ATeronica Dudarova, Sofia Gubaidulina, Elena Obraztsova ovat nimiä, jotka tunnetaan paitsi Venäjällä myös ulkomailla. Muistamme 1900-luvun suuria naismuusikoita.
Veronika Dudarova
Veronika Dudarova. Kuva: classicalmusicnews.ru
Veronika Dudarova. Kuva: south-ossetia.info
Veronika Dudarova syntyi Bakussa vuonna 1916. Vuonna 1938 hän valmistui Leningradin konservatorion musiikkikoulun pianoosastosta ja teki tuolloin epätavallisen päätöksen - ryhtyä kapellimestariksi. Neuvostoliitossa ei tuolloin ollut naisia, jotka uskalsivat mennä sinfoniaorkesteriin. Veronika Dudarovasta tuli kahden mestarin - Leo Ginzburgin ja Nikolai Anosovin - opiskelija.
Hän debytoi kapellimestarina Central Children's Theatressa vuonna 1944. Sitten hän työskenteli Moskovan konservatorion oopperastudiossa.
Vuonna 1947 Veronika Dudarovasta tuli Moskovan valtion sinfoniaorkesterin kapellimestari, ja vuonna 1960 hän otti tämän yhtyeen ylikapellimestari ja taiteellisen johtajan virkaan. Dudarovan ohjelmistoon sisältyi vähitellen valtava määrä sävellyksiä - Bachista ja Mozartista Alfred Schnittkeen, Mikael Tariverdieviin, Sofia Gubaidulinaan.
Haastattelussa hän puhui useammin kuin kerran verisistä harjoituksista, että joskus täytyy "saavuttaa ankarasti tuloksia". Vuonna 1991 Dudarova organisoi ja johti Venäjän valtion sinfoniaorkesteria. Hänen nimensä on listattu Guinnessin ennätysten kirjaan: hänestä tuli ensimmäinen nainen maailmassa, joka työskenteli sinfoniaorkestereiden kanssa yli 50 vuoden ajan.
Veronika Dudarovalle omistettu festivaali:
Sofia Gubaidulina
Sofia Gubaidulina. Kuva: remusik.org
Sofia Gubaidulina. Kuva: tatarstan-symphony.com
Säveltäjä Sofia (Sania) Gubaidulina syntyi vuonna 1931 Chistopolissa. Hänen isänsä oli katsastaja, äitinsä peruskoulun opettaja. Pian tyttärensä syntymän jälkeen perhe muutti Kazaniin. Vuonna 1935 Sofia Gubaidulina aloitti musiikin opiskelun. Vuonna 1949 hänestä tuli Kazanin konservatorion pianoosaston opiskelija. Myöhemmin pianisti päätti kirjoittaa musiikkia itse ja astui Moskovan konservatorion sävellysosastolle - ensin Juri Shaporinin, sitten Nikolai Peikon luokassa ja sitten tutkijakoulussa Vissarion Shebalinin johdolla.
Sofia Gubaidulinan kollegat totesivat, että hän kääntyi jo ensimmäisissä teoksissaan uskonnollisiin kuviin. Tämä näkyy erityisesti 1970- ja 80-luvun partituureissa: "De profundis" nappihaitarille, viulukonsertto "Offertorium" ("Uhri"), "Seitsemän sanaa" sellolle, nappihaitarille ja jousille. Tämä ilmeni myös myöhemmissä sävellyksissä - "The Passion By John", "Easter Mukaan John", "A Simple Prayer".
”Tavoitteeni on aina ollut kuulla maailman ääntä, oman sieluni ääntä ja tutkia niiden yhteentörmäystä, kontrastia tai päinvastoin samankaltaisuutta. Ja mitä kauemmin menen, sitä selvemmäksi minulle tulee, että olen koko tämän ajan etsinyt sitä ääntä, joka vastaisi elämäni totuutta.
Sofia Gubaidulina
1980-luvun lopulla Sofia Gubaidulinasta tuli kansainvälisesti tunnettu säveltäjä. Vuodesta 1991 hän on asunut Saksassa, mutta tulee usein Venäjälle. Nykyään hänelle omistettuja festivaaleja järjestetään eri maissa, parhaat musiikkiryhmät ja solistit tekevät yhteistyötä hänen kanssaan.
Dokumenttielokuva Sofia Gubaidulinasta:
Elena Obraztsova
Elena Obraztsova. Kuva: classicalmusicnews.ru
Elena Obraztsova syntyi vuonna 1939 Leningradissa. Kun aika tuli yliopistoon, tyttö valitsi Leningradin konservatorion lauluosaston, vaikka hänen isänsä vaati tyttärensä opiskelemaan radiotekniikkaa. Vuonna 1962 opiskelija Obraztsovasta tuli All-Union Glinka -laulukilpailun voittaja. Pian nuori laulaja debytoi Bolshoi-teatterissa - hänen ensimmäinen roolinsa oli Marina Mnishek Modest Mussorgskin Boris Godunovissa.
Laulajan venäläiseen ohjelmistoon kuuluivat myös Martha Mussorgskin Khovanshchina-oopperasta, Ljubaša Nikolai Rimski-Korsakovin Tsaarin morsiamesta, Helen Bezukhova Sergei Prokofjevin Sota ja rauhasta. Elena Obraztsova esitti kreivitärosan Pjotr Tšaikovskin Patakuningattaressa koko musiikkiuransa ajan. Laulaja sanoi: ”Voin laulaa sitä jopa sata vuotta, kunhan ääni soi. Ja se kasvaa ja kasvaa uusilla väreillä..
Yksi kuuluisimmista rooleista ulkomaisesta ohjelmistosta Obraztsova oli Carmen Bizet'n oopperassa. Ei vain Neuvostoliiton, vaan myös espanjalaiset kuuntelijat tunnustivat hänet tämän osan parhaaksi esiintyjäksi.
Esimerkillisiä kumppaneita olivat Placido Domingo, Luciano Pavarotti, Mirella Freni. Tärkeä tapahtuma laulajan elämässä oli tapaaminen säveltäjä Georgy Sviridovin kanssa: hän omisti hänelle useita laulusävellyksiä.
Life Line -ohjelma Elena Obraztsovan kanssa:
Eliso Virsaladze
Eliso Virsaladze. Kuva: archive.li
Eliso Virsaladze. Kuva: riavrn.ru
Eliso Virsaladze syntyi Tbilisissä vuonna 1942. Hänen opettajansa koulussa ja konservatoriossa oli hänen isoäitinsä, kuuluisa georgialainen pianisti Anastasia Virsaladze. Vuonna 1962 Eliso voitti kolmannen palkinnon II kansainvälisessä Tšaikovski-kilpailussa. Vuonna 1966 valmistuttuaan Tbilisin konservatoriosta hän tuli Moskovan konservatorion tutkijakouluun Yakov Zakin luokassa.
Vuodesta 1967 lähtien Eliso Virsaladze on opettanut Moskovan konservatoriossa. Hänen luokkansa valmistuneiden joukossa ovat kansainvälisten kilpailujen voittajat Boris Berezovsky, Aleksei Volodin, Dmitry Kaprin.
Pianistin ohjelmistoon kuuluu Wolfgang Amadeus Mozartin, Ludwig van Beethovenin, Robert Schumannin, Tšaikovskin ja Prokofjevin teoksia. Hän esiintyy usein yhtyeessä sellisti Natalia Gutmanin kanssa.
"Tämä on suuren mittakaavan taiteilija, kenties vahvin naispianisti tällä hetkellä"- näin Svjatoslav Richter puhui Virsaladzesta.
Nykyään Eliso Virsaladze esiintyy paljon soolo- ja kamariohjelmilla, usein soittaen orkestereiden kanssa. Hän puhuu konserteista sakramenttina: "Aset lavalle ja kuulut säveltäjään, jota esität, ja yleisöön, jolle soitat".
Ohjelma "Esitysten kokoelma" ja Eliso Virsaladze konsertti:
Natalia Gutman
Natalia Gutman. Kuva: classicalmusicnews.ru
Tuleva sellisti syntyi Kazanissa vuonna 1942, ensimmäiset sellotuntinsa hän sai isäpuolensa Roman Sapožnikovilta. Sitten hän opiskeli Moskovan konservatorion keskusmusiikkikoulussa. Vuonna 1964 Natalia valmistui Moskovan konservatoriosta Galina Kozolupovan luokassa, ja vuonna 1968 hän suoritti jatko-opinnot Leningradin konservatoriossa, jossa hänen päällikkönä oli Mstislav Rostropovich.
Konservatoriovuosinaan Nataliasta tuli useiden kilpailujen, mukaan lukien II kansainvälisen Tšaikovski-kilpailun, voittaja. Vuonna 1967 hän aloitti opettamisen Moskovan konservatoriossa.
”Jos liikutan vain ammattimaisesti jousia ja ajattelen omaani, se kuuluu heti! Minulle toteutuksen automatismi, välinpitämättömyys on kauhea epäonnistuminen! hän sanoo.
Nyt Natalia Gutman opettaa nuoria muusikoita monissa Euroopan kaupungeissa, järjestää suuria festivaaleja ja jatkaa kiertueita.
Puhe "Joulukuu-iltaissa" Puškinin valtion taidemuseossa:
______________________________________________
Naislaulajien oopperalaulun muodostumisen aikakaudella olosuhteet eivät olleet kovin suotuisat. Tämä ei kuitenkaan suuresti hidastanut globaalia prosessia ja tiedämme monia oikeiden tähtien nimiä - oopperadiivoja, en edes luettele heitä. Mutta tässä ovat naiset, jotka kirjoittivat musiikkia ... joko ehtoja ei ollut ollenkaan tai lahjakkuutta ei ollut niin paljon ... Joka tapauksessa yksikään naissäveltäjien nimi ei loistanut yhtä kirkkaasti kuin esimerkiksi Beethoven tai! Joka tapauksessa, katsotaan mitä täällä on? :)
- Hildegard Bingenistä
Vaikka naisten nimet eivät ole saavuttaneet samaa mainetta musiikillisen kirjoittamisen maailmassa kuin miesten, on olemassa musiikkihistoriallisesti erittäin merkittävä nimi. Tämä on Hildegard of Bingen, yksi ensimmäisistä keskiaikaisista säveltäjistä, joka jätti sävellyksistään nuotteja. No, on selvää, mikä toimii, koska tämä on 1100-lukua! Luultavasti nykyajan kuuntelijan täytyy olla erittäin suuri fani voidakseen nauttia keskiaikaisten kirkkolaulujen kuuntelusta. Nämä ovat kuitenkin puhtaasti teoreettisia tekojani - en ole vielä päässyt kuuntelemaan mitään Hildegardilta. Toistaiseksi olen löytänyt vain tämän Internetistä, mutta siellä sinun täytyy ensin liittyä klubin jäseneksi ja vasta sitten kuunnella. Muutto ei ole vielä edennyt tähän pisteeseen, vaikka suunnitelmia on :). Mutta tässä tarinassa ehkä jotain muuta on tärkeämpää: nunnan persoonallisuus, jonka paavi julisti virallisesti pyhäksi vuonna 2012. Ja hän kirjoitti hänestä hyvin läpitunkevasti:
Hänen tarinansa vaikuttaa vieläkin merkillisemmältä, kun alkaa miettimään, mitä luultavasti siihen aikaan liittyneitä vaikeuksia ei ollut vain naissäveltäjän olemassaolo - Herra, kyllä, tämä ei ole helppo tehtävä nytkään - mutta mitä onko olemassa naisen olemassaolo, joka OLI AINA JOTAkin.
Otetaan Hildegardin muotokuva toiseen käteen ja viinillä täytetty pikari toiseen, näytämme itseämme lähikuvana 1179 Nostetaan malja hänelle, ei ollenkaan noita, omalaatuinen musikaali.
- Barbara Strozzi
Ehkä näytän tietysti tietämättömältä, mutta en myöskään kuunnellut tämän naisen musiikkia ja ... jostain syystä luulen, että tämä nimi jätti enemmän historiallisen kuin musikaalisen jäljen. Nimittäin: Barbara Strozzi oli yksi ensimmäisistä, joka julkaisi teoksensa ei kokoelmissa, vaan, kuten sanotaan, yksin, ja tämä on, näet, sovellus! Hän asui ja työskenteli suosikki- ja suosikkimaassani - Italiassa. Lempinimi oli "Viruoosiin", mutta taas näyttää siltä, että tämä arvio liittyi todennäköisemmin laulaja Strozziin. Ja säveltäjänä - voisiko hän kilpailla monien tuolloin eläneiden loistavien kirjailijoiden kanssa? Joka tapauksessa Monteverdi, Bach, Vivaldi, Purcell, Händel ovat maailman mittakaavassa. Mutta Barbara Strozzin nimeä ei niin usein kuulla. Älä kuitenkaan ole fiksu, nyt kuuntelen ensimmäistä kertaa yhdessä kanssasi hänen sävellystään:
No, mitä pidät siitä? Kuuntelin, tosi kiva!
- Clara Schumann
Ja tässä tapauksessa haluaisin sanoa: kyllä, Clara oli säveltäjä Robert Schumannin vaimo. Se on ikään kuin johdannainen tunnetusta miehennimestä. Mutta itse asiassa Clara "ylensi" miestään, hän oli hänen teostensa ensimmäinen esiintyjä. Aivan kuten Brahmsin musiikki, yleisö kuuli ensimmäisen kerran Claran esittämänä. Muuten, nämä ovat avainsanoja - esitys. Koska Clara oli virtuoosipianisti, itse asiassa hän oli ihmelapsi, hänen esiintymisensä ja kiertueensa alkoivat jo lapsena. Ja Clara antoi viimeisen konserttinsa 71-vuotiaana. Näin pianisti - kyllä, hän oli kuuluisa ja menestynyt. Tuolloin säveltäjänä häntä ei yksinkertaisesti otettu vakavasti (tämä ei ole naisten asia!), Ja nyt Clara Schumannin työ kiinnostaa, mutta hänen teoksiaan ei esitetä liian usein.
Venäjän kansan melodiat ja laulut inspiroivat 1800-luvun toisen puoliskon kuuluisien säveltäjien töitä. Heidän joukossaan oli P.I. Tšaikovski, M.P. Mussorgski, M.I. Glinka ja A.P. Borodin. Heidän perinteitään jatkoi kokonainen joukko erinomaisia musiikkihahmoja. 1900-luvun venäläiset säveltäjät ovat edelleen suosittuja.
Aleksanteri Nikolajevitš Skryabin
Luovuus A.N. Skrjabin (1872 - 1915), venäläinen säveltäjä ja lahjakas pianisti, opettaja, uudistaja, ei voi jättää ketään välinpitämättömäksi. Hänen omaperäisessä ja impulsiivisessa musiikissaan voi joskus kuulla mystisiä hetkiä. Säveltäjä houkuttelee ja vetää puoleensa tulen kuva. Jopa teostensa otsikoissa Skrjabin toistaa usein sellaisia sanoja kuin tuli ja valo. Hän yritti löytää tavan yhdistää ääntä ja valoa teoksissaan.
Säveltäjän isä Nikolai Aleksandrovitš Skrjabin oli tunnettu venäläinen diplomaatti, todellinen valtion neuvonantaja. Äiti - Lyubov Petrovna Scriabina (syntynyt Shchetinina), tunnettiin erittäin lahjakkaana pianistina. Hän valmistui arvosanoin Pietarin konservatoriosta. Hänen ammattiuransa alkoi menestyksekkäästi, mutta pian poikansa syntymän jälkeen hän kuoli kulutukseen. Vuonna 1878 Nikolai Aleksandrovitš suoritti opintonsa ja hänet määrättiin Venäjän Konstantinopolin suurlähetystöön. Tulevan säveltäjän kasvatusta jatkoivat hänen lähisukulaisensa - isoäiti Elizaveta Ivanovna, hänen sisarensa Maria Ivanovna ja isän sisar Lyubov Alexandrovna. 
Huolimatta siitä, että viiden vuoden ikäisenä Scriabin hallitsi pianon soittamista ja alkoi hieman myöhemmin opiskella sävellyksiä, perheen perinteen mukaan hän sai sotilaskoulutuksen. Hän valmistui Moskovan 2. kadettijoukosta. Samaan aikaan hän otti yksityistunteja pianossa ja musiikin teoriassa. Myöhemmin hän tuli Moskovan konservatorioon ja valmistui pienellä kultamitalilla.
Luovan toimintansa alussa Skrjabin seurasi tietoisesti Chopinia ja valitsi samat genret. Kuitenkin jo tuolloin hänen oma lahjakkuus oli jo ilmeinen. 1900-luvun alussa hän kirjoitti kolme sinfoniaa, sitten "The Poem of Ecstasy" (1907) ja "Prometheus" (1910). Mielenkiintoista on, että säveltäjä täydensi "Prometheuksen" partituuria kevyellä kosketinosalla. Hän käytti ensimmäisenä kevyttä musiikkia, jonka tarkoitukselle on ominaista musiikin paljastaminen visuaalisen havainnoinnin menetelmällä.
Säveltäjän vahingossa tapahtunut kuolema keskeytti hänen työnsä. Hän ei koskaan toteuttanut suunnitelmaansa luoda "Mysteeri" - äänien, värien, liikkeiden, tuoksujen sinfonia. Tässä työssä Skrjabin halusi kertoa koko ihmiskunnalle sisimpiä ajatuksiaan ja inspiroida häntä luomaan uusi maailma, jota leimaa Universaalin Hengen ja Aineen liitto. Hänen merkittävimmät teoksensa olivat vain esipuhe tälle suurelle hankkeelle.
Kuuluisa venäläinen säveltäjä, pianisti, kapellimestari S.V. Rahmaninov (1873 - 1943) syntyi varakkaaseen aatelisperheeseen. Rahmaninovin isoisä oli ammattimuusikko. Ensimmäiset pianotunnit antoi hänelle hänen äitinsä, ja myöhemmin he kutsuivat musiikinopettaja A.D. Ornatskaja. Vuonna 1885 hänen vanhempansa määräsivät hänet yksityiseen sisäoppilaitokseen Moskovan konservatorion professorin N.S. Zverev. Oppilaitoksen järjestyksellä ja kurinalaisuus vaikutti merkittävästi säveltäjän tulevan luonteen muodostumiseen. Myöhemmin hän valmistui Moskovan konservatoriosta kultamitalilla. Vielä opiskelijana Rahmaninov oli erittäin suosittu Moskovan yleisön keskuudessa. Hän on jo luonut "Ensimmäisen pianokonserttonsa" sekä joitakin muita romansseja ja näytelmiä. Ja hänen "Prelude in C-sharp molli" tuli erittäin suosittu sävellys. Hieno P.I. Tšaikovski kiinnitti huomiota Sergei Rahmaninovin valmistumistyöhön - oopperaan "Oleko", jonka hän kirjoitti vaikutelmana A.S. Pushkin "Mustalaiset". Pjotr Iljitš sai sen lavalle Bolshoi-teatterissa, yritti auttaa tämän teoksen sisällyttämisessä teatterin ohjelmistoon, mutta kuoli odottamatta.
Kahdenkymmenen vuoden iästä lähtien Rahmaninov opetti useissa instituuteissa, antoi yksityistunteja. Kuuluisan filantroopin, teatteri- ja musiikkihahmon Savva Mamontovin kutsusta säveltäjästä tulee 24-vuotiaana Moskovan venäläisen yksityisoopperan toinen kapellimestari. Siellä hän ystävystyi F.I:n kanssa. Chaliapin.
Rahmaninovin ura keskeytettiin 15. maaliskuuta 1897, koska Pietarin yleisö hylkäsi hänen innovatiivisen ensimmäisen sinfoniansa. Arvostelut tästä työstä olivat todella tuhoisia. Mutta säveltäjä oli eniten järkyttynyt N.A.:n jättämästä negatiivisesta arvostelusta. Rimski-Korsakov, jonka mielipidettä Rahmaninov arvosti suuresti. Sen jälkeen hän vaipui pitkittyneeseen masennukseen, josta hän onnistui selviytymään hypnotisoijan N.V. Dahl.
Vuonna 1901 Rahmaninov viimeisteli toisen pianokonserttonsa. Ja siitä hetkestä alkaa hänen aktiivinen luova työnsä säveltäjänä ja pianistina. Rahmaninovin ainutlaatuinen tyyli yhdisti venäläisiä kirkkolauluja, romantiikkaa ja impressionismia. Hän piti melodiaa musiikin pääperiaatteena. Tämä sai suurimman ilmauksensa kirjailijan suosikkiteoksessa - runossa "Kellot", jonka hän kirjoitti orkesterille, kuorolle ja solisteille.
Vuoden 1917 lopussa Rahmaninov lähti Venäjältä perheensä kanssa, työskenteli Euroopassa ja lähti sitten Amerikkaan. Säveltäjä oli hyvin järkyttynyt erosta isänmaan kanssa. Suuren isänmaallisen sodan aikana hän antoi hyväntekeväisyyskonsertteja, joiden tuotto lähetettiin Puna-armeijan rahastoon.
Stravinskyn musiikki on tunnettu tyylisestä monimuotoisuudestaan. Luovan toimintansa alussa hän perustui venäläisiin musiikillisiin perinteisiin. Ja sitten teoksissa kuulee uusklassismin vaikutuksen, joka on ominaista tuon aikakauden Ranskan musiikille ja dodekafonialle.
Igor Stravinsky syntyi Oranienbaumissa (nykyinen Lomonosovin kaupunki) vuonna 1882. Tulevan säveltäjän Fjodor Ignatjevitšin isä on kuuluisa oopperalaulaja, yksi Mariinski-teatterin solisteista. Hänen äitinsä oli pianisti ja laulaja Anna Kirillovna Kholodovskaya. Yhdeksänvuotiaasta lähtien opettajat opettivat hänelle pianotunteja. Lukion päätyttyä hän siirtyy vanhempiensa pyynnöstä yliopiston oikeustieteelliseen tiedekuntaan. Kahden vuoden ajan, vuosina 1904–1906, hän otti oppitunteja N.A. Rimski-Korsakov, jonka johdolla hän kirjoitti ensimmäiset teokset - scherzon, pianosonaatin, Faunin ja Shepherdess-sarjan. Sergei Diaghilev arvosti säveltäjän lahjakkuutta ja tarjosi hänelle yhteistyötä. Yhteistyön tuloksena syntyi kolme balettia (lavastettu S. Diaghilev) - Tulilintu, Petrushka, Kevään rituaali.
Vähän ennen ensimmäistä maailmansotaa säveltäjä lähti Sveitsiin, sitten Ranskaan. Hänen työssään alkaa uusi aikakausi. Hän tutkii 1700-luvun musiikkityylejä, kirjoittaa oopperan Oidipus Rex, musiikkia baletille Apollo Musagete. Hänen käsialansa on muuttunut useita kertoja ajan myötä. Monien vuosien ajan säveltäjä asui Yhdysvalloissa. Hänen viimeinen kuuluisa teoksensa on Requiem. Säveltäjä Stravinskyn ominaisuus on kyky jatkuvasti muuttaa tyylejä, genrejä ja musiikillisia suuntauksia.
Säveltäjä Prokofjev syntyi vuonna 1891 pienessä kylässä Jekaterinoslavin maakunnassa. Musiikin maailman avasi hänelle hänen äitinsä, hyvä pianisti, joka esitti usein Chopinin ja Beethovenin teoksia. Hänestä tuli myös todellinen musiikillinen mentori pojalleen ja lisäksi hän opetti hänelle saksaa ja ranskaa.
Vuoden 1900 alussa nuori Prokofjev onnistui osallistumaan Sleeping Beauty -balettiin ja kuuntelemaan oopperoita Faust ja Prinssi Igor. Moskovan teattereiden esityksistä saatu vaikutelma ilmaistui hänen omassa työssään. Hän kirjoittaa oopperan "The Giant" ja sitten alkusoiton "Desert Shores". Vanhemmat ymmärtävät pian, etteivät he voi enää opettaa pojalleen musiikkia. Pian, 11-vuotiaana, aloitteleva säveltäjä esiteltiin kuuluisalle venäläiselle säveltäjälle ja opettajalle S.I. Tanejev, joka kysyi henkilökohtaisesti R.M. Gliera ryhtyy sävellykseen Sergein kanssa. S. Prokofjev suoritti 13-vuotiaana pääsykokeet Pietarin konservatorioon. Uransa alussa säveltäjä kiersi ja esiintyi laajasti. Hänen työnsä aiheutti kuitenkin väärinkäsitystä yleisössä. Tämä johtui teosten ominaisuuksista, jotka ilmaistiin seuraavasti:
- modernistinen tyyli;
- vakiintuneiden musiikillisten kanonien tuhoaminen;
- sävellystekniikoiden ylellisyys ja kekseliäisyys
Vuonna 1918 S. Prokofjev lähti ja palasi vasta vuonna 1936. Jo Neuvostoliitossa hän kirjoitti musiikkia elokuviin, oopperoihin ja baletteihin. Mutta kun häntä syytettiin useiden muiden säveltäjien ohella "formalismista", hän käytännössä muutti asumaan maahan, mutta jatkoi musiikkiteosten kirjoittamista. Hänen oopperansa "Sota ja rauha", baletit "Romeo ja Julia", "Tuhkimo" tulivat maailman kulttuurin omaisuudeksi.
Vuosisadan vaihteessa eläneet venäläiset 1900-luvun säveltäjät eivät vain säilyttäneet luovan älymystön edellisen sukupolven perinteitä, vaan loivat myös oman ainutlaatuisen taiteensa, jota varten P.I. Tšaikovski, M.I. Glinka, N.A. Rimski-Korsakov.
TEKSTI: Oleg Sobolev
KUIN MILLÄÄN MULLA KLASSISEEN TAITEEN ALALLA Länsimaailma, akateemisen musiikin historiassa on lukemattomia unohdettuja naisia, jotka ansaitsevat kertoa itsestään. Erityisesti - säveltäjän taiteen historiassa. Jo nyt, kun merkittävien naissäveltäjien määrä kasvaa vuosi vuodelta, tunnetuimpien orkesterien sesonkiaikatauluissa ja tunnetuimpien esiintyjien konserttiohjelmissa on harvoin naisten kirjoittamia teoksia.
Kun naissäveltäjän teos kuitenkin joutuu katsojan tai journalistisen huomion kohteeksi, uutiseen liittyy väistämättä surullisia tilastoja. Tässä tuore esimerkki: Metropolitan-ooppera esitti tällä kaudella Caia Saariahon loistavan "Rakkauden kaukaa" - kuten kävi ilmi, ensimmäisen naisen kirjoittaman oopperan, joka on esitetty tässä teatterissa vuodesta 1903. On lohdullista, että Saariahon sävellyksiä - kuten esimerkiksi Sofia Gubaidulinan tai Julia Wolfin musiikkia - esitetään melko usein myös ilman uutisarvoisia tilaisuuksia.
Muutaman vähän tunnetun musiikillisen sankarin valitseminen suuresta naisnimiluettelosta on vaikea tehtävä. Niillä seitsemällä naisella, joista nyt puhumme, on yksi yhteinen piirre - he eivät tavalla tai toisella sopineet ympäröivään maailmaan. Joku pelkästään oman käyttäytymisensä vuoksi, joka tuhosi kulttuuriperustat, ja joku - musiikkinsa kautta, jolle ei ole analogia.
Louise Farranc
Syntynyt Jeanne-Louise Dumont, hän tuli tunnetuksi 1830- ja 1840-lukujen eurooppalaisessa musiikkimaailmassa pianistina. Lisäksi tytön esiintymismaine oli niin korkea, että Farranc nimitettiin vuonna 1842 pianonsoiton professoriksi Pariisin konservatorioon. Hän toimi tässä virassa seuraavat kolmekymmentä vuotta ja onnistui pedagogisesta työmäärästä huolimatta todistamaan itsensä säveltäjänä. Kuitenkin sen sijaan, että "onnistui näyttämään", mutta "ei voinut näyttää". Farranc tuli tunnetuimmasta kuvanveistäjädynastiasta ja kasvoi pariisilaisen taiteen parhaiden ihmisten joukossa, joten luova itseilmaisu oli hänelle äärimmäisen luonnollista.
Eläessään noin viisikymmentä sävellystä, pääosin instrumentaalista julkaissut Madame Professor sai musiikistaan ylistäviä arvosteluja Berliozilta ja Lisztiltä, mutta kotimaassaan Farrancia pidettiin liian ei-ranskalaisena säveltäjänä. Ranskassa jokainen ensimmäinen lupaava kirjailija raapui monta tuntia oopperaa, ja pariisilaisen lakoniset ja klassisen vaikutelman saaneet teokset olivat todella ristiriidassa silloisen muodin kanssa. Turhaan: hänen parhaat teoksensa - kuten Kolmas sinfonia g-molli - lievästi sanottuna eivät katoa sen ajan mastodonien, kuten Mendelssohnin tai Schumannin, taustalla. Kyllä, ja Brahms, yrittäessään kääntää klassismia romanttisen aikakauden kielelle, Farranc ohitti kymmenen tai jopa kaksikymmentä vuotta.
Dora Pejacevic
Yhden Balkanin jaloimman aatelisperheen edustaja, yhden Kroatian bannin (lue - kuvernöörin) tyttärentytär ja toisen tytär, Dora Pejacevic vietti lapsuutensa ja nuoruutensa aivan kuten tavallisessa maailman popkulttuurissa, josta he pitävät. kuvaa nuorten elämää, jota nuorten aristokraattien perhe vartioi huolellisesti. Tyttö varttui englantilaisten ohjaajien tiukassa valvonnassa, ei melkein kommunikoinut ikätovereidensa kanssa, ja yleensä hänen vanhempansa kasvattivat hänet silmällä pitäen perheen menestyksekästä avioliittoa onnellisen lapsuuden sijaan.
Mutta jotain meni pieleen: teini-ikäisenä Dora syttyi tuleen sosialismin ajatuksiin, alkoi jatkuvasti olla ristiriidassa perheensä kanssa, ja sen seurauksena hänet yli 20-vuotiaana erotettiin muista Pejaceviceista. loppuelämänsä ajan. Tämä kuitenkin hyödytti vain hänen toista intohimoaan: jo ensimmäisen maailmansodan kynnyksellä kapinallinen aatelisnainen asettui kroatialaisen musiikin merkittävimmäksi hahmoksi.
Doran Brahmsin, Schumannin ja Straussin tasaisesti inspiroimat sävellykset kuulostivat äärimmäisen naivilta hänen ympärillään olevan maailman standardeihin nähden - esimerkiksi hänen vanhanaikaisen pianokonserton kantaesityksen aikaan Berliinissä ja Pariisissa he kuuntelivat jo Lunar Pierrot ja The Rite of Spring. Mutta jos jätämme huomioimatta historiallisen kontekstin ja kuuntelemme Pejacevicin musiikkia vilpittömänä rakkauden julistuksena saksalaisille romantikoille, niin hänen ilmeikäs melodiansa, korkeatasoinen orkestrointi ja huolellinen rakennetyönsä huomaa helposti.
Amy Beach
Amy Beachin elämäkerran kuuluisin jakso voidaan kertoa uudelleen seuraavasti. Vuonna 1885, kun hän oli 18-vuotias, Amyn vanhemmat menivät naimisiin 42-vuotiaan Bostonista kotoisin olevan kirurgin kanssa. Tyttö oli tuolloin jo pianovirtuoosi ja toivoi voivansa jatkaa musiikkiopintojaan ja esiintyjäuransa, mutta hänen miehensä päätti toisin. Tohtori Henry Harris Audrey Beach, joka oli huolissaan perheensä asemasta ja ohjattuaan silloisia ajatuksia naisten roolista maallisessa New Englandin yhteiskunnassa, kielsi vaimoaan opiskelemasta musiikkia ja rajoitti hänen esiintymisensä pianistina yhteen konserttiin vuodessa.
Amylle, joka haaveili konserttisaleista ja loppuunmyydyistä konserteista, tämä osoittautui tragediaksi. Mutta kuten usein tapahtuu, tragedia väistyi voitolle: vaikka Beach uhrasi esiintyjäuransa, hän alkoi omistautua yhä enemmän kirjoittamiseen, ja useimmat tutkijat tunnistavat hänet nyt yksiselitteisesti myöhäisromantiikan aikakauden parhaaksi amerikkalaiseksi säveltäjäksi. Hänen kaksi pääteoksensa - vuonna 1896 julkaistu gaelilainen sinfonia ja kolme vuotta myöhemmin sitä seurannut pianokonsertto - ovat todella kauniita, vaikka niiltä vuosien mittapuulla katsottuna omaperäisyys puuttuukin. Tärkeintä on, että Beachin musiikissa, kuten voisi olettaa, ei ole minkäänlaista sijaa maakunnallisuudelle ja seurakunnallisuudelle.
Ruth Crawford Seeger
Ruth Crawford Seeger on paljon kuuluisempi amerikkalaisen kansanmusiikin vakavien fanien, tutkijoiden ja vain ystävien piireissä kuin akateemisen musiikin maailmassa. Miksi? Siihen on kaksi keskeistä syytä: ensinnäkin hän oli musiikkitieteilijän Charles Seegerin vaimo ja siksi Seeger-klaanin esi-isä, muusikoiden ja laulajien perhe, joka teki enemmän amerikkalaisen folkin popularisoimiseksi kuin kukaan muu. Toiseksi hän työskenteli viimeiset kymmenen vuotta elämänsä tiiviisti luetteloimalla ja sovittaen kappaleita, jotka John ja Alan Lomax ovat nauhoittaneet lukuisilla matkoilla, jotka ovat suurimmat amerikkalaiset folkloristit ja kansanmusiikin keräilijät.
Yllättäen sekä Ruth että Charles Seeger olivat yhteiselämänsä alkuun asti äärimmäisen modernistisia säveltäjiä, ja heidän musiikkiinsa oli vaikeaa soveltaa sanaa "folklori". Erityisesti Ruth Crawfordin 30-luvun alun sävellyksiä voidaan verrata vain Anton Webernin teoksiin - ja silloinkin vain taitavasti rakennetun dramaturgian ja lakonisesti keskittyneen musiikkimateriaalin suhteen. Mutta jos Webernin perinteet paistavat läpi jokaisen sävelen – ei väliä, itävaltalainen tai renessanssimusiikki –, niin Seegerin teokset ovat olemassa ikään kuin perinteen ulkopuolella, menneisyyden ja tulevaisuuden ulkopuolella, Amerikan ja muun maailman ulkopuolella. maailman. Miksi säveltäjä, jolla on niin yksilöllinen tyyli, ei edelleenkään sisälly kanoniseen modernistiseen ohjelmistoon? Mysteeri.
Lily Boulanger
Vaikuttaa siltä, millaista musiikkia ikuisesti sairas, syvästi uskonnollinen ja patologisesti vaatimaton korkean yhteiskunnan ranskalainen saattoi säveltää viime vuosisadan alussa? Aivan oikein – sellainen, joka voisi toimia hyvänä soundtrackina Judgment Daylle. Lily Boulangerin parhaat sävellykset on kirjoitettu uskonnollisiin teksteihin, kuten psalmeihin tai buddhalaisiin rukouksiin, useimmiten ne esitetään ikään kuin väärin viritetty kuoro repaleiseen, ei-melodiseen ja äänekkääseen musiikilliseen säestykseen. Tälle musiikille ei voi napata analogia heti - kyllä, se on jossain määrin samanlainen kuin Stravinskyn varhaiset teokset ja Honeggerin erityisen tuliset sävellykset, mutta kumpikaan ei saavuttanut niin epätoivon syvyyksiä eikä mennyt niin äärimmäisyyksiin. fatalismia. Kun Boulanger-perheen ystävä, säveltäjä Gabriel Fauré huomasi, että kolmivuotiaalla Lilyllä oli ehdoton sävelkorkeus, hänen vanhempansa ja vanhempi sisarensa tuskin uskoivat, että tämä lahja muuttuisi joksikin niin epäenkeliksi.
Muuten, siskostani. Nadia Boulanger osoittautui hahmoksi musiikin historiassa, toisin kuin mikään merkittävämpi. Melkein puolen vuosisadan ajan - 20-luvulta 60-luvulle - Nadiaa pidettiin yhtenä planeetan parhaista musiikinopettajista. Nadya, jolla oli hyvin erityiset näkemykset sekä tuolloin uudesta musiikista että musiikista sanan kirjaimellisessa merkityksessä, klassista, kovaa, tinkimätöntä ja uuvuttavaa oppilaitaan vaikeimmissakin tehtävissä, Nadya pysyi esimerkkinä ideologisille vastustajilleenkin. musiikillinen äly, jolla on ennennäkemätön muisti ja voima. Ehkä hänestä olisi voinut tulla yhtä merkittävä säveltäjä kuin hän osoittautui opettajaksi. Joka tapauksessa hän aloitti säveltäjänä - mutta hänen oman tunnustuksensa mukaan Lilyn kuoleman jälkeen jotain hajosi Nadian sisällä. 92 vuotta elänyt vanhempi sisar ei koskaan saavuttanut 24-vuotiaana Crohnin taudista palaneen nuoremman sisarensa muutamien sävellysten korkeuksia.
Elizabeth Maconki
Ralph Vaughan Williams, viime vuosisadan suurin brittiläinen säveltäjä, oli kansallisten musiikillisten perinteiden intohimoinen puolustaja. Joten hän muokkasi innostuneesti kansanlauluja, kirjoitti kuoroteoksia, jotka olivat epäilyttävän samanlaisia kuin anglikaaniset hymnit, ja vaihtelevalla menestyksellä ajatteli uudelleen renessanssin englantilaisten säveltäjien töitä. Hän opetti myös sävellystä Lontoon Royal College of Musicissa, jossa hänen suosikkiopiskelijansa 1920-luvulla oli nuori irlantilainen tyttö nimeltä Elizabeth Maconki. Vuosikymmeniä myöhemmin hän kertoo, että se oli Vaughan Williams, turhaan, että hän oli perinteinen, joka neuvoi häntä olemaan kuuntelematta ketään ja keskittymään musiikin säveltämisessä vain kiinnostuksen kohteisiinsa, makuihinsa ja ajatuksiinsa.
Neuvo osoittautui Maconkille ratkaisevaksi. Hänen musiikkinsa on aina pysynyt koskemattomana sekä akatemian avantgarden globaaleista trendeistä että ikivanhasta anglokelttiläisestä rakkaudesta maalaisfolklooriin. Opiskeluvuosina hän löysi Bela Bartókin (säveltäjä, joka muuten työskenteli myös ilmeisten trendien ulkopuolella), Makonki sävellyksistään hylkäsi luonnollisesti suuren unkarilaisen kypsän musiikin, mutta samalla hän johdonmukaisesti. kehitti oman tyylinsä, paljon intiimimmän ja introspektiivisemmän. Eläviä esimerkkejä Makonkan säveltäjän fantasian omaperäisyydestä ja kehityksestä ovat hänen kolmetoista jousikvartettoaan, jotka on sävelletty vuosina 1933-1984 ja jotka yhdessä muodostavat kvartettikirjallisuuden syklin, joka ei ole millään tavalla huonompi kuin Šostakovitšin tai saman Bartokin.
Vitezslava Kapralova
Muutama vuosi ennen ensimmäistä maailmansotaa huomaamaton tšekkiläinen säveltäjä ja konserttipianisti Vaclav Kapral perusti kotimaassaan Brnoon yksityisen musiikkikoulun pianisteiksi pyrkiville. Koulu jatkoi olemassaoloaan sodan jälkeen ja ansaitsi pian maineen lähes maan parhaana. Opiskelua ja nimenomaan korpraalilta itseltään oppivien virta sai säveltäjän hetkeksikin ajattelemaan kaiken muun toiminnan lopettamista opettamisen hyväksi.
Onneksi hänen tyttärensä Witezslava, joka ei tuolloin ollut vielä juhlinut kymmenvuotissyntymäpäiväänsä, alkoi yhtäkkiä osoittaa poikkeuksellisia musiikillisia kykyjä. Tyttö soitti pianoa paremmin kuin monet aikuiset ammattilaiset, muisti koko klassisen kappaleen ohjelmiston ja alkoi jopa kirjoittaa pieniä kappaleita. Korpraali kehitti ylimielisyyden, tyhmyyden ja kaupallisuuden asteen suhteen yllättävän suunnitelman: kasvattaa Vitezslavasta todellinen musiikin hirviö, joka pystyisi korvaamaan hänet perhekoulun pääopettajana.
Mitään näistä ei tietenkään tapahtunut. Kunnianhimoinen Witezslava, joka halusi säveltäjäksi ja kapellimestariksi, astui 15-vuotiaana paikallisen konservatorion kahteen vastaavaan tiedekuntaan kerralla. Niin että nainen haluaa johtamaan - tätä ei nähty 30-luvun Tšekin tasavallassa ennen Kapralovaa. Ja johtaminen ja säveltäminen samanaikaisesti - se oli yleensä mahdotonta ajatella. Juuri musiikin säveltäminen alunperin aloitti vasta ilmoittautunut opiskelija - lisäksi niin laadukkaasti, tyylillisesti monipuolisesti ja sellaisina volyyminä, että ei oikeastaan ole ketään verrata.
"On todennäköisempää, että mies synnyttää lapsen kuin nainen kirjoittaa hyvää musiikkia", saksalainen säveltäjä Johannes Brahms sanoi kerran. Puolitoista vuosisataa myöhemmin naissäveltäjät kokoavat yhteen maailman suurimmat konserttisalit, kirjoittavat musiikkia elokuviin ja tekevät tärkeitä yhteiskunnallisia aloitteita. "April" yhdessä kosmetiikkabrändin NanoDermin kanssa kertoo naisista, joiden lahjakkuus ja työ auttoivat kumoamaan stereotypian säveltäjän "miesammatista".
1. Konstantinopolin Cassia
Kreikkalainen nunna Cassia syntyi varakkaaseen Konstantinopoliin perheeseen vuonna 804 tai 805. Nykyään hänet tunnetaan paitsi Konstantinopolin luostarin perustajana, myös yhtenä ensimmäisistä naishymnografeista ja säveltäjistä.
Cassia oli erittäin kaunis ja joidenkin lähteiden mukaan vuonna 821 hän jopa osallistui keisari Theophilusin morsiannäyttelyyn. Tytöstä ei ollut tarkoitus tulla keisarin vaimoa, ja pian Cassia otti verhon nunnana viettääkseen koko elämänsä perustamassaan luostarissa. Siellä Cassia sävelsi kirkon hymnejä ja kaanoneja, ja hänen teostensa analyysi, joka sisältää viittauksia muinaisten kirjailijoiden kirjoituksiin, antaa meille mahdollisuuden päätellä, että tytöllä oli hyvä maallinen koulutus.
Cassia of Konstantinopoli on yksi ensimmäisistä säveltäjistä, jonka teoksia voivat esittää nykymuusikot.
2. Hildegard Bingenistä
Saksalainen nunna Hildegard of Bingen oli poikkeuksellinen henkilö paitsi musiikin kirjoittamisen suhteen - hän työskenteli myös luonnontieteitä ja lääketiedettä koskevien teosten parissa, kirjoitti mystisiä visiokirjoja sekä hengellisiä runoja.
Hildegard syntyi 1000-luvun lopulla ja oli aatelisperheen kymmenes lapsi. Kahdeksan vuoden iästä lähtien tyttöä kasvatti nunna, ja 14-vuotiaana hän alkoi asua luostarissa, jossa hän opiskeli taidetta ja liturgiaa.
Tyttö alkoi säveltää musiikkia omille runoilleen lapsena, ja jo aikuisiässä hän keräsi teoksensa kokoelmaan nimeltä "Taivaallisten ilmestysten harmoninen sinfonia". Kokoelma sisältää lauluja, jotka on yhdistetty useisiin liturgisiin aiheisiin liittyviin osiin.
3. Barbara Strozzi
Italialainen säveltäjä Barbara Strozzi, jota myöhemmin kutsuttiin "virtuoosiisimmaksi", oli runoilija Giulio Strozzin avioton tytär, joka myöhemmin adoptoi hänet. Barbaralla itsellään oli neljä aviotonta lasta eri miehiltä. Tyttö syntyi vuonna 1619 Venetsiassa ja opiskeli säveltäjä Francesco Cavallin johdolla.
Strozzi kirjoitti kantaatteja, ariettoja, madrigaaleja, ja hänen tyttärensä teosten tekstit on kirjoittanut hänen isänsä Giulio. Barbarasta tuli ensimmäinen säveltäjä, joka julkaisi teoksiaan ei kokoelmissa, vaan yksi kerrallaan. Barbara Strozzin musiikkia esitetään ja julkaistaan uudelleen tänään.
4. Clara Schumann
Syntynyt Clara Wieck vuonna 1819 Leipzigissä, Friedrich Wieckin, kaupungissa ja maalla tunnetun pianonsoiton opettajan, pojaksi. Varhaisesta iästä lähtien tyttö oppi soittamaan pianoa isältään, ja 10-vuotiaana hän alkoi esiintyä menestyksekkäästi julkisesti.
Clara lähti isänsä kanssa kiertueelle Saksaan ja antoi sitten useita konsertteja Pariisissa. Näihin aikoihin nuori Clara alkoi kirjoittaa musiikkia - hänen ensimmäiset teoksensa julkaistiin vuonna 1829. Samaan aikaan nuoresta Robert Schumannista tuli Friedrich Wieckin oppilas, jonka ihailu opettajan lahjakasta tytärtä kohtaan kasvoi rakkaudeksi.
Vuonna 1940 Clara ja Robert menivät naimisiin. Siitä lähtien tyttö alkoi esittää miehensä kirjoittamaa musiikkia, usein hän oli ensimmäinen, joka esitteli yleisölle Robert Schumannin uusia sävellyksiä. Myös säveltäjä Johannes Brahms, perheen läheinen ystävä, uskoi teoksensa debyyttiesityksen Claralle.
Clara Schumannin omat kirjoitukset erottuivat nykyaikaisuudestaan ja niitä pidettiin yhtenä romanttisen koulukunnan parhaista esimerkeistä. Robert Schumann arvosti myös suuresti vaimonsa kirjoituksia, mutta hän kuitenkin vaati, että hänen vaimonsa keskittyisi perhe-elämään ja heidän kahdeksaan lapseensa.
Robert Schumannin kuoleman jälkeen Clara jatkoi hänen teostensa esittämistä, ja kiinnostus omaan työhönsä syttyi uudella voimalla vuonna 1970, kun Claran sävellyksistä ilmestyi ensimmäisen kerran äänitteitä.
5. Amy Beach
Amerikkalainen Amy Marcy Cheney Beach on ainoa nainen niin sanotussa "Boston Six" -säveltäjäryhmässä, johon kuuluivat hänen lisäksi muusikot John Knowles Payne, Arthur Foote, George Chadwick, Edward McDowell ja Horatio Parker. "Kuuden" säveltäjillä katsotaan olleen ratkaiseva vaikutus amerikkalaisen akateemisen musiikin muodostumiseen.
Amy syntyi 5. syyskuuta 1867 varakkaaseen New Hampshiren perheeseen. Nuoresta iästä lähtien tyttö opiskeli musiikkia äitinsä johdolla, ja perheen Bostoniin muuttamisen jälkeen hän alkoi opiskella myös sävellystä. Amy Beachin ensimmäinen soolokonsertti pidettiin vuonna 1883, ja se oli suuri menestys. Kaksi vuotta myöhemmin tyttö meni naimisiin ja miehensä vaatimuksesta lopetti käytännössä esiintymisen keskittyen musiikin kirjoittamiseen.
Omilla teoksillaan hän esiintyi myöhemmin kiertueella Euroopassa ja Amerikassa, ja nykyään Amy Beachia pidetään ensimmäisenä naisena, joka onnistui tekemään menestyksekkään uran korkean musiikkitaiteen parissa.
6. Valentina Serova
Ensimmäinen venäläinen naissäveltäjä, Valentina Semjonovna Bergman syntyi vuonna 1846 Moskovassa. Tyttö ei onnistunut valmistumaan Pietarin konservatoriosta johtuen konfliktista johtajan kanssa, minkä jälkeen Valentina alkoi ottaa oppitunteja musiikkikriitikolta ja säveltäjältä Alexander Serovilta.
Vuonna 1863 Valentina ja Alexander menivät naimisiin, kaksi vuotta myöhemmin parilla oli poika, tuleva taiteilija Valentin Serov. Vuonna 1867 Serovit alkoivat julkaista "Musiikki ja teatteri" -lehteä. Pari ylläpiti ystävällisiä suhteita Ivan Turgenevin ja Polina Viardotin, Leo Tolstoin, Ilja Repinin kanssa.
Valentina Serova suhtautui melko kunnioittavasti miehensä työskentelyyn, ja hänen kuolemansa jälkeen hän julkaisi neljä osaa artikkeleita miehestään ja valmistui myös hänen oopperansa Vihollisvoimat.
Serova on oopperoiden "Uriel Acosta", "Maria D" Orval, "Miroed", "Ilja Muromets" kirjoittaja. Musiikin lisäksi hän kirjoitti artikkeleita säveltämisestä, julkaisi muistelmia tapaamisista Leo Tolstoin kanssa ja muistoja hänen miehensä ja poikansa.
7. Sofia Gubaidulina
Nykyään venäläinen säveltäjä Sofia Gubaidulina asuu ja työskentelee Saksassa, mutta hänen kotimaassaan Tatarstanissa järjestetään vuosittain musiikkikilpailuja ja festivaaleja, jotka on omistettu tasavallan kuuluisalle synnyinmaalle.
Sofia Gubaidulina syntyi Chistopolissa vuonna 1931. Tytönä hän valmistui Kazanin musiikkikoulusta ja meni sitten Kazanin konservatorioon, jossa hän opiskeli sävellystä. Moskovaan muutettuaan Gubaidulina jatkoi opintojaan Moskovan konservatoriossa, ja valmistumisen jälkeen hän sai tärkeän erosanan säveltäjä Dmitri Šostakovitšilta: "Toivon sinun kulkevan omaa "väärää" tietäsi.
Sofia Gubaidulina oli yhdessä Alfred Schnittken ja Edison Denisovin kanssa yksi Moskovan avantgardisäveltäjien kolminaisuudesta. Gubaidulina työskenteli paljon elokuvan parissa ja kirjoitti musiikkia sellaisille elokuville kuin "Vertical", "Man and His Bird", "Mowgli", "Scarecrow".
Vuonna 1991 Sofia Gubaidulina sai saksalaisen stipendin ja on sen jälkeen asunut Saksassa ja vieraillut säännöllisesti Venäjällä konserteissa, festivaaleilla ja erilaisilla sosiaalisilla aloitteilla.
"Muinaisessa Kreikassa kaikki harpistit olivat miehiä, ja nyt se on "naispuolinen" soitin. Ajat muuttuvat, ja Brahmsin sanat, että "on todennäköisempää, että mies synnyttää lapsen kuin nainen kirjoittaa hyvää musiikkia", kuulostavat kevyeltä", Sofia Asgatovna sanoi haastattelussa.