Cultura dell'Europa occidentale del XVIII secolo. Cultura europea del XVIII secolo. Messaggio sulla cultura europea del XVIII secolo.

1 Il XVIII secolo in Europa è il secolo dell'Illuminismo.

2 Direzione illuminista-borghese nell'arte e nella cultura rococò. Nuovo classicismo.

Per sentire l'atmosfera spirituale del XVIII secolo in Europa, rivolgiamoci al drammaturgo francese più popolare dell'epoca, J.-P Beaumarchais e al suo “Il barbiere di Siviglia”:

“Rosina. Tu sgridi sempre la nostra povera età.

Bartolo. Per favore perdona la mia insolenza, ma ce l'ha data anche lui

Per cosa potremmo lodarlo? Ogni sorta di sciocchezze: libero pensiero, gravitazione universale, elettricità, tolleranza religiosa, vaccinazione contro il vaiolo, chinino, enciclopedia e drammi piccolo-borghesi."

Il dottor Bartolo, l'eroe comico di Beaumarchais, elenca qui i problemi sociali, politici, filosofici, scientifici che preoccuparono le generazioni del XVIII secolo. Il XVIII secolo conviveva con questi problemi. Su di loro furono scritti libri e dibattuti nei caffè di Parigi e Londra, nei nobili salotti di Mosca e San Pietroburgo, ne parlarono persone altamente istruite e apprendisti semianalfabeti. Furono grandi scoperte scientifiche e allo stesso tempo grandi discussioni del secolo.

Questa era è l'era delle monarchie di classe nobile in Europa, il secolo del feudalesimo, del potere reale assolutista e della Grande Rivoluzione Francese, se Luigi XIV si identificò con lo stato, allora il suo discendente Luigi XV, seguendo lo stesso programma ideologico, dichiarò: "Questo è legale, perché lo voglio."

E l'illegalità fiorì. Diamo un'occhiata ai fatti. In Francia ciò era particolarmente evidente nei cosiddetti mandati di arresto. Un modulo vuoto firmato dal re dava il diritto di arrestare chiunque il cui nome fosse inserito nell'apposita colonna. Alcune persone intraprendenti iniziarono addirittura a vendere tali moduli per 120 lire ciascuno. Questi ordini hanno letteralmente inondato il paese.

Sebbene in Francia la servitù della gleba fosse stata abolita nel XV secolo, i contadini legalmente liberi che affittavano la terra dai proprietari terrieri vivevano in una tale povertà che spesso abbandonavano l'intera fattoria in completa disperazione e andavano in città, riempiendo le città e le strade con nuove folle di mendicanti. Più di un milione di loro vagavano per il paese.

Il governo, attraverso tutte le sue politiche e tutti gli atti legislativi, ha affermato la disuguaglianza delle classi sociali. Così, nel 1781, Luigi XVI emanò un decreto speciale secondo cui solo le persone i cui quattro antenati erano nobili potevano ricevere il grado di ufficiale. I futuri brillanti generali napoleonici Marceau, Ney, Augereau, Bernadotte (in seguito re di Svezia) avevano il grado di sottufficiale e non potevano avanzare ulteriormente nella loro carriera. Gli aristocratici ricevettero immediatamente posti di comando di alto livello. Il visconte di Tureny fu nominato comandante della cavalleria all'età di 13 anni, il duca di Fronsac ricevette il grado di colonnello da bambino di sette anni.

Il XVIII secolo fu pieno di guerre infinite che esacerbarono tutte le contraddizioni sociali. Nel 1700 morì il re spagnolo Carlo II, senza lasciare eredi. Iniziò una guerra per la corona spagnola tra Inghilterra, Francia e Austria, che durò 13 anni. 27 anni dopo, in Austria si verificò più o meno la stessa situazione. Ora si combatteva la guerra di successione austriaca, che durò 8 anni. Vi hanno preso parte sei paesi europei. Otto anni dopo la sua fine scoppiò la cosiddetta Guerra dei Sette Anni, coinvolgendo nel massacro anche soldati di 6 stati.

Voltaire, testimone di questi eventi, scrisse nel suo “dizionario filosofico”: “La cosa più notevole di questo evento infernale è che ciascuno dei leader assassini chiede solennemente a Dio di aiutarlo a uccidere i suoi vicini se qualche capo militare riesce a uccidere due, tremila persone, allora ancora non ringraziano Dio per questo, ma se decine di migliaia muoiono di spada e fuoco e diverse città vengono rase al suolo, allora si tiene un magnifico servizio di preghiera, viene cantata una lunga canzone quattro parti in una lingua incomprensibile a nessuno dei combattenti” (latino).

Quindi, il quadro della vita sociale e politica dei popoli d'Europa nel XVIII secolo è piuttosto cupo. E, tuttavia, compaiono persone: scrittori, filosofi, scienziati, ottimisti, le cui idee contrastano con la situazione attuale. In Inghilterra questi sono J. Locke, J. Toland, A. Smith, D. Hume. In Francia - F. Voltaire, J.-J. Russo, D.

Diderot, J. D'Alembert, E. Condillac, N. Holbach, D. Lametrie; in Germania - G. Lessing, I. Herder.

Vedendo nella storia una graduale ascesa dall'ignoranza all'illuminazione, credevano nelle possibilità illimitate della ragione e nel potere delle idee, credendo che la ragione, nel processo di progressivo sviluppo della società, alla fine avrebbe trionfato sui vizi e avrebbe portato l'umanità alla prosperità universale.

Se la ragione è un'abilità umana onnipotente, allora la conoscenza scientifica è intesa come la forma di attività della mente più alta e produttiva. Chi e 'questa gente? Solo sognatori infondati e di buon cuore? Cosa alimenta il loro ottimismo? Per risolvere questo mistero, ascoltiamo il dialogo dei personaggi di Beaumarchais. I loro risultati li hanno convinti di questo. pensiero scientifico. Quella piccola parte dell'umanità. Chi ebbe l'opportunità di dedicarsi al lavoro intellettuale, svolse un'enorme quantità di lavoro nel XVIII secolo.

Il XVIII secolo cominciò ad occuparsi di elettricità. E sebbene nel XIX secolo furono raggiunti ulteriori risultati, già allora divenne oggetto di interesse generale e grandi speranze. Divennero note le proprietà curative del chinino nella lotta contro la malaria, dalla quale a quei tempi non c'era salvezza. Fu allora che venne utilizzata per la prima volta la vaccinazione contro il vaiolo. Questa è stata una scoperta sensazionale. Il vaiolo ha devastato le nazioni, uccidendo decine e centinaia di migliaia di persone. In Russia, il giovane zar Pietro II morì di vaiolo e in Francia il re Luigi XV.

Uno degli eventi importanti nella vita spirituale del secolo fu la comprensione delle leggi della gravitazione universale scoperte da Newton. Completò la creazione di una nuova immagine meccanicistica dell'Universo, iniziata dai suoi predecessori Copernico e Bruno, Keplero e Galileo, Cartesio e Leibniz. Voltaire diffuse le idee del grande inglese nel continente. Fu per la diffusione e la divulgazione delle idee e delle scoperte di Newton che l'Accademia Russa gli conferì il titolo di membro onorario.

Nel discorso del XVIII secolo, tutte le nuove idee scientifiche, sociali e politiche erano associate alla parola “filosofia”. Questa parola ha spaventato i conservatori e, al contrario, è stata pronunciata con gioia da persone desiderose di cambiamento.

Il punto centrale di questa nuova “filosofia”, cioè Il sistema filosofico e ideologico dell'Illuminismo era il problema dell'uomo nella società. La necessità di comprensione e di nuove soluzioni a questo problema è maturata almeno negli ultimi due secoli - Tardo Rinascimento e il Seicento tragico-umanistico. L’epoca delle guerre di religione, di cui furono frammenti le prime rivoluzioni borghesi, portò ad una profonda secolarizzazione della cultura. Entro la fine del XVII secolo. la religione ha cessato di essere una forma organizzativa universale della società. Ora è diventata un’ideologia nel senso stretto del termine (un insieme razionalizzato di dogmi al servizio di particolari interessi statali o di classe, oppure una fede personale inalienabile). Questo processo è stato accompagnato da una crisi morale senza precedenti e da un caos giuridico. Abbiamo conosciuto l'essenza di questa crisi e le sue manifestazioni lampanti in conferenze sulla cultura del Rinascimento e del XVII secolo.

Durante questo periodo si sviluppò una situazione molto drammatica; o la società dell’Europa occidentale e la sua cultura cessano di esistere, oppure trovano vie di salvezza. E non è perita, perché la cultura occidentale ha saputo creare nuovi assoluti morali e giuridici, come oggettivamente richiesto dall'epoca, e proclamando i quali la borghesia nascente non poteva che assicurarsi il ruolo di leader democratico generale. Fu questo sistema a costituire il fondamento dell'ideologia dell'Illuminismo. Il posto centrale nel suo sviluppo apparteneva al famoso filosofo inglese John Locke, un caro amico di Newton. Il suo "Saggio sulla ragione umana" e il "Trattato sulla pubblica amministrazione"conteneva un programma positivo adottato sia dagli educatori inglesi che da quelli francesi.

I suoi elementi principali: a) una maggiore attenzione alle questioni di giustizia distributiva e punitiva (“a ciascuno il suo”), b) lo sviluppo dell’etica contrattuale, vale a dire cultura del rispetto dei contratti e degli accordi, c) l'idea dei diritti naturali inalienabili alla vita, alla libertà e alla proprietà, concessi a ciascun individuo fin dalla nascita.

Quindi, osservare la giustizia, onorare i contratti, rispettare la libertà degli altri è il sistema degli assoluti morali dell'Illuminismo.

Dopo Locke, gli illuministi francesi Rousseau e Montesquieu confermarono la teoria del contratto sociale. Nelle loro opere perseguivano l'idea di formare uno Stato attraverso un accordo tra il popolo e i governanti, cioè. coloro ai quali affida parte del suo potere. Allo stesso tempo, il sovrano è obbligato a governare solo sulla base di leggi ragionevoli che garantiscano il benessere di ogni persona e del popolo nel suo insieme. A questo proposito Montesquieu negava il diritto alla legalità del potere illimitato, e ancor più del dispotismo. Il suo ideale era una monarchia costituzionale inglese con parlamento e una netta separazione dei tre rami del governo: legislativo, esecutivo e giudiziario.

Va notato che l’Illuminismo francese in generale fu caratterizzato da una grande diversità di posizioni politiche e filosofiche. Da cui furono attaccati l’assolutismo, la disuguaglianza sociale e l’oscurantismo clericale.

Nella prima fase (20-40) inclusa l'illuminazione gran numero persone dell'aristocrazia. A loro, come ai rappresentanti del terzo stato, sembrava possibile risolvere pacificamente la controversia con la monarchia assoluta (Voltaire, Montesquieu, ecc.). La seconda generazione di illuministi, che prese forma ideologica negli anni '50, è sorprendentemente diversa da loro. Questi sono quelli che "illumineranno le teste per la prossima rivoluzione" - Diderot, Helvetius, Holbach, persone che facevano affidamento sull'insegnamento materialista della natura e su un programma sociale radicale. Infine, si distingue Rousseau, che era un deista nelle sue posizioni filosofiche e religiose, ma, esprimendo gli interessi politici delle classi inferiori, smascherò le illusioni dei suoi compagni riguardo agli “strumenti dell’illuminazione”.

Poiché il principale campo di lotta in questo periodo era l’area dell’ideologia, ciò cambiò significativamente la posizione dell’arte nel sistema riflessioni filosofiche. Le questioni sull'essenza dell'arte e sulle sue possibilità educative hanno attirato la massima attenzione, perché qui, secondo gli illuministi, si è aperta una via diretta verso l'“uomo naturale”, cioè l'uomo naturale. un essere naturale, libero, sensibile, soprattutto, che tende al piacere ed evita la sofferenza. Questo è esattamente il modo in cui l '"uomo naturale" veniva visto dalla maggior parte degli educatori: lottare per il proprio vantaggio e le gioie naturali, ma in nessun caso a scapito di altre persone. L'arte, dal punto di vista degli educatori, era la più incontaminata modo di educazione emotiva e intellettuale della società, la sua preparazione ai prossimi cambiamenti sociali.

Le questioni estetiche sono state sviluppate in modo più profondo e completo dall'educatore francese D. Diderot. Tra i suoi lavori artistico-critici più celebri ricordiamo alcuni articoli di recensione sulle mostre dell'Accademia, denominate Salons (1759-1781). Diderot, un critico, chiedeva all’artista di trasformare l’arte in un mezzo che “ci facesse amare la virtù e odiare il vizio”. Ha visto la via per raggiungere questo obiettivo nel rafforzamento del lato significativo dell'arte. Volendo caratterizzare il livello dell’esposizione al Salon del 1759 che non lo soddisfaceva, Diderot esclamò: “C’è molta pittura, poco pensiero”.

Per molti anni ha affermato con fermezza la natura moralizzante dell'arte. Lo ha fatto non sottilmente, ma apertamente, con sfida. Nel Salon del 1763, in relazione alle opere di Greuze, esclamò: “Mi piace questo genere in sé: la pittura moralizzante E così il pennello lunghi anni era dedicato all'elogio della dissolutezza e del vizio. Sii coraggioso, amico mio Grez? Moralizzare nella pittura, lo fai perfettamente"

La critica di Diderot avrebbe dovuto fornire un aiuto teorico a tutto ciò che nell'arte si presentava come progressista dal punto di vista educativo. L’esempio più eclatante di ciò è la lotta di Diderot con il classicismo consolidato nel XVII secolo. gerarchia dei generi. In questa gerarchia, ovviamente, non c'era posto né per il “dramma filisteo”, di cui già il personaggio Beaumarchais menzionava con disapprovazione ne “Il Barbiere di Siviglia”, né per il romanzo quotidiano, né per opera comica, né pittura di genere. Intanto era in questi generi che il terzo stato, non avendo ancora la forza per altre forme di autoaffermazione, si opponeva al declino feudale della morale con il suo ideale di virtù e sensibilità patriarcale. Diderot, senza distruggere completamente la solita piramide dei generi, ha martellato

c'è un cuneo in esso, i cosiddetti “generi medi”, che colloca tra i tradizionali “alti” e “bassi”.

Nella drammaturgia, il ruolo del cuneo era svolto dal “genere serio”, posto tra tragedia e commedia, il cui soggetto era “la virtù e il dovere dell’uomo”. Il genere medio della pittura, secondo Diderot, divenne la cosiddetta “pittura di genere”. Si oppose alla rigidità del quadro storico, sfatando il quale il critico non risparmiava la pittura nei suoi salotti. Per lui, un nuovo genere o pittura moralizzante era incarnato nell'opera di due artisti: Greuze e Chardin. “La sposa di campagna” e “Il paralitico” di Greuze, che incarnavano l’ideale etico del terzo stato e erano amati dal pubblico, ricevettero i più alti elogi nei “Saloni” di Diderot.

Questo alto apprezzamento dell'arte di Grese non ha resistito alla prova del tempo. Pubblici generazioni successive I dipinti asciutti e superficiali dei dipinti di questo artista sembrano fastidiosamente istruttivi e lacrimosi. Ma l'opera di Jean-Baptiste Chardin non smette mai di stupire gli amanti dell'arte. Chardin è un artista eccezionalmente “pacifico” per natura. Tranquillo e accogliente scene di genere, raffigurante brave massaie, madri di famiglia, impegnate nelle faccende domestiche e con i figli; Le sue nature morte sono pacifiche e modeste, molto spesso composte dagli oggetti domestici più semplici: un serbatoio di rame, brocche, secchi, cestini. Ma la sua semplicità molto calma, la sua adesione a motivi puramente quotidiani erano a quei tempi una sfida ai gusti aristocratici. Con uno straordinario talento pittorico e una tecnica individuale di colore traslucido multistrato, Chardin ha poeticizzato e umanizzato il mondo delle cose quotidiane ordinarie.

Se Chardin, Greuze, Diderot, Rousseau nel loro lavoro riflettevano la vita e l'atteggiamento delle persone del terzo stato con la loro virtù, semplicità e sentimentalismo, allora com'era questo mondo, che divenne oggetto di aspre critiche da parte dell'Illuminismo?

Dopo la morte del vecchio Luigi XIV nel 1715, fu come se tutti gli istinti del guadagno monetario e della “dolce vita”, in qualche modo frenati e nascosti in precedenza dalla severa amministrazione del “Grande Monarca”, venissero allo scoperto. Arricchimento, truffe e scandali riempiono apertamente e in modo dimostrativo la vita della società secolare, Parigi si sta trasformando da una città chiusa alla preghiera, come Madame de Maintenon, l'anziana favorita del re, ne fece la capitale dell'intrattenimento e degli affari; transazioni e avventure. L'aristocrazia ha fretta di divertirsi prima del “diluvio”. La morale diventa francamente rilassata, i gusti diventano stravaganti, le forme diventano leggere e capricciose. Questo ambiente divenne terreno fertile per il nuovo stile artistico del Rococò (dal francese "rocaille" - conchiglia). L'ambiente di corte non ha formato questo stile: ha ripreso ciò che fluttuava nell'aria serale dell'Europa nel XVIII secolo. Il mondo europeo stava abbandonando le sue ultime illusioni patriarcali di classe, e il rococò suonava come un’elegia d’addio.

Rispetto al barocco, il rococò portava con sé molto più che semplice affettazione e stravaganza. Si è liberato dall'enfasi retorica e ha in parte riabilitato i sentimenti naturali, anche se in un costume da balletto in maschera.

Il fondatore del rococò nella pittura è considerato il talentuoso artista francese Antoine Watteau. Il suo lavoro mostra al meglio quale tipo di scoperte umane questa “arte delle falene” nascondesse in sé. Una fusione di quotidiano, decorativo e teatrale in intime fantasie liriche: questo è tutto Watteau, ma questo è anche il carattere dello stile rocaille, è difficile immaginare un artista più affascinante nella sua sincerità e grazia di Watteau; I suoi dipinti sono capolavori di una pittura raffinata, una vera gioia per gli occhi, ma che ama tonalità e accostamenti delicati e tenui.

Watteau dipingeva con i più piccoli tratti di perline, tessendo una rete magica con sfumature dorate, argentate e cineree. “Come sa come nei suoi dipinti di “vacanze galanti” (“La società nel parco”. “Festival dell'amore”) esprimere in figurine di porcellana sentimenti viventi e questo improvviso, tra gioia fragile, travolgente stanchezza mentale e tristezza.

Il motivo toccante e malinconico della solitudine di una persona, rinchiusa in se stessa, come in una gabbia, suona ancora più potente nel dipinto “Gilles”. Ed è stato Watteau, il galante, aggraziato, rocaille Watteau, che poteva esprimerlo. il che significa che si sentiva così, il che significa che anche allora la sensazione di vuoto era familiare.

Ogni stile nella cultura artistica ha sia la sua profondità che la sua schiuma superficiale; Insieme agli artisti profondi, c'erano artisti molto superficiali, esterni. Questa biforcazione di stile è particolarmente chiara nell’era post-rinascimentale: può essere osservata nel barocco, nel classicismo e nel rococò. Per quanto Watteau sia profondo, Boucher, che si considerava uno studente di Watteau, è esterno. François Boucher, artista della moda, che godeva del mecenatismo speciale di Madame de Pompadour, creò una versione tipica della rocaille di corte, leggera e educata. Dipinse scene pastorali con teneri pastori e pastorelle, scene erotiche, paffute bellezze nude travestite da Diana e Venere, paesaggi rurali - alcuni mulini abbandonati e capanne poetiche, simili a scene teatrali. Boucher amava molto i dettagli piccanti e le giocose ambiguità. I colori rococò delicati e leggeri di Boucher sono così delicati da assomigliare a qualcosa di dolciario. Allo stesso tempo sono molto raffinati: rosa, verde pallido, bluastro fumoso.

Nella pittura rococò, le tonalità chiare sono fissate e isolate come colori indipendenti. Venivano persino dati nomi nello spirito dello stile "galante": "il colore della coscia di una ninfa spaventata", "il colore del tempo perduto", ecc.

L'arte applicata occupava un posto importante nella cultura. Lo stesso Boucher lavorò molto nel campo della pittura decorativa, realizzando bozzetti per arazzi e dipingendo su porcellana. Mobili, stoviglie, abiti e carrozze in stile Luigi XV riflettevano ancora una volta un'attrazione per l'immaginario, un desiderio di liberarsi dall'ufficialità del rigido classicismo di corte di Luigi XIV nell'ultimo periodo del suo regno, per ritrovarsi in il mondo irreale dei castelli fragili ed eleganti. Nell'era di Luigi XV, gli abiti, le acconciature e l'aspetto stesso di una persona divennero più che mai opere d'arte. Le persone venivano identificate e apprezzate dal loro abbigliamento. Com'erano pietosi e miserabili gli abiti dei “plebei” e dei “plebei”, i signori vestiti a festa. Ai funzionari è stato assegnato un abito speciale. Anche il boia doveva apparire con una parrucca arricciata, una canotta ricamata d'oro e scarpe con fiocchi. L'idea di una “sfida aristocratica” alla realtà era chiaramente avvertita nell'aspetto delle nobili dame. La magrezza della vita è stata portata al limite con l'aiuto di un corsetto, e l'ampiezza delle gonne è stata esaltata da cerchi e crinoline, in modo che la figura abbia acquisito una silhouette del tutto insolita per il corpo reale e allo stesso tempo fosse circondata da scintillanti nuvole di mussola, piume e nastri. Il ritratto esterno dell'aristocratica dama era completato da un'acconciatura a torre, cosparsa di leggera cipria. Volevano vedere una donna come una bambola preziosa, un uccello del paradiso o una squisita orchidea.

L'ambiente fantastico degli interni rocaille si addiceva a una simile creatura. Se gli architetti rinascimentali cercavano di dividere lo spazio e il piano in parti geometriche semplici e chiare, se nella cultura barocca, nonostante tutto il suo dinamismo, è ancora conservata una certa struttura e simmetria, allora la tendenza rococò è completa asimmetria.

Le forme sono mutevoli, come nuvole, contorte, come conchiglie, ramificate, arricciate. Il piano del muro è distrutto da pannelli decorativi e specchi che si riflettono l'uno nell'altro. Tavolini e pouf fragili poggiano su gambe sottili e curve, come ballerine su scarpe da punta. Le idee sulla pesantezza e sulla massa vengono deliberatamente espulse e il rococò costringe ogni cosa a svolgere un ruolo innaturale che non deriva dalla sua struttura. I soprammobili fantasiosi in madreperla e porcellana stanno diventando incredibilmente popolari.

La cultura edonistica del rococò, con i suoi soggetti piccanti, la raffinatezza e i bellissimi giocattoli, è molto diversa dalla pittura di Charden e Greuze, dalla letteratura di Beaumarchais, Diderot e Rousseau, eppure hanno molto in comune. Tutti questi fenomeni culturali riflettono il tempo, la speciale atmosfera spirituale dell'epoca, la visione del mondo di una persona nel XVIII secolo - segni di una nuova umanità - più fragile, ma anche più spirituale degli ideali dell '"era di Versailles". I principi astratti della monarchia e della chiesa, che a suo tempo richiedevano sacrifici umani e li ricevevano in abbondanza, stanno perdendo credibilità. La felicità terrena e i suoi doni naturali si liberano poco a poco da dure sentenze e restrizioni e reclamano imperiosamente attenzione e rispetto.

Ma più si avvicinava il momento della Grande e Terribile Rivoluzione francese, più sorprendentemente cambiavano idee, stati d'animo e gusti.

Molto indicativo a questo riguardo è il cambiamento di posizione di Diderot nella sua teoria dei generi medi. Con l'avvicinarsi della rivoluzione, quando le possibilità precedentemente nascoste della tragedia (e della pittura storica) cominciarono ad essere rivelate, si espresse contro i limiti e l'autocompiacimento del dramma borghese, la meschinità e l'autocompiacimento del borghese. Il "Paradosso dell'attore" di Hydro è definito il primo documento teorico che segnò l'ingresso del teatro francese nel periodo eroico pre-rivoluzionario. Che contrasto con le opere di Diderot della fine degli anni '50 è il suo avvertimento all'attore in "Paradox": "Porta il tuo tono quotidiano... le tue maniere domestiche... a teatro, e vedrai quanto sarai pietoso, come Debole."

Regnava un nuovo classicismo della borghesia rivoluzionaria, che prendeva in prestito il tono e i coturni degli antichi eroi. Questo era già il terzo tentativo nella storia della cultura europea di far rivivere ideali antichi e, a quanto pare, il meno riuscito e interessante. Culto eroico e pathos romano impresa civile combinato con naturalezza immaginaria, semplicità, pomposità, figure statiche, razionalismo torturato. Gli ideologi del classicismo erano fiduciosi che, imitando l'antichità (che comprendevano a modo loro), l'arte imitasse così la natura. Per certi aspetti, il classicismo si ritirò dalla “natura” anche rispetto al rococò: almeno in quanto rifiutò la visione pittorica, e con essa la ricca cultura del colore nella pittura, sostituendola con il colore.

L'alfiere dell'arte della Rivoluzione fu Louis David. Nel suo unico capolavoro, “La morte di Marat”, creato sull'onda di un implacabile senso di dolore, riuscì a superare i limiti e la pomposità del nuovo classicismo rivoluzionario. Successivamente, David non è mai salito a tali livelli artistici. Il culto dell'eroismo nascondeva un'astrazione infelice. David vedeva degli eroi in Robespierre e Marat; dopo la caduta Dittatura giacobina Ben presto cedette la sua anima a Napoleone altrettanto sinceramente. E questa non era solo una caratteristica della biografia personale di David, ma anche dell’intero movimento del classicismo, da lui così vividamente rappresentato. Gli ideali e le norme presi in prestito dal classicismo accoglievano paradossalmente idee sociali opposte: ribellione contro la tirannia, culto dei tiranni, ardente repubblicanesimo e monarchismo. E lo stesso Napoleone era caratterizzato da questa dualità. L'arte del classicismo borghese nel corso di circa 15 anni ha ripetuto in miniatura l'evoluzione di ciò che venerava Antica Roma- Dalla repubblica all'impero.

18esimo secolo Storia europea si concluse con una serie di eventi sanguinosi e tragici che distrussero i luminosi ideali e le belle illusioni della cultura illuminista.

LETTERATURA

1 Averintsev S.S. La seconda nascita del razionalismo europeo // Questioni di filosofia - 1989. - N. 3

2 Dmetrieva N.A. Storia breve art.- M.: Arte, 1975

3 Kagan MS Lezioni di storia dell'estetica - L.: Aurora, 1973

4 Soloviev E.Yu. Il fenomeno di Locke/Il passato ci interpreta. - M.: Politizdat, 1991

5 Yakimovich A.K. Chardin e l'Illuminismo francese - M.: Arte, 1981

6 Yakovlev V.P. Cultura europea dei secoli XVII-XVIII - Rostov sul Don, 1992

→

Viene generalmente considerata la cultura del XIX secolo cultura borghese . Lo sviluppo del capitalismo è stato accompagnato dalla formazione di un potente movimento operaio, dall'emergere del primo partito laburista mondiale (Inghilterra). L'ideologia del movimento operaio è diventata marxismo , che ha avuto un enorme impatto sulla vita politica speciale dell'Europa e del mondo intero. Nel 1871, gli operai di Parigi stabilirono per diversi mesi il loro potere: la Comune di Parigi. Viene creato sotto la guida di K. Marx e F. Engels 1° Internazionale- Associazione Internazionale dei Lavoratori. Dopo il suo scioglimento, partiti socialdemocratici che erano guidati dalle idee del marxismo. Il marxismo occupa un posto di primo piano coscienza pubblica XX secolo.

Nel XIX secolo emerse un nuovo concetto di sviluppo culturale: "Concetto d'élite" , secondo il quale il produttore e consumatore di cultura è la classe privilegiata della società: l'élite. Il concetto di cultura d'élite è stato sostanziato da Schopenhauer e Nietzsche. Elite- questo è il migliore, selezionato, scelto: ciò che c'è in ogni classe sociale, gruppo sociale. L'élite rappresenta la parte più capace di attività spirituale della società, dotata di elevate inclinazioni creative. È l’élite, secondo questi filosofi, che provvede progresso sociale. Di conseguenza, la cultura dovrebbe essere orientata non verso le richieste delle “masse”, della “folla”, ma verso la soddisfazione delle richieste e dei bisogni di questo strato della società: persone capaci di contemplazione estetica e attività artistica e creativa. (L’opera di Schopenhauer “Il mondo come volontà e rappresentazione” e F. Nietzsche “Umano, troppo umano” e “Così parlò Zarathustra”).

XIX secolo: il secolo dell'approvazione finale forma di gestione capitalistica , un secolo di intenso sviluppo della produzione industriale, settori come la metallurgia, l'ingegneria meccanica, l'energia, ecc. Questo è anche un secolo di completa domanda di scienza, che raggiunge livelli senza precedenti. Le esigenze dell'industria dettano la formazione di un sistema di istruzione scolastica e professionale in Europa. Cresce il numero degli studenti nelle università. L’Inghilterra diventa un paese di alfabetizzazione universale. Ecco solo alcuni dei risultati scientifici di questo periodo:

La dimostrazione di Charles Darwin dei principali fattori nel processo di evoluzione del mondo organico dalla scimmia all'uomo;

La creazione della dottrina del campo elettrico da parte del fisico Michael Faraday;

Sviluppo da parte del microbiologo Louis Pasteur di un metodo di prevenzione contro l'antrace;

Descrizione del nucleo di una cellula vegetale da parte del botanico Robert Brown e scoperta del movimento casuale di minuscole particelle (movimento browniano).

La pratica della vita culturale del XIX secolo comprendeva l'organizzazione di conferenze scientifiche, simposi, esposizioni mondiali, ecc. In espansione attrezzature tecniche della cultura artistica; V fine XIX secolo, appare l'arte del cinema, emerge il design (costruzione artistica), come conseguenza del rapido sviluppo della tecnologia, della massificazione della produzione e dell'espansione dei confini attività estetica. Sono in corso esperimenti per combinare musica e colore. (A. Scriabin, M. Ciurlionis).

Nell'artistico Cultura XIX secolo non esiste un’unica dominante. Si stanno formando e funzionando vari stili e tendenze paneuropei.

Romanticismo (primo terzo del XIX secolo) rappresenta un ampio movimento ideologico e artistico nella vita spirituale della società europea e americana. Originario della Germania (Schiller, Goethe, i fratelli Schlegel), il romanticismo si diffuse in tutto il mondo:

Nella poesia, i suoi rappresentanti erano D. Byron, V. Hugo, V. Zhukovsky;

Nella filosofia e nell'estetica romantica - F. Schelling, S. Kierkegaard;

Nella musica - F. Chopin, G. Berlioz, F. Schubert;

Nella pittura - E. Delacroix, T. Gericault, D. Constable, O. Kiprensky;

IN finzione- W. Scott, A. Dumas, E. Hoffman, F. Cooper.

Il romanticismo era basato su metodo creativo, che proclamava come suo principio fondamentale la libertà assoluta e illimitata dell'individuo. Gli artisti impegnati in questa tendenza rappresentavano contraddizioni drammaticamente insolubili tra la realtà vile e gli ideali elevati. Da qui la partenza del romantico nel mondo delle illusioni, nei paesi fantastici, ecc. La cosa principale nel romanticismo è non una dimostrazione di individualismo, ma una glorificazione eroico-patetica della solitudine.

Le opere degli artisti (romanzo) sono piene sentimenti di gioia e disperazione, un senso dell'eterno mistero del mondo, l'incomprensibilità della sua completa conoscenza. Di norma, l'artista crea il proprio mondo in un'opera d'arte, più bella della vita reale. Il romanticismo fu la reazione dei popoli progressisti europei al crollo degli ideali della Grande Rivoluzione francese. Il romanticismo si è manifestato con maggiore forza in poesia artistica Germania, Francia, Inghilterra.

Si riflette anche nella musica. Questa è la creatività musicale di Chopin, Berlioz, Schubert, Liszt.

Realismo 19esimo secolo - Questo processo creativo e un metodo caratteristico della cultura artistica dei paesi europei, secondo il quale il compito dell'arte è una rappresentazione veritiera della vita. Nelle opere di Lessing e Diderot del XVIII secolo fu sviluppata l'idea di una realistica "libera imitazione" della natura. Si chiamava realismo del XIX secolo realismo critico . Ha le seguenti caratteristiche:

Comprensione profonda della vita;

Ampia copertura della realtà;

Comprensione artistica delle contraddizioni della vita.

Il carattere umano è interpretato nelle opere realistiche come un'unità contraddittoria e in via di sviluppo. Può cambiare a seconda delle circostanze della vita. Gli scrittori realisti (N. Gogol, F. Stendhal, O. Balzac, A. Pushkin, F. Dostoevskij, A. Chekhov, L. Tolstoy, ecc.) Sono caratterizzati da un vivo interesse per l'origine sociale della realtà.

Nell'ultimo terzo del XIX secolo si svilupparono la cultura dell'Europa occidentale e quella americana naturalismo - un metodo artistico secondo il quale la natura dell'arte veniva spiegata attraverso idee prese in prestito dalle scienze naturali. L'artista naturalista si impegna per la verosimiglianza esterna dei dettagli, la rappresentazione dei fenomeni individuali, per cui l'influenza del fattore sociale è chiaramente minimizzata. L'artista fornisce “Pieces of Life”, considerando una descrizione così dettagliata come una condizione di veridicità nell'arte. (E. Zola, G. de Maupassant, G. Hauptmann, D. Mamin-Sibiryak).

Negli anni '60 e '70 del XIX secolo in Francia sorse un movimento artistico chiamato impressionismo . L'impressionismo era incarnato più chiaramente nelle belle arti. Le caratteristiche stilistiche dell'impressionismo sono:

Rifiuto dell'isolamento e stabilità dell'immagine degli oggetti;

Fissazione di situazioni istantanee, apparentemente casuali, frammentazione;

Angoli inaspettati di figure e oggetti.

Nella pittura, l'impressionismo si è manifestato più chiaramente nelle opere di O. Renoir, E. Degas, E. Manet, C. Monet, C. Pissaro. Questi artisti hanno cercato di trasmettere la bellezza degli stati fugaci della natura, la mobilità e la variabilità della vita umana. Dipingevano opere paesaggistiche all'aperto (en plein air) per trasmettere la sensazione della luce solare scintillante. Ciò ha dato origine a una nuova tecnica pittorica, particolarmente evidente nella combinazione di colori delle tele: colore locale, un sottile senso della combinazione di colori, la sua dipendenza dall'illuminazione e dallo stato dell'aria.

La natura era intesa dagli impressionisti come una realtà oggettiva di cui ci si poteva fidare. Nella loro comprensione, un artista è un mediatore tra le persone e la natura, chiamato a rivelare alle persone la bellezza di questo mondo, la loro impressione su di esso.

Caratteristiche della cultura europea XVIIIsecolo

XVIII Il secolo è solitamente chiamato il secolo della monarchia assoluta, il secolo dell'Illuminismo, l'età della galanteria. Tutti questi nomi sono lati diversi della stessa cosa processo culturale, riflettendo la formazione e lo sviluppo della classe borghese, e il processo di secolarizzazione della cultura europea iniziato con il Rinascimento.

In Europa, questa volta è associata alla formazione di nuovi ideali socio-politici. La Francia diventa finalmente il trendsetter della moda, dell'etichetta di corte e degli stili nell'arte. Dove c'è Parigi, c'è vita. Bellezza esteriore, bellezza - elemento essenziale cultura francese XVIII secolo. È il desiderio di bellezza che guida lo sviluppo della moda, dell'arte e di tutti gli aspetti della vita politica e quotidiana della Francia. Nonostante il fatto che all'inizio XVIII secolo, il prestigio internazionale della Francia diminuì notevolmente, il suo ruolo di trendsetter rimase invariato. C'era una notevole stratificazione tra l'aristocrazia e la borghesia, che erano la principale roccaforte della monarchia francese. L'aristocrazia cessò di partecipare alla vita economica del paese e alla fine degenerò in una casta di corte oziosa. La corte francese era immersa in un'atmosfera di intrighi di corte, storie d'amore e feste galanti; la cui anima era Madame de Pompadour, la favorita del re. La morale è diventata francamente lassista, i gusti sono diventati stravaganti, le forme sono diventate leggere e capricciose. Questo ambiente si è effettivamente elevato stile elevato Rococò, ma in realtà raccolse e adattò ai suoi gusti ciò che aleggiava nell'aria d'Europa XVIII secolo. La Francia stava dicendo addio alle sue illusioni patriarcali di classe e lo stile rococò si rivelò una degna cornice per l'ultimo secolo del trionfo dell'assolutismo francese.

Il rococò si è guadagnato la reputazione di stile leggero nella storia dell'arte. Esternamente, questa idea di lui è del tutto naturale. Combina in modo bizzarro edonismo, sazietà, totale frivolezza, attrazione per l'esotico e disprezzo per tutto ciò che è razionale, costruttivo e naturale. Tuttavia, questo stile è caratterizzato anche da raffinatezza e inventiva. La principale forza creativa del rococò è stata la ricerca di nuove vie di svolta. Anche quando il rococò sembra un gioco fantastico, internamente non rompe con il buon senso. Uno dei più grandi successi del rococò è l'instaurazione di un contatto vivo con il pubblico. Questo stile frivolo, raffinato e aristocratico pose le basi per l’età democratica dell’Illuminismo. Con la sua negazione del pathos e dell'eroismo, il rococò diede impulso allo sviluppo di una nuova arte, più intima e da camera, e quindi più personale e sincera. L'arte si avvicinava alla vita quotidiana; la sua misura non era più l'eccezionalismo eroico, ma la norma umana ordinaria. Il rococò portò a nuove conquiste estetiche.

Ciò è particolarmente evidente nell’arte applicata. Per sua stessa natura, il rococò doveva trovare l'elemento di cui aveva bisogno in questo mondo di forme in miniatura, così strettamente connesso con la vita quotidiana. Tutto ciò che circonda una persona - mobili, stoviglie, tessuti decorativi, bronzo, porcellana - sembra essere contagiato da un'atmosfera spensierata e giocosa, creata da colori chiari e luminosi, leggerezza delle forme, motivi traforati di ornamenti che coprono tutto e penetrano ovunque.

Nella pittura rococò, le tonalità chiare sono fissate e isolate come colori indipendenti. Hanno un nome nello spirito dello stile “galante”: “il colore della coscia di una ninfa spaventata”, “il colore del tempo perduto”. Anche le opere d'arte applicata, che occupavano un posto importante nella cultura rococò, erano colorate con colori simili e raffinati. Ad esempio, l'artista F. Boucher ha lavorato molto nel campo della pittura decorativa, realizzando bozzetti per arazzi e dipingendo su porcellana. I dipinti di Boucher non obbediscono più alle leggi della pittura da cavalletto. Diventano principalmente pannelli decorativi e decorazioni per interni. Pertanto, l'autore non si preoccupa tanto dell'integrità artistica della tela, ma della sua efficacia esterna e vivacità. Boucher è riuscito a portare nella pittura tutto ciò che il gusto dei suoi spettatori richiedeva: grazia, sensualità, leggerezza spensierata, spesso umorismo e sempre un sentimento di costante celebrazione.

Un rappresentante di spicco dello stile rococò nella pittura fu A. Watteau. Il suo lavoro mostra al meglio che tipo di scoperte umane nascondeva questa presunta arte "falena". I dipinti di Watteau sono sempre decisamente teatrali. Il paesaggio in essi ricorda uno scenario, i personaggi sono posizionati come se stessero interpretando una sorta di messa in scena in un'opera teatrale. argomento principale La creatività di Watteau: un gioco d'amore, un flirt aggraziato, una civetteria teatrale, un lavoro per il pubblico. Non ci sono passioni shakespeariane qui, ma c'è una tristezza fastidiosa, la malinconia del tempo che passa è presente nelle immagini sottili e femminili di A. Watteau, esperto di anime umane. I suoi dipinti raffiguranti feste galanti suonano come un'elegia all'epoca che passa delle delizie cortesi.

Lo stile rococò non ha ignorato l'architettura. I castelli rococò in aria erano artificiali e fragili, sebbene molto belli. La “ribellione” aristocratica contro la dura realtà si rifletteva nel fatto che l'atectonicità veniva preferita alla tettonica naturale, le proprietà dei materiali e delle proporzioni, proporzioni diverse da quelle della natura e le leggi di gravità venivano rifiutate. Nella disposizione degli edifici e nell'aspetto delle facciate, lo stile rococò appariva poco qui; la linea di sviluppo dal barocco al classicismo continuò, e l'influenza del rococò fece sì che le forme dell'ordine diventassero più leggere, più aggraziate, con sfumature di intimità. Un esempio è il Petit Trianon a Versailles, un piccolo palazzo nel profondo del parco. Solo i padiglioni, i gazebo e in generale le strutture di intrattenimento e decorative furono costruiti interamente nello spirito rococò. E l'area principale dell'architettura rococò era la progettazione degli interni. Molto spesso, gli edifici con facciate di ordine rigoroso, come la villa Soubise a Parigi, si rivelavano un regno di bizzarra rocaille all'interno.

L'assolutismo francese creò forme speciali di rituale di corte, cerimonialità, rispetto dell'etichetta, galanteria (dal francese "gala" - solenne, magnifico). Queste forme si sono diffuse in vari ambiti della vita, comprese le relazioni tra uomini e donne. C'era un atteggiamento dimostrativo e rispettoso nei confronti della signora con alcune sfumature erotiche. Divenne una moda, simbolo del buon gusto, coltivata in vari ambienti della nobiltà e della borghesia francese.

È difficile sopravvalutare l'influenza del rococò sulla moda. IN XVIII secolo, l'ideale della bellezza maschile e femminile si forma sotto l'influenza delle leggi di Rocaille. Tutto perde la sua maestosità e diventa elegante, civettuolo e aggraziato. L'evoluzione si muove verso una maggiore raffinatezza e raffinatezza, e l'uomo perde le caratteristiche della mascolinità, diventando effeminato. Si mette guanti eleganti sulle mani, si sbianca i denti e si arrossa il viso. Un uomo cammina e cavalca in un passeggino il meno possibile, mangia cibi leggeri, ama comode sedie. Non volendo restare indietro rispetto a una donna in nulla, usa lino pregiato e pizzi, si impicca con orologi e si decora le dita con anelli.

La donna dell'era rococò è piccante, fragile e aggraziata. Deve avere l'aspetto di una bambola; sul viso viene applicato uno strato di calce e fard, i capelli sono cosparsi di cipria, macchie nere mettono in risalto il candore della pelle, la vita è stretta a dimensioni inimmaginabili e contrasta con l'immenso sfarzo delle gonne. La donna sta sui tacchi alti e si muove con molta attenzione. Si trasforma in una creatura capricciosa e raffinata, un fiore esotico. Per creare un tale aspetto, vengono sviluppati un'andatura e gesti speciali. In un costume del genere puoi ballare solo alcuni balli appositamente progettati per questo scopo. E così il minuetto diventa il ballo ufficiale preferito dell'epoca. Il posto del bello e del sublime viene preso dall'adorabile, divenendo il nuovo idolo dell'epoca. Dopotutto, il bello può essere maestoso, ma l’adorabile non potrà mai esserlo.

L'attributo principale di quel tempo, la parrucca bionda, è deliberatamente artificiale - senza imitare i capelli naturali, incornicia il viso, come la cornice di un quadro, come una maschera - il volto di un attore con parrucche bianche, incipriate e imbellettate. sembrano tutti estremamente giovani. Lo stile cortese rococò ignora decisamente la vecchiaia. Solo la giovinezza, anche l'infantilismo, viene estetizzato; tutto ciò che è giovane ne è attratto. Sta emergendo un nuovo ideale di bellezza, associato allo squisito piacere sensuale. La nudità della donna lascia il posto a mezze nudità piccanti, dando luogo a fantasie misteriose e languide.

Flirtare è il passatempo più popolare dell'aristocrazia oziosa. La morale diventa sempre più libera e la virtù, la fedeltà, la castità sembrano noiose e ridicole. Il vizio è idealizzato nello spirito del culto del piacere. Tutte le esperienze ruvide, pericolose, forti e profonde, inclusa la gelosia, vengono consapevolmente eliminate. Tra gli attributi dei giochi d'amore ci sono mosche, ventagli, maschere, sciarpe. Un ventaglio, ad esempio, si trasforma nel compagno costante di una donna, nell’elemento più importante della vita sociale. Le permette di nascondere i suoi sentimenti e il suo umore o di enfatizzarli specificamente. Il ventaglio funge da “armatura galante” senza di essa, una donna si sente indifesa. Nei salotti di quel tempo flirtavano pubblicamente, apertamente. Flirtare è organicamente incluso nella vita di tutti i giorni. Le leggi della cavalleria richiedono la capacità di trovare espressioni innocenti quando si discute degli argomenti più osceni, e l'alta società si diverte con queste conversazioni.

L'istituzione del matrimonio non era associata al proclamato culto del piacere. Il matrimonio è un’impresa imprenditoriale, una transazione commerciale. Ciò era evidenziato dalla pratica comune dei matrimoni precoci tra la nobiltà e il vertice della borghesia. Una ragazza che ha compiuto 15 anni è già una sposa, e spesso una moglie. Gli sposi si sono incontrati per la prima volta poco prima del matrimonio, o addirittura il giorno prima. Prima del matrimonio, le ragazze venivano tenute e allevate in qualche istituto scolastico, di regola, in un monastero. Sono stati presi da lì proprio prima del matrimonio. La rovina della nobiltà diede origine a un nuovo fenomeno: la disalleanza, un matrimonio ineguale tra rappresentanti della nobiltà e capitale monetario.

Il rococò portò con sé non solo affettazione e stravaganza. Si liberò dall'enfasi retorica e riabilitò in parte i sentimenti naturali, anche se in abiti da balletto in maschera. Il rococò è un ulteriore movimento della cultura europea verso il realismo, che incarna le naturali aspirazioni umane alla bellezza e al comfort, allo stato d'amore.

Tuttavia, il rococò non era l’unico stile XVIII secolo. Uno degli artisti più importanti dell'epoca - J.-B. Chardin. Il suo lavoro differisce dalle opere dei maestri rococò sia nello stile che nel contenuto. Ha lavorato su nature morte e scene di tutti i giorni, generi basati sull'osservazione e sul lavoro diretto con la natura. Chardin è giustamente considerato il creatore di un nuovo genere basato su scene della vita quotidiana di una modesta famiglia borghese. Le caratteristiche principali di questo genere sono l'autenticità e la semplicità. L'artista porta nelle scene domestiche lirismo intimo, spontaneità, grazia libera, semplicità disinvolta, tutto ciò che è considerato una scoperta XVIII secolo. I personaggi di Chardin sono persone virtuose e pie (“Preghiera prima di cena”, “Ritorno dal mercato”). Dagli anni '50, la natura morta è diventata il genere principale di Chardin. Una natura morta con attributi d'arte (1766) contiene gli accessori di un pittore illuminista: una tavolozza con pennelli, carta, strumenti di misura, libri (l'artista deve studiare costantemente), una copia di una scultura di J.-B. Pigalya. Tutto ciò crea l'idea di un artista di quel tempo, che vive in un mondo di alti ideali e allo stesso tempo è in grado di riflettere il mondo reale.

Un vero rinnovamento del genere del ritratto è portato avanti da M.-K. Latour. Non solo non si sente un aristocratico, ma con loro si comporta in modo indipendente e audace. L'unica cosa importante per lui è un vero senso della vita e l'accuratezza della caratterizzazione. I suoi personaggi non sono quasi mai lasciati soli con se stessi e non rivelano i loro stati d'animo e pensieri segreti. Si rivolgono allo spettatore, ma rimangono sempre distanti da lui. Non vogliono confessargli nulla. Ma allo stesso tempo sono infinitamente più sottili, più intelligenti, più sfaccettate di quei volti che sembrano dai ritratti di F. Boucher.

La comparsa in Francia della pittura di innovatori come Latour o Chardin non può essere compresa senza fare riferimento ai cambiamenti avvenuti nella vita spirituale della società francese. Questo periodo e i potenti Il movimento del pensiero fu chiamato Illuminismo. È stato causato alla vita dalla crescente discordia tra l'intera struttura sociale della Francia, che continua a perpetuare le tradizioni monarchiche, feudali, religiose, e quelle spontanee processi storici che ha portato avanti il ​​Paese. Il vecchio regime, le sue leggi, la sua cultura e la sua morale si trovano ad affrontare una diffusa resistenza pubblica.

Il fondamento teorico della filosofia educativa fu posto dal filosofo inglese F. Bacon. Ha creato una nuova teoria della conoscenza, secondo la quale la conoscenza nasce dall'osservazione e dall'esperienza. Sosteneva che l'uomo, attraverso l'osservazione e la sperimentazione e le conseguenti generalizzazioni filosofiche, poteva accumulare conoscenze utili. Per fare ciò è necessario utilizzare il metodo del “dubbio sistematico” per sbarazzarsi di dogmi, pregiudizi e altri idoli della cultura feudale medievale. R. Descartes ha fatto del “metodo del dubbio” il punto di partenza della conoscenza. Ha paragonato la coscienza a una tabula rasa su cui il soggetto conoscente scrive concetti verificati dalla sua stessa mente. In questo senso Cartesio è il fondatore del razionalismo moderno. Il terzo predecessore dell'Illuminismo fu il medico inglese D. Locke. Afferma anche che la coscienza è una tabula rasa.

Tuttavia, fu in Francia che l’Illuminismo trovò la sua espressione più piena e radicale. Inoltre, l’Illuminismo è spesso definito come un fenomeno della coscienza nazionale francese. Gli illuministi propongono l'idea dell'emancipazione personale. Aderivano alla teoria dell'egoismo razionale, dell'egoismo (Holbach, Helvetius, Diderot). Possiamo dire che furono loro i primi a porre il problema dell’uomo senso moderno: il problema dell'uomo come individuo consapevole della sua unicità.

Sottoponendo tutto a critica, gli illuministi cercavano un inizio assoluto e irremovibile. Hanno trovato tale sostegno nella natura umana, al di sopra della storia. Tutto cambia, ma lei rimane la stessa. L'ideale di Voltaire è una natura bella, intelligente e civilizzata. Questo ideale è lo stesso per tutti i tempi e per tutti i popoli, nonostante le differenze nella morale, nelle leggi e nei costumi. Voltaire chiama i principi morali unificati e universali “leggi naturali”. Voltaire si batteva per una monarchia illuminata. Voltaire è generalmente una delle figure più importanti e chiave dell'illuminismo francese. Non era ateo, come Diderot. Tuttavia, Voltaire riconosceva Dio piuttosto come una forza morale capace di ammorbidire la morale e mantenere le masse nel quadro della moralità pubblica. Negli anni '60, insieme all'idea di una monarchia illuminata, Voltaire propose l'ideale di una repubblica come forma di governo più ragionevole ("Idea repubblicana").

Voltaire, come la maggior parte degli illuministi, incarnava le sue idee filosofiche in forma artistica. Vedeva l'arte come un mezzo per trasformare il mondo e ne sottolineava l'orientamento didattico. Dal suo punto di vista, l'arte è un prodotto della civiltà, che gli illuministi intendevano come l'opposto dell'ignoranza e della barbarie, la creazione dello spirito umano. Voltaire considerava la fonte della bellezza la forma in cui si incarna la volontà dell’artista. Con apparente libero arbitrio, la forma implica un rigido sistema di regole sotto forma di un dato ritmo, rima, norme lessicali, stilistiche e di altro tipo. In un artista, Voltaire apprezzava l'abilità artistica, il virtuosismo e l'abilità. Da qui il desiderio di Voltaire per la categoria del gusto come sentimento estetico speciale. Il cattivo gusto nasce laddove l’equilibrio tra natura e cultura è disturbato. Di conseguenza, il cattivo gusto nasce in un'era di declino, in una civiltà che si è allontanata dalla natura. Voltaire apprezzava il classicismo, che restituiva il senso delle proporzioni all'arte. L'ideale di Voltaire è una natura intelligente e civilizzata.

Voltaire assegnò un ruolo speciale al teatro, nel quale vide una piattaforma per promuovere nuove idee, un potente mezzo educativo e una scuola di moralità. Voltaire, infatti, assegnava al teatro l'importante ruolo che svolgeva nell'antichità. Parlando del teatro ideale di cui avevano bisogno i suoi contemporanei, Voltaire invitava a combinare i principi dell'inglese con il culto shakespeariano delle passioni, e Teatro francese, con il suo culto della ragione e del senso delle proporzioni. Una delle categorie più importanti dell’estetica di Voltaire è la verosimiglianza: ciò che viene raffigurato deve corrispondere al buon senso naturale, alle leggi universali della ragione. Ma il requisito della verosimiglianza - cioè solo l'apparenza della verità, la sua apparenza - presuppone la creazione di un'illusione artistica, che Voltaire comprende più ampiamente di Diderot, il quale suggerì che tutto ciò che raccontava non era finzione, ma realtà. Per Voltaire l'illusione è nella natura stessa dell'arte ed è una condizione indispensabile per la bellezza. La condizione per la bellezza è una combinazione di cose reciprocamente esclusive: l'impressione di agio e libertà con il rigoroso rispetto delle regole.

D. Diderot è il prossimo grande rappresentante dell'Illuminismo. Propone l'idea dell'autopropulsione della natura, che non ha bisogno di un creatore. In effetti, questa è l'idea della generazione spontanea della vita. Diderot, a differenza di Voltaire, non riconosce categoricamente la religione per ragioni etiche. In contrasto con l'etica cristiana, afferma una moralità naturale basata sull'armonia degli interessi personali e pubblici.

Avendo basato la teoria della bellezza sull'idea delle relazioni, Diderot ha ampliato la portata dell'arte. Da questo punto di vista, non solo la creazione dell'uomo, ma anche qualsiasi fenomeno naturale può diventare oggetto di rappresentazione artistica, a condizione che sia compreso nella sua relazione con il tutto, che risvegli in una persona l'immagine di questo tutto.

Diderot definisce la bellezza nell'arte come la corrispondenza tra l'immagine e l'oggetto, ma questa corrispondenza è sempre condizionata, perché soggettiva. Se copi completamente un oggetto, il significato della creatività si perde. Pertanto, dal punto di vista di Diderot, grande persona non quello che dice la verità, ma quello che sa conciliare la verità con la fantasia artistica. Ricordiamo il grande Socrate, che nelle sue tragedie ha rappresentato le persone come dovrebbero essere. Diderot sottolineava inoltre che l'imitazione completa e diretta della natura dà origine a qualcosa di estremamente convenzionale, lontano dal prototipo naturale. Per creare l'illusione della realtà ciò che serve non è il genio, ma la presenza del gusto, la capacità di allontanarsi in tempo dalla realtà. L'opposizione tra gusto e genio è già delineata in Voltaire, che generalmente assegna al gusto il ruolo di protagonista nella creatività artistica. Dopotutto, il gusto è il risultato del lavoro e dell'esperienza di molte generazioni, da un lato, e di un sentimento diretto, un ideale, dall'altro. Diderot ricercava ancora l'armonia tra gusto e genio, cultura e natura, tradizione e innovazione. L'arte dovrebbe riflettere la natura e allo stesso tempo distinguersi da essa; questa è la magia dell'arte, capace di trasformare l'oggetto più disgustoso in qualcosa di bello.

L'arte, dal punto di vista di Diderot e degli illuministi francesi in generale, è chiamata a educare una persona libera e illuminata, come un'antica tragedia greca, quindi ha un ruolo speciale e fatidico. Dopotutto, la natura non è né buona né cattiva; è priva di soggettività umana. Nell'arte, al contrario, regna la volontà ragionevole dell'artista, basata sul suo sistema di valori intrinseco. Sulla base di quanto sopra, Diderot credeva che la tragedia dovesse essere sostituita dal genere del dramma borghese, il rapporto tra l'autore e il pubblico dovesse diventare simile al rapporto tra insegnante e studente.

J.-J. Rousseau è l'educatore francese più radicale. Nel suo primo trattato, “Discorso se lo sviluppo delle scienze e delle arti abbia contribuito alla purificazione dei costumi?” Rousseau nota l'effetto dannoso della cultura sulla vita morale dell'umanità. La civiltà ha svezzato una persona dalla sincerità e ha portato a un declino del valore civico. Il suo ideale è l'asceta Sparta. Secondo Rousseau, l'umanità, attraverso prove sanguinose, arriverà alla verità e alla felicità. La dottrina di Rousseau sulla moralità naturale e pura era allora molto popolare, e non solo tra il terzo stato, ma anche tra gli aristocratici. Il suo ideale morale ed estetico è stato incarnato nel romanzo "La nuova Eloisa" - un esempio lampante di prosa sentimentale XVIII secolo. Il libro di Rousseau è un manifesto della libertà di sentimento, che non è determinata dallo status sociale di una persona. L'influenza delle opinioni di Rousseau su N. M. Karamzin, A. N. Radishchev, Pushkin, F. M. Dostoevskij, L. N. Tolstoy è forte.

Gli illuministi consideravano la ragione e l’illuminazione generale un prerequisito per realizzare una comunità felice. Le loro idee prepararono i francesi rivoluzione borghese, tuttavia, i famosi slogan “Libertà, uguaglianza, fraternità” non furono mai realizzati. L’età della ragione è finita, e sta per arrivare crisi spirituale sono apparsi nuovi dominanti. Il romanticismo, che ha sostituito il classicismo, ha proclamato la priorità dei sentimenti.

All'inizio del XVII secolo, il Rinascimento nella cultura artistica Europa occidentale esaurì la sua vitalità e la società progressista si rivolse a un nuovo tipo di arte. Si è finalmente delineato il passaggio da una percezione poeticamente olistica del mondo, caratteristica degli scienziati e dei pensatori del Rinascimento, a metodo scientifico conoscenza della realtà. "L'unica autorità dovrebbe essere la ragione e la libera indagine" - questo è il motto di questa epoca, proclamato da Giordano Bruno alla vigilia di nuove conquiste. “...la natura del processo culturale europeo nel XVII secolo. era estremamente complesso, eterogeneo e… contraddittorio.”

In questo momento venne alla ribalta la cultura artistica di cinque paesi: Italia, Fiandre, Olanda, Spagna e Francia. L'arte di ciascuna delle cinque scuole nazionali era caratterizzata da caratteristiche uniche. caratteristiche distintive. Tuttavia, molte cose li univano e li avvicinavano, il che ci permette di parlare del XVII secolo come di una tappa integrante della storia dell'arte nell'Europa occidentale. I maestri provenienti da paesi con diversi livelli di sviluppo economico e sociale spesso risolvevano nelle loro opere i problemi comuni a quel tempo.

L'arte del Rinascimento incarnava gli ideali umanistici e affermava il culto della bellezza e della superiorità umana. Ciò riguardava sia il contenuto che la forma delle opere dell'epoca. Gli artisti del XVII secolo affrontarono compiti completamente diversi. La realtà appariva davanti a loro in tutta la sua diversità, con molti conflitti sociali acuti e talvolta insolubili. Il quadro dello sviluppo dell’arte dell’Europa occidentale durante questo periodo è particolarmente complesso. Le opere d'arte dell'epoca designata sono piene di ogni sorta di manifestazione della realtà contemporanea degli autori. Le trame dei dipinti su temi biblici e mitologici acquisirono caratteristiche specifiche della vita e furono anche ricevute ampio utilizzo immagini fino ad ora impopolari della vita quotidiana di un privato e del mondo delle cose che lo circondano, veri motivi della natura. Rispettivamente andamento generale formato nuovo sistema generi artistici. La posizione di leader in esso apparteneva ancora al genere biblico-mitologico, ma in alcune scuole d'arte nazionali i generi direttamente legati alla realtà iniziarono a svilupparsi intensamente. Tra loro c'erano ritratti di persone di varie classi, episodi della vita di borghesi e contadini, paesaggi modesti e disadorni, vari tipi Nature morte.

Nelle opere dei maestri del XVII secolo, la trasmissione ricevette un nuovo significato che circonda una persona ambiente. Lo sfondo non riempiva più solo il piano dell'immagine, ma acquisiva lo status di una caratteristica aggiuntiva dell'eroe o degli eroi dell'immagine. Inoltre c'era nuova tradizione trasmissione di immagini e fenomeni - in movimento e cambiamento.

Un'espansione così su larga scala della riflessione artistica della realtà, così come della diversità, è servita da impulso per l'emergere di nuove direzioni nella cultura artistica dell'Europa occidentale, la nascita di due stili vicini: barocco e classicismo. Lo stile barocco dominò l'arte europea tra il manierismo e il rococò dal 1600 circa fino all'inizio del XVIII secolo. Il nuovo stile ereditò il dinamismo e la profonda emotività dal Manierismo, la solidità e lo splendore dal Rinascimento, e le caratteristiche di entrambi gli stili si fusero armoniosamente in un unico insieme. Il classicismo ha assorbito le idee del razionalismo, rivolgendosi alle forme dell'arte antica per trarre ispirazione. Opere classiche dichiarato l'armonia e la logica dell'universo. Questo stile si sviluppò parallelamente al barocco e durò fino all'inizio del XIX secolo. Mentre le città italiane di Roma e Firenze sono considerate la culla della prima, la seconda si sviluppò in un sistema stilistico integrale proprio nella cultura artistica francese. Il realismo era un'altra nuova forma di riflessione artistica della realtà, ma non è consuetudine distinguerlo in uno stile separato nel quadro dello sviluppo delle belle arti nell'Europa occidentale nel XVII secolo.

In generale, l'evoluzione dell'arte nel XVII secolo può essere rappresentata sotto forma di diverse fasi principali. L'inizio del secolo fu un periodo in cui si affermarono tendenze progressiste, la lotta di artisti di nuova formazione con i resti del manierismo. Il più grande pittore italiano dell'epoca, Caravaggio, giocò un ruolo di primo piano nello stabilire nuovi principi progressisti. Gli inizi di nuovi principi di riflessione realistica dell'immagine del mondo sono già apparsi nel suo lavoro. Le sue idee innovative penetrarono presto nell'arte di diverse scuole nazionali. Parallelamente a questo processo, a cavallo tra il XVI e il XVII secolo, avvenne la formazione e la diffusione dei principi arte barocca.

La prima metà e la metà del XVII secolo presentano un quadro dei più alti risultati nell'arte dell'Europa occidentale dell'epoca. Durante questo periodo, le tendenze progressiste acquisirono un'importanza primaria in tutte le scuole d'arte nazionali, ad eccezione dell'Italia. Nell'arte italiana risalgono a quest'epoca le più alte conquiste della scultura e dell'architettura legate ai nomi di Bernini e Borromini.

Nella seconda metà del XVII secolo si verificò una svolta. Nell'arte di Italia e Spagna, la linea cattolica reazionaria prese una posizione dominante, in Francia la direzione ufficiale della corte, e l'arte delle Fiandre e dei Paesi Bassi cadde in uno stato di profondo declino e stagnazione. Il grado di unità insito in ogni cosa arte XVII secolo, non dentro ultima risorsa associato all’intenso scambio artistico caratteristico di quest’epoca. La rapida diffusione di nuove idee creative nelle scuole d'arte vicine è stata facilitata dai viaggi educativi di giovani artisti in Italia e dai grandi ordini esteri ricevuti da artisti del livello corrispondente.

Roma, che ha sempre attratto artisti con i tesori dell'arte classica dell'antichità e del Rinascimento, si trasformò in una sorta di centro artistico internazionale, dove vivevano intere colonie di pittori provenienti da diversi paesi europei. Oltre al fatto che Roma era il centro principale della formazione dell'arte barocca e allo stesso tempo il centro in cui il metodo rivoluzionario di Caravaggio si dispiegò in tutta la sua potenza, poteva anche fungere da roccaforte per le idee del classicismo - Poussin e Claude Lorrain trascorse qui gran parte della sua vita. A Roma lavorò il maestro tedesco Elsheimer, che diede un contributo significativo alla formazione dei singoli generi di pittura nel XVII secolo, e qui si formò una direzione unica nella pittura quotidiana, rappresentata da un gruppo di maestri olandesi e italiani (“bamboc chanti ").

Per tutto il XVII secolo, l'arte si sviluppò sotto il segno della lotta, che si espresse nel confronto tra i canoni artistici conservatori che passavano in secondo piano e i nuovi principi artistici. Questa lotta si è manifestata in contraddizioni interne, caratteristico dell'opera di questo o quel maestro, nei conflitti tra artisti di diverso genere, o anche nello scontro tra Poussin e i maestri della corte francese.

Fondata nel 1634 su iniziativa di A. de Richelieu, l'Accademia di Francia codificò la lingua letteraria e promosse le norme della poetica del classicismo, il primo sistema artistico ed estetico “ufficialmente approvato”. Ciò è stato fatto con l'obiettivo di subordinare al massimo le varie istituzioni sociali e la sfera della cultura al potere monarchico. Ma una tale manifestazione del già accresciuto potere del re incontrò una risposta estremamente negativa tra la nobiltà francese e suscitò un'aperta opposizione al monarca da parte dei feudatari. Successivamente si sviluppò nella rivolta del 1648-1653.

Il XVII secolo fu un secolo di grandiose scoperte e rivoluzioni nella scienza (soprattutto in astronomia, fisica, chimica, biologia, geografia, algebra e geometria). Allo stesso tempo, divenne un'era di rapido sviluppo dell'arte, rapida fioritura della letteratura, pittura, architettura, arte decorativa, applicata e di giardinaggio, la comparsa delle prime opere e balletti e la liberazione del teatro dagli elementi del mondo. “cultura urbana” del Medioevo. Questo periodo nella storia della cultura mondiale è caratterizzato da una cooperazione attiva e da uno scambio di esperienze tra rappresentanti della scienza e dell'arte, tra filosofi e artisti.

Nel XVIII secolo la Francia divenne il centro del movimento educativo. Questo movimento intellettuale e spirituale, che fu una naturale continuazione dell’umanesimo del Rinascimento e del razionalismo della prima era moderna, ebbe origine in Inghilterra nel XVII secolo e un secolo dopo trovò la sua strada in Europa.

Questo secolo vide il periodo di massimo splendore della filosofia materialista dell’educazione in Francia e Inghilterra. Una scuola di filosofia idealista classica si sviluppò in Germania. In Italia, per opera di Giovanni Battista Vico, furono compiuti i primi esperimenti per introdurre il metodo dialettico nella filosofia dei tempi moderni. Le scienze naturali si svilupparono rapidamente e si avvicinarono alla produzione e alla tecnologia. Il passaggio all’era industriale fu annunciato dalla creazione di nuove macchine. Lo scambio di idee filosofiche, scientifiche ed estetiche tra i paesi ha acquisito un significato particolare.

L'Illuminismo portò un rapido sviluppo e portò la musica e la letteratura in prima linea nell'arena culturale. Gli scrittori di prosa si interessarono al destino di un singolo personaggio e cercarono di raccontare al mondo la complessa relazione tra uomo e ambiente. La musica ha acquisito lo status di forma d'arte indipendente. Le opere di Bach, Mozart e Gluck servivano a trasmettere l'intero spettro delle passioni umane. Questa volta è stata caratterizzata dallo studio della natura della recitazione, delle questioni dell'etica del teatro e delle sue funzioni sociali.

Il progresso artistico ha avuto un impatto alquanto ambiguo sulle arti visive. Un sottile senso di un momento catturato magistralmente è inerente a tutti i ritratti e i dipinti di genere dell'epoca.

Il XVIII secolo è passato alla storia dell'arte come il secolo della ritrattistica, emerso in una nuova fase nello sviluppo della cultura artistica. I ritratti di Latour, Gainsborough e Houdon illustrano chiaramente le tendenze dell'epoca. Sono caratterizzati dall'osservazione sensibile, dall'intimità e dal lirismo dell'autore. Le scene di genere di Watteau trasmettono miracolosamente tutte le sfumature dei diversi stati d'animo, proprio come i dipinti di Chardin tema quotidiano o i paesaggi urbani di Guardi. Tuttavia, la pittura ha perso la pienezza della copertura della vita spirituale umana che era caratteristica dei dipinti di Rubens, Poussin, Rembrandt e Velazquez.

Formazione nuova cultura era disomogeneo nei diversi paesi. Così, in Italia, le tradizioni del secolo precedente continuarono a svilupparsi. In Francia, il suo inizio corrispondeva all’apparizione dell’arte raffinata di Watteau, e alla fine del XVIII secolo il pathos rivoluzionario dei dipinti di David divenne caratteristico. Lo spagnolo Goya ha trasmesso al suo lavoro un interesse per gli aspetti luminosi ed espressivi della vita. In alcune zone della Germania e dell’Austria, questo fenomeno si riflette nel campo dell’architettura dei palazzi e dei giardini. Il volume delle costruzioni civili è aumentato notevolmente. L'architettura era caratterizzata dallo stile barocco.

L'immagine architettonica di un'unica villa venne ora decisa in modo più confortevole ed elegante. È così che si sono formati i principi di un nuovo stile artistico: il rococò, meno pretenzioso e più intimo del barocco. Il nuovo stile si è manifestato in architettura principalmente nel campo della decorazione, piatto, leggero, capriccioso, estroso e raffinato. Il rococò non era lo stile principale dell'epoca, ma divenne la direzione stilistica più caratteristica nella cultura artistica dei principali paesi dell'Europa occidentale e centrale nella prima metà del XVIII secolo.

La pittura e la scultura di nuova costituzione avevano una funzione puramente decorativa e servivano come decorazione d'interni. Quest'arte era progettata per uno spettatore sensibile e perspicace; evitava un'eccessiva drammatizzazione della trama ed era di natura esclusivamente edonistica.

La pittura e la scultura della seconda metà del XVIII secolo sono caratterizzate dalla genuina vitalità delle immagini. Il classicismo del XVIII secolo era qualitativamente diverso dal classicismo del XVII secolo. Avendo avuto origine con il Barocco, non solo è esistito parallelamente ad esso, ma si è sviluppato in opposizione a questo stile, superandolo.

No, non sarai dimenticato, un secolo di follia e saggezza!..
UN. Radishchev

Nella serie dei secoli della storia europea, occupa il XVIII secolo posto speciale. Ci sono stati tempi di conquiste più grandiose, ma non c’è stata epoca più completa nello stile, più, per così dire, “intera”. Il famoso critico d'arte N. Dmitrieva lo definisce l'ultimo secolo del dominio della cultura aristocratica. Da qui la sua raffinatezza e questa stessa “eleganza”, a volte a scapito della profondità. E allo stesso tempo, questa è l’era dell’istituzione di nuovi valori nella vita degli europei, valori che sono vivi ancora oggi e che, di fatto, determinano il volto attuale della civiltà europea.
Al suono melodioso dei clavicembali e delle arpe, si verificarono simultaneamente diverse rivoluzioni nelle vite, nelle teste e nei cuori degli europei, di cui solo due chiamiamo comunemente "rivoluzioni" vere e proprie: la Grande Rivoluzione Francese e la Guerra d'Indipendenza degli Stati Uniti d'America. America. Intanto nelle frasi che l'Europa scrisse diligentemente per tutto il XVIII secolo non inserirono che punti che odoravano di sangue e polvere da sparo.
Quindi, prima di tutto parliamo un po’ delle rivoluzioni.

Rivoluzione sui tavoli

Il risultato principale del “XVIII secolo” è che, in linea di principio, ha posto fine alla carestia nei principali paesi d’Europa. Le “rivolte del pane” a Parigi non ci preoccupano più di tanto: più spesso si scatenavano per la mancanza o il costo elevato del già familiare pane bianco. Quindi la frase frivola di Maria Antonietta (“Se il popolo non ha pane, mangi la torta”) in un certo senso non è così frivola. Sì, ci furono interruzioni nella fornitura di pane alle grandi città, ma in termini di carestia assoluta, l'Europa soffrì in pieno all'inizio del XVIII secolo, quando durante un cattivo raccolto, anche il pane nero cominciò a essere servito da Madame Maintenon tavolo.
Nel XVIII secolo il menu europeo cambiò radicalmente. Alla vecchia triade (pane carne vino) si aggiungono nuovi prodotti: patate, mais, spinaci, piselli verdi, tè, caffè e cioccolata (che stanno diventando prelibatezze sempre più apprezzate). E i precedenti tre “pilastri” della dieta europea stanno cambiando significativamente il loro “volto”. Dalla metà del XVIII secolo in Francia il pane di segale è stato sostituito dal pane di frumento fatto con il latte (le famose “scatole francesi” furono portate in Europa dai soldati di Napoleone con le loro baionette).
Con il miglioramento dell’allevamento del bestiame, il mercato della carne, che era stato estremamente limitato dalla forte crescita demografica dei tre secoli precedenti, va progressivamente saturandosi. Naturalmente, per la maggior parte degli europei la carne non è ancora disponibile nella forma più salutare: sotto forma di carne in scatola e tutti i tipi di carne affumicata. Ma con il pesce era ancora più difficile: dicevano che i poveri potevano godersi solo il profumo del pesce fresco.
Infine, le preferenze climatiche e di gusto determinano anche le caratteristiche del consumo di bevande alcoliche. Il sud e il sud-ovest dell'Europa hanno scelto il vino, il nord e il nord-ovest la birra e il nord-est più affascinante e freddo, ovviamente, la vodka.
L'afflusso di zucchero (in generale ancora molto costoso) ha permesso di fare scorta di frutta e bacche (e vitamine per l'inverno). È vero, all'inizio del XVIII secolo, la marmellata era ancora un prodotto così raro e prezioso che, ad esempio, i parigini la presentarono in dono a Pietro il Grande.
Tutte queste innovazioni apparentemente puramente culinarie hanno prodotto una vera rivoluzione. Basti dire che la Gran Bretagna, che non conosceva la carenza di prodotti a base di carne, deve in gran parte a questo la sua potente crescita demografica nel XVIII secolo, senza la quale, di fatto, l'Impero britannico non sarebbe esistito. E l’amore per il tè dei coloni americani portò alla loro indignazione per l’aumento delle tasse sul tè introdotto dai funzionari inglesi (il cosiddetto “Boston Tea Party”). In senso figurato, gli Stati Uniti d'America sono nati da una tazza di tè versato.
La rivoluzione dei tavoli ha dato impulso allo sviluppo della società. Senza di lei Europa e Nord America non sarebbe diventato il potere egemone del resto del mondo nel 19° secolo.
(A proposito, il XVIII secolo si occupò anche dell'apparecchiatura della tavola europea, che fu notevolmente facilitata dalla produzione di porcellana, dal buongustaio invece della golosità e dall'aumento degli standard igienici. Le regole di comportamento a tavola, i piatti e le posate ci sono arrivate (almeno a livello di banchetti di ambasciata e di ristorante) da lì, dal “XVIII secolo”).

Rivoluzione nelle nostre teste

Il XVIII secolo è solitamente chiamato l'Età dell'Illuminismo, sebbene questa parola stessa sia troppo lenta e definisca approssimativamente i processi che hanno avuto luogo nelle menti degli europei tra il 1700 e il 1804 (indico l'anno della morte di I. Kant).
I pensatori europei rompono con la teologia e delimitano la sfera della filosofia propria delle scienze naturali. Secondo l'immagine meccanicistica del mondo di Newton, Dio è necessario solo come colui che ha dato l'impulso iniziale allo sviluppo della natura, e poi il mondo si è allontanato da lui completamente separatamente.
Il XVIII secolo è il secolo dei professionisti, motivo per cui i pensatori non si accontentano di vuoti ragionamenti scolastici. Il criterio della verità è l'esperienza. Qualsiasi pathos e retorica sembrano inappropriati in qualsiasi circostanza. Morendo di cancro, la marchesa, per la quale Rousseau ha servito, emette gas, dichiara che una donna capace di una cosa del genere vivrà ancora e dona la sua anima a Dio, si potrebbe dire, con un sorriso audacemente spensierato.
I filosofi ammirano la perfezione del mondo (Leibniz) e lo criticano senza pietà (enciclopedisti), cantano osanna alla ragione e al progresso della civiltà (Voltaire) e dichiarano il progresso e la ragione nemici dei diritti naturali dell'uomo (Rousseau). Ma tutte queste teorie ormai, a distanza di anni, non sembrano escludersi a vicenda. Tutti ruotano attorno a una persona, alla sua capacità di comprendere il mondo che lo circonda e di trasformarlo in base ai suoi bisogni e alle sue idee sul “meglio”.
Allo stesso tempo, i filosofi sono fiduciosi da molto tempo che l'uomo è ragionevole e buono per natura, che solo le "circostanze" sono responsabili delle sue disgrazie. L'alfabetizzazione e le patate vengono piantate dagli stessi monarchi. Lo stato d’animo generale della filosofia europea del XVIII secolo può essere definito “cauto ottimismo” e il suo slogan era l’appello di Voltaire affinché ognuno “coltivasse il proprio giardino”.
Ahimè, gli orrori sanguinosi della Rivoluzione francese ci costringeranno a riconsiderare radicalmente la compiacente illusione dei filosofi, ma ciò avverrà solo nel prossimo secolo. Tuttavia, l’idea puramente europea dei diritti individuali si affermerà poi, nel XVIII secolo, come il valore più fondamentale.

Rivoluzione nei cuori

L’“Età della Ragione” non avrebbe avuto luogo in tutto il suo splendore senza una rivoluzione nei cuori. La personalità si emancipa gradualmente, realizza la sua mondo interiore altrettanto importante e prezioso. La vita emotiva degli europei sta diventando più ricca e sofisticata.
La prova immortale di ciò era ottima musica Il XVIII secolo è forse una delle conquiste più alte della storia umana.
Meraviglioso Compositore francese inizio XVIII secolo J.F. Rameau fu il primo a formulare il ruolo intrinseco della musica, che prima era considerata solo un aiuto alla parola. Scrisse: “Per godere veramente della musica, dobbiamo dissolverci completamente in essa” (citato da: G. Koenigsberger, p. 248).
La musica esprimeva le emozioni dell'epoca in modo molto più accurato e sottile della parola censurata e schiacciata dalle convenzioni. Per un europeo istruito è diventata una necessità urgente. Nelle biblioteche dei castelli cechi e austriaci, le cartelle musicali sono affollate sugli scaffali insieme ai libri: qui le nuove uscite musicali venivano lette a vista, come i giornali, e altrettanto avidamente!
La musica del XVIII secolo è ancora piena di molte convenzioni e formule date. È stata la presenza di questi luoghi comuni che ha permesso ai compositori di essere così prolifici (oltre 40 opere di G. F. Handel, più di 200 concerti per violino di A. Vivaldi, più di 100 sinfonie di I. Haydn!) ancora così democratico che dà una possibilità anche ai dilettanti: Zh.Zh. Rousseau compone un'opera che ha successo a corte, e il re stesso, terribilmente stonato, ne canta la sua arietka preferita.
La musica del XVIII secolo era strettamente connessa alla vita e alla quotidianità. Bach sperava che la sua musica sacra potesse essere eseguita da un coro di parrocchiani nella chiesa e dai suoi più amati danza quotidiana Il minuetto diventa parte integrante di ogni sinfonia fino all'era di Beethoven…
Ogni paese nel XVIII secolo realizzava la propria identità attraverso la musica. G.F. tedesco Händel portò la lussureggiante opera seria italiana nella nebbiosa Londra. Ma le storie antiche sembravano troppo astratte e senza vita al pubblico britannico. Quasi senza cambiare forma musicale, Handel procede alla creazione di oratori, che sembrano essere le stesse opere, ma solo in esecuzione del concerto, mentre sono scritti su storie della Bibbia vissute con passione dagli ascoltatori. E il grande pubblico risponde con gioia; gli oratori spirituali di Händel diventano un tesoro nazionale, la loro esecuzione si traduce in manifestazioni patriottiche.
Il risultato dello sviluppo musicale del XVIII secolo è l'opera di V.A. Mozart. Il brillante austriaco si introduce alla musica nuovo argomento il tema del destino del suo creatore, cioè introduce la personalità di un contemporaneo con i suoi desideri, gioie e paure semplici e urgenti. “In generale, l'uomo è una creatura di Dio” grazie a questo, nella musica si trasforma in un uomo di un'epoca specifica, assume le caratteristiche vera personalità e il destino…

Una rivoluzione nei costumi

Una società feudale strettamente gerarchica presta sempre particolare attenzione all'etichetta. È un mezzo per enfatizzare lo status (disuguaglianza ordinata) della posizione sociale.
Naturalmente, l'etichetta continua a dominare le relazioni tra le persone nel XVIII secolo. Gli ambasciatori ritardano la presentazione delle credenziali se i documenti che dimostrano la loro nobiltà risalgono almeno al XIV secolo non arrivano in tempo. Altrimenti, durante la cerimonia di presentazione a Versailles, il re non potrà abbracciare e baciare la moglie dell’ambasciatore, ma si limiterà a salutarla! L'etichetta domina le menti dei cortigiani a tal punto che alcuni di loro affermano seriamente che la Grande Rivoluzione francese è scoppiata perché il controllore generale delle finanze Necker è venuto dal re con scarpe con fiocchi e non con fibbie!
Tuttavia, gli stessi monarchi sono già abbastanza stanchi di tutte queste convenzioni. Luigi XV si nasconde dalle costrizioni dell'etichetta nei boudoir delle sue amanti, Caterina la Grande nel suo Hermitage, e Maria Antonietta non riesce a mandar giù un boccone al tradizionale pasto reale pubblico e si accontenta dopo, già sola.
Di fronte al cortile c'è un salone, aristocratico e borghese, dove padroni di casa e ospiti comunicano brevemente. Il tono lo danno le persone più auguste. Il reggente di Francia, Filippo d'Orléans il Giovane, proclama durante le sue orge: "Qui tutto è proibito tranne il piacere!"
Ma il lastrone di ghiaccio dell'etichetta feudale si sta sciogliendo lentamente e in modo non uniforme. Nel 1726, i lacchè di un nobile signore potevano picchiare con dei bastoni l'autore alla moda de Voltaire per una risposta sfacciata al loro padrone. Già nel 1730, la chiesa poteva rifiutarsi di seppellire la famosa attrice Adrienne Lecouvreur (nonostante fosse l'amante del maresciallo di Francia), perché durante la sua vita era impegnata nel "mestiere vergognoso di attore".
Ma vent'anni dopo, nella stessa Francia, lo status dell'artista cambia, l'artista costringerà letteralmente il re a rispettare il suo dignità umana. Ed è stato così. Offeso da Luigi XV, il famoso maestro dei ritratti a pastello Latour rifiutò per lungo tempo di immortalare “se stessa” la marchesa di Pompadour. Quando riuscì a persuadere il capriccio, l'artista si spogliò davanti a lei quasi fino alla camicia. Durante la seduta entrò il re. "Come, signora, mi avete giurato che non avrebbero interferito con noi!" Latour urlò e si precipitò a raccogliere i pastelli. Il re e la sua amante convinsero a malapena il virtuoso del pastello a continuare la sessione.
Naturalmente, in una società feudale tutto è determinato dal rango, non dal talento. Mozart scrive che alla tavola dell'arcivescovo di Salisburgo il suo posto è più alto del cameriere, ma più basso del cuoco. Ma più o meno in questo periodo l’Inghilterra borghese seppelliva l’“attore”, il grande attore D. Garrick, nell’Abbazia di Westminster!
La crisi della società feudale fa nascere una nuova idea dell’uomo. Ora l’ideale non è un feudatario o un nobile di corte, ma un privato”, una persona gentile" in Francia, un gentiluomo in Inghilterra. Entro la fine del secolo, in questi paesi non era la nobiltà, ma il successo, il talento e la ricchezza a determinare lo status di un individuo nella società.
Ecco un tipico aneddoto su questo argomento. Napoleone non sopportava il compositore Cherubini. Una volta, durante un ricevimento a palazzo, dopo aver presentato tutti i presenti, l'imperatore chiese di nuovo esplicitamente il nome di "questo gentiluomo". «Ancora Cherubini, sire!» Il maestro gli rispose bruscamente.
In altri paesi ci vorrà quasi la metà del prossimo secolo per emancipare l’individuo.…

Peter scopre l'Europa

Nel XVIII secolo sulla scena politica europea si affaccia un’altra grande potenza: la Russia. La "presentazione" del nuovo gigante politico ebbe luogo nella primavera e nell'estate del 1717, quando un'ambasciata degli ancora misteriosi, ma già leggermente europeizzati "moscoviti" visitò diverse capitali europee.
Purtroppo, né Parigi né Berlino erano affascinate dagli eroi russi guidati dallo zar Pietro.
Ora per i dettagli.
Alla fine di aprile di quell’anno i russi arrivarono al confine francese. Versailles inviò loro uno dei suoi cortigiani più eleganti, il marchese de Mailly-Nesle. Il marchese trovò i russi, naturalmente, nella taverna, che russavano e vomitavano. Solo Peter mosse la lingua.