Si è rivelato nuovo, con le immagini:
Un commento.
"Mi appassionerò:
*Gli immaginari possono essere pieni di sentimento e completamente artigiani, pappagalli. Ma entrambi non riescono ad astrarsi dalla natura*
Qui, mi sembra, c'è un punto sottile... cosa è considerato “in natura”?
Ricordo la dichiarazione di Nabokov (non la citerò ora, ma significato generale)... immaginiamo che una certa “natura” - ad esempio un paesaggio rurale, venga osservata da tre persone - un cittadino in visita che quasi vede per la prima volta erba e alberi vivi, un contadino locale cresciuto in questi luoghi, lavorando la terra, raccogliendo funghi nei boschi che conosce, ecc.
e uno scienziato naturalista, un conoscitore della natura, per il quale un prato o una foresta sono comunità biologiche altamente differenziate, in cui vede molte piante, insetti, animali specifici diversi, ma vede non solo loro, ma anche numerosi collegamenti estremamente complessi, sconosciuto né al cittadino né al contadino...
sembra che abbiamo davanti a noi la stessa realtà, natura, ma in realtà tale “realtà” è un'astrazione... a seconda del grado di immersione, attenzione, conoscenza - per ogni persona queste sono realtà completamente diverse e la loro comunanza non estende oltre gli schemi più primitivi, come “l’erba è verde”, “ci sono foglie sull’albero”...
e anche l'artista vede la “natura” con occhi completamente diversi rispetto alla persona media (qui mi scrivo con calma come uno di quelli - ho avuto a che fare con questo più di una volta esperienza personale quanto più dettagliato e sottile vedono gli artisti) - si accorge e sottolinea molto nelle forme e nei colori, e proprio in quella rifrazione, concreta e individuale, in cui è necessaria la sua arte...
quelli. Il concetto di “natura” mi sembra molto fragile nel senso comune che gli si dà...”
Risposta.
I. Artisti raffinati.
L'esempio di Nabokov considera varie opzioni interpretazione della natura, a seconda del tipo di lega di osservazioni e idee che si forma in una determinata persona.
Se lo prendiamo in modo più ampio, allora l'interpretazione della natura è il suo riflesso da parte dell'artista nelle sue opere. Riflessioni in cui ruolo principale emozioni, osservazioni e idee dell'artista giocano. Ma questo ruolo può essere svolto in due direzioni direttamente opposte.
In uno sorgono i migliori risposte emotive su qualche natura o acute osservazioni di alcune delle sue qualità. E qui otteniamo interpretazioni viventi della natura (impressionisti e, tra l'altro, buoni pittori di animali).
In un altro caso, peggiore, l’interpretazione diventa la risposta di un motivo naturale a qualche emozione o a idee esistenti nella testa dell’artista. Dicono di tale pittura: "dipingono non dal vivo, ma da un'idea", oppure la chiamano imitativa, illustrativa o letteraria. Esempi: Romantici tedeschi, Peredvizhniki russi, simbolisti francesi, ecc. Tuttavia, in alcuni casi, la pittura “per rappresentazione” può non essere illustrativa, ma portare in sé la tendenziosità, la totalità di una certa tecnica. Ad esempio, i puntinisti (Seurat, Signac), a differenza degli impressionisti, avendo iniziato i loro esperimenti registrando alcuni momenti viventi della percezione ottica della natura, divennero presto ostaggi del metodo sviluppato.
È interessante notare che l'illustratività può essere del tutto appropriata e giustificata nell'ambito del genere dell'illustrazione, cosa che abbiamo avuto il piacere di vedere in numerosi post dell'asilo nido grafica del libro. Ma alcuni artisti, che tendono ad affinare le qualità decorative in una composizione illustrativa, scuotono i confini del genere e in parte portano la composizione nel regno dei compiti pittorici e plastici astratti, cioè al di là di ogni interpretazione della natura.
Due esempi di questo:
Tatiana Mavrina. Rostov. 1965
(riproduzione dal diario dal vivo di O. Bukharov)
Levi Bakst. Ritratto di Vaslav Nijinsky nel ruolo di un fauno (nel film coreografico " Riposo pomeridiano Fauno" sulla musica di Claude Debussy). 1912.
Ateneo Wadsworth, Hartford
Anche se, a rigor di termini, né Mavrina né Bakst sono mai entrati nel campo della pittura da cavalletto in quanto tale: probabilmente questo passaggio non corrispondeva alla loro dote per la creatività applicata.
II.
Ma torniamo all'inizio. Gli artisti possono essere più che semplici “rappresentatori”. Non solo per riflettere (interpretare) la natura in un modo o nell'altro. Alcuni di loro possono gestirlo in modo completamente libero e rendere il tema dell'opera non la natura, ma qualcosa di più significativo. Attraverso la deformazione e la trasformazione della forma dell'oggetto visivamente naturale.
Le deformazioni della forma di un oggetto non sono un modo di interpretarlo o di affinarne la specificazione, ma uno strumento per esprimere attraverso la natura un qualche tipo di contenuto extranaturale, qualcosa che non può essere trasmesso in alcun modo con mezzi naturali. Questi contenuti sono, in sostanza, cose di ordine filosofico: natura e atti coscienza umana, lo straordinario flusso della vita, che si chiama essere... Alcuni artisti illustrano tutte queste cose con molto “successo” nel linguaggio della forma oggettiva. Altri artisti, con difficoltà molto maggiore, tentano di ricreare queste cose ogni volta utilizzando quasi lo stesso linguaggio della forma oggettiva.
Storia Pittura europea ha, si potrebbe dire, scuola classica tale creazione filosofica in creatività artistica: arte delle icone. Questa scuola ha sviluppato molti canoni compositivi di scene del Nuovo e dell'Antico Testamento, in cui, in generale, le forme oggettive, subendo alcune deformazioni e trasformazioni (non così forzate come quelle dei cubisti), diventano espressione sia del visibile che dell'invisibile, mondo simbolico. Ma questa meravigliosa scuola non è sfuggita al “peccato di illustrare”. Quanto più saldamente il canone veniva introdotto nella pratica, tanto più questa pratica tendeva all'imitazione esterna di esempi specifici dell'esecuzione di questo canone (questo è come se ai musicisti fosse stato ordinato di suonare, ad esempio, Bach esclusivamente nelle interpretazioni di Gould, e Chopin - nelle interpretazioni di Horowitz; sebbene sia comprensibile che il canone siano solo note, e tutta la musica è da qualche parte “tra le note”). Inoltre, qualsiasi trama dell'icona in coscienza ordinariaè percepito come un'illustrazione delle Sacre Scritture, e anche il clero stesso non era contrario a chiamare le icone "libri per analfabeti". Quindi dipingere immagini “come Rublev” o “come Dionisio” non ha fatto altro che peggiorare l’atteggiamento illustrativo nei confronti delle forme canoniche e ha contribuito al degrado della pittura di icone.
Tuttavia, c'è punto noto ritengo che un'icona non sia affatto arte. Pertanto, considera gli esempi lavoro creativo Per i pittori dalla forma oggettiva, cominciamo non dall’icona, ma dall’opera di un maestro vicino a quest’arte, El Greco.
El Greco. Giovanni Battista. OK. 1600
Museo Puskin
Una volta, descrivendo quest'opera, ho attirato l'attenzione sulle gambe di Giovanni Battista: se le guardi, puoi vedere che sono chiaramente “inclinate” verso destra. E allo stesso tempo, il busto è stabile, monumentale - situato lungo l'asse centrale del campo dell'immagine e inscritto nel cerchio del cielo che si apre dalle nuvole (a sinistra - quasi geometricamente corretto). Una colonna di nuvole compattate che si alza da destra e, per così dire, “sostiene” il busto di John, bilancia compositivamente l'“inclinazione” della figura verso destra, sembra “spingere via” la spalla di John e, piegandosi elasticamente verso l'alto a sinistra; , completa questa compensazione. E questo movimento elastico, possente delle nuvole, un’eco leggera e in qualche modo trasformata, è la libera inclinazione della testa di John verso sinistra.
Il grado di trasformazione delle gambe di John è massimo rispetto a tutti gli altri dettagli di questa immagine, e questa trasformazione è una delle più significative che abbia mai visto in pittura in relazione alla forma naturale dell’oggetto mostrato. Esprime chiaramente l'essenza di Giovanni Battista. E il fatto che non siano le gambe a sostenere il busto, ma al contrario, il busto conferisce stabilità e monumentalità all'intera figura di Giovanni - questo esprime l'idea questa immagine. John l'uomo passa davvero viaggio incredibile dall'Antico al Nuovo Testamento, un cammino che non può essere percorso in modo terreno, naturale, cioè con gambe naturali. Pertanto, la loro forma oggettiva subisce una deformazione così sorprendente, strana, a prima vista; e quindi la figura di Giovanni Battista non poggia sui suoi piedi e sul suolo, ma acquisisce la stabilità di una proprietà innaturale, ultraterrena, rivelata sullo sfondo del cielo e da esso emanata.
Questa decisione ha rivelato sia la libertà creativa di El Greco sia il suo modo di pensare del tutto individuale: nessuno ha scritto così, né prima né dopo - dopotutto, è sull'orlo della bruttezza!
Per non annoiarvi, solo altri due esempi.
Amedeo Modigliani. Ritratto di Leopoldo Survage. 1918
Uhm. 61,5x46. Museo dell'Ateneo, Helsinki
Ecco l'artista a cui viene naturale spostarsi dopo El Greco - Modigliani. È anche un grande maestro non dell'interpretazione, ma della trasformazione della natura. E come il suo predecessore cretese-spagnolo, amava allungare le forme verticali. E che linee lunghe e strascicate! Questa non è una sorta di desiderio “del sublime” espresso in una posa, la posa stessa non dice nulla; Ma con tutte le forze della forma, qui viene data una brama di trascendentale. E il modo in cui i colori caldi, quasi caldi del viso e del collo risuonano intensamente nell'ambiente freddo del nero, blu e grigio-blu, porta l'immagine dell'artista raffigurato dallo stato apparentemente pacifico della vita quotidiana secolare a uno spazio di presentimento. forma carica di tensioni contrastanti.
Qui solo un dettaglio ricorda in parte le tecniche del simbolismo illustrativo superficiale: il motivo dell'occhio senza pupilla. Modigliani sviluppò costantemente questo motivo diverse combinazioni e, a quanto pare, per la sua pittura non era un elemento preso in prestito, ma una sorta di accessorio organico. Tuttavia, c'è un pittore che fondamentalmente rifugge da possibilità anche piccole di percezione ambigua della forma pittorica. Questo artista “anti-illustrativo” era Cezanne.
Essendo passato all'inizio del suo percorso creativo un segmento di qualche deviazione nell'area delle interpretazioni simboliche della forma soggetto (“Overture to Tannhäuser”, vedi :), in anni maturi si concentrò interamente sulla rivelazione della vita interiore e naturale di ciò che abitualmente chiamiamo natura: un paesaggio, una persona, un oggetto. E ha rivelato questa vita interiore nel modo più difficile e diretto: mettendo insieme con i colori su tela ciò che il suo occhio vedeva nella natura. Ma il nocciolo della questione è che l’occhio di Cézanne poteva togliere dal suo campo visivo tutta quell’estraneità che uno sguardo ordinario apporta alla natura. Tutta l'inerzia della percezione quotidiana.
Cezanne. Pesche e pere. OK. 1895
Uhm. 61x90. Museo Puškin
La nudità durante tutta l'esistenza arti visive occupava un posto speciale in esso. Ciò avviene per diversi motivi, che indicheremo più avanti nell’articolo. Vale la pena sottolineare subito che i dipinti sono famosi Artisti sovietici. Alcuni nomi degli artisti potrebbero esserti familiari, ma altri potrebbero diventare per te una vera scoperta e vorrai conoscere meglio il loro lavoro.
Yuri Raksha-Sogno
La pittura di nudo, come la scultura, è esistita in tutti i tempi e in quasi tutti i paesi. Ciò è dovuto al fatto che questo tipo di immagine è praticamente fondamentale. Qualsiasi artista sa perfettamente che l'immagine nuditàè la base per lo studio della struttura umana. Prima di imparare come rappresentare correttamente una persona nei vestiti, in qualsiasi forma, posa e ambientazione, devi imparare come disegnarla completamente nuda. Durante questo processo, l'aspirante artista impara a rappresentare correttamente le proporzioni del corpo umano, così come le sue varie parti e sfumature.
Zinaida Serebryakova - Bagnante Contrariamente ai giudizi di coloro per i quali la pittura è soltanto belle immagini, la nudità non è affatto creata per eccitare i desideri inferiori di una persona. Tale dipinto rappresenta o addirittura glorifica la bellezza corpo umano, la sua perfezione, una straordinaria creazione della natura o poteri superiori. Spesso gli artisti raffigurano i loro personaggi nudi per mostrare la loro naturalezza e naturalezza, la loro appartenenza alla natura o addirittura al mondo divino. Un effetto completamente diverso, meno significativo, si osserverà se verranno vestiti gli stessi personaggi bei vestiti, poiché gli oggetti creati dalle mani dell'uomo strappano il carattere alla naturalezza.
Alexander Deineka - Bagnanti Il nudo era inerente anche agli artisti Periodo sovietico. Durante l'era sovietica gli artisti realizzavano anche dipinti con donne nude, e questo non fu mai considerato volgare, poiché in un contesto professionale, serio e alta arte questo è difficilmente accettabile. Quando crea un'immagine, l'artista espone idee più pure e profonde che semplicemente soddisfare il desiderio dello spettatore di vedere qualcosa di proibito. Qui è possibile vedere una serie di opere di artisti sovietici per apprezzare il talento e la professionalità dei pittori del recente passato.
Alexander Gerasimov - Sovietico bagno pubblico
A. Zavyalov - Modelli sullo sfondo di tendaggi 
A. Olkhovich - Nudo 
Alexander Samokhvalov - Nudo 
Aleksandr Deineka – Modello 
V. Arakcheev - Donna seduta 
Vladimir Stozharov - Stabilimento balneare. Donna che lava 
Michael Bozhi – Nudo 
Ilya Mashkov - Nudo
A proposito del libro
A proposito del libro
Una guida indispensabile alla tecnologia pittura ad olio per conoscere una varietà di generi: natura morta, ritratto, paesaggio, nudo e composizione di soggetti.
Molti pittori si limitano a un genere. E l'artista e insegnante Greg Kreutz parla di come le capacità di lavorare in diverse direzioni aiutano la crescita creativa. Ogni capitolo contiene i fondamenti che si applicano a quel particolare genere e ad altri. Il manuale descrive metodi universali, che ti permetterà di ampliare i tuoi orizzonti, uscire dalla routine e metterti alla prova in un nuovo genere.
Nell'analisi passo passo delle sue opere, Kreutz mostra come le competenze acquisite in un genere aiutano in un altro. Una discussione sulla teoria e sulla pratica della pittura a olio fornirà guida e ispirazione per creare dipinti di successo.
Dall'autore
Qualsiasi pittore conosce questa sensazione. Ti trovi davanti a un cavalletto, studi il tuo lavoro: sembra che non ci sia niente che non va, ma qualcosa è evidentemente che non va. Il dipinto grida silenziosamente aiuto, ma non è chiaro cosa fare.
Nella mia esperienza, quando forze sconosciute trascinano un'opera nelle profondità oscure e ostacolano tutti i tentativi di riportarla in vita, è tempo di passare alle questioni serie, buttare via tutto ciò che è superficiale e tuffarsi nell'essenza: i fondamenti.
Quali sono le basi? Imparerai presto molte verità comuni sulla pittura a olio, ma non puoi raccoglierle e lanciarle contro un dipinto sofferente. Un artista in una situazione così disperata ha bisogno delle basi!
Fortunatamente, in oltre 40 anni di seria ricerca sono stato in grado di formularli in modo succinto.
Precisione: assicurati che il soggetto sia rappresentato nel modo più accurato possibile.
Composizione: organizza la tua storia in una composizione dinamica.
Profondità spaziale: verifica quanto gli oggetti vicini e lontani siano rappresentati in modo convincente.
Espressività: utilizzare attivamente mezzi espressivi.
Per chi è questo libro?
Un libro per tutti coloro che vogliono migliorare le proprie abilità nella pittura a olio.
Circa l'autore
Greg Kreutz è un artista e insegnante presso la Art Students League di New York e autore del classico libro di testo Problem Solving for Oil Painters. Il suo lavoro è presentato in gallerie a New York e in altre città degli Stati Uniti. Dipinge e insegna da più di 30 anni; le sue masterclass sono popolari in patria e all'estero come videolezioni. Vive a New York.
Insegnare agli studenti arte classica, gli educatori incoraggiano da tempo gli artisti a lavorare dalla vita. Ebbene, nel nostro mondo occidentale; Non sanno come sia in asiatico, ma penso che sia lo stesso.
Gli studenti imparano a disegnare, dipingere e scolpire osservando oggetti, modelli e scene che vedono “dal vivo”. Tuttavia, lavorare dalla vita non è scontato.
Oggi molti artisti usano fotografie. Ed è qui che entriamo in un terreno scivoloso. Se ti affidi esclusivamente alle fotografie, puoi dedicare il tuo tempo a ricreare la visione del mondo della fotocamera e non alla tua visione umana, individuale, originale - in una parola, a quello che è uno dei pilastri dell'arte.
1. Le persone non vedono il mondo come lo vedono le telecamere.
La fotocamera può catturare dettagli assoluti in un millisecondo, ma la foto manca di profondità.
Ad esempio, nell'immagine qui sotto, dai fiori in primo piano alle piastrelle sullo sfondo, tutti gli elementi della scena sono a fuoco contemporaneamente.
Possiamo solo dire che alcuni oggetti sono dietro ad altri. Alberi e arbusti non appaiono tridimensionali; loro sembrano figure piatte con motivo a foglie. Se adesso sei in casa, vai alla finestra e guarda, se stai leggendo da uno schermo nel parco, fai lo stesso. Guarda l'albero. Vedi un voluminoso tronco rotondo, i rami sono distribuiti su un ampio spazio, enfatizzano persino la profondità del cielo.
Ciò significa che superiamo la fotocamera in profondità di percezione: per noi è tridimensionale e per la fotocamera bidimensionale.
2 E qui entra in gioco una delle nostre capacità. O meglio, la sua assenza: non riusciamo a mettere a fuoco più di una cosa alla volta, quindi, per vedere ogni elemento, dobbiamo muovere gli occhi.
Il caffè-concerto di Edgar Degas a Les Ambassadeurs (1876-1877). Guarda come manipola il grado di attenzione nella naturalezza della posa.
Il suo interesse è focalizzato sul viso e mano destra cantanti, tutte le altre figure sono dipinte con bordi morbidi e contrasto ridotto.
Si scopre quindi che leggiamo il primo piano in modo chiaro e nitido, tutto il resto è morbido e leggermente sfocato, anche se non ce ne rendiamo mai conto. Quando un maestro dipinge dal vero, non evidenzia i contorni dello sfondo con linee dure.
Questo è quello che sembra da una fotografia. Le persone sono state aggiunte allo sfondo.
Michele Del Campo. Funziona sia dalla fotografia che dalla natura (molto meno spesso😊 ). Ha ricevuto numerosi premi artistici, tra cui il Premio BMW 2006, presentato dalla regina Sofia di Spagna.
Michele Del Campo
3. Possiamo studiare una scena con ombre e luci intense e vedere tutto nella giusta luce grazie al movimento dei nostri occhi. E questo è molto, molto significativo.
Le fotocamere, d'altra parte, scelgono un'esposizione che funzioni abbastanza bene per l'intera scena. Di conseguenza, le cose inevitabilmente vengono distorte, diventando troppo scure o troppo chiare. Gli artisti che lavorano con le fotografie spesso copiano questo difetto, contrassegnando purtroppo il loro lavoro come fotografico. Ciò è immediatamente evidente.
Megan Boody è un'artista americana. Funziona principalmente da fotografie manipolate digitalmente. 2009
In fotografia, la tipica distorsione dell'obiettivo è il risultato del punto di vista fisso della fotocamera e della vicinanza al soggetto.
Stare nello stesso posto vita reale, non la vediamo in questo modo. I nostri occhi in costante movimento incontrano grandi oggetti e figure in parti, piuttosto che nel loro insieme.
4. Esaminiamo la figura, mettendo a fuoco e rimettendo a fuoco più volte, e man mano che ogni nuova area viene messa a fuoco, quella precedente ritorna alla visione periferica sfocata.
Il nostro cervello unisce queste numerose visioni in un unico insieme intelligente.
Per noi, quando guardiamo un cavallo vivo, non ci sarà un'enorme metà anteriore e una minuscola parte posteriore, e l'artista non lo dipingerà in questo modo. Verrà visualizzato in questo modo:
Siamo abituati a incolpare arte Moderna in mancanza di idee e con un debole per la pornografia. Ma sono così i vecchi innocenti? dipinti classici, caro al cuore degli esteti e degli intenditori della castità? Ad un esame più attento, tra i dipinti di famosi geni della pittura, si possono trovare capolavori con soggetti espliciti che possono far arrossire gli intenditori moderni ed esperti di “fragole”. (Attenzione! Nudità).
"Leda e il cigno"
Se parliamo della trama classica più immodesta, allora l'antica storia della vicinanza del dio Zeus e della bella Leda riceverà la meritata palma. Secondo la leggenda, un residente dell'Olimpo apparve alla ragazza in incognito, sotto le spoglie di un cigno, ma riuscì comunque ad entrare in relazione con lei e persino ad avere figli.
Nell'ultimo millennio, solo i pigri non si sono impegnati a rappresentare la scena del rapporto di una bellezza con un uccello. La stessa sorte non è sfuggita ai grandi: Boucher, Michelangelo e persino Leonardo hanno sfruttato la trama stanca. François Boucher nel 1740 propose con una dimostrazione l'interpretazione più indecente della storia caratteristiche anatomiche, che è consuetudine drappeggiare timidamente.
In precedenza, il grande Michelangelo offriva la sua visione della situazione, il quale, sebbene evitasse dettagli inutili, non poteva comunque resistere e raffigurava la coppia direttamente durante un rapporto innaturale tra specie.
Sullo sfondo di tutto ciò, il dipinto di Leonardo da Vinci sembra essere solo un'illustrazione delle fiabe di Pushkin per gli scolari classi giovanili. Sulla sua tela tutto è già accaduto e Leda, con la faccia annoiata, osserva come i bambini di un anno, completamente sani, si schiudono dalle uova che ha deposto.
Questa scena idilliaca ci sembra abbastanza decente, ma non è sempre stato così. I dipinti dei maestri del Rinascimento furono distrutti nel inizio XVIII secoli dall'anziana favorita di Luigi XIV, la marchesa de Maintenon, come indecente. Oggi possiamo vedere tutta questa depravazione solo grazie alle copie successive.
"Bambola abbandonata"
L'artista francese Suzanne Valadon ha lavorato all'inizio del XX secolo. È conosciuta come l'autrice di molti dipinti meravigliosi, che glorificano principalmente la bellezza del corpo femminile nella sua forma più ordinaria situazioni di vita. Nonostante l’abbondanza di corpi nudi nelle tele dell’artista, solo una delle creazioni di Valadon provoca serie polemiche tra i moralisti.
Il dipinto "Abbandoned Doll" in questi giorni avrebbe potuto portare all'autore seri problemi con i combattenti pedofili, ma Valadon ha avuto la fortuna di morire nel 1938, grazie al quale possiamo considerare la sua creazione un classico. Il dipinto raffigura una donna nuda, molto giovane, con il seno che comincia a formarsi e un'acconciatura da bambina con un fiocco.
La storia non ha conservato una descrizione di questo dipinto per i posteri, ma è generalmente accettato che raffiguri un addio all'infanzia. La donna con l'asciugamano è molto probabilmente la proprietaria del bordello e la bambina si sta preparando a incontrare il suo primo cliente nella sua vita. Il nome del dipinto è stato dato da una bambola stesa sul pavimento, simbolo evidente di un destino spezzato. Tuttavia, ci sono persone di buon carattere che sostengono che l'immagine raffigura una madre che asciuga la figlia adolescente dopo il bagno.
"Il ratto delle figlie di Leucippo"
Il grande olandese Peter Paul Rubens, noto per le sue bellissime tele con bellezze ponderose, presentò al pubblico il suo “Ratto delle figlie di Leucippo” nel 1618. A prima vista, tra i personaggi del film si svolge una rissa spericolata senza alcuna sfumatura sessuale.
Ma per chi ha familiarità con Mito greco riguardo ai fratelli Dioscuri, è abbastanza evidente che i biondi nudi non scherzano affatto. Il secondo titolo del capolavoro, "Il ratto delle figlie di Leucippo", riflette più accuratamente l'azione del dipinto.
IN storia antica i figli di Zeus e Leda (vedi la storia della loro strana nascita sopra), Castore e Polluce, rapirono le figlie del re Leucippo Gilaira e Febe e, secondo la buona vecchia tradizione lasciata in eredità dal padre, abusarono di loro. Sembrava che tutto finisse male: morirono tutti.
"Monaco nel campo di grano"
Se ci si può aspettare qualcosa da Rubens e Boucher, Rembrandt, riservato e incline ai temi religiosi, sorprende. Sebbene, in linea di principio, il suo piccolo ma abilmente eseguito disegno “Il monaco in un campo di grano” riecheggia ancora temi spirituali.
Al centro della composizione sono raffigurati monaco cattolico e una certa signora, che indulgeva nel peccato nella posizione di missionario da qualche parte tra i terreni agricoli. La piccantezza della trama non sta nemmeno nel fatto che il monaco infrange il voto di castità, ma nell'uomo che si avvicina da sinistra con una falce, grazie alla quale la serata sta per cessare di essere languida.
"La disattenzione di Candaules"
Il dipinto di William Etty, che porta il titolo modestamente neutro, L'imprudenza di Candaules, raffigura una storia completamente indecente dalla Storia di Erodoto. Il titolo completo di questo dipinto, dipinto nel 1830, rivela l’ambiguità della scena in esso rappresentata: “Candaules, re di Lidia, mostra segretamente sua moglie Giga a uno dei suoi servi mentre è sdraiata sul letto”.
È difficile dire perché il “padre della storia” abbia deciso di descrivere questa storia semi-pornografica nella sua opera, ma grazie ad essa abbiamo ricevuto il termine candaulismo, difficile da pronunciare anche per i terapisti sessuali esperti. L'essenza di questa deviazione sessuale sta nella necessità di mostrare il proprio partner nudo agli sconosciuti.
Questo è esattamente il momento che Etty raffigura nel dipinto. Re Candaules decise di mostrare segretamente la moglie Nisa alla sua guardia del corpo Gig, ma il suo piano fu scoperto dalla donna. Nisa ha chiesto a Gig di uccidere lei o il marito pervertito, dopo di che Candaules è stato cinicamente pugnalato a morte proprio nella sua camera da letto.
"Le fanciulle di Avignone"
Dalla tela "Le ragazze di Avignone"» artista geniale Pablo Picasso inizia la sua transizione al cubismo. È noto che l'artista si è ispirato a creare il dipinto di Paul Cezanne con la sua opera “Bagnanti”. Inizialmente, Picasso chiamò il dipinto “Il bordello filosofico” e molti credono che in esso il maestro abbia raffigurato una scena di un bordello nel quartiere Gotico di Barcellona.
Il dipinto raffigura cinque donne nude che aspettano i loro clienti in pose sfacciate. Abbiamo pensato a lungo se includere quest'opera nell'elenco dei dipinti piccanti. In poche parole, se i disegni geometrici raffigurati sulla tela risvegliano in te fantasie immodeste, allora abbiamo brutte notizie per te. Ma non si possono eliminare le parole della canzone e la trama del film, per il 1907, è ancora molto provocatoria.
"Mercato arabo delle concubine"
Un eccellente dipinto del classico francese della pittura Jean-Leon Gérôme, scritto nel 1866, raffigura una scena in un mercato di schiavi orientale. Un gruppo di uomini in abiti ricchi chiede il prezzo di una schiava nuda, controllando, a quanto pare, la correttezza del suo morso.
Lo stesso Girolamo, senza dubbio, sapeva molto dei mercati degli schiavi e dei loro frequentatori abituali, poiché adorava l'Oriente e più di una volta si recò da quelle parti in cerca di ispirazione. Trovati contemporanei "Mercato arabo degli schiavi“Un lavoro molto provocatorio e ha definito il dipinto un inno al dominio lussurioso di un uomo su una donna.
"Il grande masturbatore"
Il grande surrealista Salvador Dalì adorava i dipinti indecenti e siamo salvati dalla sua erotomania solo dal modo di dipingere i suoi dipinti, che distorce notevolmente la trama. Con il lavoro è tutto "Il grande masturbatore"“Non tutto è così semplice. Inoltre, se non fosse stato per il titolo, nessuno avrebbe capito di cosa si trattasse. bella immagine.
Ma, comunque sia, in questo dipinto c'è una connotazione sessuale chiaramente espressa. Il volto della donna sul lato destro dell’immagine, quasi appoggiato sulla braghetta dell’uomo, irritò i contemporanei di Dalì e suscitò persino condanna. Ebbene, nessuno sa cosa abbia raffigurato il maestro del surrealismo al centro della tela: forse lì sta accadendo la dissolutezza più sfrenata.
"L'origine del mondo"
Realizzato nel 1866 da Gustave Courbet, il dipinto dalla semplice trama quotidiana non fu esposto per più di 130 anni a causa dell'eccessiva autenticità anatomica. Inoltre, anche adesso, quando, in linea di principio, è difficile sorprendere i visitatori del museo, a questo dipinto viene assegnata una guardia separata.
Nel 2013 sono apparse sui media buone notizie: è stata ritrovata la seconda parte del dipinto, in cui è visibile il volto del soggetto. Uno studio approfondito della biografia dell'autore e della sua cerchia ristretta ha permesso di scoprire l'identità della signora. Pertanto, il cavallo con la barba lunga risultò essere di proprietà di Joanna Hiffernan, l'amante di uno dei migliori studenti di Courbet, James Whistler. Come questo Storia toccante riunione.
Questi sono tutt'altro che unici nella storia della pittura: in ogni momento, i classici amavano concludere qualcosa del genere, completamente nello spirito dei nostri tempi liberati.
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