Suite (French Suite - sekvenssi, sarja) on eräänlainen syklinen musiikillinen muoto, joka sisältää erilliset vastakkaiset osat, mutta niitä yhdistää yhteinen käsite.
Tämä on moniosainen sykli, joka sisältää itsenäisiä, vastakkaisia näytelmiä, joilla on yhteistä taiteellinen idea. Sattuu, että säveltäjät korvaavat sanan "sviitti" sanalla "partita", joka on myös hyvin yleinen.
Suurin ero sarjan ja sonaattien ja sinfonioiden välillä on se, että jokainen sen osa on itsenäinen, näiden osien suhteissa ei ole sellaista ankaruutta tai säännöllisyyttä. Sana "sviitti" ilmestyi 1600-luvun toisella puoliskolla. kiitos ranskalaisten säveltäjien. Sviitit 1600-1700-luvuilta. kuuluivat tanssilajiin; 1800-luvulla alettiin kirjoittaa orkesterisviittejä, jotka eivät enää olleet tanssia. (kuuluisimmat sviitit ovat Mussorgskin "Kuvia näyttelyssä", Rimski-Korsakovin "Scheherazade").
1700-luvun lopulla. Saksassa tämän musiikillisen muodon osat saivat tarkan järjestyksen:
ensin tuli Allemande, sitten tuli Courante, sen jälkeen Sarabande ja lopulta Gigue
Sarjalle on ominaista maalaukselle luontainen figuratiivisuus, sillä se liittyy läheisesti myös tanssiin ja lauluun. Sviiteissä käytetään usein musiikkia baletista, oopperasta tai teatterituotannosta. Kaksi erikoislaatuinen Sarjat ovat kuoro ja laulu.
Sarjan alkuvaiheessa - renessanssin lopulla - käytettiin kahden tanssin yhdistelmää, joista toinen oli hidas, tärkeä (esim. pavane) ja toinen vilkas (kuten galliard). Siitä tuli sitten neliosainen sarja. Saksalainen säveltäjä I. J. Froberger (1616–1667) loi instrumentaalisen tanssisarjan: kohtalaisen tempoisen allemandin kaksiosaisessa koossa - hieno kello - gigue - mitattu sarabande.
Ensimmäinen historiassa ilmestynyt antiikin tanssisarja, se oli kirjoitettu yhdelle instrumentille tai orkesterille. Aluksi se koostui kahdesta tanssista: komea pavane ja nopea galliard. Niitä esitettiin peräkkäin, ja näin ilmestyivät ensimmäiset muinaiset instrumentaalisarjat, jotka olivat yleisimpiä 1600-luvun jälkipuoliskolla - 1700-luvun ensimmäisellä puoliskolla. Sarja sai klassisen ilmeensä säveltäjän teoksista itävaltalainen säveltäjä I. Ja Froberger. Se perustui 4 tanssiin, jotka erosivat luonteeltaan: allemande, sarabande, chime, gigue. Sitten säveltäjät käyttivät sarjassa muita tansseja, jotka he valitsivat vapaasti. Se voisi olla: menuetti, poloneise, passacaglia, rigaudon, chaconne jne. Joskus sarjassa esiintyi ei-tanssia - preludit, aariat, toccatat, alkusoittoja. Siten sviitti ei määrittänyt huoneiden kokonaismäärää. Keinot, jotka mahdollistivat yksittäisten näytelmien yhdistämisen yhteiseksi sykliksi, esimerkiksi metrien, tempon ja rytmin kontrastit, nousivat merkityksellisemmiksi.
Sarja alkoi kehittyä genrenä, johon vaikuttivat ooppera ja baletti. Hän alkoi yhdistää uusia tansseja ja kappaleiden osia aarian hengessä; ilmestyi sarjat, jotka sisälsivät orkesterifragmentteja musiikki- ja teatterityyppisistä teoksista. Sarjan tärkeä osa oli ranskalainen alkusoitto, joka sisälsi hitaan, juhlallisen alun ja nopean fuugaviimeistelyn. IN tietyissä tapauksissa sanaa "alkusoitto" käytettiin korvaamaan sana "sarja" teosten nimissä; Myös sellaisia synonyymejä kuin Bachin "partita" ja Couperinin "ordr" ("järjestys") käytettiin.
Tämän genren kehityksen huippu on havaittavissa J. S. Bachin teoksissa, joka käyttää sarjoissaan (klavierille, orkesterille, sellolle, viululle) erityistä tunnetta, joka koskettaa ja antaa näytelmilleen yksilöllisen ja ainutlaatuisen tyylin, ilmentää ne sviiteissään. eräänlainen yhtenäinen kokonaisuus, joka jopa muuttaa genreä, lisää musiikilliseen ilmaisuun uusia sävyjä, jotka kätkevät yksinkertaisiin tanssimuotoihin ja ovat sarjasyklin ytimessä ("Chaconne" partitasta d-molli).
1700-luvun puolivälissä. sarja ja sonaatti olivat yhtenäinen kokonaisuus, eikä itse sanaa enää käytetty, mutta sarjan rakenne oli edelleen läsnä serenadissa, divertismentissä ja muissa genreissä. Sanaa "sarja" alettiin käyttää uudelleen 1800-luvun lopulla, ja se tarkoitti, kuten ennenkin, kokoelmaa instrumentaaliosia baletista (sarja Tšaikovskin Pähkinänsärkijästä), oopperaa (sarja Carmen Bizet'lta), musiikkia, joka on kirjoitettu dramaattisia näytelmiä (Griegin Peer Gynt -sarja Ibsenin draamaan). Muut säveltäjät alkoivat kirjoittaa erillisiä ohjelmasarjoja, kuten Rimski-Korsakovin Scheherazade, jotka perustuvat itämaisiin tarinoihin.
1800-1900-luvun säveltäjiä säilyttäen perustan ominaispiirteitä genre: osien kontrasti, syklinen rakenne jne., esitti sen eri kuvassa. Tanssivuus on lakannut olemasta perusominaisuus. Sarjassa alettiin käyttää erilaisia musiikkimateriaaleja, usein sarjan sisältö riippui ohjelmasta. Samaan aikaan sviitissä säilyy tanssimusiikki, samalla kun siihen ilmestyy uusia tansseja, esimerkiksi C. Debussyn sarjassa "Puppet Cake Walk". Lasten nurkka" Luodaan myös sviittejä, joissa käytetään musiikkia baletteihin (P. I. Tšaikovskin "Sleeping Beauty" ja "Pähkinänsärkijä", S. S. Prokofjevin "Romeo ja Julia"), teatteriesityksiä(E. Griegin "Peer Gynt", oopperat (N. A. Rimski-Korsakovin "Tarina tsaari Saltanista"). 1900-luvun puolivälissä sviitteihin alettiin sisällyttää myös elokuvien musiikkia (D. D. Šostakovitšin ”Hamlet”).
Laulusinfonisissa sviiteissä, joissa on musiikkia, käytetään sanaa (Prokofjevin "Winter Fire"). Jotkut säveltäjät kutsuvat tiettyjä laulusyklejä laulusviiteiksi ("Six Poems by M. Tsvetaeva" by Shostakovich).
Tiedätkö mitä toccata on? .
lataaTiivistelmä aiheesta:
Sviitti
Sviitti(alkaen fr. Sviitti- "rivi", "sekvenssi", "vuorottelu" - syklinen musiikkimuoto, joka koostuu useista itsenäisistä vastakkaisista osista (moniosainen teos), joita yhdistää yhteinen käsite. Sarjaa kutsutaan myös sarjaksi musiikkikappaleita balettia, dramaattista esitystä tai elokuvaa varten. Niitä on myös kaksi erikoistyyppejä sarjat - laulu ja kuoro sekä sarja musiikillisen ja koreografisen sävellyksen muodossa useista ominaisista tansseista.
Sarjalle on ominaista kuvallinen esitys ja läheinen yhteys lauluun ja tanssiin. Sarja erottuu sonaatista ja sinfoniasta osien suuremmalla riippumattomuudella, vähemmän tiukuudella ja suhteiden säännöllisyydellä.
Ranskalaiset säveltäjät ottivat käyttöön termin "sarja" 1600-luvun jälkipuoliskolla. Aluksi tanssisarja koostui kahdesta tanssista, pavaneista ja galliardista. Pavane on hidas seremoniallinen tanssi, jonka nimi tulee sanasta riikinkukko. Tanssijat esittävät sileät liikkeet, kääntävät ylpeänä päätään ja kumartavat, sellaiset liikkeet muistuttavat riikinkukkoa. Tanssijan puvut olivat erittäin kauniita, mutta miehellä oli oltava viitta ja miekka. Galliard on hauska, nopea tanssi. Joillakin tanssiliikkeillä on hauskoja nimiä: "nosturiaskel" ja monet muut. jne. Huolimatta siitä, että tanssit ovat luonteeltaan erilaisia, ne kuulostavat samalla sävyllä.
1600-luvun lopulla Saksassa kehittyi tarkka osien järjestys:
- 1. Allemande - hieman rasittava nelitahtinen tanssi rauhallisessa-kohtalaisessa liikkeessä, luonteeltaan vakava. Sen esitys on usein moniääninen. Allemande tanssina on tunnettu 1500-luvun alusta lähtien. Evoluution läpikäyneenä se pysyi sarjan pääosana lähes 1700-luvun loppuun asti;
- 2. Courante - eloisa tanssi kolmen tahdin ajassa. Soittoääni saavutti suurimman suosionsa 1600-luvun jälkipuoliskolla Ranskassa;
- 3. Sarabande - sarabande liittyy uskonnolliseen ja rituaaliseen musiikkiin. Myöhemmin sarabandia alettiin esittää suruseremonioiden aikana ja seremoniallisissa hautajaisissa. Tanssissa on surullisen keskittynyt luonne ja hidas liike. Sen kolmiosainen metriikka pyrkii pidentämään toista osaa;
- 4. Gigue - Gigue on nopein muinainen tanssi. Jigin kolmiosainen koko muuttuu usein kolmosiksi. esitetään usein fuugalla, polyfonisella tyylillä;
1600-1700-luvun sarjat olivat tanssia; 1800-luvulla ilmestyivät ei-tanssi-orkesterisarjat (kuuluisimmat ovat N. A. Rimski-Korsakovin "Scheherazade", M. P. Mussorgskin "Kuvia näyttelyssä").
lataaTämä tiivistelmä perustuu venäläisen Wikipedian artikkeliin. Synkronointi valmis 07/11/11 10:29:23
Samanlaisia tiivistelmiä: Scheherazade (sviitti),
Musiikin historian ensimmäiset moniosaiset instrumentaaliteokset syntyivät tansseista. Aluksi he tanssivat vain tällaisen musiikin tahdissa, mutta sitten he alkoivat kuunnella sitä. Kävi ilmi, että tämä voi myös tuottaa suurta iloa - ei vähempää kuin tanssia. Vuosisatoja sitten ilmestyi teoksia, jotka koostuivat useista tanssiosista, mutta jotka oli tarkoitettu kuunneltavaksi. Näitä teoksia alettiin kutsua sarjaksi - ranskan sanasta suite - sekvenssi.
Aluksi sarja sisälsi neljä erilaista tanssia: allemande, chime, sarabande ja gigue (voit lukea niistä tarinasta "Tanssi"). Nämä tanssit yhdistettiin hitaiden, tasaisten ja eloisten hyppivien tanssien kontrastiperiaatteen mukaisesti. Ajan myötä niitä alkoi täydentää muilla - elegantilla seremoniallisella menuetilla, suloisella hidasta gavotteilla, leikkisällä bourrella tai eloisalla, iloisella provencelaisella rigaudonilla. Joskus sarjassa esiintyi ei-tanssisia osia - preludi, aria, capriccio, rondo.
Tällaiset sarjat tulivat musiikin historiaan nimellä "muinainen". Monet 1700-luvun säveltäjät ovat luoneet ne. Tunnetuimpia ovat J. S. Bachin ja G. F. Händelin sarjat. Sviitit sävellettiin cembalolle, luutulle, joka oli tuolloin suosikki kotisoitin, ja joskus orkesterille.
Myöhemmin, 1800-luvun ensimmäiseltä puoliskolta alkaen, levisivät laajalle erityyppiset sarjat - kuten esimerkiksi R. Schumannin "Karnevaali" - sykli erilaisia pianominiatyyrejä. Tai M. P. Mussorgskyn "Kuvia näyttelyssä" - kokoelma näytelmiä, jotka välittävät säveltäjän vaikutelmia taiteilija V. A. Hartmannin näyttelystä. Ja P. I. Tšaikovskin orkesterisarjat eivät liity mihinkään tiettyyn ohjelmaan, mutta ne eivät myöskään ole tanssilauluja. Nämä ovat hahmoleikkejä, joissa on hienovaraisia tyyliteltyjä.
Sarjat on usein sävelletty musiikista teatteriesityksiin, elokuviin, baletti- tai oopperaotteisiin. Tällaisia ovat esimerkiksi E. Griegin sviitit "Peer Gynt", D. D. Šostakovitšin "The Gadfly" ja S. S. Prokofjevin "Cinderella". Voit luultavasti lisätä tähän luetteloon itse ilman vaikeuksia.
L. V. Mikheeva
Vaihda yksi kirjain ja saat "jatka".
Mitä sitten? Läheinen kirjoitusasultaan, mutta kaukana merkitykseltään.
Ah, "pitäisi"... Eikö se ole sitä ranskaksi: sviitti?
Kyllä, mutta ei vain "pitäisi", vaan myös "sopii", "vastaa". Kun tämä ranskankielinen sana tuli englannin kieleen, he alkoivat kutsua sitä esimerkiksi huonesarjaksi, sviitiksi, joukko esineitä, joilla on samanlainen merkitys jne.
Mutta mitä tekemistä musiikkisarjalla on sen kanssa?
Huolimatta siitä, että musiikissa tämä tarkoittaa myös useiden kappaleiden yhdistämistä yhdeksi kokonaisuudeksi, yhdeksi "perheeksi".
Voiko niitä suorittaa erikseen?
Ovatko näytelmät erilaisia?
Tietenkin ne ovat yleensä kontrasteja, muuten se on tylsää ja yksitoikkoista.
Mutta heillä täytyy olla myös jotain yhteistä, muuten mitä järkeä on yhdistää niitä?
Välttämättä. Kuninkaallisessa seurassa kaikki ihmiset ovat erilaisia, mutta he ovat kaikki hoviherroja, yhden kuninkaan alaisia; Huoneissa jokainen on ainutlaatuinen, mutta ne kaikki kuuluvat samaan taloon omistajansa maun mukaan.
Mitä voit yhdistää? musiikkikappaleita ristiriitaista sisältöä?
Aikaisemmin heitä yhdisti ensisijaisesti tarkoitus. Nämä olivat tansseja, kaikki samassa sävelessä, suunnilleen saman pituisia.
Milloin ja missä sviitit ilmestyivät?
Ajatus esimerkiksi hitaiden ja nopeiden tanssien yhdistämisestä on niin universaali, että sen ensimmäisen kirjoittajan pohjalle tuskin pääset. Yleensä kun ihmiset kokoontuvat tanssimaan, tanssit seuraavat toisiaan ja sarjat muodostuvat spontaanisti. Tanssimusiikkilevy ei ole muuta kuin sarja, vaikka se on tietysti ilmainen.
Ammattimusiikissa ensimmäiset "tanssisarjat" tunnettiin Italiassa jo 1500-luvulla. Kaksi tanssia yhdistettiin: hidas - pyöreä tanssi pavana ja nopeasti - galliard. Hyvin pian se levisi kaikkialle Eurooppaan. Ranskalaiset sarjat, joissa tansseja yhdistettiin kansainvälisesti, olivat erittäin kuuluisia eri maissa: saksalainen allemande, italialainen kello, espanja saraband ja englanti jig. Vähitellen itse ranskalaiset tanssit sisällytettiin siihen: bourre, gavotti Ja menuetti. Sitten sarja alkoi sisältää puolalaista tanssia poloneesi, jota kutsutaan sillä tavalla, koska poloneise tarkoittaa ranskaksi "puolaa".
Kun klaveritaide kukoisti 1700-luvun alkupuoliskolla ja kaikenlaisia ohjelmanäytelmiä ilmestyi, myös sarjat muuttuivat erilaisiksi. Puhtaasti tanssista sovelletusta genrestä ne muuttuivat kuunneltavaksi musiikiksi. Sviittejä alettiin edeltää preludit ja ne sisälsivät aarioita (instrumentaalisia), ja syntyi sarjat, jotka koostuivat vain ohjelmakuvanäytelmistä.
En muista yhtään Haydnin, Mozartin, Beethovenin sarjaa...
Heidän aikanaan sviittiä pidettiin jo jonkinlaisena uskomattoman vanhanaikaisena, anakronismina. Vaikka kaikenlaista kevyttä viihdettä orkesteriteoksia Wieniläisiä klassikoita(divertimentot, kassaatiot, serenadit) on kirjoitettu sarjan muodossa. Sarjatyyppinen ajattelu säilyi musiikissa hyvin pitkään.
Milloin muoti heräsi henkiin?
Kuten aina, kautta aikakauden. Romantikot käyttivät tätä muotoa uudelle sisällölle. Robert Schumann piti kovasti sviiteistä. Hänen "Karnevaalinsa" on sarja hämmästyttäviä, hengellisimmiä näytelmiä.
Ovatko M. P. Mussorgskin "Kuvia näyttelyssä" ja C. Saint-Saënsin "Eläinten karnevaalit" myös sviittejä?
Joten ohjelmapaketit ilmestyivät 1800-luvulla?
Kyllä. Mutta P. I. Tšaikovskilla on kolme ei-ohjelmallista sinfonista sarjaa.
Miten sarja sitten eroaa sinfoniasta?
Sinfonia on dynaamisempi ja yhtenäisempi, se muistuttaa romaania. Sarja on enemmän kuin kokoelma novelleja.
Tšaikovski loi ensimmäisenä balettimusiikista sarjat, jotta musiikki voisi kuulostaa teatterista riippumattomasti itsenäisenä sinfonisena teoksena. Tätä edelsi kuitenkin Georges Bizet'n löytö, joka teki musiikistaan sarjan dramaattiseen esitykseen "La Arlesienne" (perustuu Alphonse Daudetin näytelmään).
Siksi samalla tavalla jo 1900-luvulla syntyi sarjat elokuvista! Millainen on seuraava sviitti...
M. G. Rytsareva
Sviitti (ranskan sanasta sviitti, kirjaimellisesti - sarja, sekvenssi) on useista itsenäisistä kappaleista koostuva syklinen instrumentaaliteos, jolle on ominaista suhteellinen vapaus osien lukumäärässä, järjestyksessä ja yhdistämistavassa, genren ja arkipäivän tai ohjelmallisen käsitteen läsnäolo.
Itsenäisenä genrenä sarja syntyi 1500-luvulla Länsi-Euroopassa (Italia, Ranska). Termi "sarja" tarkoitti alun perin useiden eri kappaleiden sykliä, joka alun perin esitettiin luutolla; tunkeutui muihin maihin 1600-luvulla XVIII vuosisata. Tällä hetkellä termi "sarja" on genrekäsite, jolla on historiallisesti erilainen sisältö ja jota käytetään erottamaan sarja muista syklisistä genreistä (sonaatti, konsertto, sinfonia jne.).
Sarjagenren taiteelliset huiput saavuttivat J. S. Bach (ranskalaiset ja englantilaiset sarjat, partitat klavierille, sooloviululle ja sellolle) ja G. F. Handel (17 clavier-sviittiä). J.B. Lullyn, J.S. Bachin, G.F.Händelin ja G.F.Telemannin teoksissa ovat yleisiä orkesterisarjat, joita kutsutaan usein alkusoittoiksi. Ranskalaisten säveltäjien (J. Chambonnière, F. Couperin, J. F. Rameau) sviitit cembaloille ovat genre-maisemakokoelmia musiikillisia sketsejä(enintään 20 kappaletta tai enemmän sviitissä).
1700-luvun toisesta puoliskosta lähtien sarja korvattiin muilla genreillä, ja klassismin ilmaantumisen myötä se haihtui taustalle. 1800-luvulla sarjan renessanssi alkoi; hän huomaa olevansa jälleen kysytty. Romanttista sviittiä edustaa pääasiassa R. Schumannin teos, jota ilman on täysin mahdotonta ajatella tätä tyylilajin erilaisuutta ja yleensäkin 1800-luvun sarjaa. Myös venäläisen pianokoulun (M.P. Mussorgsky) edustajat kääntyivät sarjagenren puoleen. Luovuudessa nykyaikaiset säveltäjät(A.G. Schnittke) löydät myös sarjapyöriä.
Tämä teos keskittyy sellaiseen ilmiöön kuin antiikin sarja; sen muodostumisesta ja syklinumeroiden pääkomponenttien genreperustasta. Esiintyjän on muistettava, että sarja ei ole vain eri numeroiden kokonaisuus, vaan myös genretarkka esitys jokaisesta tanssista tietyn tyylin sisällä. Kokonaisvaltaisena ilmiönä sarjan jokaisella osalla on omavaraisuudellaan tärkeä dramaattinen rooli. Tämä on tämän genren pääominaisuus.
Tanssin määräävä rooli
Renessanssin aikakausi (XIII-XVI vuosisadat) merkitsi eurooppalaisen kulttuurin historiassa niin kutsutun uuden ajan tuloa. Se on meille aikakautena tärkeää Euroopan historia Herätys oli itsemääräistä ennen kaikkea taiteellisen luovuuden alalla.
Valtavaa ja edistyksellistä roolia on vaikea yliarvioida kansanperinteitä, jolla oli niin hedelmällinen vaikutus kaikkiin tyyppeihin ja genreihin musiikillinen taide Renessanssi; mukaan lukien päälle tanssilajeja. Eli T. Livanovan mukaan "Renessanssin kansantanssi päivitti merkittävästi eurooppalaista musiikkitaidetta ja kaatoi siihen ehtymätöntä elinvoimaa".
Espanjan (pavane, sarabande), Englannin (giga), Ranskan (courante, menuetti, gavotte, bourrée) ja Saksan (allemande) tanssit olivat tuolloin erittäin suosittuja. Aloitteleville muusikoille, jotka esiintyvät vähän vanhaa musiikkia, näitä genrejä on tutkittu vähän. Tämän työn aikana kuvaan lyhyesti klassisen sarjan päätanssit ja annan niille tunnusomaisia piirteitä.
On huomattava, että kansantanssimusiikin rikas perintö ei ollut säveltäjien silmissä passiivisesti, vaan sitä käsiteltiin luovasti. Säveltäjät eivät käyttäneet vain tanssilajeja - he omaksuivat teokseensa kansantanssien intonaatiorakenteen ja sävellyspiirteet. Samaan aikaan he pyrkivät luomaan uudelleen omia, yksilöllinen asenne näihin genreihin.
1500- ja 1600-luvulla sekä suuren osan 1700-luvuista tanssi ei noussut hallitsevaksi vain taiteena sinänsä – eli kykynä liikkua arvokkaasti, armollisesti ja jaloimmin – vaan myös yhteytenä muihin taiteisiin, erityisesti musiikkiin. Tanssitaidetta pidettiin erittäin vakavana, ja se ansaitsi siihen herättävän kiinnostuksen jopa filosofien ja pappien keskuudessa. On todisteita siitä, että kun on unohtanut suuruuden ja loiston, katolinen kirkko, kardinaali Richelieu esitti entrechatia ja piruetteja Anne of Austrian edessä groteskissa klovniasussa, joka oli koristeltu pienillä kelloilla.
1600-luvulla tanssilla alkoi olla ennennäkemättömän tärkeä rooli - sekä sosiaalinen että poliittinen. Tällä hetkellä etiketin muodostuminen tapahtui, kuten sosiaalinen ilmiö. Tanssit havainnollistavat parhaiten hyväksyttyjen käyttäytymissääntöjen laajaa leviämistä. Kunkin tanssin esittäminen liittyi useiden vain tiettyyn tanssiin liittyvien pakollisten vaatimusten tarkkaan täyttämiseen.
Ludvig XIV:n hallituskaudella Ranskan hovissa oli muotia luoda kansantansseja – karkeita ja värikkäitä. Ranskan kansantanssilla ja arkitanssilla 1500-1600-luvuilla oli poikkeuksellisen suuri rooli balettiteatterin ja näyttämötanssin kehityksessä. Ooppera- ja balettiesitysten koreografia XVI, XVII ja alku XVIII vuosisadat koostuivat samoista tansseista, joita hoviyhdistys esitti balleissa ja festivaaleilla. Vain sisään myöhään XVIII luvulla tehtiin ero arki- ja näyttämötanssien välillä.
Renessanssin suurin saavutus on instrumentaalisyklin luominen. Varhaisimmat esimerkit tällaisista sykleistä esiteltiin muunnelmina, sarjoina ja partioina. Yleinen terminologia on selkeytettävä. Sviitti- Ranskan sana - tarkoittaa "sekvenssiä" (tarkoittaa syklin osia), vastaa italiaa " partita" Etunimi - sviitti - on ollut käytössä 1600-luvun puolivälistä lähtien; toinen nimi - partita - on vakiintunut saman vuosisadan alusta. On kolmas, ranskalainen nimitys - " järjestys"("sarja", näytelmien "järjestys"), esitteli Couperin. Tätä termiä ei kuitenkaan käytetä laajalti.
Siten sisään XVII-XVIII vuosisatoja Sviitit (tai partitat) ovat luuttu- ja myöhemmin kosketin- ja orkesteritanssikappaleita, jotka erottuivat tempolta, metriltä, rytmikuviolta ja joita yhdisti yhteinen tonaliteetti, harvemmin intonaatiosukuisuus. Aiemmin, 1400-1500-luvuilla, sarjan prototyyppi oli kolmen tai useamman tanssin sarja (esim. erilaisia soittimia), jotka liittyvät oikeuden kulkueisiin ja seremonioihin.
Sarjan musiikki oli kehittämisen alkuvaiheessa sovellettua musiikkia - sen mukaan tanssittiin. Mutta kehittää dramaturgia sarja syklin, tietyn etäisyyden jokapäiväisiä tansseja. Tästä lähtien se alkaa klassinen tanssisarjan jakso. Tanssisarjan tyypillisin perusta oli Frobergerin sarjassa kehitetty tanssisarja:
allemande – courante – sarabande – gigue.
Jokaisella näistä tansseista on oma alkuperähistoriansa, oma ainutlaatuinen erottuvia piirteitä. Muistutan teitä lyhyestä kuvauksesta ja sarjan päätanssien alkuperästä.
ü Allemande(ranskasta allemande, kirjaimellisesti - saksaksi; tanssi allemandea – saksalainen tanssi) on saksalaista alkuperää oleva ikivanha tanssi. Allemande esiintyi hovitanssina Englannissa, Ranskassa ja Alankomaissa 1500-luvun puolivälissä. Mittari on kaksiosainen, tempo kohtalainen, melodia tasainen. Yleensä se koostui kahdesta, joskus kolmesta tai neljästä osasta. 1600-luvulla allemande sisällytettiin sooloihin (luuttu cembalo ja muut) ja orkesterisviitteihin 1. osana, jolloin siitä tuli juhlallinen johdantokappale. Useiden vuosisatojen aikana hänen musiikkinsa on kokenut merkittäviä muutoksia. Yleisesti ottaen allemanden melodialla on aina ollut symmetrinen rakenne, pieni alue ja tasainen pyöreys.
Kurantaa(ranskasta courante, kirjaimellisesti - käynnissä) on italialaista alkuperää oleva hovitanssi. Se tuli laajalle levinneeksi 1500-1600-luvun vaihteessa. Alunperin sen musiikillinen koko oli 2/4, rytmi oli pilkullinen; He tanssivat sen yhdessä pienellä hyppyllä kävellessään ympäri hallia herrasmiehen pitäen naisen kädestä. Vaikuttaa siltä, että tämä on melko yksinkertaista, mutta varsin vakavaa valmistautumista vaadittiin, jotta kello olisi jalo tanssi kauniilla eleillä ja oikeilla, oikeasuhteisilla jalkojen liikkeillä, eikä pelkkä keskinkertainen esimerkki salissa kävelemisestä. Tämä kyky "kävellä" (verbiä "marssi" käytettiin vielä useammin) oli kellonsoiton salaisuus, joka oli monien muiden tanssien esi-isä. Kuten musiikkitieteilijät huomauttavat, kello soitettiin aluksi hyppyllä ja myöhemmin pienellä erolla maasta. Ne, jotka tanssivat kelloa hyvin pitivät kaikki muut tanssit helpoina: kelloa pidettiin tanssitaiteen kieliopillisena perustana. 1600-luvulla Pariisissa tanssiakatemiassa kehitettiin kellosoitto, josta tuli menuetin prototyyppi, joka myöhemmin syrjäytti esi-isänsä. Instrumentaalimusiikissa kellosoitto säilyi 1700-luvun ensimmäiselle puoliskolle (Bachin, Händelin sarjat).
ü
Sarabande(espanjasta - sacrabanda, kirjaimellisesti - uskonnollinen kulkue). Juhlallisesti kohdistettu surutanssi, joka syntyi Espanjasta kirkollisena rituaalina käärinliinan kanssa, suoritettuna kulkueessa kirkossa ympyrässä. Myöhemmin sarabandia alettiin verrata vainajan hautausseremoniaan.
ü Zhiga(englannista jig; kirjaimellisesti - tanssi) – nopeasti vanha kansantanssi Kelttiläinen alkuperä. Varhainen ominaisuus tanssi oli, että tanssijat liikuttivat vain jalkojaan; Iskut tehtiin varpailla ja jalkojen kantapäillä, kun taas vartalon yläosa pysyi liikkumattomana. Ehkä tästä syystä gigue pidettiin englantilaisten merimiesten tanssina. Kun laivamatkan aikana heidät vietiin ulos kannelle hengittämään ja lämmittelemään, he koputivat ja sekoittivat jalkojaan lattialla, löivät rytmiä lyömällä kämmenillä ja lauloivat lauluja. Kuten jäljempänä käsitellään, tämän tanssin alkuperästä on kuitenkin toinen mielipide. Tällä nimellä löytyy instrumentaalinäytelmiä jo 1500-luvulla. 1600-luvulla tanssista tuli suosittu Länsi-Euroopassa. Luutun musiikissa Ranska XVII luvulla 4-lyöntikokoinen jigi yleistyi. IN eri maista, luovuudessa eri säveltäjiä Zhiga hankki erilaisia muotoja ja kokoja - 2-osainen, 3-osainen, 4-osainen.
On huomattava, että jotkin tanssilajit muuttuivat merkittävästi kosketinsarjassa. Esimerkiksi gigue osana sarjaa oli aivan erilainen suuri koko; tanssina se koostui kahdesta kahdeksantahtisesta toistuvasta lauseesta.
Ei ollut mitään syytä rajoittaa sarjaa neljään tanssiin ja kieltää uusien lisäämistä. Eri maissa oli erilaisia lähestymistapoja sarjan yhdistelmänumeroiden käyttöön. Italialaiset säveltäjät säilyttivät tanssista vain metrin ja rytmin välittämättä sen alkuperäisestä luonteesta. Ranskalaiset olivat tässä suhteessa tiukempia ja pitivät tarpeellisena säilyttää jokaisen tanssimuodon rytmiset piirteet.
J. S. Bach menee sarjassaan vieläkin pitemmälle: hän antaa jokaiselle tanssin pääteokselle selkeän musiikillisen yksilöllisyyden. Joten allemandessa hän välittää täynnä voimaa, rauhallista liikettä; kellossa - kohtalainen kiire, jossa arvokkuus ja armo yhdistyvät; hänen sarabandensa on kuva majesteettisesta juhlallisesta kulkueesta; jigissä vallitsee vapaan muoto, fantasia täynnä liikettä. Bach loi korkeimman taiteen sarjamuodosta rikkomatta vanhaa tanssien yhdistämisperiaatetta.
Syklin dramaturgiaa
Jo varhaisissa esimerkeissä sarjan dramaturgian muodostuksessa huomio keskittyy tärkeimpiin tukikohtiin - syklin perusteisiin. Tämän saavuttamiseksi säveltäjät käyttävät syvempää kehitystyötä musiikillisia kuvia tanssia, joka välittää ihmisen mielentilan eri sävyjä.
Kansantanssin arkipäiväiset prototyypit poetisoidaan ja taitellaan taiteilijan elämänkäsityksen prisman kautta. Joten F. Couperin antoi B. L. Yavorskyn mukaan sviiteissään "eräänlainen elävä, kuuloinen sanomalehti hovin ajankohtaisista tapahtumista ja päivän sankareiden ominaisuuksista". Tämä heijasti teatterivaikutusta, jossa tanssiliikkeiden ulkoisista ilmenemismuodoista siirryttiin sarjan ohjelmallisuuteen. Pikkuhiljaa sarjan tanssiliikkeet ovat täysin abstrakteja.
Myös sviitin muoto muuttuu merkittävästi. Varhaisen klassisen sarjan sävellysperustalle oli ominaista motiivi-variaatiokirjoituksen menetelmä. Aluksi se perustuu niin kutsuttuihin "paritanssiin" - allemande ja chime. Myöhemmin sarjaan otettiin käyttöön kolmas tanssi - sarabande, joka merkitsi tuolle ajalle uuden muodonmuodostusperiaatteen syntyä - suljettu, reprise. Sarabandea seurasi usein rakenteeltaan samanlaisia tansseja: menuetti, gavotti, bourre ja muut. Lisäksi sarjan rakenteessa syntyi vastakohta: allemande ←→ sarabande. Kahden periaatteen – muuntelun ja koston – välinen ristiriita kiihtyi. Ja näiden kahden napaisen suuntauksen sovittamiseksi oli tarpeen ottaa käyttöön toinen tanssi - eräänlaisena tuloksena, koko syklin päätteeksi - gigue. Tuloksena on klassinen muodon kohdistus. muinainen sviitti, joka valloittaa tähän päivään asti arvaamattomuudellaan ja mielikuvituksellisella monipuolisuudellaan.
Musiikkitieteilijät vertaavat sarjaa usein sonaatti-sinfoniseen sykliin, mutta nämä genret eroavat toisistaan. Sarjassa ilmentyy yhtenäisyys moninkertaisuudessa ja sonaatti-sinfoniisessa syklissä - yhtenäisyyden moninaisuus. Jos sonaatti-sinfoniisessa syklissä toimii osien alisteisuuden periaate, niin sarja täyttää osien koordinaation periaatteen. Sviittiä eivät rajoita tiukat rajat tai säännöt; Se eroaa sonaatti-sinfonisesta syklistä vapaudellaan ja ilmaisun helppoudellaan.
Kaikesta ulkoisesta diskreettisyydestään ja osioituneisuudestaan huolimatta sviitti on dramaattinen eheys. Yhtenä taiteellisena organismina se on suunniteltu osien yhdistettyyn havaitsemiseen tietyssä järjestyksessä. Sarjan semanttinen ydin ilmenee ajatuksena moninaisuuden vastakohtaisuudesta. Tämän seurauksena sviitti on V. Nosinan mukaan "useita sarjaa luonnostaan arvokkaita annettuja".
Sarja J. S. Bachin teoksissa
Ymmärtääksemme paremmin muinaisen sarjan piirteitä, siirrytään tämän genren tarkasteluun J. S. Bachin työn puitteissa.
Sarja, kuten tiedämme, syntyi ja muotoutui kauan ennen Bachin aikaa. Bach oli jatkuvasti luova kiinnostunut sarjasta. Sarjan suorat yhteydet arkimusiikkiin, musiikkikuvien "arjen" konkreettisuus; tanssilajin demokratia ei voinut muuta kuin valloittaa Bachin kaltaisen taiteilijan. Johann Sebastian työskenteli pitkän säveltäjäuransa aikana väsymättä sarjan genren parissa, syventäen sen sisältöä ja hioen muotoja. Bach kirjoitti sarjat paitsi klavierille myös viululle ja erilaisille instrumentaaliset yhtyeet. Bachilla on siis yksittäisten sarjatyyppisten teosten lisäksi kolme kokoelmaa kosketinsviittejä, kuusi kussakin: kuusi "ranskalaista", kuusi "englanninkielistä" ja kuusi partitaa (muistutan, että sekä sarja että partita ovat päällä kaksi eri kieliä tarkoittaa yhtä termiä - sekvenssi). Yhteensä Bach kirjoitti 23 kosketinsarjaa.
Mitä tulee nimiin "englanti" ja "ranska", kuten V. Galatskaya huomauttaa: "...nimien alkuperää ja merkitystä ei ole tarkasti määritelty". Yleinen versio on se ”...ranskalaiset” sviitit ovat saaneet nimensä, koska ne ovat lähinnä ranskalaisten cembalistien teostyyppejä ja kirjoitustyyliä; tämä nimi ilmestyi säveltäjän kuoleman jälkeen. Englanninkielisten väitettiin kirjoitetun erään englantilaisen käskystä.". Musiikkitieteilijöiden kiistat tästä aiheesta jatkuvat.
Toisin kuin Händel, joka ymmärsi kosketinsarjan syklin täysin vapaasti, Bach vetosi kohti vakautta syklin sisällä. Sen perustana oli poikkeuksetta sekvenssi: allemande - courante - sarabande - gigue; muutoin erilaisia vaihtoehtoja sallittiin. Sarabanden ja giguen väliin, niin sanotuksi intermezzoksi, sijoitettiin yleensä erilaisia, uudempia ja "muodikkaat" sen ajan tansseja: menuetti (yleensä kaksi menuettia), gavotte (tai kaksi gavottia), bourrée (tai kaksi bourrée), anglaise, poloneise.
Bach alistaa sarjasarjan vakiintuneen perinteisen kaavan uudelle taiteelliselle ja sävellyskonseptille. Moniäänisten kehitystekniikoiden laaja käyttö tuo allemanden usein lähemmäksi alkusoittoa, gigan fuugaa, ja sarabandista tulee lyyristen tunteiden keskipiste. Siten Bachin sarjasta tulee hänen edeltäjiään merkittävämpi erittäin taiteellinen ilmiö musiikissa. Näytelmien vastakkainasettelu, figuratiivisen ja tunnepitoisen sisällön vastakohta dramatisoi ja rikastuttaa sarjan sommittelua. Käyttämällä tämän demokraattisen genren tanssimuotoja Bach muuttaa sen sisäistä rakennetta ja nostaa sen suuren taiteen tasolle.
Sovellus
Lyhyt kuvaus lisätyistä tanssisviiteistä .
Anglaise(ranskasta anglise, kirjaimellisesti - englantilainen tanssi) on yleisnimi useille englanninkielisille kansantansseille Euroopassa (XVII-XIX vuosisatoja). Musiikissa se on lähellä ecosaisea, muodoltaan rigaudonia.
Bourret(ranskasta bourrée, kirjaimellisesti - tehdä odottamattomia harppauksia) on muinainen ranskalainen kansantanssi. Se syntyi noin 1500-luvun puolivälissä. Ranskan eri alueilla esiintyi 2- ja 3-tahtisia bourreja, joilla oli terävä, usein synkopoitunut rytmi. 1600-luvulta lähtien bourre on ollut hovitanssia, jolla on tyypillinen tasainen metri (alla breve), nopea tempo, selkeä rytmi ja yksi lyönti. 1600-luvun puolivälissä Bourret astui sisään instrumentaalisarja toiseksi viimeisenä osana. Lully sisällytti bourréen oopperoihin ja baletteihin. 1700-luvun ensimmäisellä puoliskolla bourre oli yksi suosituimmista eurooppalaisista tansseista.
Gavotte(ranskasta gavotti, kirjaimellisesti - Ranskan Auvergnen provinssin asukkaiden gavottien tanssi) on muinainen ranskalainen talonpoikien pyöreä tanssi. Musiikillinen koko on 4/4 tai 2/2, tempo kohtalainen. Ranskalaiset talonpojat suorittivat sen helposti, sujuvasti, sulavasti, alle kansanlauluja ja säkkipillit. 1600-luvulla gavottesta tuli hovitanssi ja se sai siron ja suloisen luonteen. Sitä mainostavat paitsi tanssinopettajat myös tunnetuimmat taiteilijat: gavotteja esittävät parit liikkuvat Lancretin, Watteaun kankaille, posliinihahmoihin vangitaan siroja tanssiasentoja. Mutta ratkaiseva rooli tämän tanssin elpymisessä on säveltäjillä, jotka luovat hurmaavia gavotte-melodioita ja tuovat niitä monenlaisiin musiikkiteoksiin. Se poistui käytöstä noin 1830, vaikka se säilyi maakunnissa, erityisesti Bretagnen alueella. Tyypillinen muoto on 3-osainen da capo; Joskus keskiosa Gautte on musette. Se on pysyvä osa tanssi-instrumentaalisarjaa.
Katrilli(ranskasta katrilli, kirjaimellisesti - neljän hengen ryhmä latinasta quadrum– nelikulmio). Monelle yhteinen tanssi Euroopan kansat. Se on rakennettu neliöön järjestetyn 4 parin pohjalta. Musiikin aikamerkki on yleensä 2/4; koostuu 5-6 hahmosta, jokaisella on oma nimi ja mukana on erityistä musiikkia. 1600-luvun lopusta 1800-luvun loppuun asti square-tanssi oli yksi suosituimmista salongitansseista.
Country tanssi(ranskasta contredanse, kirjaimellisesti - country dance) on vanha englantilainen tanssi. Mainittu kirjallisuudessa ensimmäisen kerran vuonna 1579. Country-tanssiin on mahdollista osallistua mihin tahansa määrään ympyrän muodostavia pareja ( pyöristää) tai kaksi vastakkaista viivaa (pitkiä matkoja) tanssia. Musiikkikoot – 2/4 ja 6/8. 1600-luvulla country-tanssi ilmestyi Alankomaissa ja Ranskassa, yleistyen tämän vuosisadan puolivälissä menuetin syrjään. Kantritanssin saavutettavuus, eloisuus ja monipuolisuus teki siitä suositun Euroopassa seuraavina vuosisatoina. Lukuisia kantritanssityyppejä olivat quadrille, grossvater, ecosaise, anglaise, tampet, lancier, cotillion, matredur ja muut tanssit. Monet kantritanssikappaleet muuttuivat myöhemmin suosituiksi kappaleiksi; siitä tuli perusta vaudeville-kupleille ja balladioopperoiden lauluille. TO puolivälissä 19 vuosisatojen ajan kantritanssi on menettämässä suosiotaan, mutta säilyy kansanelämää(Englanti, Skotlanti). Elvytettiin 1900-luvulla.
Menuetti(ranskasta menuet, kirjaimellisesti - pieni askel) on muinainen ranskalainen kansantanssi. Selviytyessään hänen kanssaan samanaikaisesti syntyneistä koreografisista muodoista useiden vuosisatojen ajan, hänellä oli tärkeä rooli paitsi juhlasali-, myös näyttämötanssin kehityksessä. Bretagnen katsotaan kotimaansa, jossa se esitettiin suoraan ja yksinkertaisesti. Se on saanut nimensä pas valikot, menuetille ominaisia pieniä askeleita. Kuten useimmat tanssit, se sai alkunsa ranskalaisesta talonpoikabranlesta - niin kutsutusta Poitou-branlesta (samannimisestä Ranskan maakunnasta). Ludvig XIV:n aikana siitä tuli hovitanssia (noin 1660-1670). Musiikin kellomerkki: 3/4. Menuettien musiikin ovat luoneet monet säveltäjät (Lully, Gluck). Kuten monet muutkin kansan keskuudessa syntyneet tanssit, menuetti liittyi alkuperäisessä muodossaan lauluihin ja alueen arkeen. Menuetin toteutus erottui eleganssista ja armollisuudesta, mikä vaikutti suuresti sen nopeaan leviämiseen ja suosioon tuomioistuinyhteiskunnassa.
Menuetista tuli Ludvig XIV:n kuninkaallisen hovin suosikkitanssi. Täällä hän menettää kansanluonteensa, spontaanisuutensa ja yksinkertaisuutensa ja tulee majesteettiseksi ja juhlavaksi. Hovietiketti jätti jälkensä tanssin hahmoihin ja asentoihin. Menuetissa he yrittivät näyttää tapojen kauneutta, hienostuneisuutta ja liikkeiden suloisuutta. Aristokraattinen yhteiskunta tutki huolellisesti tanssin aikana usein kohdattuja jousia ja kurkkuja. Esiintyjien rehevät vaatteet vaativat hitaita liikkeitä. Menuetti sai yhä enemmän tanssidialogin piirteitä. Herrasmiehen liikkeet olivat uljaasti kunnioittavia ja osoittivat ihailua rouvaa kohtaan. Ranskalaisessa hovissa menuetista tuli pian johtava tanssi. Pitkään menuetin esitti yksi pari, sitten parien määrä alkoi kasvaa.
Musette(ranskasta musette, tärkein merkitys on säkkipilli). Ranskalainen vanha kansantanssi. Koko – 2/4, 6/4 tai 6/8. Vauhti on nopea. Se esitettiin säkkipillin säestyksellä (tästä nimi). 1700-luvulla hän aloitti hovioopperan ja baletin ohjaamisen.
Paspier(ranskasta passitettu) on muinainen ranskalainen tanssi, joka ilmeisesti syntyi Pohjois-Bretagnesta. Kansanelämässä tanssimusiikkia esitettiin säkkipillillä tai lauleltiin. Ylä-Bretagnen talonpojat ovat tunteneet tämän temperamenttisen tanssin pitkään. Paspier tuli 1500-luvun lopulla erittäin suosituksi. Lomalla suuret pariisilaiset tanssivat sitä mielellään kadulla. Paspier esiintyy ranskalaisissa hovipalloissa aivan 1500-luvun lopulla. 1600-luvun ensimmäisellä puoliskolla sitä alettiin tanssia Pariisin eri salongeissa. Courtpaspierin musiikillinen koko on 3/4 tai 3/8, alkaen taktista. Paspier on lähellä menuettia, mutta nopeammalla tempolla. Nyt tämä tanssi sisälsi monia pieniä, painokkaasti rytmiä liikkeitä. Tanssin aikana herra joutui riisumaan ja pukemaan hattunsa äärimmäisen helposti ajoissa musiikin tahtiin. Paspier sisältyi instrumentaalisarjaan sen tärkeimpien tanssiosien väliin (yleensä sarabanden ja keikan väliin). Säveltäjät Rameau, Gluck ja muut käyttivät paspireita oopperoiden balettinumeroissa.
Passacaglia(italiasta passacaglia– pass ja calle- street) - laulu, myöhemmin espanjalaista alkuperää oleva tanssi, joka esitettiin alun perin kadulla kitaran säestyksellä, kun vieraat lähtivät juhlasta (tästä nimi). 1600-luvulla passacaglia yleistyi monissa Euroopan maissa ja poistuttuaan koreografisesta harjoituksesta, siitä tuli yksi instrumentaalimusiikin johtavista genreistä. Sen määrittävät piirteet ovat: juhlallinen-suru-luonne, hidas tempo, 3-lyöntimittari, molli.
Rigodon(ranskasta rigaudon, rigaudon) - ranskalainen tanssi. Musiikin aikamerkki: 2/2, alla breve. Sisältää 3-4 toistuvaa jaksoa, joissa on erilainen määrä tahtia. Se tuli laajalle levinneeksi 1600-luvulla. Nimi tulee J. J. Rousseaun mukaan sen oletetun luojan nimestä Rigaud ( Rigaud). Rigaudon on muunnos muinaisesta eteläranskalaisesta pyöreästä kansantanssista. Oli osa tanssisarjaa. Ranskalaiset säveltäjät ovat käyttäneet sitä baletteissa ja oopperoiden baletissa.
Chaconne(espanjasta chacona; mahdollisesti onomatopoeettinen alkuperä) on alun perin Espanjassa 1500-luvun lopulta lähtien tunnettu kansantanssi. Musiikillinen koko on 3/4 tai 3/2, tempo on vilkas. Säestetään laulaa ja soittaa kastanetteja. Ajan myötä chaconne levisi kaikkialle Eurooppaan ja siitä tuli hidas, komea tanssi, yleensä mollissa, jossa painottui 2. rytmi. Italiassa chaconne siirtyy lähemmäksi passacagliaa rikastuen muunnelmilla. Ranskassa chaconnesta tulee balettitanssi. Lully esitteli chaconnen lavateosten finaalin viimeisenä numerona. 1600-1700-luvuilla chaconne sisältyi sviitteihin ja partioihin. Monissa tapauksissa säveltäjät eivät tehneet eroa chaconnen ja passacaglian välillä. Ranskassa molempia nimiä käytettiin kuvaamaan teoksia, kuten säe rondo. Chaconnella on myös paljon yhteistä sarabanden, folian ja englantilaisen maan kanssa. 1900-luvulla käytännössä lakkasi eroamasta passacagliasta.
Ecosaise, Ecossez(ranskasta ekossaise, kirjaimellisesti - skotlantilainen tanssi) on ikivanha skotlantilainen kansantanssi. Aluksi musiikillinen koko oli 3/2, 3/4, tempo maltillinen, säkkipillin säestyksellä. 1600-luvun lopulla se ilmestyi Ranskassa, sitten alle yleinen nimi"Anglaise" levisi ympäri Eurooppaa. Myöhemmin siitä tuli iloinen, nopeatempoinen pari- ja ryhmätanssi, 2-lyöntiajassa. Se saavutti erityisen suosion 1800-luvun ensimmäisellä kolmanneksella (eräänlaisena country-tanssina). Ekosaisen musiikillinen muoto koostuu kahdesta toistuvasta 8- tai 16-tahdisesta osasta.
Käytetty kirjallisuus
Alekseev A. "Pianotaiteen historia"
Blonskaya Yu "1600-luvun tansseista"
Galatskaja V. "J.S.Bach"
Druskin M. "Kosketinsoittimet"
Cortot A. "Pianon taiteesta"
Landowska V. "Tietoja musiikista"
Livanova T. "Länsi-Euroopan musiikin historia"
Nosina V. "J. S. Bachin musiikin symboliikka. Ranskalaiset sviitit.
Schweitzer A. "J.S.Bach."
Shchelkanovtseva E. "I.S.:n sarjat soolosellolle Bach" entrechat(ranskasta) - hyppää, hyppää; piruetti(ranskasta) - tanssijan täysi kierros paikallaan.
Johann Jacob Froberger(1616-1667) – saksalainen säveltäjä, urkuri. Edistää kansallisten perinteiden leviämistä Saksassa. Hänellä oli merkittävä rooli instrumentaalisarjan muodostumisessa ja kehittämisessä. Sarjan liitenumeroiden ominaisuudet löytyvät tämän työn liitteestä.
latinasta discretus- jakautunut, epäjatkuva: epäjatkuvuus. Siten A. Schweitzerin mukaan J. S. Bach aikoi alun perin kutsua kuutta partitaa "saksalaisiksi sviiteiksi". Kirjoittanut kirjan "Suites for soolo sello by J.S. Bach"
Bach itse, A. Cortotin mukaan, pyysi esittämään sarjansa, miettien jousisoittimia.
Julia Blonskajan käyttämä materiaali "1600-luvun tansseista" (Lviv, "Spibniy Vovk")
Muinaiset sarjat ovat olleet tunnettuja 1400-luvulta lähtien, mutta aluksi ne kirjoitettiin luutulle. Sarja muodostui lopulta genreksi XVII vuosisadalla ja se oli useiden yhtäläisten osien sykli. Heidän prototyyppinsä oli sarja tansseja erilaisille soittimille, jotka seurasivat hovikulkueita ja seremonioita.
Sviitti - käännetty ranskasta "riviksi", "sekvenssiksi". Sviitti - perinteinen barokkityylilaji, joka sisältää tanssi- ja ei-tanssinäytelmiä. On erilaisia tyyppejä antiikin sarja, mukaan lukien partita (rakenteeltaan sviittiä vastaava).
Sarjan pohjana on yleensä useita tansseja, joskus lisätään myös muita tanssikappaleita. Jokaisen osan riippumattomuudesta huolimatta sviittiä pidetään yhtenä kokonaisuutena musiikkikappale. Kiertoa yhdistäviä keinoja ovat ensisijaisesti tonaliteetti, joka säilyy koko sarjan ajan. Tanssien sijainti on yhtä tärkeä. Kohtalaiset ja hitaasti etenevät tanssit vuorottelevat nopeiden tanssien kanssa.
Seuraavat ovat klassisen instrumentaalisarjan muodostavien tanssejen ominaispiirteet:
Allemande on saksalainen ritaritanssi. Hän avasi juhlat hallitsevien herrojen tuomioistuimissa. Juhlaan saapuvat vieraat esiteltiin tittelillä ja sukunimellä. Vieraat vaihtoivat terveisiä isäntien ja keskenään kumartaen. Isäntä ja emäntä johdattivat vieraat palatsin kaikkien huoneiden läpi. Allemanden äänien tahtiin vieraat kävelivät pareittain ihmetellen huoneiden hienoa ja rikasta sisustusta. Jotta tanssiin valmistauduttaisiin ja siihen astuttaisiin ajoissa, allemandella oli rytmi. Allemanden 4/4-koko, kiireetön tempo ja tasainen rytmi neljänneksissä bassossa vastasivat tätä saksalaista kulkuetanssia.
Allemandea seurasi kellot, ranskalais-italialainen tanssi. Hänen temponsa oli nopeampi, 3/4-kertainen, eloisa liike kahdeksasnooteissa. Se oli sooloparitanssi, jossa tanssipari pyöritti ympäripyöreästi. Tanssihahmot saivat vaihdella vapaasti. Courant erotti allemanden ja muodosti parin sen kanssa.
Sarabande (syntynyt Espanjasta) on pyhä rituaalitanssikulkue vainajan ruumiin ympäri. Rituaali koostuu jäähyväisistä vainajalle ja hänen hautaamisestaan. Pyöreä liike heijastuu sarabandin pyöreässä rakenteessa säännöllisin palauksin alkuperäiseen melodiseen kaavaan. Sarabandin koko on 3-tahtinen, sille on ominaista hidas tempo, rytmi, jossa on pysähdyksiä taktien toisilla tahdilla. Pysähdyksissä korostui surullinen keskittyminen, eräänlainen surullisten tunteiden aiheuttama "vaikeus" liikkumisessa. Myöhemmin se muutettiin paraatikulkueeksi. 3-taktinen askel syntyi, kun aatelisto osoitti itsensä arvokkaasti, ylpeydellä - tämä on kehon tasaista kiertoa oikealle> keskelle> vasemmalle.
Sarjan päätti gigue, humoristinen ranskalainen nimi muinaiselle viululle (gigue - kinkku), joka on viulistin tanssia yksin tai pareittain. Aluksi Giga oli englantilaista merimiestanssia, S:llä, erittäin nopea, hyppyillä ja pisterytmillä, jota tanssittiin viululla. Esityksen viulurakenne on tyypillinen.
Joskus sarjaan tuotiin muita tansseja sarabanden ja giguen väliin, tätä ryhmää kutsuttiin intermezzoksi. Niiden kautta siirryttiin hitaimmasta 3. osasta nopeimpaan - jigiin. Se voisi olla menuetti (tyylikäs ranskalainen tanssi, jouset ja kurpitsat S-kirjaimella), gavotte (2/4), aaria (melodinen kappale; esitetään puiset instrumentit) tai bourre (ranskalaisten puunhakkaajien tanssi). Ennen sarjan alkua voisi olla alkusoitto (praeludus - ennen peliä).
Saatavuus sviitissä ranskalaisia tansseja- kellot, menuetti ja keikat - antoivat meille mahdollisuuden kutsua sitä ranskaksi.
Bachin musiikkiperintö tällä alueella koostuu 6 italialaisesta (partitas), 6 englanninkielisestä ja 6 ranskalaisesta sviitistä. Heidän nimensä ovat mielivaltaisia, ja niiden väliset erot ovat merkityksettömiä. Bach päivitti tämän genren. Hän esitteli ei-tanssiluonteisia näytelmiä: aaria esiintyi ranskalaisissa sarjoissa, preludi englannissa ja partitasissa ja toccata, sinfonia, scherzo, capriccio ja rondo partitaissa. Lisäksi Bach syvensi sarjan osien välistä kontrastia, mikä valmisteli merkittävästi wieniläisiä klassikoita.
Haluaisin lainata kirjoittajan nimen kosketinsoittimien ja partitojen yleispainoksen B. L. Yavorskyn erittäin tarkassa käännöksessä: "Taiteellinen harjoitus klavierilla, joka koostuu preludeista, allemandeista, kelloista, sarabandeista, jigeistä, menuetteista ja muista lyhyttavaroista ( uljaat kappaleet); Johann Sebastian Bach on kirjoittanut musiikin ystävien iloksi."
Jokaisessa sarjassa syklin muoto luodaan omien sisäisten lakiensa mukaisesti, mutta on mahdollista tunnistaa niiden koostumuksen yhteiset periaatteet. Siten allemande ja kello luovat sarjan vakaan ytimen, aivan kuten pavane ja galliard aiemmin. Ranskalaisissa sviiteissä ne on hitsattu tiukasti vastakohtiin. Heidän vastustuksensa paljastuu eri tavoilla. D-mollin ja Es-durin sviiteissä sovelletaan vastadispositiota, kun sekundäärimateriaali tulee pääasialliseksi, ja E-durin sarjassa sitä vahvistetaan motiivien käänteisillä.
H-mollisarjassa allemanden temaattinen teema heijastuu kellosoittoon. Es-dur- ja G-dur-kelloissa allemanden eteenpäin suuntautuvaa liikettä "suoraa" nopea, intensiivinen melodisten linjojen juoksu. "Melodisesta käyrästä" tulee "melodinen suora viiva". c-moll courante edustaa allemanden intonaatiomallin keskittymistä: sen ympyräkierto vastustaa allemanden lineaarisuutta.
Sarabandin toiselle puolelle - symmetria-akselille - ilmestyy pariryhmiä lisättyjä tansseja ja jigejä. Niiden tarkoitus voi vaihdella kontekstin mukaan. D-moll- ja c-moll-sviiteissä insertoidut tanssit ovat luonteeltaan välikappaleita, jotka suorittavat "dispersion" toimintoa. Tämä korostaa jigin viimeistä roolia.
B-moll-sarjassa menuetti trion kanssa suorittaa samanlaisen rentoutumistoiminnon. Tämän jälkeen näkyviin tulee Anglese- ja Celtic Gigue -lohko. Anglaise palauttaa allemanden päämotiivisen teesin. Alkuperäinen kuva muutetaan sen vastakohtaan. Mutta peilikuva ei ole ristiriita, vaan olennaisesti saman ilmiön toisen puolen tunnistaminen. Siksi anglaisen ja giguen vertailu nähdään päätyön kaksoislausumana.
Es-dur-sarjan gavottin ja aarian paritus valmistaa giguen materiaalia, jonka temaattiset yhteydet allemanteen ja couranteen ovat hyvin etäisiä. Gautissa allemande-kuvion ääriviivat ilmaantuvat kiertoon ja korostuvat neljännen väli laulun kanssa, mikä toimii giguen teeman ennakoijana. Useissa julkaisuissa gavotin ja aaria on erotettu menuetilla. Tämä näyttää olevan bugi. Tämän sarjan gavotti ja aaria muodostavat yhteensulautuneen parin, jota pitää yhdessä perinteinen periaate varioida kappaletta rytmisesti jakamalla kestoja. Bach-seuran julkaisussa 1895 ja W. Schmiederin Bachin teosten hakemistossa menuetti ei sisälly pääjaksoon, vaan se on myöhempänä lisäyksenä, joka on samanlainen kuin saman sarjan preludi ja toinen gavotti. E. Petrin painos. Menuetti voidaan sisällyttää sarjaan, mutta syklin rakenteellisen logiikan mukaisesti tai sen jälkeen gavotte ja aariat tai ennen niitä, kuten G. Gould tekee. Jälkimmäisessä tapauksessa ylimääräinen pari muodostetaan sarabandista ja menuetista. Niitä yhdistää jokin yhteinen melodinen kuvio.
G-duuri sarja sisältää kolme parimuodostelmaa: allemande-courante, gavotte-bourre ja lour-gigue. Allemande sisältää lineaarisuuden ja harmonisia "solmuja", jotka muodostavat sointuja. Kellossa kehitetään "suoristetun" tyypin lineaarisuutta, jossa allemandelle ominaisen melodian asteittainen kehittyminen mutkilla ja toistuvilla melodisen kuvion päälinjalta poikkeamilla korvataan suoran nopealla laajentumisella. mittakaavamaisia kohtia. Samalla tunnusomaisten motiivien identiteetti vahvistaa perustavanlaatuista yhtenäisyyttä musiikkimateriaalia allemandes(1) ja chimes(2):
Sarabande on vahva energiakeskus. Hänen energiaansa korostaa säälittävä pisterytmi, jossa on suuri sisäinen jännitys, ikään kuin voimalinjojen jännitys. Siinä alkaa syntyä harmoninen ja sointupohja. Jos allemandissa harmonia toimii keinona yhdistää melodisia linjoja ja niiden tekstuaalista rikastamista, niin sarabandissa itse melodia on kolmiosainen, harmonia sen rakenne. Tätä keskeisen kuulostavan idean - triadin - tunnistamista voidaan verrata sarjan "differentiaalin eristämiseen".
Pari seuraavaa osaa on omistettu differentiaalin kehittämiselle, pohditaan sitä eri näkökulmista: vertikaali esitetään gavotissa; Bourret on omistettu differentiaalin lineaariseen kehittämiseen vastakkaisiin suuntiin. Viimeinen liikepari - lur ja gigue - kehittävät kolmikkoa mahdollisimman selkeästi ja täydellisesti. Ne ovat vastakkaisia liikesuunnassa ja luonteeltaan, täydentäen toisiaan peili-kontrasti-parina, kuten h-mollisarjan anglaise ja gigue. Samaan aikaan mitä Vieheessä tapahtuu asteittainen kehitys triadipallot lisäämällä ääniä peräkkäin ja giguessa - superpositiolla, summauksella.
Frobergerin kaksiosaisen fuugan tyyppiin rakennettu Gigue tarjoaa ihanteellisen mahdollisuuden yhdistää liikkeitä, verrata niitä peräkkäin tai samanaikaisesti, mikä on kehityksen ja äänitilan vapaan, rohkean hallinnan tulos.
E-duuri sarjassa on neljän tanssin monimutkainen lohko. Sen keskellä on pari menuettipoloneesia (kuten sitä kutsutaan Gerberin luettelossa) ja bourrea. He kehittävät allemanden pääteemaattista viljaa - ilon motiivia. Niitä kehystävät gavotti ja menuetti, jotka on järjestetty pystysuoran harmonisen periaatteen mukaan. Tämä luo lisäpainopisteen, joka on omistettu alkuperäisen motiivimateriaalin vahvistamiselle.
Tämä viittaa johtopäätökseen sarjojen järjestyksen ja lomakkeen osien retorisesta johdonmukaisuudesta: allemande on ilmaus "puheen aiheesta" (propositio). , kello soittaa vastalauseen roolia (confutatio) , Keikka toimii päätelmänä (peroratio). Sarabandeja ja välitansseja tulkitaan vapaammin, mikä voi toimia kannanottona pääidea ( vahvistus) tai retorinen poikkeama ( diqressio ).
Näkymä sviitistä täydellisenä musiikillinen muoto, joka saavuttaa taiteellisen tasapainon ja kontrastin, on esitetty J. Groven sanakirjassa, ja tämä on sarjan pääidea, joka selittää sen pitkän olemassaolon mahdollisuutta genrenä. Mutta tällainen näkemys asettaa ensisijaisesti prosessin tuloksen, ei sen syyn, koska se on olennaisesti muodollinen.