VEronica Dudarova, Sofia Gubaidulina, Elena Obraztsova jsou jména známá nejen v Rusku, ale i v zahraničí. Vzpomínáme na velké hudebníky 20. století.
Veronika Dudarová
Veronika Dudarová. Foto: classicmusicnews.ru
Veronika Dudarová. Foto: south-osetia.info
Veronica Dudarova se narodila v Baku v roce 1916. V roce 1938 maturovala klavírní oddělení hudební škola na Leningradské konzervatoři a učinil na tu dobu neobvyklé rozhodnutí - stát se dirigentem. V SSSR v té době nebyly žádné ženy, které by se rozhodly vstoupit do symfonického orchestru. Veronica Dudarova se stala žákyní dvou mistrů - Lea Ginzburga a Nikolaje Anosova.
Na Centralu debutovala jako dirigentka dětské divadlo v roce 1944. Pak pracovala v operní studio Moskevská konzervatoř.
V roce 1947 se Veronica Dudarova stala dirigentkou Moskevského státního symfonického orchestru a v roce 1960 převzala post šéfdirigentky a umělecký ředitel tento tým. Repertoár Dudarové postupně zahrnoval obrovské množství děl - od Bacha a Mozarta po Alfreda Schnittkeho, Mikaela Tariverdieva, Sofii Gubaidulinu.
V rozhovoru více než jednou mluvila o krvavých zkouškách a o tom, že někdy musíte „tvrdě dosáhnout výsledků“. V roce 1991 Dudarova organizovala a vedla Státní symfonický orchestr Ruska. Její jméno je zapsáno v Guinessově knize rekordů: stala se první ženou na světě, se kterou spolupracovala symfonické orchestry více než 50 let.
Festival věnovaný Veronice Dudarové:
Sofie Gubaidulina
Sofie Gubaidulina. Foto: remusik.org
Sofie Gubaidulina. Foto: tatarstan-symphony.com
Skladatelka Sofia (Sania) Gubaidulina se narodila v roce 1931 v Chistopolu. Její otec byl zeměměřič, matka učitelka juniorské třídy. Brzy po narození své dcery se rodina přestěhovala do Kazaně. V roce 1935 začala Sofia Gubaidulina studovat hudbu. V roce 1949 se stala studentkou klavírního oddělení konzervatoře v Kazani. Později se klavíristka rozhodla psát hudbu sama a vstoupila do kompozičního oddělení Moskevské konzervatoře - nejprve ve třídě Jurije Shaporina, poté Nikolaje Peika a poté na postgraduální škole pod vedením Vissariona Shebalina.
Kolegové Sofie Gubaiduliny poznamenali, že již ve svých prvních dílech se obrátila k náboženským obrazům. Zvláště patrné je to v partituře 70. a 80. let: „De profundis“ pro akordeon, houslový koncert „Offertorium“ („Oběť“), „Sedm slov“ pro violoncello, akordeon a smyčce. To se projevilo i v pozdější práce— „Pašije podle Jana“, „Velikonoce podle Jana“, „Prostá modlitba“.
„Mým cílem vždy bylo slyšet zvuk světa, zvuk mé vlastní duše a studovat jejich kolizi, kontrast nebo naopak podobnost. A čím déle chodím, tím je mi jasnější, že celou tu dobu hledám zvuk, který by odpovídal pravdě mého života.“
Sofie Gubaidulina
Koncem 80. let se Sofia Gubaidulina stala světoznámou skladatelkou. Od roku 1991 žije v Německu, ale často přijíždí do Ruska. Dnes v rozdílné země pořádají festivaly jí věnované, ti nejlepší s ní spolupracují hudební skupiny a sólisté.
Dokumentární film o Sofii Gubaidulině:
Elena Obrazcovová
Elena Obrazcovová. Foto: classicmusicnews.ru
Elena Obraztsova se narodila v roce 1939 v Leningradu. Když přišel čas vstoupit na univerzitu, dívka si vybrala vokální oddělení Leningradské konzervatoře, ačkoli její otec trval na tom, aby její dcera studovala radiotechniku. V roce 1962 studentka Obraztsova vyhrála All-Union Glinka Vocal Competition. Brzy mladá zpěvačka debutovala v Velké divadlo— její první rolí byla Marina Mnishek ve filmu „Boris Godunov“ od Modesta Musorgského.
V ruském repertoáru zpěvačky nechybí ani Marfa z opery „Chovanščina“ od Musorgského, Ljubaša z „ Carova nevěsta» Nikolaj Rimskij-Korsakov, Helena Bezukhova z „Válka a mír“ od Sergeje Prokofjeva. Roli hraběnky ve hře Piotra Čajkovského Piková dáma ztvárnila Elena Obrazcovová po celou dobu hudební kariéra. Zpěvák řekl: „Dokážu to zpívat až sto let, dokud mi vydrží hlas. A roste a získává nové barvy“.
Jeden z nejvíce slavných rolí Ze zahraničního repertoáru se Obrazcovová stala Carmen v Bizetově opeře. Poznali ji nejen sovětští, ale i španělští posluchači nejlepší výkon tato párty.
Partnery Obraztsové byli Placido Domingo, Luciano Pavarotti, Mirella Freni. Důležitá událost Zpěvaččin život poznamenalo setkání se skladatelem Georgy Sviridovem: věnoval jí několik vokálních skladeb.
Program „Life Line“ s Elenou Obraztsovou:
Eliso Virsaladze
Eliso Virsaladze. Foto: archiv.li
Eliso Virsaladze. Foto: riavrn.ru
Eliso Virsaladze se narodil v Tbilisi v roce 1942. Její učitelkou ve škole i na konzervatoři byla její babička, slavná gruzínská pianistka Anastasia Virsaladze. V roce 1962 získal Eliso třetí cenu na II. mezinárodní soutěži Čajkovského. V roce 1966, po absolvování konzervatoře v Tbilisi, nastoupila na postgraduální studium na Moskevské konzervatoři ve třídě Jakova Zaka.
Od roku 1967 vyučuje Eliso Virsaladze na Moskevské konzervatoři. Mezi absolventy její třídy jsou laureáti mezinárodních soutěží Boris Berezovsky, Alexey Volodin, Dmitrij Kaprin.
V repertoáru klavíristy speciální místo díla Wolfganga Amadea Mozarta, Ludwiga van Beethovena, Roberta Schumanna, Čajkovského, Prokofjeva. Často vystupuje v souboru s violoncellistkou Natalií Gutman.
"Toto je umělec velkého rozsahu, možná nejsilnější ženská pianistka současnosti", - to řekl Svyatoslav Richter o Virsaladze.
Dnes Eliso Virsaladze hodně vystupuje se sólovými i komorními programy a často hraje s orchestry. O koncertech mluví jako o svátosti: "Jdete na pódium a patříte skladateli, kterého hrajete, a publiku, pro které hrajete.".
Program „Sebraná představení“ a koncert Eliso Virsaladze:
Natalia Gutmanová
Natalia Gutmanová. Foto: classicmusicnews.ru
Budoucí violoncellistka se narodila v Kazani v roce 1942 a první hodiny violoncella dostala od svého nevlastního otce Romana Sapozhnikova. Poté studovala na Střední hudební škole na Moskevské konzervatoři. V roce 1964 absolvovala Natalia Moskevskou konzervatoř ve třídě Galiny Kozolupové a v roce 1968 absolvovala postgraduální studium na Leningradské konzervatoři, kde byl jejím ředitelem Mstislav Rostropovič.
Již během konzervatoře se Natalia stala laureátkou několika soutěží, včetně II Mezinárodní soutěž pojmenované po Čajkovském. V roce 1967 začala učit na Moskevské konzervatoři.
„Pokud jen profesionálně pohnu smyčcem a budu přemýšlet o svých věcech, bude to okamžitě slyšet! Automatická poprava a lhostejnost jsou pro mě hrozným selháním!“- ona říká.
Nyní Natalia Gutman trénuje mladé hudebníky v mnoha evropských městech, organizuje velké festivaly a pokračuje v turné.
Projev na „prosincových večerech“ v Puškinově státním muzeu výtvarných umění:
______________________________________________
V době vzniku operních vokálů nebyly podmínky pro zpěvačky příliš příznivé. To se však příliš nezpomalilo globální proces a známe mnoho jmen skutečných hvězd - operní divy, ani je nebudu vypisovat. Ale ty ženy, co psaly hudbu... tam buď nebyly vůbec žádné podmínky, nebo tam nebylo tolik talentu... Každopádně žádné ze jmen skladatelek nezářilo tak jasně jako třeba jména Beethoven. , nebo! Přesto se podívejme: co tu máme? :)
- Hildegarda z Bingenu
Nechat ženská jména a nezískali ve světě hudebního psaní stejnou slávu jako muži, ale z hlediska dějin hudby mají velmi významné jméno. Toto je Hildegarda z Bingenu, jedna z prvních středověkých skladatelek, která zanechala nahrávky svých skladeb. No, je jasné, jaká jsou to díla, vždyť je to 12. století! Moderní posluchač by asi musel být hodně velkým fanouškem, aby si poslechl středověké církevní chorály. To jsou však moje čistě teoretické výmysly – od Hildegardy se mi zatím nepodařilo nic poslouchat. To jsem zatím našel jen na internetu, ale tam se musíte nejprve stát členem klubu a teprve potom poslouchat. Do toho se to zatím nedostalo, i když plány jsou :). V tomto příběhu je ale možná důležitější něco jiného: samotná osobnost jeptišky, která byla v roce 2012 oficiálně svatořečena papežem. Napsal o ní také velmi zasvěceně:
Její příběh se zdá ještě pozoruhodnější, když se zamyslíte nad tím, jaké těžkosti byly v té době pravděpodobně spojeny nejen s existencí ženské skladatelky - Pane, to není snadná záležitost ani nyní - ale, no a co, existence ženy, která ALESPOŇ NĚCO REPREZENTOVALA.
Vezměme portrét Hildegardy do jedné ruky a pohár naplněný vínem do druhé a ukažme se zblízka 1179 -th a pojďme navrhnout přípitek na její vůbec ne čarodějnou, excentrickou muzikálnost.
- Barbara Strozziová
Mohu se samozřejmě zdát ignorant, ale také jsem neposlouchal hudbu této dámy a... z nějakého důvodu si myslím, že toto jméno také zanechalo stopu spíše historickou než hudební. Jmenovitě: Barbara Strozzi byla jednou z prvních, která svá díla publikovala nikoli ve sbírkách, ale jak se říká - sólo, a to už je aplikace! Žila a pracovala v mé oblíbené a nejmilovanější zemi – Itálii. Přezdívka byla „Nejvirtuóznější“, ale opět se zdá, že toto hodnocení platilo spíše pro Strozziho, zpěváka. A jako skladatelka mohla konkurovat mnoha skvělým autorům, kteří v té době žili? Monteverdi, Bach, Vivaldi, Purcell, Handel jsou každopádně globálního měřítka. Ale jméno Barbara Strozzi moc často neuslyšíte. Ale dost bylo chytrosti, nyní si spolu s vámi poprvé poslechnu její skladbu:
No, jak se vám líbí? Poslouchal jsem, moc krásné!
- Klára Schumannová
Takže v tomto případě chci jen říct: ano, Clara byla manželkou skladatele Roberta Schumanna. Tedy jakoby odvozené od známého mužské jméno. Ale ve skutečnosti to byla Clara, kdo „propagoval“ svého manžela, byla první interpretkou jeho děl. Stejně jako hudbu Brahmse ji veřejnost poprvé slyšela v podání Clary. Mimochodem, toto jsou klíčové fráze - provedení. Protože Clara byla nanejvýš virtuózní pianistka, ve skutečnosti byla zázračným dítětem, její vystoupení a turné začala v dětství. A Clara naposledy koncertovala ve věku 71 let. Taková je klavíristka – ano, byla slavná a úspěšná. Jako skladatelku v té době ji prostě nebrali vážně (ne ženská záležitost!), ale nyní je zajímavé dílo Clary Schumannové, ale její díla se příliš často nehrají.
Melodie a písně ruského lidu inspirovaly kreativitu slavných skladatelů druhý poloviny 19. století století. Mezi nimi byli P.I. Čajkovskij, M.P. Musorgskij, M.I. Glinka a A.P. Borodin. Na jejich tradice navázala celá plejáda vynikajících hudebních osobností. Ruští skladatelé 20. století jsou stále populární.
Alexandr Nikolajevič Skrjabin
Kreativita A.N. Skrjabin (1872 - 1915), ruský skladatel a talentovaný klavírista, pedagog a inovátor, nemůže nikoho nechat lhostejným. V jeho originální a impulzivní hudbě občas zazní až mystické momenty. Skladatele přitahuje a přitahuje obraz ohně. I v názvech svých děl Skrjabin často opakuje slova jako oheň a světlo. Ve svých dílech se snažil najít možnost spojení zvuku a světla.
Skladatelův otec, Nikolaj Alexandrovič Skrjabin, byl slavný ruský diplomat a aktivní státní rada. Matka - Lyubov Petrovna Skryabina (rozená Shchetinina), byla známá jako velmi talentovaná pianistka. S vyznamenáním vystudovala Petrohradskou konzervatoř. Její odborná činnost začala úspěšně, ale brzy po narození syna zemřela na konzumaci. V roce 1878 dokončil Nikolaj Alexandrovič svá studia a dostal jmenování na ruské velvyslanectví v Konstantinopoli. Ve výchově budoucího skladatele pokračovali jeho blízcí příbuzní - babička Elizaveta Ivanovna, její sestra Maria Ivanovna a sestra jeho otce Ljubov Alexandrovna. 
Navzdory tomu, že v pěti letech Skrjabin zvládl hru na klavír a o něco později začal studovat hudební skladby, podle rodinná tradice, získal vojenské vzdělání. Absolvoval 2. Moskvě kadetní sbor. Zároveň bral soukromé hodiny klavíru a hudební teorie. Později vstoupil na moskevskou konzervatoř a absolvoval s malou zlatou medailí.
Na začátku jeho tvůrčí činnost Skrjabin vědomě následoval Chopina a zvolil stejné žánry. Již v té době se však objevil jeho vlastní talent. Na počátku 20. století napsal tři symfonie, poté „Báseň extáze“ (1907) a „Prometheus“ (1910). Zajímavostí je, že skladatel doplnil partituru „Promethea“ o lehký klávesový part. Jako první použil lehkou hudbu, jejímž účelem je odhalování hudby metodou vizuálního vnímání.
Skladatelova nešťastná smrt přerušila jeho tvorbu. Nikdy nerealizoval svůj plán vytvořit „Mystery“ – symfonii zvuků, barev, pohybů, vůní. V tomto díle chtěl Skrjabin sdělit celému lidstvu své nejniternější myšlenky a inspirovat je k vytvoření nového světa, poznamenaného spojením Univerzálního Ducha a Hmoty. Jeho nejvíc významná díla byly pouze předmluvou k tomuto velkolepému projektu.
Slavný ruský skladatel, klavírista, dirigent S.V. Rachmaninov (1873 - 1943) se narodil jako bohatý šlechtický rod. Rachmaninovův dědeček byl profesionální hudebník. Jeho první hodiny klavíru mu dávala matka a později pozvali učitele hudby A.D. Ornatská. V roce 1885 ho rodiče poslali do soukromé internátní školy k profesorovi moskevské konzervatoře N.S. Zverev. Pořádek a disciplína vzdělávací instituce měl významný vliv na formování budoucí postavy skladatele. Později absolvoval moskevskou konzervatoř se zlatou medailí. Zatímco ještě student, Rachmaninov byl velmi populární mezi moskevskou veřejností. Vytvořil již svůj „První klavírní koncert“ a také některé další romance a hry. A jeho „Preludium c moll“ se stalo velmi populární skladbou. Skvělý P.I. Čajkovskij upozornil na absolventskou práci Sergeje Rachmaninova - operu „Oleko“, kterou napsal pod dojmem básně A.S. Puškin "Cikáni". Petr Iljič dosáhl jeho inscenace ve Velkém divadle, pokusil se pomoci se zařazením tohoto díla do repertoáru divadla, ale nečekaně zemřel.
Od svých dvaceti let Rachmaninov učil na několika institutech a dával soukromé hodiny. Na pozvání známého filantropa divadlo a hudební postava Savva Mamontov se ve 24 letech stává druhým dirigentem moskevské Rusy soukromá opera. Tam se spřátelil s F.I. Chaliapin.
Rachmaninovova kariéra byla přerušena 15. března 1897 kvůli nepřijetí jeho novátorské První symfonie petrohradskou veřejností. Recenze na toto dílo byly opravdu zdrcující. Ale největším zklamáním skladatele byla negativní recenze od N.A. Rimského-Korsakova, jehož názoru si Rachmaninov velmi vážil. Poté upadl do dlouhodobé deprese, ze které se mu podařilo dostat s pomocí hypnotizéra N.V. Dalia.
V roce 1901 Rachmaninov dokončil práci na druhém klavírním koncertu. A od této chvíle začala jeho aktivní tvůrčí činnost jako skladatele a klavíristy. Unikátní styl Rachmaninov sjednotil Rusy církevní hymny romantismus a impresionismus. Melodii považoval za hlavní vůdčí princip v hudbě. To našlo své největší vyjádření v autorově oblíbeném díle, básni „Zvony“, kterou napsal pro orchestr, sbor a sólisty.
Na konci roku 1917 Rachmaninov a jeho rodina opustili Rusko, pracovali v Evropě a poté odešli do Ameriky. Rozchod s vlastí skladatel těžce nesl. Během Velké Vlastenecká válka pořádal benefiční koncerty, jejichž výtěžek posílal do fondu Rudé armády.
Stravinského hudba se vyznačuje svou stylovou rozmanitostí. Na samém počátku své tvůrčí činnosti vycházel z ruských hudebních tradic. A pak je v dílech slyšet vliv neoklasicismu, charakteristický pro hudbu tehdejší Francie a dodekafonii.
Igor Stravinskij se narodil v Oranienbaumu (nyní Lomonosov), v roce 1882. Otec budoucího skladatele Fjodora Ignatieviče je slavný operní pěvec, jeden ze sólistů Mariinské divadlo. Jeho matka byla klavíristka a zpěvačka Anna Kirillovna Kholodovskaya. Od devíti let mu učitelé vedli hodiny klavíru. Po absolvování střední školy nastoupil na žádost rodičů na právnickou fakultu univerzity. Dva roky, od roku 1904 do roku 1906, se učil u N.A. Rimského-Korsakova, pod jehož vedením napsal svá první díla - scherzo, klavírní sonátu a suitu „Faun a pastýřka“. Sergej Diaghilev vysoce ocenil skladatelův talent a nabídl mu spolupráci. Výsledkem společné práce byly tři balety (inscenované S. Diaghilevem) - „Pták Ohnivák“, „Petruška“, „Svěcení jara“.
Krátce před první světovou válkou odešel skladatel do Švýcarska, poté do Francie. V jeho práci přichází nové období. Studuje hudební styly století, píše operu „Oidipus Rex“, hudbu k baletu „Apollo Musagete“. Jeho autorský rukopis se postupem času několikrát změnil. Skladatel žil řadu let v USA. Jeho poslední slavné dílo"Zádušní mše". Zvláštností skladatele Stravinského je schopnost neustále měnit styly, žánry a hudební směry.
Skladatel Prokofjev se narodil v roce 1891 v malé vesnici v Jekatěrinoslavské provincii. Svět hudby mu otevřela matka, dobrá klavíristka, která často uváděla díla Chopina a Beethovena. Stala se pro svého syna skutečnou hudební mentorkou a navíc ho naučila němčinu a francouzštinu.
Začátkem roku 1900 se mladému Prokofjevovi podařilo navštívit balet „Šípková Růženka“ a poslechnout si opery „Faust“ a „Princ Igor“. Dojem z představení moskevských divadel se projevil v jeho vlastní kreativitě. Píše operu „The Giant“ a poté předehru k „Desert Shores“. Rodiče brzy pochopí, že nemohou pokračovat ve výuce hudby svého syna. Brzy se ctižádostivý skladatel, ve věku jedenácti let, seznámil se slavným ruským skladatelem a učitelem S.I. Taneyev, který osobně požádal R.M. Gliera co do činění se Sergejem hudební kompozice. S. Prokofjev zemřel ve věku 13 let přijímací zkoušky na petrohradskou konzervatoř. Na začátku své kariéry skladatel hodně cestoval a vystupoval. Jeho práce však vyvolala mezi veřejností nepochopení. Bylo to kvůli rysům děl, které byly vyjádřeny následovně:
- modernistický styl;
- zničení zavedených hudebních kánonů;
- extravagance a důmyslnost kompozičních technik
V roce 1918 S. Prokofjev odešel a vrátil se až v roce 1936. Již v SSSR psal hudbu k filmům, operám a baletům. Ale poté, co byl spolu s řadou dalších skladatelů obviněn z „formalismu“, prakticky se přestěhoval na venkov, ale pokračoval v psaní hudební díla. Jeho opera „Válka a mír“, balety „Romeo a Julie“, „Popelka“ se staly majetkem světové kultury.
Ruští skladatelé 20. století, kteří žili na přelomu století, nejen zachovali tradice předchozí generace tvůrčí inteligence, ale vytvořili i vlastní, jedinečné umění, pro které zůstaly modely P.I. Čajkovskij, M.I. Glinka, N.A. Rimskij-Korsakov.
TEXT: Oleg Sobolev
JAKO V KAŽDÉ JINÉ OBLASTI KLASICKÉHO UMĚNÍ Západní svět v historii akademická hudba existuje bezpočet zapomenutých žen, které si zaslouží, aby se o nich říkalo. Zejména v dějinách skladatelského umění. Dokonce i nyní, kdy počet pozoruhodných skladatelek každým rokem roste, jsou sezónní plány nejvíce slavných orchestrů A koncertní programy nejvíc slavných interpretů Práce napsaná ženami jsou zahrnuta jen zřídka.
Když se dílo skladatelky stane objektem pozornosti publika nebo novinářů, zprávu o tom nutně doprovází smutná statistika. Zde je nedávný příklad: Metropolitní opera v této sezóně uvedla brilantní Lásku z dálky Kaija Saariaho – jak se ukázalo, první operu napsanou ženou, která byla v tomto divadle uvedena od roku 1903. Útěchou je, že Saariahova díla – jako například hudba Sofie Gubaiduliny nebo Julie Wolfové – jsou uváděna poměrně často i bez takových informačních důvodů.
Vyberte si z několika málo známých hudebních hrdinek velký seznamženská jména je obtížný úkol. Sedm žen, o kterých si nyní povíme, má jedno společné – v té či oné míře nezapadaly do okolního světa. Někteří pouze kvůli svému vlastnímu chování, které zničilo kulturní základy, a někteří - prostřednictvím své hudby, pro kterou nelze najít analogii.
Louise Farrancová
Narodila se jako Jeanne-Louise Dumont a proslavila se ve světě evropská hudba 1830-1840 jako klavírista. Kromě toho byla dívčina interpretační pověst tak vysoká, že v roce 1842 byl Farranc jmenován profesorem klavíru na pařížské konzervatoři. Tento post zastávala dalších třicet let a i přes pedagogické vytížení se dokázala prosadit jako skladatelka. Avšak spíše než „dokázali se projevit“, ale „nemohli pomoci, ale neprojevili se“. Farranc pocházel ze slavné dynastie sochařů a vyrůstal mezi nimi Nejlepší lidé pařížské umění, takže akt tvůrčího sebevyjádření pro ni byl mimořádně přirozený.
Paní profesorka, která za svůj život vydala asi padesát děl, převážně instrumentálních, získala od Berlioze a Liszta nadšené recenze na její hudbu, ale ve své domovině byla Farranc vnímána jako příliš nefrancouzská skladatelka. Ve Francii psal každý začínající autor mnohahodinové opery a lakonická a inspirovaná hudbou klasické éry byla díla Pařížana skutečně proti tehdejší módě. Marně: její nejlepší díla – jako Třetí symfonie g moll – mírně řečeno, se neztrácejí na pozadí mastodontů té doby, jako byli Mendelssohn nebo Schumann. A Brahms se svými pokusy převést klasicismus do jazyka romantická éra Farrank byl deset nebo dokonce dvacet let pozadu.
Dora Pejacevic
Zástupce jednoho z nejznámějších Balkánců šlechtických rodin, vnučka jednoho ze zákazů (čti - guvernérů) Chorvatska a dcera jiného, Dora Pejacevic prožila dětství a mládí přesně tak, jak světová popkultura obvykle ráda zobrazuje život mladých aristokratů pečlivě chráněných svými rodinami. Dívka vyrůstala pod přísným dohledem anglických guvernantek, neměla téměř žádný kontakt se svými vrstevníky a obecně byla svými rodiči vychovávána spíše s ohledem na další úspěšné manželství pro rodinu než na šťastné dětství.
Něco se ale pokazilo: Dora se jako teenager nadchla pro myšlenky socialismu, začala se neustále dostávat do konfliktů se svou rodinou a v důsledku toho se ve více než dvaceti letech ocitla oddělená od zbytku Pejaceviců. zbytek jejího života. To však její další zálibě jen prospělo: na úsvitu první světové války se odbojná šlechtična prosadila jako nejvýraznější postava chorvatské hudby.
Díla Dory, stejně inspirovaná Brahmsem, Schumannem a Straussem, zněla na poměry okolního světa krajně naivně – řekněme v době premiéry jejího staromódního klavírního koncertu v Berlíně a Paříži už poslouchali Pierrot Lunaire a Svěcení jara. Pokud však abstrahujeme od historického kontextu a posloucháme Pejacevičovu hudbu jako upřímné vyznání lásky Němečtí romantici, pak si snadno všimnete jeho výrazné melodičnosti, made on vysoká úroveň orchestraci a pečlivou strukturální práci.
Amy Beach
Nejslavnější epizodu životopisu Amy Beach lze převyprávět následovně. V roce 1885, když jí bylo 18 let, ji rodiče Amy provdali za 42letého chirurga z Bostonu. Dívka už byla klavírní virtuózkou a doufala, že bude pokračovat ve studiu hudby a v kariéře interpreta, ale její manžel se rozhodl jinak. Dr. Henry Harris Audrey Beach, znepokojený stavem své rodiny a veden tehdejšími představami o roli žen v sekulární novoanglické společnosti, zakázal své ženě studovat hudbu a omezil její vystoupení jako klavírista na jeden koncert ročně.
Pro Amy, která snila o koncertních sálech a vyprodaných recitálech, se to rovnalo tragédii. Jak se ale často stává, triumf vystřídal tragédie: Beachová, přestože obětovala svou hereckou kariéru, se začala stále více věnovat skládání a nyní je většinou výzkumníků jasně definována jako nejlepší americký skladatel pozdní romantické éry. Její dvě hlavní díla – Gaelská symfonie vydaná v roce 1896 a klavírní koncert, který následoval o tři roky později – jsou skutečně krásná, i když podle tehdejších měřítek zcela postrádají originalitu. Nejdůležitější je, že v hudbě Beach, jak by se dalo očekávat, není absolutně žádné místo pro provincialismus a provinčnost.
Ruth Crawford Seeger
V kruzích vážných fanoušků, badatelů a prostě milovníků americké lidové hudby je Ruth Crawford Seeger mnohem známější než ve světě akademické hudby. Proč? Existují dva klíčové důvody: zaprvé byla manželkou muzikologa Charlese Seegera, a tedy předkem klanu Seegerů, rodiny hudebníků a zpěváků, kteří pro popularizaci amerického folku udělali víc než kdokoli jiný. Za druhé, ona v posledních letech Deset let svého života úzce spolupracovala na katalogizaci a aranžmá písní nahraných během četných cest Johna a Alana Lomaxových, největších amerických folkloristů a sběratelů lidové hudby.
Překvapivě hned na začátku společný život Ruth i Charles Seeger byli skladatelé extrémně modernistického zaměření, na jejichž hudbu se slovo „folklór“ dalo aplikovat jen velmi obtížně. Zejména díla Ruth Crawford z počátku 30. let lze srovnávat pouze s díly Antona Weberna – a i to pouze z hlediska umně vystavěné dramaturgie a lakonicky koncentrované hudební materiál. Ale pokud ve Webernových tradicích prosvítá každý tón – bez ohledu na to, zda rakouská nebo renesanční hudba –, pak Seegerova díla existují jakoby mimo tradici, mimo minulost a budoucnost, mimo Ameriku a mimo zbytek světa. Proč skladatel s tak osobitým stylem stále není zařazen do kanonického modernistického repertoáru? Tajemství.
Lily Boulanger
Zdálo by se, jakou hudbu mohla na začátku minulého století skládat věčně nemocná, hluboce věřící a chorobně skromná Francouzka z vysoká společnost? Přesně tak – takový, který by mohl posloužit jako dobrý soundtrack pro Judgment Day. Nejlepší eseje Lily Boulanger jsou napsány na náboženských textech, jako jsou žalmy nebo buddhistické modlitby, a jsou nejčastěji prováděny jakoby nesprávně regulovaným sborem pod otrhaným, hloupým a hlasitým hudební doprovod. Analog pro tuto hudbu hned tak nenajdete - ano, částečně se podobá Stravinského raným dílům a zvláště ohnivým Honeggerovým dílům, ale ani jedno ani druhé nedosáhlo takové hloubky zoufalství a nezašlo do takového extrému fatalismus. Když přítel rodiny Boulangerových, skladatel Gabriel Fauré, objevil onu tříletou Lily absolutní výška, rodiče a starší sestra Jen stěží si dokázali představit, že tento dar bude ztělesněn v něčem tak neandělském.
Mimochodem, o mé sestře. Nadia Boulanger se ukázala být mnohem významnější postavou v dějinách hudby. Téměř půl století - od 20. do 60. let - byla Nadya považována za jednu z nejlepších učitelek hudby na planetě. Měla velmi specifické názory jak na hudbu v té době novou, tak na hudbu doslova klasickou, tvrdou, nekompromisní a pro své studenty vyčerpávající. nejtěžší úkoly I pro své ideologické odpůrce zůstala Nadya příkladem hudební inteligence nebývalé paměti a síly. Možná se mohla stát stejně významnou skladatelkou, jakou se ukázala být učitelkou. V každém případě začínala jako skladatelka – ale jak sama přiznala, po Lilyině smrti se uvnitř Nadyi něco zlomilo. Starší sestra, která žila 92 let, nikdy nedosáhla výšek několika děl té mladší, která zemřela na Crohnovu chorobu ve věku 24 let.
Elizabeth Maconkeyová
Ralph Vaughan Williams, největší britský skladatel minulého století byl vášnivým zastáncem národního hudební tradice. Takže nadšeně recykloval lidové písně, napsal podezřele podobné anglikánské hymny sborová díla a s různým stupněm úspěchu přehodnotili kreativitu angličtí skladatelé Renesance. Vyučoval také skladbu na londýnské Royal College of Music, kde byla jeho oblíbenou studentkou ve 20. letech 20. století mladá irská dívka jménem Elizabeth Maconkey. O desítky let později vám prozradí, že to byl Vaughan Williams, přestože byl tradicionalista, kdo jí radil, aby nikdy nikoho neposlouchala a při skládání hudby se soustředila jen na své zájmy, vkus a myšlenky.
Rada se ukázala být pro Makonku rozhodující. Její hudba vždy zůstala nedotčena jak světovými trendy akademické avantgardy, tak věčnou anglicko-keltskou láskou k venkovskému folklóru. Právě ve studentských letech objevila Bélu Bartóka (mimochodem skladatele, který působil i mimo jakékoliv zjevné trendy), Makonki ve svých skladbách přirozeně čerpala z vyzrálé hudby velkého Maďara, ale zároveň důsledně vyvinula svůj vlastní styl, mnohem intimnější a introspektivnější. Jasným příkladem originality a vývoje Makonkovy skladatelské fantazie je jejích třináct smyčcových kvartetů, které vznikaly v letech 1933 až 1984 a společně tvoří cyklus kvartetní literatury, v žádném případě horší než ty Šostakoviče nebo Bartóka.
Vítězslava Kaprálová
Pár let před první světovou válkou nenápadný český skladatel a koncertní pianista Václav Kapral založil privát hudební škola pro začínající klavíristy. Škola existovala i po válce a brzy si získala pověst téměř nejlepší v zemi. Příliv lidí, kteří chtěli studovat, a to konkrétně od samotného desátníka, dokonce nakrátko přiměl skladatele přemýšlet o zastavení všech svých dalších aktivit ve prospěch výuky.
Naštěstí jeho dcera Vítězslava, která v té době ještě neoslavila desáté narozeniny, náhle začala prokazovat mimořádné hudební schopnosti. Dívka hrála na klavír lépe než mnoho dospělých profesionálů, vše klasické si zapamatovala písňový repertoár a dokonce začal psát krátké hry. Desátník vypracoval plán, překvapivý svou mírou arogance, hlouposti a komerčnosti: vychovat z Vítězslavy skutečné hudební monstrum, které by ho mohlo nahradit jako hlavního učitele rodinné školy.
Nic takového se samozřejmě nestalo. Ambiciózní Vítězslava, která se chtěla stát skladatelkou a dirigentkou, nastoupila ve svých patnácti letech na tamní konzervatoři na dvě příslušné fakulty najednou. Aby žena chtěla dirigovat - to se ve 30. letech před Kapralovou v Česku nevidělo. A dirigovat a skládat zároveň bylo obecně nemyslitelné. Právě skládáním hudby začal čerstvě zapsaný student především – a to v takové kvalitě, v takové stylové rozmanitosti a v takovém objemu, že opravdu nebylo s kým srovnávat.
„Muž by raději porodil dítě, než aby žena psala dobrou hudbu,“ řekl jednou Německý skladatel Johannes Brahms. O století a půl později shromažďují skladatelky ty největší na světě Koncertní sály, psát hudbu k filmům a provádět důležité společenské iniciativy. „Apríl“ spolu s kosmetickou značkou NanoDerm hovoří o ženách, jejichž talent a práce pomohly vyvrátit stereotyp o „mužské“ profesi skladatelky.
1. Cassia Konstantinopolská
Řecká jeptiška Cassia se narodila do bohaté konstantinopolské rodiny v roce 804 nebo 805. Dnes je známá nejen jako zakladatelka klášter v Konstantinopoli, ale také jako jedna z prvních ženských hymnografek a skladatelek.
Cassia byla velmi krásná a podle některých zdrojů se v roce 821 dokonce zúčastnila průvodu nevěst za císaře Theophila. Dívce nebylo souzeno stát se císařovou manželkou a Cassia se brzy stala jeptiškou, aby celý život strávila v klášteře, který založila. Cassia tam složila církevní hymny a kánony a analýza jejích děl, která obsahují odkazy na díla antických autorů, nám umožňuje dospět k závěru, že dívka měla dobré světské vzdělání.
Cassia Konstantinopolská je jedním z prvních skladatelů, jehož díla mohou hrát moderní hudebníci.
2. Hildegarda z Bingenu
Německá jeptiška Hildegarda z Bingenu byla mimořádnou osobností nejen co se týče psaní hudby - pracovala také na dílech z přírodních věd a lékařství, psala mystické knihy vizí i duchovní básně.
Hildegarda se narodila na konci 11. století a byla desátým dítětem ve šlechtické rodině. Od osmi let byla dívka vychovávána jeptiškou a ve 14 začala žít v klášteře, kde studovala umění a liturgiku.
Dívka začala skládat hudbu na základě svých vlastních básní jako dítě a jako dospělá shromáždila svá díla ve sbírce nazvané „Harmonic Symphony of Heavenly Revelations“. Sbírka obsahuje zpěvy spojené do několika částí na liturgická témata.
3. Barbara Strozzi
Italská skladatelka Barbara Strozzi, která byla později nazývána „nejvirtuóznější“, byla nemanželská dcera básník Giulio Strozzi, který ji později adoptoval. Barbara sama měla čtyři nemanželské děti od různí muži. Dívka se narodila v roce 1619 v Benátkách a studovala u skladatele Francesca Cavalliho.
Strozzi psala kantáty, arietta, madrigaly a její otec Giulio texty k dílům její dcery. Barbara se stala první skladatelkou, která svá díla nevydávala ve sbírkách, ale po jednom. Hudba Barbary Strozzi se dodnes hraje a znovu vydává.
4. Clara Schumannová
Nee Clara Wieck se narodila v roce 1819 v Lipsku v rodině Friedricha Wiecka, známého učitele hry na klavír ve městě i na venkově. S nízký věk dívka se naučila hrát na klavír od svého otce a již v 10 letech začala úspěšně vystupovat na veřejnosti.
Spolu se svým otcem se Clara vydala na turné po Německu a poté absolvovala několik koncertů v Paříži. Přibližně v této době začala mladá Clara psát hudbu - její první díla byla vydána v roce 1829. Ve stejné době se mladý Robert Schumann stal žákem Friedricha Wiecka, jehož obdiv k učitelově talentované dceři přerostl v lásku.
V roce 1940 se Clara a Robert vzali. Od té doby začala dívka hrát hudbu napsanou jejím manželem, často byla první, kdo představil veřejnosti nová díla Roberta Schumanna. Také skladatel Johannes Brahms důvěřoval Claře při debutovém provedení svých děl, blízký přítel rodiny.
Vlastní skladby Clary Schumannové se vyznačovaly svou moderností a byly považovány za jeden z nejlepších příkladů romantická škola. Robert Schumann si také vysoce cenil díla své manželky, ale trval na tom, aby se jeho žena soustředila rodinný život a jejich osm dětí.
Po smrti Roberta Schumanna Clara pokračovala v provádění jeho děl a zájem o ni vlastní kreativitu vzplanul s novou sílu v roce 1970, kdy se poprvé objevily nahrávky Clariných skladeb
5. Amy Beach
Američanka Amy Marcy Cheney Beach je jedinou ženou v takzvané „bostonské šestce“ skladatelů, kam kromě ní patřili hudebníci John Knowles Payne, Arthur Foote, George Chadwick, Edward McDowell a Horatio Parker. Šest skladatelů je považováno za rozhodující vliv na formování americké akademické hudby.
Amy se narodila 5. září 1867 do bohaté rodiny z New Hampshire. S raná léta dívka studovala hudbu pod vedením své matky a poté, co se rodina přestěhovala do Bostonu, začala studovat umění kompozice. První sólový koncert Amy Beach se konala v roce 1883 a měla velký úspěch. O dva roky později se dívka vdala a na naléhání svého manžela prakticky přestala vystupovat a soustředila se na psaní hudby.
S vlastní díla později vystupovala na turné po Evropě a Americe a dnes je Amy Beach považována za první ženu, které se to podařilo úspěšná kariéra ve vysokém hudebním umění.
6. Valentina Šerová
První ruská skladatelka, rozená Valentina Semjonovna Bergmanová, se narodila v roce 1846 v Moskvě. Dívce se nepodařilo vystudovat Petrohradskou konzervatoř kvůli konfliktu s ředitelem, po kterém Valentina začala brát lekce od hudební kritik a skladatel Alexander Serov.
V roce 1863 se Valentina a Alexander vzali, o dva roky později se páru narodil syn, budoucí umělec Valentin Serov. V roce 1867 začali Serovci vydávat časopis „Hudba a divadlo“. Pár udržoval přátelské vztahy s Ivanem Turgeněvem a Polinou Viardotovou, Lvem Tolstým, Iljou Repinem.
Valentina Serova byla poměrně citlivá na práci svého manžela a po jeho smrti vydala čtyři svazky článků o svém manželovi a také dokončila jeho operu „Enemy Power“.
Serova je autorkou oper „Uriel Acosta“, „Maria D'Orval“, „Miroed“, „Ilya Muromets“ Kromě hudby také psala články kompozičního umění, vydala paměti o setkáních se Lvem Tolstým a vzpomínkách na jejího manžela a syna.
7. Sofia Gubaidulina
Dnes ruská skladatelka Sofia Gubaidulina žije a tvoří v Německu, ale ve svém rodném Tatarstánu, hudební soutěže a festivaly věnované slavnému rodákovi z republiky.
Sofia Gubaidulina se narodila ve městě Chistopol v roce 1931. Jako dívka vystudovala hudební gymnázium v Kazani a poté vstoupila na konzervatoř v Kazani, kde studovala skladbu. Poté, co se Gubaidulina přestěhovala do Moskvy, pokračovala ve studiu na moskevské konzervatoři a po absolvování získala důležité slovo na rozloučenou od skladatele Dmitrije Šostakoviče: „Přeji vám, abyste šli svou „špatnou“ cestou.
Sofia Gubaidulina patřila spolu s Alfredem Schnittkem a Edisonem Denisovem k trojici moskevských avantgardních skladatelů. Gubaidulina hodně pracovala pro kinematografii a psala hudbu pro takové filmy jako „Vertikální“, „Člověk a jeho pták“, „Mowgli“, „Scarecrow“.
V roce 1991 získala Sofia Gubaidulina německé stipendium a od té doby žije v Německu a pravidelně jezdí do Ruska na koncerty, festivaly a různé společenské akce.
"V Starověké Řecko všichni harfisté byli muži, ale nyní je to „ženský“ nástroj. Časy se mění a Brahmsova slova, že „muž raději porodí dítě, než žena píše dobrou hudbu“, už nezní vážně,“ řekla Sofia Asgatovna v rozhovoru.