Il jazz è una direzione musicale caratterizzata da una combinazione di ritmicità e melodia. Una caratteristica separata del jazz è l'improvvisazione. La direzione musicale ha guadagnato popolarità grazie al suo suono insolito e alla combinazione di diverse culture completamente diverse.
La storia del jazz inizia all'inizio del XX secolo negli Stati Uniti. Il jazz tradizionale si è formato a New Orleans. Successivamente, nuove varietà di jazz iniziarono ad emergere in molte altre città. Nonostante tutta la varietà di suoni di stili diversi, la musica jazz può essere immediatamente distinta da un altro genere per le sue caratteristiche.
Improvvisazione
L'improvvisazione musicale è una delle caratteristiche principali del jazz, presente in tutte le sue varietà. Gli artisti creano musica spontaneamente, senza mai pensare al futuro o provare. Suonare jazz e improvvisare richiede esperienza e abilità in quest'area del fare musica. Inoltre, un jazzista deve ricordare ritmo e tonalità. Il rapporto tra i musicisti del gruppo non ha poca importanza, perché il successo della melodia risultante dipende dalla comprensione dello stato d'animo reciproco.
L'improvvisazione nel jazz ti permette di creare ogni volta qualcosa di nuovo. Il suono della musica dipende solo dall'ispirazione del musicista nel momento in cui la suona.
Non si può dire che se in una performance non c’è improvvisazione, allora non è più jazz. Questo tipo di fare musica è stato ereditato dai popoli africani. Poiché gli africani non avevano il concetto di note e prove, la musica veniva trasmessa l'un l'altro solo memorizzandone la melodia e il tema. E ogni nuovo musicista potrebbe già suonare la stessa musica in un modo nuovo.
Ritmo e melodia
La seconda caratteristica importante dello stile jazz è il ritmo. I musicisti hanno l'opportunità di creare suoni spontaneamente, poiché la pulsazione costante crea l'effetto di vivacità, gioco ed eccitazione. Il ritmo limita anche l'improvvisazione, richiedendo che i suoni vengano prodotti secondo un dato ritmo.
Come l'improvvisazione, il ritmo è arrivato nel jazz dalle culture africane. Ma è proprio questa caratteristica la caratteristica principale del movimento musicale. I primi artisti free jazz abbandonarono completamente il ritmo per essere completamente liberi di creare musica. Per questo motivo, la nuova direzione del jazz non è stata riconosciuta per molto tempo. Il ritmo è fornito da strumenti a percussione.
Il jazz ha ereditato la melodia della musica dalla cultura europea. È la combinazione di ritmo e improvvisazione con musica armoniosa e morbida che conferisce al jazz il suo suono insolito.
Il termine "jazz" fu usato per la prima volta a metà degli anni '10. A quel tempo, questa parola veniva usata per designare le piccole orchestre e la musica che eseguivano.
Le caratteristiche principali del jazz sono i metodi non convenzionali di produzione del suono e intonazione, la natura improvvisativa di trasmettere la melodia, così come il suo sviluppo, la pulsazione ritmica costante, l'intensa emotività.
Il jazz ha diversi stili, il primo dei quali si è formato tra il 1900 e il 1920. Questo stile, chiamato New Orleans, è caratterizzato dall'improvvisazione collettiva del gruppo melodico dell'orchestra (cornetta, clarinetto, trombone) sullo sfondo di un accompagnamento in quattro movimenti del gruppo ritmico (batteria, fiati o archi, basso, banjo, e in alcuni casi pianoforte).
Lo stile di New Orleans è chiamato classico o tradizionale. Questo è anche Dixieland, una varietà di stile nata sulla base dell'imitazione della musica nera di New Orleans, che era più calda ed energica. A poco a poco, questa differenza tra lo stile Dixieland e quello di New Orleans andò praticamente perduta.
Lo stile di New Orleans è caratterizzato dall'improvvisazione collettiva con una chiara enfasi sulla voce principale. Per i cori improvvisati è stata utilizzata una struttura blues melodico-armonica.
Tra le tante orchestre che si sono rivolte a questo stile, si può evidenziare la Creole Jazz Band di J. King Oliver. Oltre a Oliver (cornettista), comprendeva il talentuoso clarinettista Johnny Dodds e l'incomparabile Louis Armstrong, che in seguito divenne il fondatore delle sue orchestre - "Hot Five" e "Hot Seven", dove invece del clarinetto prese la tromba .
Lo stile di New Orleans ha portato nel mondo una serie di vere star che hanno avuto una grande influenza sui musicisti delle generazioni successive. Da menzionare il pianista J. Roll Morton e il clarinettista Jimmy Noone. Ma il jazz oltrepassò i confini di New Orleans soprattutto grazie a Louis Armstrong e al clarinettista Sidney Bechet. Sono stati loro a dimostrare al mondo che il jazz è principalmente l'arte dei solisti.
Orchestra Louis Armstrong
Negli anni '20 emerse lo stile di Chicago con i suoi tratti caratteristici dell'esecuzione di brani di danza. La cosa principale qui era l'improvvisazione solista, seguita alla presentazione collettiva del tema principale. I musicisti bianchi, molti dei quali avevano un'educazione musicale professionale, hanno dato un contributo significativo allo sviluppo di questo stile. Grazie a loro la musica jazz si arricchì di elementi di armonia e tecnica esecutiva europea. In contrasto con il caldo stile di New Orleans che si sviluppò nel sud americano, lo stile più settentrionale di Chicago divenne molto più cool.
Tra gli eccezionali artisti bianchi, è necessario notare i musicisti che, alla fine degli anni '20, non erano inferiori in abilità ai loro colleghi neri. Questi sono i clarinettisti Pee Wee Russell, Frank Teschemacher e Benny Goodman, il trombonista Jack Teagarden e, naturalmente, la stella più brillante del jazz americano: il cornettista Bix Beiderbeck.
Qui ho visto la superiorità della musica primitiva. Suonavano quello che la gente voleva da loro. Ha colpito nel segno. La loro musica aveva bisogno di essere rifinita, ma era piena di sentimento e conteneva la vera essenza. Le persone pagheranno sempre soldi per questo
William Christopher Handy
Perché la gente lo ascolta così da vicino? È perché è un grande artista? "No, solo perché suono quello che vogliono sentire da me."
Louis Armstrong
Definizioni in termini generali
Il jazz è un'arte speciale e diversa alla quale si applicano solo criteri speciali e diversi. Come ogni altra arte dinamica, queste qualità speciali del jazz non possono essere descritte in poche parole. La storia del jazz può essere raccontata, le sue caratteristiche tecniche possono essere rivelate e le reazioni che suscita negli individui possono essere analizzate. Ma una definizione di jazz nel suo senso più completo – come e perché soddisfa le emozioni umane – potrebbe non essere mai pienamente articolata.
Comprendere l'essenza del jazz è sempre stato difficile. Il jazz ama avvolgersi nel mistero. Quando a Louis Armstrong fu chiesto cosa fosse il jazz, si dice che abbia risposto: “Se lo chiedi, non capirai mai”. In una situazione simile, si dice che Fats Waller abbia detto: "Dato che non conosci te stesso, faresti meglio a non intrometterti". Anche supponendo che queste storie siano fittizie, riflettono senza dubbio l'opinione generale dei musicisti jazz e degli amatori: al centro di questa musica c'è qualcosa che si può sentire, ma non si può spiegare. Si è sempre creduto che la cosa più misteriosa nel jazz sia una speciale pulsazione metrica, solitamente chiamata “swing”.
Il jazz è solitamente associato a ciò che è accaduto dopo l'era dello swing e quindi sembra complesso, incomprensibile, estraneo. Allo stesso tempo, in generale, il jazz è una storia sulla vita, raccontata in diversi colori: con umorismo, ironia, tenerezza, malinconia, grinta...
Differenza dai classici
Man mano che i musicisti cominciavano a comporre brani sempre più complessi che dovevano essere trascritti con cura in partiture, per una serie di ragioni si rese necessario che questa musica fosse eseguita da professionisti qualificati sotto la direzione di grandi direttori in grandi sale dopo un'intensa preparazione per una partecipazione passiva. pubblico di ascoltatori. Ciò ha inevitabilmente portato la musica classica alla perdita di caratteristiche musicali importanti come l'improvvisazione spontanea, la partecipazione di gruppo all'esecuzione e altre qualità di comunicazione diretta e immediata tra i musicisti stessi e l'ascoltatore. Tuttavia, il beneficio complessivo derivante dal rapido sviluppo dell’armonia superò successivamente questi svantaggi. La musica classica ha creato un vocabolario strutturale unico, precedentemente sconosciuto a livello formale e intellettuale, capace di collegare insieme (per coloro che sono inclini a capirlo) una vasta gamma di sentimenti ed emozioni umane.
Sincerità
…Come risultato di ciò, è nata la scala jazz con le sue caratteristiche distintive, cioè due note “blues” e una tonalità complessiva “blues”.
La scala jazz ha rappresentato uno sviluppo nuovo e notevole nella storia della musica in generale e nella musica americana in particolare. Insieme alla ricerca di Methfessel su come funzionano i vari elementi nel vero canto blues, questa scala ci fornisce un'idea della differenza cruciale tra jazz e musica classica. Inoltre, è penetrato profondamente nella nostra musica popolare. A parte la differenza principale nell'area del ritmo, la melodia e persino l'armonia del jazz sono chiaramente diverse dagli standard classici, che in entrambi i casi non possono essere applicati completamente. Quanto alla speciale espressività che risulta dalla somma di queste differenze, essa appartiene esclusivamente al jazz.
La conseguenza più importante di questa espressività è la spontaneità unica, la comunicazione diretta tra le persone che avviene nel jazz. C'è un atteggiamento abbastanza comune nei confronti del jazz e dell'arte popolare in generale, secondo cui non richiedono uno studio speciale - in altre parole, i loro vantaggi e svantaggi possono essere facilmente compresi senza una conoscenza dettagliata. Ma se ascolti attentamente l'improvvisazione di un jazzista, puoi anche dire cosa ha mangiato a cena, tanto espressiva è l'arte della comunicazione. (C'è una leggenda secondo cui alla fine degli anni '30, quando Louis Armstrong registrò una serie di meravigliose esibizioni, era in luna di miele per la quarta volta.) In ogni caso, la connessione e la comunicazione tra le persone nella musica jazz sono spesso dirette e spontanee in natura tra loro si forma un contatto chiaro e sincero.
Europa, Africa e jazz
Le differenze tra il jazz e la musica europea discusse sopra sono tecniche, ma tra loro esistono anche differenze sociali che forse sono ancora più difficili da definire. La maggior parte dei musicisti jazz ama lavorare davanti a un pubblico, soprattutto a un pubblico che balla. I musicisti sentono il sostegno del pubblico che, insieme a loro, si dedicano completamente alla musica.
Il jazz deve questa caratteristica alla sua origine africana. Ma nonostante la presenza di caratteristiche africane, di cui ormai è di moda parlare, il jazz non è musica africana, perché ha ereditato troppo dalla cultura musicale europea. La sua strumentazione, i principi base di armonia e forma sono di origine europea piuttosto che africana. È caratteristico che molti importanti pionieri del jazz non fossero negri, ma creoli con una mescolanza di sangue negro e avessero un pensiero musicale europeo piuttosto che negro. I nativi africani, che non hanno mai conosciuto il jazz prima, non lo capiscono, proprio come i jazzisti si perdono quando conoscono per la prima volta la musica africana. Il jazz è una fusione unica dei principi e degli elementi della musica europea e africana. Il colore verde è individuale nelle sue proprietà, non può essere considerato solo una tonalità di giallo o blu, dalla miscela da cui nasce; Allo stesso modo, il jazz non è una varietà della musica europea o africana; è, come si suol dire, qualcosa sui generis. Ciò è vero soprattutto in relazione al battito di terra, che, come vedremo più avanti, non è una modifica di alcun sistema ritmico africano o europeo, ma è fondamentalmente diverso da essi, e soprattutto per la sua flessibilità molto maggiore.
La forma di un'opera musicale di tipo europeo di solito ha una certa architettura e drammaturgia. Di solito contiene una costruzione di quattro, otto, sedici o più battute. Piccole strutture vengono combinate in strutture grandi, che a loro volta diventano ancora più grandi. Le singole parti si ripetono e la forma dell'opera si dispiega in un processo di tensioni e depressioni alternate. Questo processo è diretto verso un climax e un completamento comuni. Questo tipo di musica, che utilizza diversi mezzi espressivi, sarebbe del tutto inadatta a portare una persona in uno stato estatico: a questo scopo è necessaria una struttura musicale che preveda la ripetizione continua del materiale senza cambiare l'atmosfera.
Questa connessione della musica africana con lo stato estatico, da un lato, e l'intonazione pentatonica e mobile, dall'altro, si è poi riflessa nel jazz. Una persona attenta noterà facilmente che la tendenza alla completa immersione nella musica, che di solito è combinata con una danza lunga e spesso atleticamente impegnativa, è caratteristica di tutti i tipi di musica americana di origine africana, come il jazz, il rock, la canzone gospel, lo swing.
Il ritmo come tratto distintivo
Qualsiasi musica jazz degna di nota è caratterizzata, prima di tutto, dal flusso orizzontale dei suoi ritmi, poiché (a differenza della musica classica) l'uso costante di accenti ritmici quando si suona qualsiasi strumento è proprio la principale caratteristica distintiva del jazz.
Oscillazione
Quando improvvisa, un musicista jazz di solito effettua divisioni più sottili e forse non analizzabili dei ritmi in due parti. Inoltre, con l'aiuto di vari tipi di sottolineature e accenti, dà a ciascuna parte una tonalità diversa. Questo di solito viene fatto inconsciamente: il musicista sta semplicemente cercando di oscillare. Se gli chiedi di suonare coppie di ottavi consecutivi o una combinazione di ottavi e sedicesimi puntati, come nella notazione musicale (cioè come li suonerebbe un musicista in un'orchestra sinfonica), allora non ci sarà swing e il jazz scomparirà. con esso. Forse la maggior parte dei suoni del jazz sono catene di coppie come questa, che cadono sullo stesso ritmo. Uno dei modi in cui il musicista jazz stacca queste sequenze di suoni dalla pulsazione metrica sottostante è dividendole in proporzioni incommensurabili ed enfatizzandole in modo stravagante. Lo schema ritmico di tali sequenze ricorda in qualche modo lo “swing”, che può essere paragonato al movimento alternato di un passo avanti e mezzo passo indietro. Non sorprende che ballare la musica jazz comporti così tante oscillazioni e alternanze di movimenti fluidi e a scatti.
Definizione
Il jazz è una forma d'arte speciale e diversa che dovrebbe essere giudicata solo secondo criteri speciali e diversi. Prendendo insieme queste e altre osservazioni che sono state fatte in questo libro, possiamo definire a grandi linee il jazz come una musica americana semi-improvvisativa caratterizzata da connessioni dirette, libero uso delle caratteristiche espressive della voce umana e ritmi complessi e fluenti. Questa musica è il risultato di una fusione di 300 anni di tradizioni musicali europee e dell'Africa occidentale negli Stati Uniti, e le sue componenti principali sono l'armonia europea, la melodia euro-africana e il ritmo africano.
Blues e jazz
Fino a poco tempo fa, la maggior parte dei critici jazz credeva che il blues fosse parte integrante del jazz, non solo una delle sue radici, ma anche un ramo vivente del suo albero. Oggi è già ovvio che il blues ha le sue tradizioni: si intersecano con quelle del jazz, ma non coincidono affatto con esse. Il blues ha i suoi seguaci, i suoi critici e i suoi storici, che non necessariamente conoscono o amano il jazz. E infine, il blues ha i suoi artisti che non hanno nulla in comune con il jazz: esempi sono B.B. King, Muddy Waters e Bo Diddley.
Tuttavia, questi due generi musicali hanno molti punti di contatto. Il jazz è in parte figlio del blues; ma più tardi il bambino cominciò ad esercitare una seria influenza sul genitore. L'esecuzione del blues moderno differisce dal blues tradizionale e molte delle innovazioni sono state sviluppate da musicisti jazz.
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2. Funzione compensativa (l'arte come consolazione)
L'estetista francese M. Dufresne ritiene che l'arte abbia una funzione consolatoria-compensativa e abbia lo scopo di ripristinare illusoriamente nella sfera dello spirito l'armonia che nella realtà è andata perduta. E il sociologo francese E. Morin ritiene che, percependo un'opera d'arte, le persone alleviano la tensione interna generata dalla vita reale e compensano la monotonia della vita quotidiana.
Funzione compensativa
La funzione compensativa dell'arte ha tre aspetti principali: 1) distraente (edonico-giocoso e divertente); 2) confortante; 3) effettivamente compensativo (promuovere l'armonia spirituale di una persona). La vita di una persona moderna è piena di situazioni di conflitto, tensione, sovraccarico, speranze insoddisfatte e dolore. L'arte consola, trasporta nel mondo dei sogni e, con la sua armonia, influenza l'armonia interiore dell'individuo, aiutando a mantenere e ripristinare l'equilibrio mentale. Creando armonia interiore per una persona in un "mondo pazzo, pazzo, pazzo, pazzo", l'arte lo aiuta a rimanere sull'orlo dell'abisso nella vita e gli dà l'opportunità di continuare a vivere. Con la sua bellezza compensa le perdite umane, ravviva la vita quotidiana grigia o infelice. Le funzioni dell'arte sono storicamente mobili: se nell'antichità il tragico “purifica” una persona (funzione trasformativa), allora nel Medioevo non purifica più, ma consola una persona (funzione compensativa: persone più degne di te sopportano tribolazioni più amare) di quelli che ti sono accaduti condividi).
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