Υπάρχει ένα σωρό άρθρα σχετικά με τη λεπτή φύση του καλλιτέχνη. Οι συγγραφείς λένε ότι οι καλλιτέχνες βλέπουν και αισθάνονται τα πάντα με έναν ιδιαίτερο τρόπο, ότι έχουν έναν μοναδικό τρόπο σκέψης και αυτό καθιστά πολύ εύκολο να τους αγγίξεις γρήγορα. Είμαι ο ίδιος καλλιτέχνης και δεν ξέρω γιατί, αλλά είναι αστείο για μένα να διαβάζω τέτοια πράγματα.
Γεγονός είναι ότι σε όλα αυτά, φυσικά, υπάρχει κάποια αλήθεια, αλλά ακριβώς την ίδια ποσότητα σαν να λέγονταν όλα αυτά για έναν προγραμματιστή, έναν αστροναύτη ή μια νοικοκυρά. Οι καλλιτέχνες είναι οι ίδιοι άνθρωποι. Δεν έχουν υπερφυσικές αισθήσεις ή υπερδυνάμεις, και επίσης δεν έχουν ψυχικές ανωμαλίες (φυσικά, αν μιλάμε γιαόχι για μεμονωμένες περιπτώσεις).
Αρκεί απλώς να καταλάβετε τι συμβαίνει στο κεφάλι του καλλιτέχνη αν περάσετε αρκετές μέρες μαζί του, κάνοντας ένα πράγμα, δηλαδή ζωγραφίζοντας.
Ο Μπόρις Γιεγκόροβιτς, ο δάσκαλός μου, έχει ένα τεράστιο χάος στο στούντιο του. Η γυναίκα του γελάει ευγενικά μαζί του γιατί δεν καταλαβαίνει πώς μπορεί ένας τόσο προσεγμένος τύπος καθημερινή ζωήένα άτομο που πλένει πάντα μόνος του τις κάλτσες και τα εσώρουχά του, που δεν της επιτρέπει να σιδερώνει τα πουκάμισά του, που φτιάχνει το κρεβάτι του τέλεια, μπορεί να βάλει βρώμικες βούρτσες στην τσέπη του, να σύρει βρεγμένο ξύλινο ξύλο από το δρόμο στο στούντιο και να κάνει το ίδιο χειρισμοί με φτερά κοράκου. Όλα όμως είναι πολύ ξεκάθαρα. Τα φτερά και το παρασυρόμενο ξύλο είναι αντικείμενα που σίγουρα θα σας φανούν χρήσιμα για μια νεκρή φύση κάποια μέρα. Και δεν είναι ποτέ πάρα πολλά από αυτά. Είναι πολύ πιο βολικό να αποθηκεύετε τις βούρτσες στην τσέπη σας παρά να τις βάζετε στο πάτωμα ή στο τραπέζι. Και είναι βρώμικα, γιατί γιατί να πλένετε όλες τις βούρτσες όταν καθαρές βρίσκονται ακόμα μπροστά στη μύτη σας; Νομίζεις ότι ο Μπόρις Γιεγκόροβιτς βάζει μια βρώμικη βούρτσα στην τσέπη του από απουσία; Επειδή οι σκέψεις του βρίσκονται στα σύννεφα υπό την επίδραση ενός κύματος έμπνευσης; Όχι πραγματικά. Τι νόημα έχει να ανησυχείς για το κοστούμι εργασίας σου; Γι' αυτό το φοράνε γιατί δεν φοβούνται να το λερώσουν. Και δεν έχει σημασία που η σύζυγος της Μαντάμ πιστεύει ότι είναι ακόμα φορετός, ο Μπόρις Γιεγκόροβιτς ξέρει πραγματικά καλύτερα πού θα είναι πιο παραγωγικό να προσαρμόζει τα αντικείμενα της γκαρνταρόμπας του. Και φίλοι και συγγενείς συνεχίζουν να τον κοροϊδεύουν και να τον κοροϊδεύουν, αποκαλώντας τον Plyushkin. Πώς είναι δυνατόν να γίνει αυτό όταν όλα είναι λογικά!
Και ο Evgeniy Danilovich δεν είναι επίσης από κακία σε σύγκριση με έναν gnome που εξορύσσει διαμάντια στο κάτω μέρος ενός ορυχείου. Γιατί; Γιατί αυτό του συμβαίνει συνήθως. Θα καθίσει στην πιο μακρινή γωνιά, θα σκεπαστεί με μερικές εφημερίδες και κομμάτια χαρτιού, θα ανοίξει το ραδιόφωνο σε πλήρη ένταση, θα πιάσει ξύλα και προμήθειες σκαλίσματος, θα γυρίσει πάνω από όλο αυτό τον καλό τροχό και έλα, Εβγένι Ντανίλοβιτς, τα λέμε στο επιφάνεια.
Ε, τι γίνεται με εσάς, φίλοι; Θα δούλευες με ένα κούτσουρο χωρίς εφημερίδες; Δηλαδή το πριονίδι πέφτει στα πάντα γύρω; Θα ήθελα να σας ευχηθώ καλή τύχη καθώς συνεχίζετε να το καθαρίζετε. Η εφημερίδα είναι Η καλύτερη απόφαση: το έστρωσε, το δούλεψε, το τύλιξε όλο, το πέταξε στον κάδο απορριμμάτων και έγινε. Το περιβάλλον καθαρό, η εφημερίδα άθικτη, έτοιμη για επαναχρησιμοποίηση και ακόμη και εκατομμυριοστή χρήση. Γιατί είναι τόσο απαραίτητο να κρύβεσαι σε μια γωνιά; Επειδή υπάρχει παράθυρο, υπάρχει φως. Είναι καλό το πρωί. Θα δείτε πολύ περισσότερα στο έντονο φυσικό φως παρά στο τεχνητό φως. Αλλά πού πηγαίνετε όταν έξω νυχτώνει; Είναι βαρετό χωρίς ραδιόφωνο. Αφήνω προηγούμενος αιώνας, αλλά δεν πρέπει να βλέπετε τηλεόραση όταν πρέπει να κάνετε κοσμήματα σε ένα δέντρο. Και ο τροχός είναι μάλλον σοβαρή συνέπεια της δουλειάς. Οι ξυλογλύπτες και οι γλύπτες έχουν συχνά προβλήματα με τη στάση του σώματος και συχνά αναπτύσσουν καμπούρα. Άλλωστε με αυτή την καμπούρα δημιουργούνται τέτοια αριστουργήματα! Και όλα αυτά επειδή γέρνουν πιο κοντά για να απαλλαγούν από κάθε επιπλέον χιλιοστό. Και εκείνοι: "Gnome." Ορίστε! Ήταν σαν κάποιος να του είχε χτυπήσει μια γροθιά στη μύτη.
Και ταυτόχρονα, άκουσέ με, αν και δεν είμαι τόσο έμπειρος καλιτεχνικώς, όπως και οι μέντοράς μου, Μπόρις Εγκόροβιτς και Εβγκένι Ντανίλοβιτς. Δεν μπορώ να κάνω χωρίς λίγο υπόβαθρο.
Η φίλη μου «φτιάχνει τα νύχια της». Και αυτό είναι επίσης, σε κάποιο βαθμό, τέχνη. Για παράδειγμα, χρεώνει εξακόσια ρούβλια για αυτό. Κάποτε της ζήτησα να μου δείξει το ταλέντο της (για χρήματα, φυσικά). Συμφώνησε. Και επιπλέον, πρόσφερε έκπτωση εκατό ρούβλια ως φίλη. Έγινε τόσο ευχάριστο, τρομερά απλό. Και οι άλλοι φίλοι μας είναι πολύ συγκινημένοι από αυτό. Λοιπόν τώρα στο θέμα!
Φέρνω τη δουλειά μου στο δωμάτιο. Μπαίνουν οι κάτοικοι της γειτονικής. Τους βλέπουν, τους θαυμάζουν και λένε: «Ω, Άλιν, θα ζωγραφίσεις τα πορτρέτα μας με τον ίδιο τρόπο;» Θυμόμενος τον φίλο μου, απαντώ: «Φυσικά! Και θα σου κάνω έκπτωση εκατό ρούβλια!» Αλλά ξέρετε τι! Κανένα συναίσθημα δεν ακολούθησε αυτή τη φράση. Και είναι ωραίο, προφανώς, που ούτε οι γείτονες ένιωσαν καλύτερα. Γέλασαν δυνατά και είπαν: «Θα μας πάρεις χρήματα για κάποιο σχέδιο;»
Ο Boris Egorovich και ο Evgeny Danilovich, όντας άντρες, δεν έριξαν δάκρυα στις καταστάσεις τους. Και εγώ, όντας γυναίκα, αποφάσισα να το επιτρέψω στον εαυτό μου αφού έφυγαν οι καλεσμένοι. Το να κάνεις νύχια είναι ένα δύσκολο έργο και δεν μπορούν όλοι να το κάνουν. Όταν όμως ζωγραφίζεις, δεν προσθέτεις απλώς στρώμα μετά από στρώμα χρώματος, βάζεις εκεί τη διάθεσή σου, τη στάση σου απέναντι στο αντικείμενο που είναι το μοντέλο σου, τον χρόνο σου, που, πιστέψτε με, δεν είναι τρεις ώρες (πολύ περισσότερες). Το έργο ενός καλλιτέχνη, όπως το έργο ενός γλύπτη, είναι το παιδί του, βασανίζεται, υποφέρει, αγαπιέται, γιατί είναι σαν να ξεριζώνεται από την καρδιά. Αλλά στα μάτια των ανθρώπων δεν αξίζει τίποτα. Ο καλλιτέχνης δεν φοβάται όταν δεν γίνεται κατανοητός ο ορθολογισμός του. Η ψυχή του κλαίει μόνο όταν απαξιώνεται ο κόπος του, όταν το έργο του ή η διαδικασία δημιουργίας του γελιέται, έστω και από κακία.
Φροντίστε τα συναισθήματα του καλλιτέχνη. Άλλωστε, κλαίει ακριβώς στις ίδιες καταστάσεις που κλαίνε οι εργαζόμενοι σε άλλα επαγγέλματα. Μόνο οι καλλιτέχνες είναι καταδικασμένοι να αντιμετωπίζουν τέτοιες καταστάσεις πολύ πιο συχνά. Γι' αυτό πολλοί από αυτούς είναι δυστυχισμένοι.
Η ζωή των δημιουργικών ανθρώπων περιβάλλεται πάντα, με τον ένα ή τον άλλο τρόπο, όχι μόνο από ένα πέπλο μυστηρίου, αλλά και από διάφορες φήμες. Ποιο από αυτά είναι αληθινό και ποια μυθοπλασία που καλλιεργείται εδώ και αιώνες;
Μύθος 1. Όλοι οι καλλιτέχνες είναι πότες
Γιατί όχι μάγειρες, πωλητές, καθηγητές μαθηματικών ή θυρωροί; Ναι, επειδή μερικοί άνθρωποι πρέπει να ανεφοδιάζονται με καύσιμα «για έμπνευση». Δεν υπάρχει αμφιβολία, ορισμένοι ζωγράφοι επικαλούνται πραγματικά τη μούσα χρησιμοποιώντας μεθόδους σαράντα μοιρών, ή ακόμα και ναρκωτικά. Πολλοί σπουδαίοι άνθρωποι δεν πτοήθηκαν από το πράσινο φίδι: Modigliani, Savrasov (και εδώ είναι δύο στερεότυπα ταυτόχρονα: όχι μόνο είναι καλλιτέχνης, είναι και Ρώσος!), Van Gogh, Gauguin και άλλοι. Και λοιπόν; Δεν υπήρχαν πραγματικά αρκετοί πότες μεταξύ των εκπροσώπων άλλων τομέων δραστηριότητας; Ο Γέλτσιν, ο Στάλιν, ο Μέγας Πέτρος, ο Μέγας Αλέξανδρος δεν έγιναν αντιληπτοί στο πάθος τους για τη ζωγραφική, αλλά το πάθος τους για το αλκοόλ είναι καλοδεχούμενο.
Μύθος 2. Όλοι οι καλλιτέχνες είναι φτωχοί
Μύθος 3. Όλοι οι καλλιτέχνες είναι πλούσιοι
Και πάλι όχι! Η ιστορία φαίνεται να γνωρίζει λιγότερα τέτοια παραδείγματα. Οι στατιστικές μιλούν υπέρ των πορτραιτογράφων που προτιμούσαν τον ρεαλισμό ή κοσμούσαν τους εικονιζόμενους. Τα πορτρέτα των πλουσίων (από τους ευγενείς μέχρι τον αυτοκράτορα) είναι πιο δροσερά από ένα χρυσωρυχείο. Οι αγαπημένοι της Catherine II καπνίζουν νευρικά στο περιθώριο. Κι όμως, τα παραδείγματα από την προηγούμενη παράγραφο επαναφέρουν στη γη σύγχρονους ονειροπόλους καλλιτέχνες από τον κόσμο των ροζ ελεφάντων. Πώς να πουλήσετε ένα έργο σε επαρκή τιμή συζητείται στο άρθρο μου «Πόσο πρέπει να πουλήσω πίνακες; »
Μύθος 4. Οι καλλιτέχνες κάνουν οικονομία σε δώρα
Έδωσε τον πίνακα και όλα ήταν εντάξει. Δεν θα μιλήσω για κόστος ευκαιρίας (δηλαδή τον χρόνο που θα μπορούσε να αφιερώσει ο ζωγράφος για να πουλήσει τον πίνακα). Μιλάμε για την υλική πλευρά του θέματος. Τα χρώματα, τα πινέλα και άλλα αναλώσιμα κοστίζουν χρήματα, ειδικά οι καμβάδες σε φορεία είναι ακριβοί: η τιμή ενός απλού καμβά 40x50 είναι κατά μέσο όρο 500-700 ρούβλια. Τώρα προσθέστε μια προσαρμοσμένη μπαγκέτα που κοστίζει πολλές χιλιάδες ρούβλια και ένα χαλάκι αν μιλάμε για ακουαρέλες! Το «Σπιτικό» μου κοστίζει πολλές φορές περισσότερο από ένα αγορασμένο δώρο.
Μύθος 5. Όλοι οι μεγάλοι καλλιτέχνες είναι άνδρες
Ω, όχι, δεν είμαι καθόλου φεμινίστρια, το αντίθετο. Αλλά εξακολουθώ να δηλώνω ένα γεγονός: στις γυναίκες δεν επιτρεπόταν ιδιαίτερα να ασχοληθούν με τη δημιουργικότητα για αιώνες. Και μόλις δόθηκε η άδεια, η Zinaida Serebryakova, η Frida Kahlo, η Natalya Goncharova, η Mary Cassette και η Berthe Morisot ανέβηκαν στον γραφικό Όλυμπο. Έγραφαν στο ίδιο επίπεδο με τους άντρες, όχι χειρότερα! Τώρα πηγαίνετε σε οποιοδήποτε στούντιο τέχνης - το κοινό είναι σαν σε ένα κομμωτήριο (για κάθε δέκα κορίτσια υπάρχουν δύο τύποι). Διαβάστε περισσότερα για διάσημους καλλιτέχνες στο άρθρο "
Είναι όλοι οι πίνακες με κορνίζα;
Piet Mondrian. Σύνθεση με κίτρινο, κόκκινο, μπλε, μαύρο και γκρι. 1920
1 από 2Georges Seurat. Κυριακή απόγευμα στη λίμνη La Grande Jatte. 1884
2 από 2Απόσπασμα από το βιβλίο
«Συνήθως οι πίνακες τοποθετούνται σε κορνίζες για προβολή. Οι κορνίζες τραβούν την προσοχή στη ζωγραφική και προστατεύουν τις άκρες της. Ορισμένα πλαίσια είναι περίτεχνα, ειδικά έργα αντίκες που κάποτε κρέμονταν σε αρχοντικά. Άλλα πλαίσια είναι πολύ απλά, δεν αποσπούν την προσοχή από τον στοχασμό της τέχνης. Σκοπός των πλαισίων είναι να συμπληρώσουν τους πίνακες που περιέχονται στο εσωτερικό, να τους δείξουν από την καλύτερή τους πλευρά.
Ο Piet Mondrian πίστευε ότι τα πλαίσια είναι σαν τους τοίχους. Μερικές φορές φαίνεται σαν να στέκονται ανάμεσα στο κοινό και την τέχνη, σαν να δημιουργούν ένα εμπόδιο, χωρίζοντας τη ζωγραφική από τον υπόλοιπο κόσμο. Ο Mondrian ήθελε όλοι να απολαμβάνουν τη δουλειά του και κανείς να μην νιώθει χωρισμένος από αυτό. Έγραφε στις άκρες του καμβά. Και μερικές φορές ακόμη και στα πλάγια.
Αυτός γκρέμισε αυτούς τους τοίχους!
Στον George Seurat δεν άρεσε το γεγονός ότι οι κορνίζες έριχναν σκιές στις άκρες του πίνακα. Και σχεδίασε μόνος του το κάδρο. Αποτελείται από χιλιάδες μικροσκοπικές κουκκίδες σε περισσότερα από 25 διαφορετικά χρώματα.
Γνωρίζατε ότι η εικόνα σε μια οθόνη τηλεόρασης αποτελείται από κουκκίδες που ονομάζονται pixel; Αυτός ο πίνακας ζωγραφίστηκε περισσότερα από 50 χρόνια πριν εφευρεθεί η έγχρωμη τηλεόραση!».
Ενα σχόλιο
Μπορεί να φαίνεται γελοίο να αφιερώνουμε ένα ολόκληρο κεφάλαιο σε καρέ, πολύ λιγότερο να ξεκινήσουμε ουσιαστικά ένα βιβλίο με αυτό. Υπάρχουν όμως λόγοι για αυτό. Πρώτον, δεν κοιτάμε ποτέ μια εικόνα στο κενό. Το φως, το ύψος στο οποίο βρίσκεται, τα γειτονικά έργα, οι σχολιασμοί - όλα αυτά δημιουργούν χώρο γύρω του. Όταν μιλούν για τη σύγχρονη γλυπτική, σίγουρα μιλούν για τον «ποιητικό χώρο» που την περιβάλλει: το νόημα κάποιου αφηρημένου γλυπτού γεννιέται μόνο όταν το κοιτάζει ο θεατής. Δεύτερον, πράγματι, το πλαίσιο γίνεται συχνά η πλοκή του ίδιου του πίνακα - όπως αποδεικνύεται στα αστεία παραδείγματα παραπάνω. Τέλος, το πλαίσιο είναι ένας ουσιαστικός κρίκος στην αλυσίδα των ερωτήσεων και των απαντήσεων, που θα βοηθήσει στην καλύτερη κατανόηση του έργου. Αφού καταλάβετε ποιος είναι ο συγγραφέας και αν επηρέασε την ιστορία της τέχνης, μπορείτε να ρίξετε μια γρήγορη ματιά στο πλαίσιο. Παρεμπιπτόντως, το 1990, ο Μητροπολίτης της Νέας Υόρκης είχε ένα είδος έκθεσης αντίστροφα: το μουσείο εξέθετε πολλά άδεια πλαίσια για να τραβήξει την προσοχή σε μια πραγματικότητα που συχνά αγνοείται.
Γιατί είναι όλα επίπεδα;
Ο Νεμπαμόν κυνηγάει στους βάλτους. Τάφος Νεμπαμόν, γ. 1350 π.Χ μι.
1 από 2Jean Metzinger. Τραπέζι δίπλα στο παράθυρο. 1917
2 από 2Απόσπασμα από το βιβλίο
«Δεν φαίνονται όλα τα έργα τέχνης τρισδιάστατα.
Οι δισδιάστατες ή 2D εικόνες είναι επίπεδες, όπως αυτή η σελίδα. Τρισδιάστατο, ή 3D, - έχουν ύψος, πλάτος και βάθος, όπως μια μπάλα.
ΣΕ διαφορετικές εποχέςΗ τέχνη ήταν είτε τόσο επίπεδη όσο η επιφάνεια στην οποία ζωγράφιζαν οι καλλιτέχνες, είτε τρισδιάστατη, σαν αληθινά πράγματα.
Πολύ αρχαία τέχνη, όπως οι αιγυπτιακές τοιχογραφίες, φαίνονται επίπεδα. Μοιάζει περισσότερο με διαγράμματα και είναι τελείως διαφορετικό από τη ζωή.
Ακόμη και στην αρχαιότητα, οι καλλιτέχνες ήξεραν πώς να μεταδίδουν όγκο και ζωγράφιζαν επίτηδες επίπεδες εικόνες.
ΣΕ Αρχαία Αίγυπτοςευγενείς άνθρωποι θάβονταν σε ζωγραφισμένους τάφους μαζί με τους θησαυρούς τους. Οι τοίχοι του τάφου ήταν διακοσμημένοι με σχέδια που δεν προορίζονταν για τους ζωντανούς. Έδειξαν στους θεούς τι έκαναν οι άνθρωποι κατά τη διάρκεια της ζωής τους.
Η εικόνα φαίνεται επίπεδη για να είναι ευκολότερο για τους θεούς να καταλάβουν.
<…>Τι υπάρχει στο τραπέζι; Βλέπεις ένα βάζο με λουλούδια, ένα ποτήρι, παιγνιόχαρτοκαι το παράθυρο δίπλα;
Ο Jean Metzinger δεν ακολουθεί τους νόμους της προοπτικής, αλλά εξακολουθεί να θέλει να δείξει ότι τα αντικείμενα στον πίνακα είναι τρισδιάστατα. Ως εκ τούτου, τα απεικονίζει ταυτόχρονα από διαφορετικές οπτικές γωνίες. Αυτή η τεχνική ονομάζεται κυβισμός».
Ενα σχόλιο
Αυτό το σημείο αντανακλά τον γενικό σκεπτικισμό ότι οι καλλιτέχνες έχουν ξεχάσει πώς να απεικονίζουν αξιόπιστα την τρισδιάστατη πραγματικότητα - χονδρικά μιλώντας, «μοιάζει με σχέδιο». Η συγγραφέας του Naked People Susie Hodge ζητά τη βοήθεια αρχαίων δασκάλων, αφηρημένων καλλιτεχνών και κυβιστών. Η συλλογή τους κάτω από τον δείκτη "επίπεδο" είναι αρκετά αστείο - οι κυβιστές δημιουργούν τουλάχιστον περισσότερα από τρία επίπεδα στη ζωγραφική τους και μερικές φορές απεικονίζουν ακόμη και το ίδιο αντικείμενο σε διαφορετικές χρονικές στιγμές, επομένως η δουλειά τους δεν μπορεί να ονομαστεί επίπεδη. Ωστόσο, δεν υπάρχει σαφής απάντηση σε αυτή την παιδική ερώτηση και κάθε φορά πρέπει να σκέφτεστε γιατί ο καλλιτέχνης αποφάσισε να κάνει τα πάντα επίπεδα. Ο Χοτζ ξεχνά τις πολιτιστικές ιδιαιτερότητες: η προοπτική είναι μια ευρωπαϊκή εφεύρεση, και στην τέχνη πολλών χωρών μπορεί, κατ' αρχήν, να μην τη συναντάμε. Ο συλλογισμός ότι μια επίπεδη εικόνα γίνεται πιο διακοσμητική και αφηρημένη είναι αρκετά εύλογος - όπως και ο συσχετισμός του «επίπεδου» και του «αρχαίου». Ταυτόχρονα όμως, ο Χοτζ για κάποιο λόγο αποφεύγει ένα πολύ απλό και προφανές συμπέρασμα: αφαιρώντας κάποιες λεπτομέρειες από την εικόνα, ο συγγραφέας εστιάζει σε άλλες. Σε γενικές γραμμές, απλοποιώντας (και ισοπεδώνοντας) μια εικόνα, ένας καλλιτέχνης μπορεί να την κάνει πιο εκφραστική και σε πολλές περιπτώσεις, απλοποιώντας θα είναι πιο εύκολο γι 'αυτόν να ελέγξει αυτήν την εκφραστικότητα.
Γιατί υπάρχουν τόσοι γυμνοί άνθρωποι στην τέχνη;
Σάντρο Μποτιτσέλι. Γέννηση της Αφροδίτης. 1486
1 από 2Ιβ Κλάιν. Ανθρωπομετρία χωρίς όνομα. 1960
2 από 2Απόσπασμα από το βιβλίο
«Στη ζωγραφική, τη γλυπτική και τη φωτογραφία, οι γυμνοί άνθρωποι είναι πολύ συνηθισμένοι.
Όλα προέρχονται από τους αρχαίους Έλληνες, που πίστευαν ότι το γυμνό σώμα ήταν όμορφο και άξιο μελέτης. Ακόμα και σήμερα οι καλλιτέχνες μαθαίνουν να σχεδιάζουν γυμνοί άνθρωποιγια να κατανοήσουν καλύτερα το σχήμα του σώματος. Αυτό λέγεται αντλώντας από τη ζωή.
Η γυμνή Αφροδίτη, η ρωμαϊκή θεά της αγάπης και της ομορφιάς, επιπλέει ενώ στέκεται στο κέλυφος ενός κοχυλιού. Σύμφωνα με αρχαίος θρύλος, η Αφροδίτη γεννήθηκε ως ενήλικας και μετακόμισε πέρα από τη θάλασσα. Ο Μποτιτσέλι ζωγράφισε τη ζωγραφική του πολλά χρόνια μετά την εμφάνιση αυτού του μύθου.
Στην τέχνη, το γυμνό συχνά σημαίνει νέα ζωή. Την εποχή του Μποτιτσέλι, οι γυναίκες κάλυπταν προσεκτικά το σώμα τους. Αλλά η Αφροδίτη είναι γυμνή γιατί είναι θεά, όχι μια συνηθισμένη γυναίκα!
Πολλοί καλλιτέχνες πιστεύουν ότι το γυναικείο σώμα είναι πιο όμορφο από το αντρικό, γι' αυτό και οι γυμνές γυναίκες είναι πιο συνηθισμένες στην τέχνη από τους γυμνούς άνδρες.
Το 1960, ο Yves Klein σκέφτηκε νέος τρόποςαπεικονίζουν σώματα γυναικών. Κάλυψε γυμνές γυναίκες με μπλε μπογιά και τις άφησε σε έναν τεράστιο καμβά στο πάτωμα. Χρησιμοποίησαν ως «ζωντανές βούρτσες».
Ενα σχόλιο
Το πιο ενδιαφέρον κεφάλαιο του βιβλίου βρίσκεται στον τίτλο - που, σε γενικές γραμμές, είναι αρκετά κατανοητό. Αλλά ούτε εδώ θα βρούμε μια σαφή απάντηση στην ερώτηση - μεταξύ των προτεινόμενων επιλογών συλλέγονται πολλές ταυτόχρονα: η μελέτη της πλαστικότητας του σώματος και της ομορφιάς του, ένα σύμβολο της ζωής και ένα χαστούκι στο πρόσωπο κοινή γνώμη. Δεν υπάρχει, ωστόσο, κανένα μυστήριο εδώ: λίγα πράγματα στον κόσμο προκαλούν μια τόσο έντονη αντίδραση σε έναν άνθρωπο - ενδιαφέρον και αδεξιότητα, ντροπή και επιθυμία, θαυμασμός ή, αντίθετα, αηδία - όπως το γυμνό. Το γυμνό ανθρώπινο σώμα στην τέχνη - και, σύμφωνα με ποικίλοι λόγοι, είναι το θηλυκό που είναι το πιο ισχυρό σύμβολο ζωής και θανάτου. Υπό αυτή την έννοια, το γυμνό σώμα είναι το εργαλείο ενός καλλιτέχνη, το οποίο μπορεί είτε να απεικονίσει σε έναν πίνακα είτε να το δείξει στη ζωή. Στην τελευταία περίπτωση μιλάμε για απόδοση. Μια γυμνή παράσταση θα είναι πιο συναρπαστική, άλλοτε εύθραυστη, άλλοτε δυσάρεστη. Επιπλέον, το γυμνό σώμα είναι επίσης ένα υποχρεωτικό σύμβολο ειλικρίνειας, το οποίο άρεσε να χρησιμοποιεί ο Λούσιαν Φρόιντ, δείχνοντας την αδυναμία ενός ανθρώπου. Την ίδια στιγμή, το γυμνό σώμα μέσα ευρωπαϊκή παράδοσηείναι τόσο στενά συνδεδεμένη με την ιδέα της ομορφιάς που η εμφάνιση ενός αδικαιολόγητα δυσάρεστου σώματος, όπως του άρεσε να κάνει ο Φρόιντ, δεν είναι λιγότερο συγκλονιστική και κάνει κάποιον να σκεφτεί τη γήρανση και τη φθορά. Με το επιχείρημα για την επικράτηση των γυμνών γυναικών έναντι των ανδρών, όλα δεν είναι επίσης τόσο απλά: στο Τσαρική Ρωσία, για παράδειγμα, ήταν δυνατό να σχεδιάσουμε μόνο ανδρικά γυμνά, και γυναίκες καλλιτέχνεςπαραδοσιακά πήγε στην Ιταλία.
Πρέπει να γνωρίζετε την πλοκή των πινάκων;
John Everett Millais. Οφηλία. 1851–1852
1 από 2Κορνήλια Πάρκερ. Ψυχρή σκοτεινή ύλη: παρατήρηση διαταραχής. 1991
2 από 2Απόσπασμα από το βιβλίο
«Οι ιστορίες λέγονται σε όλες τις μορφές τέχνης - από τη ζωγραφική και τη γλυπτική μέχρι τον κινηματογράφο.
Ένα έργο τέχνης είναι ένα παράθυρο στη φαντασία ενός άλλου ανθρώπου. Βλέπουμε γεγονότα και ιστορίες μέσα από τα μάτια κάποιου άλλου.
Πριν από περίπου 160 χρόνια υπήρχε ένα κίνημα που ονομαζόταν Προ-Ραφαηλική Αδελφότητα. Οι καλλιτέχνες αυτού του κινήματος ζωγράφισαν θέματα, συχνά αντλημένα από την ιστορία. Οι πίνακές τους μερικές φορές αποκαλούνταν «μυθιστορήματα με κορνίζα». Ο Millais ήταν προ-Ραφαηλίτης.
<…>Η όμορφη Οφηλία πνίγηκε και ο καλλιτέχνης φαντάζεται πώς θα μπορούσε να συμβεί αυτό. Για να κάνει την εικόνα πιο ενδιαφέρουσα, τη διακοσμεί με πολλά σύμβολα. Για παράδειγμα, οι κόκκινες παπαρούνες και οι μπλε ξεχασμένοι σημαίνουν ανάμνηση ή ανάμνηση των νεκρών.
Αυτό είναι καλό διάσημη ιστορία, και ο κόσμος συνέρρεε στη Βασιλική Ακαδημία του Λονδίνου, όπου ο πίνακας εκτέθηκε για πρώτη φορά το 1852.
Υπάρχει μια ιστορία πίσω από αυτό το έργο τέχνης. Η Cornelia Parker ήθελε να δημιουργήσει μια διάθεση, μια ατμόσφαιρα, να μας κάνει να σκεφτούμε τη ζωή μας και τι θα αφήσουμε πίσω μας.
Δεν σκεφτόμαστε πολύ για ένα υπόστεγο κήπου. Αποθηκεύουμε περιττά πράγματα σε αυτό που γρήγορα ξεχνάμε. Ο Πάρκερ αποφάσισε να το τινάξει στον αέρα!
Στη συνέχεια μάζεψε κομμάτια απανθρακωμένου ξύλου και στραβωμένο μέταλλο και τα κρέμασε από το ταβάνι με πετονιά. Τοποθέτησε ένα φωτιστικό στη μέση για να ρίξει δυσοίωνες σκιές στους τοίχους».
Ενα σχόλιο
Σε αυτό το κεφάλαιο, ο συγγραφέας κάνει μια πονηρή κίνηση και προσπαθεί να εξισώσει την ιστορία της δημιουργίας της εικόνας με την πλοκή της. Γιατί είναι απαραίτητο αυτό; Τον 20ο αιώνα, η τέχνη έγινε σε μεγάλο βαθμό χωρίς πλοκή, και αν νωρίτερα ήταν αδύνατο να κατανοήσει κανείς την τέχνη χωρίς να κατανοήσει την ιστορία (για παράδειγμα, να διαβάσει κλασικά οικόπεδα ζωγραφικής - και χάρη σε αυτό για να καταλάβει αν ο καλλιτέχνης έκανε ή όχι επανάσταση σε ένα δεδομένο έργο), τώρα έχουν αποκτήσει πολύ μεγαλύτερη σημασία η ιστορία του καλλιτέχνη και η ιστορία της δημιουργίας ενός συγκεκριμένου πίνακα. Η παρακολούθηση της βιογραφίας του συγγραφέα έχει γίνει εξίσου συναρπαστική με τις επόμενες σεζόν μακροχρόνιων τηλεοπτικών σειρών: μετακόμισε στην Ευρώπη, άρχισε να νοιάζεται περισσότερο για τους μετανάστες, αλλά γι' αυτό ξαφνικά έγινε λιγότερο ενδιαφέρον ή, ας πούμε, ο Cai Guoqiang - επανεκπαιδεύτηκε ως κύριος των μεγάλων τεχνολογικών πυροτεχνημάτων και έχασε όλη την εννοιολογική του γοητεία. Αλλά ο Ρίτσαρντ Λονγκ: όλη του τη ζωή ποδοπάτησε μονοπάτια σε όλο τον κόσμο, δεν πρόδωσε τις ιδέες του, για τις οποίες συμπεριλήφθηκε σε όλα τα εγχειρίδια για την τέχνη της γης.
Ποιοι είναι όλοι αυτοί οι άνθρωποι;
Έντουαρντ Χόπερ. Ψιλοκόψτε το suey. 1929
1 από 2Μαρκ Κουίν. Υ. 2006
2 από 2Απόσπασμα από το βιβλίο
«Πολλοί πίνακες είναι γεμάτοι με ανθρώπους, αλλά ποιοι είναι αυτοί;
Στο παρελθόν, ακόμη και πριν από την εφεύρεση της φωτογραφίας, ευγενείς άνθρωποι παρήγγειλαν τα πορτρέτα τους. Οι καλλιτέχνες έπρεπε να δείξουν πόσο δυνατοί, όμορφοι και πλούσιοι ήταν οι πελάτες. Συχνά ολόκληρες οικογένειες πόζαραν για ομαδικά πορτρέτα για τον καλλιτέχνη.
<…>Το πορτρέτο του Έντουαρντ Χόπερ δείχνει δύο μοντέρνες γυναίκες σε ένα τραπέζι εστιατορίου. Σε αντίθεση με τα πορτρέτα του παρελθόντος, αυτές οι γυναίκες δεν είναι σημαντικοί άνθρωποι. Είναι οι πιο συνηθισμένοι και δεν διαφέρουν από τους τυχαίους επισκέπτες. Μέσα στο πλήθος βλέπουμε πολλά άτομα άγνωστα σε εμάς, και αυτό ακριβώς ήθελε να απεικονίσει ο Hopper.
Και παρόλο που δείχνει δύο αγνώστους, και οι δύο είχαν ως πρότυπο τη γυναίκα του Hopper!
<…>Ο Marc Quinn χρησιμοποίησε το αίμα του για να φτιάξει το γύψο. Το γλυπτό διατηρείται κρύο, διαφορετικά θα λιώσει.
Είναι μια υπενθύμιση του πόσο εύθραυστη είναι η ζωή, είπε ο Κουίν. Κάθε πέντε χρόνια ο γλύπτης φτιάχνει ένα νέο κεφάλι, ώστε να μπορείτε να δείτε πώς γερνάει».
Ενα σχόλιο
Πράγματι, όταν σκέφτεστε ποιος απεικονίζεται στην εικόνα, πρέπει πρώτα απ 'όλα να σκεφτείτε το άτομο που παρήγγειλε το έργο. Συγκρίνοντας τον χρόνο γραφής και τον κύριο χαρακτήρα, μπορεί κανείς να υποβάλει ακόμη και μια υπόθεση για το πόσο επιτυχημένος ήταν ο καλλιτέχνης. Βιβλικές ιστορίεςΣυχνά γράφτηκαν με εντολή της εκκλησίας, αν και υπήρχαν φυσικά και ιδιωτικές παραγγελίες. Πριν από τους ιμπρεσιονιστές, τα πορτρέτα ζωγραφίζονταν κυρίως κατά παραγγελία για πλούσιους, έτσι Γάλλοι καλλιτέχνεςΈκαναν επανάσταση όταν άρχισαν να ζωγραφίζουν απλούς ανθρώπους, αλλά μετά έπρεπε να σκεφτούν πώς να πουλήσουν όλους αυτούς τους πίνακες. Και από το έργο του Marc Quinn, είναι εύκολο να συμπεράνουμε ότι ο καλλιτέχνης δεν λιμοκτονεί και δεν βιώνει τα προβλήματα των ιμπρεσιονιστών: το έργο του δεν απαιτεί τόσο θάρρος όσο σταθερούς προϋπολογισμούς.
Γιατί υπάρχουν φρούτα στους πίνακες;
Πωλ Σεζάν. Μήλα και πορτοκάλια. 1899
1 από 3Γιαν βαν Κέσελ. Νεκρή φύση «Βανίτας». 1665–1670
2 από 3John Lorbeer. Ταρζάν/Όρθιο πόδι. 2002
3 από 3Απόσπασμα από το βιβλίο
«Οι καλλιτέχνες συχνά ζωγραφίζουν μήλα και πορτοκάλια, αλλά γιατί;
Πρώτα απ 'όλα, τα φρούτα είναι αξιόπιστα. Σε αντίθεση με τα ανθρώπινα μοντέλα, δεν αναβοσβήνουν, δεν συσπώνται ή απαιτούν τσάι.
Η απεικόνιση των φρούτων βοηθά τους καλλιτέχνες να εξερευνήσουν τα σχήματα, τα χρώματα και τους τόνους της φύσης.
Τέτοιοι πίνακες ονομάζονται νεκρές φύσεις. Πριν από την εφεύρεση της φωτογραφίας, οι καλλιτέχνες έδειχναν τα ταλέντα τους δημιουργώντας ρεαλιστικές νεκρές φύσεις. Αλλά μετά όλα άλλαξαν...
Ο Paul Cézanne ζωγράφισε αυτή την εικόνα μετά την εφεύρεση της κάμερας και δεν ένιωθε ότι το καθήκον του ήταν να αντιγράψει την πραγματικότητα. Ένας φωτογράφος θα μπορούσε να το κάνει και αυτό!
έγραψε στρογγυλά φρούτασε επίπεδο καμβά, αλλά με νέο τρόπο. Για να δείξει τα σχήματα των φρούτων, απεικόνισε κάθε μήλο ταυτόχρονα από πολλές οπτικές γωνίες, από διαφορετικές οπτικές γωνίες. Φαίνεται ότι τα μήλα πρόκειται να πέσουν από το τραπέζι.
<…>Αυτή η εικόνα έχει Διπλό νόημα. Δίπλα στα λουλούδια, ο Jan van Kessel απεικόνισε ένα κρανίο - σύμβολο του θανάτου. Αυτή είναι μια προειδοποίηση που μας υπενθυμίζει την αδυναμία της ζωής. Δεν πρέπει να ξεχνάμε ότι τελικά θα πεθάνουμε!
Η νεκρή φύση είναι μια γαλλική λέξη που σημαίνει «νεκρή φύση». Στον καμβά, τα λουλούδια φαίνονται σαν να είναι ζωντανά, αλλά μέσα πραγματική ζωήμετατρέπονται σε πύον.
<…>Ο John Lorbeer είναι ένας οπτικός παραισθησιολόγος διάσημος για τις παγωμένες φιγούρες του.
Όλα είναι αρκετά μπερδεμένα εδώ. Είναι το ίδιο αντικείμενο με ένα φρούτο που συλλαμβάνεται σε νεκρή φύση, αλλά ταυτόχρονα είναι ζωντανό και όχι ζωγραφισμένο. Ο καιρός περνά, αλλά μένει ακίνητος και κρέμεται στον τοίχο σαν πίνακας ζωγραφικής.
Ενα σχόλιο
Καλή απάντηση στην ερώτηση, αλλά χάνω ένα σημαντικό σημείο. Η νεκρή φύση είναι πρωτίστως μια μελέτη καθαρής μορφής. Και αν ένας καλλιτέχνης σπάνια ζωγραφίζει μια νεκρή φύση - όπως, για παράδειγμα, έκαναν πολλοί ιμπρεσιονιστές - αυτό σημαίνει ότι δεν ενδιαφέρεται για τις τυπικές ιδιότητες της εικόνας, αλλά για τη στιγμιαία αίσθηση που μεταφέρει. Οι νεκρές φύσεις πραγματικά μεταφέρουν την ιδέα της αδυναμίας της ύπαρξης - αλλά δεν μπορεί κανείς να την εκλάβει ως απόλυτη: τελικά, πολλοί ήρωες στα πορτρέτα είναι επίσης θνητοί. Η ιδέα ότι ένα κομμάτι ερμηνείας μπορεί μερικές φορές να αποδειχθεί νεκρή φύση είναι επίσης αρκετά διασκεδαστική - αλλά πρέπει να θυμόμαστε ότι αυτό είναι πολύ σπάνιο.
Οι βιολόγοι και οι γνωστικοί επιστήμονες πιστεύουν ότι οι ιδέες για την αρμονία είναι ενσωματωμένες στον εγκέφαλό μας, επιτρέποντάς μας να ανταποκριθούμε με ευαισθησία στην ομορφιά των μορφών στη φύση. Προφανώς, μας αρέσουν τα φωτεινά χρώματα επειδή η ικανότητα να τα διακρίνουμε είναι ένας από τους προσαρμοστικούς μηχανισμούς που επέτρεψαν στο είδος μας να επιβιώσει. Είμαστε διαισθητικά ευχαριστημένοι με τα συμμετρικά πρόσωπα και τα αρμονικά μοτίβα και η απεικόνιση χαρούμενων, θετικών θεμάτων προκαλεί φυσική ευχαρίστηση.
Ταυτόχρονα, δεν απαιτούμε από τον καλλιτέχνη να «μας κάνει όμορφους» με τη δημιουργικότητά του.
Για τα αντικείμενα τέχνης εφαρμόζονται ευρύτερα κριτήρια και η ίδια η έννοια της ομορφιάς ως αξιολογικής κατηγορίας σύγχρονη τέχνηαποδομημένο. Είναι όμορφο το «Μαύρο Τετράγωνο»; Και το «Σιντριβάνι» του Marcel Duchamp; Και η παράσταση «Ρυθμός 0» της Μαρίνας Αμπράμοβιτς; Κάθε ένα από αυτά τα έργα τέχνης είναι μια ιδέα που ενσωματώνεται σε υλικό ή δράση, και σε καμία περίπτωση ο καλλιτέχνης δεν επιδίωξε να ευχαριστήσει τη γεύση των άλλων.
Οι καλλιτέχνες είχαν πάντα λόγους να απεικονίζουν το περίπλοκο, το άσχημο ή το παράξενο. Ταυτόχρονα, η δημοφιλής γνώμη λέει ότι «πριν» (στην υπό όρους κλασική εποχή) οι καλλιτέχνες δεν είχαν ακόμη παραμορφώσει την ουσία της τέχνης και προτιμούσαν να «ζωγραφίζουν όμορφα». Ωστόσο, σε Ευρωπαϊκός πολιτισμόςΗ καλλιτεχνική έννοια του άσχημου εμφανίστηκε πολύ νωρίτερα από τη σύγχρονη τέχνη.
Φιλόσοφοι και θεολόγοι για το άσχημο
Εκτός από τη θεωρία της ομορφιάς, που αντικατοπτρίζεται σε φιλοσοφικές έννοιες και έργα τέχνης, η θεωρία της ασχήμιας συνέχιζε πάντα να υπάρχει, στο πλαίσιο της οποίας το άσχημο και το άσχημο θα μπορούσαν να αποτελέσουν θέμα άξιο απεικόνισης. Το άσχημο ως αντικείμενο τέχνης προκαλεί ήδη το ενδιαφέρον μεσαιωνικοί άνθρωποι- αν μιλάμε για μια ταλαντούχα εικόνα που μεταφέρει πλήρως την ιδέα της ασχήμιας. Σε αυτή την περίπτωση, αντικείμενο θαυμασμού δεν θα είναι η ίδια η τρομερή ή αποκρουστική εικόνα, αλλά η δεξιοτεχνία με την οποία είναι φτιαγμένη.
Ο Johan Huizinga σημειώνει ότι μόλις το 1400 η ζωγραφική είχε φτάσει στο επίπεδο ικανότητας να μεταδίδει πλήρως τέτοια θέματα. Συγκεκριμένα, συνδέει με αυτό τη σχετικά καθυστερημένη εισαγωγή στη ζωγραφική τόσο διαδεδομένων θεμάτων όπως «Ο θρίαμβος του θανάτου» και « Τελευταία κρίση" Το ίδιο περίπου συνέβη και με τις εικόνες των μαρτύρων.
Το μαρτύριο των αγίων: Πόνος και ομορφιά
Η «αισθητική του μαρτυρίου», που καταδεικνύεται πιο ξεκάθαρα στις απεικονίσεις των Παθών του Χριστού, άκμασε κατά τον ώριμο Μεσαίωνα και πέρασε στην τέχνη της Αναγέννησης. Στην εποχή πρώιμο Μεσαίωναήταν πιο πιθανό να συναντήσει κανείς απλουστευμένες απεικονίσεις της σταύρωσης παρά λεπτομερείς πίνακες ζωγραφικής. Το ίδιο ισχύει και για πίνακες βασανιστηρίων μαρτύρων.
Ωστόσο, το ανθρωποκεντρικό μοντέλο προέβλεπε ένα ενδιαφέρον για τον άνθρωπο και, κατά συνέπεια, μια προσωπική εμπειρία οδύνης.
Αν στο Μεσαίωνα το ερώτημα αντιμετωπιζόταν από μια εποικοδομητική πλευρά, τότε οι καλλιτέχνες της Αναγέννησης άρχισαν να ενδιαφέρονται για καθαρά εικονιστικές πτυχές: τη σωστή απόδοση της ανατομίας, την προοπτική. Μια αυξημένη έμφαση στη σωματικότητα εκδηλώθηκε σε εικόνες αγίων που υποφέρουν - αυτός ήταν ένας νόμιμος τρόπος για να ζωγραφίσετε γυμνά ανθρώπινα σώματακαι δώστε προσοχή στις σωματικές εμπειρίες.
Αυτό εξηγεί την τάση προς κάποια αισθητικοποίηση του σωματικού βασανισμού των αγίων. Βαθμονομημένες συνθέσεις, χαριτωμένες στάσεις μαρτύρων - αυτά είναι τα σημάδια τέτοιων εικόνων. Η σωματική ομορφιά έχει γίνει αντικείμενο προσεκτικής εξέτασης. Καλλιτεχνική κουλτούραΑυτή η εποχή αντανακλά το ενδιαφέρον για τον άνθρωπο σε ποικίλες εκδηλώσεις, συμπεριλαμβανομένου του πόνου.
Καταπληκτικό και παράξενο
Υπάρχει ένας άλλος τομέας αισθητικής εμπειρίας, εν μέρει δίπλα στο άσχημο - αλλά χωρίς έναν τόσο ζοφερό χρωματισμό. Αυτή η εμπειρία ήταν επίσης περιζήτητη στον Μεσαίωνα, όταν όλα τα αντικείμενα ήταν κρυμμένα συμβολικές έννοιες, και στον πολιτισμό της Αναγέννησης με το ενδιαφέρον της για διάφορα φαινόμενα του υλικού κόσμου. Μιλάμε για την κατηγορία των καταπληκτικών, αλλόκοτων και αλλόκοτων.
Οι άνθρωποι του παρελθόντος έκαναν ελάχιστη διάκριση μεταξύ των «θαυμάτων» από την προέλευση - οι μυστικιστικές εικόνες και οι ιδιορρυθμίες της φύσης θεωρήθηκαν ομοιογενή φαινόμενα.
Το πάθος για τη συλλογή περιέργειας, που διέκρινε τόσο τους φυσιοδίφες όσο και τους μονάρχες, καταδεικνύει την επιθυμία να αγγίξουν τα μυστικά του σύμπαντος. Για παράδειγμα, η συλλογή του αυτοκράτορα Rudolf II περιείχε τόσο έργα τέχνης όσο και θραύσματα από σώματα θρυλικών ζώων. Μαγικό και επιστημονικό, συμβολικό και αισθητικό - στα ντουλάπια των περιέργειας αυτές οι έννοιες ήταν στενά συνυφασμένες.
Σήμερα έχουμε πρόσβαση σε οποιοδήποτε οπτικό υλικό, αλλά οι άνθρωποι περασμένων εποχών είχαν πολύ λιγότερο από αυτό. Η χαμηλή κοινωνική κινητικότητα, ο καθιστικός τρόπος ζωής των περισσότερων ανθρώπων και ο αναλφαβητισμός δεν επέτρεψαν τη διεύρυνση της εικόνας του κόσμου. Ως εκ τούτου, νέες εικόνες - σε εικόνες ή ιστορίες - είχαν μεγάλη ζήτηση και έκαναν εκπληκτική εντύπωση.
Οι ιστορίες ταξιδιών σε μακρινές χώρες ήταν ένα πολύ δημοφιλές μεσαιωνικό είδος. Οι ιστορίες για ταξίδια στην ανατολή παρουσιάζουν πολλά φανταστικά πλάσματα που, αν και δεν είναι εντελώς τρομακτικά και άσχημα, παραμένουν θρυλικά και παραβιάζουν τους συνηθισμένους κανόνες. Οι ιστορίες συνοδεύονταν από αντίστοιχες εικόνες φτιαγμένες σύμφωνα με όσα ακούστηκαν. Ο θαυμασμός που προκαλούν αυτές οι εικόνες είναι αισθητικής φύσης - παρά το γεγονός ότι πολλά από τα πλάσματα ή τα φαινόμενα που απεικονίζονται δεν είναι καθόλου όμορφα. Η ψυχαγωγική δύναμη που τους συνοδεύει, η προσφορά θεάματος, το θρυλικό status - αυτό είναι που ελκύει τον θεατή σε αυτά.
Σχετικά με XII αιώνα«The Epistle of Prister John», που είχε μεγάλη επιρροή στο μυαλό των συγχρόνων του - τόσο από αισθητική όσο και από πολιτική άποψη. Το διάσημο βιβλίο του Μάρκο Πόλο είναι αφιερωμένο σε μακρινές περιπλανήσεις. Εκτός από τα δεδομένα που μπορεί να θεωρηθούν εσφαλμένα ως πραγματικές ιστορικές πληροφορίες, υπάρχουν πολλές υπερβολές και παραξενιές. Για παράδειγμα, στην περιγραφή της Java Minor (Σουμάτρα), ο Polo ισχυρίζεται ότι είδε έναν μονόκερο, αλλά αποδείχθηκε ότι δεν ήταν τόσο όμορφος και ευγενικός όσο έλεγαν γι 'αυτό, και ως εκ τούτου έφερε απογοήτευση.
Υπάρχουν άγριοι ελέφαντες και μονόκεροι εδώ, όχι λιγότεροι από ελέφαντες. Τα μαλλιά τους είναι σαν του βουβάλου και τα πόδια ενός ελέφαντα, στη μέση του μετώπου υπάρχει ένα χοντρό και μαύρο κέρατο. Δαγκώνουν, σου λέω, με τη γλώσσα τους. Έχουν μακριές ράχες στη γλώσσα τους, και δαγκώνουν με τη γλώσσα τους. Το θηρίο είναι άσχημο στην εμφάνιση. Δεν είναι όπως τους περιγράφουμε. δεν θα υποκύψουν σε μια παρθένα: δεν είναι καθόλου αυτό που λέμε για αυτούς.
Μάρκο Πόλο Βιβλίο των Θαυμάτων του Κόσμου
ΣΕ καλές τέχνεςΈνα παράδειγμα του ιδιότροπου είναι οι εικονογραφήσεις για ένα βιβλίο του Ρωμαίου συγγραφέα Julius Obsequentus, που χρονολογείται από τον 15ο αιώνα. Ο πλοίαρχος που τα δημιούργησε ονομάζεται το όνομα του Master Boucicaut - μετά από μια άλλη σειρά έργων που δημιούργησε ("The Book of Hours of Marshal Boucicaut"). Για τους ανθρώπους της Αναγέννησης, η πραγματεία διάβαζε σαν ένα μείγμα βιβλίου ιστορίας και μυθιστορήματος φαντασίας - ακόμα κι αν κάποιοι από αυτούς αμφέβαλλαν ότι έβρεχε όντως πέτρες σε κάποια από τις επαρχίες, ήταν ενδιαφέρον να το διαβάσουμε. Τι να πούμε για τις εικόνες τερατωδών πλασμάτων!
Οι μινιατούρες σε βιβλία για τη γεωγραφία και την ιστορία απεικόνιζαν θρυλικά πλάσματα - μονόκερους, δράκους με φτερωτούς και άφτερά, κυνοκέφαλους (ψιγλαβιανούς), κύκλωπες, ισχιάποδες με ένα πόδι. Ο κανόνας της κλασικής αισθητικής στις εικόνες των πλασμάτων είναι αναμφίβολα παραμορφωμένος: δύσκολα θα μπορούσε κανείς να αποκαλεί ελκυστικούς χαρακτήρες με πρόσωπο στο στήθος.
Ταυτόχρονα, δεν φέρουν την απειλή που ενυπάρχει σε εικόνες κολασμένου βασανισμού και προκαλούν το ενδιαφέρον. Είναι εύκολο να φανταστεί κανείς έναν αναγεννησιακό μαθητή που, με το στόμα ανοιχτό, κοιτάζει ανυπόμονα τέτοιες εικόνες.
Ξέρουμε περισσότερα πολύπλοκους τρόπουςαισθητικές εντυπώσεις παρά απλώς «όμορφες». Βρίσκουμε θαμπά, «σκονισμένα χρώματα» εκλεπτυσμένα και εκτιμούμε το ριζικό μαύρο. Η φαντασία μας ενθουσιάζεται από τις αντιθέσεις - χαριτωμένα και τραχιά, υπέροχα και χαμηλά. Ξέρουμε πώς να βλέπουμε την ομορφιά σε ελαττώματα και ελαττώματα, πιστεύοντας ότι μερικές φορές κάνουν κάτι ιδανικό πραγματικά μοναδικό. Βλέπουμε το συναρπαστικό στο μακάβριο και λατρεύουμε να γαργαλάμε τα νεύρα μας. Μας φαίνονται όμορφα φθινοπωρινές βροχέςκαι καυτή λάβα ηφαιστείων.
Η αισθητική αίσθηση ήταν περίπλοκη και διφορούμενη διαφορετικές εποχές- συμπεριλαμβανομένων εκείνων όταν δημιουργήθηκαν μινιατούρες βιβλίων και κλασικοί πίνακες ζωγραφικής.
Βλέποντας τα πράγματα μέσα από τα μάτια ανθρώπων μιας άλλης εποχής, θα παρατηρήσουμε ότι ήταν επίσης πολύ εξοικειωμένοι με σύνθετες εμπειρίες στα όρια της απόρριψης και ενδιαφέροντος, την περιέργεια του ερευνητή και τον θαυμασμό για το καλλιτεχνικό ταλέντο του δασκάλου, ανεξάρτητα από το τι. απεικόνισε.
Οι δημιουργικοί άνθρωποι είναι ταλαντούχα άτομα που τους αρέσει να είναι χρήσιμοι και να κάνουν καλό στους άλλους. Τους αρέσει η ελευθερία, επομένως τυχόν περιορισμοί θα εκληφθούν από αυτούς ως παραβίαση δικαιωμάτων. Πολλοί άνθρωποι το πιστεύουν αυτό δημιουργικούς ανθρώπουςμοναχικοί, δυστυχισμένοι και δεν ζουν πολύ. Ευτυχώς, αυτό δεν συμβαίνει πάντα. Το ταλέντο δίνεται σε ένα άτομο από τον Θεό, απλά πρέπει να αδράξεις τη στιγμή και να αρχίσεις να αναπτύσσεις τις ικανότητές σου εγκαίρως.
Αξίζει να σημειωθεί ότι ανάμεσα στα παιδιά θαύματα υπάρχουν πράγματι πολλοί δυστυχισμένοι άνθρωποι, αφού η δημιουργικότητά τους δεν είναι πάντα κατανοητή στους άλλους. Συνήθως, ο μέσος άνθρωπος εγκεφαλική δραστηριότητασυμβαίνει εντός ορισμένων ορίων, και οτιδήποτε υπερβαίνει αυτά τα όρια γίνεται αντιληπτό ως κάτι αφύσικο και ανώμαλο. Για αυτόν τον λόγο, είναι πολύ δύσκολο για τους δημιουργικούς ανθρώπους να επιβιώσουν σε αυτόν τον σκληρό κόσμο, στον οποίο υπάρχουν τόσοι πολλοί επίμονα στερεότυπακαι απροθυμία να εξελιχθεί.
Η νευροεπιστήμη επιβεβαιώνει ότι τα ταλαντούχα άτομα σκέφτονται και ενεργούν διαφορετικά. Τα μυαλά των δημιουργικών ανθρώπων είναι κυριολεκτικά σχεδιασμένα να σκέφτονται μοναδικά, διαφορετικά από την πλειοψηφία. Ωστόσο, ένα τέτοιο δώρο από τη φύση μπορεί να περιπλέξει σημαντικά τη ζωή και να τεντώσει τις σχέσεις με τους άλλους. Εάν γνωρίζετε ένα δημιουργικό άτομο, πιθανότατα σας έχει δημιουργηθεί πολλές φορές η ιδέα ότι ζει σε έναν εντελώς διαφορετικό κόσμο. Στις περισσότερες περιπτώσεις, η προσπάθεια κατανόησης μιας τέτοιας προσωπικότητας είναι τόσο μάταιη όσο η προσπάθεια να την αλλάξεις. Για να μπορέσεις να προσαρμοστείς σε ένα τέτοιο άτομο, πρέπει να μάθεις να βλέπεις τον κόσμο μέσα από τα μάτια του.
Συνεχής εγκεφαλική δραστηριότητα
Το δημιουργικό μυαλό είναι ένα μη σταματημένο μηχάνημα που τροφοδοτείται από υπερβολική περιέργεια. Δεν υπάρχει ειδικό κουμπί που θα μπορούσε να σταματήσει και να κατευθύνει τις σκέψεις σε μια ήρεμη κατεύθυνση. Οι δημιουργικοί άνθρωποι καταλήγουν συνεχώς με διάφορες ιδέες που μπορεί να φαίνονται εξωπραγματικές σε πολλούς. Ένας ταλαντούχος άνθρωπος, στον ξέφρενο ρυθμό της ζωής του, αντλεί όλο και περισσότερη δύναμη για να πραγματοποιήσει αστείες και μερικές φορές τρελές ιδέες.
Το ταλέντο του ψεύτη
Πρέπει να σημειωθεί ότι οι δημιουργικοί άνθρωποι είναι εξαιρετικοί ψεύτες. Ορισμένα πειράματα έχουν δείξει ότι τέτοια άτομα τείνουν σε πιο περίπλοκα και σύνθετα ψέματα. Επιπλέον, οι ίδιοι μπορούν εύκολα να αναγνωρίσουν τον απατεώνα. Μία από τις εκδηλώσεις της δημιουργικότητας είναι το απαράδεκτο των υφιστάμενων προτύπων και το σπάσιμο των καθιερωμένων στερεοτύπων. Οι ταλαντούχοι άνθρωποι αντιλαμβάνονται εύκολα την ανήθικη φύση της δικής τους συμπεριφοράς και επίσης σχετίζονται ήρεμα με τις παρόμοιες ενέργειες των άλλων.
Υψηλός βαθμός δυσπιστίας
Ένα προικισμένο άτομο τείνει να μην εμπιστεύεται ούτε τους στενούς ανθρώπους. Αν και αναγνωρίζει γρήγορα ψέματα, το να είναι καχύποπτο με τους άλλους είναι επίσης α διακριτικό χαρακτηριστικόταλέντο. Και αυτό δεν προκαλεί έκπληξη, γιατί για να κάνετε μια νέα ανακάλυψη, πρέπει να μάθετε να βλέπετε τα στοιχειώδη πράγματα από μια διαφορετική οπτική γωνία. Γι' αυτό ένα ταλαντούχο άτομο αμφισβητεί τα πάντα, γιατί είναι πολύ πιο εύκολο να δημιουργήσει κάτι νέο από την αρχή.
Αναίδεια
Κατά τη διάρκεια διαφόρων πειραμάτων, διαπιστώθηκε ότι η σεμνότητα δεν είναι η τύχη των ταλαντούχων ανθρώπων. Πολλοί από αυτούς, κατά κανόνα, είναι περήφανοι για τις ικανότητές τους και τις χρησιμοποιούν επιδέξια, γεγονός που τους επιτρέπει να ορίζουν μια υπερβολικά υψηλή τιμή για τον εαυτό τους. Επιπλέον, ένα ταλαντούχο άτομο είναι πολύ πρόθυμο να δείξει πόσο εντυπωσιακός είναι και πόσο πολύ ξέρει πώς να ανησυχεί. 
Κατάθλιψη
Συχνά ταλαντούχους ανθρώπουςπέφτουν σε κατάθλιψη. Πολλές τέτοιες ιδιοφυΐες έχουν διάφορες φοβίες: κάποιοι φοβούνται μήπως αρρωστήσουν με μια ανίατη ασθένεια, άλλοι φοβούνται μήπως πεθάνουν νέοι, άλλοι ακόμη λιποθυμούν στη θέα μιας αράχνης ή μιας κατσαρίδας. Ψυχολόγοι σε πολλές χώρες προσπάθησαν να ανακαλύψουν εάν η κατάθλιψη σχετίζεται πραγματικά με το ταλέντο. Αφού μελέτησαν δεδομένα που ελήφθησαν από ψυχιατρικές κλινικές, διαπίστωσαν ότι δημιουργικές προσωπικότητεςΣοβαρές μορφές ψυχικής νόσου αναπτύσσονται συχνότερα. Επιπλέον, έχει αποδειχθεί ότι όχι μόνο το ταλέντο, αλλά και παρόμοιες διαταραχές μπορούν να κληρονομηθούν.
Είναι δύσκολο να πιστέψεις στον εαυτό σου
Ακόμα κι αν ένα άτομο είναι σίγουρο για τις ικανότητές του, με τον καιρό αρχίζει να κάνει ερωτήσεις: «Είμαι αρκετά καλός; Τα κάνω όλα σωστά; Οι δημιουργικοί άνθρωποι συγκρίνουν συνεχώς τη δουλειά τους με τις δημιουργίες άλλων δασκάλων και δεν παρατηρούν τη δική τους λαμπρότητα, η οποία μπορεί να είναι προφανής σε όλους τους άλλους. Από αυτή την άποψη, συχνά παρατηρείται δημιουργική στασιμότητα, όταν ένα άτομο απλά παραιτείται, νομίζοντας ότι όλες οι προηγούμενες ιδέες του ήταν μάταιες και χωρίς νόημα. Σε μια τέτοια στιγμή είναι πολύ σημαντικό να έχεις κάποιον κοντά πραγματικός φίλος, που θα βοηθούσε τον πλοίαρχο να επιβιώσει από αυτή τη δύσκολη περίοδο.
Ώρα για όνειρα
Οι δημιουργικοί άνθρωποι είναι ονειροπόλοι, αυτό τους βοηθά στη δουλειά τους. Πολλοί από εμάς το έχουμε παρατηρήσει περισσότερο καλύτερες ιδέεςελάτε σε εμάς όταν μεταφερόμαστε ψυχικά μακριά από την πραγματικότητα. Οι νευροεπιστήμονες έχουν αποδείξει ότι η φαντασία ενεργοποιεί εγκεφαλικές διεργασίες που σχετίζονται στενά με τη δημιουργικότητα και τη φαντασία.
Εξαρτάται από τον χρόνο
Οι περισσότεροι μεγάλοι δάσκαλοι παραδέχονται ότι δημιούργησαν τα καλύτερα έργα τους είτε τη νύχτα είτε την αυγή. Για παράδειγμα, ο Β. Ναμπόκοφ πήρε το στυλό του στις 6 το πρωί μόλις ξύπνησε και ο Φρανκ Λόιντ Ράιτ είχε τη συνήθεια να ξεκινά τη δουλειά στις 3 το πρωί και να πηγαίνει για ύπνο λίγες ώρες αργότερα. Κατά κανόνα, οι άνθρωποι με μεγάλη δημιουργικές δυνατότητεςσπάνια τηρούν μια τυπική καθημερινή ρουτίνα.
Μυστικότητα
Για να είστε όσο το δυνατόν πιο ανοιχτοί στη δημιουργικότητα, πρέπει να μάθετε πώς να χρησιμοποιείτε τη μοναξιά εποικοδομητικά. Για να το πετύχουν αυτό, πολλοί ταλαντούχοι άνθρωποι ξεπερνούν τον φόβο της μοναξιάς τους. Οι άνθρωποι συχνά αντιλαμβάνονται τους δημιουργικούς και τους καλλιτέχνες ως μοναχικούς, αν και στην πραγματικότητα δεν είναι. Αυτή η επιθυμία για μοναξιά μπορεί να είναι σημαντικό σημείοστη δημιουργία του καλύτερου έργου.
Ξεπερνώντας τα εμπόδια της ζωής
Πολλά καλτ έργα κυκλοφόρησαν με αποτέλεσμα ο δημιουργός τους να βιώνει σπαραχτικό πόνο και έντονα συναισθήματα. Συχνά, διάφορα προβλήματα γίνονται καταλύτης που βοηθά στη δημιουργία μοναδικών και εξαιρετικών αριστουργημάτων. Η ψυχολογία έχει δώσει σε αυτό το φαινόμενο μια επιστημονική ονομασία - μετατραυματική ανάπτυξη. Οι ερευνητές έχουν διαπιστώσει ότι συχνά ένα ισχυρό σοκ βοηθά ένα άτομο να πετύχει σε μια συγκεκριμένη δραστηριότητα, καθώς και να ανακαλύψει νέες ευκαιρίες στον εαυτό του. 
Αναζητήστε νέες εμπειρίες
Πολλοί δημιουργικοί άνθρωποι αναζητούν συνεχώς νέα συναισθήματα και εντυπώσεις. Δυστυχώς, κάποιοι από αυτούς καταφεύγουν στο αλκοόλ και τα ναρκωτικά για να επιτύχουν αυτό το αποτέλεσμα. Πρέπει να σημειωθεί ότι ένα ταλαντούχο άτομο είναι πάντα ανοιχτό σε νέες γνώσεις, είναι αρκετά έξυπνο και περίεργο. Η μετάβαση από τη μια συναισθηματική κατάσταση στην άλλη είναι ένα είδος μηχανής για την εξερεύνηση και την κατανόηση δύο κόσμων, εσωτερικού και εξωτερικού.
Η ομορφιά θα σώσει τον κόσμο!
Οι δημιουργικοί άνθρωποι τείνουν να είναι διαφορετικοί εξαιρετική γεύση, έτσι προσπαθούν συνεχώς να περιβάλλουν τον εαυτό τους με όμορφα πράγματα. Αυτά μπορεί να είναι όχι μόνο είδη ένδυσης, αλλά και εσωτερικά στοιχεία, πίνακες ζωγραφικής, βιβλία και κοσμήματα. Μερικές μελέτες έχουν βρει ότι οι τραγουδιστές και οι μουσικοί επιδεικνύουν αυξημένη δεκτικότητα και ευαισθησία στην καλλιτεχνική ομορφιά.
Συνδέοντας τις τελείες
Τα δημιουργικά άτομα είναι σε θέση να βρίσκουν ευκαιρίες εκεί που οι άλλοι απλά δεν την προσέχουν. Πολλά διάσημους συγγραφείςκαι οι καλλιτέχνες πιστεύουν ότι η δημιουργικότητα είναι η ικανότητα να συνδέεις τις κουκκίδες που ένας κοινός άνθρωποςΔεν θα σκεφτόμουν να τα βάλω μαζί με αυτή τη σειρά. Αν ρωτήσετε μια ιδιοφυΐα πώς συνδύασε αυτά τα πράγματα, θα νιώσει άβολα γιατί δεν θα έχει απάντηση σε αυτή την ερώτηση. Ό,τι είναι δύσκολο για τους άλλους είναι δύσκολο δημιουργικό άτομοδεν είναι δύσκολο.