K. Bryullov. Auto ritratto. (romanticismo)
Nato nella famiglia di un artista, accademico e insegnante all'Accademia delle arti. Già durante l'infanzia, suo padre lavorava molto con lui, il che non poteva non lasciare un'impronta nel suo lavoro. Nelle sue opere, di solito seguiva lo stile del classicismo (uno stile artistico tradotto dal latino come "esemplare", prendendo come ideale le tradizioni dell'antichità e del Rinascimento. Il classicismo esalta l'eroismo, l'alta cittadinanza, il senso del dovere, condanna i vizi .), che ha introdotto con insistenza tra le sue mura. Tuttavia, come vedremo, anche le tendenze non hanno lasciato indifferente Bryullov. Si è brillantemente diplomato all'Accademia, ha ricevuto una Gran Medaglia d'Oro e poi ha migliorato le sue capacità in Italia, dove ha rapidamente ottenuto il riconoscimento europeo. I soggetti di molti dei suoi dipinti sono ispirati a motivi italiani. Bryullov possiede tele su temi storici e mitologici e su argomenti di tutti i giorni. Dipinse anche illustrazioni per opere letterarie e numerosi ritratti.
L'ultimo giorno di Pompei (1833)
Il dipinto ricrea la morte dell'antica città di Pompei durante l'eruzione del Vesuvio nel 79 d.C. Questa è un'enorme tela alta 4,5 metri e lunga 6,5 metri.
Lo sfondo paesaggistico più complesso e la composizione a più figure richiedevano un'intensa energia fisica e creativa. Il successo del dipinto è spiegato dal dramma tempestoso della scena, dalla brillantezza e dalla luminosità dei colori, dalla portata compositiva, dalla chiarezza scultorea e dall'espressività delle forme.
Il Vesuvio aprì la bocca: ne uscì fumo, una nuvola di fiamme
Ampiamente sviluppato come una bandiera di battaglia,
La terra è agitata dalle colonne oscillanti
Gli idoli cadono! Un popolo guidato dalla paura
Sotto la pioggia di pietre, sotto le ceneri ardenti,
Le folle, vecchi e giovani, stanno scappando dalla città.
La cosa principale è che il pittore ha dimostrato in modo convincente: nemmeno le forze più spietate e inevitabili sono in grado di distruggere una persona in una persona. Osservando l'immagine, si nota che anche al momento della morte, ognuno di quelli raffigurati non cerca tanto la salvezza per se stesso, quanto si sforza prima di tutto di salvare le persone a lui vicine e care. Così, l'uomo al centro dell'immagine, allungando il palmo aperto della mano sinistra verso il cielo minaccioso, non protegge se stesso dalla caduta di pietre, ma sua moglie, che ha coperto con il suo mantello. La donna, chinandosi e sporgendo tutto il corpo in avanti, cerca di coprire i bambini con il suo corpo.
Qui ci sono bambini adulti che cercano di togliere il loro vecchio padre dal fuoco. Qui la madre convince il figlio a lasciarla e a salvarsi. Ed ecco lo sposo con la sposa morta tra le braccia.
Naturalmente, non tutte le persone sono ugualmente fedeli e rispettabili. L'immagine contiene sia la paura bestiale, che costringe il cavaliere a cavallo a salvarsi rapidamente, sia l'avidità insaziabile con cui il sacerdote si appropria dei tesori della chiesa, approfittando del panico generale. Ma non ce ne sono molti.
Eppure la nobiltà e l'amore prevalgono nel quadro.
Il lavoro di Bryullov porta una chiara impronta dell'influenza del romanticismo. Ciò è evidente sia nella scelta del tema che nella colorazione infuocata dell'immagine. Ma d'altra parte, qui si può vedere anche l'influenza del classicismo, a cui Bryullov è sempre stato fedele: le figure delle persone ricordano molto le perfette sculture antiche. Poche opere d'arte hanno conosciuto il trionfo sperimentato dalla creazione di Bryullov.
Il famoso scrittore inglese Walter Scott trascorse due ore vicino al dipinto e valutò la creazione del maestro russo come un'epopea storica. Quando l'autore mise piede nella sua terra natale, fu celebrato calorosamente a Odessa (arrivò via mare), e soprattutto con entusiasmo a Mosca. Fu nel “trono madre” che l'artista fu accolto dalle strofe poetiche di E.A Baratynsky:
Hai portato trofei della pace
Con te al baldacchino di tuo padre,
E divenne “L’Ultimo Giorno di Pompei”
Primo giorno per la spazzola russa!
Autoritratto (1848)
Questo autoritratto è considerato uno dei migliori della pittura mondiale. In esso, l'artista ha trasmesso lo stato d'animo che lo possedeva alla fine della sua vita. Bryullov a quel tempo era gravemente malato. Il maestro si raffigura sdraiato su una sedia. Il cuscino rosso su cui poggia stancamente la testa sottolinea il pallore malaticcio del viso. La mano del braccio emaciato, abbassata impotente dal bracciolo, rafforza il motivo della sofferenza fisica. Tuttavia, si ha la sensazione che alla sofferenza fisica si aggiunga l’angoscia mentale. Lo sguardo degli occhi infossati e stanchi parla espressamente di loro. Questo capolavoro è stato scritto in sole due ore.
Ritratto di Yulia Samoilova con la sua allieva
Questo dipinto è l’apice del lavoro di Bryullov come ritrattista. Questa è una manifestazione trionfante della bellezza e della forza spirituale di una personalità indipendente, brillante e libera. Bryullov e Yulia Samoilova si amavano. Si sono conosciuti a Roma, e il loro amore è stato facilitato dalla generosa natura italiana. L'artista ha raffigurato lei e la sua allieva mentre lasciano il soggiorno di casa: impetuosa, impetuosa, abbagliantemente bella, accattivante con la sua fragrante giovinezza e la passione della natura. L'artista Kiprensky ha detto che puoi creare con successo il ritratto di una donna che non solo ammiri infinitamente, ma che ami appassionatamente e follemente...
Il secondo titolo del dipinto è “Masquerade”. Questa è l'idea principale dell'artista.
Là, in fondo alla sala, c'è una mascherata. Ma nel mondo delle bugie, Samoilova, piena di dignità umana, si è tolta sdegnosamente la maschera e mostra con orgoglio il suo volto aperto. Lei è sincera. Non nasconde il suo amore per l'artista, che è stato condannato a questo ballo, e il suo atteggiamento nei confronti della società, dalla quale lei e sua nipote stanno lasciando con aria di sfida.
E lì, in fondo alla sala, la folla in maschera continua a divertirsi, ci sono rappresentanti dell'alta società che sono abituati a dire una cosa, a farne un'altra e a pensare qualcos'altro. C'è una società completamente falsa lì, con la quale Bryullov così spesso non coincideva con le sue opinioni. Samoilova ha avuto un ruolo enorme nella vita dell'artista: lo ha sostenuto sia finanziariamente che spiritualmente nei momenti difficili della vita di Bryullov.
Fontana Bakhchisarai (1849)
Dipinto-illustrazione dell'omonima poesia di Pushkin. Ha raffigurato le “mogli timide” di Khan Giray nel giardino vicino alla piscina, mentre osservavano i movimenti dei pesci nell'acqua. Un eunuco li osserva. Con interesse e gioia, l'artista trasmette l'esotismo dell'Oriente: fantasiosi costumi orientali, il lusso lussureggiante della natura: tutto ciò conferisce all'immagine una qualità decorativa festosa. Non c'è dramma nel film. come in una poesia. L'atmosfera idilliaca ne fa un'illustrazione pittoresca per le poesie:
Aspettando con noncuranza il khan,
Intorno ad una fontana giocosa
Sui tappeti di seta
Si sedettero in mezzo a una folla di scherzi
E con gioia infantile guardarono,
Come un pesce negli abissi limpidi
Ho camminato sul fondo di marmo.
Appositamente per lei fino in fondo agli altri
Hanno lasciato cadere orecchini d'oro.
Pomeriggio italiano (1827)
Il modello per questo dipinto era un cittadino romano, una persona paffuta e dal viso tondo che raffigurava mentre raccoglieva l'uva. In piedi sulle scale, tiene un cesto d'uva nella mano sinistra, e con la mano destra sta per raccogliere un grappolo d'uva, e ammira i giochi di luce negli acini pieni di ambra. L'artista l'ha trovata mentre faceva questo. Il generoso sole italiano risplende attraverso il verde fogliame, arde dorato negli acini, balena con fiamma viva sul manto purpureo gettato sul braccio sinistro della giovane, nel rossore delle sue guance, nella curva delle sue labbra scarlatte, la trafigge busto rigoglioso, messo in mostra dalla camicetta che le è scivolata dalla spalla. “Mezzogiorno italiano” è una donna matura e in fiore, che si abbina ai frutti maturi e succosi nutriti dal sole italiano. Un tripudio di luci e colori, un volto tipicamente italiano e meridionale che non ha bisogno di mostrare l'ambiente circostante per enfatizzare la scena.
Ritratto delle sorelle Shishmarev (1839)
Un ritratto cerimoniale delle figlie del famoso amante del teatro e artista Shishmarev. Il ritratto è dipinto sotto forma di un dipinto di genere, le Sorelle sono raffigurate mentre scendono le scale di marmo nel giardino. Un cane corre veloce ai loro piedi. Sotto, un servitore etiope tiene in braccio i cavalli arabi. I movimenti delle “Amazzoni” sono fluidi e belli. I loro costumi sono squisiti. Il colore dei vestiti blu, cremisi e neri è profondo e ricco.
Betsabea (1832)
L'immagine è basata su una storia biblica. Betsabea è la moglie di Uria, amico del re Davide. Davide uccise Uria e fece di Betsabea sua moglie. Lei gli diede un figlio, il futuro re Salomone, famoso per la sua saggezza. L'artista ha combinato la bellezza ideale con la verità della vita nella foto. Dipinge la bellezza del corpo femminile, ma con tutte le forme scultoree che ricordano il classicismo, questa bellezza non è fredda, ma viva, calda. La trama mitologica nello spirito del romanticismo è colorata con il sapore dell'esotismo orientale: la bellezza bianca come la neve di Betsabea è messa in risalto dal corpo dalla pelle scura di una donna nera.
Ragazza che raccoglie l'uva.
Il dipinto fu dipinto nel 1827. Questa è una scena di vita rurale, vista in una delle città italiane. Bryullov lo ha trasformato in un'elegante performance di balletto.
La giovane contadina, come una graziosa ballerina, si alzò in punta di piedi e allargò le braccia flessibili, toccando appena la vite con un grappolo d'uva nera. La musicalità della sua posa è enfatizzata dal vestito leggero che si adatta alle sue gambe snelle: un chitone. Un filo di corallo mette in risalto un collo slanciato e un viso rubicondo incorniciato da ricci capelli castani.
Un'altra ragazza, adagiata liberamente sui gradini di casa. tintinna le campane del tamburello e guarda civettuola lo spettatore.
Nell'allegra compagnia interviene un fratello minore in maglietta corta, una sorta di cupido baccanale che porta una bottiglia di vino.
Cartomanzia Svetlana
Alla vigilia di Natale, le ragazze raccontano il futuro della loro promessa sposa. Quindi Svetlana, guardandosi allo specchio, si chiede. Questa è una ragazza della gente - in un kokoshnik, in un prendisole, con perline sul petto. L'artista, ovviamente, ha abbellito notevolmente il ritratto: le ragazze del popolo non si vestono così. Svetlana si guarda allo specchio e sussurra alcuni incantesimi. La ragazza pronuncia con passione le parole magiche, i suoi occhi supplichevoli scrutano il suo viso, come se stesse aspettando che il suo desiderio si avverasse. Una candela accesa si trova nelle vicinanze, illuminando il viso della ragazza.
Ritratto di N. N. Goncharova. 1832
Questo è l’unico ritratto della moglie di Pushkin realizzato durante la vita del poeta. Questo è un vero capolavoro della pittura ad acquerello russa.
L'artista non approfondisce il carattere della giovane donna. È interamente influenzato dalla bellezza e dal fascino della giovinezza. Tutta l’attenzione dello spettatore è quindi focalizzata sulla sua giovinezza, sulla dolcezza del suo viso quasi infantile e sulla sua toilette elegante. Aveva solo 18 anni.
Nel ritratto, la bella Natalie ha orecchini con diamanti costosi alle orecchie. Il povero Pushkin li prese in prestito dal suo amico Pyotr Meshchersky per un ballo per la sua amata moglie. Quando il poeta li vide su sua moglie, insistette affinché Bryullov dipingesse un ritratto indossando questi orecchini. Va detto che, secondo la leggenda, questi diamanti non erano normali, ma "diamanti Shirin" - sono classificati come gemme storiche "fatali". Si credeva. che non possono essere indossati da donne che non appartengono alla famiglia Meshchersky.
Guardando questo ritratto di Bryullov, si ricordano involontariamente i versi della poesia di Pushkin dedicati alla sua amata moglie:
Nel mio angolo semplice, tra lente fatiche,
Volevo essere per sempre spettatore di un quadro,
Uno: affinché dalla tela, come dalle nuvole,
Il Purissimo e il nostro divino salvatore...
I miei desideri si sono avverati. Creatore
Mi ha mandato te, Madonna mia,
L'esempio più puro di pura bellezza.
Ritratto accoppiato di E. Mussard ed E. Mussard (1849), acquerello
Su consiglio dei medici, nel 1849 Bryullov partì per l'isola di Madeira, dove rimase per circa un anno. Qui, in una piccola colonia di russi, l'artista ha incontrato la bellissima coppia Mussard. Evgeniy Ivanovich Mussard era il segretario del duca Massimiliano di Lichtenberg e di sua moglie, la granduchessa Maria Nikolaevna. L'artista si è impegnato a dipingere un ritratto dei Mussard. Ritratto equestre, cerimoniale. Bryullov amava dipingere tali ritratti. E sebbene si tratti di acquerello, l'artista è riuscito magistralmente a trasmettere la trama degli abiti e la bellezza degli accessori. Ma il loro splendore non ti impedisce di ammirare la bellissima coppia Mussard durante una passeggiata e lo sguardo dei loro magnifici cavalli.
Morte di Inessa de Castro (1834)
Davanti a noi c'è un dramma della vita del re castigliano Alfonso IV del Portogallo. La dama di corte della moglie del figlio del re, Don Pedro Inessa, affascinò con la sua bellezza la bambina, che, dopo la morte della moglie, la sposò segretamente, perché... il padre aveva un'altra candidata come moglie per suo figlio. I consiglieri del re scoprirono il segreto di suo figlio e lo rivelarono ad Alfonso.
Don Pedro rifiutò di sposare il corteggiatore di suo padre. Quindi, con decisione del Consiglio Reale, si decise di uccidere Inessa. Dopo aver atteso il momento in cui Don Pedro sarebbe andato a caccia, il re e i suoi consiglieri si recarono da Inessa. Quando Inessa capì cosa li aspettava, si gettò ai piedi del re. La sfortunata donna singhiozzò, implorando per la sua vita. All'inizio il re ebbe pietà della giovane donna, ma i suoi consiglieri la persuasero a non soccombere a un'inutile pietà e uccisero la madre di due bambini.
Don Pedro non perdonò suo padre per tale tradimento e dopo la sua morte trovò gli assassini diretti e li giustiziò. L'artista è riuscita a trasmettere i sentimenti di una madre che implora appassionatamente i suoi assassini. Il re e i suoi servi sono raffigurati con colori scuri e cupi, le figure di Inessa e dei bambini risaltano come un punto luminoso. E ancora, nella rappresentazione di una donna, Bryullov rimane fedele al classicismo, e nella scelta del tema, nella rappresentazione della passione, si appoggia al romanticismo.
Cavallerizza (1823)
Forse il ritratto più famoso di Bryullov. Davanti a noi ci sono gli alunni della contessa Samoilova - Giovanna e Amazilia Pacini. Si tratta di un ritratto-quadro cerimoniale: la giovane bellezza Giovanna in forma di amazzone tiene le redini del suo cavallo davanti alla veranda di casa, i cani e una bambina le corrono incontro, guarda la sorella con ammirazione e adorazione. Il ritratto sembra riempirsi di movimenti e suoni: i cani abbaiano, sembra che si senta ancora l’eco del calpestio dei bambini nei corridoi echeggianti del palazzo. Il cavallo è caldo, ma la cavallerizza stessa si siede con calma sulla sua ampia schiena. Con grande abilità, Bryullov dipinge la svolazzante sciarpa di garza color smeraldo del cavaliere sullo sfondo della vegetazione scura del parco, verde su verde. La vacanza sarà intrisa di un gioioso sentimento di ammirazione per la ricchezza festosa e la diversità della vita. La storia di un dipinto di Karl Bryullov.
Bryullov K. “L'ultimo giorno di Pompei”
Con il tocco magico del suo pennello, è stata resuscitata la pittura storica, il ritratto, l'acquerello, la prospettiva, il paesaggio, di cui ha dato esempi viventi nei suoi dipinti. Il pennello dell'artista ha avuto appena il tempo di seguire la sua immaginazione, immagini di virtù e vizi brulicavano nella sua testa, sostituendosi costantemente l'una con l'altra, interi eventi storici si sono formati nei contorni concreti più vividi.
Karl Bryullov aveva 28 anni quando decise di dipingere il grandioso dipinto “L’ultimo giorno di Pompei”. L'artista deve l'emergere di interesse per questo argomento a suo fratello maggiore, l'architetto Alexander Bryullov, che lo informò in dettaglio degli scavi del 1824-1825. Lo stesso K. Bryullov era a Roma in questi anni, scadeva il quinto anno del suo pensionamento in Italia. Aveva già al suo attivo diverse opere serie, che hanno avuto un notevole successo nella comunità artistica, ma nessuna di queste sembrava all'artista stesso essere del tutto degna del suo talento. Sentiva di non essere ancora all'altezza delle aspettative riposte su di lui.
Per molto tempo K. Bryullov è stato perseguitato dalla convinzione di poter creare un'opera più significativa di quelle che aveva realizzato fino ad ora. Consapevole delle sue forze, volle completare un quadro ampio e complesso e distruggere così le voci che cominciavano a circolare a Roma. Lo infastidì soprattutto il gentiluomo Cammuccini, considerato a quel tempo il primo pittore italiano. Era lui a diffidare del talento dell'artista russo e spesso diceva: "Ebbene, questo pittore russo è capace di piccole cose, ma un lavoro colossale deve essere fatto da qualcuno più grande!".
Anche altri, sebbene riconoscessero il grande talento di K. Bryullov, notarono tuttavia che la frivolezza e una vita distratta non gli avrebbero mai permesso di concentrarsi su un lavoro serio. Incitato da queste conversazioni, Karl Bryullov era costantemente alla ricerca di un soggetto per un grande dipinto che glorificasse il suo nome. Per molto tempo non riuscì a soffermarsi su nessuno degli argomenti che gli venivano in mente. Alla fine si imbatté in una trama che occupò tutti i suoi pensieri.
In questo periodo, l'opera di Paccini "L" Ultimo giorno di Pompeia" veniva rappresentata con successo sui palcoscenici di molti teatri italiani. Non c'è dubbio che Karl Bryullov l'abbia vista, forse anche più di una volta. Inoltre, insieme al nobile A.N. Demidov (ciambellano e cavaliere di Sua Maestà l'Imperatore Russo) esaminò la distrutta Pompei e sapeva per esperienza personale quale forte impressione fanno sullo spettatore queste rovine, conservando tracce di antichi carri, queste case, come se questi edifici pubblici e i templi erano stati abbandonati solo di recente dai loro proprietari, gli anfiteatri, dove le battaglie dei gladiatori sembravano finite proprio ieri; tombe di campagna con i nomi e i titoli di coloro le cui ceneri sono ancora conservate nelle urne superstiti;
Tutt'intorno, proprio come molti secoli fa, una rigogliosa vegetazione verde ricopriva i resti della sfortunata città. E sopra tutto questo si erge il cono scuro del Vesuvio, fumante minaccioso nell'accogliente cielo azzurro. A Pompei, K. Bryullov chiese vividamente tutti i dettagli ai servi che da tempo supervisionavano gli scavi.
Naturalmente, l'anima impressionabile e ricettiva dell'artista ha risposto ai pensieri e ai sentimenti suscitati dai resti dell'antica città italiana. In uno di questi momenti, gli balenò in mente l'idea di immaginare queste scene su una grande tela. Ha trasmesso questa idea ad A.N. Demidov con tale fervore che promise di fornire fondi per l'attuazione di questo piano e di acquistare in anticipo il futuro dipinto di K. Bryullov.
Con amore e fervore K. Bryullov iniziò a eseguire il dipinto e ben presto realizzò il primo schizzo. Tuttavia, altre attività distolsero l’artista dall’ordine di Demidov e il dipinto non fu pronto entro la scadenza (fine 1830). Insoddisfatto di tali circostanze, A.N. Demidov ha quasi distrutto i termini dell'accordo concluso tra loro, e solo le assicurazioni di K. Bryullov che si sarebbe messo immediatamente al lavoro hanno corretto l'intera questione. E infatti si mise al lavoro con tale diligenza che due anni dopo completò la tela colossale. Il geniale artista trasse ispirazione non solo dalle rovine della distrutta Pompei, ma si ispirò anche alla prosa classica di Plinio il Giovane, che descrisse l'eruzione del Vesuvio nella sua lettera allo storico romano Tacito. 
Cercando la massima affidabilità dell'immagine, Bryullov ha studiato materiali di scavo e documenti storici. Le strutture architettoniche nella foto sono state da lui restaurate dai resti di monumenti antichi, oggetti domestici e gioielli da donna sono stati copiati da reperti situati nel Museo di Napoli. Le figure e le teste delle persone raffigurate sono state dipinte principalmente dal vero, dagli abitanti di Roma. Numerosi schizzi di singole figure, interi gruppi e schizzi del dipinto mostrano il desiderio dell’autore per la massima espressività psicologica, plastica e coloristica.
Bryullov ha costruito l'immagine come episodi separati, a prima vista non collegati tra loro. La connessione diventa chiara solo quando lo sguardo copre contemporaneamente tutti i gruppi, l'intero quadro.
Molto prima della fine, a Roma si cominciò a parlare del meraviglioso lavoro dell'artista russo. Quando le porte del suo studio in via San Claudio si spalancarono al pubblico e quando il dipinto fu successivamente esposto a Milano, gli italiani furono indescrivibilmente felici. Il nome di Karl Bryullov divenne subito famoso in tutta la penisola italiana, da un'estremità all'altra. Quando si incontravano per le strade, tutti si toglievano il cappello davanti a lui; quando apparve nelle sale tutti si alzarono; davanti alla porta della casa dove abitava, o del ristorante dove cenava, si radunava sempre molta gente per salutarlo.
Giornali e riviste italiani glorificarono Karl Bryullov come un genio pari ai più grandi pittori di tutti i tempi, i poeti cantarono le sue lodi in versi e furono scritti interi trattati sulla sua nuova pittura. Lo scrittore inglese W. Scott la definì un'epopea della pittura, e Cammuccini (vergognandosi delle sue precedenti dichiarazioni) abbracciò K. Bryullov e lo definì un colosso. Sin dal Rinascimento stesso, nessun artista è stato oggetto di culto così universale in Italia come Karl Bryullov.
Presentava allo sguardo stupito tutte le virtù di un artista impeccabile, anche se è noto da tempo che anche i più grandi pittori non possedevano ugualmente tutte le perfezioni nella loro combinazione più felice. Tuttavia, il disegno di K. Bryullov, l’illuminazione del dipinto e il suo stile artistico sono assolutamente inimitabili. Il dipinto “L’ultimo giorno di Pompei” ha introdotto l’Europa al potente pennello russo e alla natura russa, capace di raggiungere vette quasi irraggiungibili in ogni campo dell’arte.
Cosa è raffigurato nel dipinto di Karl Bryullov?
In lontananza splende il Vesuvio, dalle cui profondità scorrono fiumi di lava infuocata in tutte le direzioni. La loro luce è così forte che gli edifici più vicini al vulcano sembrano già in fiamme. Un giornale francese ha notato questo effetto pittorico che l'artista voleva ottenere e ha sottolineato: “Un artista normale, ovviamente, non mancherebbe di approfittare dell'eruzione del Vesuvio per illuminare il suo quadro, ma il signor Bryullov ha trascurato questo mezzo gli suscitò un'idea ardita, altrettanto felice, quanto inimitabile: illuminare tutta la parte frontale del quadro con la brillantezza rapida, minuta e biancastra dei fulmini, fendendo la fitta nube di cenere che ricopriva la città, mentre la luce proveniente l’eruzione, irrompendo appena nell’oscurità profonda, getta sullo sfondo una penombra rossastra”.
In effetti, la combinazione di colori principale scelta da K. Bryullov per il suo dipinto era estremamente audace per quel tempo. Era una gamma dello spettro costruita sui colori blu, rosso e giallo, illuminata dalla luce bianca. Verde, rosa, blu si trovano come toni intermedi.
Avendo deciso di dipingere una grande tela, K. Bryullov ha scelto uno dei metodi più difficili per la sua costruzione compositiva, vale a dire luce-ombra e spaziale. Ciò ha richiesto all'artista di calcolare con precisione l'effetto del dipinto a distanza e di determinare matematicamente l'incidenza della luce. E per creare l'impressione dello spazio profondo, ha dovuto prestare la massima attenzione alla prospettiva aerea.
Al centro della tela c'è una figura prostrata giovane donna assassinata come se fosse con questo che K. Bryullov volesse simboleggiare il mondo antico morente (un accenno di tale interpretazione era già stato trovato nelle recensioni dei suoi contemporanei). Questa nobile famiglia partiva su un carro, sperando di scappare in fretta. Ma, ahimè, è troppo tardi: la morte li ha colti lungo la strada. I cavalli spaventati scuotono le redini, le redini si rompono, l'asse del carro si rompe e la donna seduta su di loro cade a terra e muore. Accanto alla sfortunata donna giacciono vari gioielli e oggetti preziosi che ella portò con sé nel suo ultimo viaggio. E i cavalli sfrenati portano suo marito oltre, anche lui verso morte certa, e lui cerca invano di restare sul carro. Un bambino si avvicina al corpo senza vita della madre...
Il proprietario del dipinto, A.N. Demidov era felice del clamoroso successo de “L'ultimo giorno di Pompei” e sicuramente voleva mostrare l'immagine a Parigi. Grazie ai suoi sforzi, fu esposto al Salon d’Arte del 1834, ma anche prima i francesi avevano sentito parlare dell’eccezionale successo del dipinto di K. Bryullov tra gli italiani. Ma una situazione completamente diversa regnò nella pittura francese negli anni Trenta dell’Ottocento; fu teatro di una feroce lotta tra vari movimenti artistici, e quindi il lavoro di K. Bryullov fu accolto senza l’entusiasmo che lo colpì in Italia. Nonostante le recensioni della stampa francese non fossero molto favorevoli all'artista, l'Accademia francese delle arti ha assegnato a Karl Bryullov una medaglia d'oro onoraria.
Il vero trionfo attendeva K. Bryullov a casa. Il dipinto fu portato in Russia nel luglio 1834 e divenne immediatamente oggetto di orgoglio patriottico e divenne il centro dell'attenzione della società russa. Numerose riproduzioni incise e litografiche de “L'ultimo giorno di Pompei” diffondono la fama di K. Bryullov ben oltre la capitale. I migliori rappresentanti della cultura russa hanno accolto con entusiasmo il famoso dipinto: A.S. Pushkin ha tradotto la sua trama in poesia, N.V. Gogol definì il dipinto una “creazione universale” in cui tutto è “così potente, così audace, così armoniosamente combinato in uno solo, non appena potrebbe sorgere nella testa di un genio universale”. Ma anche queste stesse lodi sembravano insufficienti allo scrittore, e ha definito il dipinto “la luminosa resurrezione della pittura. Lui (K. Bryullov) sta cercando di afferrare la natura con un abbraccio gigantesco”.
Evgeny Baratynsky ha dedicato le seguenti righe a Karl Bryullov:
Ha portato il bottino della pace
Portalo con te sul baldacchino di tuo padre.
E ci fu l'"Ultimo Giorno di Pompei"
Primo giorno per il pennello russo.
"Cento grandi dipinti" di N.A. Ionin, casa editrice Veche, 2002
Storie di capolavori
È noto che tra gli studenti di Karl Bryullov la sua pittura "L'ultimo giorno di Pompei" aveva un nome piuttosto semplice: semplicemente "Pittura". Ciò significa che per tutti gli studenti questo quadro era semplicemente un quadro con la P maiuscola, un quadro dei quadri. Si può fare un esempio: come Bibbiaè il libro di tutti i libri, la parola Bibbia sembra significare la parola Libro. Al centro del suo design e dell'effetto estetico finale "L'ultimo giorno di Pompei" non è solo un'altra esperienza nello stile della metamorfosi, ma anche un'idea incarnata, un progetto.
Il principio della metamorfosi si basa sul potere magico dell'arte, questo non solo su scala giocattolo, ma anche su scala grandiosa. Gogol è riuscito a esprimere tutti i sentimenti con assoluta certezza: "... mi è sembrato che la scultura, che gli antichi comprendevano in una tale perfezione plastica, che questa scultura finalmente passasse alla pittura e, inoltre, fosse intrisa di una sorta di musica segreta.". L'ideale di perfezione mostrato allo spettatore ha subito una metamorfosi. Fu resuscitato e trasformato in forma pittoresca. Dopotutto, è così che nella traduzione si chiama pittura: dipingere in modo vivido. Nella scultura tutto ciò che è fatto di pietra prende semplicemente vita. Ma subito scompaiono in essa tutti i segni di verosimiglianza che la pittura può restituire. Allo stesso tempo, non perde affatto la sua perfezione; è impresso nelle sculture dell'antichità.
Ne consegue che la trama dell'immagine "L'ultimo giorno di Pompei" interpreta non un incidente molto tragico della vita, ma una trama artistica. Racconta come l'ideale della perfezione fu sepolto, ma fu conservato nella pietra per poter superare, conquistare il tempo. Aveva bisogno di rinascere nella pittura per comprendere i tratti di perfetta bellezza nelle immagini scultoree. Ha accumulato a lungo i suoi fondi per far rivivere e ridare respiro a tanta bellezza. Questo era un debito che l'arte della pittura aveva da restituire all'arte classica. Era necessario imparare a trovare l'ideale dell'assolutamente bello. Questo era proprio lo stato d'animo nel dialogo tra antichità e romanticismo; era una sorta di sfondo estetico su cui si delineavano i contorni del quadro di Bryullov; Il dipinto di Karl Bryullov aveva proprio una supertrama metafisica sull'imperscrutabilità dei percorsi di continuità ed esperienza artistica.
Vale la pena ricordarlo Baratynsky compose i versi ormai famosi "E questo fu l'ultimo giorno di Pompei". Gogol annuncia all'inizio del suo articolo sullo spettacolo cupo della fine e della morte della luminosa domenica nella pittura. Nelle parole di entrambi i maestri, la trama finale e il titolo del dipinto sono interpretati nella stessa vena. Questa è proprio la chiave del quadro e del successo che il quadro ha ricevuto dai suoi contemporanei. Si gioca l'antitesi: l'Ultimo Giorno, che significa morte e fine, morte – e prima – cioè significativa e solenne. Ma entrambe le immagini mostrano il catastrofico declino della vita in una questione: la questione della storia, e ad un certo punto viene messa in connessione mistica con la presenza miracolosa dell'energia vivente.
Qui l'artista ha disegnato un'immagine della morte vivificante. Il mondo antico nella foto è perito, ma sembra essere stato salvato dalla bellezza vivente. Karl Bryullov è riuscito sia a resuscitare che a immortalare. Questo è esattamente ciò di cui parla Gogol: “le sue figure sono belle nonostante l'orrore della loro situazione. Lo soffocano con la loro bellezza... in Bryullov appare un uomo per mostrare tutta la sua bellezza, tutta la grazia suprema della sua natura. Le passioni, i sentimenti veri, focosi si esprimono in un aspetto così bello, in una persona così meravigliosa di cui si gode fino all'estasi...”
Nel I secolo d.C. si verificarono una serie di eruzioni vulcano Vesuvio che furono accompagnati da un terremoto. Distrussero diverse fiorenti città che si trovavano vicino ai piedi della montagna. Città Pompei scomparve in soli due giorni: nell'agosto del 1979 era completamente ricoperto di cenere vulcanica. Si ritrovò sepolto sotto uno strato di cenere spesso sette metri. Sembrava che la città fosse scomparsa dalla faccia della terra. Scoperta di Pompeiè successo dentro 1748 anno. Da allora, mese dopo mese, continui scavi hanno portato alla luce la città. Pompei lasciò un segno indelebile nell’animo di Karl Bryullov già durante la sua prima visita alla città nel 1827.
Il fratello di Bryullov studia architettura pompeiana e sta lavorando a progetti per il restauro delle terme pompeiane. Può sembrare che il tema del futuro dipinto sia nato in modo naturale, come se fosse un omaggio all'impressione. Ma nell'arte europea il soggetto della città di Pompei è un soggetto nomade. Il romanticismo come arte è stato creato da una generazione di persone durante le guerre napoleoniche. Fu davanti ai loro occhi che apparvero gli spettacoli del misterioso gioco. I romantici iniziarono a inventare e interpretare i soggetti storici in modo diverso.
Scene tragiche venivano spesso rappresentate in varie manifestazioni dell'arte classica. Ad esempio, la distruzione di Sodoma o le piaghe egiziane. Ma in tali storie bibliche era implicito che l’esecuzione venisse dall’alto; qui si poteva vedere una manifestazione della provvidenza di Dio; Come se la storia biblica non conoscesse il destino insensato, ma solo l'ira di Dio. Nei dipinti di Karl Bryullov, le persone erano in balia degli elementi naturali ciechi, del destino. Qui non si può parlare di colpa e punizione. Non sarai in grado di trovare il personaggio principale nella foto. Semplicemente non è lì. Ciò che appare davanti a noi è solo una folla, un popolo preso dalla paura.
A differenza di molti dipinti dell'era del classicismo, in cui prevaleva principalmente un giro dei volti dei personaggi - verso l'auditorium, qui si sta sviluppando una nuova tecnologia, una nuova opzione. La direzione del movimento viene eseguita solo con la direzione del movimento in profondità. Le singole figure nel dipinto sono raffigurate da dietro, alcune sono in forte movimento diagonale. Questa tecnica di collocazione dei gruppi ha dotato ciò che stava accadendo di un'esistenza indipendente dallo spettatore; qui tutto esiste solo per lo spettatore; Tutto ciò che è tragico e terribile accade solo per il pubblico. È un incidente come un vero incendio su un palco adattato artificialmente alle passioni artificiali che fa sentire al pubblico tutto ciò che vede, tutto lo riguarda direttamente, come se fosse un partecipante all'evento e non uno spettatore.
Bryullov ha avuto l'idea di utilizzare una manovra compositiva nei suoi schizzi; avrebbe cambiato l'ambientazione visiva per analogia con situazioni simili; Lo spettatore doveva essere intriso della sensazione che tutto stesse accadendo direttamente. Nello schizzo, conservato nella Galleria Tretyakov, puoi vedere un intero groviglio di linee che ruotano in modi diversi. L'immagine nell'angolo in alto a destra raffigura un'eruzione vulcanica: una lingua di fuoco fuoriesce dal cratere e lingue di lava scendono lungo i pendii della montagna. Anche il cielo rosso nella foto è circondato dalle fiamme.
Nel disegno si vedono anche citazioni modificate dell'affresco vaticano "Incendio a Borgo". Qui puoi anche vedere gruppi di persone che alzano le mani al cielo. Chiedono pietà al sommo sacerdote. Il dipinto ha la forma di una tomba rettangolare, che limita la profondità del dipinto e crea una sensazione di vicinanza. C'è una miscela tra il canone classico e il nuovo. Sono state le passioni romantiche dell'autore a garantire un così grande successo del film in Italia. Il film è stato un successo anche a San Pietroburgo. Era qui che la foto era attesa con impazienza.
Il dipinto è stato creato su ordinazione. L'ho ordinato Anatolij Demidov, era uno degli eredi più ricchi dei proprietari minerari degli Urali. In Italia si acquistò il titolo speciale di Principe San Donato, collezionista e filantropo. Nel 1834 Demidov venne a San Pietroburgo e presentò questo dipinto in dono a Nicola Primo. Anatoly decise di mostrare il dipinto prima in Francia, quindi il dipinto andò a Parigi. Ma nel marzo dello stesso anno espone a Barcellona. La giuria della mostra ha determinato il premio principale per questo particolare dipinto.
Ma Karl Bryullov rimase insoddisfatto della reazione della critica francese, soprattutto dopo l'entusiasmo italiano. È stata la critica artistica francese a riflettere l’equilibrio generale di potere nell’arte, ma era una lotta tra partiti. Bryullov raggiunse un compromesso: combinò romanticismo e classicismo. Ma sullo sfondo della continua lotta tra classicismo e romanticismo, il quadro non soddisfaceva i gusti di entrambi i gruppi. Alla mostra, il dipinto si trovava tra i dipinti: "S. Sinforione" Ingres e "Donne algerine" Delacroix.
Karl Pavlovich Bryullov(1799 - 1852),
Artista.
Auto ritratto
Karl Bryullov è nato il 12 dicembre 1799 a San Pietroburgo. È cresciuto in una famiglia di artisti: i suoi fratelli, il padre, il nonno e il bisnonno erano artisti.
Si è laureato con successo all'Accademia delle arti, dove suo padre insegnava. Grazie al suo raro talento e alla notevole preparazione casalinga, fin dai primi passi si è distinto tra i suoi coetanei.
Nel 1821 fu fondata a San Pietroburgo la Società per l'incoraggiamento degli artisti, il cui obiettivo principale era aiutare gli artisti in ogni modo possibile e promuovere l'ampia diffusione di tutte le belle arti. Furono Karl Bryullov e suo fratello Alexander i primi ad andare in Italia, a Roma, con i soldi della Società.
Ritratto dell'architetto A.P. Bryullov, fratello dell'artista
E alla vigilia del viaggio all'estero, al loro cognome originale "Bryullo" fu data una desinenza russa, ed entrambi da allora in poi divennero "Bryullov". I giovani artisti russi hanno conosciuto a fondo la storia e l'arte dell'Europa occidentale.
Ritratto dell'imperatrice Alexandra Feodorovna. 1837
Lì Karl dipinse il dipinto "Italian Morning", che lo rese un artista insolitamente popolare.
Mattinata italiana
La sua eroina, lavandosi sotto i getti di una fontana, penetrata dai raggi del sole, ariosa e luminosa, è percepita come la personificazione del mattino stesso, il mattino del nuovo giorno che sorge, il mattino della vita umana.
Mezzogiorno italiano
Il Grande Karl: così lo chiamavano i contemporanei del notevole artista russo Karl Pavlovich Bryullov durante la sua vita. L’enorme tela di Bryullov, “L’ultimo giorno di Pompei”, che ha dipinto in Italia, gli ha portato riconoscimenti in tutto il mondo. Il nome di Karl Bryullov fu ora posto accanto ai nomi di Rubens, Rembrandt, Van Dyck.
L'ultimo giorno di Pompei
La trama del dipinto “L'ultimo giorno di Pompei” è la morte dell'antica città di Pompei a seguito dell'eruzione del Vesuvio nel 79 d.C. Lavorando all'attuazione del suo piano, studiò attentamente il materiale storico, in particolare la testimonianza di un testimone oculare del disastro - lo scrittore e statista romano - Plinio il Giovane, e si recò nel sito degli scavi archeologici, dove realizzò numerosi schizzi e schizzi dalla vita.
La tragica morte delle persone durante l’eruzione del Vesuvio, la poetica dei sentimenti, la grandezza dello spirito umano di fronte agli elementi ciechi hanno illustrato la drammatica percezione della vita dell’artista.
Nel 1836, K.P. Bryullov tornò in Russia e prese la posizione di professore all'Accademia delle arti.
A San Pietroburgo, l'artista ha creato una galleria di ritratti dei suoi contemporanei.
Cavaliere
Ritratto di Yu.P. Samoilova con la figlia adottiva Amalia 1842