Sino ang nagsabi na ang isang pintor ay dapat magpinta lamang ng mga maringal na monarko at maharlika sa mga mararangyang damit na may mapagmataas na ekspresyon sa kanilang mga mukha, o ilipat ang mga eksena sa Bibliya sa canvas, ang mga karakter na hindi pa nakikita ng sinuman, o naglalarawan ng mga pastoral na eksena na may mga teatro at mummers? Ang pang-araw-araw na buhay na may pamilyar na mga bagay na bumubuo sa pang-araw-araw na mundo sa ating paligid ay hindi gaanong makulay at kaakit-akit? Walang nangyari, at ito ay nagpapatunay sa talento at husay ni Jean Baptiste Simeon Chardin, isang Pranses na pintor, isa sa mga kapansin-pansin at sikat na artista noong ika-18 siglo, na nakakuha ng katanyagan at katanyagan bilang isa sa mga pinakamahusay na colorist sa pagpipinta sa mundo. Pinalamutian ng kanyang mga gawa sa larangan ng still life at genre sketches ang pinakamahusay na art gallery at museo sa mundo.
Talambuhay ni Chardin Jean Baptiste Simeon (02.11.1699 - 06.12.1779) sa madaling sabi
Si Chardin ay ipinanganak noong Nobyembre 2, 1699 sa Parisian quarter ng Saint-Germain-des-Pres sa pamilya ng isang karpintero. Siya ay nanirahan sa kanyang katutubong quarter sa buong buhay niya, naniniwala ang kanyang mga biographer na hindi siya umalis sa kabisera. Ang kanyang apprenticeship ay naganap sa studio ng mga Parisian artist na si P.-J. Kaz at Noel Kuapel. Bilang isang katulong sa Kuapel, si Chardin ay nagsagawa ng mga maliliit na detalye sa kanyang mga pagpipinta, at pinagkadalubhasaan ang hindi pangkaraniwang sining ng paglalarawan ng lahat ng uri ng mga bagay na walang buhay. Nagpasya ang artista na italaga ang lahat ng kanyang trabaho dito.
Chardin - master ng still life
Kahit na ang pinakaunang independiyenteng mga gawa ng artist ay naisakatuparan nang may pambihirang kasanayan at napagkamalan silang gawa ng mga kilalang Flemish at Dutch masters. Sa simula ng kanyang trabaho, halos nagpinta si Chardin ng mga still life na may mga prutas, gulay, bulaklak, gamit sa bahay at mga katangian ng pangangaso. Samakatuwid, nakilala si Chardin sa publiko ng Paris, una sa lahat, bilang isang kahanga-hangang master ng still life. Ngunit sa kanyang mga canvases, kahit na sa unang bahagi ng panahon, walang pahiwatig ng pagiging bongga.
Ang kanyang still lifes ay organikong nauugnay sa pang-araw-araw na aspeto. Ang lahat ng mga bagay at detalye, sa kabila ng kanilang likas na likas, ay nagbibigay ng impresyon ng tula, at sa parehong oras ay itinuturing na katotohanan. Tulad ng sa painting na "Still Life with a Glass Vessel and Fruit". Malinaw na gumagamit sila ng glass decanter - hindi ito kumikinang na may malinis na transparency. Lumaki ang mga prutas sa isang tunay na hardin - gusto mo lang kumagat ng peras. Ito ay malinaw na ito ay makatas at hinog, mayroon pang isang uod na At ang pilak na sisidlan ay higit na parang isang pormal na bagay, ito ay kumikinang sa lahat, o marahil isang napaka-konsiyenting kasambahay, o isang masigasig na ginang sa bahay na ito.
Sa mga komposisyon ni Chardin, ang pinakakaraniwang gamit sa bahay ay mga lumang kaldero, tangke ng tubig sa kusina, pitsel na lupa, at mga gulay. Minsan makakahanap ka ng higit pang mga kahanga-hangang katangian ng sining o mga bagay na may likas na pang-agham, ngunit ang mga ito ay naroroon lamang para sa dekorasyon. Ang pangunahing bentahe ng mga canvases na ito ay hindi sa materyal na halaga ng mga bagay na inilalarawan sa kanila, na sa halip ay likas sa mga Dutch artist, ngunit sa espiritwal na tula ng pang-araw-araw na buhay, sa balanse ng pagbuo ng komposisyon, na lumilikha ng isang imahe. ng pagkakaisa ng buhay, kaginhawahan at kapayapaan ng apuyan ng pamilya.
Chardin - pintor ng portrait
Mula noong 1739, pinalawak ni Chardin ang saklaw ng kanyang mga nasasakupan sa pamamagitan ng mga larawan at mga eksena ng tahanan ng mga mahihirap na tao. Ang ganitong mga eksena sa genre ay malapit at naiintindihan ni Chardin, na ipinanganak at lumaki sa mga ganoong tao. Ang mga nakatagong larawan, ang pang-araw-araw na buhay sa tahanan ng mga ordinaryong tao mula sa ikatlong estate, ay ipinapahayag nang mahinahon, taos-puso, totoo at natural. Ang paraan ni Chardin, ang artista, ay minarkahan ang pagsilang ng realismo noong ika-18 siglo, ipinagpatuloy ang tradisyon ng buhay pa rin ng Flemish at Dutch at pang-araw-araw na mga pintor ng genre noong ika-17 siglo, pinayaman ang tradisyong ito at dinala sa kanyang sariling gawa ang isang ugnayan hindi lamang ng pagiging natural, ngunit din ng biyaya.
Ang emosyonal na subtlety, ang kakayahan para sa sikolohikal na pagsusuri, ay nagpakita mismo sa pinakabagong mga gawa ni Chardin sa pastel technique. Ang isang mahusay na halimbawa ay ang kanyang "Self-Portrait na may Salamin" o "Portrait of Madame Chardin", na isinulat ilang sandali bago ang kanyang kamatayan. Si Diderot ay sumulat nang napaka-tula tungkol sa mga gawa ni Chardin, na inihambing siya sa isang salamangkero na hindi nagsawsaw ng kanyang mga brush sa pintura, ngunit kumukuha ng hangin sa kanilang dulo at liwanag, at inilagay ang mga ito sa canvas Namatay si Chardin noong Disyembre 6, 1779.
Chardin Jean Baptiste (realismo)
Noong 60s at 70s, sa ilalim ng walang alinlangan na impluwensya ng burgesya, isang interes sa Dutch realism ang lumitaw sa sining. Sa ilalim ng impluwensya ng mga aesthetic na ideyang ito, nabuo ang sining ng Pranses na artist na si Jean Baptiste Simeon Chardin.
Sa esensya, lumikha si Chardin ng bagong pictorial system. Nagsimula siya sa isang still life, na dati ay maliit na binuo sa France: still lifes with a beat bird, food, fruits.
Pagkatapos ay nakita niya ang kanyang tema - ito ay mga gamit sa kusina na puno ng tahimik na alindog, na namumuhay sa isang uri ng kanilang sariling "tahimik na buhay": mga boiler, pans, cisterns. Ang mundo ng mga simpleng bagay, na nabawasan sa pinakamaliit, ay walang anumang pagkukunwari, ngunit puno ng piercing power ng pictorial skill.
Si Chardin ay kasing tapat, maaasahan at kaakit-akit sa genre ng pagpipinta. Sa kaibahan sa magagaling na kasiyahan at pastoral idylls, si Chardin, na nagpapahayag ng mga panlasa ng burgesya, ay nagsimulang ilarawan ang kaayusan, kaayusan, at kaginhawahan ng burges na buhay. Ang integridad at kasipagan ay niluluwalhati ni Chardin nang walang pagtuturo at moralisasyon, nang walang mga kalunos-lunos at epekto, na nagpapahayag ng "sukat at kaayusan" bilang isang modelo ng buhay. Ang kamangha-manghang kasanayan sa pagpipinta, ang mga dalisay na kulay ay ginagawang maliliit na obra maestra ang kanyang mga kuwadro.
Sa isang bagong paraan, nalalapat din si Chardin sa portrait. Ang mga modelo sa kanyang mga larawan ay simple, taos-puso, walang mannerisms. Nakikita ng artista sa isang tao, una sa lahat, ang kanyang sarili, ang kanyang kakanyahan, at hindi ang lugar na kanyang sinasakop sa buhay.
Sa kabuuan, masasabing binuksan ni Chardin ang pang-araw-araw na genre, niluluwalhati ang katamtamang buhay ng isang simpleng tao, inilalantad ang kanyang pinakamahusay na mga tampok - kasipagan, kalinisan, ang kakayahang makahanap ng kagalakan sa mga simpleng bagay.
Nagluluto ng rutabaga (1778)
Sa gitna ng larawan, ang kusinero, na nakaupo sa isang upuan, ay nag-isip tungkol sa isang bagay, ang kanyang masipag na mga kamay ay tumigil. Sa harap niya ay isang kaldero na may pinakintab na mga gulay, isang nagniningning na tansong kawali, isang madilim na mausok na kaldero, sa tabi nito ay isang malaking bloke para sa pagpuputol ng karne, sa ibabaw nito ay isang palakol. Ang bawat item sa larawan ay pininturahan ng pagmamahal at interes. Nararamdaman na ang kusinero ay hindi isang pasanin sa kanyang masayang trabaho, siya ay nagluluto at nagprito nang may kasiyahan, at ang kanyang mga iniisip ay simple at naiintindihan. Ang larawan ay puno ng espesyal na karunungan, tahimik na kagalakan; umaawit siya ng kasipagan, kabaitan at espirituwal na kadakilaan.
Mga Bubble ng Sabon (1775)
Ang artist mismo ay tumawag sa larawan sa ganitong paraan: "Ang walang kabuluhang libangan ng isang binata na humihip ng mga bula ng sabon." Ang larawan ay napuno ng diwa ng moralizing, kinukundena ng artista ang batang kalaykay, nagsasaya sa kasiyahang pambata, sa halip na magtrabaho nang husto. Ang katotohanan na ang isang binata mula sa isang mahirap na pamilya ay nagsabi ng isang punit na dyaket, isang undershirt ay makikita sa butas, ang mga manggas ng dyaket ay maikli. Makikita na ang mga magulang ay hindi nakakabili ng bagong damit, at siya mismo ay hindi nagmamadaling kumita ng pera. Kasabay nito, ang batang loafer ay malinaw na binibigyang pansin ang kanyang hitsura, pagkukulot ng kanyang buhok sa oras. Ang hanapbuhay ng binata ay mausisa na sinusunod ng isang maliit na bata, kung kanino ang hanapbuhay na ito ay angkop lamang.
Pilak na kopita (c.1750)
Sa isang still life na may kopita, malalim na magkatugma na kayumanggi na kulay, mayaman na olive green na background, brown-red reflection sa isang mangkok at mga mansanas ay pinagsama ang mga kagamitan, gulay, at isang mesa sa isang solong kabuuan. Ang lahat ay nakakakuha ng isang walang hanggang halaga at kahalagahan sa ilalim ng brush ng isang master.
Self-portrait (1775)
Ang pinakamagandang larawan ni Chardin. Inilarawan ng artist ang kanyang sarili nang simple: sa isang nightcap na may asul na visor, sa isang brown na dyaket sa bahay at isang neckerchief, na may pince-nez na dumulas sa kanyang ilong. At higit pa, sa kaibahan sa malabo na hitsura, ang nakatusok na batang hitsura ng mga matandang mata sa ibabaw ng pince-nez ay nakakaapekto sa manonood. Ito ang pananaw ng isang artista na sa katandaan ay naabot na niya ang kadalisayan, lakas at kalayaan ng kanyang sining.
Naglalako (1739)
Sa harap namin ay isang magtitinda na naghahatid ng mga produkto sa mga tahanan. At ngayon nagdala siya ng tinapay, manok. Ang babae ay nakasuot ng maayos na damit, apron at bonnet, sa kanang kamay ay isang bag na may binugbog na ibon. Sa mesa ay may mga tinapay, isang palayok na gawa sa lupa, sa sahig ay may mga bote ng madilim at makapal na salamin. Sa kaliwa ay isang bukas na pinto sa isa pang silid, kung saan mayroong isang malaking tangke ng tubig na tanso, at sa kalaliman ay may isa pang pinto, laban sa background nito ay isang babaeng pigura. Lumilikha si Chardin ng isang mala-tula na imahe ng buhay, kung saan ang mga kababaihan, tinapay, mga bote ay hindi mahalaga sa kanilang sarili, nang hiwalay, ngunit ang kanilang relasyon. Sa tuwa at pagmamahal, inilalarawan ni Chardin ang bawat bagay na parang isang animated na imahe.
Mga Katangian ng Sining
babae na umiinom ng tsaa
Batang babae na may dalang sulat
Governess (1739)
Magluto ng paghuhugas ng pinggan
Sex boy sa cellar
Tangke ng tubig na tanso
Copper pot at tatlong itlog
Panalangin bago maghapunan
batang guro
Buhay pa rin na may mga katangian ng sining
Still Life with Teapot, Grapes and Wine (1779)
Still life na may mga bulaklak sa isang plorera (1763)
Buhay pa rin na may mga milokoton
Labandera (1737)
Ang Masigasig na Lingkod (1747)
Isang masipag na ina (1740)
Babae na umiinom ng tubig sa tangke (1737)
Chardin (Chardin) Jean Baptiste Simeon (1699-1779), Pranses na pintor. Ang mga buhay pa rin, araw-araw na mga eksena mula sa buhay ng ikatlong estate, ang mga larawan ay minarkahan ng pagiging natural ng mga imahe, ang mahusay na paghahatid ng liwanag at hangin, ang materyalidad ng mga bagay ("Copper Tank", c. 1733; "Laundress", c 1737).
Chardin (Chardin) Jean Baptiste Simeon (Nobyembre 2, 1699, Paris - Enero 6, 1779, ibid.), Pranses na pintor. Isang kilalang master ng still life at araw-araw na mga eksena, isa sa mga tagalikha ng isang bagong portrait concept sa European painting of the Enlightenment. Ang isa sa mga una sa mga French masters ay bumaling sa uri ng genre ng portrait, na isang mahalagang yugto sa pag-unlad ng pagpipinta noong ika-18 siglo, pati na rin ang isang makatotohanang pang-araw-araw na genre. Pareho sa mga direksyong ito ang parehong proseso - ang paghahanap para sa pagiging natural at sangkatauhan sa sining, taliwas sa opisyal na seremonyal na sining ng Rococo.
Maagang panahon (1730-50)
Anak ng karpintero. Nag-aral siya sa ilalim ng akademikong pintor na si P. J. Kaz at sa paaralan ng Academy of Arts. Ginugol niya ang kanyang buong buhay sa Paris, hindi umalis. Noong 1724 nakuha niya ang honorary na titulo ng isang miyembro ng Roman Academy of San Luca, noong 1828 - isang miyembro ng Royal Academy of Paris, na nagtatanghal ng pagpipinta na "Slope". Sa oras na ito ay kilala na siya bilang master of still life at domestic scenes. Noong 1731 pinakasalan niya si Francoise Marguerite Sentar, at sa parehong taon ay ipinanganak ang kanyang anak. Noong 1730s, bumaling si Chardin sa uri ng genre ng portraiture. Hindi niya nais na lumikha ng mga gawa sa mga opisyal na order, mas pinipiling ilarawan ang mga tao sa kanyang lupon. Ang pintor ng ikatlong estate, si Chardin, ay palaging nagmula sa kanyang mga gawa mula sa isang tunay na motibo sa buhay. Binigyan niya ng kahalagahan ang itinatanghal, na pinamunuan ang isang masayang kuwento tungkol sa pang-araw-araw na mga kaganapan, tungkol sa mga bagay na nauugnay sa kapaligiran ng tao, at hinahangad na ipakita ang panloob na dignidad ng mga modelo. Ito ay tumutugma sa mga etikal na ideya ng artist, tiwala sa kanyang mga pananaw sa buhay.
Sa eksenang "Prayer before dinner" (1738, Louvre), ikinuwento niya nang detalyado ang tungkol sa isang lalaki, ang masayang takbo ng kanyang pang-araw-araw na buhay. Genre portrait "in the Dutch spirit" na naglalarawan sa artist na si J. Aved, na kilala bilang "Chemist in his laboratory" (1734, Louvre), ay nakapagpapaalaala sa gawa ni Vermeer ng Delft, ang pagpipinta ng "maliit na Dutch". Ang pag-apela sa gawain ng mga master na ito ay natural sa paghahanap para sa mga French masters ng demokratikong direksyon. Sa canvas na ito ni Chardin, malaki ang kahalagahan ng interior. Gamit ang brush ng master ng still life, ang sitwasyon, mga bagay na nakapalibot sa figure, mga libro, mga pinggan ay nakasulat. Nagustuhan ni Chardin na ilarawan ang mga bata, kung saan ang mga imahe ay naaakit siya ng spontaneity, espirituwal na kadalisayan, panloob na kasiglahan. Ang seryosong konsentrasyon sa musika, pagbabasa, paghihip ng mga bula ng sabon, paglalaro ng mga baraha, pagguhit ay binibigyang diin sa mga larawang "Bata na may tuktok" (1734, Louvre), "Portrait of Jean Godefroy" (1734, Louvre). Sa genre portraits ng Chardin, palaging may malakas na araw-araw na simula. Gayunpaman, ang imahe mismo ay hindi natunaw dito. Para sa artist, ang sariling katangian ng modelo ay mahalaga. Batay sa naobserbahang kalikasan, hinahanap niya ito hindi isang panandaliang pagpapahayag ng mga damdamin, hindi sikolohikal na kumplikado, ngunit isang mas pangkalahatan, tipikal, na nagpapahintulot sa kanya na lumikha ng isang larawan ng isang tao sa kanyang kapaligiran, upang pag-usapan ang kanyang paraan. ng buhay. Ang kapansin-pansing napanatili na pahayag ng pintor: "Sino ang nagsabi sa iyo na nagpinta sila gamit ang mga pintura? Gumagamit sila ng mga kulay, ngunit sumusulat nang may damdamin. Sa likod ng panlabas na kabagalan ng salaysay, ang malalim na emosyonal na pag-unawa ng artist sa imahe (tao o bagay) ay nakatago, na nagpapahintulot sa manonood na maakit sa globo ng kanyang sariling pananaw sa kalikasan, na inspirasyon ng kanyang mga damdamin.
Mula 1737, naging regular na kalahok si Chardin sa Paris Salons. Ang kanyang trabaho ay nagustuhan ng mga marchant (mga dealer ng larawan) at mga kritiko. masigasig na sumulat tungkol sa kanya: "Narito, sino ang nakakaalam kung paano lumikha ng pagkakaisa ng mga kulay at chiaroscuro! Hindi mo alam kung alin sa mga kuwadro na ito ang pipiliin - pareho silang perpekto ... Ito ang kalikasan mismo, kung pag-uusapan natin ang katotohanan ng mga anyo at kulay. Ang mga canvases ni Chardin ay palaging ginagawa sa malambot na mga kulay. Ang pangunahing pananakop ng kanyang pangkulay ay ang mga reflexes ng kulay, na lumikha ng isang solong tono ng tunog ng mga kulay. Salamat sa kanilang malambot na pagkakaisa, ang isang nakamamanghang koneksyon ng mga bagay na pininturahan ng plastik ay nakamit, isang pakiramdam ng espirituwal na pagkakaisa ng isang tao at ang kanyang kapaligiran ay ipinanganak. Desudeports, iniutos ng direktor ng Office of the Royal Buildings, ang Marquis of Marigny - "Mga Katangian ng Musika" at "Mga Katangian ng Sining" (1765, Louvre) - mga halimbawa ng pinakamataas na mastery ng kulay ni Chardin. Sa pagtingin sa kanila, nararamdaman mo ang tunay na laman ng mga bagay. Ang pinakamagandang nuances ng kulay ay dinadala sa isang solong coloristic na tunog. Ang tunay na ipinarating na "patay na kalikasan" ay itinaas ng artista sa antas ng mataas na paglalahat.
Huling panahon (1769-79)
Ang huling dekada ng trabaho ng artista ay natabunan ng kanyang pagbibitiw sa Academy, humina ang paningin, at hindi gaanong atensyon mula sa publiko. Gayunpaman, ang mga gawa na nilikha sa panahong ito ay naging kapansin-pansin na mga gawa ng French painting noong ika-18 siglo. Sa mga taong ito, lumingon si Chardin sa pastel, na lumilikha ng mga tunay na obra maestra sa bagong pamamaraan na ito para sa kanyang sarili - "Portrait of a Wife" (1775, Louvre) at "Self-Portrait with a Green Visor" (1775, Louvre). Nais na suportahan ang tumatandang artista, si Diderot ay nagsasalita nang may papuri sa kanyang unang mga pastel na ipinakita sa Salon noong 1771 (kabilang sa mga ito ay Self-Portrait, 1771, Louvre). "Ang parehong may kumpiyansa na kamay at ang parehong mga mata, sanay na makita ang kalikasan," ang isinulat ng kritiko. Nang maglaon, ang mga larawan ni Chardin ay minarkahan ang isang bagong yugto sa kanyang sining. Ibinukod na ngayon ng artist ang mga intimate genre motif. Siya ay umalis mula sa uri ng genre ng portrait, at, nagsusumikap na tumaas sa isang mas malalim na generalization, ay nagbibigay hindi lamang ng isang liriko na kuwento tungkol sa isang tao ng ikatlong estate. Lumiko si Chardin sa mga chamber forms ng portraiture, na bago sa sining ng genre na ito. Interesado siya sa mukha ng modelo. Sa imahe ni Madame Chardin, ang buong paraan ng pamumuhay ng asawa ng artista ay ipinahayag, kasama ang kanyang pag-iral na puno ng mga pagkabalisa sa tahanan at kawalan. Ang isang satin dressing gown at isang cap ay hindi nakakabawas sa marangal na anyo ng isang magandang babae sa nakaraan. Ang mga light light stroke sa isang madilim na base ay nagbibigay ng makintab na ibabaw ng mga tela, ang kanilang iba't ibang mga texture. Ipinakita rin ng artista ang kanyang sarili sa mga damit pambahay sa "Self-Portrait na may Green Visor". Ang mga detalyeng inilalarawan ay nagsasabi tungkol sa kanyang propesyon. Chardin writes kanyang sarili bust, highlight sa relief sa pamamagitan ng pagpihit ng kanyang ulo sa harap at kulayan ang kanyang mukha. Ang bendahe sa ulo, kung saan ang visor ay nakakabit, at ang neckerchief na nakatali sa isang maluwag na buhol ay hindi mga detalye ng dekorasyon. Ito ang mga katangian ng mahigpit at komportableng propesyonal na pananamit. Ang isang mahinahon na matalim na tingin mula sa ilalim ng visor ay katangian din ng artist. Ang maramot na scheme ng kulay - mapula-pula-kayumanggi, puti, kulay-abo-asul na mga kulay - ay pinupunan ng kanilang banayad na tonal nuances, at ang interpenetration ng mga kulay ay lumilikha ng malambot, tunog ng silid na kulay ng larawan. Ang mga posibilidad ng intimate characterization ay ginagamit sa pinakamataas na lawak na posible sa mga huling larawan ni Chardin. Ang mga pastel ng artist noong 1770s ay kumpletuhin ang isang tiyak na panahon sa pagbuo ng French portrait.
Sa pagpipinta ni Chardin, ang tumaas na sensitivity ng edad ng Enlightenment sa paghahanap ng subtlety sa mga pinaka-ordinaryong bagay ay ipinakita. Malinaw niyang isinama ang utos ni Diderot na "tumingin sa katotohanan at huwag subukang palamutihan ito." Ang kanyang mga gawa, nang matupad ang kanilang makasaysayang gawain, ay inaasahan ang mga matutuklasan sa hinaharap sa makatotohanang larawan ng mga pangunahing master tulad ni M. Quentin de Latour, O. Fragonard, J. L. David.
Jean Baptiste Simeon Chardin (1699-1779) - Pranses na pintor, isa sa mga pinakasikat na artista noong ika-18 siglo at isa sa mga pinakamahusay na colorist sa kasaysayan ng pagpipinta, sikat sa kanyang trabaho sa larangan ng still life at genre painting.
Talambuhay ni Jean Baptiste Siméon Chardin
Isang estudyante nina Pierre-Jacques Caza at Noel Coypel, ipinanganak si Chardin at ginugol ang kanyang buong buhay sa Parisian quarter ng Saint-Germain-des-Pres. Walang ebidensya na naglakbay siya sa labas ng kabisera ng Pransya. Sa pagtulong kay Kuapel na magsagawa ng mga accessory sa kanyang mga pagpipinta, nakakuha siya ng isang pambihirang sining ng paglalarawan ng mga walang buhay na bagay sa lahat ng uri at nagpasya na italaga ang kanyang sarili nang eksklusibo sa kanilang pagpaparami.
Pagkamalikhain Chardin
Maaga siyang nakilala sa publiko ng Paris bilang isang mahusay na master ng still life. Ito ay higit sa lahat dahil sa Paris "debutante exhibition", na naganap sa Place Dauphine. Kaya, noong 1728, ipinakita niya ang ilang mga canvases doon, bukod sa kung saan ay ang buhay na buhay na "Scat". Ang pagpipinta ay humanga kay Nicolas de Largillière, isang honorary member ng French Academy of Painting and Sculpture, kaya inimbitahan niya ang batang pintor na ipakita ang kanyang mga gawa sa loob ng mga dingding ng akademya.
Kasunod nito, iginiit ng pintor na makipagkumpitensya si Chardin para sa isang lugar sa Academy. Noong Setyembre na, tinanggap ang kanyang kandidatura, at siya ay nakalista bilang "isang paglalarawan ng mga bulaklak, prutas at mga eksena sa genre."
Perpektong pinagkadalubhasaan ang kaalaman sa mga relasyon sa kulay, banayad na naramdaman ni Chardin ang pagkakaugnay ng mga bagay at ang pagka-orihinal ng kanilang istraktura.
Hinangaan ni Diderot ang husay kung saan ipinadama sa iyo ng artista ang paggalaw ng mga katas sa ilalim ng balat ng prutas. Sa kulay ng bagay, nakita ni Chardin ang maraming shade at inihatid ito ng maliliit na stroke. Ang puting kulay nito ay hinabi mula sa magkatulad na lilim. Ang mga kulay abo at kayumanggi na kulay na pag-aari ni Chardin ay hindi pangkaraniwang marami. Ang pagtagos sa canvas, ang mga sinag ng liwanag ay nagbibigay sa paksa ng kalinawan at kalinawan.
Ang mga pagpipinta ng pagpipinta ng genre, na nakikilala sa pamamagitan ng kanilang walang muwang na pagiging simple ng nilalaman, ang lakas at pagkakaisa ng mga kulay, ang lambot at kayamanan ng brush, kahit na higit pa sa mga naunang gawa ni Chardin, ay naglagay sa kanya ng pasulong mula sa isang bilang ng mga kontemporaryong artista at pinalakas ang isa sa kanyang mga kilalang lugar sa kasaysayan ng pagpipinta ng Pransya. Noong 1728 siya ay itinalaga sa Paris Academy of Arts, noong 1743 siya ay nahalal sa mga tagapayo nito, noong 1750 ay kinuha niya ang posisyon ng ingat-yaman nito; bilang karagdagan, mula noong 1765 siya ay miyembro ng Rouen Academy of Sciences, Literature and Fine Arts.
Sa mga gawa ng iba't ibang taon at iba't ibang genre, tulad ng Labandera (1737), Jar of Olives (1760) o Attributes of the Arts (1766), si Chardin ay palaging nananatiling isang mahusay na draftsman at colorist, isang artista ng isang "tahimik na buhay", isang makata araw-araw na buhay; ang kanyang titig at malambing na tingin ay nagbibigay-espiritwal sa mga pinaka-makamundo na bagay.
Sa mga huling taon ng kanyang buhay, si Chardin ay bumaling sa mga pastel at lumikha ng maraming magagandang larawan (self-portrait, 1775), kung saan ipinakita niya ang kanyang likas na emosyonal na kahusayan, ngunit din ang kakayahan para sa sikolohikal na pagsusuri.
Malaki ang ginawa ng mga Encyclopedist para maipalaganap ang katanyagan ni Chardin, na pinaghambing ang kanyang "burges" na sining sa mga artista ng korte na "napunit mula sa mga tao" - mga masters ng erotic at pastoral vignette sa diwa ng rococo.
Inihambing ni Diderot ang kanyang husay sa pangkukulam:
“Oh, Chardin, hindi ang puti, pula at itim na pintura ang dinidikdik mo sa iyong palette, kundi ang pinakabuod ng mga bagay; kumuha ka ng hangin at ilaw sa dulo ng iyong brush at ilalagay ang mga ito sa canvas!"
Gawain ng artista
- Ginang Chardin
- Magluto ng paglilinis ng singkamas
- Mga maglalaba
- lock ng card
- Panalangin bago maghapunan
- batang babae na nagbabasa ng sulat
- Mga katangian ng sining
- Buhay pa rin sa isang pabo
- Buhay pa rin na may prutas
- Buhay pa
- Tangke ng tubig na tanso
- masipag na ina
Ang kontribusyon ng artist na ito sa kaban ng sining ng mundo ay hindi pa lubos na pinahahalagahan. Matapos ang mga siglo ng pagkalimot pagkatapos ng kamatayan, kinilala ang kanyang gawain bilang ang pinakamalaking tagumpay ng realismo. Ang kanyang still lifes at genre paintings ay pinalamutian ang mga exposition ng mga pinakadakilang museo sa mundo. Ang kanyang teknik at istilo ng pagsulat ay pinag-aaralan sa mga art academy sa buong mundo. Higit sa lahat, mahilig siyang magsulat ng mga prutas...
Napakakaunting nalalaman tungkol sa pagkabata at kabataan ni Chardin. Ang lahat ng kanyang mga talambuhay ay nagsisimula mula sa sandaling ang master ay 30 taong gulang na. Ito ay tunay na kilala na ang artista ay ipinanganak sa pamilya ng isang cabinetmaker. Kung saan natanggap ni Chardin ang kanyang edukasyon sa sining ay hindi rin alam, malamang, ang kanyang paaralan ay ang pagawaan ni Noel Kuapel, kung saan nagtrabaho ang master bilang isang katulong. Ito rin ay mapagkakatiwalaan na kilala na sa buong buhay niya ay hindi umalis si Chardin sa mga limitasyon.
Nagtatrabaho sa workshop ng isang kinikilalang master, ang batang Chardin ay nagsagawa ng mga takdang-aralin na may kaugnayan sa imahe ng mga accessories at mga detalye ng mga pagpipinta ng may-ari. Hindi pangkaraniwang maingat at katumpakan sa trabaho, responsableng saloobin - lahat ng mga katangiang ito ay humantong sa katotohanan na mas at mas madalas ang mga detalye ng mga kuwadro na gawa ni Kuapel ay mukhang mas mahusay kaysa sa buong trabaho. Ang may-ari ng Chardin, na napagtatanto na ang isang tunay na master ay lumaki mula sa isang baguhan, ay nag-aalok sa kanyang empleyado na ibigay ang ilan sa kanyang trabaho sa eksibisyon ng mga "debutant", na ginanap sa Paris sa Dauphine Square.
Sa eksibisyon, napansin ang gawa ni Chardin. Ang impresyon ay napakalakas na marami ang nakatitiyak na bago sa kanila ay ang mga gawa ng mga Dutch masters noong ika-17 siglo. Ang isa sa mga honorary na miyembro ng Academy ay nag-alok sa baguhan na master upang ipakita ang kanyang mga gawa sa loob ng mga dingding ng pinaka-prestihiyosong exhibition hall. Pagkalipas ng ilang taon, ang katulong, baguhan, katulong na si Chardin ay naging miyembro ng French Academy, na naitala na may mga salitang "naglalarawan ng mga prutas at pang-araw-araw na mga eksena."
Sa buong kanyang malikhaing buhay, ipininta ng artista ang buhay ng "third estate". Salungat sa fashion, na nag-uutos ng pagsunod sa isang magagaling na istilo, isang walang laman ngunit eleganteng sining na idinisenyo upang palamutihan at pasiglahin ang mga interior, ang master ay napapahamak sa kanyang sarili sa walang hanggang pagiging eksklusibo at paghihiwalay. Nakatanggap siya ng mga komisyon para sa mga buhay pa rin sa istilong Dutch Baroque. At ang kanyang mga gawa sa genre ay pinahahalagahan lamang ng mga pinaka-perspicacious na kontemporaryo (hinahangaan ni Didero ang kanyang mga kuwadro na gawa, at ang mga French encyclopedist ay masigasig na nagsalita tungkol sa kanyang mga gawa sa kanilang mga publikasyon). Nakalimutan agad ng mga kababayan ang amo pagkatapos ng kanyang kamatayan. Pagkatapos ay nagkaroon ng isang rebolusyon, isang surge ng romanticism, pagkatapos ay ang kahanga-hangang istilo ng Imperyo ay sumasakop sa gawain ng mga realista noong ika-18 siglo.
Sa ikalawang kalahati lamang ng ika-19 na siglo, nang ang pag-unlad ng pagpipinta ay malapit na sa realismo, ang gawa ni Chardin ay naging isang modelo at ang pinakamataas na punto ng sanggunian para sa mga masters ng kulturang Kanluranin. Ang mga gawa ng master ngayon ay hinahangaan hindi lamang ng mga connoisseurs ng sining, kundi pati na rin ng mga pinaka walang karanasan na manonood.