Το έργο του Henri Matisse (1869-1954) έπαιξε καθοριστικό ρόλο στη διαμόρφωση του Φωβισμού, μιας νέας καλλιτεχνικής κατεύθυνσης όπου πρωταγωνιστικό ρόλο έπαιξαν όχι ο όγκος και το περίγραμμα, αλλά το φωτεινό έντονο χρώμα με τοπικές αποχρώσεις. Ο Matisse είναι ο εφευρέτης της σύγχρονης καλλιτεχνικής μεθόδου, ενός συγκεκριμένου προτύπου που έχει γίνει η κύρια τεχνική των καλών τεχνών του 20ου αιώνα.
Μιλήστε μας εν συντομία για τα υπερβολικά κορεσμένα και πλούσια δημιουργική ζωήΟ Ματίς είναι σχεδόν αδύνατος. Ως εκ τούτου, το άρθρο θα εξετάσει κυρίως τις περιόδους διαμόρφωσης του καλλιτέχνη και την ανάπτυξη του ιδιαίτερου στυλ του. Επίσης θα μιλήσουμεγια την πιο σημαντική περίοδο της δημιουργικής του καριέρας, όταν δημιουργήθηκαν τα καλύτερα έργα του. Φωτογραφίες του Henri Matisse και του διάσημους πίνακες.
Νεολαία
Ο Henri γεννήθηκε στην Picardy, τη βόρεια περιοχή της Γαλλίας, σε μια οικογένεια επιτυχημένων καταστηματαρχών εμπόρων. Υποτίθεται ότι αυτός, ως ο μεγαλύτερος γιος, θα κληρονομούσε την επιχείρηση του πατέρα του. Μετά την ολοκλήρωση όμως του πενταετούς μαθήματος Λύκειοκαι Λύκειο, ο νεαρός πήγε στο Παρίσι το 1887 για να μπει στη Σχολή Νομικών Επιστημών. Μετά από ένα χρόνο σπουδών, έχοντας λάβει το δικαίωμα να εργαστεί στον τομέα του δικαίου, ο 18χρονος Matisse επέστρεψε στην Πικαρδία, όπου έπιασε δουλειά ως υπάλληλος σε μια τοπική κριτική επιτροπή στο Saint-Quentin.
Ασχολήθηκε με το σχέδιο με έναν εντελώς απροσδόκητο τρόπο. Σε ηλικία 19 ετών, ο Ανρί υποβλήθηκε σε χειρουργική επέμβαση για την αφαίρεση της σκωληκοειδούς απόφυσης. Για να μην βαρεθεί ο νεαρός κατά τη διάρκεια της δίμηνης ανάρρωσής του, η μητέρα του, που εργαζόταν με μερική απασχόληση ως ζωγράφος πορσελάνης, του έφερε χαρτί και μολύβια για να ζωγραφίσει στο νοσοκομείο. Ο Matisse αντέγραφε εικόνες καρτ ποστάλ και παρασύρθηκε τόσο πολύ από αυτή τη δραστηριότητα που αποφάσισε να μελετήσει πιο προσεκτικά τις καλλιτεχνικές δεξιότητες. Χωρίς να εγκαταλείψει τη νομική του πρακτική, μπήκε σε μια σχολή όπου διδάσκονταν σχέδιο για σχεδιαστές υφασμάτων. Το 1891, ο άνθρωπος της μόδας τελικά εγκατέλειψε τη νομολογία και πήγε στο Παρίσι για να σπουδάσει ζωγραφική. Έτσι ξεκίνησε το μακρύ και λαμπερό ταξίδι του καλλιτέχνη Henri Matisse.
Χρόνια σπουδών
Στο Παρίσι, ο Henri γίνεται φοιτητής στην Julian Academy. Το ίδρυμα έδωσε καλή προετοιμασίαγια διαγωνιστικά τεστ της Σχολής του Παρισιού καλές τέχνες, το πιο έγκυρο εκπαιδευτικό ίδρυμα τέχνης στη Γαλλία, όπου ο Matisse εισήλθε μόλις το 1895. Εκεί έγινε δεκτός στο εργαστήριο του συμβολιστή καλλιτέχνη Gustave Moreau. Ο Georges Rouault, ο Albert Marquet, ο Charles Camoin, ο Henri Evenepoel και ο Henri Manguin μελέτησαν μαζί με τον Henri Matisse την πορεία του διάσημου καθηγητή και δασκάλου. Αυτή η ομάδα συμμαθητών θα γίνει οι ιδρυτές καινοτόμων εικαστικών τεχνικών και μιας προοδευτικής κατεύθυνσης της ζωγραφικής.
ΣΕ ανώτερο σχολείοκαλές τέχνες, ακρόπολη Γαλλικός κλασικισμός, η εκπαίδευση του Matisse βασίστηκε στις παραδόσεις του ακαδημαϊκού σχεδίου και ζωγραφικής, που περιελάμβανε την αντιγραφή των καλύτερων μουσειακών έργων. Ο επίδοξος καλλιτέχνης πέρασε πολλές ώρες αναπαράγοντας αριστουργήματα από το Λούβρο, ειδικά τους παλιούς Ολλανδούς και Γάλλους μάστορες.
Τα έργα του Matisse του 1890-1902, νεκρές φύσεις και μερικά πρώτα τοπία, δημιουργήθηκαν στο πνεύμα του ρεαλισμού και ζωγραφίστηκαν με σκούρα, σιωπηλά χρώματα. Στην έκθεση Salon του 1896, από τους πέντε πίνακες του Henri Matisse, δύο από τους καμβάδες του, συμπεριλαμβανομένου του «Woman Reading» του 1894, αγοράστηκαν από το κράτος για το Château Rambouillet, τη θερινή κατοικία του Γάλλου προέδρου.
Εισαγωγή στη θεωρία των χρωμάτων
Το 1896, ο Matisse πέρασε το καλοκαίρι στη Βρετάνη, στο νησί Belle-Ile, όπου γνώρισε τον Αυστραλό ιμπρεσιονιστή καλλιτέχνη John P. Russell, ο οποίος ζούσε στο νησί με την οικογένειά του στο κτήμα του. Ο Ράσελ, ο οποίος ήταν 43 ετών τότε, ήταν ένας ταλαντούχος και καταξιωμένος καλλιτέχνης. Ήταν φίλος με τον Auguste Rodin, δούλευε συχνά με τον Claude Monet, γνώριζε στενά τον Vincent Van Gogh για περίπου δέκα χρόνια και γνώριζε καλά τη δουλειά του. Ο Russell συνέλεξε τα έργα του Emile Bernard, του van Gogh και πολλών άλλων σύγχρονων δασκάλων, των οποίων τα έργα παρουσίασε στον Matisse και τον μύησε στη θεωρία του χρώματος που ανέπτυξαν οι ιμπρεσιονιστές. Εκείνο το καλοκαίρι ήταν ένα σημείο καμπής για το έργο του Ανρί Ματίς. Το χρώμα έγινε ο κύριος παράγοντας στα έργα του, μια αιώνια πηγή έμπνευσης και αναζήτησης.
Ιμπρεσιονιστική περίοδος
Ο Ματίς προσπάθησε να δουλέψει με την ιμπρεσιονιστική τεχνική από το 1895, προσπαθώντας να σμιλέψει τη φόρμα, το χώρο και τον όγκο μέσα από το χρώμα. Όμως δεν μπόρεσε να ξεπεράσει την πρασινωπό-καφέ, γκρι-μπλε γκάμα και να προχωρήσει στα καθαρά φωτεινά χρώματα. Ξεκινώντας το καλοκαίρι του 1896, τα ανοιχτά και φωτεινά χρώματα εμφανίστηκαν σταδιακά στα έργα του και ο ευάερος χώρος έγινε αισθητός.
Οι πίνακες του Matisse του 1896-1899 είναι γεμάτοι φως, μια διάφανη και ανάλαφρη ατμόσφαιρα, οι δημιουργίες του είναι χαρούμενες, εκφραστικές και ζωηρές. Πρόκειται για πολυάριθμες νεκρές φύσεις, εσωτερικές σκηνές, τοπία της Κορσικής με τους ελαιώνες της, τοπία της Βρετάνης και του νησιού Belle-Ile, όπου ο καλλιτέχνης επέστρεψε το 1897.
Νεοϊμπρεσιονισμός
Από το 1899, μπορεί κανείς να δει πώς ο Matisse απλοποιεί σημαντικά τη μορφή της εικόνας, δηλώνοντάς την με έντονες ευρείες πινελιές ή αντίθετα περιγράμματα, χρησιμοποιώντας όλο και περισσότερο τοπικές παραλλαγές χρώματος χωρίς σκίαση. Αυτό είναι ιδιαίτερα αισθητό στα τοπία "Arquel", "Notre Dame", "Pont Saint-Michel" και μια σειρά αυτοπροσωπογραφιών του 1900, νεκρές φύσεις. Από το 1903, πολλές εικόνες γυμνών και λαμπερών μοντέλων εμφανίζονται στα έργα του Henri Matisse, τον οποίο ο Henri προτιμά να απεικονίζει σε πλήρη ανάπτυξη, αλλά δοκιμάζει και τον εαυτό του στο είδος του πορτρέτου.
Το καλοκαίρι του 1904, για να εργαστεί σε φυσικές συνθήκες, ο Henri πήγε στο Saint-Tropez με τον Paul Signac, ο οποίος από το 1889 δούλευε με κουκκίδες χρησιμοποιώντας την τεχνική του pointillism (divisionism). Η άρνηση της ανάμειξης χρωμάτων στην παλέτα, όταν το οπτικό αποτέλεσμα της μετάβασης του όγκου και του τόνου επιτεύχθηκε μόνο με την εφαρμογή βασικών χρωμάτων σε μικρές ξεχωριστές πινελιές, ενέπνευσε τον Matisse.
Δοκιμάζει τον εαυτό του σε παρόμοια τεχνική και το 1904-1905 δημιουργεί μια σειρά από έργα, μεταξύ των οποίων το «Πολυτέλεια, Ειρήνη και Απόλαυση» θεωρείται το καλύτερο. Οι πίνακές του αυτής της περιόδου είναι φωτεινοί, αλλά τα χρώματα αραιωμένα με το λευκό είναι λιγότερο έντονα και δημιουργούν μια αίσθηση διαφάνειας. Το πάθος του Ανρί για τον πουαντιλισμό εξαφανίζεται τελείως μετά από μερικά χρόνια, βρίσκει το δικό του στυλ, το οποίο ακολουθεί για το υπόλοιπο της ζωής του. Ωστόσο, την περίοδο 1897-1905, ο καλλιτέχνης δημιούργησε τα πιο ζωντανά, πολύχρωμα και χαρούμενα έργα του.
Φωβισμός
Μέχρι το 1905, ο Matisse απλοποιεί τη φόρμα ακόμα πιο σημαντικά και το χρώμα γίνεται το κύριο εκφραστικό μέσο απεικόνισης του. Σε πολλά από τα έργα του ο καλλιτέχνης αρνείται τη διαβάθμιση φωτός-σκιάς. Από το 1906, πολλά πορτρέτα έχουν εμφανιστεί στα θέματά του. Ο Henri Matisse ζωγραφίζει συχνά τη σύζυγό του Amelie Pareire και τη νόθο κόρη του Margarita, η οποία ζει στην οικογένειά του.
Το έτος 1905 έγινε σημείο καμπής στο έργο του καλλιτέχνη. Περνούσε τα καλοκαίρια του στο μικρό χωριό Collioure στις ακτές της Μεσογείου με τους καλλιτέχνες Maurice Vlaminck και Andre Derain. Οι σύντροφοι ανέπτυξαν ένα νέο στυλ, το οποίο ήταν ήδη ξεκάθαρα ορατό στα τελευταία έργα του Matisse: επίπεδες φόρμες με αιχμηρά, μερικές φορές αντίθετα περιγράμματα, έντονα καθαρά χρώματα, χωρίς τονική και συχνά φωτεινή-σκιά συνοχή. Μια μικρή ομάδα καλλιτεχνών με ομοϊδεάτες σχηματίστηκε γύρω από τους Matisse, Derain και Vlaminck.
Έτσι σχηματίστηκε ένα κίνημα, ο «Φωβισμός», που προέρχεται από τη γαλλική λέξη fauve, δηλαδή «άγριο». Αυτός ο όρος συνδέθηκε για πάντα με το στυλ λόγω μιας από τις κριτικές κριτικές μετά την πρώτη έκθεση Φωβιστών, που πραγματοποιήθηκε στο Φθινοπωρινό Σαλόνι το 1905. Η έκθεση προκάλεσε μια σκανδαλώδη αίσθηση, το κοινό μπερδεύτηκε και οι κριτικοί ήταν αγανακτισμένοι. Ωστόσο, ο "Γυναίκα με ένα πράσινο καπέλο", ένας από τους δύο πίνακες που εκτέθηκαν από τον Matisse, αποκτήθηκε από τον Leo Stein, έναν Αμερικανό συλλέκτη. Ο Ανρί έλαβε 500 φράγκα για το έργο, ένα μεγάλο ποσό εκείνη την εποχή, που μαζί με τη σκανδαλώδη επιτυχία της έκθεσης τον έκαναν δημοφιλή.
Στην επόμενη έκθεση των Φωβιστών, το έργο «The Joy of Life» του Henri Matisse προκάλεσε μια εξαιρετικά εκνευρισμένη αντίδραση όχι μόνο στους κριτικούς, αλλά και στους μετα-ιμπρεσιονιστές. Ωστόσο, ο Στάιν αγόρασε και αυτό το έργο, το οποίο έγινε εμβληματικό ανάμεσα στα έργα της Φωβιστικής φάσης του έργου του Ματίς.
Από το 1907, η ομάδα των ομοϊδεατών Φωβιστών διαλύθηκε η σημασία του κινήματος δεν κράτησε περισσότερο από τρία χρόνια. Αλλά αυτό δεν επηρέασε τη βελτίωση της τεχνικής του Matisse και συνέχισε να ακολουθεί πάντα το στυλ που είχε αναπτύξει.
Ο Πικάσο στη ζωή του Ματίς
Γύρω στον Απρίλιο του 1906, αυτοί οι δύο μελλοντικοί πολύ διάσημοι ζωγράφοι συναντήθηκαν και έγιναν δια βίου φίλοι αλλά και αντίπαλοι. Ο Matisse και ο Picasso ήταν τακτικοί θαμώνες στο σαλόνι της Gertrude Stein και παρακολουθούσαν τακτικά τις συναντήσεις που γίνονταν τα βράδια του Σαββάτου στη rue de Fleurus. 27. Ο Πάμπλο Πικάσο, όντας 11 χρόνια νεότερος από τον Ματίς, εκείνη την εποχή ξεκίνησε τα πειράματά του στην παραμόρφωση και την καταστροφή της φόρμας. Πριν από αυτό, προσπάθησε να ερμηνεύσει το χρώμα, αλλά όχι τόσο τολμηρά όσο ο Matisse.
Η δουλειά τους συχνά συγκρίνεται από τους κριτικούς τέχνης, πιστεύεται ότι μια από τις κύριες διαφορές μεταξύ των έργων των καλλιτεχνών δεν είναι μόνο ότι ο ένας ερμήνευσε το χρώμα με καινοτόμο τρόπο, και ο άλλος - η μορφή. Ο Ματίς ζωγράφιζε από τη ζωή, ενώ ο Πικάσο ήταν περισσότερο διατεθειμένος να δουλεύει από τη φαντασία του. Τα πιο χαρακτηριστικά θέματα των εικόνων και των δύο δασκάλων ήταν οι γυναίκες και οι νεκρές φύσεις, αλλά ο Matisse προτιμούσε να δίνει τη ζωή σε πλήρως επιπλωμένους ή διακοσμημένους εσωτερικούς χώρους, τις εικόνες των οποίων έδωσε μεγάλη προσοχή σε καμβάδες.
Από το 1907, οι πόζες και οι φιγούρες των γυμνών μοντέλων στους πίνακες του Henri Matisse μοιάζουν συχνά με τις εικόνες του «Les Demoiselles d’Avignon», του πρώτου πίνακα του Πάμπλο Πικάσο που δημιουργήθηκε σε κυβιστικό στυλ. Πιστεύεται επίσης ότι ο κυβισμός αντικατοπτρίστηκε στις συνθέσεις πολλών έργων του Matisse το 1912. Με τη σειρά του, η επιρροή του Αντρέ φαίνεται στο γλυπτό του Πικάσο, στις απεικονίσεις του για το γυναικείο γυμνό της δεκαετίας του 1930.
1906-1917
Μεγάλο μέρος των καλύτερων έργων του Matisse δημιουργήθηκε τη δεκαετία μετά το 1906, όταν ανέπτυξε ένα χαρακτηριστικό, λιτό στυλ δίνοντας έμφαση σε επίπεδες φόρμες και διακοσμητικά μοτίβα. Την περίοδο αυτή ο καλλιτέχνης ταξιδεύει πολύ, κάτι που αποτυπώνεται στα έργα του. Το 1906 πήγε στην Αλγερία για σπουδές Αφρικανική τέχνη, ενσαρκώνοντας τα καλύτερα παραδείγματα πρωτογονισμού.
Αφού είδε τη μεγάλη έκθεση του Μονάχου του 1910 με θέμα τις ισλαμικές τέχνες, ο Matisse έσπευσε στην Ισπανία και σπούδασε μαυριτανική τέχνη για δύο μήνες εκεί. Επισκέφτηκε το Μαρόκο δύο φορές κατά τη διάρκεια του 1912-1913 και πέρασε επτά μήνες εκεί, με αποτέλεσμα πολλά σχέδια και περίπου 24 πίνακες. Ενώ ζωγράφιζε στην Ταγγέρη, ο καλλιτέχνης έκανε αρκετές αλλαγές στο στυλ του, συμπεριλαμβανομένης της χρήσης του μαύρου. Τα ανατολίτικα μοτίβα του ήταν επίσης συχνά θέματα για μεταγενέστερους πίνακες, για παράδειγμα, μια ολόκληρη σειρά οδαλίσκων.
Από το 1906 έως το 1911, ο καλλιτέχνης δημιούργησε τους εξαιρετικούς πίνακές του: "Blue Nude", "Red Turban", "Luxury Items II", "Music", την πρώτη έκδοση του "Dance" και τη δεύτερη, ανάθεση του Ρώσου συλλέκτη Sergei Shchukin. .
Τα «Κόκκινα Ψάρια» του Henri Matisse, όπως και το «Dance II», αναγνωρίζονται ως παγκόσμια αριστουργήματα. Μετά το 1910, σε πολλά από τα έργα του καλλιτέχνη, ο χρωματικός συνδυασμός στρέφεται προς το πράσινο, το μπλε, το γκρι-μπλε και το βιολετί. Οι συνθέσεις γίνονται πιο αυστηρές και οι γραμμές είναι σαφείς, σχεδόν σαν σε σχέδιο, το οποίο είναι αξιοσημείωτο σε διάσημους πίνακες του 1910-1917 όπως "Νεκρή φύση με γεράνι", "Συνομιλία", "Παράθυρο στην Ταγγέρη", "Zora on the Terrace», «Seated Rifine» », «Πορτρέτο της συζύγου του καλλιτέχνη».
Τα επόμενα χρόνια
Το 1917, ο Matisse μετακόμισε στα προάστια της Νίκαιας στη Γαλλική Ριβιέρα και άρχισε να εργάζεται με πιο χαλαρό τρόπο, και το ύφος των πινάκων του αναγνωρίστηκε ως παραδοσιακή γαλλική ζωγραφική τη δεκαετία του 1920. Στη δεκαετία του 1930 υιοθέτησε μια πιο τολμηρή απλοποίηση της μορφής από πριν. Μετά το 1941, όταν ο καλλιτέχνης δυσκολεύτηκε να δουλέψει στο καβαλέτο ως αποτέλεσμα μιας πολύπλοκης επέμβασης, δημιούργησε μια εκπληκτικά φωτεινή σειρά έργων χρησιμοποιώντας την τεχνική κολάζ χαρτιού.
Ο Henri Matisse έζησε μέχρι τα 84 του χρόνια και πέθανε το 1954. Κατά τη μακρά και έντονη περίοδο της δημιουργική δραστηριότηταδημιούργησε γλυπτά, βιτρό, σκίτσα για το ρωσικό μπαλέτο του Sergei Diaghilev, εργάστηκε πάνω εικονογραφήσεις βιβλίων, καλλιτεχνική σχεδίαση εσωτερικών χώρων ακόμα και του μοναστηριού παρεκκλήσιου. Αλλά το μεγαλύτερο πλεονέκτημα του Matisse ως θεμελιώδους μορφής της μοντέρνας τέχνης είναι η εκφραστική γλώσσα του χρώματος και του σχεδιασμού του, που εμφανίζεται σε μια ποικιλία έργων.
Ο Matisse έζησε μια μακρά ζωή, κατά τη διάρκεια της οποίας δημιούργησε πολλά ΠΙΝΑΚΕΣ ΖΩΓΡΑΦΙΚΗΣ, γραφικά έργα, γλυπτικές συνθέσεις από κεραμικά και πάνελ, συμπεριλαμβανομένων εκείνων που χρησιμοποιούν την τεχνική decoupage. Το έργο του εκτιμήθηκε από τους συγχρόνους του σε όλο τον κόσμο, αν και οι καινοτόμες τεχνικές του συχνά έγιναν αιτία έντονων συζητήσεων.
Νεολαία
Ο Henri Matisse γεννήθηκε στη βόρεια Γαλλία το 1869 στην οικογένεια ενός επιτυχημένου εμπόρου σιτηρών. Κληρονόμησε την αγάπη του για την τέχνη από τη μητέρα του, που τον ενδιέφερε καλλιτεχνική ζωγραφικήκεραμικά. Αν και, σύμφωνα με την παράδοση, ήταν ο Henri (ως ο μεγαλύτερος γιος) που έπρεπε να γίνει επικεφαλής της οικογενειακής επιχείρησης, μετά την αποφοίτησή του από το Lycée Henri Martin στο Saint-Quentin, πήγε στην πρωτεύουσα για να σπουδάσει νομικά στο διάσημο Σχολείονομικές επιστήμες. Το 1888, ο Matisse έλαβε πτυχίο νομικής και, επιστρέφοντας στη γενέτειρά του, άρχισε να εργάζεται ως υπάλληλος σε έναν τοπικό δικηγόρο.
Τα πρώτα βήματα στην τέχνη
Μάλλον, ο Ματίς θα είχε κάνει μια καλή καριέρα στη νομική, αν όχι για τύχη. Το γεγονός είναι ότι το 1889 ο νεαρός άνδρας νοσηλεύτηκε με οξεία επίθεση σκωληκοειδίτιδας και αναγκάστηκε να περάσει δύο μήνες εκεί για να διασκεδάσει τον γιο του, η Μαντάμ Ματίς του έδωσε ακουαρέλα, και άρχισε να περνάει την ώρα αντιγράφοντας έγχρωμες καρτ ποστάλ. Αυτή η δραστηριότητα γοήτευσε τον νεαρό τόσο πολύ που αφού πήρε εξιτήριο από το νοσοκομείο, είπε στους γονείς του τη σταθερή του πρόθεση να γίνει καλλιτέχνης. Παρά την αντίσταση του πατέρα του, ο Henri γράφτηκε σε μια σχολή σχεδίου στην πόλη Tours, όπου οι σχεδιαστές εκπαιδεύτηκαν για να εργαστούν στην κλωστοϋφαντουργία. Παράλληλα συνέχισε να ασκεί τη δικηγορία.
Σπουδές στο Παρίσι
Το 1892, ο Matisse αποφασίζει να αφοσιωθεί στη ζωγραφική. Για το σκοπό αυτό, πηγαίνει ξανά στο Παρίσι και μπαίνει στην Julian Academy, όπου σπουδάζει πρώτα με τον A. Bouguereau και μετά στη Σχολή Καλών Τεχνών με τον τελευταίο να του προβλέπει ένα λαμπρό μέλλον και να είναι από τους πρώτους που σημείωσαν καινοτομία του νεαρού καλλιτέχνη, που εκφράζεται με τολμηρούς συνδυασμούς διαφορετικών χρωμάτων. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, ο καλλιτέχνης Matisse περνούσε συχνά τις μέρες του στο Λούβρο, αντιγράφοντας αριστουργήματα παλαιών δασκάλων και διάσημων καλλιτεχνών του 19ου αιώνα, τα οποία, σύμφωνα με την παραδοχή του σε μεγάλη ηλικία, βοήθησαν πολύ τον πλοίαρχο στην περαιτέρω δουλειά του.
Ιμπρεσιονιστική περίοδος
Από το 1896, οι πίνακες του Matisse άρχισαν να εκτίθενται σε διάσημα σαλόνια στο Παρίσι και κέρδισε μια ορισμένη φήμη μεταξύ των παριζιάνων φιλότεχνων. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου ο καλλιτέχνης είναι υπό ισχυρή επιρροήιμπρεσιονιστές και οι οπαδοί τους. Επιπλέον, πολύ συχνά, όταν μιλούν για τις δημιουργίες των μετα-ιμπρεσιονιστών, οι ειδικοί αναφέρουν ως παράδειγμα μερικά από τα έργα που δημιούργησε ο Matisse: τις νεκρές φύσεις "Bottle of Schiedam", "Fruit and Coffee Pot", "Dessert", " Πιάτα και φρούτα».
Τα επόμενα χρόνια, ο καλλιτέχνης άρχισε επίσης να ασχολείται με τη γλυπτική και να εργάζεται με την τεχνική του διχασμού, η οποία περιελάμβανε τη χρήση ξεχωριστών κουκκίδων. Το 1905, προέκυψε μεγάλη διαμάχη σχετικά με τον τρόπο ζωγραφικής του πίνακα του Ματίς «Πολυτέλεια, Ειρήνη και Ηδονότητα», στον οποίο συνδύασε τον αρ νουβό διακοσμητισμό με τον πουαντιλισμό.
Φωβισμός
Λαμβάνοντας υπόψη το έργο του Matisse, δεν μπορούμε να μην αναφέρουμε τη νέα κατεύθυνση της ζωγραφικής, ιδρυτής της οποίας ήταν αυτός ο καλλιτέχνης. Μιλάμε για Φωβισμό. Άρχισαν να μιλούν για αυτόν ως ένα εξαιρετικά ενδιαφέρον φαινόμενο μετά το φθινοπωρινό Σαλόνι του 1905. Για αυτήν την έκθεση, ο Matisse ζωγράφισε πολλά έργα, συμπεριλαμβανομένου του διάσημου πίνακα "Γυναίκα με ένα πράσινο καπέλο". Επιπλέον, κατά την πρώτη δεκαετία του 20ου αιώνα, ο καλλιτέχνης άρχισε να ενδιαφέρεται ενεργά για την αφρικανική γλυπτική, τις αραβικές διακοσμητικές τέχνες και τις ιαπωνικές ξυλογραφίες και σύντομα άρχισαν να διαπερνούν τα έθνικ μοτίβα τους πίνακές του. Ωστόσο, αυτό δεν εμπόδισε τους ειδικούς να θεωρήσουν τα έργα αυτής της περιόδου ως αναπόσπαστο μέρος του Φωβισμού.
"Matisse Academy"
Το 1908, ο καλλιτέχνης ίδρυσε τη ζωγραφική στο Παρίσι. Ονομαζόταν Ακαδημία Ματίς και κατά το διάστημα που δίδασκε εκεί αποφοίτησαν 100 μαθητές από τη Γαλλία και άλλες ευρωπαϊκές χώρες. Η εκπαίδευση στο σχολείο ήταν δωρεάν, αφού ο καλλιτέχνης δεν επιδίωκε εμπορικούς στόχους και ήθελε μόνο να μεταφέρει το όραμά του για την τέχνη στη νεότερη γενιά.
Παράλληλα με τις διδακτικές του δραστηριότητες, ο Ματίς ζωγράφιζε. Έτσι, δημιούργησε τρία για το σπίτι της Μόσχας του διάσημου Ρώσου συλλέκτη S.I. Shchukin. Συγκεκριμένα, το έργο του «Χορός», που σήμερα μπορεί κανείς να δει στο Ερμιτάζ, θεωρείται ένα από τα πιο διάσημα έργα του ζωγράφου.
Δημιουργικότητα μεταξύ των δύο παγκοσμίων πολέμων
Το 1920, ο καλλιτέχνης δημιούργησε σκίτσα με κοστούμια και σκηνικά για το μπαλέτο «The Nightingale» του I. Stravinsky και έγραψε τον κύκλο «Odalisques» σε μίμηση του Renoir. Οι πίνακες του Matisse αυτής της περιόδου, ιδιαίτερα το "Compoter and Flowers", του έφεραν φήμη μεταξύ των Αμερικανών φιλότεχνων. Δέκα χρόνια αργότερα, ο καλλιτέχνης ταξιδεύει στην Ταϊτή και στη συνέχεια δημιουργεί μια τοιχογραφία με οκτώ χορευτικές φιγούρες για το Ίδρυμα Barnes στη Φιλαδέλφεια. Στη διαδικασία εργασίας για σκίτσα για αυτό μνημειώδες έργοχρησιμοποιεί συχνά την τεχνική του ντεκουπάζ. Στη συνέχεια γνωρίζει τη βασική του μούσα, τη Lydia Delectorskaya, η σχέση της οποίας γίνεται η αιτία του διαζυγίου του με τη Madame Matisse. Τα πορτρέτα του νεαρού Ρώσου μετανάστη, στα οποία ο καλλιτέχνης εξέφρασε όλη τη ζέση του μετέπειτα πάθους του, κοσμούν σήμερα τα καλύτερα μουσεία στον κόσμο και μπορούν να τα δει κανείς και στη Ρωσία.
Η ζωή στα χρόνια της κατοχής
Δεύτερος Παγκόσμιος πόλεμοςέγινε μια δύσκολη δοκιμασία για τον Ματίς. Με τη θέληση της μοίρας, παραμένει στη Νίκαια ολομόναχος, μακριά από τα παιδιά του, και η μόνη του παρηγοριά είναι η Λυδία Ντελέκτορσκαγια. Ευτυχώς, η απελευθέρωση της Γαλλίας από τους Συμμάχους σώζει από τον θάνατο την κόρη και την πρώην σύζυγο του καλλιτέχνη, που κρατήθηκαν από την Γκεστάπο για αντιφασιστικές δραστηριότητες.
«Παρεκκλήσι του Ροδαρίου»
Το 1948-1953 Ένας καλλιτέχνης εργάζεται για την εσωτερική διακόσμηση του παρεκκλησιού Roser στο Vence. Σήμερα είναι γνωστό ως το «Ροζάριο Παρεκκλήσι». Σε αυτό το τελευταίο έργο, ο πλοίαρχος συνέθεσε ό,τι καλύτερο υπήρχε στη δουλειά του τα προηγούμενα χρόνια.
Οι τοίχοι του παρεκκλησίου είναι καλυμμένοι με εφυαλωμένες πλάκες άσπρο, που απεικονίζουν τον Άγιο Δομίνικο ως απρόσωπη μορφή ύψους 4,5 μ. και την Παναγία με το Παιδί Ιησού. Μπορείτε επίσης να δείτε σκηνές της Τελευταία Κρίσης, ζωγραφισμένες μόνο με μαύρη μπογιά, και το παρεκκλήσι στέφεται με μια εικόνα του ουρανού, πάνω από την οποία επιπλέει ένας διάτρητος σταυρός.
Χαρακτηριστικά της δημιουργικότητας
Οι πίνακες του Matisse ζωγραφίζονταν συνήθως σε σειρά, αφού ο καλλιτέχνης, επιδιώκοντας την τελειότητα, δημιούργησε πολλές εκδοχές του ίδιου έργου ταυτόχρονα. Τα κύρια θέματα των έργων είναι χοροί, ποιμενικά, μουσικά όργανα, όμορφα βάζα με ζουμερά φρούτα, εξωτικά αγγεία, χαλιά και πολύχρωμα υφάσματα, καθώς και θέα από το παράθυρο.
Για να μεταφέρετε την ευχαρίστηση του χρώματος και της ομορφιάς των εξωτερικών μορφών - αυτό είναι ο κύριος στόχος, την οποία επιδιώκει ο Matisse. Πίνακες, τα ονόματα των οποίων είστε ήδη εξοικειωμένοι, αποτελούν πλέον μέρος της διακόσμησης ιδιωτικών συλλογών και μουσείων σε όλο τον κόσμο, ενώ επίσης σπάνε ρεκόρ τιμών σε δημοπρασίες.
Έργα που εκτίθενται σε μουσεία της χώρας μας
Σας ενδιαφέρει η τεχνική με την οποία ζωγράφιζε ο Matisse; Οι πίνακες (με τίτλους φυσικά) φαίνονται και στη Ρωσία. Συγκεκριμένα, στο Ερμιτάζ εκτίθενται αρκετοί πίνακες αυτού του καλλιτέχνη, όπως «Μπλε γλάστρα και λεμόνι», «Πιάτα στο τραπέζι», «Άποψη του Κολιούρ» κ.λπ. Επιπλέον, στο Μουσείο. Ο Πούσκιν φιλοξενεί έργα όπως «Κόκκινα ψάρια» και «Μπλε κανάτα».
Η Γαλλία έχει δώσει στον κόσμο έναν τεράστιο γαλαξία εξαιρετικών καλλιτεχνών, ένας από τους οποίους είναι ο μεγαλύτερος και λαμπρότερος εκπρόσωπος του καλλιτεχνικού κινήματος του Φωβισμού, ο Henri Matisse. Η καριέρα του ξεκίνησε το 1892, όταν ο μελλοντικός καλλιτέχνης πέρασε με επιτυχία τις εξετάσεις στην Ακαδημία Τζούλιαν του Παρισιού. Εκεί τράβηξε την προσοχή του Gustave Moreau, ο οποίος προέβλεψε μια λαμπρή καριέρα στον Matisse στον καλλιτεχνικό χώρο.
Από τις αρχές του 20ου αιώνα, ο Matisse άρχισε να αναζητά τον εαυτό του. Διανύει έντονα χρόνια αντιγραφής και δανεισμού, ζωγραφίζοντας πολλά αντίγραφα διάσημων πινάκων από το Λούβρο, προσπαθώντας να βρει το δικό του στυλ. Το πάθος για τον ιμπρεσιονισμό που κυριαρχούσε εκείνη την εποχή έδωσε στον Matisse την ευκαιρία να επεξεργαστεί τον τρόπο μεταφοράς της φόρμας και της χρωματικής παλέτας.
Οι κριτικοί τέχνης εκείνων των χρόνων σημείωσαν ότι ο Matisse έχει μια μοναδική παρουσίαση χρώματος στους καμβάδες του, φτιαγμένα σε ιμπρεσιονιστικό στυλ. Ο καλλιτέχνης χαρακτηρίστηκε από τη χρήση φωτεινών, δυνατών, ελαφρώς τοξωτών πινελιών με κυριαρχία εξαιρετικά φωτεινού, κορεσμένου χρώματος.
Όπως ο διάσημος δάσκαλος του ιμπρεσιονισμού Paul Signac, ο Matisse ενδιαφέρεται για τον πουαντιλισμό, έναν τύπο ιμπρεσιονισμού που χρησιμοποιεί πολλές αποσυντιθέμενες κουκκίδες για να μεταφέρει μια εικόνα. Ήταν αυτό το στυλ που βοήθησε τον καλλιτέχνη να επιλέξει τελικά τον Φωβισμό ως τον καταλληλότερο τρόπο για να αντικατοπτρίζει τη γύρω πραγματικότητα.
Στην πραγματικότητα, ο Matisse ήταν ο πραγματικός ιδρυτής του Φωβισμού. Η γαλλική μετάφραση αυτού του όρου είναι "άγρια". Αυτή η λέξη συσχετίζεται με την έννοια του "δωρεάν", δηλαδή δεν υπόκειται σε γενικά αποδεκτούς κανόνες.
Η αρχή του θριάμβου του Matisse μπορεί να θεωρηθεί ο πίνακας του «Γυναίκα με πράσινο καπέλο», που εκτέθηκε από τον καλλιτέχνη το 1904. Στον καμβά, ο θεατής είδε μια σχεδόν επίπεδη εικόνα μιας γυναίκας με ένα πρόσωπο που χωρίζεται από μια πράσινη λωρίδα. Έτσι, ο Matisse απλοποίησε την εικόνα όσο το δυνατόν περισσότερο, επιτρέποντας μόνο σε ένα χρώμα να κυριαρχεί.
Ήταν η επικράτηση του χρώματος έναντι της μορφής και του περιεχομένου που έγινε η κύρια αρχή του Φωβισμού. Η ουσία αυτού του στυλ επηρεάστηκε πολύ από το πάθος του Matisse εξωτικά είδητέχνη. Ο καλλιτέχνης ταξίδεψε πολύ, μεταξύ άλλων στην αφρικανική ήπειρο. Η πρωτόγονη αλλά μοναδική τέχνη των φυλών τον εντυπωσίασε και έδωσε ώθηση στην περαιτέρω απλοποίηση της εικόνας στους πίνακες.
Ο πλούτος των χρωμάτων στους καμβάδες του Matisse δανείστηκε από φωτεινά ανατολίτικα αραβουργήματα. Από εκεί προήλθε η γοητεία των καλλιτεχνών με τους οδαλίσκους - Άραβες παλλακίδες-χορευτές, τις εικόνες των οποίων απεικόνιζε στους πίνακές του μέχρι τα τελευταία χρόνιαΖΩΗ. Είναι επίσης γνωστό ότι αφού γνώρισε τον Ρώσο φιλάνθρωπο Σεργκέι Στσούκιν, ο Ματίς άρχισε να ενδιαφέρεται για την αρχαία ρωσική αγιογραφία.
Μετά από πρόσκληση του Shchukin, ο Matisse έρχεται στη Ρωσία και στη συνέχεια ζωγραφίζει τον πιο διάσημο καμβά του, "The Dance", κατόπιν παραγγελίας του. Η «Μουσική» είναι ένα είδος «δίδυμου» αυτής της εικόνας. Και οι δύο πίνακες αντικατοπτρίζουν την ουσία του Φωβισμού - τη φυσικότητα των ανθρώπινων συναισθημάτων, την καθαρότητα της μετάδοσης συναισθημάτων, την ειλικρίνεια των χαρακτήρων, τη φωτεινότητα του χρώματος. Ο καλλιτέχνης πρακτικά δεν χρησιμοποιεί προοπτική, προτιμώντας έντονο κόκκινο και πορτοκαλί αποχρώσεις.
Ο Ματίς επέζησε από δύο παγκόσμιους πολέμους, αλλά παρά τις κακουχίες που βίωσε, δεν έχασε την ειλικρίνεια που προσπαθούσε να ενσαρκώσει στους πίνακές του. Ακριβώς για τον παιδικό αυθορμητισμό, την ειλικρίνεια και την ενθουσιώδη φωτεινότητα των καμβάδων του ο καλλιτέχνης εξακολουθεί να αγαπιέται από τους γνώστες της ζωγραφικής.
Matisse Henri Emile Benois (31/12/1869, Le Cateau, Picardy, - 11/3/1954, Cimiez, κοντά στη Νίκαια), Γάλλος ζωγράφος, γραφίστας και γλύπτης.
Η χρωματική επίδραση των πινάκων του Matisse είναι εξαιρετικά ισχυρή. Η αντίδραση μπορεί, ωστόσο, να είναι και αρνητική, αλλά πάντα πολύ έντονη. Οι πίνακές του είναι ηχηρές, δυνατές φανφάρες, μερικές φορές εκκωφαντικές. Δεν προκαλούν πια ήρεμο θαυμασμό, αλλά οπτικούς παροξυσμούς, αυτό δεν είναι μια «γιορτή για τα μάτια», αλλά ένα αχαλίνωτο όργιο.
Με ποιο τρόπο επιτυγχάνει ο Matisse ένα τόσο δυνατό χρωματικό αποτέλεσμα; Πρώτα απ 'όλα, εξαιρετικά τονισμένες χρωματικές αντιθέσεις. Ας δώσουμε τον λόγο στον ίδιο τον καλλιτέχνη: «Στη ζωγραφική μου «Μουσική» ο ουρανός είναι γραμμένος με ένα όμορφο μπλε χρώμα, το πιο μπλε των μπλουζ, το αεροπλάνο είναι βαμμένο με ένα χρώμα τόσο κορεσμένο που το μπλε, η ιδέα του απόλυτο μπλε, αποκαλύπτεται πλήρως. Το καθαρό πράσινο είχε ληφθεί για τα δέντρα και η κιννάβαρη για τα σώματα. Ένα ιδιαίτερο χαρακτηριστικό: η φόρμα τροποποιήθηκε ανάλογα με την επιρροή των γειτονικών χρωματικών επιπέδων, επειδή η έκφραση εξαρτάται από τη χρωματική επιφάνεια που αγκαλιάζει ο θεατής στο σύνολό του.»
Έχοντας λάβει πτυχίο νομικής, εργάστηκε ως δικηγόρος (1889-1891) Σπούδασε στο Παρίσι - στην Julian Academy (από το 1891) με τον A. V. Bouguereau, στη Σχολή. διακοσμητικές τέχνες(από το 1893) και στη Σχολή Καλών Τεχνών (1895-99) με τον G. Moreau; αντέγραφα έργα παλαιών Γάλλων και Ολλανδών δασκάλων. Επηρεάστηκε από τον νεοϊμπρεσιονισμό (κυρίως τον P. Signac), τον P. Gauguin, την τέχνη της Αραβικής Ανατολής και, ως ένα βαθμό, την αρχαία ρωσική αγιογραφία (ήταν από τους πρώτους στη Δύση που την εκτίμησαν καλλιτεχνική αξία; επισκέφτηκε τη Μόσχα το 1911). Αφού εξοικειώθηκε με το έργο των ιμπρεσιονιστών, μετα-ιμπρεσιονιστών και του Άγγλου ζωγράφου J. Turner, ο A. Matisse αρχίζει να χρησιμοποιεί πιο κορεσμένα χρώματα, δίνοντας προτίμηση στα ανοιχτα χρώματα(«Bois de Boulogne», περ. 1902, Μουσείο Πούσκιν, Μόσχα· «Κήπος του Λουξεμβούργου», περ. 1902, Ερμιτάζ, Αγία Πετρούπολη). Επηρεάστηκε πολύ από την τέχνη του P. Cezanne («Γυμνό. Υπηρέτης», 1900, Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης, Νέα Υόρκη· «Πιάτα στο τραπέζι», 1900, Ερμιτάζ, Αγία Πετρούπολη).
Το 1905-07 ηγέτης του Φωβισμού. Στο διάσημο παριζιάνικο φθινοπωρινό σαλόνι του 1905, μαζί με τους νέους του φίλους, εξέθεσε μια σειρά από έργα, μεταξύ των οποίων και το «Γυναίκα με ένα πράσινο καπέλο». Αυτά τα έργα, που δημιούργησαν μια σκανδαλώδη οργή, έθεσαν τα θεμέλια για τον Φωβισμό. Εκείνη την εποχή, ο Matisse ανακάλυψε το γλυπτό των λαών της Αφρικής, άρχισε να το συλλέγει και άρχισε να ενδιαφέρεται για την κλασική ιαπωνική ξυλογραφία και την αραβική διακοσμητική τέχνη. Μέχρι το 1906 ολοκλήρωσε τη σύνθεση «Η χαρά της ζωής», η πλοκή της οποίας ήταν εμπνευσμένη από το ποίημα «Το απόγευμα ενός φαύνου» του S. Mallarmé: η πλοκή συνδυάζει μοτίβα ποιμενικής και βακκαναλίας. Εμφανίστηκαν οι πρώτες λιθογραφίες, ξυλογραφίες και κεραμικά. Το σχέδιο συνεχίζει να βελτιώνεται, κυρίως με στυλό, μολύβι και κάρβουνο. Τα γραφικά του Matisse συνδυάζουν αραβουργήματα με μια λεπτή απόδοση της αισθησιακής γοητείας της φύσης.
Ξεκινώντας από το 2ο μισό του 1900, ο Matisse ενέκρινε έναν νέο τύπο καλλιτεχνική έκφραση, χρησιμοποιώντας ένα λακωνικό, αιχμηρό και ταυτόχρονα ευέλικτο μοτίβο, μια έντονα ρυθμική σύνθεση, έναν αντιθετικό συνδυασμό λίγων χρωματικών ζωνών, αλλά έντονα φωτεινά και τοπικά (πάνελ για την έπαυλη του S. I. Shchukin στη Μόσχα "Dance" και "Music" , και τα δύο - 1910 , Ερμιτάζ, Λένινγκραντ), τότε πλούσιο σε αποχρώσεις ενός κύριου τόνου, ημιδιαφανές και δεν κρύβει την υφή του καμβά ("Εργαστήρι Καλλιτέχνη", 1911, Μουσείο Καλών Τεχνών Πούσκιν, Μόσχα).
Το 1908-1912, ο Matisse, χρησιμοποιώντας σχεδόν αποκλειστικά καθαρό χρώμα (σε σπάνια έργα χρησιμοποιεί μεταβάσεις και μεικτούς τόνους), χτίζει τους πίνακές του σε τρεις βασικούς τόνους. Το «Σάτυρος και Νύμφη» είναι ένα σύμφωνο του πράσινου, του ροζ και του μπλε, ο «Χορός» είναι μπλε, πράσινο και κόκκινο, οι νεκρές φύσεις χτίζονται πάνω στη συμφωνία του λιλά, του κίτρινου και του κόκκινου ή του μπλε, του βιολετί και του ροζ. Στη συνέχεια, γύρω στο 1912, προχωρά στα τετράχρωμα χρώματα, με έναν από τους τέσσερις τόνους να έχει μια πολύ μικρή θέση στην εικόνα: "Tangier" - μπλε, πορτοκαλί, ροζ, κόκκινο, "On the Terrace" - μωβ, πράσινο , ροζ, μπλε. "Είσοδος στο Kazba" - κατακόκκινο, μπλε, πράσινο, απαλό ροζ. Τα μετέπειτα χρόνια, κατέφυγε σε πιο σύνθετους συνδυασμούς και διεύρυνε σημαντικά την παλέτα του, εισάγοντας μεγαλύτερη ποικιλία αποχρώσεων.
Είναι σημαντικό εδώ να αποκαλύψουμε το νόημα των λόγων του Matisse για την αλληλεπίδραση των καθαρών τόνων. Μιλώντας για αποχρώσεις, ο Matisse, φυσικά, δεν σημαίνει διαβαθμίσεις κορεσμού τόνων - λευκότητας, οι οποίες είναι επίσης δυνατές όταν χρησιμοποιείτε καθαρό χρώμα (στα ιταλικά και τα ρωσικά πρωτόγονα). Ούτε φαίνεται να έχει υπόψη του τις φανταστικές αποχρώσεις που υποτίθεται ότι αντιλαμβάνεται ο θεατής όταν συγκρούονται κορεσμένα επίπεδα χρώματος, ένα είδος απόηχου της νεοϊμπρεσιονιστικής θεωρίας της οπτικής ανάμειξης χρωμάτων. Αυτή η δόνηση είναι πολύ ελαφριά και η αίσθηση των ενδιάμεσων αποχρώσεων είναι παροδική. Εδώ προφανώς μιλάμε για την ανάγκη εισαγωγής μεταβατικών τόνων, στους οποίους ήρθε αργότερα ο Matisse.
Δουλεύοντας με καθαρό χρώμα, ο Matisse θέλει, όπως κάθε ζωγράφος, να αποφύγει τη μονοτονία - την αντίθεση της γραφικότητας, αλλά δεν τα καταφέρνει πάντα σε αυτό και ορισμένα από τα έργα του χαρακτηρίζονται από μονοτονία (πάνελ "Music"). Από την άλλη, στα 10s σίγουρα θέλει να διατηρήσει την καθαρότητα του χρώματος. Αποφεύγοντας την ανάμειξη χρωμάτων, καταφεύγει σε μια τεχνική παρόμοια με τα λούσα των παλιών δασκάλων, βάζοντας πιο ανοιχτόχρωμα σε σκούρα χρώματα, για παράδειγμα, λευκό σε ροζ, λιλά στο μπλε κ.λπ. Στη συνέχεια, για να κάνει το χρώμα να δονείται, το τρίβει έντονα στον καμβά, αντί να χρησιμοποιήσει λευκό, κάνοντας το να γυαλίσει.
Η συνεχής δουλειά στο σχέδιο επέτρεψε στον Matisse να γίνει βιρτουόζος του πινέλου. Τα περιγράμματα στους πίνακές του σχεδιάζονται με σιγουριά με μια κίνηση. Οι πίνακές του είναι συχνά παρόμοιοι (ειδικά στην αναπαραγωγή) με σχέδια με πινέλο. Η επίδρασή τους βασίζεται συχνά σε ένα αριστοτεχνικό, τολμηρό άγγιγμα.
Μερικές φορές χρησιμοποιεί στρώματα διαφορετικής πυκνότητας (για παράδειγμα, στο "Κορίτσι με τουλίπες"), σπρώχνοντας ένα χρώμα προς τα εμπρός εις βάρος ενός άλλου. Ωστόσο, ορισμένα πράγματα από το 1912 είναι ζωγραφισμένα με μια λεία, μονότονη υφή. Αν η επιφάνεια ορισμένων από τους πίνακες του Matisse μπορεί να φαίνεται στεγνή και μονότονη, αυτό δεν υποδηλώνει περιφρόνηση για το υλικό της ζωγραφικής, αδιανόητη για έναν μεγάλο καλλιτέχνη, αλλά έναν περίεργο φόβο της βίας κατά του υλικού. Για τον Matisse, ως διακοσμητικό ζωγράφο, η ενότητα του πίνακα με τη βάση του, τον καμβά, είναι ιδιαίτερα σημαντική, η λευκότητα και η δομή του οποίου λαμβάνεται υπόψη από τον ίδιο, όπως ένας μνημειακός λαμβάνει υπόψη την επιφάνεια του τοίχου. . Αλλά, θυμίζοντας τη βάση, ο Matisse ξεχνά μερικές φορές την ίδια τη βαφή, τα συγκεκριμένα χαρακτηριστικά και τις δυνατότητες της ελαιογραφίας.
Ιδιαίτερη σημασία έχει η τεχνική των ημιτελών λεπτομερειών, ιδιαίτερα εμφανής στο "The Maroccan", "The Ball Game" και άλλα πράγματα. το χρώμα σε εκείνα τα μέρη που ο καλλιτέχνης ήθελε να πνίξει δεν γίνεται πιο θαμπό, αλλά αφήνεται ένας κενός καμβάς (που μερικές φορές γίνεται για να αναδειχθεί φως) ή η λεπτομέρεια παραμένει άβαφη (κυρίως χέρια, πόδια κ.λπ.). Ο Matisse περιορίζεται στη ματ, υγρή ζωγραφική και δεν αφιερώνεται ιδιαίτερη προσοχήζητήματα τιμολογίων. Αυτό είναι ένα αναμφισβήτητο κενό στη δουλειά του, ειδικά αν συγκρίνουμε τη μακροχρόνια σκληρή δουλειά του στις χρωματικές αντιθέσεις, ένα είδος επιστημονική εργασίανα μελετήσει την ψυχοσωματική αντίδραση σε μια συγκεκριμένη χρωματική αντίθεση. Ο Ματίς δεν είναι ικανοποιημένος με το σύστημα πρόσθετων τόνων που ανακάλυψε ο Ντελακρουά, που συγκεντρώθηκαν σε ένα σύστημα από τους ιμπρεσιονιστές. Ψάχνει για παραφωνίες, κραυγές, αιχμηρές συμφωνίες. Εδώ είναι δυνατός ένας παραλληλισμός με τη σύγχρονη μουσική του Στραβίνσκι, του Στράους και άλλων. Αυτός, όπως και αυτοί οι συνθέτες, επηρεάζεται από το άγχος, την ψυχολογική αστάθεια και τα υπερβολικά οξυμένα συναισθήματα του σύγχρονου αστού.
Με τον συγκρατημένο και λιτό τρόπο των έργων του Matisse του 2ου μισού της δεκαετίας του 10, είναι αισθητή η επίδραση του κυβισμού ("The Music Lesson", 1916-17, Museum of Modern Art, Νέα Υόρκη). Τα έργα της δεκαετίας του '20, αντίθετα, διακρίνονται από τον ζωτικό αυθορμητισμό των κινήτρων, τη χρωματική ποικιλομορφία και την απαλότητα της γραφής (σειρά "Odalisques"). Στη δεκαετία του 30-40, ο Matisse, όπως ήταν, συνοψίζει τις ανακαλύψεις των προηγούμενων περιόδων, συνδυάζοντας την αναζήτηση της ελεύθερης διακοσμητικότητας της εποχής του Φωβισμού με μια αναλυτικά σαφή κατασκευή της σύνθεσης (ζωφόρος στο Μουσείο Barnes "Dance", 1931- 32, Merion, Φιλαδέλφεια, Η.Π.Α.), με διακριτικά αποχρώσεις ("Plum Tree Branch", 1948, ιδιωτική συλλογή, Νέα Υόρκη).
Το έργο του Matisse στο σύνολό του έχει μια σειρά από κοινά χαρακτηριστικά. Προσπαθώντας να αντιπαραβάλει τις ταραχώδεις εντάσεις της ζωής του 20ου αιώνα με τις αιώνιες αξίες της ύπαρξης, αναπλάθει τη γιορτινή της πλευρά - την ειρήνη ατελείωτος χορός, η γαλήνια γαλήνη των ειδυλλιακών σκηνών, τα σχέδια των χαλιών και των υφασμάτων, η λάμψη των φρούτων, των αγγείων, των μπρούτζων, των αγγείων και των ειδωλίων. Στόχος του Matisse είναι να αιχμαλωτίσει τον θεατή σε αυτή τη σφαίρα ιδανικών εικόνων και ονείρων, να του μεταδώσει ένα αίσθημα γαλήνης ή ένα αόριστο αλλά μαγευτικό άγχος. Ο συναισθηματικός αντίκτυπος της ζωγραφικής του επιτυγχάνεται κυρίως από τον ακραίο κορεσμό χρωματικό εύρος, η μουσικότητα των γραμμικών ρυθμών, η δημιουργία της επίδρασης της εσωτερικής κίνησης των μορφών και, τέλος, η πλήρης υποταγή όλων των στοιχείων της εικόνας, για την οποία το αντικείμενο μερικές φορές μετατρέπεται σε ένα είδος αραβουργήματος, ένα θρόμβο καθαρού χρώματος ("Κόκκινα ψάρια », 1911, «Νεκρή φύση με ένα κέλυφος», 1940 και τα δύο έργα - στο Μουσείο Καλών Τεχνών του A. S. Pushkin).
Ο Matisse επιτυγχάνει ακεραιότητα και ταυτόχρονα εικαστική ποικιλομορφία, πρώτα απ 'όλα, πραγματοποιώντας μια γνήσια και οργανική σύνδεση μεταξύ χρώματος και μορφής - γραμμική-επίπεδη. Το χρώμα κυριαρχεί τόσο πολύ πάνω από τη φόρμα που μπορεί να θεωρηθεί το αληθινό περιεχόμενο των έργων του, και όλα τα άλλα είναι απλώς μια συνάρτηση εκθαμβωτικού, ισχυρού χρώματος. Το σχέδιο του Matisse ήταν πάντα υποδεέστερο της ποιότητας του χρώματός του. Κατά την περίοδο των πρώτων του αναζητήσεων, κάπως νωθρών και κατά προσέγγιση («Τραπέζι δείπνου»), το σχέδιό του γίνεται σταδιακά πιο έντονο και εκφραστικό. Ο Matisse αντλεί πολλά και ακούραστα από τη ζωή, τα σχέδιά του ανέρχονται σε εκατοντάδες, είναι ένας πραγματικός βιρτουόζος του σχεδίου. Η δεξιοτεχνία του είναι ξεκάθαρα εμφανής σε οποιοδήποτε από τα ζωηρά, ορμητικά σκίτσα του με μοντέλα. Αυτό που είναι αξιοσημείωτο, καταρχάς, είναι η ακρίβεια με την οποία τοποθετεί τη φιγούρα στο φύλλο, βρίσκοντας αμέσως μια αντιστοιχία μεταξύ των αναλογιών της και του επιπέδου του χαρτιού. Ακόμη και τα σκίτσα του είναι συνθετικά. είναι συνήθως διατεταγμένα σε ένα εκφραστικό αραβουργείο, κόβοντας το επίπεδο διαγώνια. Ένα κομμάτι της φύσης μεταμορφώνεται αμέσως από έναν δεκτικό καλλιτέχνη σε ένα παιχνίδι διακοσμητικών κηλίδων και εγκεφαλικών επεισοδίων. Ταυτόχρονα όμως η ζωτικότητα δεν μειώνεται καθόλου, μάλλον τονίζεται έντονα. Χωρίς να σκέφτεται τις λεπτομέρειες, ο Matisse αντιλαμβάνεται τον ίδιο τον άξονα της κίνησης, γενικεύει έξυπνα τις καμπύλες του σώματος και δίνει ακεραιότητα και συνέπεια στη διαίρεση των μορφών. Τα σχέδια του Matisse είναι τόσο αιχμηρά, δυναμικά, απλοποιημένα και λακωνικά, η πλαστικότητά τους είναι τόσο μοναδική που δεν μπορούν να αναμειχθούν με έργα άλλων διάσημων σχεδιαστών της εποχής του. Όσον αφορά τη ζωντάνια και τον αυθορμητισμό, δεν είναι κατώτερα από τα ιαπωνικά, από τις περσικές μινιατούρες σε διακοσμητικό χαρακτήρα και από τα σχέδια του Ντελακρουά σε εκφραστικότητα γραμμών. Επιπλέον, δεν βασίζονται στη «βρασιτεχνία» ή στην προτίμησή τους για θεαματικές άνθηση - είναι εποικοδομητικές με την αληθινή έννοια, επειδή αποκαλύπτουν την πλαστική μορφή με πλήρη πεποίθηση.
Ως γραφίστας, δουλεύοντας με στυλό, μολύβι, κάρβουνο, χαρακτικό, λινογραφία και λιθογραφία, ο Matisse λειτουργεί κυρίως με γραμμή, λεπτή, άλλοτε διακοπτόμενη, άλλοτε μακρύ και στρογγυλό, κόβοντας ένα λευκό ή μαύρο φόντο [Σειρά Themes and Variations, κάρβουνο, στυλό, 1941; εικονογραφήσεις: για τα «Ποιήματα» του Μαλαρμέ, για τις «Πασιφάες» του ντε Μοντερλάντ, για τα «Ποιήματα για την αγάπη» του Ρονσάρ]. Στη δεκαετία του '40, ο Matisse κατέφευγε συχνά στην τεχνική των απλικέ από έγχρωμο χαρτί (σειρά Jazz, 1944-47). Ο Matisse στράφηκε στη γλυπτική από τις αρχές του 1900, αλλά ιδιαίτερα συχνά στη δεκαετία του 20-30 (ανάγλυφο «Γυμνή γυναικεία φιγούρα από την πλάτη», μπρούτζος, 1930, Μουσείο τέχνης, Ζυρίχη). Τελευταία δουλειά Matisse - εσωτερική διακόσμηση (συμπεριλαμβανομένου του βιτρό) του "Chapel of the Rosary" στο Vence, κοντά στη Νίκαια (1953). Ο Matisse πέθανε στο Cimiez κοντά στη Νίκαια στις 3 Νοεμβρίου 1954.
Εξαιρετικός σχεδιαστής, ο Matisse ήταν πρωτίστως χρωματιστής, πετυχαίνοντας το εφέ συντονισμένου ήχου σε μια σύνθεση πολλών έντονων χρωμάτων. Μαζί με τους πίνακές του, είναι γνωστά τα λαμπρά του σχέδια, χαρακτικά, γλυπτά και σχέδια για υφάσματα. Ένα από τα σημαντικότερα έργα του καλλιτέχνη ήταν ο σχεδιασμός και τα βιτρό του Δομινικανού Παρεκκλησίου του Ροδαρίου στο Vence (1951).
Οι Γάλλοι καλλιτέχνες του τέλους του 19ου και των αρχών του 20ου αιώνα ήταν πολύ μερικοί στο χορό. Οι χαριτωμένες μπαλαρίνες του Ντεγκά και οι τολμηρές πρίμα καμπαρέ του Τουλούζ-Λωτρέκ είναι απλώς διαφορετικές μορφές ενός μοντέρνου θέματος χορού. Ο μεγάλος Ανρί Ματίς δεν αποτέλεσε εξαίρεση. «Μου αρέσει πολύ ο χορός. Ο χορός είναι ένα καταπληκτικό πράγμα: Είναι εύκολο για μένα να ζω με τον χορό. Και παρόλο που ο ρεαλισμός είναι ξένος στις εικόνες του Matisse, και οι διακοσμητικοί καμβάδες του έχουν ελάχιστα κοινά με χάλκινα κορίτσια σε tutus, το θέμα του χορού ανέκαθεν αναδύθηκε σε όλα τα σημεία καμπής της δημιουργικής του διαδρομής.
Ο πρώτος στρογγυλός χορός εμφανίστηκε στον πρώιμο πίνακα του καλλιτέχνη "Joys of Life". Αυτό το θέμα αναπτύχθηκε 4 χρόνια αργότερα, όταν ο Matisse άρχισε να εργάζεται στα γιγάντια πάνελ "Dance" και "Music", που ανέθεσε ο διάσημος Ρώσος συλλέκτης και φιλάνθρωπος S.I. Shchukin. Αλλά και πριν από αυτό, το 1907, ο πλοίαρχος έφτιαξε ένα ξύλινο ανάγλυφο με νύμφες που χορεύουν και πολλά επώνυμα βάζα με βάση το ίδιο μοτίβο. Μετά από αυτό, ο Matisse άρχισε να δημιουργεί έναν μνημειώδη καμβά για την έπαυλη του Shchukin στη Μόσχα.
«Όταν χρειάστηκε να κάνω ένα χορό για τη Μόσχα, απλά πήγα στο Moulin de la Galette την Κυριακή. Παρακολούθησα πώς χόρευαν. Μου άρεσε ιδιαίτερα το farandole... Επιστρέφοντας στον τόπο μου, συνέθεσα τον χορό μου μήκους τεσσάρων μέτρων. , τραγουδώντας την ίδια μελωδία». Οι έντονες κόκκινες φιγούρες που στροβιλίζονται σε έναν τρελό στρογγυλό χορό όχι μόνο ενθουσίασαν τον πελάτη, αλλά έφεραν και τη φήμη που άξιζε στον δημιουργό της εικόνας. Δεν είναι τυχαίο ότι σχεδόν ένα τέταρτο του αιώνα αργότερα, ο Matisse επιστρέφει ξανά στο θέμα του χορού.
Η παραγγελία, που ήρθε το 1930 από τον διάσημο Αμερικανό συλλέκτη Άλμπερτ Μπαρνς, ήταν πράγματι δύσκολη: ο διακοσμητικός καμβάς έπρεπε να τοποθετηθεί στους τοξωτούς θόλους πάνω από τα παράθυρα. Ο διαπρεπής πελάτης άφησε σοφά την επιλογή του θέματος και της τεχνικής εκτέλεσης στη διακριτική ευχέρεια του καλλιτέχνη. Αλλά, γυρίζοντας στο αγαπημένο του θέμα, ο Matisse δημιούργησε ένα έργο που δεν έμοιαζε σε καμία περίπτωση με το δυναμικό και θεαματικό πάνελ «Schukin».
Παριζιάνικος χορός" συνελήφθη από τον Ματίς στην έβδομη δεκαετία του. Ωστόσο, θεωρείται ένα από τα πιο τολμηρά και καινοτόμα έργα του καλλιτέχνη. Και όλα αυτά γιατί ειδικά για αυτήν την παραγγελία, ο συγγραφέας επινόησε και ανέπτυξε μια πρωτότυπη τεχνική ντεκουπάζ (που στα γαλλικά σημαίνει " κοπή"). Σαν γιγαντιαίο παζλ, η εικόνα συναρμολογήθηκε από μεμονωμένα θραύσματα. Από φύλλα προζωγραφισμένα με γκουάς, ο μαέστρος έκοψε προσωπικά φιγούρες ή κομμάτια του φόντου με ψαλίδι, τα οποία στη συνέχεια (σύμφωνα με το σχέδιο που υποδεικνύεται σε κάρβουνο ) στερεωμένη στη βάση με καρφίτσες Αυτή η τεχνολογία περιελάμβανε τη γρήγορη αντικατάσταση του ενός κομματιού στο άλλο.
Τα έργα που εκτελούνται με την τεχνική του decoupage θεωρούνται αριστουργήματα του όψιμου και πολύ όψιμου Matisse. Ήδη άρρωστος γέρος, κλινήρης, δεν άφηνε το ψαλίδι και απαιτούσε συνεχώς χρωματιστό χαρτί.
Μάλιστα, το πάνελ «Παρισινός Χορός» υπάρχει σε τρεις εκδοχές. Η παλαιότερη, αλλά ημιτελής έκδοση, είναι ουσιαστικά μια προπαρασκευαστική μελέτη. Με τη δεύτερη, σχεδόν ολοκληρωμένη ολοκληρωμένη δουλειά, υπήρξε ένα προσβλητικό λάθος: ο Matisse έκανε ένα λάθος στο μέγεθος του δωματίου και ολόκληρος ο καμβάς έπρεπε να ξαναγραφτεί. Η τελική έκδοση εγκρίθηκε από τον πελάτη και αναχώρησε με επιτυχία στο εξωτερικό. Και ο προηγούμενος, «ελαττωματικός» καλλιτέχνης το έφερε καρπούς και το 1936 το έδωσε στο Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης της πόλης του Παρισιού για μια μέτρια ανταμοιβή.
Σήμερα, ο «Παρισινός Χορός» δικαίως θεωρείται το μαργαριτάρι της συλλογής αυτού του μουσείου - δεν είναι χωρίς λόγο που χτίστηκε μια ειδική αίθουσα για να εκτεθεί ο γιγαντιαίος καμβάς. Ο πίνακας ήταν σταθερά στερεωμένος πάνω από τρία παράθυρα στους τοξωτούς θόλους και, σύμφωνα με την ειλικρινή παραδοχή του διευθυντή του μουσείου, «δεν υπονοεί τη δυνατότητα μεταφοράς».
Αλλά εδώ οι κάτοικοι της Αγίας Πετρούπολης και της Μόσχας ήταν απίστευτα τυχεροί: το Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης του Παρισιού έκλεισε για μακροχρόνια ανοικοδόμηση. Το μοναδικό πάνελ στάλθηκε στη Ρωσία με μια ευρεία χειρονομία: πρώτα κρεμάστηκε για τρεις μήνες στο Κρατικό Ερμιτάζ και τώρα (από τις 6 Σεπτεμβρίου) φτάνει στο Κρατικό Μουσείο Καλών Τεχνών Πούσκιν. Και μια ακόμη ενδιαφέρουσα λεπτομέρεια: στη διαδικασία της δουλειάς στο "The Parisian Dance", ο Henri Matisse συνάντησε μια απλή Ρωσίδα, τη Lydia Nikolaevna Delecorskaya, η οποία πρώτα έγινε γραμματέας, στη συνέχεια απαραίτητη βοηθός και νοσοκόμα, και στη συνέχεια ο πιο στενός φίλος του καλλιτέχνη και τελευταία μούσα. Τον Οκτώβριο του 1933, η Lydia Delectorskaya μετακόμισε στο σπίτι του Matisse και «έμεινε» εκεί για σχεδόν 22 χρόνια, μέχρι το θάνατο του μεγάλου δασκάλου.
Τα πάνελ του Matisse «Dance» και «Music», που προκάλεσαν σκανδαλώδη αίσθηση στην έκθεση του Φθινοπωρινού Σαλονιού του Παρισιού το 1910, παραγγέλθηκαν στον ήδη διάσημο τότε καλλιτέχνη στη Γαλλία από τον Ρώσο βιομήχανο και συλλέκτη S. Shchukin, ο οποίος κάλεσε τον Matisse να Μόσχα και τον σύστησε στους V. Bryusov , V. Serov, N. Andreev, έδωσε την ευκαιρία να δει αρχαίες ρωσικές εικόνες, από τις οποίες ο Γάλλος καλλιτέχνης ενθουσιάστηκε.
Έτσι φαντάστηκε ο Ματίς την ιδέα αυτών των δύο καμβάδων: «Φαντάζομαι έναν επισκέπτη να μπαίνει μπροστά του Το πάνελ απεικονίζει έναν χορό, έναν στρογγυλό χορό στην κορυφή ενός λόφου Στον δεύτερο όροφο βρίσκεστε ήδη μέσα στο σπίτι, ένα πνεύμα σιωπής βασιλεύει εδώ, και βλέπω μια σκηνή μουσικής με προσεκτικούς ακροατές...» είδε επίσης ο Matisse. μια τρίτη σκηνή, που ενσάρκωνε την απόλυτη ειρήνη.
Το κύριο καθήκον γι 'αυτόν ήταν να επιτύχει την ακεραιότητα αυτών των καβαλέτα ζωγραφικής, που είχαν μικρή σχέση με το αρχιτεκτονικό και διακοσμητικό σύνολο. Και στις δύο συνθέσεις μπορεί κανείς να νιώσει τον απόηχο των φωβιστικών συνθέσεων του Matisse, φτιαγμένες υπό την άμεση εντύπωση του λαϊκού Γαλλικοί χοροί, που τον είδε στη νότια Γαλλία.
Όσοι γνώριζαν καλά τον καλλιτέχνη είπαν ότι ακόμα κι αν ο Shchukin δεν του είχε παραγγείλει μια δεύτερη σύνθεση, θα είχε γεννηθεί. Στον δυναμικό, ξέφρενο «Χορό» μπορεί κανείς να διακρίνει πολύπλοκες γωνίες, μια ασυνήθιστη συνένωση χεριών και σωμάτων, και στον αντίθετο ρυθμό «Μουσική» η βάση της συνθετικής λύσης δεν είναι η δυναμική, όχι η κίνηση, αλλά η απόλυτη ακινησία του απομονωμένου, μετωπικά τοποθετημένες μορφές. Οι δύο καμβάδες, ο ένας με πέντε χορευτικές φιγούρες, ο άλλος με πέντε καθισμένες φλογερές φιγούρες, είναι παρόμοιοι σε χρωματικό σχέδιο, επίπεδη ερμηνεία της μορφής και αφηρημένο θέμα, αλλά αντίθετοι στο ρυθμό. Ο Ματίς, όπως έγραψε ο ίδιος, χρωμάτισε τους πίνακές του «σε σημείο κορεσμού, έτσι ώστε... το μπλε να αποκαλύπτεται εντελώς, όπως η ιδέα του απόλυτου μπλε».
Αφού το "Dance" και το "Music" προκάλεσαν ένα σκάνδαλο στο Φθινοπωρινό Σαλόνι, ο S. Shchukin αρνήθηκε να τα πάρει πίσω και το εξήγησε με αμετροέπεια στην επεξεργασία ορισμένων μορφών. Μερικά νεαρά κορίτσια είχαν μόλις μετακομίσει στο σπίτι του και δεν ήθελε να τα ντροπιάσει. Ωστόσο, μετά από λίγο καιρό άλλαξε γνώμη. Ο Ματίς, ωστόσο, χρειάστηκε να βάλει λίγη κόκκινη μπογιά στη φιγούρα του αγοριού φλαουτίστα για να κρύψει τα σημάδια του φύλου. Τώρα τα πάνελ του Matisse "Dance" και "Music" εκτίθενται στο Κρατικό Μουσείο Ερμιτάζ στην Αγία Πετρούπολη.
Ο Ανρί Ματίς ενδιαφέρθηκε για τους ιμπρεσιονιστές και τους νεοϊμπρεσιονιστές, τον Γκογκέν, και την τέχνη της Αραβικής Ανατολής και σε ηλικία 35 ετών έγινε ο ηγέτης των Φωβ. Το χρωματικό του σχέδιο είναι κομψό και εκλεπτυσμένο, και οι πολύ μουσικοί γραμμικοί ρυθμοί του δημιουργούν το αποτέλεσμα της εσωτερικής κίνησης. Κανένας από τους οπαδούς του Matisse δεν κατάφερε να επιτύχει την πλήρη συνθετική και διακοσμητική υποταγή όλων των στοιχείων της εικόνας όπως ο ίδιος. Ο ίδιος δημιούργησε τον δικό του μοναδικό κόσμο μουσικής, γρήγορου χορού, έναν κόσμο με αστραφτερά ειδώλια, βάζα και φρούτα, έναν κόσμο γαλήνιας ειρήνης και χαρούμενης λήθης.
Ο Henri Matisse γεννήθηκε στις 31 Δεκεμβρίου 1869 στη βόρεια Γαλλία, στο Cateau-Cambresy, και πέρασε τα παιδικά του χρόνια στο Bohin-en-Vermandois. Ο πατέρας του ήταν έμπορος σιτηρών και ονειρευόταν ο γιος του να γίνει δικηγόρος. Ο Matisse, μετά το Lyceum Saint-Quentin, σπούδασε νομικά στο Παρίσι και εργάστηκε για έναν δικηγόρο στο Bohin-en-Vermandois. Δοκίμασε για πρώτη φορά να ζωγραφίσει αφού νοσηλεύτηκε και υποβλήθηκε σε επέμβαση αφαίρεσης της σκωληκοειδούς απόφυσης. Σε ηλικία 20 ετών άρχισε να σπουδάζει σχέδιο στην École Ventine de la Tour και το 1891 πήγε στο Παρίσι, όπου ο Bouguereau και ο Ferrier τον προετοίμασαν να μπει στην École des Beaux-Arts. Στα βραδινά μαθήματα στη Σχολή Διακοσμητικών Τεχνών, γνώρισε τον Albert Marquet και μπήκε στο εργαστήριο του Gustave Moreau στη Σχολή Καλών Τεχνών. Αντέγραψε πολύ στο Λούβρο, ταξίδεψε στη Βρετάνη και το 1897 εξέθεσε ένα από τα πιο σημαντικά ιμπρεσιονιστικά έργα του, τον πίνακα «Εδόρπιο», στο Σαλόνι της Εθνικής Εταιρείας Καλών Τεχνών.
Ο Matisse ονομαζόταν συχνά γιος και σύζυγος ενός milliner. Το 1898, παντρεύτηκε την πανέμορφη ψηλή γυναίκα του Νότου Amelia Noe-mi-Alexandrine Prayer. Και πήγαν μαζί στο Λονδίνο, όπου ο Matisse είδε για πρώτη φορά τα έργα του «προάγγελου του ήλιου», του ρομαντικού που λατρεύονταν από τους ιμπρεσιονιστές, Turner. Ένας από τους φίλους του Matisse θυμάται ότι ο Matisse είπε ότι αγαπούσε το Λονδίνο επειδή «το πρωτογνώρισα στο ΓΑΜΗΛΙΟ ΤΑΞΙΔΙ".
Μετά το Λονδίνο, ο καλλιτέχνης πήγε στην Κορσική, στην Τουλούζη. Όταν πέθανε ο Moreau, ο Matisse άφησε τη Σχολή Καλών Τεχνών και το ίδιο 1899 άρχισε να παρακολουθεί την Ακαδημία Carriere και να ασχοληθεί με τη γλυπτική (σε βραδινά μαθήματα). Μεταξύ των φίλων του ήταν οι Pissarro, Derain, Puy, Marche, με τους οποίους ζωγράφισε μια διακοσμητική ζωφόρο, Mignac, Cross, Maillol κ.ά. διάσημους καλλιτέχνεςεκείνη τη φορά.
Το 1901, ο Matisse άρχισε να εκθέτει τα έργα του στο Salon of Independents, στην Bertha Weil Gallery και στο Autumn Salon. Δουλεύοντας το 1904 με τους Signac και Cross, ο Matisse γοητεύτηκε από τον διβιζιονισμό - ένα σύστημα ζωγραφικής που βασιζόταν στη μεθοδική αποσύνθεση ενός σύνθετου χρωματικού τόνου σε καθαρά χρώματα, στερεωμένα στον καμβά με ξεχωριστές πινελιές, βασιζόμενη στην οπτική τους ανάμειξη στην οπτική αντίληψη.
Και το 1905, ο Ματίς έγινε ο ηγέτης ενός νέου κινήματος - του Φωβισμού. Στο Φθινοπωρινό σαλόνι, οι Manguin, Puy, Marche, Derain, Vlaminck, Walta εξέθεσαν μαζί του, οι οποίοι μοιράστηκαν τις απόψεις του για τη ζωγραφική, όπως και εκείνος, προσπάθησαν να δώσουν την κύρια προσοχή στο χρωματικό σχέδιο των συνθέσεων τους, χτίζοντας τις στη σχέση φωτεινών τοπικών χρωματικών κηλίδων.
Το 1906, στο Salon of Independents, ο Matisse εξέθεσε μια από τις μεγαλύτερες συνθέσεις του, το "The Joy of Life", το οποίο αργότερα χρησίμευσε ως βάση για το πάνελ "Dance". Στο διάστημα αυτό έκανε ξυλογραφίες και λιθογραφίες. Πήγα για λίγο στην Αλγερία και μετά στην Ιταλία.
Το 1907, η ομάδα των Φωβιστών διαλύθηκε και ο Ματίς άνοιξε το δικό του εργαστήριο. Οι πίνακές του εκτίθενται στη Νέα Υόρκη, τη Μόσχα και το Βερολίνο. Εκδίδει τις «Σημειώσεις ενός ζωγράφου» και εγκαθίσταται στο προάστιο του Παρισιού Issy-les-Moulineaux.
Το 1910, ένα σκάνδαλο ξέσπασε στο Φθινοπωρινό Σαλόνι σχετικά με τα πάνελ του "Dance" και "Music". Το 1911, ο Matisse επισκέφτηκε τη Μόσχα, το 1912 - το Μαρόκο, και άρχισε να εκθέτει γλυπτική. Από τότε, οι προσωπικές του εκθέσεις πραγματοποιήθηκαν σε πολλές πόλεις σε όλο τον κόσμο και η γκαλερί Bernheim-Gen οργάνωνε τακτικά τις ατομικές του εκθέσεις.
Το 1920, ο Henri Matisse, μετά από αίτημα του S. Diaghilev, έφτιαξε σκηνικά και σχέδια κοστουμιών για ρωσικά μπαλέτα.
Το 1921, μετακόμισε στη Νίκαια, άρχισε να εργάζεται σε εικονογραφήσεις βιβλίων και, με παραγγελία του Αμερικανού Μπαρνς, έφτιαξε ένα μνημειώδες πίνακα ζωγραφικής «Χορός», που εγκαταστάθηκε στην πόλη Merion το 1933.
Ο γιος του καλλιτέχνη Pierre άνοιξε τη δική του γκαλερί στη Νέα Υόρκη, όπου εξέθεσε τα έργα του πατέρα του. Έχοντας υποβληθεί σε μια σοβαρή επέμβαση το 1941, τα τελευταία χρόνια ο Matisse εργάστηκε περισσότερο ως καλλιτέχνης βιβλίων και άρχισε να ενδιαφέρεται για τα κολάζ.
Ο Matisse αγαπούσε να ζωγραφίζει λουλούδια, δέντρα και γυναίκες πάνω από όλα. Έτσι έγραψε ο ίδιος για τη δουλειά του: «Βασίζομαι εξ ολοκλήρου στο μοντέλο μου, το οποίο μελετάω όταν είναι ελεύθερη να ποζάρει, και μόνο τότε αποφασίζω να επιλέξω για εκείνη μια πόζα που ταιριάζει καλύτερα στην ουσία της νέο μοντέλο, βλέπω μια κατάλληλη πόζα για εκείνη όταν είναι σε κατάσταση χαλάρωσης και γαλήνης, και γίνομαι σκλάβος αυτής της πόζας, μερικές φορές δουλεύω με αυτά τα κορίτσια για πολλά χρόνια μέχρι να στερέψει το ενδιαφέρον μου, εκφράζοντας ίσως την κατάστασή τους του μυαλού με ενδιαφέρει ασυναίσθητα...»
Γι' αυτό οι γυναίκες του είναι σαν λουλούδια και τα λουλούδια σαν ζωντανοί άνθρωποι...
Ο Ματίς έδωσε ένα νέο όραμα για τον κόσμο. Αν ο μεγάλος ΛεονάρντοΟ Ντα Βίντσι υποστήριξε ότι το κύριο θαύμα της ζωγραφικής είναι η ικανότητα να μεταφέρει τον όγκο ενός πράγματος, αλλά ο Ματίς μετέφρασε τα πάντα σε ένα αεροπλάνο. Το μήλο από μπάλα έγινε κύκλος. Ο Ματίς αφαίρεσε το βάθος από τη ζωγραφική και άρχισε να αλλάζει τη φύση, κάνοντάς την σύμφωνη με τις σκέψεις του. Μπορούσε να υποτάξει την ανθρώπινη φιγούρα στη γραμμή του στολιδιού, όπως συμβαίνει στο "Κόκκινο δωμάτιο" του, θα μπορούσε να μετατοπίσει τη φιγούρα σε σχέση με το στήριγμα - το έκανε στο "Standing Zora". Ακόμη και το πάτωμά του έγινε ξαφνικά κεκλιμένο και τα χρώματα έδιναν μια φυσική αίσθηση ρέοντος αποπνικτικού αέρα («Είσοδος στο Kozba») ή κρύου καθαρού νερού σε ένα ενυδρείο («Κόκκινα Ψάρια»).
Με πόση απόλαυση ο Matisse ζωγράφιζε τα σχέδια των ανατολίτικων χαλιών, πόσο προσεκτικά πέτυχε ακριβείς, αρμονικές χρωματικές σχέσεις! Υπέροχο, γεμάτο μυστήριο εσωτερικό φωςκαι τις νεκρές φύσεις του, πορτρέτα, γυμνά.
Οι ιστορικοί τέχνης λένε ότι αν ο Ματίς δεν ήταν ζωγράφος, θα ήταν ανάμεσα στους δέκα καλύτερους Γάλλους γλύπτες. Ήταν ο πρώτος που χρησιμοποίησε την παραμόρφωση για λόγους έκφρασης και, όπως παραδέχτηκε ο ίδιος, αν ο Maillol, όπως οι δάσκαλοι της αρχαιότητας, δούλευε σε τόμους, αυτός, όπως και οι δάσκαλοι της Αναγέννησης, ήταν παθιασμένος με τα αραβουργήματα και αναζητούσε μια εξαιρετική γραμμή της σιλουέτας. Ένα από τα πιο διάσημα χάλκινα αγάλματα του Matisse, το "Large Seated Nude", δημιουργήθηκε τη δεκαετία του 1920, ταυτόχρονα με τους πίνακές του "Odalisque" και "Nude Seated on a Blue Cushion".
Οι σύγχρονοι έλεγαν ότι όταν ο Matisse σκάλιζε, έβρεχε τον πηλό πολύ συχνά, και ως αποτέλεσμα, όταν γύριζε το μηχάνημα, οι φιγούρες συχνά έπεφταν και καταστρέφονταν. Τότε ο Matisse πήρε ένα πινέλο και μετέφερε την πλαστική του όραση στον καμβά.
Ένα από τα τελευταία σημαντικά έργα του Henri Matisse ήταν ο σχεδιασμός του «Παρεκκλησίου του Ροδαρίου» στη Vence κοντά στη Νίκαια, όπου από το 1948 έως το 1951 εργάστηκε ως αρχιτέκτονας, ζωγράφος, γλύπτης και διακοσμητής.
Το σχέδιο, ασυνήθιστο, ελαφρύ, πλαστικό, κατείχε πάντα μια από τις κύριες θέσεις στο έργο του Matisse. Στη δεκαετία του '20, τα σχέδιά του αναπτύχθηκαν καλά και αργότερα άρχισε να ενδιαφέρεται για τα σχέδια με πινέλο, τα οποία ήταν εκπληκτικά πολύχρωμα. Το 1919, μεταξύ των σχεδίων του εμφανίστηκε το "θέμα ενός καπέλου με φτερά στρουθοκαμήλου", το 1935 - το "θέμα των καθρεφτών", το 1940 - το "θέμα μιας γυναίκας σε μια καρέκλα" και το 1944 - το "θέμα του ροδάκινα». Ο τελευταίος του πίνακας στο «Παρεκκλήσι του Ροδαρίου» έγινε επίσης με την τεχνική του σχεδίου - μνημειώδης, εικονιστική και πλαστική.
Ο Louis Aragon, στο ασυνήθιστο μυθιστόρημά του Henri Matisse, έγραψε:
Ολη η ζωή
Ζωγράφισέ του τη λέξη που ακούγεται μέσα του...
Το 1952 άνοιξε το Μουσείο Henri Matisse στο Cateau-Cambresis. Άνοιξε όσο ζούσε ο καλλιτέχνης.
Σε ένα άρθρο με τίτλο «Πρέπει να κοιτάξεις τον κόσμο μέσα από τα μάτια ενός παιδιού», ο Henri Matisse αποκάλυψε το μυστικό της φρεσκάδας και της γοητείας των έργων του: «Πιστεύω ότι για έναν καλλιτέχνη δεν υπάρχει τίποτα πιο δύσκολο από το να ζωγραφίζει ένα τριαντάφυλλο. Αλλά μπορεί να δημιουργήσει το δικό του τριαντάφυλλο μόνο ξεχνώντας τα τριαντάφυλλα που έχουν ζωγραφίσει πριν από αυτόν... Το πρώτο βήμα προς τη δημιουργικότητα είναι να δεις την αληθινή εμφάνιση κάθε αντικειμένου... Να δημιουργήσεις σημαίνει να εκφράσεις αυτό που υπάρχει μέσα σου. ”
Βιογραφία
Ο Henri Émile Benoit Matisse γεννήθηκε την τελευταία μέρα του 1869 στην πόλη Le Ca-teau-Cambresy στη βορειοανατολική Γαλλία στην οικογένεια ενός εμπόρου σιτηρών και χρωμάτων. Τα παιδικά χρόνια του Ματίς ήταν χαρούμενα. Σίγουρα η μητέρα του έπαιξε σημαντικό ρόλο στη μοίρα του αγοριού - έχοντας καλλιτεχνική φύση, εκτός από την εργασία στο οικογενειακό κατάστημα, ασχολήθηκε με την κατασκευή καπέλων και ζωγραφική πορσελάνη.
Αφού άφησε το σχολείο, ο Henri σπούδασε στο Παρίσι για να γίνει δικηγόρος. Μετά την αποφοίτησή του, εργάστηκε ως παρανομικός στο St. Quentin. Το έργο φαινόταν ατελείωτα βαρετό στον Matisse. Το σημείο καμπής στη ζωή του ήταν η αρρώστια. Για να «διώξει» με κάποιο τρόπο τον γιο της όταν ανάρρωνε από εγχείρηση για σκωληκοειδίτιδα, η μητέρα του του έδωσε ένα κουτί με μπογιές. «Όταν άρχισα να γράφω», θυμάται αργότερα ο Matisse, «ένιωσα σαν να ήμουν στον παράδεισο...»
Έχοντας λάβει την άδεια του πατέρα του, πήγε για σπουδές καλλιτέχνη στην πρωτεύουσα, όπου τον Οκτώβριο του 1891 εισήλθε στην Ιουλιανή Ακαδημία. Η σχέση του Matisse με τον Adolphe Bouguereau, στο εργαστήριο του οποίου κατέληξε, δεν λειτούργησε και σύντομα μετακόμισε στη Σχολή Καλών Τεχνών υπό τον Postav Moreau. Ήταν η μοίρα. Πρώτον, ο Moreau αποδείχθηκε εξαιρετικός δάσκαλος. Δεύτερον, εδώ, στο στούντιο του, ο επίδοξος καλλιτέχνης έγινε φίλος με τον Albert Marquet και τον Georges Rouault, τους μελλοντικούς του συντρόφους στον Φωβισμό.
01 - Τραπεζαρία, 1897
02 - Blue Pot and Lemon, 1897
03 - Φρούτα και καφετιέρα, 1899
Με τη συμβουλή του Μορώ, αντέγραφε επιμελώς τα έργα των παλιών δασκάλων στο Λούβρο. Οι ιδέες του πλοιάρχου, που πίστευε ότι το κύριο πράγμα σε έναν ζωγράφο είναι η ικανότητά του να εκφράζει τη στάση του για τον κόσμο με μπογιά, βρήκαν μια ζωηρή ανταπόκριση στην ψυχή του νεαρού Ματίς. Όσο για το στυλ γραφής του εκείνη την εποχή, ήταν κοντά στον ιμπρεσιονιστικό. Αλλά το χρώμα, στην αρχή σιωπηλό, σταδιακά απέκτησε δύναμη και ακόμη και τότε άρχισε να αποκτά ανεξάρτητο νόημα στα έργα του καλλιτέχνη, ο οποίος είδε σε αυτό "μια δύναμη ικανή να τονίσει την αίσθηση".
04 - Πιάτα στο τραπέζι, 1900
05 - Πιατικά και φρούτα, 1901
06 - Περίγραμμα της Notre-Dame τη νύχτα, 1902
07 - Εργαστήριο στη σοφίτα, 1903
Ο Matisse έζησε μια δύσκολη ζωή αυτή την περίοδο. Είχε μια εξώγαμη κόρη που χρειαζόταν φροντίδα. Το 1898, ο καλλιτέχνης παντρεύτηκε την Amelie Pereire. Οι νεόνυμφοι πέρασαν το μήνα του μέλιτος στο Λονδίνο, όπου ο Matisse άρχισε να ενδιαφέρεται για το έργο του μεγάλου μάστερ του χρώματος Turner. Επιστρέφοντας στη Γαλλία, το ζευγάρι έφυγε για την Κορσική (τα εκπληκτικά χρώματα της Μεσογείου έσκασαν στη συνέχεια στους καμβάδες του ζωγράφου). Ο Henri και η Amelie απέκτησαν δύο γιους τον ένα μετά τον άλλο. Ο Ματίς, που δεν είχε χρήματα, σχεδίασε θεατρικές παραστάσεις, και η Αμελί άνοιξε ένα κατάστημα με καπέλα. Εκείνη την εποχή, ο Matisse συνάντησε τον πιο εξέχοντα οπαδό του Seurat, Paul Signac, και ενδιαφέρθηκε για τον διχασμό, το νόημα του οποίου ήταν να γράφει σε ξεχωριστές κουκκίδες καθαρού πρωταρχικού χρώματος. Αυτό το πάθος έγινε αισθητό σε μια σειρά από έργα του.
08 - Μαντάμ Ματίς, 1905
Η εικόνα της Madame Matisse φαίνεται μνημειώδης, αν και στην πραγματικότητα ο καμβάς είναι μικρός σε μέγεθος. Αυτή η εντύπωση προκαλείται από χρωματικές αντιθέσεις που κάνουν το πρόσωπο της ηρωίδας να κυριαρχεί στον καμβά. Σε γενικές γραμμές, όσον αφορά το χρώμα αυτό είναι σχεδόν ένα έργο ιδιοφυΐας. Η εμβληματική πράσινη λωρίδα που σηματοδοτεί τη μύτη αντηχεί σε τόνο από τις σκιές, οι οποίες με τη σειρά τους έρχονται σε αντίθεση με τους ροζ τόνους της σάρκας.
Φόντο με τη συνήθη έννοιαόχι σε αυτό το έργο. Ο χώρος πίσω από τη φιγούρα είναι γεμάτος με τρία επίπεδα χρώματος, ζωγραφισμένα τόσο τολμηρά όσο το πρόσωπο της Μαντάμ Ματίς. Αυτά τα αεροπλάνα παίζουν σημαντικό ρόλο στη ζωγραφική, συμπεριλαμβανομένου ενός συνθετικού. Το πρόσωπο της ηρωίδαςγραμμένο με μικρότερες πινελιές από το φόρεμά της και το φόντο του πίνακα. Ο καλλιτέχνης εμβάθυνε τα χαρακτηριστικά του προσώπου χρησιμοποιώντας λεπτές σκιάσεις και επικαλύπτοντας τόνους σάρκας. Μαλλιά της συζύγου του καλλιτέχνηγραμμένο σε μπλε και μαύρο χρώμα με πιτσιλιές κόκκινου. Το χτένισμα της Madame Matisse θα μπορούσε να κατακλύσει τη σύνθεση, αλλά ισορροπεί από το λαμπερό τιρκουάζ φόντο. Ο Ματίς πάντα προσπαθούσεαπεικονίστε όχι το ίδιο το αντικείμενο, αλλά τη στάση σας σε αυτό που είδατε. Τα σκούρα μάτια και τα τοξωτά φρύδια δίνουν στη Μαντάμ Ματίς μια ισχυρή προσωπικότητα. Μάλλον έτσι αντιλαμβανόταν ο καλλιτέχνης τη γυναίκα του.
Ο Ματίς πέρασε το καλοκαίρι του 1905 στη νότια ακτή της Γαλλίας. Εκεί ξεκίνησε η αποχώρησή του από την τεχνική του διχασμού. Ο καλλιτέχνης βυθίστηκε ασταμάτητα σε πειράματα με το χρώμα, προσπαθώντας να δημιουργήσει ασύλληπτες έως τώρα χρωματικές αντιθέσεις στον καμβά. Στο Φθινοπωρινό Σαλόνι του 1905 έπαιξε μαζί με τους Vlaminck, Derain και Marche. Οι κριτικοί βρήκαν τους πίνακές τους «αιρετικούς». Ο L. Voxel αποκάλεσε τους ίδιους τους συγγραφείς "άγριους" - από αυτή τη γαλλική λέξη γεννήθηκε το όνομα του νέου καλλιτεχνική διεύθυνση("Φωβισμός"), όχι χωρίς υπερηφάνεια, υιοθετήθηκε από νέους επαναστάτες από τη ζωγραφική.
09 - Πλατεία στο Σεν Τροπέ, 1904
Θαυμαστές αυτής της ομάδας βρέθηκαν αμέσως. Ο Λέο Στάιν και η αδερφή του, Γερτρούδη (η διάσημη συγγραφέας), αγόρασαν τον περίφημο πίνακα του Ματίς «Γυναίκα με καπέλο» και ο Πωλ Σινιάκ το έργο του «Πολυτέλεια, Ειρήνη και Απόλαυση». Οι Steins έγιναν φίλοι με τον καλλιτέχνη. Αυτή η φιλία σήμαινε πολλά στη ζωή του. Νέοι φίλοι παρουσίασαν τον Matisse στον νεαρό τότε Πικάσο, μια σειρά σημαντικών κριτικών και τον Ρώσο συλλέκτη S. Shchukin. Όλα αυτά βελτίωσαν σημαντικά την οικονομική κατάσταση του ζωγράφου. Μετακόμισε στο καινούργιο σπίτιστο Issi de Mulino και πραγματοποίησε αρκετά μεγάλα ταξίδια, επισκεπτόμενοι τη Βόρεια Αφρική, την Ισπανία, τη Γερμανία και τη Ρωσία.
10 - Γυναίκα με καπέλο, 1905
11 - Πολυτέλεια, ειρήνη και ευχαρίστηση, 1904
Όπως σε μερικές από τις σκηνές μπάνιου του Σεζάν, ο ήρωας της εικόνας (πιστεύεται ότι πρόκειται για αυτοπροσωπογραφία του συγγραφέα) είναι ντυμένος, ενώ οι γυναίκες δίπλα του είναι γυμνές. Δέντροπλαισιώνει τη σκηνή στα δεξιά, αντηχώντας τον ιστό ενός γιοτ που στέκεται έξω από την ακτή. Μαύρη σκιάπετάγεται από μια γυναίκα που σκουπίζει τα μαλλιά της, δίνει στη σιλουέτα της όγκο και πυκνότητα. Εδώ μπορούμε ήδη να παρατηρήσουμε την απομάκρυνση του Matisse από τα αξιώματα του διχασμού. Αρνείται να ζωγραφίσει τη σκιά με πολύχρωμες «κουκκίδες», που στα μάτια του θεατή πρέπει να αναμειγνύονται, δίνοντας ένα «ολικό» μαύρο χρώμα.
Όταν ο Matisse ζωγράφισε αυτήν την εικόνα, ήταν 34 ετών και βρισκόταν υπό την εμφανή επιρροή του πουαντιλισμού (αυτό, όπως λένε, βρίσκεται στην επιφάνεια), με τον οποίο τον «μόλυνε» ο Paul Signac. Το έργο, που εκτέθηκε στο Salon of Independents το 1905, έκανε μεγάλη εντύπωση στο κοινό. Λίγο αργότερα, ο Signac το αγόρασε για το σπίτι του στο Σεν Τροπέ.
Το στυλ εδώ είναι διχαστικό, αλλά η σύνθεση αποκαλύπτει την επιρροή του Σεζάν - πρώτα απ 'όλα, τους περίφημους «Τρεις Λουόμενους» του, που απέκτησε, παρεμπιπτόντως, ένας θαυμαστής Ματίς από τον Ambroise Vollard το 1899. Μια άλλη πηγή σύνθεσης είναι το θρυλικό «Luncheon on the Grass» του Manet. Μισό αιώνα νωρίτερα, ο Μανέ παρουσίασε στο κοινό τον περιβόητο πίνακα του, όπου σε πρώτο πλάνο βλέπουμε το ίδιο λευκό τραπεζομάντιλο με αυτό του Ματίς, απλωμένο στο έδαφος. Όλα τα άλλα εδώ εφευρέθηκαν από τον ίδιο τον Ματίς. Μεταξύ των ευρημάτων του, σημειώνουμε επιδέξια επιλεγμένες αντιπαραβαλλόμενες αποχρώσεις του μωβ και του πράσινου. Καλός φαίνεται και ο τίτλος αυτού του έργου, δανεισμένος από τον Μπωντλαίρ.
Το 1909, ο S. Shchukin παρήγγειλε δύο πάνελ από τον Matisse για την έπαυλή του στη Μόσχα - "Dance" και "Music". Δουλεύοντας πάνω τους, ο καλλιτέχνης κατάφερε να επιτύχει απόλυτη αρμονία μορφής και χρώματος. "Εμείς Προσπαθούμε για σαφήνεια απλοποιώνταςιδέες και νοήματα», εξήγησε αργότερα. — Το «Dance» το έγραψα μόνο σε τρία χρώματα. Μπλε χρώματο χρώμα αντιπροσωπεύει τον ουρανό, το ροζ αντιπροσωπεύει τα σώματα των χορευτών και το πράσινο το λόφο». Το «ρωσικό» ίχνος στη ζωή του καλλιτέχνη γινόταν όλο και πιο ξεκάθαρο. Ο I. Stravinsky και ο S. Diaghilev τον κάλεσαν να ανεβάσει το μπαλέτο «Το τραγούδι του αηδόνι». Ο Ματίς συμφώνησε - ωστόσο, η πρεμιέρα του έργου έγινε μόλις το 1920, μετά το τέλος του Πρώτου Παγκοσμίου Πολέμου.
12 - Χορός, 1909
13 - Μουσική, 1910
Κατά τη διάρκεια των χρόνων του πολέμου, ο Matisse (ο οποίος δεν κλήθηκε στο στρατό λόγω της ηλικίας του) κατέκτησε ενεργά νέα καλλιτεχνικούς τομείς- χαρακτική και γλυπτική. Έζησε για πολύ καιρό στη Νίκαια, όπου μπορούσε να γράφει με ησυχία. Ο Ματίς έβλεπε τη γυναίκα του όλο και λιγότερο. Ήταν ένα είδος ερημητηρίου, μαγεμένης υπηρεσίας στην τέχνη, στην οποία πλέον αφοσιώθηκε ολοκληρωτικά. Η αναγνώριση του καλλιτέχνη, εν τω μεταξύ, έχει ξεπεράσει εδώ και καιρό τα σύνορα της Γαλλίας.
14 - Μαροκινό τοπίο, 1911-1913
15 - Κόκκινο ψάρι, 1911
16 - Πορτρέτο της συζύγου του καλλιτέχνη, 1912-13
Οι πίνακές του έχουν εκτεθεί στο Λονδίνο, τη Νέα Υόρκη και την Κοπεγχάγη. Από το 1927, ο γιος του, Pierre, συμμετείχε ενεργά στη διοργάνωση των εκθέσεων του πατέρα του. Εν τω μεταξύ, ο Matisse συνέχισε να δοκιμάζει τον εαυτό του σε νέα είδη. Εικονογράφησε βιβλία των Mallarmé, Joyce, Ronsard και Baudelaire και δημιούργησε κοστούμια και σκηνικά για παραγωγές του Ρωσικού Μπαλέτου. Ο καλλιτέχνης δεν ξέχασε τα ταξίδια, τα ταξίδια στις Ηνωμένες Πολιτείες και πέρασε τρεις μήνες στην Ταϊτή.
17 - Yvonne Landsberg, 1914
18 - Τρεις αδερφές. Τρίπτυχο, 1917
19 - Laurette με ένα φλιτζάνι καφέ, 1917
20 - Γυμνή πλάτη, 1918
21 - Μαυριτανική οθόνη, 1917-1921
22 - Μονταλμπάν, 1918
23 - Εσωτερικό με θήκη βιολιού, 1918-1919
24 - Μαύρο τραπέζι, 1919
25 - Γυναίκα μπροστά από ένα ενυδρείο, 1921
26 - Ανοιχτό παράθυρο, 1921
27 - Ανυψωμένο γόνατο, 1922
Το 1930, έλαβε μια παραγγελία από τον Άλμπερτ Μπαρνς για μια τοιχογραφία για να διακοσμήσει το κτίριο της Συλλογής Τέχνης Μπαρνς στο Μέριον, ένα προάστιο της Φιλαδέλφειας. Ο Matisse επέλεξε ξανά τον χορό ως θέμα για τον πίνακα (όπως έκανε πριν από 20 χρόνια όταν δούλευε για τον Shchukin). Έκοψε τεράστιες φιγούρες χορευτών από χρωματιστό χαρτί και τις καρφίτσωσε σε έναν τεράστιο καμβά, προσπαθώντας να βρει την πιο εκφραστική και δυναμική σύνθεση.
Κατά τη διάρκεια αυτών των προκαταρκτικών μελετών, ήρθε ένα μήνυμα ότι είχαν κάνει λάθος με τις διαστάσεις του πίνακα και ο καλλιτέχνης άρχισε να ξαναφτιάχνει τα πάντα με βάση τις νέες «τεχνικές προδιαγραφές». Οι αρχές της διάταξης των μορφών δεν έχουν αλλάξει. Ως αποτέλεσμα, γεννήθηκαν δύο τοιχογραφίες, ζωγραφισμένες στο ίδιο θέμα. Η πρώτη έκδοση εκτίθεται τώρα στο Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης στο Παρίσι και η δεύτερη, αναθεωρημένη, βρίσκεται στο Ίδρυμα Barnes, για το οποίο προοριζόταν.
28 - Χορός, 1932-1933
Με το ξέσπασμα του Β' Παγκοσμίου Πολέμου, ο Ματίς παραλίγο να φύγει για τη Βραζιλία (η βίζα του ήταν ήδη έτοιμη), αλλά στο τέλος άλλαξε γνώμη. Τα επόμενα χρόνια χρειάστηκε να περάσει πολλά. Το 1940 υπέβαλε επίσημα αίτηση διαζυγίου από την Amelie και λίγο αργότερα διαγνώστηκε με καρκίνο στο στομάχι. Ο καλλιτέχνης υποβλήθηκε σε δύο πολύ δύσκολες επεμβάσεις. Για πολύ καιρό, ο Ματίς βρέθηκε κατάκοιτος.
29 - Ροζ γυμνό, 1935
30 - Πορτρέτο της Delectorskaya, 1947
Μία από τις νοσοκόμες που φρόντιζαν τον άρρωστο Ματίς ήταν η Μονίκ Μπουρζουά. Όταν ξανασυναντήθηκαν χρόνια αργότερα, ο Ματίς έμαθε ότι ο φίλος του έπασχε από φυματίωση, μετά τον οποίο πήρε μοναστικούς όρκους με το όνομα Ζακ-Μαρί στο μοναστήρι των Δομινικανών στο Βενς. Ο Jacques-Marie ζήτησε από την καλλιτέχνιδα να διορθώσει τα σκίτσα της από βιτρό για το Παρεκκλήσι του Ροδαρίου του μοναστηριού. Ο Matisse, κατά τη δική του ομολογία, είδε σε αυτό το αίτημα «ένα αληθινά ουράνιο πεπρωμένο και ένα είδος Θεϊκού σημείου». Ανέλαβε ο ίδιος το σχέδιο του Παρεκκλησιού.
31 - Εσωτερικό του παρεκκλησίου του Ροδαρίου στο Vence. Αριστερά: δέντρο της ζωής, βιτρό. Δεξιά: St. Dominic, κεραμικά πλακίδια, 1950
Για αρκετά χρόνια, ο καλλιτέχνης δούλευε ανιδιοτελώς με χρωματιστό χαρτί και ψαλίδι, χωρίς να χάνει ούτε μια λεπτομέρεια από τη διακόσμηση του παρεκκλησίου, μέχρι τα κηροπήγια και τα ιερατικά άμφια. Ο παλιός φίλος του Ματίς, ο Πικάσο, χλεύασε με το νέο του χόμπι: «Δεν νομίζω ότι έχεις το ηθικό δικαίωμα να το κάνεις αυτό», του έγραψε. Τίποτα όμως δεν μπορούσε να τον σταματήσει. Ο αγιασμός του παρεκκλησίου έγινε τον Ιούνιο του 1951.
32 - Πολυνησία, θάλασσα, 1946. Κοπή χαρτιού, γκουάς
33 - Γυμνό, μπλε IV, 1952. Χαρτοκοπή
Ο Matisse, ο οποίος δεν μπόρεσε να παρευρεθεί λόγω ασθένειας, έστειλε επιστολή στον Αρχιεπίσκοπο της Νίκαιας: «Η εργασία στο παρεκκλήσι απαιτούσε τέσσερα χρόνια εξαιρετικά επιμελούς δουλειάς από εμένα και», χαρακτήρισε ο καλλιτέχνης το έργο του, «είναι το αποτέλεσμα ολόκληρη τη συνειδητή μου ζωή. Παρ' όλα τα ελαττώματά της, τη θεωρώ δική μου καλύτερη δουλειά" Η ζωή του τελείωνε. Πέθανε στις 3 Νοεμβρίου 1954, σε ηλικία 84 ετών. Ο Πικάσο αξιολόγησε τον ρόλο του στη σύγχρονη τέχνη σύντομα και απλά: «Ο Ματίς ήταν πάντα ο ένας και μοναδικός».
Άλλες κατευθύνσεις
Odalisques
Το ενδιαφέρον του Matisse για την Ανατολή υπαγόρευσε επίσης τη δημιουργία μιας σειράς πινάκων που απεικονίζουν odalisques (κάτοικοι του χαρεμιού). Τέτοια θέματα ήταν από καιρό δημοφιλή στους Γάλλους καλλιτέχνες. Τα Odalisques ζωγράφισαν οι Ingres, Delacroix και Renoir. Πιθανώς, όχι χωρίς την επιρροή των έργων αυτών των ζωγράφων, ο Matisse ήθελε να πάει στο Μαρόκο και να δει το ανατολίτικο χαρέμι με τα μάτια του.
34 - Odalisque με κόκκινο παντελόνι, 1917
35 - Odalisque με τουρκική καρέκλα, 1928
Στους πίνακές του «Odalisque in Red Shalwars» και «Odalisque with a Turkish Chair», οι κάτοικοι του χαρεμιού απεικονίζονται σε διακοσμητικό φόντο, με χαρακτηριστικά ανατολίτικα ρούχα. Αυτοί οι πίνακες αντικατοπτρίζουν τέλεια την έλξη του καλλιτέχνη, αφενός σε μια απλή μορφή και, αφετέρου, σε ένα περίπλοκο ανατολίτικο στολίδι.
36 - Odalisques σε διάφανη φούστα. Ασπρόμαυρη λιθογραφία, 1929
Ύφασμα με σχέδια
Οι διακοσμητικές ιδιότητες και η ομορφιά του υφάσματος με σχέδια γοήτευσαν πολλούς ζωγράφους. Συνέβη ότι ακριβώς ένα τέτοιο ύφασμα έγινε το κέντρο ολόκληρης της σύνθεσης.
Ο Matisse αγαπούσε τα υφάσματα με σχέδια. Οι τοίχοι του στούντιο του ήταν καλυμμένοι με λαμπερό ύφασμα, το οποίο ενέπνευσε τον καλλιτέχνη να δημιουργήσει το διακοσμητικό φόντο που συναντάται τόσο συχνά στους πίνακές του. Ταυτόχρονα, είναι απολύτως προφανές ότι ανάμεσα στα μοτίβα ο Matisse έδωσε προτίμηση στα floral μοτίβα.
Στην ιστορία της ζωγραφικής μπορείτε να βρείτε πολλούς από τους ίδιους λάτρεις όλων αυτών. Έτσι, στον πίνακα του Gauguin «Two Tahitian Women on the Seashore» (1891), το σχέδιο που υπάρχει στα ρούχα ενός από τα κορίτσια γίνεται οργανικό μέρος του χρωματικού συνδυασμού ολόκληρης της σύνθεσης. Στα έργα του Klimt, τα φωτεινά υφάσματα συχνά συγχωνεύονται με ένα διακοσμητικό φόντο, σχηματίζοντας ένα φανταστικό μοτίβο που συνυπάρχει με τα πραγματικά στοιχεία της σύνθεσης.
Γκωγκέν «Δύο γυναίκες από την Ταϊτή στην ακτή», 1891
Ingres "Portrait of Madame Moitessier", 1856
Ύφασμα βαμμένο συχνά. Στο περίφημο «Portrait of Madame Moitessier» (1856), η ηρωίδα απεικονίζεται με ένα πολυτελές φόρεμα από ύφασμα με σχέδια. Ορισμένοι κριτικοί, παρεμπιπτόντως, κατηγόρησαν τον συγγραφέα για το γεγονός ότι το εξαιρετικά σχεδιασμένο ύφασμα εδώ αποσπά την προσοχή από την ίδια τη Madame Moitessier. Ήταν αυτός ο πίνακας της Ingres που ενέπνευσε τον Matisse να δημιουργήσει τη Lady in Blue (1937).
37 - Κυρία με τα μπλε, 1937
Γλυπτική
Ο Matisse άρχισε να σπουδάζει γλυπτική σε ηλικία είκοσι ετών και τις επόμενες τρεις δεκαετίες δεν εγκατέλειψε αυτές τις δραστηριότητες, οι οποίες ήταν για αυτόν ένα είδος «ανάπαυσης» από τη ζωγραφική και μια εργαστηριακή μελέτη που βοήθησε στην επίλυση ορισμένων προβλημάτων «κατασκευής» σχήματος και Ενταση ΗΧΟΥ. Η άποψή του για τη γλυπτική βασίστηκε, γενικά, σε «εικαστικές» ιδέες (η τέχνη δεν είναι αντίγραφο της πραγματικότητας, αλλά έκφραση μιας καλλιτεχνικής κοσμοθεωρίας), κάτι που επιβεβαιώνεται, για παράδειγμα, από το «Reclining Nude», 1906.
38 - Ανακλινόμενο γυμνό, 1906
Ο καλλιτέχνης συνέχισε να αναζητά μια απλή μορφή στη γλυπτική - ας θυμηθούμε, για παράδειγμα, τις γλυπτικές εικόνες του κεφαλιού της Jeannette, που δημιούργησε ο Matisse το 1910-13. Το "Jeanette I" δημιουργήθηκε ρεαλιστικό τρόπο, αλλά αργότερα το ίδιο κεφάλι υφίσταται χαρακτηριστικές μεταμορφώσεις, τείνει να πάρει μια πιο αφηρημένη μορφή.
39 - Ζανέτ
Τζαζ
Το 1947, ο Matisse έλαβε μια πρόταση να συντάξει ένα άλμπουμ με «αυτοσχεδιασμούς σε χρώμα και ρυθμό» με το όνομα «Jazz», το οποίο θα ήταν ένα οπτικό ανάλογο των συνθέσεων των διάσημων μουσικών της τζαζ Louis Armstrong και Charlie Parker. Ενώ εργαζόταν πάνω σε αυτό, ο καλλιτέχνης έκοψε φιγούρες από φύλλα χαρτιού ζωγραφισμένα με γκουάς, «γλύπτοντας γλυπτά σε ζωντανό χρώμα» και «ζωντανεύοντας» τις παιδικές του αναμνήσεις από το έλκηθρο. κλόουν του τσίρκου, γυμναστές και καουμπόηδες.
Ένα ψαλίδι έγινε ένα εργαλείο που του επέτρεψε να λύνει πιεστικά προβλήματα χρώματος, σχήματος και χώρου. «Οι σιλουέτες από χαρτί», όπως αναφέρει ο Matisse, «μου δίνουν την ευκαιρία να γράφω με καθαρό χρώμα και αυτή η απλότητα εγγυάται την ακρίβεια. Δεν πρόκειται για επιστροφή στην προέλευση, αυτός είναι ο τελικός προορισμός της αναζήτησης».
40 - Ίκαρος, 1947
41 - Τσίρκο, 1947
42 - Άλογο, Αναβάτης και Κλόουν, 1947
43 - Έλκηθρο, 1947
Ομορφη
Ο Matisse ήρθε για πρώτη φορά στη Νίκαια το 1917 και αμέσως ερωτεύτηκε την πόλη. Ο καλλιτέχνης αιχμαλωτίστηκε απόλυτα από το τοπικό φως - "μαλακό και λεπτό, παρά τη λάμψη του". Ο Matisse εξομολογήθηκε κάποτε σε έναν από τους φίλους του: «Όταν συνειδητοποίησα ότι μπορούσα να ξυπνάω κάθε πρωί ανάμεσα σε αυτό το φως, ήμουν έτοιμος να πεθάνω από ευτυχία. Μόνο στη Νίκαια, μακριά από το Παρίσι, τα ξεχνάω όλα, ζω ήρεμα και αναπνέω ελεύθερα».
Μια ολόκληρη περίοδος στο έργο του Ματίς καθορίστηκε από την παραμονή του στη Νίκαια - μια από τις πιο γόνιμες. Εδώ ζωγράφισε πάνω από πενήντα από τα οδαλίσκους του, καθώς και μια σειρά από οικιακές σκηνές και μια σειρά από απόψεις από το παράθυρο - όπως το «Γυναίκα στο παράθυρο».
44- Γυναίκα στο παράθυρο, 1924
45 - Εσωτερικό, Νίκαια, 1919
Χάρτινες γυναίκες
Τα τελευταία χρόνια της ζωής του, ο Matisse δεν σταμάτησε να πειραματίζεται (δεν βαρέθηκε ποτέ να το κάνει αυτό). Το επόμενο χόμπι του ήταν να «ζωγραφίζει» χρησιμοποιώντας φιγούρες κομμένες από χαρτί.
46 - Τσούμλα, 1950. Κοπή χαρτιού
Μέχρι το 1952, η απλότητα του Matisse είχε γίνει ακόμη πιο «απλοποιημένη». Το πιο χαρακτηριστικό έργο αυτής της σειράς είναι το "Bather in the Reeds". Την ίδια χρονιά, ο Matisse παρήγαγε τουλάχιστον μια ντουζίνα από τα «μπλε γυμνά» του, που απεικονίζονται σε χαλαρές πόζες. Κόβονται από χρωματιστό χαρτί και τοποθετούνται σε λευκό φόντο. Όπως συμβαίνει με πολλά πράγματα, αυτές οι συνθέσεις φαίνονται απατηλά απλές. Στην πραγματικότητα, η «ουρλιαχτή» απλότητά τους κρύβει το πραγματικά τιτάνιο έργο του δασκάλου.
Δημιουργία πίνακα ζωγραφικής
Ο Matisse απαθανάτισε τη διαδικασία δημιουργίας μερικών από τους πίνακές του σε φωτογραφίες, επιτρέποντάς μας να παρακολουθήσουμε την επίπονη αναζήτησή του για την «τελευταία» σύνθεση. Ενώ εργαζόταν στη «Ρουμανική μπλούζα» (και σε άλλους καμβάδες), ο καλλιτέχνης προσπάθησε να απλοποιήσει τη φόρμα και να την κάνει πιο μνημειακή. Υπάρχουν 15 φωτογραφίες της «ρουμανικής μπλούζας» σε διαφορετικά στάδια της «γέννησής» της. Από αυτά, επιλέξαμε τα πιο σημαντικά.
Στο πρώτο στάδιο του έργου, ο Matisse απεικόνισε την ηρωίδα του καθισμένη σε μια καρέκλα. Μια πλούσια κεντημένη ρουμανική μπλούζα «παίζει» με πολύχρωμο φόντο, το οποίο είναι ταπετσαρία διακοσμημένη με φλοράλ μοτίβα.
Στο δεύτερο στάδιο, η φιγούρα διατήρησε τη θέση της - διαγώνια στον καμβά - αλλά τώρα ο καλλιτέχνης ενδιαφέρεται περισσότερο για τη «ρίμα» του φουσκωμένου μανικιού της μπλούζας και της κυρτής πλάτης της καρέκλας. Το μοτίβο της ταπετσαρίας εδώ γίνεται πιο απλό και μεγαλύτερο (για να εξαφανιστεί στη συνέχεια εντελώς).
Στο τρίτο στάδιο, το σχήμα του αγκώνα και των διπλωμένων παλάμων του κοριτσιού αλλάζει, γίνεται και πάλι απλούστερο και, όπως ήταν, κινείται προς το σχήμα ενός κύκλου. Η καρέκλα και η ταπετσαρία εξακολουθούν να υπάρχουν εδώ, αλλά ήδη στο τέταρτο στάδιο ο Matisse κάνει έναν δραματικό συνθετικό εκσυγχρονισμό του πίνακα. Η καρέκλα και η ταπετσαρία εξαφανίζονται. Το καθαρό σχέδιο κεντήματος στη μπλούζα παραμένει, αλλά η φιγούρα της ηρωίδας, ελαφρώς ισιώνοντας και «μεγαλώνοντας» μπροστά στα μάτια μας, γεμίζει σχεδόν ολόκληρο τον χώρο της εικόνας και γενικά παίρνει ένα ξεχωριστό σχήμα καρδιάς. Το κεφάλι του κοριτσιού κόβεται εν μέρει από την επάνω άκρη του καμβά.
Το “Romanian Blouse” είναι ένα πολύ ενδεικτικό έργο για τον Matisse. Αξίζει να σκεφτούμε τι συνέβαινε το 1940 όταν δημιουργήθηκε, στον κόσμο και τι απεικονίζεται στην εικόνα. Φαίνεται ότι ο Matisse δεν παρατηρεί καθόλου τα τρομερά «λάθη» που έχουν παραμορφώσει τον κόσμο της εποχής του.
Ναι, μάλλον αυτό συνέβη, σε γενικές γραμμές. Ο Ματίς είναι ένας σταθερός ουτοπιστής. Ήταν σαν να ζούσε σε έναν «διαφορετικό» πλανήτη. Και μας ενθάρρυνε όλους να ακολουθήσουμε το παράδειγμά του. Γιατί τότε ο «άλλος» πλανήτης του Matisse θα γινόταν «δικός μας». Έγινε πραγματικότητα.
Θεωρήσαμε δυνατό να παρουσιάσουμε εδώ μερικές από τις σκέψεις του καλλιτέχνη για την τέχνη. Μας φαίνεται ότι δεν μπορεί να βρεθεί καλύτερος σχολιασμός για το παρουσιαζόμενο αριστούργημα. Ετσι.
«Η εκφραστικότητα, κατά την άποψή μου, δεν έγκειται στα πάθη που φλέγονται ανθρώπινο πρόσωποή εκφράζεται με ξέφρενες κινήσεις. Όλη η σύνθεση της ζωγραφικής μου είναι εκφραστική: οι θέσεις που καταλαμβάνουν οι φιγούρες, οι κενοί χώροι γύρω, οι αναλογίες - όλα παίζουν το ρόλο τους. Η σύνθεση είναι η τέχνη της διευθέτησης με τη μια ή την άλλη διακοσμητική σειρά των διαφόρων συστατικών ενός συνόλου προκειμένου να εκφραστούν τα συναισθήματα του καλλιτέχνη. Στην εικόνα, κάθε μέρος είναι αισθητό και το καθένα παίζει τον προβλεπόμενο ρόλο του, είτε είναι βασικός είτε δευτερεύων ρόλος. Από αυτό προκύπτει ότι ό,τι δεν παίζει χρήσιμο ρόλο στην εικόνα είναι επιβλαβές. "
«Δεν μπορώ να αντιγράψω δουλικά τη φύση, αναγκάζομαι να ερμηνεύσω τη φύση και να την υποτάξω στο πνεύμα της ζωγραφικής μου.
«Αυτό που με ενδιαφέρει περισσότερο δεν είναι η νεκρή φύση ή το τοπίο, αλλά η ανθρώπινη φιγούρα μου δίνει πάνω από όλα την ευκαιρία να εκφράσω τη σχεδόν θρησκευτική μου ευλάβεια για τη ζωή, και το κάνω Δεν χρειάζεται να τα μεταφέρω με ανατομική ακρίβεια Αυτό που ονειρεύομαι είναι μια τέχνη ισορροπίας, αγνότητας και γαλήνης, στην οποία δεν υπάρχει τίποτα καταθλιπτικό ή ανησυχητικό».
Ας εξηγήσουμε μερικά σημεία της τελικής έκδοσης:
Κόκκινο και ροζ
Ο Matisse τοποθετεί την ηρωίδα του σε ένα παχύ κόκκινο φόντο, το οποίο έρχεται σε αντίθεση με το λαμπερό ροζ πρόσωπό της. Ο καλλιτέχνης σκιαγραφεί το χτένισμα με χοντρές μαύρες γραμμές. και ξύνει το χρώμα στα ίδια τα μαλλιά, έτσι ώστε το λευκό αστάρι του καμβά να αρχίσει να φαίνεται μέσα.
Γραμμή περιγράμματος
Μπορεί να φαίνεται ότι ο Matisse εφαρμόζει το χρώμα εντελώς αυθόρμητα, αλλά στην πραγματικότητα ο καλλιτέχνης σκέφτεται προσεκτικά κάθε χτύπημα. Το χρώμα στο λαιμό του κοριτσιού εφαρμόζεται με αδρές πινελιές, έτσι ώστε μεμονωμένες πινελιές να παραμένουν ορατές στον καμβά. Το τμήμα του λαιμού σκιαγραφείται με μια μαύρη γραμμή περιγράμματος, ενώ το όριο μεταξύ του λαιμού και του ρούχου σχηματίζεται μόνο από την αντίθεση ροζ και λευκών χρωμάτων.
Κόκκινο και μπλε
Η καθαρή γραμμή που χωρίζει τη φούστα βαμμένη σε κρύο μπλε από το καυτό κόκκινο φόντο μπορεί να θεωρηθεί προάγγελος των μελλοντικών συνθέσεων του Matisse, τις οποίες έκοψε από χρωματιστό χαρτί.
Πρόσωπο
Το πρόσωπο του κοριτσιού παίρνει ένα οβάλ σχήμα και συμπληρώνεται από στυλιζαρισμένα, ελαφρώς εκτός κέντρου χαρακτηριστικά. Έτσι, το πηγούνι μετατοπίζεται σαφώς προς τα αριστερά (προς την κατεύθυνση που κοιτάζει ο θεατής). Τα μαύρα αμυγδαλωτά μάτια της κοπέλας μας κοιτάζουν με αποστασιοποιημένη ηρεμία.
Κέντημα
Η ρουμανική μπλούζα που εμφανίζεται εδώ εμφανίζεται σε πολλά άλλα έργα του Matisse. ΣΕ σε αυτήν την περίπτωσηΤα μακρόστενα «κλαδιά με φύλλα» του κεντήματος της χρησιμεύουν ως συνθετικοί άξονες. Ο ένας κλάδος σχηματίζει την κύρια διαγώνιο της σύνθεσης και ο δεύτερος κατευθύνεται κάθετα στο κάτω άκρο της εικόνας.
σταυρωμένα χέριατα κορίτσια διορθώνουν το κάτω σημείο της «καρδιάς», τα πλαϊνά της οποίας είναι τα φουσκωμένα μανίκια μιας λευκής μπλούζας. Τα περιγράμματα των χεριών του κοριτσιού είναι ζωγραφισμένα με ελαφριές πινελιές μαύρης μπογιάς και τα ίδια τα χέρια είναι βαμμένα με ροζ χρώμα. Η ημιδιαφανής λευκή λίρα τα ζωντανεύει, επιτρέποντας στον καλλιτέχνη να «αρπάξει» τα highlights.
ανατολικολογία
Ο Matisse επισκέφτηκε για πρώτη φορά τη Βόρεια Αφρική το 1906 - κατά τη δική του παραδοχή, για να «δω την έρημο με τα μάτια μου». Το 1912 πήγε εκεί άλλες δύο φορές. Λίγα χρόνια πριν από το πρώτο του ταξίδι στο Μαρόκο, ο καλλιτέχνης ήταν βαθιά εντύπωσηεκτίθεται στο Παρίσι Αφρικανικά γλυπτά. Το 1910, επισκέφτηκε μια έκθεση ισλαμικής τέχνης στο Μόναχο και αργότερα ταξίδεψε σε όλη την Ισπανία αναζητώντας το «μαυριτανικό ίχνος» στον πολιτισμό αυτής της χώρας.
Κατά τη διάρκεια της μακράς παραμονής του στο Μαρόκο (έζησε στην Ταγγέρη), ο Ματίς γοητεύτηκε από τη φύση και τα χρώματα Βόρεια Αφρική. Εδώ ζωγράφισε τους διάσημους πίνακες «Παράθυρο στην Ταγγέρη» και «Είσοδος στο Καζ-μπα».
47 - Παράθυρο στην Ταγγέρη
48 - Είσοδος στο καζ-μπα
Η ομολογία πίστης στην οποία αφιερώθηκε ο Ματίς αυτή τη στιγμή: το χρώμα δεν πρέπει να μιμείται το φως, αλλά πρέπει να μετατρέπεται το ίδιο σε πηγή φωτός. Έψαξε να βρει χρωματικές αντιθέσεις που θα εκπέμπουν φως από μόνες τους. Η περίοδος της γοητείας με τον Φωβισμό (που, σε γενικές γραμμές, επινόησε ο Matisse) κατέγραψε την απομάκρυνση του Matisse από το «γλυκό» νεο-ιμπρεσιονιστικό χρώμα. Αυτό το χόμπι κράτησε περίπου δύο χρόνια. Όταν ο ζωγράφος δημιούργησε τη «Γυναίκα με καπέλο» (1905), ήθελε μόνο να δείξει τις πιθανές δυνατότητες του καθαρού χρώματος. Η ζωγραφική του πλημμυρίζει με έντονα χρώματα που εξόργισε τόσο τους Παριζιάνους κριτικούς και τους γνώστες της τέχνης. Εν τω μεταξύ, ο Ματίς δεν είχε σκοπό να εξοργίσει κανέναν.
Στις Σημειώσεις του Καλλιτέχνη, που δημοσιεύτηκαν το 1908, έγραψε: Ονειρεύομαι να πετύχω αρμονία, αγνότητα και διαφάνεια στη ζωγραφική μου. Ονειρεύομαι πίνακες που θα ηρεμήσουν παρά θα ενοχλήσουν τον θεατή. για πίνακες τόσο άνετους όσο μια δερμάτινη καρέκλα στην οποία μπορείς να χαλαρώσεις από το βάρος των ανησυχιών».
Δεν ικανοποιούν όλα τα έργα του Matisse αυτό το ιδανικό, αλλά στα καλύτερα από αυτά πλησιάζει να λύσει το έργο που έθεσε στον εαυτό του. Πίσω από τα ανοιχτά παράθυρα του καλλιτέχνη ανοίγονται όμορφα τοπία και ο βαθύς ουρανός των θαλασσινών του είναι βαμμένος με τέτοιο χρώμα που κόβει την ανάσα και σε ζαλίζει. Οι οδαλίσκες του είναι φορείς θεϊκής αρμονίας και όχι σεξουαλικά συναισθήματα (τα οποία, εξ ορισμού, είναι ανήσυχα). Ο Ματίς έπρεπε να αντέξει τον τρομερό 20ο αιώνα, αλλά δεν υπάρχει ίχνος σκληρότητας και ταλαιπωρίας στο έργο του.
Είναι ψυχολόγος, «θεραπευτής» πληγών. οι πίνακές του αντιπροσωπεύουν ένα νησί σιωπής και ειρήνης - δηλαδή, αυτό ακριβώς που δεν συνέβη στο παρελθόν, τώρα το χρώμα του έχει γίνει πιο περίπλοκο. Ο «έλεγχος» του έχει γίνει πολύ πιο δύσκολος. Ο καλλιτέχνης βίωνε συνεχώς δύο αντίθετες φιλοδοξίες. Από τη μια τον γοήτευε το καθαρό χρώμα και απλή φόρμα, από την άλλη - ένα υπέροχο στολίδι. Εύκολα «αποσυναρμολόγησε» την εικόνα στις πιο απλές έγχρωμες μορφές (όπως στην περίπτωση των σιλουετών κομμένων από χρωματιστό χαρτί), αλλά στη συνέχεια μπορούσε να επιστρέψει στα επιδέξια σχέδια, τις σπείρες, τα ζιγκ-ζαγκ από τα οποία συνέθεσε διακοσμητικό στολίδι, που θυμίζει χαλί, ταπετσαρία ή λαμπερό ύφασμα. Και αυτό ήταν μια αντανάκλαση κάποιων αγώνων που λαμβάνουν χώρα στην ψυχή του καλλιτέχνη.
Προσπάθησε να διασφαλίσει ότι η τέχνη του αποδείχθηκε «βάλσαμο για την ψυχή», αλλά ταυτόχρονα μερικές φορές δεν μπορούσε να αντιμετωπίσει την έλξη για πολύχρωμα, πλούσια μοτίβα. Ο Matisse αγαπούσε πολύ τις περσικές μινιατούρες - με τις συναρπαστικές σπείρες, τα χρυσά φύλλα, τις επίπεδες κηλίδες καθαρού χρώματος, αλλά δεν τον έλκυαν λιγότερο έντονα τα πρωτόγονα αφρικανικά γλυπτά. Τα έργα του Matisse από τη σειρά «odalisques» αποκαλύπτουν ξεκάθαρα αυτή την αντίφαση. Οι γυναίκες, ζωγραφισμένες με λίγες μόνο προσεκτικά μελετημένες γραμμές, μοιάζουν με τα απλουστευμένα γλυπτά του 20ου αιώνα.
Σύμφωνα με τον Matisse, η τέχνη ανήκει σε μια ιδανική σφαίρα όπου δεν υπάρχει χώρος για πολιτικά πάθη, οικονομικούς κραδασμούς και απάνθρωπους πολέμους. Κάποτε είπε στον Πικάσο: «Μπορείς να γράψεις μόνο όταν είσαι σε διάθεση προσευχής».. Αργότερα ο καλλιτέχνης ξεκαθάρισε τη σκέψη του: «Αυτό που έχουμε κοινό είναι ότι και οι δύο προσπαθούμε να αναπαράγουμε στον καμβά την ατμόσφαιρα της πρώτης κοινωνίας»..
Και αυτό θρησκευτική στάσηστη ζωγραφική - χαρακτηριστικό γνώρισμα της ζωγραφικής του Ματίς. Το σημείο καμπής στο έργο του ήταν η δημιουργία δύο πάνελ που ανέθεσε ο S. Shchukin. Εκτελώντας αυτή την εντολή, ο καλλιτέχνης περιόρισε έντονα την παλέτα του. Στο «Music» και στο «Dance» το χρώμα πάλλεται και ακτινοβολεί φως, καθιστώντας τον κύριο παράγοντα διαμόρφωσης.
Έχοντας γοητευτεί στα χρόνια της παρακμής του με φιγούρες κομμένες από χρωματιστό χαρτί, ο Matisse πιθανότατα θυμήθηκε τα επιτεύγματά του από την εποχή του «The Dance». Όμως, σε αντίθεση με εκείνες τις εποχές, το φόντο στο οποίο απεικονίζονται είναι φλεγόμενο από ζωηρά χρώματα και εκπλήσσει με την ποικιλία των σχημάτων και των σχεδίων.
Οι συνθέσεις του Matisse από τα τελευταία χρόνια της ζωής του, κομμένες σε χαρτί, μας δείχνουν το φινάλε της δημιουργικής του οδύσσειας. Όλοι τους είναι ενδεικτικά παραδείγματααριστοτεχνική χρήση του καθαρού χρώματος για τη μείωση της φόρμας σε βασικά στοιχεία. Ο Postav Moreau είπε κάποτε στον Matisse: «Πρέπει να απλοποιήσεις τη ζωγραφική».Στην ουσία ο δάσκαλος προφήτεψε τη ζωή του στον μαθητή, αποτέλεσμα της οποίας ήταν η γέννηση ενός μοναδικού καλλιτεχνικού κόσμου.
Επιτακτική - Να μεταφέρει την άμεση εμπειρία της ζωής
«Η σημασία ενός καλλιτέχνη μετριέται από τον αριθμό των νέων σημείων που εισάγει στην πλαστική γλώσσα», έγραψε ο Matisse. Όταν ένας καλλιτέχνης, που γνωρίζει μέσα του ότι δεν είναι κενή ποσότητα στην τέχνη, εκφράζει τέτοια αξιώματα, τότε μιλάει πρώτα από όλα για τη δημιουργικότητά του. Ερώτηση: ποια νέα σημάδια εισήγαγε ο ίδιος ο Ματίς στην πλαστική γλώσσα; Και πολλά. Μερικές φορές δεν το προσέχεις αυτό πίσω από την εξωτερική απλότητα των έργων του - φαίνεται ότι «όλοι θα μπορούσαν να το κάνουν αυτό».
Φυσικά, αυτό είναι μια ψευδαίσθηση. Αυτή η απλότητα (και πολύ «παιδικότητα» στο τέλος της ζωής του - πόσο αξίζουν οι εφαρμογές του!) είναι αποτέλεσμα ακριβών υπολογισμών, επίπονης μελέτης των φυσικών μορφών και της τολμηρής απλοποίησής τους. Για τι; Στη συνέχεια, για να παραχθεί η πιο επιδέξια σύνθεση «φύσης» και «πολιτισμού», να εκφράσει το άμεσο συναίσθημα της ζωής με τον πιο αυστηρό τρόπο. καλλιτεχνική μορφή. Από εδώ προέρχεται αυτό το εκπληκτικό εφέ συμφωνικού ήχου έντονων χρωμάτων, μουσικότητας γραμμικών ρυθμών, αξιοζήλευτης συνθετικής αρμονίας. Ένα άλλο πράγμα είναι τι είδους αίσθηση ζωής είχε ο καλλιτέχνης. Αλλά αυτό έχει ήδη συζητηθεί σε άλλες ενότητες.
49 - Red Studio, 1911
Ένα εντυπωσιακό παράδειγμα της επιθυμίας να δημιουργήσουμε πολύχρωμες αρμονίες και να απλοποιήσουμε τις φόρμες. Ο Matisse προσπαθεί με επιτυχία να «συνθέσει» εδώ μια έγχρωμη συμφωνία. Η τελική έκδοση της εικόνας, όπως πάντα, είχε προηγηθεί επίπονη δουλειά. Η κύρια κλίμακα ήταν διαφορετική στην αρχή - γαλάζιο με περιγράμματα ζωγραφισμένα σε κίτρινη ώχρα. Στο τέλος του έργου, όλα άλλαξαν πέρα από την αναγνώριση - η μόνη ακριβής έκφραση αυτού που ο καλλιτέχνης ονόμασε «αίσθηση» αποδείχθηκε ότι ήταν ακριβώς αυτό.
50 - Αρμονία σε τόνους καρσέ, 1908-1909
Ένα άλλο όνομα για αυτό το έργο είναι "Επιδόρπιο". Αυτή η εικόνα ζωγραφίστηκε όταν ο ίδιος ο Φωβισμός, ως μια συγκεκριμένη ομάδα καλλιτεχνών που δηλώνουν το ίδιο καλλιτεχνικές αρχές, δεν υπήρχε πια, αλλά, φυσικά, είναι σταθερά Φωβιστικό. Ο Ματίς θυμήθηκε εκείνες τις εποχές: «Ήμασταν σαν παιδιά, αντιμέτωποςγια να αντιμετωπίσω τη φύση και έδωσα πλήρη έλεγχο στην ιδιοσυγκρασία μας, κατ' αρχήν, απέρριψα όλα όσα προηγήθηκαν και δούλευα μόνο με το χρώμα, υπακούοντας στις κινήσεις των συναισθημάτων. Και επίσης από αυτόν: «Αν υπάρχει πολλή επιτήδευση στους πίνακες, αν υπάρχουν θαμπές αποχρώσεις, παιχνίδι χρωμάτων χωρίς πραγματική ενέργεια - τότε ήρθε η ώρα να καλέσετε για βοήθεια τους υπέροχους μπλε, κόκκινους και κίτρινους τόνους που μπορούν να απευθύνονται στους στα βάθη του ανθρώπινου αισθησιασμού».
51 - Αλγερινή, 1909
Το «Ανατολικό» ίχνος στο έργο του Matisse είναι ασυνήθιστα φωτεινό. Εμπνευσμένος από ένα ταξίδι στην Αλγερία το 1906, ο καλλιτέχνης άρχισε να ενδιαφέρεται για τα γραμμικά στολίδια της μουσουλμανικής Ανατολής. αυτό - μαζί με ορισμένες θεωρητικές ενοράσεις - είναι ίσως η κύρια πηγή της συνολικής διακοσμητικότητας και μνημειακότητάς του. Υπάρχει ένας απόηχος αυτών των ταξιδιών στο παρουσιαζόμενο εκφραστικό πορτρέτο, χτισμένο σε αντίθεση - σχήματα, χρώματα, περιγράμματα, φόντο κ.λπ.
52 - Θαλασσογραφία, 1905
53 - Παράθυρο, 1905
54 - Εσωτερικό με ένα κορίτσι, 1905-1906
55 - Πορτρέτο του Andre Derain, 1905
56 - Η ευτυχία της ύπαρξης (χαρά της ζωής), 1905-1906
57 - The Sea at Collioure, 1906
58 - Ανακλινόμενο γυμνό, 1906
59 - Τσιγγάνος, 1906
60 - Ανατολίτικα χαλιά, 1906
61 - Sailor II, 1906-1907
62 - Πολυτέλεια Ι, 1907
63 - Μπλε γυμνό, 1907
64 - Μουσική (σκίτσο), 1907
65 - Shore, 1907
66 - Η Madame Matisse με κόκκινο ριγέ φόρεμα, 1907
67 - Νεκρή φύση με μπλε χρώμα, 1907
68 - Γκρέτα Μολ, 1908
69 - Παιχνίδι μπόουλινγκ, 1908
70 - Μπλε τραπεζομάντιλο, 1909
71 - Γυμνό σε ένα ηλιόλουστο τοπίο, 1909
72 - Νεκρή φύση με τον "Χορό", 1909
73 - Συνομιλία, 1909
74 - Κορίτσι με μια μαύρη γάτα, 1910
75 - Κόκκινο ψάρι, 1911
76 - Λουλούδια και κεραμικό πιάτο, 1911
77 - Ισπανική νεκρή φύση (Σεβίλλη II), 1911
78 - Οικογενειακό πορτρέτο, 1911
79 - Manila Shawl, 1911
80 - Εσωτερικό σε μελιτζάνα, 1911-1912
81 - Κόκκινο ψάρι στο εσωτερικό, 1912
82 - Χορός με νυστέρια, 1912
83 - Μπλε παράθυρο, 1912
84 - Καθισμένος Ρίφιαν, 1912-1913
85 - Αραβικό καφενείο, 1912-1913
86 - Νεκρή φύση με πορτοκάλια, 1913
87 - Άποψη της Παναγίας των Παρισίων, 1914
88 - Εσωτερικό με μια λεκάνη και ένα κόκκινο ψάρι, 1914
89 - Κίτρινη κουρτίνα, 1914-1915
90 - Στούντιο στο Quai Sainte-Michel, 1916
91 - Laurette σε πράσινο σε μαύρο φόντο, 1916
92 - Laurette με λευκό τουρμπάνι, 1916
93 - Παράθυρο, 1916
94 - Νεκρή φύση με κεφάλι, 1916
95 - Μαροκινοί, 1916
96 - Μάθημα μουσικής, 1917
97 - Καρέκλα Lorraine, 1919
98 - Μάθημα ζωγραφικής, 1919
99 - Παντζούρια, 1919
100 - Γυμνό, ισπανικό χαλί, 1919
101 - Καθιστή γυναίκα, 1919
102 - Γυναίκα σε καναπέ, 1920-1922
103 - Γυμνό σε ένα μπλε μαξιλάρι, 1924
104 - Εσωτερικό με φωτογραφία, 1924
105 - Γυμνό ψέματα, 1924
107 - Γυμνό σε μια καρέκλα, 1926
108 - Odalisque, αρμονία στο κόκκινο, 1926
109 - Μπαλαρίνα, αρμονία στο πράσινο, 1927
110 - Χορός, 1932-1933
111 - Μουσική, 1939
112 - Εσωτερικό με ετρουσκικό αγγείο, 1940
113 - Η Λήδα και ο Κύκνος, 1944-1946
114 - Εσωτερικό σε κόκκινο χρώμα. Νεκρή φύση σε ένα μπλε τραπέζι, 1947
115 - Αιγυπτιακή κουρτίνα, 1948
