiamato disegno, il cui grado di elaborazione non è troppo alto, poiché funge da una delle opzioni per il futuro lavoro finito. Pertanto, un artista serio, di regola, realizza diversi schizzi per un'opera di grandi dimensioni.Nel campo della pittura, la parola "studio" ha anche un significato aggiuntivo, più legato al significato originale dell'originale francese. Pertanto, uno schizzo a volte significa una sessione di formazione, il cui scopo è creare uno schizzo artistico per un dipinto futuro.
Studia musica e teatro
La parola "studio" è usata anche per significare opere musicali, che, a loro volta, hanno caratteristiche pronunciate. Quindi, questo lavoro molto spesso ha una breve durata ed è scritto per uno strumento musicale o voci. Il suo scopo principale è solitamente quello di sviluppare le capacità tecniche dell'esecutore.La parola “studio” ha un significato simile in ambiente teatrale: è una produzione su piccola scala alla quale è prevista la partecipazione di un numero limitato di attori, e serve per sviluppare la tecnica di recitazione. Allo stesso tempo, uno schizzo in un ambiente teatrale spesso include una parte significativa basata sull'improvvisazione, che consente di migliorare la performance degli attori.
Studia a scacchi
Un altro significato comune di questa parola è legato al gioco degli scacchi. In questo ambito l'uso di questo termine ha anche una connotazione che riflette la natura educativa questo concetto. Pertanto, la parola "studio" viene solitamente utilizzata per designare una situazione appositamente compilata da uno specialista alla lavagna, che lo studente deve risolvere a suo favore o ottenere un pareggio.Il processo creativo e il risultato sono strettamente legati alla visione del mondo dell’artista. L'immagine che crea coinvolge i suoi pensieri, sentimenti, immaginazione, abilità e atteggiamento nei confronti di ciò che viene raffigurato. L'artista cerca sempre la soluzione più espressiva al suo piano, riflette sulla trama e sulla composizione. Le immagini che compaiono nella sua immaginazione hanno un'origine oggettiva, nascono dalle proprietà visibili della realtà e hanno forme specifiche. Pertanto, il pittore, incarnando il suo piano, si rivolge a quelle proprietà degli oggetti e dei fenomeni che percepisce visivamente. Solo se c'è autenticità visiva di ciò che viene rappresentato è possibile esprimere determinati sentimenti, pensieri ed evocare esperienze corrispondenti nello spettatore, le cui idee associative sono collegate al mondo oggettivo. In un buon paesaggio, lo spettatore vedrà non solo oggetti materiali, ma anche il gioco naturale di luce e colore, la lucentezza argentata della rugiada o il gioco di colori nel cielo mattutino. Un'immagine del genere evoca impressioni dimenticate, fa funzionare l'immaginazione e attiva pensieri e sentimenti associati ad esperienze passate, ad esperienze precedenti. L'impatto emotivo ed estetico dei dipinti è associato alle peculiarità di questa percezione associativa.
Non si deve pensare che l'autore del dipinto, cercando di ottenere l'autenticità visiva del dipinto, debba copiare meccanicamente l'aspetto della persona raffigurata. Il lavoro accademico è caratterizzato principalmente dalla conoscenza, dallo studio approfondito e completo della natura. Spesso gli schizzi educativi sono troppo “secchi”, “frazionari”, “protocollo”, simili tra loro non solo nella trama e nella tematica, ma anche nell'esecuzione tecnica. Tutto ciò è del tutto naturale, e la “aridità” e la timidezza del lavoro accademico non possono essere considerate segni della sua debolezza o della mancanza di talento creativo dell’autore.
Allo stesso tempo, l'atteggiamento libero dello studente nei confronti dei compiti dello schizzo, un certo "focoso" non sono segni di creatività, come a volte si crede. Le opere educative non sono sufficientemente emotive, fresche e originali, perché sono ancora artisticamente imperfette, poiché gli studenti non hanno ancora esperienza, abilità e non conoscono l'intera varietà di mezzi per risolvere un problema educativo o attuare un piano. Solo con l'esperienza verrà liberata la padronanza creativa della natura e delle sue leggi, nonché la perfezione tecnica.
Riguarda lavoro educativo i compiti educativi assegnati sono stati risolti in modo coerente e chiaro e, insieme a ciò, i talenti creativi degli studenti sono stati coltivati e sviluppati.
Parte principale
La capacità di vedere e trasmettere forme tridimensionali e colori di oggetti su un piano è l'essenza della pittura. Questa abilità viene acquisita principalmente attraverso esercizi dalla natura. Come più un artista dipinge schizzi dal vero, più acuto diventa il suo senso del colore, l'armonia dei colori e il ritmo delle linee. Come risultato di esercizi costanti nella rappresentazione di nature morte, paesaggi, teste umane e figure della natura, si sviluppa l'osservazione, la capacità di enfatizzare l'essenziale, scartare il secondario ed esprimere le proprie emozioni causate dalla bellezza della natura circostante e dalla diversità delle cose. la vita è sviluppata.
Il percorso verso la maestria inizia con lo studio dei fondamenti teorici della pittura e l'esecuzione sistematica di esercizi pratici. Senza la conoscenza delle leggi della pittura, il lavoro pratico degli studenti viene svolto alla cieca e il miglioramento professionale rallenta.
Ritrarre è, prima di tutto, ragionare. Quando inizi a dipingere, devi riflettere bene sul tuo compito e definire chiaramente il tuo obiettivo.
Leonardo da Vinci diceva anche che “coloro che si innamorano della pratica senza la scienza sono come creature che si contorcono e salpano senza timone né bussola, perché non possono mai essere sicuri di dove stanno andando. La pratica deve sempre basarsi su una buona teoria, e senza di essa nulla può essere fatto bene nel caso della pittura."