Vene koreograaf Prantsusmaalt 6 kirja. Pierre Lacotte on kuulus prantsuse tantsija ja koreograaf. Vaadake, mis on "prantsuse ballett" teistes sõnaraamatutes

Prantsuse ballett PRANTSUSE BALLET. Võrreldaval ajal Prantsusmaal oli tants osa rahvatantsust. mängud ja kirik pidustused Alates 14. sajandist ta arvati mägedesse. teatrietendused ja palee vahepalad, mõnikord vahestseenide kujul. 15. sajandil Turniiridel ja festivalidel esitati tantsudega "Momeriasid". Prof. tants aastal Võrdlevad sajandid arenes žonglööride kunstis folklooripõhiselt. Teine allikas oli seltskonnatantsud(bassdans) palee pidustustest. Erinevate pidulike meelelahutuste põhjal kujunes lõplikult valminud etenduse vorm. 16. sajandil nimi "ballett". Palee pidustuste korraldajad, itaallane. tantsumeistrid, kes valdasid 16. sajandil Itaalias väljakujunenud kultuuri. tantsida koolis, olid etenduste lavastajad. Baltazarini di Belgiojoso (Balthazar de Beaujoyeux) lavastatud “Poola saadikute ballett” (1573) ja “Kuninganna komöödia ballett” (1581) olid esimesed täieõiguslikud näited uuest järjestikku arenevast lavastusžanrist. tegevus, mis sisaldas sõnu, muusikat ja tantsu.

Kogu 17. sajandi jooksul. "Õukonnaballeti" arendamine kestis mitu aastat. etapid. Aastal 160010 olid need “maskeraadiballetid” (“Saint-Germaini messi maskeraadid”, 1606), aastal 16101620 “melodramaatilised balletid” koos lauluga, mis põhinesid mütoloogilisel. lood ja lavastused kirjandus ("Argonautide ballett", 1614; "Rolandi hullus", 1618), kestis seejärel lõpuni. 17. sajandil "ballets in exit" ("Royal Ballet of the Night", 1653). Nende esinejateks olid õukondlased (165170. aastal kuningas Louis XIV) ja prof. tantsijad "baladens". 1660.-70. aastatel. Moliere koos komp. J. B. Lully ja ballett. P. Beauchamp lõi “komöödia-balleti” žanri (“Burgeois in the Aadel”, 1670), kus tants oli dramatiseeritud ja läbi imbunud uusajast. sisu. 1661. aastal juhtis Beauchamp Kuninglikku Tantsuakadeemiat ( eksisteeris kuni 1780. aastani ), mille eesmärk oli reguleerida balletitantsu vorme ja terminoloogiat, mis hakkas arenema klassikaliseks süsteemiks. tantsida. Muuseum asutati 1669. aastal ja avati 1671. aastal. t-r Kuninglik Muusikaakadeemia, mida 1672. aastal juhtis Lully. Tema ooperites ("lüürilised tragöödiad"), mis järk-järgult asendasid õukonnaballeti, oli tants allutatud. Kuid etenduse sees toimus tantsu professionaalsemaks muutmise protsess, selle vormide lihvimine Beauchampi, tantsija G. L. Pekuri ja prof. tantsijad (ja teised.>.), kes esmakordselt esinesid 1681. aastal Lully balletis "Armastuse triumf". K con. 17. sajandil koreograafia saavutused kajastuvad teoreetilises K. F. Ménétrier ("Antud ja modernsetest ballettidest teatriseaduste järgi", 1682) ja R. Feuillet' teosed ("Koreograafia ja tantsu salvestamise kunst", 1700). 17.-18. sajandi vahetusel. Kuulsust kogusid tantsijad N. Blondie ja J. Balon ning tantsija M. T. de Subligny.

Muusika t-r 2. korrus. 17-18 sajandit oli klassitsistlik, kuid balletis säilisid selle aeglase arengu tõttu kaua baroki jooned. Etendused jäid lopsakaks ja kohmakaks, puudu jäi stilistilisest ühtsusest.

18. sajandi alguses. sisse on näha stagnatsiooni märke ideoloogiline ja kujundlik sisu ballett tantsutehnika edasise rikastamisega. Üldine arengusuund balletitants 18. sajandil enesemääramise soov, tervikliku etenduse loomine, mille sisu väljenduks pantomiimi ja tantsu kaudu. Vanad vormid säilisid aga 18. sajandi jooksul, eriti Kuningliku Muusikaakadeemia laval, põhjustades valgustusajastu kriitikat (D. Diderot jt). Alguses. 18. sajand need olid 30ndatest pärit galantsed pastoraalid. ooperite ja ballettide komp. J. F. Rameau ("Gallant India", 1735), kus tants ilmus endiselt süžeega lõdvalt seotud väljapääsudena. Nendes etendustes said tuntuks virtuoossed esinejad: tantsija M. Camargo, tantsija L. Dupre, vend ja õde Lani. Püüab draamat edasi anda läbi tantsu. sisu visandati tantsija F. Prevosti teoses (P. Corneille'i "The Horatii" episoodi süžee pantomiim J. J. Mouret' muusikale, 1714; "Tantsu tegelased" J. F. muusikale. Rebel, 1715) ja eriti M. Salle, kes töötas koos Londoni Kuningliku Muusikaakadeemiaga, lavastasid seal iidsetel aegadel “dramaatilisi aktsioone”. teemasid ("Pygmalion", 1734).

Valgustusajastu ideede mõjul andis meelelahutus kõige edumeelsemate balletifiguuride loomingus teed “looduse jäljendamisele”, mis eeldas karakterite loomulikkust ja tunnete tõesust. Nendel katsetel oli aga raskusi Kuningliku Muusikaakadeemia lavale pääsemisega. Balletikooli suure reformija J. J. Novera tegevus toimus väljaspool seda kooli ja osaliselt väljaspool Prantsusmaad (Stuttgart, Viin, London). Balletireformi põhimõtted pani Nover välja teoreetilises vormis. teos "Kirjad tantsust ja ballettidest" (1. tr., 1760). Tema valgustusajastu ideede mõjul loodud balletid ei olnud meelelahutuslik etendus, vaid tõsine teater. etendused, mis põhinevad sageli klassitsistlikel tragöödiatel. Need olid terviklikud, tegelaste tegevust ja kogemusi väljendati koreograafia (peamiselt pantomiimi) vahenditega, ilma sõnade osaluseta. Kuninglikus Muusikaakadeemias lavastati 1776. aastal78 tema Rodolphe'i "Medea ja Jason" ja "Appeles ja Campaspe", Granier' "Horace" ja Mozarti "Knick-knacks". 2. poolajal. 18. sajand mitmed koreograafid tegid oma katseid Pariisi teatris Itaalia komöödia ning Lyoni ja Bordeaux’ teatrites. Novera järgija J. Dauberval töötas Bordeaux’s, uut tüüpi balletikomöödia looja (“ Mõttetu ettevaatusabinõu", 1789). 18. sajandi lõpul said tuntuks tantsijad M. Guimard, M. Allard, A. Heinel, Theodore ning tantsijad G. Vestris, M. ja P. Gardel ning Dauberval.

Alates 80ndatest 18. sajand kuni 20ndateni 19. sajand Muusikaakadeemia trupi (mis aastatel 1789–1814 mitu korda nime muutis) juhtis P. Gardel. Repertuaari kuulusid tema balletid (Milleri "Telemachus" ja "Psyche", 1790; Meguli "Dancemania", 1800; Kreutzeri "Paul ja Virginia", 1806) ja L. Miloni balletid ("Nina" Persuy pärast Daleyrakit, 1813; "Veneetsia karneval" Kreutzeri Persuy muusikale, 1816). 20ndatel Esitati J. Ohmeri ballette: Heroldi "Vain Precaution" Daubervali järgi (1828), Heroldi "La Sonnambula" (1827), Halévy "Manon Lescaut" (1830). 1780. ja 1810. aastate esinejatelt. Eriti kuulus oli O. Vestris 10.-20. tantsijad M. Gardel, E. Bigottini, J. Goslin, tantsija L. Duport. Nende aastate jooksul muutus tantsutehnika dramaatiliselt: valdavaks said mitte sujuvad, graatsilised, vaid virtuoossed pöörlevad ja hüplevad liigutused, liigutused poolsõrmedel. Kui 30ndatel. ballett oli mõjutatud romantismi ideedest, need võtted said uue sisu. Tema tütrele M. Taglionile lavastatud F. Taglioni etendustes ("La Sylphide", 1832; "Doonau neitsi", 1836), ptk. Tegelased olid fantastilised. olendid, kes surevad kokkupuutest reaalsusega. Töötas siin uus stiil tants, mis põhineb õhuliigutustel ja tantsutehnikatel pointe kingadel, tekitades kaaluta tunde. 30-50ndatel. ballett Prantsusmaal saavutas kõrgeima taseme. Üks tähtsamaid. prod. Selle režii lavastasid J. Coralli ja J. Perrault “Giselle” (1841). 40-50ndate Muusikaakadeemia repertuaar. koosnes romantilisest balletid Coralli (C. Gide "Tarantula", 1839; "Peri", 1843) ja J. Mazilier ("Paquita", 1846; "Corsair", 1856). Samal ajal esitas Perrault oma parimaid ballette väljaspool Prantsusmaad (peamiselt Londonis, kuid prantsuse artistide esituses) "Esmeralda" (1844), "Catarina, röövli tütar" (1846) jne. Need olid etendused, mis olid lähedased revolutsioonilise ajastu romantiliste poeetide kunst. liftid, mis mõjutasid publikut kangelaslikult. paatos, kirgede tugevus. Intensiivne tegevus kulmineerus haripunktiga. arenenud tantsu hetked, Erilist tähelepanu anti tunnustantsule. F. Elsleril oli neis suur edu. Teised esinesid ka Prantsusmaal. kuulus romantik tantsijad C. Grisi, L. Gran, F. Cerrito. Romantismi praktika ja teooria. ballett kajastub F. A. J. Castille-Blaza ja T. Gautier’ loomingus, kes oli ka mitmete stsenaariumide autor.

Romantismi allakäiguga (19. sajandi 70-90ndad) kaotas ballett sideme modernsuse ideedega. A. Saint-Leoni lavastused Muusikaakadeemias 60ndatel. meelitas tantsu rikkus ja lavaesinemiste rohkus. efektid (Min-kuse jt “Nemea”.>.). Saint-Leoni parim ballett "Coppelia" (1870). 1875. aastal alustas teatritrupp tööd arhitekti ehitatud uues hoones. S. Garnier ja tema selja taha pandi paika Pariisi ooperi balleti nimi. Aga balletikunst 80-90ndatel. 19. sajand degradeerunud. Pariisi ooperis sai balletist ooperietenduse lisand. Pöördumine heliloojate L. Delibesi (Sylvia, lavastaja Meranta, 1876), E. Lalo (Namuna, lavastus L. Petipa, 1882), A. Messageri (Kaks tuvi, lavastaja Meranta, 1886) ballettidele ei andnud asendit muuta. Meranti etendused 70ndatel ja 80ndatel, I. Hansen 90ndatel. ja alguses 20. sajandil (Vidali “Maladette”, 1893; Duvernoy “Bacchus”, 1905) ei olnud edukad, vaatamata silmapaistva tantsija K. Zambelli osalemisele. Balleti taaselustamine Prantsusmaal toimus venelaste mõjul ja seda seostati vene hooaegadega, mida S. P. Diaghilev pidas Pariisis aastast 1908 (balleti esmaettekanne 1909. aastal), aga ka venelase Djagilevi tegevusega. 1911. aastal Prantsusmaal esinenud balletitrupp 29. Paljud siin töötanud kunstnikud ja koreograafid olid hiljem seotud prantslastega. balletiõpetajad: M. M. Fokin, L. F. Myasin, B. F. Nijinska, J. Balanchine, S. Lifar. Ka teised avaldasid mõju. rus. trupid ja artistid: I. L. Rubinsteini (1909-11 ja 20. aastatel) trupp, kuhu C. Debussy ("Püha Sebastiani märtrisurm", ballett. Rubinstein, 1911) ja M. Ravel ( "Bolero", ballett) Nijinska, 1928); N. V. Trukhanov, mille jaoks lavastas I. N. Khlyustin, kes töötas ka Pariisi ooperis. Rus. trupid pöördusid prantsuse muusika poole. komp. (Ravel, Debussy, Dukas, 20. aastate "Kuue" heliloojad) loodi nende etteasteteks prantsuse maastik. kunstnikud (P. Picasso, A. Matisse, F. Léger, J. Rouault jt.). Pärast 1. maailmasõda, pl. rus. kunstnikud avasid Pariisis balletikoolid, mis õpetasid välja rohkem kui ühe põlvkonna prantslasi. kunstnikud. Pariisi ooperi (191044) direktor J. Roucher, püüdes balleti taset tõsta, kutsus teatrisse silmapaistvaid artiste (L. S. Bakst, R. Dufy, M. Brianchon, I. Breuer, M. Detom), vene. kunstnikud, koreograafid. Teatav elavnemine ooperiballeti tegevuses algas 10.-20. Postitab mitmeid esinemisi. Kutsutud olid L. Stats ("Mesilased" Stravinski muusikale, 1917; "Sidalis ja Satyr", Piernet, 1923), Fokine ("Daphnis ja Chloe", 1921), O. A. Spesivtseva. Pärast 1929. aastat tekkis Djagilevi ettevõtte põhjal hulk Vene-Prantsuse ettevõtteid. balletikompaniid: "Balle Russe de Monte Carlo" jt. 193059 (vaheaeg 194447) juhtis ooperitruppi S. Lifar, kes lavastas St. 50 etendust. Tema tegevus oli suur tähtsus prantsuse jaoks ballett, mis on taastanud oma endise prestiiži. Ooperi repertuaar on täielikult uuenenud. Ballettide loomisega tegelesid suuremad heliloojad, kunstnikud ja stsenaristid. Lifar kasutas oma lavastustes iidseid, piiblilisi ja legendaarseid teemasid, tõlgendades neid mõnikord sümboolselt: "Ikarus" Siferi rütmides (1935, jätkati 1962. aastal P. Picasso dekoratsioonidega), Egka "Tsarissa Jeanne" (1942) , “Phaedra” Orika (1950, stsenaariumi ja stsenaariumiga J. Cocteau), Sauguet’ “Visions” (1947), Delannoy “Fantastiline pulm” (1955). Oma vanematelt kaasaegsetelt, Djagilevi ettevõtte koreograafidelt võttis Lifar üle Fokine'i balletidramaturgia traditsioonid ja 19. sajandi koreograafia traditsioonid, kus põhiline. ekspressiivsed vahendid oli klassika. tantsida. Tants Ta moderniseeris keelt ja ehitas kujundid pigem ratsionaalsetele kui emotsionaalsetele põhimõtetele (Lifari “neoklassitsism”). Tema esinemistel kasvatati üles rohkem kui üks põlvkond prantslasi. artistid: tantsijad S. Schwartz, L. Darsonval, I. Chauvire, M. Lafon, K. Vossar, L. Deide, C. Bessi; tantsijad M. Reno, M. Bozzoni, A. Kaljužnõi, J. P. Andreani, A. Labis. Küll aga Lifari ballettidele omane abstraktne retoorika, sideme kadumine nüüdisajaga. tegelikkus, mis oli eriti märgatav pärast II maailmasõda 1939-45, tekitas selleks ajaks rahulolematust. Noored kunstnikud, kes otsisid uusi teid ja viivad kunsti modernsusele lähemale, asusid tegutsema väljaspool ooperit, kelle repertuaar piirdus Lifari enda lavastustega. R. Petit lõi Ballet des Champs-Élysées (194551) ja Pariisi Balleti (194867, katkestustega) trupid, kus ta lavastas Sogeti balletid “Rändavad koomikud” (1945), “Noormees ja surm”. muusika. J. S. Bach (1946), "Carmen" muusikale. Bizet (1949), Dutilleux' "Hunt" (1953). Hiljem (60ndatel ja 70ndatel) olid tema parimate tööde hulgas "Notre Dame de Paris" (1965, Pariisi ooper) ja "Süüta tähed!" rahvuslikule muusikale (1972, "Marseille' ballett"). Petit töötab dramaatilises žanris. ballett (J. Anouilh kirjutas sellele mitu stsenaariumi), mis mõnikord kaldub tragöödia poole, mõnikord, eriti varajane periood, slapstick-komöödiale, mis on alati üles ehitatud elavatele karakteritele ja kombineerivatele tantsudele. vormid igapäevase sõnavaraga. IN parimad balletid ta käsitleb konflikte, mis peegeldavad elu tegelikke vastuolusid, ja lahendab need humanistlikul viisil. plaan (kurjuse paratamatuse tagasilükkamine, moraalne kindlus, usk inimesesse). Koos Petiti endaga esinesid tema truppides tantsijad N. Vyrubova, R. Jeanmer, E. Pagava, N. Philippart, C. Marchand, V. Verdi, I. Skorik, tantsijad J. Babile, Y. Algarov, R. Briand. . 50ndatel tekkisid teised. trupid, kus tehti uurimistööd teemade ja tantsu ajakohastamise vallas. keel: Prantsusmaa ballett jt. J. Charre'i trupp, "Balle de l'Aigual" M. Bejart'i juhatusel, hoolimata sellest, et 1960. aastast sai temast 20. sajandi Brüsseli trupi juht, on üks juhtivaid. Prantsuse koreograafid näeb koreograafias kunstis vahendit oma suhtumise väljendamiseks eluprobleemid, vahel otse, kord filosoofilisel või müstilisel moel. aspekt. Koreograafil on eriline huvi idamaise muusika vastu. filosoofia, ida teater. vormid ja tants (ballett "Bakti" india muusikale, 1968). Ta lõi uusi koreograafia vorme. vaatamisväärsused: vaade " kokku t-ra"ülekaalus koreograafiaga ("Emoni neli poega" ühendmuusikale, 1961), sõnalise tekstiga balletid ("Baudelaire" muusika ja luule ühendmuusikale, 1968; "Meie Faust" ühendmuusikale, 1975) , monumentaalsed etendused spordiareenidel ja tsirkuses ("Üheksas sümfoonia" L. Beethoveni muusikale, 1964: "Kevadriitus", 1961; Terav tunne modernsus muudab Béjarti balletid lähedaseks sellele kunstile varem võõrale publikule, eriti noortele.

60-70ndatel. Paljud inimesed töötasid Prantsusmaal. balletitrupid: "Grand Ballet du Mark de Cuevas" (194762), mis keskendus traditsioonilisele repertuaarile, meelitades kuulsad esinejad(T. Tumanov, N. Vyrubov, S. Golovin, V. Skuratov); Kaasaegne ballett Pariis (F. ja D. Dupuis' ballett, aastast 1955), Prantsuse teater tants G. Lazzini (196971), Ballet of Felix Blaschi (alates 1969, aastast 1972 Grenoble), National. balleti muusika Prantsusmaa noored (ballett Lacôte, aastast 1963 kuni 60ndate lõpuni), balletitrupp juhendamisel. J. Russillo (aastast 1972), Vaikuse teater (alates 1972). Provintsis töötavad paljud trupid: Kaasaegne balletiteater(balletikoreograaf F. Adré, aastast 1968 Amiensis, aastast 1971 Angersis), Marseille Ballet (balleti koreograaf Petit, aastast 1972), Rhine Ballet (aastast 1972 Strasbourgis, balletikoreograaf P. van Dijk aastast 1974), koos ooperi t-rah Lyon (V. Biagi ballett), Bordeaux (Skuratovi ballett). 60-70ndate juhtivad solistid: J. Amiel, S. Atanasov, C. Bessy, J. P. Bonfou, R. Briand, D. Ganiot, J. Gizerix, M. Denard, A. Labis, K. Mot, J. Piletta , N. Pontois, V. Piollet, J. Rayet, G. Thesmar, N. Thibon, J. P. Franchetti.

Kool Pariisi Ooperis. aastal 1713 (aastast 1972 on selle direktor K. Bessi). Pariisis alates 20. aastatest. 20. sajandil Töötas palju inimesi. erakoolid: M. F. Kšesinskaja, O. I. Preobraženskaja, L. N. Egorova, A. E. Volinin, X. Lander, B. Knjazev, M. Gube jt. Klassikauuringute keskus avati Cannes'is 1962. aastal. tants (asutaja R. Hightower). Alates 1963. aastast on Pariisis peetud iga-aastaseid tantsufestivale; tantsul on suur koht Avignoni ja teiste festivalil.

Balletiajakirjadest: "Archives internationale de la danse" (193236), "Tribune de la danse" (193339), "Art et danse" (alates 1958), "Toute la danse et la musique" (alates 1952), " Danse et rythmes" (alates 1954), "Les saisons de la danse" (alates 1968).

Tuntumad uurijad ja kriitikud (20. sajand): A. Prunier, P. Tyugal, F. Reina, P. Michaud, L. Vaia, M. F. Christou, I. Lidova, Y. Sazonova, A. Livio, Zh Dieni, A. F. Ersen. Lifar kirjutas rohkem kui 25 raamatut.

Lit.: Khudekov S., Tantsude ajalugu, 13. osa, PeterburiP., 191315; Levinson A., balletimeistrid, Peterburi, 1914; Sollertinsky I., Jean Georges Noverre'i elu ja teatritöö, raamatus; Noverre J. J., Letters on Dance, [tlk. prantsuse keelest], L., 1927; Mokulsky S., Lääne-Euroopa teatri ajalugu, 1. osa, M., 1936; Koreograafia klassika. [Sb.], L.M., 1937; Slonimsky Yu., balletimeistrid, M.L., 1937; tema, balleti dramaturgia teater XIX sajand, M., 1977; Iofjev M., Ballett "Grand Opera" Moskvas, oma raamatus: Profiles of Art, M., 1965; Chistyakova V., Roland Petit, Leningrad, 1977; Krasovskaja V., Lääne-Euroopa balletiteater. Esseed ajaloost. Algusest kuni 18. sajandi keskpaigani, L., 1979; Prunleres H., Le ballet de cour en France avant Benserade et Lully, R., 1914; Levinson A., La vie de Noverre, raamatus: Noverre J. G., Lettres sur la danse et sur les ballets, R., ; tema poolt Marie Taglioni (18041884), R., 1929; Beaumont S. W., Kolm 18. sajandi prantsuse tantsijat: Camargo, Sallé, Guimard, L., 1935; Lifar S., Giselle, apothéose du ballet romantique, R., ; Michaut R., Le ballet contemporain, R., 1950; Lidova I., Dix-sept visages de la danse française, R., 1953; Kochno V., Ballett. , R., 1954; Reyna F., Des origines du ballet, R., 1955; Arout G., La danse contemporaine, R., 1955; Ouest I., Teise impeeriumi ballett, 12, L., 19531955; temalt, Romantiline ballett Pariisis, L., 1966; temalt, Le ballet de l'Opéra de Paris, R., 1976, Le ballet d'aujourd'hui de Lifar à Béjart, Brux, 1958, Jean-Georges Noverre Reformator des Balletts, V., Laurent J., Sazonova J., Serge Lifar, rénovateur du ballet français (19291960), R., 1960, Le ballet de cour de Louis XIV, R., 1967; sama, Maurice Béjart, R., 1972.

E. Ya.

Stseen balletist "Armastuse triumf"

Stseen balletist La Sylphide. Balletm. F. Taglioni

"Phaedra." Pariisi ooper. Balletm. S. Lifar

"Noorus ja surm" Champs Elysées' ballett. Balletm. R. Petit

"Tulilind". Pariisi ooper. Balletm. M. Bejar

ballett. Entsüklopeedia. - M.: Suur nõukogude entsüklopeedia. Peatoimetaja Yu.N. Grigorovitš. 1981 .

Vaadake, mis on "prantsuse ballett" teistes sõnaraamatutes:

MAAILMA BALLET- Suurbritannia. Enne Djagilevi ja Anna Pavlova trupi ringreisi Londonis 1910. ja 1920. aastatel oli ballett Inglismaal esindatud peamiselt üksiketendustega. kuulsad baleriinid muusikasaalide lavadel näiteks taanlanna Adeline Genet (1878 1970) ... Collieri entsüklopeedia

BALLET ENNE 1900. aastat- Balleti kui õueetenduse tekkelugu. Keskaja lõpus maksid Itaalia vürstid suurt tähelepanu suurejoonelised palee pidustused. Tantsul oli neis oluline koht, mistõttu tekkis vajadus professionaalsete tantsumeistrite järele.... ... Collieri entsüklopeedia

ballett- Alates 30ndate keskpaigast. XVIII sajand Peterburis muutusid õukonnaballeti etendused regulaarseks. 1738. aastal avati Peterburis esimene vene balletikool (alates 1779. aastast Teatrikool), mis sisaldas balletitunnid(praegu Koreograafiakool); ... Peterburi (entsüklopeedia)

Ballett "Giselle"- Giselle (täisnimega Giselle või Wilis, prantsuse Giselle, ou les Wilis) on pantomiimballett kahes vaatuses Adolphe Charles Adami muusikale. Libreto autorid Théophile Gautier, Vernoy de Saint-Georges ja Jean Coralli. Ballett Giselle loodi iidse... ... Uudistetegijate entsüklopeedia

Igor Stravinski ballett "Tulelind"- Ballett "Tulilind" on üks Igor Stravinski varajastest teostest ja esimene veneteemaline ballett Pariisi Vene hooaegade silmapaistva korraldaja Sergei Djagilevi ettevõtmises. Tekkis idee luua sellisel teemal lavateos... ... Uudistetegijate entsüklopeedia

Prantsusmaal kolmapäeval. sajandite tants oli osa rahvamängud ja kirikupidusid. Alates 14. sajandist ta arvati mägedesse. teatrietendused ja palee vahepalad, mõnikord vahestseenide kujul. 15. sajandil Turniiridel ja festivalidel esitati tantsudega "Momeriasid". Prof. tantsida kolmapäeval. sajanditel arenes žonglöörikunstis folklooripõhiselt. Teine selle allikas oli palee pidustuste peotants (bassdans). Erinevate pidulike meelelahutuste põhjal kujunes lõplikult valminud etenduse vorm. 16. sajandil nimi "ballett". Palee pidustuste korraldajad, itaallane. tantsumeistrid, kes valdasid 16. sajandil Itaalias väljakujunenud kultuuri. tantsida koolis, olid etenduste lavastajad. Baltazarini di Belgioioso (Balthazar de Beaujoyeux) lavastatud “Poola saadikute ballett” (1573) ja “Kuninganna komöödia ballett” (1581) olid esimesed täieõiguslikud näited uuest žanrist – järjestikuse lavastusega lavastus. arendada tegevust, mis hõlmas sõnu, muusikat ja tantsu. Kogu 17. sajandi jooksul. "Õukonnaballeti" arendamine kestis mitu aastat. etapid. Aastatel 1600-10 olid need "maskeraadiballetid" ("Saint-Germaini messi maskeraadid", 1606), aastatel 1610-1620 - "melodramaatilised balletid" koos lauluga, mis põhinesid mütoloogial. lood ja lavastused kirjandus ("Argonautide ballett", 1614; "Rolandi hullus", 1618), kestis seejärel lõpuni. 17. sajandil "ballets in exit" ("Royal Ballet of the Night", 1653). Nende esinejateks olid õukondlased (1651-70 - kuningas Louis XIV) ja prof. tantsijad on "baladenid". 1660.-70. aastatel. Moliere koos komp. J. B. Lully ja ballett. P. Beauchamp lõi “komöödia-balleti” žanri (“Burgeois in the Aadel”, 1670), kus tants oli dramatiseeritud ja läbi imbunud uusajast. sisu. 1661. aastal juhtis Beauchamp Kuninglikku Tantsuakadeemiat ( eksisteeris kuni 1780. aastani ), mille eesmärk oli reguleerida balletitantsu vorme ja terminoloogiat, mis hakkas arenema süsteemiks klassikaline tants. Muuseum asutati 1669. aastal ja avati 1671. aastal. teater - Kuninglik Muusikaakadeemia, mida 1672. aastal juhtis Lully. Tema ooperites ("lüürilised tragöödiad"), mis järk-järgult asendasid õukonnaballeti, oli tants allutatud. Kuid etenduse sees toimus tantsu professionaalsemaks muutmise protsess, selle vormide lihvimine Beauchampi, tantsija G. L. Pekuri ja prof. tantsijad (La Fontaine jt), kes esinesid esmakordselt 1681. aastal Lully balletis "Armastuse triumf". K con. 17. sajandil koreograafia saavutused kajastuvad teoreetilises K. F. Ménétrier ("Antud ja modernsetest ballettidest teatriseaduste järgi", 1682) ja R. Feuillet' teosed ("Koreograafia ja tantsu salvestamise kunst", 1700). 17.-18. sajandi vahetusel. Kuulsust kogusid tantsijad N. Blondie ja J. Balon ning tantsija M. T. de Subligny.

Muusika teater 2 korrus 17-18 sajandit oli klassitsistlik, kuid balletis säilisid selle aeglase arengu tõttu kaua baroki jooned. Etendused jäid lopsakaks ja kohmakaks, puudu jäi stilistilisest ühtsusest.

18. sajandi alguses. Balleti ideoloogilises ja kujundlikus sisus koos tantsutehnika edasise rikastamisega oli näha stagnatsiooni märke. Üldine suund balletiteatri arengus 18. sajandil. - enesemääramissoov, tervikliku etenduse loomine, mille sisu väljenduks pantomiimi ja tantsu kaudu. Vanad vormid aga säilisid 18. sajandi jooksul, eriti Kuningliku Muusikaakadeemia laval, põhjustades pedagoogide (D. Diderot jt) kriitikat. Alguses. 18. sajand need olid 30ndatest pärit galantsed pastoraalid. - ooperite ja ballettide komp. J. F. Rameau ("Gallant India", 1735), kus tants ilmus endiselt süžeega lõdvalt seotud väljapääsudena. Nendes etendustes said tuntuks virtuoossed esinejad: tantsija M. Camargo, tantsija L. Dupre, vend ja õde Lani. Püüab draamat edasi anda läbi tantsu. sisu visandati tantsija F. Prevosti kunstis (pantomiim P. Corneille'i "The Horatii" episoodi süžees J. J. Mouret' muusikale, 1714; "Tantsu tegelased" J. F. Rebeli muusikale , 1715) ja eriti M. Salle, kes koos Londoni Kuningliku Muusikaakadeemiaga lavastas seal iidsetel aegadel “dramaatilisi aktsioone”. teemasid ("Pygmalion", 1734).

Valgustusajastu ideede mõjul andis meelelahutus balletiteatri edumeelsemate tegelaste loomingus teed “looduse jäljendamisele”, mis eeldas karakterite loomulikkust ja tunnete tõesust. Nendel katsetel oli aga raskusi Kuningliku Muusikaakadeemia lavale pääsemisega. Balletiteatri suure reformija J. J. Novera tegevus toimus väljaspool seda teatrit ja osaliselt väljaspool Prantsusmaad (Stuttgart, Viin, London). Balletiteatri reformi põhimõtted pani Nover välja teoreetilises vormis. teos "Kirjad tantsust ja ballettidest" (1. tr., 1760). Tema valgustusajastu ideede mõjul loodud balletid ei olnud meelelahutuslik etendus, vaid tõsine teater. etendused, mis põhinevad sageli klassitsistlikel tragöödiatel. Need olid terviklikud, tegelaste tegevust ja kogemusi väljendati koreograafia (peamiselt pantomiimi) vahenditega, ilma sõnade osaluseta. Kuninglikus Muusikaakadeemias lavastati aastatel 1776-78 tema Rodolphe'i "Medea ja Jason" ning "Appeles ja Campaspe", Granier' "Horace" ja Mozarti "Knick-knacks". 2. poolajal. 18. sajand aastal viisid oma katsed läbi mitmed koreograafid Pariisi teater Itaalia komöödia ning Lyoni ja Bordeaux’ teatrites. Noveri järgija J. Dauberval töötas Bordeaux’s, uut tüüpi balletikomöödia looja ("Katu ettevaatus", 1789). Lõpuks 18. sajand Tuntuks said tantsijad M. Guimard, M. Allard, A. Heinel, Theodore ning tantsijad G. Vestris, M. ja P. Gardel, Dauberval.

Alates 80ndatest 18. sajand kuni 20ndateni 19. sajand Muusikaakadeemia trupi (mis aastatel 1789-1814 mitu korda nime muutis) juhtis P. Gardel. Repertuaari kuulusid tema balletid (Milleri "Telemachus" ja "Psyche", 1790; Meguli "Dancemania", 1800; Kreutzeri "Paul ja Virginia", 1806) ja L. Miloni balletid ("Nina" Persuy pärast Daleyrakit, 1813; "Veneetsia karneval" Kreutzeri Persuy muusikale, 1816). 20ndatel Esitati J. Ohmeri ballette: Heroldi "Vain Precaution" Daubervali järgi (1828), Heroldi "La Sonnambula" (1827), Halévy "Manon Lescaut" (1830). 1780.-1810. aastate esinejatelt. Eriti kuulus oli O. Vestris 10.-20. - tantsijad M. Gardel, E. Bigottini, J. Goslin, tantsija L. Duport. Nende aastate jooksul muutus tantsutehnika dramaatiliselt: valdavaks said mitte sujuvad, graatsilised, vaid virtuoossed pöörlevad ja hüplevad liigutused, liigutused poolsõrmedel. Kui 30ndatel. Balletiteater oli mõjutatud romantismi ideedest, need võtted said uue sisu. Tema tütrele M. Taglionile lavastatud F. Taglioni etendustes ("La Sylphide", 1832; "Doonau neitsi", 1836), ptk. Tegelased olid fantastilised. olendid, kes surevad kokkupuutest reaalsusega. Siin töötati välja uus tantsustiil, mis põhines õhuliigutustel ja pointe-kingadel tantsimise tehnikal, tekitades kaaluta oleku. 30-50ndatel. ballett Prantsusmaal saavutas kõrgeima taseme. Üks tähtsamaid. prod. Selle režii lavastasid J. Coralli ja J. Perrault “Giselle” (1841). 40-50ndate Muusikaakadeemia repertuaar. koosnes romantilisest balletid Coralli (C. Gide "Tarantula", 1839; "Peri", 1843) ja J. Mazilier ("Paquita", 1846; "Corsair", 1856). Samal ajal esitas Perrault oma parimaid ballette väljaspool Prantsusmaad (peamiselt Londonis, kuid prantsuse artistide esituses) – “Esmeralda” (1844), “Catarina, röövli tütar” (1846) jne. Need olid etendused, mis olid lähedased revolutsioonilise ajastu romantiliste poeetide kunst. liftid, mis mõjutasid publikut kangelaslikult. paatos, kirgede tugevus. Intensiivne tegevus kulmineerus haripunktiga. arenenud tantsu hetked, erilist tähelepanu pöörati karaktertantsule. F. Elsleril oli neis suur edu. Prantsusmaal esinesid ka teised kuulsad romantikud. tantsijad - C. Grisi, L. Gran, F. Cerrito. Romantismi praktika ja teooria. ballett kajastub F. A. J. Castille-Blazi ja T. Gautieri loomingus, kes oli ka mitmete stsenaariumide autor.

Romantismi allakäiguga (19. sajandi 70-90ndad) kaotas ballett sideme modernsuse ideedega. A. Saint-Leoni lavastused Muusikaakadeemias 60ndatel. meelitas tantsu rikkus ja lavaesinemiste rohkus. efektid (Minkuse "Nemea" jt). Saint-Leoni parim ballett on Coppélia (1870). 1875. aastal alustas teatritrupp tööd arhitekti ehitatud uues hoones. S. Garnier ja tema selja taha pandi paika Pariisi ooperi balleti nimi. Aga balletikunst 80-90ndatel. 19. sajand degradeerunud. Pariisi ooperis sai balletist ooperietenduse lisand. Pöördumine heliloojate L. Delibesi (Sylvia, lavastaja Meranta, 1876), E. Lalo (Namuna, lavastus L. Petipa, 1882), A. Messageri (Kaks tuvi, lavastaja Meranta, 1886) ballettidele ei andnud asendit muuta. Meranti etendused 70-80ndatel, I. Hansen 90ndatel. ja alguses 20. sajandil (Vidali “Maladette”, 1893; Duvernoy “Bacchus”, 1905) ei olnud edukad, vaatamata silmapaistva tantsija K. Zambelli osalemisele. Balleti taaselustamine Prantsusmaal toimus venelaste mõjul ja seda seostati vene hooaegadega, mida S. P. Diaghilev pidas Pariisis aastast 1908 (balleti esmaettekanne 1909. aastal), aga ka venelase Djagilevi tegevusega. 1911-29 Prantsusmaal esinenud balletitrupp. Paljud siin töötanud kunstnikud ja koreograafid olid hiljem seotud prantslastega. balletiteater: M. M. Fokin, L. F. Myasin, B. F. Nižinskaja, J. Balanchine, S. Lifar. Oma mõju avaldasid ka teised venelased. trupid ja artistid: I. L. Rubinsteini (1909-11 ja 20. aastatel) trupp, kellele kirjutas C. Debussy ("Püha Sebastiani märtrisurm", ballett. Rubinstein, 1911) ja M. Ravel ("Bolero", ballett Nijinska, 1928); N.V.Trukhanov, kelle jaoks lavastas ka Pariisi ooperis töötanud I.N. Rus. trupid pöördusid prantsuse muusika poole. komp. (Ravel, Debussy, Ducbe, 20ndatel - kuue heliloojad), loodi nende esituste jaoks prantsuse komplektid. kunstnikud (P. Picasso, A. Matisse, F. Léger, J. Rouault jt). Pärast 1. maailmasõda, pl. rus. kunstnikud avasid Pariisis balletikoolid, mis õpetasid välja rohkem kui ühe põlvkonna prantslasi. kunstnikud. Pariisi ooperi direktor (1910-44) J. Roucher, püüdes balleti taset tõsta, kutsus teatrisse väljapaistvaid kunstnikke (L. S. Bakst, R. Dufy, M. Brianchon, I. Breuer, M. Detom), vene keel. kunstnikud, koreograafid. Teatav elavnemine ooperi balletitegevuses algas 10.-20. Postitab mitmeid etendusi. Kutsutud olid L. Stats ("Mesilased" Stravinski muusikale, 1917; "Sidalis ja Satyr", Piernet, 1923), Fokine ("Daphnis ja Chloe", 1921), O. A. Spesivtseva. Pärast 1929. aastat tekkis Djagilevi ettevõtte põhjal hulk Vene-Prantsuse ettevõtteid. balletirühmad: "Balle Russe de Monte Carlo" jt Aastatel 1930-59 (vaheaeg 1944-47) juhtis ooperitruppi S. Lifar, kes lavastas St. 50 etendust. Tema tegevusel oli prantslastele suur tähtsus. ballett, mis on taastanud oma endise prestiiži. Ooperi repertuaar on täielikult uuenenud. Ballettide loomisega tegelesid suuremad heliloojad, kunstnikud ja stsenaristid. Lifar kasutas oma lavastustes iidseid, piiblilisi ja legendaarseid teemasid, tõlgendades neid mõnikord sümboolselt: "Ikarus" Siferi rütmides (1935, jätkati 1962. aastal P. Picasso dekoratsioonidega), Egka "Tsarissa Jeanne" (1942) , “Phaedra” Orika (1950, stsenaariumi ja stsenaariumiga J. Cocteau), Sauguet’ “Visions” (1947), Delannoy “Fantastiline pulm” (1955). Lifar võttis oma vanematelt kaasaegsetelt, Djagilevi ettevõtmise koreograafidelt üle Fokine’i balletidramaturgia traditsioonid ja 19. sajandi koreograafia traditsioonid, kus peamiseks väljendusvahendiks oli klassika. tantsida. Tants Ta moderniseeris keelt ja ehitas kujundid pigem ratsionaalsetele kui emotsionaalsetele põhimõtetele (Lifari “neoklassitsism”). Tema esinemistel kasvatati üles rohkem kui üks põlvkond prantslasi. artistid: tantsijad S. Schwartz, L. Darsonval, I. Chauvire, M. Lafon, K. Vossar, L. Deide, C. Bessi; tantsijad M. Reno, M. Bozzoni, A. Kaljužnõi, J. P. Andreani, A. Labis. Küll aga Lifari ballettidele omane abstraktne retoorika, sideme kadumine nüüdisajaga. reaalsus, mis oli eriti märgatav pärast II maailmasõda 1939-45, tekitas selleks ajaks rahulolematust. Noored kunstnikud, kes otsisid uusi teid ja viivad kunsti modernsusele lähemale, asusid tegutsema väljaspool ooperit, kelle repertuaar piirdus Lifari enda lavastustega. R. Petit lõi Ballet des Champs-Élysées (1945-51) ja Pariisi Balleti (1948-67, katkestustega) trupid, kus lavastas Sogeti balletid “Rändavad koomikud” (1945), “Noor mees”. ja surm” muusikale. J. S. Bach (1946), "Carmen" muusikale. Bizet (1949), Dutilleux' "Hunt" (1953). Hiljem (60-70ndatel) on tema parimate tööde hulgas "Notre Dame de Paris" (1965, Pariisi ooper) ja "Süüta tähed!" rahvuslikule muusikale (1972, "Marseille' ballett"). Petit töötab dramaatilises žanris. ballett (J. Anouilh kirjutas sellele mitu stsenaariumi), mis oli kohati tragöödia poole tõmbunud, mõnikord, eriti varasel perioodil, slapstick-komöödia poole, kuid alati üles ehitatud elavatele karakteritele ja tantsu kombineerimisele. vormid igapäevase sõnavaraga. Parimates ballettides käsitleb ta konflikte, mis peegeldavad elu tegelikke vastuolusid, ja lahendab need humanistlikul viisil. plaan (kurjuse paratamatuse tagasilükkamine, moraalne kindlus, usk inimesesse). Koos Petiti endaga esinesid tema truppides tantsijad N.. Vyrubova, R. Jeanmer, E. Pagava, N. Philippart, C. Marchand, V. Verdi, I. Skorik, tantsijad J. Babile, Y. Algarov, R. Briand. 50ndatel Tekkisid teised trupid, kus tehti uurimistööd teemade ja tantsu ajakohastamise vallas. keel: Prantsusmaa ballett ja teised J. Charre'i trupid, "Balle de l'Aigual" M. Bejart'i juhatusel, hoolimata sellest, et alates 1960. aastast sai temast 20. balleti Brüsseli trupi juht. sajandil, on üks juhtivaid Prantsuse koreograafe. totaalne teater" koreograafia ülekaaluga ("Emoni neli poega" kombineeritud muusikale, 1961), verbaalse tekstiga balletid ("Baudelaire" muusika ja luule kombineerimisele, 1968; "Meie Faust". "ühendmuusikale, 1975" ), monumentaalsed etendused spordiareenidel ja tsirkuses ("Üheksas sümfoonia" L. Beethoveni muusikale, 1964: "Kevadriitus", 1961; "Tulilind", 1970. Terav modernsustunne teeb Bejarti balletid lähedaseks sellele kunstile varem võõrale publikule, eriti noortele.

70ndatel Pariisi ooperis tehti ümberkorraldusi. Siin on esile kerkinud kaks suundumust: ühelt poolt võtta repertuaari silmapaistvate koreograafide (Balanchine, Robbins, Petit, Bejart, Alicia Alonso, Grigorovitš) tõestatud ballette ja taastada kanoonilised balletid. antiikballettide väljaanded ("La Sylphide" ja "Coppelia", toimetanud P. Lakota) seevastu annavad võimaluse katsetada noore prantslasega. koreograafid (F. Blaska, N. Shmuki) ja välismaalased, sh. moderntantsu esindajad (G. Tetley, J. Butler, M. Cunningham). Opera Group loodi 1974. aastal. otsingud käepärast. Ameeriklane K. Carlson. Tavapärasest akadeemilisusest eemaldudes järgib Pariisi ooper prantslaste üldist suundumust. ballett, kus on kasvanud huvi uusima teatri vastu. vormid. 60-70ndatel. Paljud inimesed töötasid Prantsusmaal. balletitrupid: "Gran Ballet du Mark de Cuevas" (1947-62), mis keskendus traditsioonilisele repertuaarile, meelitades kohale kuulsaid esinejaid (T. Tumanova, N. Vyrubova, S. Golovin, V. Skuratov); Pariisi kaasaegne ballett (F. ja D. Dupuis' ballett, aastast 1955), J. Lazzini Prantsuse Tantsuteater (1969-71), Felix Blaschi ballett (alates 1969, aastast 1972 Grenoble'is), Rahvuslik. balleti muusika Prantsusmaa noored (ballett Lacôte, aastast 1963 kuni 60ndate lõpuni), balletitrupp juhendamisel. J. Russillo (aastast 1972), Vaikuse teater (alates 1972). Provintsides töötab palju truppe: Modern Ballet Theater (ballett. F. Adre, aastast 1968 Amiensis, aastast 1971 Angersis), Marseille Ballet (ballett. Petit, aastast 1972), Reini ballett (alates 1972 Strasbourgis, ballett P. van Dijk aastast 1974), koos ooperimajad Lyon (V. Biagi ballett), Bordeaux (Skuratovi ballett). 60-70ndate juhtivad solistid: J. Amiel, S. Atanasov, C. Bessy, J. P. Bonfou, R. Briand, D. Ganiot, J. Gizerix, M. Denard, A. Labis, K. Mot, J. Piletta , N. Pontois, V. Piollet, J. Rayet, G. Thesmar, N. Thibon, J. P. Franchetti.

Kool Pariisi Ooperis. aastal 1713 (aastast 1972 on selle direktor K. Bessi). Pariisis alates 20. aastatest. 20. sajandil Töötas palju inimesi. erakoolid: M. F. Kšesinskaja, O. I. Preobraženskaja, L. N. Egorova, A. E. Volinin, H. Lander, B. Knjazev, M. Gube jt Klassikalise tantsu keskus avati 1962. aastal Cannes'is (peamine R. Hightower). Alates 1963. aastast on Pariisis peetud iga-aastaseid tantsufestivale; tantsul on suur koht Avignoni festivalil jne.

Balletiajakirjadest: "Archives internationale de la danse" (1932-36), "Tribune de la danse" (1933-39), "Art et danse" (alates 1958), "Toute la danse et la musique" (alates 1952 ), "Danse et rythmes" (alates 1954), "Les saisons de la danse" (alates 1968).

ballett. Entsüklopeedia, SE, 1981

Pierre Lacotte - tantsija ja koreograaf, tunnustatud ekspert iidne koreograafia. Teda kutsutakse balletiarheoloogiks, koreograafiliseks antikvariaadiks. Ta on möödunud sajandite unustatud meistriteoste tunnustatud restauraator.

Pierre Lacotte sündis 4. aprillil 1932. aastal. Ta õppis Pariisi ooperi balletikoolis, võttis tunde suurtelt vene baleriinidelt - Matilda Kšesinskajalt, Olga Preobrazhenskajalt, Ljubov Egorovalt. Eriti hästi sai ta läbi oma esimese õpetaja Egorovaga - tal oli suurepärane mälu, ta mäletas Marius Petipa ballette igas detailis ja rääkis poisile kõik rollid, nii põhi- kui ka kõrvalrollid.

"Rohelise elutoa" külastamine - Pierre Lacotte,

19-aastaselt sai Pierre Lacotte'ist Prantsusmaa peateatri esimene tantsija. Ta tantsis selliste staaridega nagu Yvette Chauvire, Lisette Darsonval, Christian Vossard. 22-aastaselt tundis ta huvi moderntantsu vastu, hakkas iseseisvalt koreograafiat tegema, loobus klassikalise tantsija karjäärist ja lahkus 1955. aastal Pariisi ooperist. 1957. aastal tantsis ta New Yorgi Metropolitani ooperis.

Viiekümnendate teisel poolel ja kuuekümnendate alguses juhtis Lacotte Eiffeli torni balletitruppi, mis esines Théâtre des Champs-Élysées's ning lavastas sellele etendused "Öö mustkunstnik", "Pariisi poiss". Charles Aznavouri ja teiste muusika. Aastatel 1963-1968 ta - kunstiline juht trupp" Rahvusballett Prantsuse muusikaline noorus”, mille jaoks ta lavastas Britteni muusikale “Lihtsa sümfoonia”, Waltoni muusikale “Hamleti”, Lutoslawski muusikale “Tuleviku kired”. Seal andis esmakordselt endast märku särav tantsija Ghislaine Thesmar, kellest sai hiljem Lacotte'i naine.

"La Sylphide" on romantilise balleti absoluutne sümbol. La Sylphide'is astus baleriin Maria Taglioni esimest korda pointe kingadesse ("mitte efekti, vaid kujundliku eesmärgi nimel"). Taglioni kangelanna tundus tõesti olevat üleloomulik olend, mitte naine, vaid vaim, kes trotsib gravitatsiooniseadusi, kui tantsija "libises" üle lava, peaaegu põrandat puudutamata, ja tardus hetkeks lendavas arabeskis. kui seda toetab imeline jõud tema kaarekujulise jala otsas. Just selle La Sylphide’i, mille Maryle lavastas tema isa Filippo Taglioni, taaselustas Prantsuse koreograaf Pierre Lacotte 1500 aastat hiljem hoolikalt.

1971. aastal rekonstrueeris Lacotte ootamatult balleti La Sylphide, mille 1832. aastal lavastas Philippe Taglioni oma legendaarsele tütrele. Televisiooni jaoks tehtud etendus tekitas sensatsiooni, viidi 1972. aastal üle Pariisi ooperi lavale, sünnitas ajastupärast ballettide moe ja sai esimeseks pikas Lacotte'i taaselustuste sarjas. Ümberehitus ei olnud sada protsenti - Lacotte ei suutnud tolle ajastu tantsijate ebatäiusliku tehnika ees "vajuda" ja pani kõik baleriinid puäntkingadesse, kuigi 1832. aasta La Sylphide'is seisis ainult Maria Taglioni varvastel ja see oli mängiti koreograafias.

Balleti süžee põhineb fantaasiaromaanil prantsuse kirjanik Charles Nodier "Trilby" (1822). Balleti esietendus muusika saatel prantsuse helilooja Jean Schneizhoffer toimus 1832. aastal Pariisi Suures Ooperis.
Helilooja: J. Schneitzhoffer. Koreograaf: Pierre Lacotte
Stsenograafia ja kostüümid: Pierre Lacotte. Mariinski ooperiteater. Muusika - Cesare Pugni. Koreograafia - Pierre Lacotte
Osades: Ondine - Jevgenia Obraztsova, Matteo - Leonid Sarafanov, Janina - Yana Serebryakova, Lady of the Sea - Jekaterina Kondaurova, Two Undines - Nadežda Gonchar ja Tatjana Tkatšenko.

Prantsuse maestro töötas mitu aastat balleti Ondine kallal – läänemaailma jaoks haruldane juhtum. See sai alguse sellest, et ta tuli Mariinski teatri juhtkonna kutsel Peterburi läbirääkimistele - mida Lacotte võiks selles teatris lavastada. Koreograaf Nikita Dolgushin leidis 1851. aastal Jules Perrault’ lavastatud balleti Peterburi versiooni Ondine vana partituuri. Lacotte sai aru – see on saatus. Ta võttis ette Ondine'i, hakkas kokku viima Peterburi ja Londoni versioone, kolme stsenaariumi põhjal lõi Perrault ühe ja tulemuseks oli ballett, mis polnud kaugeltki täiuslik, kuid andis aimu selle koreograafiast. aega.

2001. aastal taastas Lacotte Pariisi ooperiteatri jaoks Arthur Saint-Leoni Coppelia, mis esietendus 1870. aastal. Ta ise mängis vana ekstsentrilise Coppeliuse rolli.

1980. aastal lavastas prantsuse koreograaf koos Moskva klassikalise balleti ansambliga Jekaterina Maximovale näidendi “Natalie ehk Šveitsi piimaneitsi”, Filippo Taglioni teise täiesti unustatud balleti.

Kuid Lacotte ei ole tuuritav koreograaf ilma oma trupita. 1985. aastal sai temast Monte Carlo balleti direktor. 1991. aastal juhtis Pierre Lacotte Nancy ja Lorraine'i osariigi balletti. Tema tulekuga sai Nancy linna balletist Prantsusmaa tähtsuselt teine klassikaline trupp (Pariisi ooperi järel).

Ta omandas Maria Taglioni arhiivi ja kavatseb selle kohta raamatu välja anda legendaarne baleriin. See on täis uusi ideid...

belcanto.ru ›lacotte.html

Prantsuse ja vene ballett on üksteist rikastanud rohkem kui korra. Nii pidas prantsuse koreograaf Roland Petit end S. Diaghilevi Vene balleti traditsioonide “pärijaks”.

Roland Petit sündis 1924. aastal. Tema isa oli söögikoha omanik - pojal oli isegi võimalus seal töötada ja hiljem lavastas ta selle mälestuseks kandikuga koreograafilise numbri, kuid ema oli balletikunstiga otseselt seotud: ta asutas ettevõtte. Repetto, mis toodab balleti jaoks riideid ja jalanõusid. 9-aastaselt teatab poiss, et lahkub kodust, kui tal ei lubata balletti õppida. Olles edukalt sooritanud eksami Pariisi Ooperikoolis, õppis ta seal S. Lifari ja G. Rico juures, aasta hiljem hakkas ta esinema ooperietendustel mimantsus.

Pärast õpingud 1940. aastal sai Roland Petit balletitantsija korpusest Pariisi ooper, aasta hiljem valib ta partneriks M. Bourg ja hiljem annab ta koos J. Charraga balletiõhtuid. Neil õhtutel esitatakse väikeseid numbreid J. Charra koreograafias, kuid siin esitleb R. Petit oma esimest teost - “Springboard Jump”. 1943. aastal esitas ta soolopartii balletis “Armasta nõida”, kuid rohkem köitis teda koreograafi töö.

Pärast teatrist lahkumist 1940. aastal lavastas 20-aastane R. Petit tänu oma isa rahalisele toetusele Théâtre des Champs-Élysées balleti “Koomikud”. Edu ületas kõik ootused - see võimaldas luua oma trupi, mida nimetatakse Champs-Elysees' balletiks. See kestis vaid seitse aastat (mängitud saatuslik roll lahkarvamused teatri juhtkonnaga), kuid lavastati palju etendusi: “Noormees ja surm” R. Petiti enda muusikale ja teistele teostele, teiste tolleaegsete koreograafide lavastusi, katkendeid klassikalised balletid- "La Sylphide", "Uinuv kaunitar", "".

Kui Ballet des Champs-Élysées lakkas olemast, lõi R. Petit Pariisi balleti. Uude truppi kuulus Margot Fonteyn - just tema esitas J. France'i muusika saatel "Tüdruk öös" balleti ühe keskse rolli (teise peaosa tantsis R. Petit ise) ning 1948. a. tantsis ta Londonis J. Bizet’ muusika saatel balletis “Carmen”.

Roland Peti annet hinnati mitte ainult balletisõprade seas, vaid ka Hollywoodis. 1952. aastal mängis ta muusikafilmis “Hans Christian Andersen” printsi rolli muinasjutust “Väike merineitsi” ning 1955. aastal osales ta koreograafina filmide “Kristallsuss” loomisel. ” muinasjutu “Tuhkatriinu” ja – koos tantsija F. Astaire’iga – “Daddy Long Legs” ainetel

Kuid Roland Petit on juba piisavalt kogenud, et luua mitmevaatuseline ballett. Ja sellise lavastuse lõi ta 1959. aastal, võttes aluseks E. Rostandi draama “Cyrano de Bergerac”. Aasta hiljem filmiti see ballett koos kolme teise koreograafi lavastusega – “Carmen”, “Teemantisööja” ja “Lein 24 tundi” – kõik need balletid olid kantud Terence Youngi filmi “Üks, kaks, kolm”. , Neli või mustad sukkpüksid”. Kolmes neist tegi peaosasid koreograaf ise - Cyrano de Bergerac, Jose ja peigmees.

1965. aastal lavastas Roland Petit Pariisi Ooperis M. Jarre muusika saatel balleti “Notre Dame de Paris”. Kõigist tegelased koreograaf jättis neli peamist, millest igaüks kehastab teatud kollektiivne pilt: Esmeralda - puhtus, Claude Frollo - alatus, Phoebus - hinge tühjus kaunis “kestas”, Quasimodo on ingli kehas hing (seda rolli mängis R. Petit ise). Koos nende kangelastega on balletis näotu rahvamass, kes suudab sama lihtsalt päästa ja tappa... Järgmiseks teoseks oli Londonis lavastatud ballett “ Kadunud taevas", mis paljastab poeetiliste mõtete võitluse teema inimese hing toore sensuaalse loomuga. Mõned kriitikud pidasid seda "skulptuuriliseks abstraktsiooniks seksist". Tundus üsna ootamatu viimane stseen, milles naine leinab oma kadunud puhtust - see meenutas ümberpööratud pietat... Selles etenduses tantsisid Margot Fonteyn ja Rudolf Nurejev.

Olles 1972. aastal Marseille'i balletti juhtinud, võttis Roland Petit balletilavastuse aluseks... V. V. Majakovski luuletused. Selles balletis nimega “Süüta tähed” astub ta ise üles peaosa, miks ta oma pead raseeris. Järgmisel aastal teeb ta koostööd Maya Plisetskajaga - ta tantsib tema balletis “Sick Rose”. 1978. aastal lavastas ta Mihhail Barõšnikovile balleti “Padi kuninganna” ja samal ajal - balleti Charlie Chaplinist. Koreograaf oli selle suurepärase näitlejaga isiklikult tuttav ja pärast tema surma sai ta näitleja pojalt nõusoleku sellise lavastuse loomiseks.

Pärast 26 aastat Marseille'i balleti juhtimist lahkus R. Petit trupist konflikti tõttu administratsiooniga ja keelas isegi oma ballettide lavastamise. IN XXI algus sajandil teeb ta koostööd Bolshoi teater Moskvas: “Passacaglia” A. Weberni muusikale, “Piidade kuninganna” P. I. Tšaikovski muusikale ja tema “Notre Dame’i katedraal” lavastati Venemaal. aastal esitletud saade "Roland Petit jutustab". Bolshoi teater Uuel Laval 2004: Nikolai Tsiskaridze, Lucia Lakkara ja Ilze Liepa esitasid fragmente tema ballettidest ning koreograaf ise rääkis oma elust.

Koreograaf suri 2011. aastal. Roland Petit lavastas umbes 150 balletti - ta väitis isegi, et on "viljakam kui Pablo Picasso". Oma töö eest pälvis koreograafi korduvalt auhindu riiklikud autasud. Kodus 1974. aastal pälvis ta Auleegioni ordeni ja balleti “Paditsakuninganna” eest. Riiklik preemia Venemaa Föderatsioon.

Muusikalised aastaajad

Koreograaf on kontsertide tantsunumbrite lavastaja, balleti etendused, koreograafilised stseenid muusikalistes ja draamalavastustes, tantsuansambli või tantsijate trupi juht. See on inimene, kes mõtleb välja ja äratab ellu tegelaste kujundid, nende liikumise, plastilisuse, valib muusikalise materjali ning määrab ka selle, milline peaks olema valgustus, meik, kostüümid ja maastik.

Koreograaf

Kui tugevat emotsionaalset mõju avaldab tantsunumber, koreograafiline stseen muusika- ja draamateatris või kogu balletilavastus, sõltub sellest, kui kaunilt ja täpselt on korraldatud tantsijate ja meestantsijate liigutused ja suhtlus, nende väljendusrikkus ja originaalsus. liigutused, kuidas nende tantsud on kombineeritud muusikaline materjal, lavavalgustusega, kostüümide ja meigiga – kõik see kokku loob kogu tegevusest ühtse pildi. Ja koreograaf on just see inimene, kes on selle looja. Ta peab teadma kõiki balletikunsti reegleid ja peensusi, selle ajalugu, et luua tantse, mida vaatajatel oleks huvitav jälgida ja tantsijatel esineda. Lavastajal peavad olema teadmised, kogemused ja organiseerimisvõimed, rikas kujutlusvõime, fantaasia, ideede originaalsus, andekus, musikaalsus, muusikast aru saada, rütmitaju, oskus plastilisuse abil emotsioone väljendada. need on komponendid, mis moodustavad kunstikoreograafi. Kui see kõik lavastaja arsenalis on, on tema lavastus avalikkuse ja kriitikute seas menukas.

Sõna "koreograaf" tähendab vene keelde tõlgituna "tantsumeister". See elukutse on raske ning nõuab palju tööd ja pingutust, nii füüsilist kui moraalset. Lavastaja peab näitama kõikidele esinejatele nende osi, selgitama, milliseid emotsioone nad plastilisuses ja näoilmetes väljendama peaksid. Sellise töö raskus seisneb ka selles, et tantsustsenaariumi ei saa paberile kirja panna, koreograaf peab seda oma peas hoidma ja kunstnikele näitama, et nad oma osa ära õpiksid. Tantsijad saavad rolliga tuttavaks vahetult proovides, draamanäitlejad ja muusikaline teater on võimalus eelnevalt saada teksti- ja noodimaterjali. Koreograaf peab avaldama esitajale tema rolli sisu, näidates talle, mida ja kuidas on vaja tantsida. Ja mida ilmekamalt lavastaja oma ideed kunstnikule demonstreerib, seda kiiremini ja kergemini tema ideed mõistetakse ja assimileeritakse.

Samuti on koreograafi ülesanne struktureerida tants või kogu etendus nii, et see säilitaks ja suurendaks publiku huvi. Tantsuliigutused ise on vaid mehaanilised harjutused, pooside komplekt, mis ei ütle vaatajale midagi, demonstreerivad vaid esineja keha painduvust ja kõnetavad ainult siis, kui lavastaja täidab need mõtte ja tundega ning aitab kunstnik pani neisse ka oma hinge. Sellest sõltub suuresti etenduse õnnestumine ja selle “elu” kestus laval. Kõikide tantsude kõige esimene esitaja on koreograaf ise, sest tema peab esiteks nende osi esitajatele demonstreerima.

Koreograafid minevikus ja olevikus

Venemaa ja 19. ja 20. sajandi maailma kuulsad koreograafid:

Marius Petipa, kes andis tohutu ja hindamatu panuse vene balletti;
Jose Mendez – oli paljudes lavastaja kuulsad teatrid maailmas, sealhulgas Moskva Suures Teatris;
Filippo Taglioni;
Jules Joseph Perrault on “romantilise balleti” üks eredamaid esindajaid;
Gaetano Gioia - itaalia koreodraama esindaja;
George Balanchine - pani aluse Ameerika balletile, aga ka kaasaegsele balleti neoklassitsismile, uskus, et süžee peaks väljenduma eranditult tantsijate kehade kaudu ning maastik ja lopsakad kostüümid on üleliigsed;
Mihhail Barõšnikov - andis suure panuse maailma balletikunsti;
Maurice Bejart on 20. sajandi üks säravamaid koreograafe;
Maris Liepa;
Pierre Lacotte - tegeles iidse koreograafia taastamisega;
Igor Moisejev on Venemaa esimese rahvaliku žanri professionaalse ansambli looja;
Vaslav Nijinsky oli koreograafiakunsti uuendaja;
Rudolf Nurejev;

Maailma kaasaegsed koreograafid:

Jerome Bel - moodsa balleti koolkonna esindaja;
Angelin Preljocaj - särav esindaja uus

21. sajandi vene koreograafid:

Boris Eifman - oma teatri looja;
Alla Sigalova;
Ljudmila Semenyaka;
Maya Plisetskaja;
Gedeminas Taranda;
Jevgeni Panfilov on oma balletitrupi looja ja vabatantsu žanri entusiast.

Kõik need vene koreograafid on väga kuulsad mitte ainult meie riigis, vaid ka välismaal.

Marius Petipa

Prantsuse ja vene koreograaf, kes jättis tohutu pärandi. 1847. aastal astus ta Venemaa keisri kutsel koreograafina teenistusse Peterburi Mariinski teatris ja Moskva Suures Teatris. 1894. aastal sai temast Vene impeeriumi alam. Ta oli paljude ballettide, nagu “Giselle”, “Esmeralda”, “Korsair”, “Vaarao tütar”, “Don Quijote”, “La Bayadère”, “Unistus suveöö", "Lumide tütar", "Kurat Robert" ja paljud teised. jne.

Roland Petit

On kuulsaid koreograafe, keda peetakse 20. sajandi balleti klassikuteks. Nende hulgas on üks säravamaid tegelasi Roland Petit. 1945. aastal lõi ta oma balleti trupp Pariisis, mis kandis nime "Champs-Elysees' ballett". Aasta hiljem lavastas ta kuulsa näidendi “Noormees ja surm” I.S. Bach, kellest sai üks maailma kunsti klassikuid. 1948. aastal asutas Roland Petit uue balletikompanii nimega Ballet of Paris. 50ndatel oli ta mitme filmi tantsurežissöör. 1965. aastal lavastas ta Pariisis legendaarse balleti “Katedraal”. Pariisi Notre Dame", milles ta ise mängis küürakas Quasimodo rolli, lavastas ta selle lavastuse 2003. aastal Venemaal - Suures Teatris, kus Nikolai Tsiskaridze tantsis koleda kellamängija osa.

Gedeminas Taranda

Teine maailmakuulus koreograaf on Gedeminas Taranda. Pärast Voroneži koreograafiakooli lõpetamist oli ta Moskva Suure Teatri solist. 1994. aastal asutas ta oma “Imperial Russian Ballet”, mis andis talle maailmakuulsus. Alates 2012. aastast on ta Loovhariduse Edendamise Sihtasutuse juht ja kaasasutaja, balletifestivali Grand Pas president. Gedeminas Tarandal on Venemaa austatud kunstniku tiitel.

Boriss Eifman

Särav, kaasaegne, originaalne koreograaf on B. Eifman. Ta on oma balletiteatri asutaja. Tal on kunstivaldkonnas erinevaid tiitleid ja auhindu. Tema esimesed lavastused 1960. aastal olid: “Elu poole” helilooja D.B. muusikale. Kabalevski, aga ka “Ikarus” V. Arzumanovi ja A. Tšernovi muusikale. Ta sai kuulsaks koreograafina balletiga “Tulilind” helilooja muusikale. Oma teatrit on ta juhtinud 1977. aastast. Boris Eifmani lavastused on alati originaalsed, uuenduslikud, neis on ühendatud akadeemiline, mõttetu ja kaasaegne rokikoreograafia. Igal aastal läheb trupp tuurile Ameerikasse. Teatri repertuaaris on lasteballetid ja rokkballetid.