"Mosca, Cheryomushki", operetta in tre azioni su libretto di V. Massa e M. Chervinsky, op. 105 (1957-1958)

Balletti

Musica per produzioni teatrali

"Sparo", musica per l'opera di A. Bezymensky, op. 24. (1929). Prima assoluta: 14 dicembre 1929, Leningrado, Teatro della Gioventù Lavoratrice

"Terra Vergine", musica per l'opera teatrale di A. Gorbenko e N. Lvov, op. 25 (1930); il punteggio è perso. Prima assoluta: 9 maggio 1930, Leningrado, Teatro della Gioventù Lavoratrice

"Regola Britannia", musica per l'opera di A. Petrovsky, op. 28 (1931). Prima assoluta: 9 maggio 1931, Leningrado, Teatro della Gioventù Lavoratrice

"Ucciso condizionatamente", musica per l'opera teatrale di V. Voevodin e E. Riess, op. 31 (1931). Prima assoluta: 2 ottobre 1931, Leningrado, Music Hall

"Frazione", musica per la tragedia di W. Shakespeare, op. 32 (1931-1932). Prima assoluta: 19 maggio 1932, Mosca, Teatro omonimo. Vakhtangov

« Commedia umana» , musica per l'opera teatrale di P. Sukhotin basata sui romanzi di O. de Balzac, op. 37 (1933-1934). Prima assoluta - 1 aprile 1934, Mosca, Teatro omonimo. Vakhtangov

"Saluti, Spagna!", musica per l'opera teatrale di A. Afinogenov, op. 44 (1936). Prima assoluta: 23 novembre 1936, Leningrado, teatro drammatico. Puškin

"Re Lear", musica per la tragedia di W. Shakespeare, op. 58a (1941). Prima assoluta: 24 marzo 1941, Leningrado

"Patria", musica per lo spettacolo, op. 63 (1942). Premiere - 7 novembre 1942, Mosca, Central Club intitolato a Dzerzhinsky

"Fiume Russo", musica per lo spettacolo, op. 66 (1944). Prima assoluta: 17 aprile 1944, Mosca, Club Centrale Dzerzhinsky

"Primavera della Vittoria", due canzoni per lo spettacolo basato su poesie di M. Svetlov, op. 72 (1946). Prima assoluta: 8 maggio 1946, Mosca, Club Centrale Dzerzhinsky

"Frazione", musica per la tragedia di W. Shakespeare (1954). Prima assoluta: 31 marzo 1954, Leningrado, teatro drammatico. Puškin

Musica per film

“New Babylon” (film muto; regia di G. Kozintsev e L. Trauberg), op. 18 (1928-1929)
“Alone” (registi G. Kozintsev e L. Trauberg), op. 26 (1930-1931)
“Montagne d'oro” (direttore S. Yutkevich), op. 30 (1931)
“The Counter” (diretto da F. Ermler e S. Yutkevich), op. 33 (1932)

"La storia del prete e del suo lavoratore Balda" (direttore M. Tsekhanovsky), op. 36 (1933-1934). Il lavoro non è finito
“Amore e odio” (direttore A. Gendelstein), op. 38 (1934)
“La giovinezza di Maxim” (direttori G. Kozintsev e L. Trauberg), op. 41 (1934)
“Fidanzate” (direttore L. Arnstam), op. 41a (1934-1935)
“Il ritorno di Maxim” (registi G. Kozintsev e L. Trauberg), op. 45 (1936-1937)
“I giorni di Volochaev” (diretto da G. e S. Vasiliev), op. 48 (1936-1937)
“Vyborg Side” (direttori G. Kozintsev e L. Trauberg), op. 50 (1938)
“Amici” (direttore L. Arnstam), op. 51 (1938)
“Il grande cittadino” (direttore F. Ermler), op. 52 (1 serie, 1937) e 55 (2 serie, 1938-1939)
“L'uomo con la pistola” (direttore S. Yutkevich), op. 53 (1938)
“Lo stupido topo” (direttore M. Tsekhanovsky), op. 56 (1939)
“Le avventure di Korzinkina” (direttore K. Mintz), op. 59 (1940-1941)
“Zoe” (direttore L. Arnstam), op. 64 (1944)
“Gente comune” (direttori G. Kozintsev e L. Trauberg), op. 71 (1945)
“La giovane guardia” (direttore S. Gerasimov), op. 75 (1947-1948)
“Pirogov” (direttore G. Kozintsev), op. 76 (1947)
“Michurin” (direttore A. Dovzhenko), op. 78 (1948)
“Incontro sull'Elba” (direttore G. Alexandrov), op. 80 (1948)
“La caduta di Berlino” (direttore M. Chiaureli), op. 82 (1949)
“Belinsky” (direttore G. Kozintsev), op. 85 (1950)
“L'Indimenticabile 1919” (direttore M. Chiaureli), op. 89 (1951)
“Il canto dei grandi fiumi” (direttore J. Ivens), op. 95 (1954)
“Il Tafano” (direttore A. Fainzimmer), op. 97 (1955)
“First Echelon” (direttore A. Fainzimmer), op. 99 (1955-1956)
“Khovanshchina” (film-opera - orchestrazione dell'opera di M. P. Mussorgsky), op. 106 (1958-1959)
“Cinque giorni - cinque notti” (direttore L. Arnstam), op. 111 (1960)
“Cheryomushki” (basato sull’operetta “Mosca, Cheryomushki”; regista G. Rappaport) (1962)
“Amleto” (direttore G. Kozintsev), op. 116 (1963-1964)
“Un anno come la vita” (direttore G. Roshal), op. 120 (1965)
“Katerina Izmailova” (basato sull'opera; regista M. Shapiro) (1966)
“Sofya Perovskaya” (direttore L. Arnstam), op. 132 (1967)
“Re Lear” (direttore G. Kozintsev), op. 137 (1970)

Opere per orchestra

Sinfonie

Sinfonia n. 1 in fa minore op. 10 (1924-1925). Prima assoluta: 12 maggio 1926, Leningrado, Sala grande Filarmonica. Orchestra Filarmonica di Leningrado, direttore

Sinfonia n. 2 in si maggiore “To October”, op. 14, con un ritornello finale su parole di A. Bezymensky (1927). Prima assoluta: 5 novembre 1927, Leningrado, Sala Grande Filarmonica. Orchestra e coro della Filarmonica di Leningrado, direttore N. Malko

Sinfonia n. 3 Es-dur “Primo Maggio”, op. 20, con un coro finale su parole di S. Kirsanov (1929). Prima assoluta: 21 gennaio 1930, Leningrado. Orchestra e coro della Filarmonica di Leningrado, direttore

Sinfonia n. 5 in re moll, op. 47 (1937). Prima assoluta: 21 novembre 1937, Leningrado, Sala Grande Filarmonica. Orchestra Filarmonica di Leningrado, direttore

Sinfonia n. 6 in si minore op. 54 (1939) tre parti. Prima assoluta: 21 novembre 1939, Leningrado, Sala Grande Filarmonica. Orchestra Filarmonica di Leningrado, direttore E. Mravinsky

Sinfonia n. 8 in do minore op. 65 (1943), dedicato a E. Mravinsky. Prima assoluta: 4 novembre 1943, Mosca, Sala Grande del Conservatorio. Orchestra Sinfonica Statale Accademica dell'URSS, direttore E. Mravinsky

Sinfonia n. 9 in mi maggiore op. 70 (1945) in cinque parti. Prima assoluta: 3 novembre 1945, Leningrado, Sala Grande Filarmonica. Orchestra Filarmonica di Leningrado, direttore E. Mravinsky

Sinfonia n. 11 in sol minore “1905”, op. 103 (1956-1957). Prima assoluta: 30 ottobre 1957, Mosca, Sala Grande del Conservatorio. Orchestra Sinfonica Statale Accademica dell'URSS, direttore N. Rakhlin

Sinfonia n. 12 in re moll “1917”, op. 112 (1959-1961), dedicato alla memoria di V.I. Lenin. Prima assoluta: 1 ottobre 1961, Leningrado, Grande Sala Filarmonica. Orchestra Filarmonica di Leningrado, direttore E. Mravinsky

Sinfonia n. 14, op. 135 (1969) in undici movimenti, per soprano, basso, archi e percussioni su strofe, ed. Prima assoluta - 29 settembre, Leningrado, Sala Grande dell'Accademia di arte corale intitolata a M. I. Glinka. (soprano), E. Vladimirov (basso), Orchestra da Camera di Mosca, direttore d'orchestra.

Concerti

Concerto per pianoforte e orchestra (archi e solista) n. 1 in do maggiore, op. 35 (1933). Prima assoluta: 15 ottobre 1933, Leningrado, Sala Grande Filarmonica. D. Shostakovich (pianoforte), A. Schmidt (tromba), Orchestra Filarmonica di Leningrado, direttore.

Concerto per pianoforte n. 2 in fa maggiore op. 102 (1957). Prima assoluta: 10 maggio 1957, Mosca, Sala Grande del Conservatorio. M. Shostakovich (pianoforte), Orchestra sinfonica accademica statale dell'URSS, direttore N. Anosov.

Concerto per violino e orchestra n. 1 in la-moll, op. 77 (1947-1948). Prima assoluta: 29 ottobre 1955, Leningrado, Sala Grande Filarmonica. (violino), Orchestra Filarmonica di Leningrado, direttore E. Mravinsky

Concerto per violino e orchestra n. 2 cis-moll, op. 129 (1967). Prima assoluta: 26 settembre 1967, Mosca, Sala Grande del Conservatorio. D. Oistrakh (violino), Orchestra Filarmonica di Mosca, direttore K. Kondrashin

Concerto per violoncello e orchestra n. 1 Es-dur, op. 107 (1959). Prima assoluta: 4 ottobre 1959, Leningrado, Sala Grande Filarmonica. (violoncello), Orchestra Filarmonica di Leningrado, direttore E. Mravinsky

Concerto per violoncello e orchestra n. 2 in sol maggiore op. 126 (1966). Prima assoluta: 25 settembre 1966, Mosca, Sala Grande del Conservatorio. M. Rostropovich (violoncello), direttore d'orchestra

Altri lavori

Scherzo fis-moll, op. 1 (1919)
Tema e variazioni in si maggiore op. 3 (1921-1922)
Scherzo in mi maggiore op. 7 (1923-1924)
Suite dall'opera “The Nose” per tenore, baritono e orchestra, op. 15a (1928)
Suite dal balletto "The Golden Age", op. 22a (1930)
Due brani per l'opera di E. Dressel "Povero Colombo", op. 23 (1929)
Suite dal balletto Bolt (Ballet Suite n. 5), op. 27a (1931)
Suite dalla musica per il film “Le Montagne d'Oro”, op. 30a (1931)
Suite dalla musica per il film "Amleto", op. 32a (1932)
Suite n. 1 per orchestra pop (1934)
Cinque frammenti, op. 42 (1935)
Suite n. 2 per orchestra pop (1938)
Suite dalla musica per film su Maxim (coro e orchestra; arrangiamento di A. Atovmyan), op. 50a (1961)
Marcia cerimoniale per banda di ottoni (1942)
Suite dalla musica per il film “Zoya” (con coro; arrangiamento di A. Atovmyan), op. 64a (1944)
Suite dalla musica per il film “The Young Guard” (arrangiata da A. Atovmyan), op. 75a (1951)
Suite dalla musica per il film “Pirogov” (arrangiata da A. Atovmyan), op. 76a (1951)
Suite dalla musica per il film “Michurin” (arrangiata da A. Atovmyan), op. 78a (1964)

Opere con partecipazione del coro

"Da Karl Marx ai giorni nostri" poema sinfonico su parole di N. Aseev per voci soliste, coro e orchestra (1932), incompiuto, perduto
“Giuramento al commissario del popolo” su parole di V. Sayanov per basso, coro e pianoforte (1941)

Canzone della divisione delle guardie ("The Fearless Guards Regiments Are Coming") su testi di Rakhmilevich per basso, coro e pianoforte (1941)
“Ave, patria dei Soviet” su testi di E. Dolmatovsky per coro e pianoforte (1943)
“Mar Nero” su parole di S. Alimov e N. Verkhovsky per basso, coro maschile e pianoforte (1944)
“Canzone di benvenuto sulla Patria” sulle parole di I. Utkin per tenore, coro e pianoforte (1944)

“Poema della Patria”, cantata per mezzosoprano, tenore, due baritoni, basso, coro e orchestra, op. 74 (1947)
“Paradiso antiformalistico” per quattro bassi, lettore, coro e pianoforte (1948/1968)

“Il canto delle foreste”, oratorio su parole di E. Dolmatovsky per tenore, basso, coro di ragazzi, coro misto e orchestra, op. 81 (1949)
“Our Song” su testi di K. Simonov per basso, coro e pianoforte (1950)
“La Marcia dei Sostenitori della Pace” su parole di K. Simonov per tenore, coro e pianoforte (1950)
Dieci canzoni sulle parole di poeti rivoluzionari per coro solo (1951)

“Il sole splende sopra la nostra Patria”, cantata su testi di E. Dolmatovsky per coro di voci bianche, coro misto e orchestra, op. 90 (1952)
“Glorifichiamo la Patria” (parole di V. Sidorov) per coro e pianoforte (1957)
“Conserviamo le albe d'ottobre nei nostri cuori” (parole di V. Sidorov) per coro e pianoforte (1957)
Due arrangiamenti di canzoni popolari russe per coro solo, op. 104 (1957)
“Dawn of October” (testo di V. Kharitonov) per coro e pianoforte (1957)

“L'esecuzione di Stepan Razin”, poema vocale-sinfonico sulle parole di E. Yevtushenko per basso, coro e orchestra, op. 119 (1964)

“Lealtà”, otto ballate su testi di E. Dolmatovsky per coro maschile solo, op. 136 (1970)

Composizioni per voce con accompagnamento

Due favole di Krylov per mezzosoprano, coro e orchestra, op. 4 (1922)
Sei romanze con poesie di poeti giapponesi per tenore e orchestra, op. 21 (1928-1932)
Quattro romanze su poesie di A. S. Pushkin per basso e pianoforte, op. 46 (1936-1937)

Sei romanzi basati su poesie di poeti britannici, tradotti da B. Pasternak e S. Marshak per basso e pianoforte, op. 62 (1942). Successivamente orchestrato e pubblicato come op. 62a (1943), la seconda versione dell'orchestrazione - come op. 140 (1971)
“Canzone patriottica” secondo le parole di Dolmatovsky (1943)
"La canzone dell'Armata Rossa" sulle parole di M. Golodny (1943), insieme ad A. Khachaturian

"Dalla poesia popolare ebraica" per soprano, contralto, tenore e pianoforte, op. 79 (1948). Successivamente l'orchestrazione fu realizzata e pubblicata come op. 79a
Due romanze su poesie di M. Yu Lermontov per voce e pianoforte, op. 84 (1950)
Quattro canzoni su parole di E. Dolmatovsky per voce e pianoforte, op. 86 (1950-1951)
Quattro monologhi su poesie di A. S. Pushkin per basso e pianoforte, op. 91 (1952)
“Canti greci” (traduzione di S. Bolotin e T. Sikorskaya) per voce e pianoforte (1952-1953)
“Canzoni dei nostri giorni” su parole di E. Dolmatovsky per basso e pianoforte, op. 98 (1954)
“C'erano baci” su testo di E. Dolmatovsky per voce e pianoforte (1954)

“Canzoni spagnole” (traduzione di S. Bolotin e T. Sikorskaya) per mezzosoprano e pianoforte, op. 100 (1956)
“Satire”, cinque romanze con parole di Sasha Cherny per soprano e pianoforte, op. 109 (1960)
Cinque romanze su testi della rivista “Crocodile” per basso e pianoforte, op. 121 (1965)

Prefazione a incontro completo i miei scritti e breve riflessione su questa Prefazione per basso e pianoforte op. 123 (1966)
Sette poesie di A. A. Blok per soprano e trio con pianoforte, op. 127 (1967)
“Primavera, primavera” su poesie di A. S. Pushkin per basso e pianoforte, op. 128 (1967)
Sei romanze per basso e orchestra da camera, operazione. 140 (dopo l'Op.62; 1971)

Sei poesie di M. I. Cvetaeva per contralto e pianoforte, op. 143 (1973), orchestrato come op. 143a

Suite su parole di Michelangelo Buonarotti, tradotte da A. Efros per contrabbasso e pianoforte, op. 145 (1974), orchestrato come op. 145a

Composizioni strumentali da camera

Sonata per violoncello e pianoforte in re minore, op. 40 (1934). Prima rappresentazione: 25 dicembre 1934, Leningrado. V. Kubatsky, D. Shostakovich

Opere di Dmitry Dmitrievich Shostakovich suddivise per genere, con indicazione del titolo, anno di creazione, genere/interprete, con commenti.

Opere

The Nose (da N.V. Gogol, libretto di E.I. Zamyatin, G.I. Ionin, A.G. Preis e l'autore, 1928, messo in scena nel 1930, Leningrad Maly Teatro dell'opera)
Lady Macbeth di Msensk (Katerina Izmailova, da N. S. Leskov, libretto di Preis e dell'autore, 1932, messa in scena nel 1934, Teatro dell'Opera Maly di Leningrado, Teatro musicale di Mosca intitolato a V. I. Nemirovich-Danchenko; nuova edizione nel 1956, dedicata a N. V. Shostakovich, messa in scena nel 1963, Teatro musicale di Mosca intitolato a K. S. Stanislavsky e V. I. Nemirovich-Danchenko)
Giocatori (secondo Gogol, non finiti, esecuzione del concerto nel 1978, Filarmonica di Leningrado)

Balletti

Età dell'oro (1930, Teatro dell'Opera e del Balletto di Leningrado)
Bolt (1931, ibid.)
Bright Stream (1935, Teatro dell'Opera Maly di Leningrado)

Commedia musicale

Mosca, Cheryomushki (libretto di V. Z. Mass e M. A. Chervinsky, 1958, messo in scena nel 1959, Teatro dell'Operetta di Mosca)

Per solisti, coro e orchestra

oratorio Il canto delle foreste (parole di E. Ya. Dolmatovsky, 1949)
cantata Il sole splende sulla nostra Patria (parole di Dolmatovsky, 1952)

Poesie

Poesia sulla madrepatria (1947)
L'esecuzione di Stepan Razin (parole di E. A. Yevtushenko, 1964)

Per coro e orchestra

Inno a Mosca (1947)
Inno della RSFSR (parole di S. P. Shchipachev, 1945)

Per orchestra

15 sinfonie (n. 1, fa minore op. 10, 1925; n. 2 - ottobre, con coro finale su parole di A. I. Bezymensky, si maggiore op. 14, 1927; n. 3, Pervomaiskaya, per orchestra e coro, parole di S. I. Kirsanov, Es-dur op. 20, 1929, C-dur op. 43, 1941; la città di Leningrado; n. 8, c-moll op. 65, 1943, dedicato a E. A. Mravinsky n. 10, e-moll op 13, b-moll op. 113, parole di E. A. Evtushenko, 1962; n. 14, op. 135, parole di F. Garcia Lorca, G. Apollinaire, V. K. Kuchelbecker e R. M. Rilke, 1969 dedicato a B. Britten ; n. 15, op. 141, 1971)
poema sinfonico Ottobre (op. 131, 1967)
Ouverture in russo e kirghiso temi popolari(op.115, 1963)
Ouverture festiva (1954)
2 scherzo (op. 1, 1919; op. 7, 1924)
Ouverture dall'opera "Cristoforo Colombo" di Dressel (op. 23, 1927)
5 frammenti (op. 42, 1935)
Carillon di Novorossiysk (1960)
Preludio funebre e trionfale al ricordo degli eroi Battaglia di Stalingrado(opera 130, 1967)

Suite

dall'opera Nose (op. 15-a, 1928)
dalla musica per il balletto The Golden Age (op. 22-a, 1932)
5 suite di balletto (1949; 1951; 1952; 1953; op. 27-a, 1931)
dalla musica al film Monti d'Oro (op. 30-a, 1931)
Incontro sull'Elba (op. 80-a, 1949)
Primo scaglione (op. 99-a, 1956)
dalla musica alla tragedia “Amleto” di Shakespeare (op. 32-a, 1932)

Concerti per strumento e orchestra

2 per pianoforte (do minore op. 35, 1933; fa maggiore op. 102, 1957)
2 per violino (a-moll op. 77, 1948, dedicato a D. F. Oistrakh; cis-moll op. 129, 1967, a lui dedicato)
2 per violoncello (Es-dur op. 107, 1959; G-dur op. 126, 1966)

Per banda di ottoni

Marcia della polizia sovietica (1970)

Per orchestra jazz

Suite (1934)

Ensemble strumentali da camera

Per violino e pianoforte

sonata (re-moll op. 134, 1968, dedicata a D. F. Oistrakh)

Per viola e pianoforte

sonata (op. 147, 1975)

Per violoncello e pianoforte

sonata (re-moll op. 40, 1934, dedicata a V. L. Kubatsky)
3 pezzi (op. 9, 1923-24)
2 trii con pianoforte (op. 8, 1923; op. 67, 1944, in memoria di I. P. Sollertinsky)
15 corde. quartetti (No. l, Do-dur op. 49, 1938: No. 2, La-dur op. 68, 1944, dedicato a V. Ya. Shebalin; No. 3, Fa-dur op. 73, 1946, dedicato al Quartetto di Beethoven; n. 4, Re-dur op. 83; , c-moll op. 110, 1960, dedicato alla memoria delle vittime del fascismo e della guerra ; n. 10, As-dur op. 122, 1966, in memoria di V. P. Shiriisky , dedicato a D. M. Tsyganov; n. 13, b-moll, 1970, dedicato a V. V. Borisovsky n. 14, Fis-dur op .15; .144, 1974)
quintetto per pianoforte (sol minore op. 57, 1940)
2 pezzi per ottetto d'archi (op. 11, 1924-25)

Per pianoforte

2 sonate (do maggiore op. 12, 1926; si minore op. 61, 1942, dedicata a L. N. Nikolaev)
24 Preludi (op. 32, 1933)
24 Preludi e Fughe (op. 87, 1951)
8 Preludi (op.2, 1920)
Aforismi (10 opere teatrali, op.13, 1927)
3 danze fantastiche (op. 5, 1922)
Quaderno per bambini (6 pezzi, op. 69, 1945)
Le danze delle bambole (7 pezzi, senza op., 1952)

Per 2 pianoforti

concertino (op. 94, 1953)
suite (op. 6, 1922, dedicata alla memoria di D. B. Shostakovich)

Per voce e orchestra

2 favole di Krylov (op. 4, 1922)
6 romanzi basati su parole di poeti giapponesi (op. 21, 1928-32, dedicato a N.V. Varzar)
8 canzoni popolari inglesi e americane su testi di R. Burns e altri, tradotte da S. Ya Marshak (senza op., 1944)

Per coro e pianoforte

Giuramento al commissario del popolo (parole di V. M. Sayanov, 1942)

Per coro a cappella

Dieci poesie basate sulle parole di poeti rivoluzionari russi (op. 88, 1951)
2 arrangiamenti di canzoni popolari russe (op. 104, 1957)
Fidelity (8 ballate su testi di E. A. Dolmatovsky, op. 136, 1970)

Per voce, violino, violoncello e pianoforte

7 romanzi in parole di A. A. Blok (op. 127, 1967)
ciclo vocale"Dalla poesia popolare ebraica" per soprano, contralto e tenore con pianoforte (op. 79, 1948)

Per voce e pianoforte

4 romanzi in parole di A. S. Pushkin (op. 46, 1936)
6 romanze su parole di W. Raleigh, R. Burns e W. Shakespeare (op. 62, 1942; versione con orchestra da camera)
2 canzoni su testi di M. A. Svetlov (op. 72, 1945)
2 romanzi su parole di M. Yu. Lermontov (op. 84, 1950)
4 canzoni su testi di E. A. Dolmatovsky (op. 86, 1951)
4 monologhi su parole di A. S. Pushkin (op. 91, 1952)
5 romanzi in parole di E. A. Dolmatovsky (op. 98, 1954)
Canzoni spagnole (Op.100, 1956)
5 satire sulle parole di S. Cherny (op. 106, 1960)
5 romanzi basati su parole della rivista “Crocodile” (op. 121, 1965)
Primavera (parole di Pushkin, op. 128, 1967)
6 poesie di M. I. Cvetaeva (op. 143, 1973; versione con orchestra da camera)
Suite Sonetti di Michelangelo Buonarroti (op. 148, 1974; versione con orchestra da camera)
4 poesie del capitano Lebyadkin (parole di F. M. Dostoevskij, op. 146, 1975)

Per solisti, coro e pianoforte

arrangiamenti di canzoni popolari russe (1951)

Musica per spettacoli teatrali

“La cimice” di Mayakovsky (1929, Mosca, Teatro V. E. Meyerhold)
“Shot” di Bezymensky (1929, Leningrado TRAM)
“Terra Vergine” di Gorbenko e Lvov (1930, ibid.)
"Regola, Britannia!" Piotrovsky (1931, ibid.)
Amleto di Shakespeare (1932, Mosca, Teatro Vakhtangov)
“La Commedia Umana” di Sukhotin, da O. Balzac (1934, ibid.)
“Saluto, Spagna” di Afinogenov (1936, Teatro drammatico di Leningrado intitolato a Pushkin)
Re Lear di Shakespeare (1941, Bolshoi di Leningrado Teatro del dramma loro. Gorkij)

Musica per film

"Nuova Babilonia" (1929)
"Solo" (1931)
"Montagne d'Oro" (1931)
"In arrivo" (1932)
"Amore e odio" (1935)
"Amiche" (1936)
"La giovinezza di Maxim" (1935)
"Il ritorno di Maxim" (1937)
"Lato Vyborg" (1939)
"I giorni di Volochaevskij" (1937)
"Amici" (1938)
"L'uomo con la pistola" (1938)
"Grande Cittadino" (2 episodi, 1938-39)
"Stupido topo" (cartone animato, 1939)
"Le avventure di Korzinkina" (1941)
"Zoe" (1944)
"La gente comune" (1945)
"Pirogov" (1947)
"Giovane Guardia" (1948)
"Michurin" (1949)
"Incontro sull'Elba" (1949)
"L'anno indimenticabile 1919" (1952)
"Belinsky" (1953)
"Unità" (1954)
"Il tafano" (1955)
"Primo scaglione" (1956)
"Amleto" (1964)
"Un anno come la vita" (1966)
"Re Lear" (1971), ecc.

Strumentazione di opere di altri autori

M. P. Mussorgsky - opere “Boris Godunov” (1940), “Khovanshchina” (1959), ciclo vocale “Songs and Dances of Death” (1962)
opera "Il violino di Rothschild" di V. I. Fleishman (1943)
cori A. A. Davidenko - “Sul decimo miglio” e “La strada è preoccupata” (per coro e orchestra, 1962)

Per comporre musica Shostakovich iniziò quando aveva solo nove anni. Dopo aver visitato l'opera Rimskij-Korsakov"La storia dello zar Saltan" il ragazzo dichiarò il suo desiderio di dedicarsi seriamente alla musica ed entrò nella palestra commerciale Maria Shidlovskaya.

Per per lunghi anni lavorò attivamente a sinfonie e opere. Nel gennaio 1936 l'opera "Katerina Izmailova", per il quale Dmitry Shostakovich ha scritto la musica, ha visitato Giuseppe Stalin. Il lavoro ha scioccato il dittatore, il cui gusto è stato allevato sui classici popolari e musica folk. La sua reazione è stata espressa in un editoriale "Confusione al posto della musica", che per anni ha determinato lo sviluppo della musica sovietica. La maggior parte delle opere di Shostakovich scritte prima del 1936 sono praticamente scomparse dalla circolazione culturale del Paese.

Nel febbraio 1948 fu pubblicato il decreto del Comitato centrale del Partito comunista sindacale dei bolscevichi sull'opera di Muradeli "La grande amicizia", in cui la musica dei maggiori compositori sovietici (tra cui Prokofiev, Shostakovich e Khachaturian) fu dichiarata "formalistica". " e "estraneo al popolo sovietico". Nuova ondata gli attacchi a Shostakovich sulla stampa superarono significativamente quelli sorti nel 1936. Il compositore, costretto a sottomettersi ai dettami e "rendendosi conto dei propri errori", ha eseguito l'oratorio "La canzone delle foreste" (1949), la cantata "Il sole splende sulla nostra patria" (1952), nonché la musica di film di contenuto storico e militare-patriottico, che in parte ha facilitato la sua situazione.

I cicli vocali e le opere per pianoforte di Shostakovich sono entrati nel tesoro mondiale arte musicale, ma soprattutto fu un brillante sinfonista. È stato nelle sue sinfonie che ha cercato di tradurre la storia del XX secolo, con tutte le sue tragedie e sofferenze, nel linguaggio della musica. "Serata Mosca" porta alla vostra attenzione una selezione dei più famosi tra loro.

Sinfonia n. 1

Il primo per davvero lavoro originale Shostakovich divenne il suo lavoro di diploma. Dopo la sua prima esecuzione a Leningrado il 12 maggio 1926, la critica cominciò a parlare di Shostakovich come di un artista capace di riempire il vuoto lasciato nella musica russa dopo l'emigrazione di Rachmaninov, Stravinskij e Prokofiev. Gli ascoltatori sono rimasti stupiti quando, dopo uno scroscio di applausi, un giovane, quasi un ragazzino con una cresta ostinata in testa, è salito sul palco per inchinarsi.

Già in questa partitura giovanile era evidente la propensione di Shostakovich per l’ironia e il sarcasmo, per i contrasti improvvisi e drammaticamente ricchi e per l’uso diffuso di motivi simbolici, spesso sottoposti a radicali trasformazioni figurative e semantiche. Nel 1927, la Prima Sinfonia di Shostakovich fu eseguita a Berlino, poi a Filadelfia e New York. I più importanti direttori d'orchestra del mondo l'hanno inclusa nel loro repertorio. È così che il ragazzo diciannovenne è entrato nella storia della musica.

Sinfonia n. 7

Mentre nei primi mesi del Grande Guerra Patriottica a Leningrado (fino all'evacuazione a Kuibyshev in ottobre), Shostakovich iniziò a lavorare alla sua settima sinfonia, "Leningradskaya". La terminò nel dicembre 1941 e il 5 marzo 1942 la sinfonia fu presentata per la prima volta a Kuibyshev. I concerti si sono svolti anche a Mosca e Novosibirsk, ma l'esecuzione davvero leggendaria della sinfonia ha avuto luogo nella Leningrado assediata. I musicisti sono stati richiamati dalle unità militari, alcuni di loro hanno dovuto essere portati in ospedale prima dell'inizio delle prove per essere nutriti e curati. Il giorno in cui fu eseguita la sinfonia, il 9 agosto 1942, tutte le forze di artiglieria della città assediata furono inviate per sopprimere le postazioni di tiro nemiche: nulla avrebbe dovuto interferire con la significativa prima.

È curioso ciò che ha scritto Alexey Tolstoy sulla sinfonia: “La settima sinfonia è dedicata al trionfo dell'umano nell'uomo Proviamo (almeno in parte) a penetrare il sentiero pensiero musicale Shostakovich - nelle minacciose notti buie di Leningrado, sotto il ruggito delle esplosioni, nel bagliore degli incendi, lo ha portato a scrivere quest'opera schietta."

Sinfonia n. 10

La Decima Sinfonia, una delle opere più personali e autobiografiche di Shostakovich, fu composta nel 1953. Ci si aspettava come l'apoteosi della vittoria, ma ciò che ottennero fu qualcosa di strano, di ambiguo, che causò sconcerto e insoddisfazione tra i critici. Da lei dentro Musica sovietica Si apriva simbolicamente l’era del “disgelo”. Era una confessione profondamente intima di un artista che difendeva il suo “io” in un'opposizione disperata, quasi senza speranza, allo stalinismo. In seguito a ciò si verificò una crisi nel lavoro di Shostakovich, che durò diversi anni.

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Da dove iniziare ad ascoltare Shostakovich

Dmitry Shostakovich divenne famoso all'età di 20 anni, quando fu eseguita la sua Prima Sinfonia sale per concerti URSS, Europa e Stati Uniti. Un anno dopo la sua prima, la Prima Sinfonia fu rappresentata in tutti i principali teatri del mondo. I contemporanei definirono le 15 sinfonie di Shostakovich “la grande era della musica russa e mondiale”. Ilya Ovchinnikov parla dell'opera “Lady Macbeth di Mtsensk”, Sinfonia n. 5, Quartetto d'archi n. 8.

Foto: telegraph.co.uk

Concerto n. 1 per pianoforte, tromba e orchestra

Il concerto è uno dei ultimi lavori presto, audace Shostakovich, autore di opere d'avanguardia come l'opera "Il naso", la Seconda e la Terza sinfonie. Non è un caso che Shostakovich si muova verso uno stile più democratico. Il concerto è pieno di citazioni nascoste ed esplicite. Sebbene la parte della tromba nell'opera sia estremamente importante, non può essere definito un doppio concerto, dove i ruoli dei due strumenti sono uguali: la tromba prima fa un assolo, poi accompagna il pianoforte, poi lo interrompe, poi tace a lungo. . Il concerto è come una trapunta patchwork: pieno di citazioni di Bach, Mozart, Haydn, Grieg, Weber, Mahler, Čajkovskij, pur rimanendo un'opera assolutamente integra. Le fonti delle citazioni includono il rondò di Beethoven "Rage for a Lost Penny". Shostakovich ha utilizzato il suo tema in una cadenza che inizialmente non aveva intenzione di scrivere: è apparsa su richiesta urgente del pianista Lev Oborin, che, insieme all'autore, è diventato uno dei primi interpreti del Concerto. Anche Sergei Prokofiev, che aveva intenzione di suonare il Concerto a Parigi, si interessò alla composizione, ma non arrivò mai a questo.

Opera "Lady Macbeth di Mcensk"

I temi principali di una delle principali opere del XX secolo furono il sesso e la violenza; poco dopo la sua trionfale prima nel 1934, fu ufficialmente bandito nel nostro Paese per quasi 30 anni. Basato sul saggio di Leskov, Shostakovich ha cambiato molto l'immagine dell'eroina. "Nonostante Ekaterina Lvovna sia l'assassino di suo marito e suo suocero, la simpatizzo ancora", ha scritto il compositore. Negli anni tragico destino l'opera la portò a essere vista come una protesta contro il regime. Tuttavia, la musica, permeata di un senso di presentimento, suggerisce che la portata della tragedia è più ampia della scala dell'epoca. Non è un caso che la polizia, annoiata alla stazione, sia particolarmente contenta della notizia di un cadavere nella cantina degli Izmailov, e la vera scoperta del cadavere - una delle scene più sorprendenti dell'opera - è accompagnata da un galoppo vigoroso e scattante. L’immagine della danza sopra una tomba – una delle più importanti per Shostakovich in generale – era troppo rilevante per l’URSS negli anni ’30 e avrebbe potuto non piacere a Stalin. Presta attenzione alla danza degli ospiti nel terzo atto: una volta ascoltata è impossibile dimenticarla.

Lo stesso galoppo - eseguito da Shostakovich.

Sinfonia n. 5

La sinfonia non sarebbe nata senza l'opera Lady Macbeth e la sua critica devastante. L'articolo "Confusione invece della musica", dettato da Stalin, inferse un duro colpo a Shostakovich: si aspettava l'arresto, anche se non smise di lavorare. La Quarta Sinfonia fu presto completata, ma la sua rappresentazione fu cancellata e ebbe luogo 25 anni dopo. Ha scritto Shostakovich nuova sinfonia, la cui prima si è rivelata un vero trionfo: il pubblico non se ne è andato per mezz'ora. La sinfonia fu presto riconosciuta come un capolavoro il livello più alto; è stata elogiata da Alexey Tolstoy e Alexander Fadeev. Shostakovich è riuscito a creare una sinfonia che lo ha aiutato a riabilitarsi, ma non è stato un compromesso. IN lavori precedenti il compositore ha sperimentato coraggiosamente; nella Quinta, senza calpestarsi la gola, ha presentato i risultati della sua complessa ricerca nella forma tradizionale di una sinfonia romantica in quattro movimenti. Per i circoli ufficiali lei finale importante sembrava più che accettabile; L'ossessivo maggiore ha offerto al pubblico infinite opportunità di pensare a ciò che l'autore aveva in mente e continua a farlo.

Quartetto d'archi n. 8

Oltre a quindici sinfonie, l'eredità di Shostakovich comprende quindici quartetti d'archi: il suo diario personale, una conversazione con se stesso, un'autobiografia. Tuttavia, la scala degli altri suoi quartetti è sinfonica e molti di essi vengono eseguiti in arrangiamenti per orchestra. Il più famoso è l’Ottavo, il cui titolo “In memoria delle vittime del fascismo e della guerra” è solo una copertura per la vera intenzione dell’autore. Shostakovich scrisse al suo amico Isaac Glickman: “... scrisse un quartetto di cui nessuno aveva bisogno ed era ideologicamente vizioso. Pensavo che, se mai fossi morto, difficilmente qualcuno avrebbe scritto un'opera dedicata alla mia memoria. Così ho deciso di scriverne uno anch'io. Sulla copertina si sarebbe potuto scrivere: “Dedicato alla memoria dell'autore di questo quartetto”... La pseudo-tragedia di questo quartetto è tale che, scrivendolo, ho versato tante lacrime quante è l'urina che esce dopo una mezza dozzina di birre. Arrivando a casa, ho provato a riprodurlo due volte e di nuovo ho pianto. Ma non si tratta solo della sua pseudo-tragedia, ma anche della sorpresa per la meravigliosa integrità della forma.”

Operetta “Mosca, Cheryomushki”

L'unica operetta di Shostakovich è dedicata al trasferimento dei moscoviti nuova zona capitali. Per i tempi del Disgelo, il libretto di Cheryomushki è sorprendentemente privo di conflitti: a parte la lotta dei nuovi coloni per lo spazio abitativo con il mascalzone Drebednev e sua moglie Vava, i restanti conflitti qui sono solo tra il buono e l'eccellente. Anche il manager disonesto Barabashkin è simpatico. La grafia di Shostakovich è praticamente impercettibile in questa esemplare operetta: è curioso immaginare come l'avrebbe percepita un ascoltatore se non l'avesse a conoscenza del nome autore. Oltre alla musica sono degni di nota anche i dialoghi toccanti: "Oh, che lampadario interessante!" - "Questo non è un lampadario, ma un ingranditore fotografico." - "Oh, che interessante ingranditore fotografico... Di cosa possiamo parlare, le persone sanno come vivere!" L'operetta “Mosca, Cheryomushki” è una sorta di museo, dove la mostra non riguarda tanto la nostra vita di 60 anni fa, ma come veniva intesa a quel tempo.

Dmitry Dmitrievich Shostakovich (12 (25) settembre 1906, San Pietroburgo - 9 agosto 1975, Mosca) - Compositore, pianista, insegnante e compositore sovietico russo figura pubblica, uno dei compositori più significativi del XX secolo, che ha contribuito e continua a fornire influenza creativa sui compositori. IN nei primi anni Shostakovich fu influenzato dalla musica di Stravinsky, Berg, Prokofiev, Hindemith e più tardi (a metà degli anni '30) Mahler. Studiando costantemente le tradizioni classiche e d'avanguardia, Shostakovich sviluppò le sue linguaggio musicale, pieno di emozioni e toccante il cuore di musicisti e amanti della musica di tutto il mondo.

Nella primavera del 1926, l'Orchestra Filarmonica di Leningrado, diretta da Nikolai Malko, suonò per la prima volta la Prima Sinfonia di Dmitri Shostakovich. In una lettera al pianista di Kiev L. Izarova, N. Malko ha scritto: “Sono appena tornato da un concerto. Ha diretto per la prima volta la sinfonia del giovane Leningrader Mitya Shostakovich. Mi sento come se avessi aperto una nuova pagina nella storia della musica russa”.

L'accoglienza della sinfonia da parte del pubblico, dell'orchestra e della stampa non può essere definita semplicemente un successo, è stato un trionfo. Idem il suo corteo attraverso i palcoscenici sinfonici più famosi del mondo. Otto Klemperer, Arturo Toscanini, Bruno Walter, Hermann Abendroth, Leopold Stokowski si sono chini sulla partitura della sinfonia. A loro, pensatori-conduttori, la correlazione tra il livello di abilità e l'età dell'autore sembrava non plausibile. Sono rimasto colpito dalla completa libertà con cui il compositore diciannovenne ha disposto di tutte le risorse dell'orchestra per realizzare le sue idee, e le idee stesse hanno colpito con freschezza primaverile.

La sinfonia di Shostakovich fu davvero la prima sinfonia del Nuovo Mondo, su cui si abbatté il temporale di ottobre. Il contrasto era sorprendente tra la musica piena di allegria, l’esuberante fioritura di giovani forze, i testi sottili e timidi e la cupa arte espressionista di molti contemporanei stranieri di Shostakovich.

Aggirando la solita fase giovanile, Shostakovich entrò con sicurezza nella maturità. Questa eccellente scuola gli ha dato questa fiducia. Originario di Leningrado, ha studiato tra le mura del Conservatorio di Leningrado nelle classi del pianista L. Nikolaev e del compositore M. Steinberg. Leonid Vladimirovich Nikolaev, che creò uno dei rami più fruttuosi della scuola pianistica sovietica, come compositore fu allievo di Taneyev, che a sua volta era allievo di Čajkovskij. Maximilian Oseevich Steinberg è uno studente di Rimsky-Korsakov e un seguace dei suoi principi e metodi pedagogici. Dai loro insegnanti Nikolaev e Steinberg ereditarono un odio totale per il dilettantismo. Nelle loro classi si respirava uno spirito di profondo rispetto per il lavoro, per quello che Ravel amava designare con la parola metier – mestiere. Ecco perché la cultura della maestria era così alta già nella prima grande opera del giovane compositore.

Sono passati molti anni da allora. Altri quattordici furono aggiunti alla Prima Sinfonia. Apparvero quindici quartetti, due trii, due opere, tre balletti, due concerti per pianoforte, due per violino e due per violoncello, cicli romantici, raccolte di preludi e fughe per pianoforte, cantate, oratori, musica per molti film e spettacoli drammatici.

Il primo periodo della creatività di Shostakovich coincide con la fine degli anni Venti, un periodo di accese discussioni sulle questioni cardinali dell'Unione Sovietica. cultura artistica quando le basi del metodo e dello stile dell'arte sovietica si cristallizzarono - realismo socialista. Come tanti rappresentanti dei giovani, e non solo nuove generazioni Intellighenzia artistica sovietica, Shostakovich rende omaggio alla sua passione per le opere sperimentali del regista V. E. Meyerhold, le opere di Alban Berg (Wozzeck), Ernst Kshenek (Jumping Over the Shadow, Johnny) e i balletti di Fyodor Lopukhov.

Ad attirare l'attenzione è anche il connubio tra acuto grottesco e profonda tragedia, tipico di molti fenomeni dell'arte espressionista provenienti dall'estero giovane compositore. Allo stesso tempo, l'ammirazione per Bach, Beethoven, Čajkovskij, Glinka e Berlioz vive sempre in lui. Un tempo era preoccupato per la grandiosa epopea sinfonica di Mahler: la profondità dei problemi etici in essa contenuti: l'artista e la società, l'artista e la modernità. Ma nessuno dei compositori delle epoche passate lo sciocca tanto quanto Mussorgsky.

All'inizio percorso creativo Shostakovich, in un momento di ricerche, hobby e controversie, nasce la sua opera "The Nose" (1928), una delle opere più controverse della sua giovinezza creativa. In quest'opera basata sulla trama di Gogol, attraverso le influenze tangibili de "L'ispettore generale" di Meyerhold, erano visibili tratti musicali eccentrici e luminosi che rendono "Il naso" simile all'opera di Mussorgsky "Il matrimonio". “The Nose” ha svolto un ruolo significativo nell’evoluzione creativa di Shostakovich.

L'inizio degli anni '30 è segnato nella biografia del compositore da un flusso di opere di generi diversi. Ecco i balletti "The Golden Age" e "Bolt", musica per la produzione di Meyerhold dell'opera di Mayakovsky "The Bedbug", musica per diverse rappresentazioni del Teatro della gioventù lavoratrice di Leningrado (TRAM) e, infine, il primo ingresso di Shostakovich nella cinematografia, la creazione di musica per i film "Alone", "Golden Mountains", "Counter"; musica per lo spettacolo di varietà e circo del Music Hall di Leningrado “Conditionally Killed”; comunicazione creativa con arti correlate: balletto, teatro drammatico, cinema; l’emergere del primo ciclo romantico (basato su poesie di poeti giapponesi) testimonia la necessità del compositore di concretizzare la struttura figurativa della musica.

Il posto centrale tra le opere di Shostakovich della prima metà degli anni '30 è occupato dall'opera “Lady Macbeth di Mtsensk” (“Katerina Izmailova”). La base della sua drammaturgia è l'opera di N. Leskov, il genere di cui l'autore ha designato con la parola "saggio", come a sottolineare con ciò l'autenticità, l'affidabilità degli eventi, la ritrattistica caratteri. La musica di "Lady Macbeth" è una storia tragica su un'era terribile di tirannia e illegalità, quando tutto ciò che è umano in una persona, la sua dignità, pensieri, aspirazioni, sentimenti, fu ucciso; quando gli istinti primitivi erano tassati e governavano le azioni e la vita stessa, incatenata, camminava lungo le infinite autostrade della Russia. Su uno di essi Shostakovich vide la sua eroina - moglie dell'ex commerciante, condannato, prezzo pieno pagare per la sua felicità criminale. Lo vide e raccontò con entusiasmo il suo destino nella sua opera.

L'odio per il vecchio mondo, il mondo della violenza, delle bugie e della disumanità si manifesta in molte opere di Shostakovich, in diversi generi. Lei è l'antitesi più forte immagini positive, idee che definiscono il credo artistico e sociale di Shostakovich. Fede nel potere irresistibile dell'uomo, ammirazione per la ricchezza pace della mente, simpatia per la sua sofferenza, una sete appassionata di partecipare alla lotta per i suoi ideali luminosi: questi sono le caratteristiche più importanti questo credo. Si manifesta in modo particolarmente completo nelle sue opere chiave e miliari. Tra questi c'è una delle più importanti, la Quinta Sinfonia, apparsa nel 1936, che iniziò nuova fase biografia creativa del compositore, un nuovo capitolo nella storia Cultura sovietica. In questa sinfonia, che può essere definita una “tragedia ottimistica”, l'autore arriva al profondo problema filosofico formazione della personalità del suo contemporaneo.

A giudicare dalla musica di Shostakovich, il genere sinfonico è sempre stato per lui una piattaforma dalla quale dovrebbero essere pronunciati solo i discorsi più importanti e più ardenti, volti a raggiungere i più alti obiettivi etici. La piattaforma sinfonica non è stata eretta per l'eloquenza. Questo è un trampolino di lancio per il pensiero filosofico militante, che lotta per gli ideali dell'umanesimo, denunciando il male e la bassezza, come se affermasse ancora una volta la famosa posizione goethiana:

Solo lui è degno di felicità e libertà,
Chi va a combattere per loro ogni giorno!
È significativo che nessuna delle quindici sinfonie scritte da Shostakovich si allontani dalla modernità. Il Primo è stato menzionato sopra, il Secondo è una dedica sinfonica all'ottobre, il Terzo è il “Primo Maggio”. In essi, il compositore si rivolge alla poesia di A. Bezymensky e S. Kirsanov per rivelare più chiaramente la gioia e la solennità dei festeggiamenti rivoluzionari che divampano in essi.

Ma già dalla Quarta Sinfonia, scritta nel 1936, una forza aliena e malvagia entra nel mondo della gioiosa comprensione della vita, della bontà e della cordialità. Assume diverse sembianze. Da qualche parte cammina rudemente sul terreno ricoperto di vegetazione primaverile, con un sorriso cinico contamina la purezza e la sincerità, è arrabbiata, minaccia, prefigura la morte. È internamente vicino ai temi oscuri che minacciano la felicità umana dalle pagine delle partiture delle ultime tre sinfonie di Čajkovskij.

Sia nel Quinto che nel II movimento della Sesta Sinfonia di Shostakovich, questa forza formidabile si fa sentire. Ma solo nella Settima, Sinfonia di Leningrado, raggiunge la sua massima altezza. All'improvviso nel mondo dei pensieri filosofici, dei sogni puri, della vivacità atletica, alla maniera levitana paesaggi poetici una forza crudele e terribile invade. È venuta a spazzare via questo mondo pulito e stabilire l'oscurità, il sangue, la morte. Insinuantemente, da lontano, si sente il fruscio appena udibile di un piccolo tamburo, e sul suo ritmo chiaro emerge un tema duro e spigoloso. Ripetendosi undici volte con noiosa meccanicità e acquisendo forza, acquisisce suoni rauchi, ringhianti, in qualche modo irsuti. E ora, in tutta la sua terrificante nudità, l’uomo-bestia calpesta la terra.

In contrasto con il “tema dell’invasione”, nella musica emerge e si rafforza il “tema del coraggio”. Il monologo del fagotto è estremamente saturo dell'amarezza della perdita, facendo ricordare le battute di Nekrasov: "Queste sono le lacrime delle povere madri, non dimenticheranno i loro figli morti sul campo insanguinato". Ma non importa quanto possano essere tristi le perdite, la vita si afferma ogni minuto. Questa idea permea lo Scherzo - Parte II. E da qui, attraverso la riflessione (Parte III), si giunge a un finale che suona trionfante.

Il compositore scrisse la sua leggendaria Sinfonia di Leningrado in una casa costantemente scossa dalle esplosioni. In uno dei suoi discorsi, Shostakovich ha detto: “Ho guardato la mia amata città con dolore e orgoglio. E rimase in piedi, bruciato dal fuoco, indurito dalla battaglia, avendo sperimentato la profonda sofferenza di un combattente, ed era ancora più bello nella sua severa grandezza. Come potevo non amare questa città, costruita da Pietro, e non raccontare al mondo intero la sua gloria, il coraggio dei suoi difensori... La mia arma era la musica”.

Odiando appassionatamente il male e la violenza, il compositore cittadino denuncia il nemico, colui che semina guerre che fanno precipitare le nazioni nell'abisso del disastro. Ecco perché il tema della guerra per molto tempo ha affascinato i pensieri del compositore. Suona nell'Ottava, grandiosa in scala, nella profondità dei tragici conflitti, composta nel 1943, nella Decima e Tredicesima sinfonia, nel trio con pianoforte, scritto in memoria di I. I. Sollertinsky. Questo tema penetra anche nell'Ottavo Quartetto, nella musica dei film “La caduta di Berlino”, “Incontro sull'Elba”, “La giovane guardia”. In un articolo dedicato al primo anniversario del Giorno della Vittoria, Shostakovich ha scritto: “ La vittoria obbliga non meno della guerra combattuta in nome della vittoria. La sconfitta del fascismo è solo una tappa nell’inarrestabile movimento offensivo dell’uomo, nell’attuazione della missione progressista del popolo sovietico”.

La Nona Sinfonia, la prima opera di Shostakovich del dopoguerra. Fu eseguita per la prima volta nell'autunno del 1945, in una certa misura questa sinfonia non fu all'altezza delle aspettative. Non vi è alcuna solennità monumentale che possa incarnare nella musica le immagini della fine vittoriosa della guerra. Ma c'è dell'altro: gioia immediata, scherzi, risate, come se un peso enorme fosse caduto dalle spalle, e per la prima volta dopo tanti anni fosse possibile accendere la luce senza tende, senza oscurarsi, e tutte le finestre delle case si illuminavano di gioia. E solo nella penultima parte appare un duro ricordo di quanto vissuto. Ma l'oscurità regna per un breve periodo: la musica ritorna di nuovo nel mondo della luce e del divertimento.

Otto anni separano la Decima Sinfonia dalla Nona. Non c’è mai stata una tale rottura nella cronaca sinfonica di Shostakovich. E ancora una volta abbiamo davanti a noi un'opera piena di tragiche collisioni, profondi problemi ideologici, accattivante con le sue narrazioni patetiche su un'era di grandi sconvolgimenti, un'era di grandi speranze per l'umanità.

L'Undicesima e la Dodicesima occupano un posto speciale nell'elenco delle sinfonie di Shostakovich.

Prima di passare all'Undicesima Sinfonia, scritta nel 1957, è necessario ricordare Dieci poesie per coro misto (1951) basate sulle parole del rivoluzionario poeti del XIX secolo- inizio del 20° secolo. Le poesie dei poeti rivoluzionari: L. Radin, A. Gmyrev, A. Kots, V. Tan-Bogoraz hanno ispirato Shostakovich a creare musica, ogni battuta della quale è stata composta da lui, e allo stesso tempo simile alle canzoni dei rivoluzionari sotterranei, raduni studenteschi, che sono stati ascoltati nelle segrete Butyrok, a Shushenskoye, e a Lynjumo, a Capri, alle canzoni che erano e tradizione familiare nella casa dei genitori del compositore. Suo nonno, Boleslav Boleslavovich Shostakovich, per aver partecipato Rivolta polacca Nel 1863 fu esiliato. Suo figlio, Dmitry Boleslavovich, il padre del compositore, anni studenteschi e dopo essersi laureato all'Università di San Pietroburgo, fu strettamente associato alla famiglia Lukashevich, uno dei cui membri, insieme ad Alexander Ilyich Ulyanov, stava preparando un tentativo di omicidio Alessandra III. Lukashevich trascorse 18 anni nella fortezza di Shlisselburg.

Una delle impressioni più potenti dell'intera vita di Shostakovich è datata 3 aprile 1917, il giorno dell'arrivo di V.I Lenin a Pietrogrado. Così ne parla il compositore. “Ho assistito agli eventi della Rivoluzione d’Ottobre, ero tra coloro che ascoltavano Vladimir Ilyich sulla piazza di fronte Stazione Finlyandsky il giorno del suo arrivo a Pietrogrado. E, anche se allora ero molto giovane, rimase impresso per sempre nella mia memoria”.

Il tema della rivoluzione è entrato nella carne e nel sangue del compositore fin dalla sua infanzia ed è maturato in lui insieme alla crescita della coscienza, diventando uno dei suoi fondamenti. Questo tema si cristallizzò nell’Undicesima Sinfonia (1957), chiamata “1905”. Ogni parte ha il suo nome. Da loro si può chiaramente immaginare l'idea e la drammaturgia dell'opera: “Piazza del Palazzo”, “9 gennaio”, “Memoria eterna”, “Allarme”. La sinfonia è permeata dalle intonazioni delle canzoni dell'underground rivoluzionario: "Ascolta", "Prigioniero", "Sei caduto una vittima", "Rabbia, tiranni", "Varshavyanka". Danno alla ricca narrativa musicale un'eccitazione speciale e l'autenticità di un documento storico.

Dedicata alla memoria di Vladimir Ilyich Lenin, la Dodicesima Sinfonia (1961) - un'opera di potenza epica - continua il racconto strumentale della rivoluzione. Come nell'Undicesimo, i nomi del programma delle parti danno un'idea completamente chiara del suo contenuto: "Pietrogrado rivoluzionario", "Razliv", "Aurora", "L'alba dell'umanità".

La Tredicesima Sinfonia di Shostakovich (1962) è vicina nel genere all'oratorio. È stato scritto per una composizione insolita: Orchestra Sinfonica, coro di bassi e basso solista. La base testuale delle cinque parti della sinfonia sono i versi di Evg. Yevtushenko: “Babi Yar”, “Umorismo”, “In negozio”, “Paure” e “Carriera”. L'idea della sinfonia, il suo pathos è la denuncia del male in nome della lotta per la verità, per l'uomo. E questa sinfonia rivela l'umanesimo attivo e offensivo insito in Shostakovich.

Dopo una pausa di sette anni, nel 1969, fu creata la Quattordicesima Sinfonia, scritta per un'orchestra da camera: archi, un piccolo numero di percussioni e due voci: soprano e basso. La sinfonia contiene poesie di Garcia Lorca, Guillaume Apollinaire, M. Rilke e Wilhelm Kuchelbecker. Dedicata a Benjamin Britten, la sinfonia è stata scritta, secondo il suo autore, sotto l'influenza di "Canti e danze della morte" di M. P. Mussorgsky. Nel magnifico articolo “Dalle profondità degli abissi”, dedicato alla Quattordicesima sinfonia, Marietta Shaginyan ha scritto: “... la Quattordicesima sinfonia di Shostakovich, il culmine del suo lavoro. La quattordicesima sinfonia - vorrei chiamarla la prima “Passioni umane” della nuova era - parla in modo convincente di quanto il nostro tempo abbia bisogno sia di un'interpretazione approfondita delle contraddizioni morali sia di una tragica comprensione delle prove spirituali (“passioni”) , attraverso il quale passa l’umanità”.

La quindicesima sinfonia di D. Shostakovich fu composta nell'estate del 1971. Dopo una lunga pausa, il compositore torna a una partitura puramente strumentale per la sinfonia. La colorazione leggera dello “scherzo giocattolo” del primo movimento è associata alle immagini dell'infanzia. Il tema dell’ouverture “Guglielmo Tell” di Rossini “si inserisce” organicamente nella musica. Musica funebre dell'inizio della Parte II dal suono cupo gruppo rame dà origine a pensieri di perdita, al primo terribile dolore. La musica della seconda parte è piena di fantasia minacciosa, in qualche modo ricorda mondo fatato"Lo Schiaccianoci". All'inizio della parte IV, Shostakovich ricorre nuovamente alla citazione. Questa volta è il tema del destino di Valkyrie, che predetermina il tragico culmine dell'ulteriore sviluppo.

Quindici sinfonie di Shostakovich sono quindici capitoli della cronaca epica del nostro tempo. Shostakovich si è unito alle fila di coloro che stanno attivamente e direttamente trasformando il mondo. La sua arma è la musica diventata filosofia, la filosofia diventata musica.

Le aspirazioni creative di Shostakovich coprono tutti i generi musicali esistenti: dalla canzone di massa di "The Counter" al monumentale oratorio "Song of the Forests", opere, sinfonie e concerti strumentali. Una sezione significativa della sua opera è dedicata alla musica da camera, una delle cui opere, “24 Preludi e Fughe” per pianoforte, è posto speciale. Dopo Johann Sebastian Bach, poche persone hanno osato toccare un ciclo polifonico di questo tipo e scala. E non è una questione di presenza o assenza di una tecnologia adeguata, di un tipo speciale di abilità. I “24 Preludi e Fughe” di Shostakovich non sono solo un insieme di saggezza polifonica del XX secolo, ma sono l’indicatore più chiaro della forza e della tensione del pensiero, penetrando nelle profondità dei fenomeni più complessi. Questo tipo di pensiero è simile alla forza intellettuale di Kurchatov, Landau, Fermi, e quindi i preludi e le fughe di Shostakovich stupiscono non solo per l'alto accademismo nel rivelare i segreti della polifonia di Bach, ma soprattutto per il pensiero filosofico che penetra veramente nel mondo “gli abissi degli abissi” del suo contemporaneo, le forze motrici, le contraddizioni e il pathos dell'epoca delle grandi trasformazioni.

Accanto alle sinfonie, un posto importante nella biografia creativa di Shostakovich è occupato dai suoi quindici quartetti. In questo ensemble, modesto nel numero degli interpreti, il compositore si rivolge a un circolo tematico vicino a quello di cui parla nelle sue sinfonie. Non è un caso che alcuni quartetti appaiano quasi contemporaneamente alle sinfonie, essendone i “compagni” originari.

Nelle sinfonie il compositore si rivolge a milioni di persone, proseguendo in questo senso la linea del sinfonismo di Beethoven, mentre i quartetti si rivolgono a una cerchia più ristretta, da camera. Con lui condivide ciò che eccita, piace, deprime, ciò che sogna.

Nessuno dei quartetti ha un titolo speciale che ne aiuti la comprensione del contenuto. Nient'altro che un numero di serie. Eppure il loro significato è chiaro a chiunque ami e sappia ascoltare la musica da camera. Il primo quartetto ha la stessa epoca della Quinta Sinfonia. Nella sua struttura allegra, vicina al neoclassicismo, con una pensosa sarabanda del primo movimento, uno scintillante finale haydniano, un valzer svolazzante e un profondo coro di viola russa, prolungato e chiaro, si può sentire la guarigione dai pensieri pesanti che hanno sopraffatto il eroe della Quinta Sinfonia.

Ricordiamo quanto fosse importante il lirismo nelle poesie, nelle canzoni, nelle lettere durante gli anni della guerra, come si moltiplicò forza mentale il calore lirico di alcune frasi piene di sentimento. Il valzer e la storia d'amore del Secondo Quartetto, scritto nel 1944, ne sono intrisi.

Quanto sono diverse tra loro le immagini del Terzo Quartetto. Contiene la negligenza della giovinezza e visioni dolorose delle “forze del male”, la tensione sul campo della resistenza e testi adiacenti a riflessione filosofica. Il Quinto Quartetto (1952), che precede la Decima Sinfonia, e in misura ancora maggiore l'Ottavo Quartetto (1960) sono pieni di visioni tragiche - ricordi degli anni della guerra. Nella musica di questi quartetti, come nella Settima e nella Decima sinfonia, le forze della luce e le forze dell'oscurità sono nettamente opposte. Sul frontespizio dell’Ottavo Quartetto si legge: “In memoria delle vittime del fascismo e della guerra”. Questo quartetto è stato scritto in tre giorni a Dresda, dove Shostakovich è andato a lavorare sulla musica per il film Five Days, Five Nights.

Insieme ai quartetti, che riflettono il “grande mondo” con i suoi conflitti, eventi, collisioni di vita, Shostakovich ha quartetti che suonano come pagine di un diario. Nella Prima sono allegri; nella Quarta si parla di autoreferenzialità, contemplazione, pace; nel sesto si rivelano immagini di unità con la natura e profonda tranquillità; nel Settimo e nell'Undicesimo - dedicati alla memoria dei propri cari, la musica raggiunge un'espressività quasi verbale, soprattutto nei tragici climax.

Nel Quattordicesimo Quartetto il tratti caratteriali Melo russe. Nella prima parte, le immagini musicali affascinano con il loro modo romantico di esprimere una vasta gamma di sentimenti: dalla sincera ammirazione per la bellezza della natura alle esplosioni di tumulto mentale, al ritorno alla pace e alla tranquillità del paesaggio. L'Adagio del Quattordicesimo Quartetto fa ricordare lo spirito russo del coro di viole del Primo Quartetto. Nella III - la parte finale - la musica è delineata da ritmi di danza, che suonano più o meno chiaramente. Valutando il quattordicesimo quartetto di Shostakovich, D. B. Kabalevskij parla dell '"inizio beethoveniano" della sua alta perfezione.

Il quindicesimo quartetto fu eseguito per la prima volta nell'autunno del 1974. La sua struttura è insolita; si compone di sei parti, che si susseguono senza interruzione. Tutti i movimenti sono a ritmo lento: Elegia, Serenata, Intermezzo, Notturno, Marcia funebre ed Epilogo. Il quindicesimo quartetto stupisce con la profondità del pensiero filosofico, così caratteristico di Shostakovich in molte opere di questo genere.

L'opera per quartetto di Shostakovich rappresenta uno dei picchi dello sviluppo del genere nel periodo post-Beethoven. Proprio come nelle sinfonie, qui regna la pace idee elevate, riflessioni, generalizzazioni filosofiche. Ma, a differenza delle sinfonie, i quartetti hanno quell’intonazione di fiducia che risveglia immediatamente risposta emotiva pubblico. Questa proprietà dei quartetti di Shostakovich li rende simili ai quartetti di Čajkovskij.

Accanto ai quartetti, giustamente uno dei posti più alti genere da camera occupa il Quintetto per pianoforte, scritto nel 1940, un'opera che combina un profondo intellettualismo, particolarmente evidente nel Preludio e nella Fuga, e una sottile emotività, facendo in qualche modo ricordare i paesaggi di Levitan.

Alla Camera musica vocale il compositore si rivolge sempre più spesso negli anni del dopoguerra. Appaiono sei romanzi basati sulle parole di W. Raleigh, R. Burns, W. Shakespeare; ciclo vocale “Dalla poesia popolare ebraica”; Due romanzi su poesie di M. Lermontov, Quattro monologhi su poesie di A. Pushkin, canzoni e romanzi su poesie di M. Svetlov, E. Dolmatovsky, il ciclo "Canzoni spagnole", Cinque satire sulle parole di Sasha Cherny, Cinque humoresques alle parole della rivista “Crocodile” ", Suite basata su poesie di M. Tsvetaeva.

Indica una tale abbondanza di musica vocale basata sui testi della poesia classica e dei poeti sovietici cerchio ampio interessi letterari del compositore. Nella musica vocale di Shostakovich, colpisce non solo la sottigliezza del senso dello stile e della calligrafia del poeta, ma anche la capacità di ricreare le caratteristiche nazionali della musica. Ciò è particolarmente vivido nelle "canzoni spagnole", nel ciclo "Dalla poesia popolare ebraica", nei romanzi basati su poesie di poeti inglesi. Le tradizioni dei testi romantici russi, provenienti da Čajkovskij, Taneyev, si sentono nelle Cinque Romanze, "Cinque giorni" basati sulle poesie di E. Dolmatovsky: "Il giorno dell'incontro", "Il giorno delle confessioni", "Il giorno Il giorno dei risentimenti”, “Il giorno della gioia”, “Il giorno dei ricordi”.

Un posto speciale è occupato dalle "Satire" basate sulle parole di Sasha Cherny e dalle "Humoresques" di "Crocodile". Riflettono l'amore di Shostakovich per Mussorgsky. Ha avuto origine nel nei primi anni ed è apparso prima nel suo ciclo "Le favole di Krylov", poi nell'opera "Il naso", poi in "Katerina Izmailova" (soprattutto nell'atto IV dell'opera). Per tre volte Shostakovich si rivolge direttamente a Mussorgsky, riorchestrando e montando “Boris Godunov” e “Khovanshchina” e orchestrando per la prima volta “Songs and Dances of Death”. E ancora l'ammirazione per Mussorgsky si riflette nella poesia per solista, coro e orchestra - "L'esecuzione di Stepan Razin" sui versi di Evg. Evtushenko.

Quanto deve essere forte e profondo l'attaccamento a Mussorgskij se, possedendo un'individualità così brillante, che può essere inequivocabilmente riconosciuta da due o tre frasi, Shostakovich così umilmente, con tanto amore - non imita, no, ma adotta e interpreta lo stile di scrivere a modo suo grande musicista realista.

Una volta, ammirando il genio di Chopin, appena apparso sull'orizzonte musicale europeo, Robert Schumann scrisse: "Se Mozart fosse vivo, avrebbe scritto un concerto di Chopin". Parafrasando Schumann, possiamo dire: se Mussorgskij fosse vissuto, avrebbe scritto “L’esecuzione di Stepan Razin” di Shostakovich. Dmitry Shostakovich - un maestro eccezionale musica teatrale. È vicino a diversi generi: opera, balletto, commedia musicale, spettacoli di varietà (Music Hall), teatro drammatico. Includono anche musica per film. Citiamo solo alcune opere di questi generi tratte da più di trenta film: "Le montagne d'oro", "Il contatore", "La trilogia di Maxim", "La giovane guardia", "Incontro sull'Elba", "La caduta di Berlino ", "Il tafano", "Cinque" giorni - cinque notti", "Amleto", "Re Lear". Dalla musica per spettacoli drammatici: “The Bedbug” di V. Mayakovsky, “The Shot” di A. Bezymensky, “Hamlet” e “King Lear” di V. Shakespeare, “Salute, Spain” di A. Afinogenov, “The Commedia umana” di O. Balzac.

Non importa quanto siano diverse per genere e scala le opere di Shostakovich nel cinema e nel teatro, sono unite da una caratteristica comune: la musica crea la propria, per così dire, "serie sinfonica" di incarnazione di idee e personaggi, influenzando l'atmosfera del film o prestazioni.

Il destino dei balletti è stato sfortunato. Qui la colpa è tutta della pessima sceneggiatura. Ma la musica, dotata di immagini vivide e umorismo, che suona brillantemente nell'orchestra, è stata conservata sotto forma di suite e occupa un posto di rilievo nel repertorio concerti sinfonici. Con grande successo su molti palcoscenici del musical sovietico i teatri sono accesi balletto “La giovane donna e il teppista” sulla musica di D. Shostakovich basato sul libretto di A. Belinsky, che ha basato la sceneggiatura del film di V. Mayakovsky.

Dmitri Shostakovich ha dato un grande contributo al genere concerto strumentale. Il primo ad essere scritto fu un concerto per pianoforte in do minore con tromba solista (1933). Con la sua giovinezza, malizia e la sua affascinante spigolosità giovanile, il concerto ricorda la Prima Sinfonia. Quattordici anni dopo appare un concerto per violino, profondo nel pensiero, magnifico nella portata e brillante nel virtuosismo; seguì, nel 1957, il Secondo Concerto per pianoforte, dedicato al figlio Maxim, pensato per l'esecuzione per bambini. L'elenco della letteratura concertistica della penna di Shostakovich è completato dai concerti per violoncello (1959, 1967) e dal secondo concerto per violino (1967). Questi concerti sono pensati soprattutto per “ebbrezza di genialità tecnica”. In termini di profondità di pensiero e intenso dramma, si collocano accanto alle sinfonie.

L'elenco delle opere fornito in questo saggio include solo le opere più tipiche dei generi principali. Decine di titoli in diverse sezioni della creatività sono rimasti fuori dalla lista.

Il suo cammino verso il mondo gloria - la via uno dei più grandi musicisti del XX secolo, stabilendo con coraggio nuove pietre miliari nella cultura musicale mondiale. Il suo percorso verso la fama mondiale, il percorso di una di quelle persone per le quali vivere significa essere nel bel mezzo degli eventi di ognuno per il suo tempo, approfondire il significato di ciò che sta accadendo, prendere una posizione giusta nelle controversie, scontri di opinioni, in lotta e per rispondere con tutte le forze dei suoi giganteschi doni a tutto ciò che si esprime in un'unica grande parola: Vita.