IN viimasel ajal Meie teatris kerkib üha enam esile lavastaja kuju: kultuuriministeeriumi otsused, mille kohaselt on kogu võim Suure Teatri üle koondunud direktori kätte, vaid kinnitasid seda olukorda. Ja Izvestija otsustas välja mõelda, mida annab teatrile lavastaja kõikvõimsus - kas see on hea või halb ja kuhu see võib viia.
Vestlus sellega, kes valitseb ja valitseb
Felix DEMITŠEV on Stanislavski Moskva Draamateatri direktor. See teater on pikka aega elanud ilma peadirektorita ja Felix Demitšev juhib seda kindla käega: moodustab meeskonna, määrab repertuaaripoliitika ja kutsub lavastajaid. Oma vestlust lavastaja rollist tänapäeva teatris alustas ta nii:
Lavastaja saab olla teatri kunstiline juht, kui ta on hästi koolitatud, haritud, omab kunstimeelt ja organiseerimisvõimet. Kui kunstiliste juhtide rolli täitvad lavastajad oma kohustustega toime tulevad, siis on nad õiges kohas.
Olen töötanud Stanislavski teatri juhina viisteist aastat ja alati koos pealavastajatega. Fakt on see, et mul pole loomingulisi ambitsioone, kuid teatri lavastajal - kunstilisel juhil on need alati olemas. Tulemus on ilmne: märkimisväärne hulk Moskva teatreid eesotsas lugupeetud teatritega, kes on selle nimel palju ära teinud kunstiinimesed, suri kaua aega tagasi. See juhtus seetõttu, et pearežissöörid - kunstilised juhid ei luba endasse noori lavastajaid.
Siin nad seisavad Moskva ümber surnud teatrid, kus kõik tundub korras olevat: on lavastaja, on ka kunstilise juhi ülesandeid täitev pealavastaja... Aga elu neis pole. Ja lavastaja on alati keskendunud teatri edule.
Teatri eesotsas olev lavastaja-juht ei luba midagi halba ega sega midagi head. Oma äri tundev ja teatrit armastav lavastaja paljastab samuti palju.
Kahekümnenda sajandi vene teater tekkis aga autoriteatrina – pealavastajad loovad truppe oma näo ja sarnasuse järgi. Mis juhtub, kui teatri eesotsas on lavastaja?
Hea, kui teatri eesotsas on selline kunstiline juht nagu Georgi Aleksandrovitš Tovstonogov. Aga kelle peamistest lavastajatest - teatrite kunstilistest juhtidest saate täna tema kõrvale panna? Ja teatrit juhtiv lavastaja tundub mulle isiklikult valgustunud monarh - ta annab etendusi mitmesugustele teistesse suundadesse kuuluvatele lavastajatele ega jaga neid enda ja teisteks, talle lähedasteks kooli esindajateks ja kõigile. muidu. On andekaid ja andetuid – see on kõik ja viimaseid ma Stanislavski teatrisse ei lase.
Lavastaja-juht loob teistsuguse teatrimudeli ja sellel on omad plussid. Meil töötab selline kummaline ja superandekas inimene nagu Pjotr Mamonov – ta teeb nüüd oma neljandat projekti. Siin on talle loodud head tingimused, ta saab kõik oma näidata loomingulisi võimalusi, sellepärast ei lahku Mamonov Stanislavski teatrist. Me ei ole nõukogude aja lavastajad, kui inimesed juhtisid vanni- ja pesuvabrikuid ja siis visati nad teatritesse. Teie alandlik teenija on lõpetanud GITISe teatriteaduse teaduskonna majanduse ja teatrikorralduse osakonna ning tuli aastaid tagasi teatrisse ja alustas lavamehena... Ma tean ja armastan teatrit ja loomingulised inimesed
Ma ei dikteeri midagi.
Teatrijuhid on konkreetsed inimesed – nad teavad, et toode, mille nende teatrid loovad, peab olema tarbijale nõutud. Piletid tuleb müüa, etendused peavad end ära tasuma. Tasuvus on hea, aga teatrit ei saa taandada ainult sellele. Vaadake meie repertuaari: kuidas võiks kahest Mirzojevi Shakespeare'i projektist saada hitt? Ta lavastas meiega oma “Hlestakovi”, kui “Kindralinspektorit” näidati lähedal, Puškini teatris, kus nad mängisid väga. kuulsad kunstnikud . Nüüd lavastab noor Viktor Šamirov Sergei Šakuroviga “Maskeraadi”. juhtiv roll
: ta veenis mind, et täna on vaja teha poeetiline, romantiline etendus.
Lavastaja võib teatri hävitada – nagu teine lavastaja – kunstiline juht. Aga lavastajad oskavad teatreid juhtida – sellest räägib kogu maailma kogemus. Ja ma toetan täielikult Shvydkoy otsuseid seoses Suure Teatriga.
Sergei ŽENOVATŠ on üks tänapäeva andekamaid lavastajaid, tal on suured kogemused teatrijuhtidega suhtlemisel. Hiljuti oli ta Malaya Bronnaya Moskva teatri peadirektor ja lahkus sellest pärast konflikti lavastaja, kõige kogenuma ja intelligentseima Ilja Koganiga. Praegune olukord, kus lavastajad juhivad mitut Moskva teatrit (draamateatrid - Stanislavski ja Malaja Bronnaja, Operetiteater) ning Bolshoi teater
Valitsuse määrused muudavad selle olukorra õiguspäraseks, hindab ta järgmiselt: Teatrijuhi anne on sama kordumatu kui näitleja või lavastaja anne või lavakujundaja anne. Lavastaja peab olema andekas organisaator, aga see pole isegi peamine – ta peab kunstnikku armastama. Ja kui tal on see omadus, ei võta ta kunagi kunstilist juhtimist: hea lavastaja ei juhi lavastajat, vaid serveerib tema kunstilist ideed. Parimad perioodid
Vene lavastajateatrit seostatakse nende aegadega, mil lavastaja oli lavastaja kõrval – niipea, kui ta temast kõrgemale tõusis, lagunes teatris kõik. Targad teatrijuhid ise mõistavad seda, kuid kahjuks jääb neid üha harvemaks.
Režissöörid põhjendavad oma õigust troonile sellega, et nüüd "kunstiliidreid pole". See on sügav eksiarvamus – lavastajad ei sünni teatrijuhtideks, vaid saavad nendeks. Peame aitama noortel lavastajatel tunda oma tugevust – ja selleks vajame lavastajat, kes on valmis kunstilist ettevõtmist teenima. See, mis praegu toimub, hävitab loodust ennast kaasaegne teater . Trupi eesotsas oleval lavastajal seda alati pole kunstiline idee . Võimas loomingulised isiksused
Lavastajad väidavad, et kutsuvad lavastustesse erinevaid lavastajaid ja seetõttu läheb nende teatrites kõik viltu... See on veel üks eksiarvamus: ma ei kujuta ette truppi, mis koosneks nii universaalsetest kunstnikest, kellega koos võiksid töötada erinevat teatristiile tunnistavad lavastajad. Tohin küsida, kes neid kunstnikke koolitab?
Räägime Tovstonogovi näitekoolist, Ljubimovi ja Efrose koolist... Need olid NENDE näitlejad, NEMAD tegid nad.
Olles vanaks saanud, ei luba juhtivad lavastajad sageli noori oma teatritesse. Aga kes ütles, et teatrid peaksid elama nelikümmend kuni viiskümmend aastat? Teater tekib siis, kui ilmub lavastaja idee, ja siis, kui viie, seitsme, kümne aasta pärast on see ammendunud, peab tekkima midagi muud... Aga teater saab areneda ainult lavastaja ümber: muidu on see tootmistehas, millel pole midagi teha. etendustega.
- Aga targad režissöörid viitavad ärilisele edule. Vene teater pole kunagi edu nimel töötanud. Tore, kui see on olemas, aga ei pea seda esiplaanile seadma ja iga hinna eest saavutama... Kui teater loodab kassatuludele, pöördub tark ja intelligentne inimene sellest ära - tunneb et lava pehmendab alatuid kirgi. Moskva Kunstiteater oma varajane periood
Ma ei mõelnud kassale. Esimestel aastatel ei olnud saalid alati täis, kogunemisi korraldas ainult “tsaar Fjodor Joannovitš”. Sa ei saa ennast isoleerida ja publikust lahkuda – teater on inimeste jaoks olemas. Kuid mitte kõik ei loe Rilket ja Tjutševit, mitte kõik ei kuula Mozartit, kuid Rilke ja Mozart ei lähe selle pärast halvemaks. Ja seda kõike nimetatakse "kultuuriks". Kui teater ei paelu parimale, mis inimestes on, kui ta ei tee inimest inimeseks, ei kasvata teda parimad omadused
- milleks seda siis üldse vaja on? Seejärel muutub stseen lolliks puhmiks – inimesed kõnnivad ringi ja teevad nägusid, teenides oma väikese raha. Ja siin on tulemus: meie riigis on lakanud ilmumast noored huvitavad dramaturgid, klassikalised tekstid ei ilmu enam ootamatult ja teravalt ning stsenograafias on kriis.
Ja seetõttu on lavastajal teoreetiline õigus Kunstiline juht
Igas loometöös (ka teatris) määrab individuaalsuse palju. Mitu aastakümmet tagasi töötas Moskvas silmapaistev teatrijuht, keda noored enam ei mäleta: Konstantin Izonovitš Šahh-Azizov juhtis Kesklasteteatrit ja suutis organiseerida võimsa lavastajatuumiku, kuhu kuulusid Tovstonogov, Efros, Fomenko, kus töötas Knebel. Mõnda aega sai CDT-st uute teatriideede kasvulava – ja seda juhtis lavastaja.
Läänes juhivad teatreid sageli lavastajad. Ja sageli – humanistid, ülikoolilõpetajad, filoloogid, tugevad mänedžerid, dramaturgid... Ma ei ütleks, et kõik peamised lavastajad – teatrite kunstilised juhid noori oma koju ei luba. See on ka väga individuaalne: nüüd teen oma õpilase Roman Samginiga järjekordset katset. Sel hooajal lavastab ta täiesti iseseisvalt, ilma minu toetuseta Fletcheri komöödiat “Taltsutaja taltsutamine”. On halbu lavastajaid - teatrite kunstilisi juhte ja on halbu lavastajaid... Aga lavastaja - meie teatriringkond sai üsna hiljuti teada - on haruldane elukutse. Varem me nii ei arvanud – igal teatril pidi olema pealavastaja, kes lavastas vähemalt lavastuslikke näidendeid (seda nõudis meilt tsensuuriaparaat). Ja nüüd selgus, et lavastajaid on vähe. Jube napib lavastajaid, kes suudaksid teatrit juhtida. Seetõttu on tõsine, intelligentne, kõrgelt haritud juht teoreetiline seadus
teatrijuhtimiseks.
P.S. Meie teater elab kahes ajamõõtmes: nõukogude oma – oma range võimujaotusega, autoritaarse (ja kohati lihtsalt nõme) ülemuste ja alluvate suhete stiiliga, ministeeriumi eestkoste, eelarvelise rahastamisega – ja tänapäevaga, kus on palju oma võlusid. Tuleb trügida, tuleb tööd teha nii, et vaatajad teatrisse tuleksid, raha tuleb teenida, konkurentsis kolleegidega sammu pidada... Aga häid lavastajaid leitakse aina harvemini, nad ei tee seda. te ei taha tõesti teatreid juhtida – ja siis võtavad lavastajad nad haldusest kulunud kätega pardale. Kuid probleem ei piirdu ainult Moskvaga: sarnased protsessid toimuvad provintsides; Kultuuriministeeriumil on ilmselt ka oma seisukoht toimuvale... Paneme materjalile punkti, aga ei pane teemat kinni: see probleem on ammu käes ja ajaleht pöördub selle juurde tagasi.
Austatud kunstnik
Massiürituste ja loominguliste projektide peadirektor
Teatri kunstiline juht
“...Meid eristab noorus.
Pole tähtis, kui vana sa oled. Kuigi midagi on sees
lööbkoputab, ei lase lõõgastuda, rahuneda,
paneb sind käed laiali sirutama ja lendama, mees
jääb nooreks..."
Aleksei Nastatšenko koos kooliaastaid sidus oma elu kunstiga. Ta osales regulaarselt teatris - stuudios "Madrigal". 1986. aastal lõpetas ta Harkovi riiklik instituut kultuur (praegu KhSAC), režissööri eriala (S.I. Gordejevi kursus). Alates 1986. aastast on ta juhtinud teatristuudiot "Madrigal" ning aastast 1999 on temast saanud professionaalse vabaühenduse kunstiline juht. Noorsooteater"Madrigal".
28 aasta jooksul sai teater Aleksei juhtimisel kuulsaks mitte ainult Harkovis, vaid ka Ukrainas. Esimese korraldamisel ja läbiviimisel osales teater Rahvusvaheline festival"Berezil - 93". 2003. aastal sai temast esimese Üle-Ukraina diplomi võitja noorte festival"Theatron", aastatel 2005-2006. - mitteriiklike teatrite festivali "Kurbalesia" laureaat ja 2004. aastal sai teatrimeeskond sellelt festivalilt peaauhinna.
Aleksei Nastatšenko on lavastanud enam kui 50 etendust, sealhulgas lavastusi, mis põhinevad dramaturgide – klassikute ja kaasaegsete autorite – teostel.
Ta on üks väheseid, kes ei karda teatris muusikale ja show-programme lavastada.
Lavastajana ei loo ta ainult etendusi, vaid on ka massiteatriürituste ja kontsertide korraldaja, stsenarist ja lavastaja. Alates 2000. aastast on ta võtnud osa linna avalikest üritustest - esmalt lavastaja abina, alates 2004. aastast - lavastajana.
Alates 1996. aastast on Aleksei Aleksejevitš õpetanud KhSAC-is ja alates 2003. aastast on ta töötanud vanemõppejõuna. Tema kursuste lõpetajad liitusid edukate noorte režissööride ridadega mitte ainult Harkovis, vaid kogu Ukrainas.
 |
 |
 |
Teatri etendused:
1986 - N. Pavlova “Treiler”
1987 - A. Dudarev “Eraisõdurid”
1987 - B. Vasiljev "Ah, need mustad silmad" - (B. Vasiljevi loo "Veteran" põhjal)
1988 – M. Sebastian “Nimetu täht”
1988 - F. G. Lorca "Don Perlimplini armastus"
1989 - K. Sergienko “Koerad”
1989 - E. Zabolotny “Trepp”
1990 – G. Gorin “Til”
1997 – “Katk, Verona ja armastus” (G. Gorini näidendi “Katk mõlemal majal” ainetel)
1998 – M. Frisch “Don Juan ehk armastus geomeetria vastu”
1999 – G. Gorin “Kuninglikud mängud”
2000 - N. Ptuškina " Argentina tango"Armukadedus"
2000- V. Tokareva “Minu asemel”
2002 – G. Gorin “Jester Balakirev”
2003 - V. Sigarev “Fantoomvalud”
2004 - Yu Rybchinsky rokooper “Valge vares”
2005 - V. Sigarev “Alistu hüpnotisöörile”
2006 - F. G. Lorca "Bernarda Alba maja"
2007 - muusikal "Don Juan"
2009 – G. Gorin "Maja, mis kiiresti ehitati"
2012 – muusikal “Kuningas ja kloun”
2013 - noortedraama "Hingake"
2014 – rokkooper “Jaanituli”
Laste etendused:
"Cipolino ja tema sõbrad"
muusikal "Peter Pan"
muusikal "Pinocchio"
Muusikal "Smaragdlinna võlur"
muusikal - "Bremeni linnamuusikud"
muusikal - "Kai ja Gerda"
saateprogramm "Muinasjuttude karneval"
etendusprogramm "Lasteraamatukogu"
saateprogramm “Maagilised tunnid”
saateprogramm “Juhtumised Svetoforski linnas”
saateprogramm "Babki Yozhki"
saatesaade “Trikk vastu”
saateprogramm “Erakordne ime”
saateprogramm "Fantastilised seiklused muinasjutulises galaktikas".
saateprogramm "Moomiksivärav"
saateprogramm "Pühade meloodia"
saateprogramm "Kuldne käbi"
showprogramm “Tõeliste üllatuste ilutulestik”
saateprogramm “Kuidas Vovka saavutusi tegi”
saateprogramm "Kui imed juhtuvad"
saateprogramm "Maagiline unistus"
saatesaade “Muinasjutt on vale, aga selles on vihje...”
saateprogramm “Imede laat”
Muusikal "Pinocchio"
Muusikal "Reis kunagisele saarele"
Muusikal "Ellie seiklused smaragdlinnas"
Muusikal "Kevadball"
Muusikal "Lumekuninganna"
Muusikal "Seiklus kunagisel saarel"
Muusikal "Võlupeeglite kuningriik"
Fantaasiamuinasjutt "Valge nõid Ladynella" (2015)
Muusikal "Kauge kuningriik"
Fantaasiamuinasjutt "Jäämõõga saladus" (2016)
Fantaasiamuinasjutt "Aja hoidjad" (2017)
Linnapühad, etendused - projektid:
1987 - “Noorte karneval” Artjomi park, Harkov
2000 -2002 - Õllepäeva ruut Harkovi vabadus
2001-2010 – nime saanud lastepäevapark Central Park. Gorki
2004 - Harkovi 350. aastapäeva tähistamise osana"
- "Uute metroojaamade avamine"
Teatrirongkäik “Harkovi ajalugu kostüümides ja arhitektuuris”
Pidulik programm kultuuri- ja kultuurikeskuse nimelises keskpargis. Gorki
2004; 2009 - Harkovi oblasti aruandekontsertide direktori assistent.
2004-2016 - aastavahetus väljakul
2004-2016 Slobožana jõulupuu avamine
2005, 2010 - Slobožanskaja mess
2005-2007 – üliõpilaste päev.
2006 – Burluki juustupäev
2007 - nimelise Kultuuri ja Kultuuri Keskpargi 100. aastapäev. Gorki
2008,2009 - Liivalinna avamine.
2009 - 2013 - Ohvitseride Ball
2010 - 2012 Väikese avamine ja sulgemine olümpiamängud"Harkovi piirkonna lapsed"
2010 - KHATOBis saavutatud võidu 65. aastapäevale pühendatud kontsert
2010, 2011 filmifestival "Harkovi lilla"
2010 – Dinosauruste linna avamine.
2010 - 2013 Harkovi ülikoolide esmakursuslaste initsieerimine üliõpilasteks.
2010 - etnofestival "Pethenezhskoe Pole".
2010 – Euro 2012 maskoti esitlus.
2010 - 2013 Uusaastalaada ja Harkovi peamise jõulupuu avamine väljakul. Vabadus.
2010-2011 — Uusaasta muusikal Harkovi piirkonna lastele spordipalees "Lumekuninganna"
2011 — peadirektor režissöör Harkovis teleprojektis MAYDAH’S, esimene hooaeg.
2011-2012 - uusaastamuusikal Harkovi piirkonna lastele Peter Paani spordipalees.
2011 - 2012 - Linnaosavalitsuste juhtide konkurss
2012 - KVN linnapea karikale Harkovi rasketööstuse tehaste seas
2012 - mängueelsed tseremooniad ja Euro 2012 fännitsooni avamine.
2013 - 2014 - uusaastamuusikal Harkovi piirkonna lastele spordipalees
"Kauge kuningriik"
2013, 2016 - Maslenitsa platsil. Vabadus
2014 - 2015 - uusaastamuusikal Harkovi oblasti lastele nimelises KhNATOiB-s. N.V. Lõssenko "Lumetüdruku ball"
2015 - 2016 - uusaastamuusikal Harkovi oblasti lastele nimelises KhNATOiB-s. N.V. Lõssenko "Lugu unustatud mänguasjadest"
2016 - 2017 - uusaastamuusikal Harkovi oblasti lastele nimelises KhNATOiB-s. N.V. Lõssenko "Maagiline loss"
2017 - 2018 - uusaastamuusikal Harkovi oblasti lastele nimelises KhNATOiB-s. N.V. Lõssenko "Veealuse maailma printsess"
Vähemalt neliteist teatrit sõlmisid aastatel 2013–2017 oma juhtidega üle 60 lepingu kogusummas üle 97 miljoni rubla. üksikisikud või üksikettevõtjad. Teatrid palkasid näitlejateks ja lavastajateks oma kunstilised juhid ning rentisid neilt ka lavastuste jaoks pinda ja rekvisiite.
Nii sai Helikon Opera direktor Dmitri Bertman oma teatrilt keskmiselt ligikaudu 440 tuhat rubla. ühe etenduse lavastamise eest Puškini teatri juht Jevgeni Pisarev - igaüks 480 tuhat rubla, Edela teatri juht Oleg Leushin - igaüks 180 tuhat rubla, Gogoli keskuse juht Kirill Serebrennikov - igaüks 345 tuhat rubla . Oma teatrites näitlemise eest teenisid Oleg Tabakov ja Oleg Menšikov üle 600 tuhande kuus, Nadežda Babkina - 520 tuhat kuus.
Juri Kuklatšov sõlmis oma pojaga kaks ruumide rentimise lepingut 3,76 miljoni rubla eest ning Pavel Slobodkin rentis oma teatri- ja kontserdikeskuse ruume kaheks aastaks ettevõttelt, milles ta omab 50% osalust 38,6 miljoni rubla eest. . Samal ajal jätkasid nad kõik riigiteatrite kunstiliste juhtide palka.
Teatri nimel sõlmisid tehingud reeglina kunstilise juhi asetäitjad. On ilmne, et nad sõltuvad oma vahetutest ülemustest ega saa teha oma huvidega vastuolus olevaid otsuseid. See tähendab, et see ei vabasta teatrijuhte huvide konfliktidest.
Kõik lepingud sõlmitakse mittealternatiivsel alusel – ühe tarnijaga. Lepingu põhjenduses märgiti, et teatrite kunstilised juhid on teistest paremad, et suudavad etendusi lavastada ja neis rolle täita.
Üksikettevõtja Jevgeni Pisarev esineb Jevgeni Pisarevi lavastatud näidendis (foto Puškini teatri veebisaidilt)
Lisaks tundub keeruline kinnitamise fakti kontrollida: hüpoteetiliselt saavad teatrijuhid kultuuriosakonnaga tehinguid kooskõlastada tagasiulatuvalt pärast seda, kui on saanud prokuratuurilt tehingute kohta dokumentide esitamise taotluse.
Näiteks näidati Jevgeni Marcelli näidendit “Roheline tsoon” enne Vene Föderatsiooni kultuuriministeeriumi heakskiitu.
Saagem aru teatrijuhi elukutse saladustest
10.09. 2016
Dramaturgias on lavavälised tegelased tegelased, kes lavale ei ilmu – teised tegelased ainult räägivad neist. Need “nähtamatud kangelased” võivad aga näidendis mängida väga tõsist rolli. Just sellise assotsiatsiooni tekitab teatrijuht. Kui vaatajad on harjunud nägema näitlejaid, lavastajaid ning mõnikord ka kunstnikke ja heliloojaid kummardamas, siis teatrijuhi töö jääb alati "kulisside taha". Meie materjal on pühendatud sellele nähtamatule käele, mis juhib "teatri orkestrit". Tema kangelane on RAMT direktor Sofya Apfelbaum.
– Sofia Mihhailovna, teie professionaalne elulugu on alati teatriga seotud olnud, lõpetasid kooli teatriülikool, aga miks ei saanud teist kunstnikku, nagu kõik tüdrukud unistavad, vaid otsustasite saada teatrijuhiks?
- Ma ei ütleks, et kõik tüdrukud unistavad näitlejakarjäär. Kui vaadata tootmisteaduskondade kontingenti teatriinstituudid, siis on need enamasti tüdrukud. Sinna tulevad inimesed, keda ühelt poolt huvitab kunst, teisalt aga majanduse, õiguse ja tootmise süntees.
– Kas RATI-GITISe tootmisosakonnas õpetatakse kultuuriasutuse juhiks olemist?
– Ükskõik kui banaalselt see ka ei kõlaks, vaevalt nad seda seal õpetada saavad. Loomulikult õpetavad praktikud, kuid keegi ei hakka kohe pärast ülikooli lõpetamist direktoriks. Teatri juhtimiseks on vaja elu- ja töökogemust. See kõlab iseenesest isegi väljakutsuvalt: "Ma tahan saada teatrijuhiks!" Koolitus käib läbi juhtimise, alustades kõigest madal tase. Juba esimesel-teisel kursusel käivad tudengid teatrites praktikal ja festivalidel tööl. Inimene peab ise läbima kõik teatriäri korraldamise etapid, et aru saada, kuidas süsteem toimib. Tulin praktikale Moskva Kunstiteatrisse ja jäin sinna paralleelselt õpingutega tööle. Ei midagi üleloomulikku, kõik teevad seda.
– Mida teete täna teatrijuhina? Millised on teie kohustused ja volitused?
– Sellele küsimusele vastamiseks peate kohe selgitama, et teatri juhtimisel on kaks peamist mudelit.
Esimene on käsu ühtsus, kui eesotsas on üks inimene: kas kunstiline juht või lavastaja. Ta kannab täit vastutust teatri eest: nii kunstilise komponendi kui ka korralduse, majanduse, katuseremondi ja kõige muu eest.
Teine mudel ei ole tänapäevase seadusandluse seisukohast täiesti õige, kuid sellegipoolest kasutatakse seda paljudes teatrites. Eelkõige kõigis Moskva omades. Selle mudeli puhul on kunstilise juhi ja lavastaja vahel võimude jaotus. Kunstiline juht tegeleb eranditult loovusega. Direktor vastutab organisatsiooniliste küsimuste ja majanduse eest. Sellise mudeli klassikalise näitena meenutatakse sageli Stanislavski ja Nemirovitš-Dantšenko liitu. Kuigi tegelikult mõistis Stanislavski majandust väga hästi ning Nemirovitš-Dantšenko oli lavastaja ja paljude näidendite autor. Arvatakse, et kunstiliste ja organisatsiooniliste põhimõtete eraldamine tõstab töö efektiivsust, kuigi sageli kaasnevad sellega konfliktid.
Provintsides on levinum lavastaja teatrimudel, kus lavastaja on peamine ja ta kutsub peadirektori. Kuid teoreetikute sõnul pole see loomingulise arengu jaoks kuigi tõhus. Mida iganes võib öelda, arvakem kõik, et mõistame kunsti, kuid eesotsas loominguline meeskond loomingulised inimesed peavad seisma.
Meie teatrit juhib kunstiline juht. Harta kohaselt on tal täielikud volitused. Aga tegelikult delegeerib kunstiline juht kõik korraldusega seotud küsimused direktorile. Ja see on suurepärane, et Aleksei Vladimirovitš ( A.V Borodin, RAMT kunstiline juht - u. toim.) võtab enda kanda kõige keerulisem osa, mis on seotud repertuaari määramise, kunstnikega töötamise, loovpersonali valiku ja muu sellisega, kuna ei piisa ainult efektiivsusest, nagu seda teeb lavastaja. Aleksei Vladimirovitši kunstiline nägemus ja elegants on väga olulised.
–
Sa puudutasid palju huvitav küsimus– tõhus juhtimine. Sisuliselt elab teater samade finantsseaduste järgi nagu naftafirma. Kuid tõhususest rääkimine tähendab etenduskunstid, keel ei pöördu. Kuidas leida nende vahel kompromiss loominguline edu ja rahaline? Kuidas saab kasumile mõeldes kunsti meelde jätta?
– Muidugi, nagu naftafirma mitte ainult ei pumpa õli, vaid esindab ka meeskonda, kus on vaja suhteid luua, nii ei tegele meiegi ainult kunstiga: vaja on müüa ka pileteid, tagada ruumide täituvus. saali, täita näitajad, mida meilt nõutakse, maksta palka, teha remonti jne. Üldiselt on meie vahel midagi ühist. Aga me ravime mittetulundusühingud, meie jaoks ei ole kasum ja tulude kasv põhinäitaja - see on erinevus. Kuigi see on halb kaas, et "me teeme ainult kunsti, ärge puudutage meid oma numbritega."
– Teater on kultuuriasutus. Kas sõna stabiilsus kehtib selle kohta? Millised selle komponendid võivad ja peaksid olema stabiilsed ning kuidas seda stabiilsust säilitada?
– Meil on repertuaariteater. Seda nimetatakse itaalia keeles "stazionario". Ja Ameerikas on mõiste "statsionaarne teater". See tähendab, et need ei ole ühekordsed väikesed teatrid: nad kogunesid, mängisid ja jooksid minema - mis on üldiselt loomulik. loominguline protsess. Meie puhul valitseb stabiilsus. Kuid meid mõjutavad ka olukord riigis ja majanduskõikumised. Me tunneme seda, sest saame eelarvest rahalisi vahendeid, mis sõltuvad muu hulgas naftast. Sellegipoolest kuulume privilegeeritud teatrite hulka ja seetõttu on meil teatud järjepidevus.
— Ma saan sellest õigesti aru peamine probleem teatrijuht – kust raha leida? Kuidas te teatri eelarvet prognoosite? ja millest see koosneb?
– Meil on eelarveraha, see ei ole liiga suur, aga jumal tänatud, et seda ei vähendata samas tempos, kui võiks.
- Kes määrab suuruse? Riik või on teatri palve?
– Mõni aeg tagasi süsteem muutus, ma lahkusin föderaalseadus nr 83, mis tutvustas kontseptsiooni valitsuse ülesanne. Aga teatri jaoks pole sisuliselt palju muutunud. Nii teatas kultuuriministeerium, et nüüd antakse raha vaataja kohta. Ja enne, kui nad meile esinemistele andsid. Sel aastal anti meile tegelikult rahastus, mis on jaotatud vaatajate arvu järgi, kuid summa ei muutunud. Standard on välja arvutatud.
Eelarve rahastamine on vahendite olemasolu küsimus. Kui riik rohkem raha, siis saab rahastamist suurendada. Kuigi praktikas on see raske.
Suur positiivne trend ilmnes siis, kui presidendi toetusi suurimad teatrid, muusikaasutused, õppeasutused. 2016. aastal avaldati nimekiri, mis sisaldab 83 organisatsiooni. Meie teater on sellesse nimekirja kantud. See aitab muidugi palju. Lisaks on alates 2012. aastast presidendi dekreediga raha eraldatud palkade tõstmiseks, see suurendab ka meie rahastamist.
– Millised vahendid on teatril peale riigieelarve?
- Kõik, mida me teenime. Põhiline on piletite müük, lisaks pakume võimalusel saali rentimiseks. Näiteks suvel on meie teatris “ Balleti hooajad", kuna meil on vajalik ruum ja orkestri auk. Üldiselt on RAMT maja ooperi- ja balletiteater. On ka pisiasju, näiteks tarkvara müük, kuid see kõik on ebaoluline.
– Kas esitate ministeeriumile pealtvaatajate arvu aruandeid?
– Esitame praegu palju aruandeid. Kui palju vaatajaid, milline on keskmine piletihind, kui palju etendusi. Nende andmete põhjal koostatakse sama finantseerimisstandard.
– Kui riik eraldab teatrile eelarvevahenditest, kas see võib dikteerida teatud käitumisstrateegiat, repertuaari sisu?
- Ei, sellist asja pole. See on määratud Venemaa kultuurialaste õigusaktidega. Nüüd näeb meie riiklik ülesanne välja selline: peame teenindama 125 tuhat pealtvaatajat.
Kas valitsus sekkub? See on kõigi noorteteatrite probleem. Kui Natalja Iljinitšna Sats lõi Moskva lasteteatri, oli selle eesmärk töötada laste ja noorte huvides. Kuid tekib küsimus: kuidas saab teater sellises olukorras eksisteerida, sest on ju kunstnikke, kes vajavad loominguline areng. Nad ei saa mängida kogu elu samu rolle. Nii see sees oli nõukogude aeg, ja praegugi ilmuvad vahel kummalised nõudmised: “Mida sa teed? Sa peaksid kooli õppekava näidake seda lastele, et nad ei loeks neile ette, vaid tulge vaatama." Seda juhtub provintsi teatrites väga sageli. Õpetajad tulevad ja ütlevad: "Andke meile kooli õppekava." See on väga lihtsustatud vaade sellest, mida laste- ja noorteteater peaks tegema.
Kuigi siin on vaja täpsustada, et oleme ainsana suunatud noortele draamateater Föderaalne jurisdiktsioon, meil pole veel selliseid probleeme. Me ei tunne kontrolli.
– Olete juba öelnud, et kunstiline juht on seotud kunstilise komponendiga, aga kas olete lavastajana seotud repertuaari valikuga?
– Arutleme selle üle, kui palju etendusi on aastas pealaval vaja lavastada ja kas neid on võimalik väikestel lavadel üheaegselt lavastada. Vaatame teatri võimalusi. lahendan peamiselt korralduslikke küsimusi; ja repertuaaripoliitika määrab kunstiline juht. Teine küsimus on see, et mõnikord tekivad ületamatud takistused. Ütleme nii me räägime välismaise näidendi kohta, mille jaoks on õigusi vaja. Siin saan lavastajana öelda: "Ei, me ei saa seda praegu lavastada," sest kas ei ole võimalik õigusi omandada või seavad õiguste valdajad liiga palju tingimusi.
– Kas mõtlete sellele, kuidas etendust müüakse? Kui edukas see majanduslikult on? Kas see läheb loovuse vastu?
– See on peamine dilemma. Väga harva õnnestub tõeliselt tähendusrikas, kunstiline ilmutus ja selle populaarsus vaatajate seas edukalt ühendada. Näiteks kui me võtame Kunstiteater, siis ei olnud kõigi lemmiklavastus “Kajakas” äriliselt edukas. Võrreldes esimese etendusega “Tsaar Fjodor Joannovitš”, millel teater elas, oli “Kajakas” omamoodi eksperiment, edasiliikumine.
Minu arvates peaks repertuaaris olema nii kassalavastusi kui ka selliseid, mis teatreid edasi viivad, kuigi äriliselt nii edukad pole. Püüame seda tasakaalu säilitada. Tänapäeval ollakse harjunud ainult teatris lõbutsema ning meie etendus “Elektra saatus” nõuab vaatajalt pingutust ja tööd. Ei saa öelda, et tegemist on kassaeduga, kuid sellegipoolest säilitame selle esituse. See võimaldab meil kõrgel püsida kunstiline tase. Kui me räägime projektiteatrist (nagu Broadwayl), siis nad lihtsalt filmivad etendust seal, kui see ei lähe edasi. Siiski sisse repertuaariteater pole vaja, et esilinastus õnnestuks. Tunnustus võib tulla aasta või isegi kahe pärast: võid lasta sooritusel areneda. See on repertuaariteatri täiesti hämmastav omadus.
– Muide, esilinastuste kohta. Kas teie arvates on esietenduste arv teatri edu näitaja?
– Tavaliselt tõstatab selle küsimuse kultuuriministeerium teatri tulemuslikkust hinnates. Teatrirahvas aga seisab vastu, kuna kunsti puhul ei näita kvantitatiivsed näitajad tulemuslikkust.
Muidugi, kui on uusi teoseid, on see arengu näitaja. Muidu teater ei püsi. “Juno ja Avos” on aga kestnud juba üle kolmekümne aasta. Kas see pole mitte näitaja, et ta - hea esitus, kas see talub kuumust kolmkümmend aastat? “Erakordne kontsert” Obraztsovi teatris on 70 aastat vana, rääkimata etendusest “ sinine lind"Moskva Kunstiteatris. Kui sõnastada oma teatri seisukoht, siis leiame, et esietendusi peaks vaatamata majanduslikele raskustele tulema palju.
– Mis on teatrile majanduslikust aspektist tulusam: hoida pikaealisi etendusi või lavastada uusi etendusi?
- Kui võtate väike linn- seal on kõik selge. Publik on kurnatud – uut repertuaari on vaja. IN suur linn saate endale toetust lubada vana esitus kui hästi läheb. See on tasuv. Kuid paratamatult saabub periood, mil lavastus moraalselt vananeb, artistid kasvavad sellest justkui välja: igal etendusel on oma vanus. Mis puutub uuslavastustesse, siis täna on see teatrile suur väljaminek, aga ilma nendeta teater ei arene.
Siinkohal on vaja selgitada, et “katusturunduse” mõiste on rakendatav teatrile. Me reklaamime mitte ainult iga uus esitus, aga ka teater kui bränd üldiselt. Küsimus on selles, kes keda köidab. Kas teatri nimi tagab etenduse õnnestumise või toovad brändideks kujunevad etendused teatrisse uus taseülestunnistused? Ja siin tuleb valida strateegia: kas reklaamime teatrit kui kaubamärki või üksikuid etendusi, mille kaudu teater on tunnustatud.
– Mis on RAMTi strateegia?
– Meie teatris on igal etendusel oma lugu. Näiteks etenduse “Lilled Algernonile” publik jäi pärast etendust teatrisse. Lastelavastustega on aga vastupidi: brändil on suurem mõju. Pealtvaatajad teavad, et RAMTis on head lasteetendused. Või seesama “Utoopia rannik”: nüüd on kaheksatunnine etendus meie kaubamärk. Ja algul oli see täiesti tundmatu näidend, kuhu tulid ainult asjatundjad. Loomulikult on meie artistide meediakajastuse tõttu kassades hüppeid. Näiteks juhtus see pärast sarja “Don’t Be Born Beautiful” ilmumist. Kuid sellist hiilgust me taga ei aja. RAMT ei kuulu nende teatrite hulka, kes eeldab, et meediakunstnik tuleks ja teeks kõik meie eest ära. Meid ei kutsuta noorteteatriks mitte ainult publiku, vaid ka loominguliste töötajate pärast: keskeas meie kunstnike vanus ei ületa kolmekümmend aastat. See tähendab, et definitsiooni järgi ei saa meil tähti olla.
– Millistest kriteeriumitest teater etenduse filmimisel lähtub?
– Nüüd on meil projekti “Noored lavastajad lastele” raames ülesanne uuendada lastelavastuste koosseisu. Algul anti välja neli etendust kammerlava ja me ei peatu sellega. Mõistame, et vajame tänapäeva lastele uut sisu, hoopis teistsugust tootmistaset. Lasteetendused on traditsioonilises mõttes matiinid, kus klassid istuvad piletitega 100 rubla. Meil on hoopis teine lähenemine: väga oluline on, et lapsed tuleksid koos vanematega, et ka täiskasvanutel oleks huvi. Meie uuslavastuste hulgas on Deniska lood ja Jänes Edward. Need erinevad oluliselt nii kujunduselt kui visuaalselt traditsioonilistest lastelavastustest.
Mis puudutab täiskasvanute repertuaari, siis eelmisel aastal hukkus meie artist traagiliselt. Mõnda etendust otsustati filmida, et mitte tuua neisse uusi näitlejaid. Meie teatril on üldiselt väga vähe asendusi. Kui üks inimene proovib, siis ta mängib seda.
Paljud asjad taanduvad jällegi finantsidele. Kaunistuste hoidmine ja transportimine on väga kulukas. Teatris pole piisavalt ruume - need tuleb rentida. Lisaks on 50 etendusega repertuaar palju. Ma ei tea, kas Moskvas on veel ühtegi draamateatrit, mille repertuaaris on nii palju nimesid. Võib-olla Maly teatris, Moskva Kunstiteatris... Tänapäeval laenatud süsteem muusikateatrid, kui etendusi tehakse plokkide kaupa kord poole aasta või aasta tagant ja siis lähevad nad lattu. Ja meie 50 etendust ei lahku kunagi lavalt.
– Kuna teater on suur tehas, mis toodab toodet etenduste vormis, tuleb see toode maha müüa. Mil määral selles küsimuses teater käib Kas see käib ajaga kaasas ja kasutab müügiturunduse uusi edusamme?
– Püüame jälgida ja rakendada uusi asju, mis selles vallas ilmuvad. Meil on spetsiaalsed programmid, mis aitavad meie müüki veebis jälgida. Hiljuti tutvustasime oma piletimüüki Internetis. Tegelikult pole turustuskanaleid palju, kuid me ei keeldu ühestki. Isegi traditsioonilistest, mis on jäänud nõukogude ajast.
– Kas sa mõtled piletiturustajaid?
– Jah, nad töötavad ka meie teatri heaks. Kuid ilmselgelt läheb aja jooksul kõik veebimüügiks.
Ka selles süsteemis on praegu palju erinevad pakkumised. Näiteks agressiivne turundus. Ma ei tea, kui õige see teatri jaoks on: inimene ostab meilt pileti ja me hakkame teda metsiku hulga pakkumistega pommitama. Kuigi teisest küljest pole sellest midagi hullu, kui see inimene meie teatrit armastab ja selle vastu huvi tunneb. Miks me siis ei ütle talle, et meil on edutamine või esilinastus? Ilmselt peaks siingi mõõdukuse küsimus olema. Kui ostate meie pileti linnapiletite portaalist, saadetakse teile teated RAMT uudiste kohta. Aga meie ei tee seda, seda teeb kassa. Aga kas on vaja, et teater tegutseks sama aktiivselt ja agressiivselt?
– Kas keskendute teiste teatrite kogemustele või lähete turundusküsimustes oma teed?
– Muidugi vaatame ringi, sest on rumal teatrit isoleerida ja mitte pöörata tähelepanu teiste inimeste edukatele otsustele. Teine küsimus on see, et see, mida teistes teatrites edukalt kasutatakse, ei sobi meile alati. Aga mõnes mõttes, ma tean kindlalt, oleme paremad ja teistest teatritest ees. Ja kuskil nad keskenduvad meile, mis on tore.
– Hoolimata sellest, et olete üsna pragmaatilisel positsioonil - olete sunnitud tegelema rahaga, lahendama materiaalseid küsimusi -, kas peate end kunstiinimeseks?
– Tahaksin kaaluda ja mõelda, et ka teil on loomeprotsessiga midagi pistmist. Kuid sellegipoolest on vaja neid kahte sfääri eristada. Juhtub, et lavastajad peavad end kunstiinimesteks – ja see on omal moel ohtlik. Sest sa võid hakata arvama, et tead ja mõistad seda paremini kui teised. Ja kuna teile on antud võim, ei too see kaasa häid tulemusi. Ma arvan, et igaüks peaks oma asjadega tegelema.
– Mis on lavastaja rutiin? Milliseid probleeme peate päeva jooksul lahendama? Näitlejate tööpäev lõpeb pärast etendust ja millal see teie jaoks lõpeb?
– See algab kell 10 hommikul ja võib lõppeda, nagu näitlejate puhul, kell 22. See on töö spetsiifika. Kogu korralduslik ja majandusplokk töötab kuni kella 18:00-ni. Ja kõik, mis puudutab loomingulist osa, on õhtul. Seetõttu saabki lavastaja sellise dimensioonitu tööpäeva.
– Kas teil on võimalik oma volitusi osaliselt delegeerida?
- Tingimata. Lavastaja kontrollib järgmisi plokke: organisatsiooniline ja majanduslik (raamatupidamine, juristid, personaliosakond), töö publikuga, lavastus, etenduste tootmine, dekoratsioonide säilitamine. See on standardskeem. Nagu igas juhtkonnas, peavad 7 inimest alluma otse direktorile. Teatris on samamoodi.
– Kas ja miks on mingeid kohustusi, mida te ei saa kellelegi delegeerida?
– Kahjuks on teater üles ehitatud nii, et paljusid küsimusi ei saa delegeerida. Palju edasi käsitsi juhtimine. Teoreetiliselt on nii, et kui kõik töötab õigesti, siis näiteks tuuril pole lavastajat vaja, aga...
– ... Kas te ikka reisite teatriga?
- Oleneb tuurist. Kui need on hästi kulunud, kui kõik on enam-vähem selge, siis ei. Lavastajatöö on oluline ettevalmistav etapp: otsusta, nõustu, otsusta, milline grupp läheb. Minu arvates viitab see lihtsalt reguleerimata struktuurile, kui lavastaja jookseb ringi ja üritab meeletult tuuril midagi teha. Ma püüan selle vastu võidelda.
- Kas sa pead ennast range juht?
"Ma tahan nii mõelda, aga ma ei saa." Ei, ma ei usu.
– Kas kunstiinimesed vajavad erilist lähenemist? Kui jah, siis milline?
– Muidugi on see eriline ala. Ütleme nii, et artistide valikul ja etenduse loomisel on oluline, et eesotsas oleks autoriteetne kunstiline juht. Kui suunate kunstnikud ainult lavastaja juurde ja lavastajad on külas, siis see reeglina loomingulist efekti ei anna.
– Lisaks etenduste produtseerimisele tegeleb RAMT suur hulk muud publikule ja teatrispetsialistidele suunatud projektid. Kas uued projektid ja programmid RAMT-s käivitatakse ülevalt või viiakse ellu töötajate initsiatiivil? Mis on peamine kriteerium, mille alusel annate projektile heakskiidu?
- Peate mõistma, et RAMT-il on eriline ajalugu, pedagoogiline töö on siin läbi viidud nõukogude ajast. Nüüd on see ümber kujundatud vastavalt tänapäevale ja seda tehakse väga aktiivselt. Meil on vaatajaklubid, mis tegelevad haridusprojektidega, õpetavad lastele etendust vaatama, õpetavad neile teatrikeelt ja selgitavad, et näidend ei ole illustratsioon.
Algatused ilmuvad erinevalt: osa on töötajate poolt välja pakutud, osa tuleb väljastpoolt: näiteks tegi ministeerium ettepaneku teha RAMT-s koostööd piirkondlike noorteteatritega. Aga parem on, kui kõik sünnib loomulikult.
Tatjana Popadjeva