Ang pagkakasunud-sunod ng pagguhit ay mula sa pinakamalaki hanggang sa pinakamaliit, mula sa pangkalahatan hanggang sa tiyak. §8 Praktikal na payo OPD.F.04 Akademikong pagpipinta

Ipadala ang iyong mabuting gawa sa base ng kaalaman ay simple. Gamitin ang form sa ibaba

Ang mga mag-aaral, nagtapos na mga mag-aaral, mga batang siyentipiko na gumagamit ng base ng kaalaman sa kanilang pag-aaral at trabaho ay lubos na magpapasalamat sa iyo.

Panuntunan ng paglipat ng paggalaw. Ang isang bagay sa isang pagpipinta ay lilitaw na gumagalaw sa ilalim ng mga sumusunod na kondisyon:

* kung ang cardine ay gumagamit ng isa o higit pang diagonal na linya, mga direksyon ng paggalaw; *kung mag-iiwan ka ng libreng espasyo sa harap ng gumagalaw na bagay;

*kung pipiliin mo ang isang tiyak na sandali ng paggalaw, na pinaka-malinaw na sumasalamin sa katangian nito, ay ang kasukdulan nito.

Bilang karagdagan, ang imahe ay lalabas na gumagalaw kung ito ay muling gagawa ng hindi lamang isang sandali ng paggalaw, ngunit ang mga sunud-sunod na yugto nito. Halimbawa, sa sinaunang Egyptian relief. Ang bawat isa sa mga figure ay nagyelo sa isang tiyak na posisyon, ngunit kapag tinitingnan ang komposisyon sa isang bilog, makikita mo ang pagkakasunud-sunod sa paggalaw.

Ang paggalaw ay mauunawaan lamang kapag isinasaalang-alang ang gawain sa kabuuan, at hindi ang mga indibidwal na sandali ng paggalaw. Ang libreng espasyo sa harap ng isang gumagalaw na bagay ay ginagawang posible upang ipagpatuloy ang pag-iisip sa paggalaw, na parang nag-aanyaya sa atin na gumalaw kasama nito.

Sa isa pang kaso, kapag ang bagay ay itinatanghal na masyadong malapit sa gilid ng sheet, tila ang paggalaw ay hindi maaaring ipagpatuloy.

Maaari mong bigyang-diin ang paggalaw sa pamamagitan ng paggamit ng direksyon ng mga linya ng pagguhit. Halimbawa, kung ang lahat ng mga linya ay nakadirekta nang malalim sa sheet. Ang pagpapahayag ng paggalaw ay nakamit sa pamamagitan ng pagpapakita ng bayani sa sandali ng pinakamataas na pag-igting ng kanyang mga kapangyarihan. Ang malabong background ay nagbibigay din ng pakiramdam ng paggalaw. hindi malinaw, malabo na mga balangkas ng mga bagay. Ang isang malaking bilang ng mga patayo o pahalang na linya sa background ay maaaring makapagpabagal ng paggalaw.

Ang pagpapalit ng direksyon ng paggalaw kung minsan ay nagpapabilis o nagpapabagal nito. Ang kakaiba ng aming paningin ay iyon. na nagbabasa tayo ng teksto mula kaliwa pakanan, at ang paggalaw mula kaliwa pakanan ay mas madaling makita, tila mas mabilis.

Static na panuntunan sa paglipat. Ang komposisyon ay itinuturing na static sa ilalim ng mga sumusunod na kondisyon;

*kung walang mga diagonal na direksyon sa larawan;

kung ang mga bagay ay inilalarawan sa kalmado (static) sax, walang rurok ng pagkilos;

kung ang komposisyon ay simetriko, balanse o binuo batay sa mga simpleng geometric na pattern (tatsulok, bilog, hugis-itlog, parisukat, parihaba).

Ang isang pakiramdam ng kapayapaan ay maaaring lumitaw sa isang gawa ng sining sa ilalim ng iba pang mga kondisyon.

Halimbawa, sa pagpipinta ni K. Korovin na "In Winter," sa kabila ng pagkakaroon ng mga diagonal na direksyon, ang kabayo na may sleigh ay nakatayo nang mahinahon, walang pakiramdam ng paggalaw para sa mga sumusunod na kadahilanan: ang mga geometric at compositional center ng larawan ay nag-tutugma, ang balanse ang komposisyon, at ang libreng espasyo sa harap ng kabayo ay hinaharangan ng isang puno.

Pagkilala sa plot at compositional center: Kapag lumilikha ng isang komposisyon, kinakailangan upang matukoy kung ano ang magiging pangunahing bagay sa larawan, at alagaan kung paano i-highlight ang pangunahing bagay na ito, iyon ay, ang plot-compositional center, na madalas na tinatawag na "semantic center" o “visual center” ng larawan.

Siyempre, hindi lahat ng bagay sa isang balangkas ay pantay na mahalaga, at ang mga menor de edad na bahagi ay nasa ilalim ng pangunahing bagay. Ang sentro ng komposisyon ay kinabibilangan ng balangkas, ang pangunahing aksyon at ang mga pangunahing tauhan.

Ang compositional center ay dapat una sa lahat makaakit ng pansin. Ang sentro ay na-highlight sa pamamagitan ng pag-iilaw, kulay, pagpapalaki ng imahe, mga kaibahan at iba pang paraan.

Hindi lamang sa mga gawa ng pagpipinta, kundi pati na rin sa mga graphic, sculpture, pandekorasyon na sining, at arkitektura, ang isang compositional center ay nakikilala. Halimbawa, ginusto ng mga master ng Renaissance na ang compositional center ay nag-tutugma sa gitna ng canvas.

Sa pamamagitan ng paglalagay ng mga pangunahing tauhan sa ganitong paraan, nais ng mga artista na bigyang-diin ang kanilang mahalagang papel at kahalagahan para sa balangkas.

Ang mga artista ay nakabuo ng maraming mga pagpipilian para sa paggawa ng isang pagpipinta kapag inilalagay ang gitna ng komposisyon kahit saan sa canvas. Ang pamamaraan na ito ay matagumpay na ginamit upang ihatid ang paggalaw, ang dinamika ng mga kaganapan, at ang mabilis na pag-unlad ng balangkas sa pagpipinta ni V. Surikov na "Boyaryna Morozova."

Ang pagpipinta ni Rembrandt na "The Return of the Prodigal Son" ay isang klasikong halimbawa ng isang komposisyon kung saan ang pangunahing bagay ay malakas na inilipat mula sa gitna upang pinakatumpak na ibunyag ang pangunahing ideya ng trabaho.

Ang balangkas ng larawang ito ay hango sa isang talinghaga ng ebanghelyo. Sa threshold ng kanilang tahanan, nagkita ang mag-ama, na nagbabalik pagkatapos maglibot sa mundo. Pagpinta ng mga basahan ng isang gala. Tila naghahatid ng kwento si Rembrandt tungkol sa mahirap na landas na dinaanan ng kanyang anak.

Maaari mong tingnan ito sa likod ng mahabang panahon, nakikiramay sa pagdurusa ng nawala. Ang lalim ng espasyo ay lumitaw dahil sa pare-parehong pagpapahina ng liwanag at anino at mga kaibahan ng kulay, simula sa harapan. Sa katunayan, ito ay binuo ng mga numero ng mga saksi sa sienna ng petisyon, unti-unting natutunaw sa takipsilim.

Ipinatong ng bulag na ama ang kanyang mga kamay sa balikat ng kanyang anak bilang tanda ng pagpapatawad. Ang kilos na ito ay naglalaman ng karunungan, sakit at mapanglaw, na naipon sa paglipas ng mga taon na nabuhay sa pagkabalisa, at pagpapatawad. Itinatampok ni Rembrandt ang pangunahing bagay sa larawan na may liwanag, na nakatuon ang aming pansin dito.

Ang compositional center ay matatagpuan halos sa gilid ng larawan. Binabalanse ng artist ang komposisyon sa pigura ng kanyang panganay na anak na nakatayo sa kanan. Ang paglalagay ng pangunahing semantic center sa isang katlo ng distansya sa taas ay tumutugma sa batas ng gintong ratio.

Mula noong sinaunang panahon, ito ay ginagamit ng mga artista upang makamit ang pinakadakilang pagpapahayag ng kanilang mga nilikha.

Ang panuntunan ng gintong ratio sa komposisyon(isang-katlo). Upang makilala ang compositional center, ang pinakamahalagang elemento ng imahe ay inilalagay alinsunod sa proporsyon ng gintong ratio, iyon ay, humigit-kumulang sa layo mula sa kabuuan Ang proporsyonal na mga ratio ng aspeto ng mga itinatanghal na bagay at ang canvas mismo ay dapat binuo sa batayan ng ginintuang ratio upang makamit ang pagkakaisa.

Ang mga pagpipinta na may dalawa o higit pang mga compositional center ay nagbibigay-daan sa iyo upang ipakita ang ilang mga kaganapan na nagaganap nang sabay-sabay at may pantay na kahalagahan.

Tingnan natin ang pagpipinta ni Velazquez na "Las Meninas" at ang diagram nito. Ang isang compositional center ng larawan ay ang batang infanta. Ang mga ladies-in-waiting, ang mga menina, ay sumandal sa kanya sa magkabilang gilid. Sa geometric center ng canvas mayroong dalawang magkakaibang mga spot ng parehong hugis at parehong laki. Ang mga ito ay kabaligtaran, tulad ng araw at gabi, ang isa ay puti, ang isa ay itim - ito ay dalawang labasan sa labas ng mundo - isa pang komposisyon na sentro ng larawan.

Ang isang labasan ay isang pintuan na nasisinagan ng araw. Ang isa naman ay salamin kung saan makikita ang royal couple. Ang pangalawang paglabas ay maaaring makita bilang isang paglabas sa sekular na lipunan. Ang kaibahan sa pagitan ng liwanag at madilim na mga prinsipyo sa pagpipinta ay maaaring maunawaan bilang isang pagtatalo sa pagitan ng pintor at ng pinuno.

Ang mga karakter na inilalarawan ng artista ay sapat na marami para sa isang mapanlikhang manonood upang lumikha ng mga larawan na nauugnay sa pagkakatulad o kaibahan sa isa't isa (ang artista at ang hari, ang mga courtier at ang piling tao, kagandahan at kapangitan, bata at magulang, tao at hayop. ).

Sa isang larawan maaari mong gamitin ang ilang mga pamamaraan nang sabay-sabay upang i-highlight ang pangunahing bagay.

Halimbawa, ang pamamaraan ng "paghihiwalay" (larawan ng pangunahing bagay sa paghihiwalay mula sa iba pang mga bagay) ay maaaring gamitin, na i-highlight ang pangunahing bagay sa laki at kulay.

Mahalagang gamitin ang mga pamamaraan ng pag-highlight sa plot-compositional center hindi pormal, ngunit sa isang impormal na paraan. upang pinakamahusay na maihayag ang layunin at nilalaman ng gawain.

Paglilipat ng simetrya at kawalaan ng simetrya sa isang komposisyon. Gumamit ang mga artista ng iba't ibang panahon ng simetriko na konstruksyon ng larawan. Maraming sinaunang mosaic ang simetriko. Ang mga pintor ng Renaissance ay madalas na nagtatayo ng kanilang mga komposisyon ayon sa mga batas ng simetrya. Ang konstruksiyon na ito ay nagpapahintulot sa iyo na makamit ang impresyon ng kapayapaan, kamahalan, espesyal na solemnidad at kahalagahan ng mga kaganapan. Sa isang simetriko na komposisyon, ang mga tao o mga bagay ay matatagpuan halos parang salamin na may paggalang sa gitnang axis ng larawan.

Ang simetrya sa sining ay batay sa katotohanan, na puno ng simetriko na mga anyo.

Halimbawa, ang figure ng tao, butterfly, snowflake, atbp. ay simetriko na nakaayos. Ang mga simetriko na komposisyon ay static (stable), ang kaliwa at kanang halves ay balanse.

Sa isang asymmetrical na komposisyon, ang pag-aayos ng mga bagay ay maaaring maging napaka-magkakaibang depende sa balangkas at layunin ng trabaho ang kaliwa at kanang halves ay hindi balanse.

Paglilipat ng balanse sa komposisyon. Sa isang simetriko na komposisyon, ang lahat ng mga bahagi ay balanse; Ang isang malaking liwanag na lugar ay balanse ng isang maliit na madilim.

Maraming maliliit na spot ang maaaring balansehin ng isang malaki. Mayroong maraming mga pagpipilian: ang mga bahagi ay balanse ng timbang, lahi at kulay. Ang balanse ay may kinalaman sa mga figure mismo at sa mga puwang sa pagitan nila.

Ang mga espesyal na pagsasanay ay bumuo ng isang pakiramdam ng balanse sa komposisyon. Ito ay kinakailangan upang malaman upang balansehin ang malaki at maliit na dami, liwanag at madilim, iba't ibang mga silhouette at mga spot ng kulay. Dito magiging kapaki-pakinabang na tandaan ang iyong karanasan sa paghahanap ng balanse sa isang swing.

Madaling malaman ng lahat na ang isang teenager ay maaaring balansehin sa pamamagitan ng paglalagay ng dalawang bata sa kabilang dulo ng swing. At ang sanggol ay maaaring mag-ugoy kahit na sa isang may sapat na gulang na nakaupo hindi sa gilid ng swing, ngunit mas malapit sa gitna.

Ang parehong eksperimento ay maaaring gawin sa mga kaliskis. Ang ganitong mga paghahambing ay nakakatulong upang balansehin ang iba't ibang bahagi ng larawan sa laki, tono at kulay upang makamit ang pagkakaisa, iyon ay, upang makahanap ng balanse sa komposisyon.

Sa isang asymmetrical na komposisyon, kung minsan ang balanse ay ganap na wala kung ang semantic center ay mas malapit sa gilid ng larawan. Ang impresyon ng pagpipinta ay nagbabago kung titingnan mo ang imahe ng salamin nito. Ang pag-aari na ito ng ating paningin ay dapat ding isaalang-alang sa proseso ng paghahanap ng balanse sa komposisyon.

Ang mga panuntunan sa komposisyon, pamamaraan at paraan ay batay sa mayamang malikhaing karanasan ng mga artista ng maraming henerasyon, ngunit ang pamamaraan ng komposisyon ay hindi tumitigil, ito ay patuloy na umuunlad, na pinayaman ng malikhaing kasanayan ng mga bagong master. Ang ilang mga diskarte sa komposisyon ay nagiging klasiko, ngunit lumilitaw ang mga bago, habang ang buhay ay nagdudulot ng iba pang mga gawain para sa sining.

3 . Ang gouache bilang isa sa mga materyales at pamamaraan ng pagpipinta

3.1 Pagpinta ng mga materyales sa sining at mga diskarte sa paggawa

Inihahatid ng mga pintor ang kagandahan ng nakapaligid na mundo sa tulong ng mga pintura: gouaches, watercolor, tempera, langis, atbp. Maaari kang pumili ng anumang base: canvas, papel, karton, board, dingding, atbp. Ang base ay karaniwang primed na may mga espesyal na compound . Ang mga pintura ay inilalapat sa base na may mga bilog at patag na brush na may iba't ibang kapal. Minsan ginagamit ang isang palette na kutsilyo para dito. kutsilyo. isang basahan, kahit isang daliri, ngunit mas mahusay pa ring gumamit ng mga espesyal na tool kaysa sa mga improvised na paraan.

Ang mga pintura ay inilalagay sa isang palette at pinaghalo upang makuha ang nais na lilim ng kulay. Ang palette ay isang maliit na manipis na tabla ng isang hugis-parihaba, hugis-itlog o iba pang hugis. Oil palette pagpipinta pangunahing ginawa mula sa kahoy, at para sa trabaho watercolor at gouache-- gawa sa puting plastik, minsan may mga recess para sa mga pintura. Minsan ginagamit ko ito bilang isang palette! puting platito, tile o sheet ng papel. Ang listahan ng mga kulay na ginagamit ng isang artist ay tinatawag ding palette. Sa kahulugan na ito, ang terminong "palette" ay malapit sa konsepto ng "kulay".

Ang pamamaraan ng pagsulat at ang mga tampok nito ay higit na nakasalalay sa mga katangian ng mga pintura, solvent, at mga tool. Hanggang sa katapusan ng XVII - simula ng siglo XVIII. ang mga artist at apprentice ay naghanda ng mga pintura sa kanilang sarili; Dinurog nila ang mga bato upang maging pulbos at hinaluan ito ng pandikit, mantika o itlog. Ang pang-industriya na produksyon ng mga pintura ay ginawa ang paleta ng kulay na mas magkakaibang.

Ang mga pintura sa pagpipinta ay may mga espesyal na pangalan. Kadalasan ang mga pangalang ito ay nauugnay sa mga kemikal o natural na elemento (mineral, halaman) kung saan sila ginawa. Ang batayan ng lahat ng mga pintura ay pigment - ito ay iba't ibang mga pangkulay na sangkap, o mga tina. Sila ay mineral, kemikal, organiko(hayop o halaman) pinagmulan. Upang maghanda ng mga pintura, ang mga pigment ay makinis na giniling sa pulbos at halo-halong may mga binder (langis, pandikit, atbp.). Ang mga organikong pigment ay mas mababa sa lakas kaysa sa mga mineral. Sa kasalukuyan, ang mga artipisyal na pigment ay pangunahing ginagamit, dahil sila ang pinaka matibay.

Kadalasan ang pangalan ng mga pintura ay nagmumula sa binder na ginamit upang ihanda ang mga ito. Halimbawa, ang base ng mga pintura ng langis ay linseed o ilang iba pang langis. Ang mga malagkit na pintura ay watercolor, gouache, tempera. Ipaalam sa amin na sabihin sa iyo nang mas detalyado ang tungkol sa mga malagkit na pintura, dahil ang mga ito ang madalas na ginagamit sa pagsasanay ng pagtuturo ng sining sa mga kolehiyo sa pagsasanay ng guro at sa mga pangunahing paaralan.

gouache-- opaque (katawan, pantakip) pintura, na diluted sa tubig. Ang isang gawa ng sining na ginawa gamit ang gayong mga pintura ay tinatawag ding "gouache". Ang mga pintura ng gouache ay ginawa mula sa mga pigment at pandikit na may pagdaragdag ng puti. Hindi tulad ng watercolor, ang layer ng pintura na inilapat sa papel ay hindi transparent, ngunit matte, siksik, na may makinis na ibabaw, na ibinibigay ng isang admixture ng puti. Kapag ang pagpapatayo, ang mga kulay ng gouaches ay nagiging medyo maputi (lightened), na dapat isaalang-alang ng artist sa panahon ng proseso ng pagguhit. Ang mga pintura ng gouache ay maliwanag, posible ang mga pagwawasto sa panahon ng trabaho, kailangan mo lamang maglagay ng ibang kulay sa ibabaw ng masamang lugar. Ang mga madilim na tono ay maaaring sakop ng mga magaan. Ang puti ay idinagdag sa gouache upang makakuha ng mas magaan na tono.

3. 2 Ang pagkakasunud-sunod ng pagpapatupad ng isang pagpipinta

Kapag lumilikha ng isang pagpipinta, dapat kang sumunod sa isang tiyak na pagkakasunud-sunod. Karaniwan, ang artist ay nagsisimulang magtrabaho sa isang pagpipinta o pagpipinta sa dingding na may ilang maliliit na compositional sketch, kung saan ang ideya ay tinukoy. Para sa parehong layunin, maaari siyang magsagawa ng mga sketch mula sa buhay.

Upang lumikha ng isang kawili-wiling pagpipinta, kailangan mong matutong makakita ng mga kawili-wiling kaganapan, karakter, motibo, pananaw at kundisyon sa buhay sa paligid mo. Ang patuloy na paggawa ng mga sketch, sketch at sketch mula sa kalikasan ay bubuo hindi lamang sa mata at kamay, kundi pati na rin sa pag-iisip ng komposisyon.

Ang nakakakita ng isang kawili-wiling compositional motif sa buhay ay hindi napakadali. Makakatulong dito ang isang frame ng viewfinder, na madaling gawin sa iyong sarili. Ang pangunahing bagay ay ang mga kabaligtaran na panig nito ay mananatiling nagagalaw, kung gayon posible na madaling baguhin ang format, dagdagan o bawasan ang bilog ng mga bagay na kasama sa larangan ng pagtingin. Kung walang frame, maaari mo lamang itiklop ang iyong mga palad tulad ng ipinapakita sa figure.

Ang pagpili ng pinaka-nagpapahayag na paksa para sa isang komposisyon ay hindi rin isang madaling gawain. Daan-daang tao ang nakakaunawa at nagbibigay kahulugan sa parehong kuwento sa iba't ibang paraan, iyon ay, lumikha sila ng sarili nilang bersyon. Sa pamamagitan ng balangkas, dapat nating maunawaan kung ano ang direktang inilalarawan ng artist sa canvas, ngunit ang nilalaman o tema ay maaaring maging mas malawak, iyon ay, ang mga gawa na may iba't ibang mga plot ay maaaring malikha sa parehong tema.

Mahalagang subukang isipin ang hinaharap na larawan kahit na bago simulan ang larawan. Bilang isang patakaran, ang artist ay unang gumagawa ng ilang maliliit na sketch upang mahanap ang pinaka-nagpapahayag na komposisyon. Sa yugtong ito, ang format ng pagpipinta ay tinutukoy (patayo na pinahaba, hugis-parihaba, parisukat, pahalang na pahaba, atbp.) At ang laki nito.

Ang pinahabang pataas na format ay nagbibigay sa imahe ng isang pakiramdam ng pagkakaisa at kadakilaan. Ang format na pahalang na parihaba ay kapaki-pakinabang para sa paglalarawan ng epikong aksyon. Nasabi na namin na ang isang format batay sa proporsyon ng gintong ratio ay angkop para sa paglalarawan ng isang malawak na motif ng landscape. Ang format na nakuha sa pamamagitan ng pagpapalaki ng parisukat na may buong dayagonal ay pantay na maginhawa para sa paglalarawan ng mga landscape, still lifes at thematic compositions.

Ang labis na pagtaas sa vertical na format ay ginagawang isang scroll ang imahe, at ang labis na pagtaas sa pahalang na format ay nagdidikta ng paggamit ng panoramic o frieze na komposisyon. Kapag pumipili ng isang format, dapat mong isaalang-alang ang lokasyon ng mga pangunahing bagay ng komposisyon - pahalang o patayo, ang pagbuo ng balangkas - mula kaliwa hanggang kanan, sa lalim ng larawan, atbp.

Ang parisukat na format ay pinakamahusay na ginagamit upang lumikha ng balanse, static na mga komposisyon dahil ang mga ito ay nauugnay sa pag-iisip sa pantay na gitnang mga palakol at magkapantay na gilid ng mga hangganan ng larawan.

Ang komposisyon sa isang hugis-itlog at isang bilog ay binuo na may kaugnayan sa haka-haka na mutually perpendicular central axes. Ang itaas at ibaba ng larawan ay dapat na malinaw na tinukoy dito. Ang Oval ay kadalasang ginagamit bilang isang format para sa mga portrait, dahil ang configuration na ito ay madaling nakakaugnay sa hugis-itlog ng mukha ng tao o sa contour ng isang bust na imahe.

Gumagamit din ang mga artist ng mga format ng mga kumplikadong configuration, na binubuo ng kumbinasyon ng dalawang geometric na hugis, halimbawa, kalahating bilog at parihaba.

Inilalarawan ng sketch ang pangkalahatang scheme ng komposisyon, ang lokasyon at ang relasyon ng mga pangunahing karakter nang walang detalyadong pagguhit. Posible ang isang tono at scheme ng kulay ng sketch. Susunod na lumipat sila sa pagguhit ng komposisyon, pagkatapos ay sa pictorial embodiment nito.

Ang isa sa mga kagiliw-giliw na yugto ng trabaho ay ang koleksyon ng natural na materyal: mga obserbasyon sa nakapaligid na buhay, mga sketch at sketch ng bahay at sa kalye, depende sa napiling balangkas. Maaari kang mangolekta ng natural na materyal kaagad pagkatapos pumili ng isang paksa, o gawin ito pagkatapos ng unang sketch ng komposisyon.

Pagkatapos ay iginuhit ng artist ang hinaharap na pagpipinta gamit ang isang lapis, uling o manipis na diluted na pintura at isang manipis na brush. Posibleng gumawa ng tinatawag na tracing paper o karton kung ang pagguhit ay kailangang ilipat sa ilang ibabaw. Kung ang isang bagay ay hindi gumagana sa pagguhit, maaari kang bumalik sa mga sketch muli, ayusin ang mga detalye na nagdulot ng mga kahirapan, at pagkatapos ay pinuhin ang pagguhit gamit ang nakolektang natural na materyal. Maaari ka ring gumawa ng isang bagong compositional sketch.", isinasaalang-alang ang mga nakumpletong sketch at sketch mula sa buhay, linawin ang plano.

Pagkatapos nito, lumipat sila sa pictorial solution ng canvas. Una, ang isang underpainting ay isinasagawa gamit ang manipis na diluted na mga pintura, kung saan ang pangkalahatang kulay at tono na mga relasyon ng mga bagay at ang kanilang lokal na kulay ay tinutukoy. Pagkatapos ay sinimulan nila ang pangunahing yugto - ang aktwal na pagpipinta ng canvas. Pinakamainam na magtrabaho mula sa pangkalahatan hanggang sa tiyak, unti-unting inilalapat ang pangunahing kulay ng mga bagay at pinong pagmomodelo ng lakas ng tunog. Kinakailangang linawin ang mga kaibahan at nuances ng kulay, mga reflexes ng kulay, at ang pangkalahatang pangkulay ng larawan. Sa huling yugto, muli silang nagpapatuloy sa pangkalahatan. Upang makamit ang integridad ng trabaho, ang mga hindi kinakailangang elemento ay dapat alisin, ang mga kaibahan ay dapat na humina, at ang pangunahing bagay ay dapat na i-highlight.

Ang mga nakalistang yugto ng pagkumpleto ng isang pagpipinta ay napakahalaga, lalo na para sa mga layuning pang-edukasyon. Gayunpaman, nangyayari na ang mga artista ay tumanggi sa ilang yugto. Magkaiba ang trabaho ng bawat isa. Ang ilan ay nagsasagawa ng isang detalyadong sketch, habang ang iba ay nagsusulat kaagad, nang walang paunang pagguhit ng lapis. Ang isang tao ay patuloy na naghahanap sa kalikasan para sa lahat ng bagay na lumipad para sa larawan, gumagawa ng mga sketch sa iba't ibang mga estado ng kalikasan, gumuhit ng mga sitter sa naaangkop na mga costume at poses, pinag-aaralan ang kinakailangang makasaysayang o sining na makasaysayang materyal. Ang isa pang artista ay higit na nagtitiwala sa kanyang visual na memorya at imahinasyon at sa pangkalahatan ay tumangging pag-aralan ang kalikasan.

Ang isang artista ay maaaring sabay na magtrabaho sa pagguhit, komposisyon, pag-sculpting ng isang form, paghahatid ng espasyo at kulay. Ganito si P. Cezanne gustong magtrabaho, lalo na noong pininturahan niya ang kanyang mga landscape o still lifes from life. Gayunpaman, ang landas na ito ay hindi magagamit sa lahat. Dapat mayroon kang mahusay na visual na memorya, tumpak na pagguhit, pag-iisip ng komposisyon, at isang hindi nagkakamali na pakiramdam ng kulay.

Mas gusto ng karamihan sa mga artista na isagawa ang lahat ng kinakailangang hakbang upang lumikha ng isang pagpipinta. Ganito nagustuhan ni L.A. Ivanov na magtrabaho. Nagsagawa siya ng napakalaking gawaing paghahanda para sa pagpipinta na "Ang Pagpapakita ni Kristo sa mga Tao." Maraming pictorial sketch na ipinakita sa State Tretyakov Gallery ang tumutulong sa pagsubaybay sa malikhaing paghahanap ng may-akda.

Ang lahat ng nasa itaas tungkol sa pagtatrabaho sa isang pagpipinta ay hindi dapat unawain bilang isang permanenteng, sapilitan at hindi nagbabagong utos. Gayunpaman, ang pagsunod sa mga alituntunin ay nakakatulong upang makamit ang magagandang resulta at makabisado ang mga kasanayan.

3. 3 Mga paraan ng paggawa sa isang still life painting

pagpipinta ng komposisyon ng kulay ng gouache

Ang still life painting ay mahalaga sa proseso ng edukasyon. Ito ay isang kinakailangang yugto sa pagbuo ng kamay at mata, ang pagbuo ng isang pakiramdam ng kulay, at ang integridad ng paningin. Sa pamamagitan ng still life, nakikilala ng isang tao ang totoong mundo sa lahat ng pagkakaiba-iba nito. Ang still life ay hindi isang random na koleksyon ng mga bagay. Ang isang aktibong saloobin sa kalikasan at isang pakiramdam ng kagandahan ay dapat na maipakita sa bawat yugto

Pagkakasunod-sunod ng mga larawan ng isang still life ng mga gamit sa bahay: Unang yugto. Nagdadala ng isang detalyadong pagguhit ng isang still life na may manipis na mga linya, pagkilala sa mga pangunahing proporsyonal na relasyon at disenyo ng mga bagay.

Pangalawang yugto. Gumaganap ng underpainting. Ang unang pagtula ng mga lokal na kulay ng mga bagay at drapery. Ang kulay ng mga bagay ay pinagsama-sama sa isang palette gamit ang puti.

Ikatlong yugto. Pagkilala sa mga relasyon sa kulay at tono. Elaborasyon at paglilinaw ng detalye mula sa liwanag hanggang sa dilim at sa dilim hanggang sa liwanag. Pinapayagan ka ng gouache na gumawa ng mga pagbabago sa trabaho; kung ang isang bagay ay hindi gumagana, takpan ang isang kulay sa isa pa. Buod at pagkumpleto ng gawain.

Pagkakasunud-sunod ng larawan ng landscape ng Gouache: Unang yugto. Pagguhit ng komposisyon ng landscape. Ang pagpipinta ng brush ay magaan at libre, gamit ang mainit o malamig na pintura depende sa kulay ng pagpipinta.

Pangalawang yugto. Paglalagay ng pangunahing kulay ng langit, mga korona ng puno, tubig. Paglilipat ng tamang ugnayan ng tonal at kulay.

Ikatlong yugto. Pagguhit ng mga detalye, pagbubuod at pagkumpleto ng gawain. Pagkamit ng coloristic na pagkakaisa ng landscape.

3. 4 Mga pamamaraan ng paggawa sa isang nakalarawan na imahe ng ulo ng tao

Ang pagpipinta ng ulo ng tao ay batay sa mga pangkalahatang prinsipyo ng paglikha ng mga larawang may larawan. Isaalang-alang natin ang ilang mga tampok na pamamaraan ng pagsasagawa ng mga pag-aaral sa ulo. Ang mga gawain ng paglalarawan ng ulo ay bumababa sa paghahatid ng istraktura nito, pag-sculpting ng hugis na may kulay, at pagkilala sa mga indibidwal na katangian ng kalikasan. Kinakailangang ihatid ang kayamanan ng kulay ng buhay na katawan ng tao, ang koneksyon ng ulo ng tao sa kapaligiran.

Ang pagguhit para sa pagpipinta ay maaaring gawin gamit ang isang lapis, uling, o maaari kang gumuhit nang direkta gamit ang isang brush. Kinakailangang gumamit ng mga manipis na linya upang ihatid ang istrukturang istruktura ng ulo, ang posisyon nito sa espasyo, at balangkasin ang mga hangganan ng chiaroscuro.

Ang gawain, gaya ng dati, ay isinasagawa mula sa pangkalahatan hanggang sa tiyak: una, ang pangkalahatang tono at kulay na mga relasyon ng malalaking eroplano ay tinutukoy sa underpainting, pagkatapos ay ang hugis ay nililok ng maliliit na stroke, ang mga detalye ay iginuhit, at sa huling yugto lahat ay pangkalahatan upang makamit ang integridad.

Mas mainam na simulan ang trabaho mula sa pinakamadilim na lugar sa kalikasan. Ang mga anino sa mukha ay napakalinaw. halos hindi maitago ang makulay na kutis. Sa pamamagitan ng paghahambing ng mga iluminadong bahagi ng tagapagsalita sa kanila, magiging mas madaling mahanap ang mga halftone. Pansamantalang pinapalitan ng puting kulay ng papel ang mga iluminadong ibabaw. Huwag magmadaling isulat ang bawat pilikmata kung ang ibang bahagi ng mukha ay hindi pa napagpasyahan kahit sa pangkalahatan. Magtrabaho sa lahat ng bahagi ng kalikasan sa parehong oras, magtrabaho gamit ang paraan ng mga relasyon. Sa proseso ng paglilipat ng dami ng ulo, mag-ingat. upang ang mga stroke ay magkasya sa hugis. Ang banayad na iba't ibang kulay ay nakasalalay sa maraming mga reflexes. Ang kulay ng mukha at pananamit ay palaging kumukuha ng isang lilim na pandagdag sa kulay ng background.

Sa huling yugto ng trabaho, bigyang-pansin ang pagpapahayag ng silweta ng ulo, ang pakikipag-ugnay nito sa ([bata. Sa ilang mga lugar kinakailangan upang matunaw ang mga linya ng tabas, at sa iba pang mga lugar, sa kabaligtaran, upang gawing mas malinaw ang mga ito Kung ang pintor ay may holistic na pananaw sa kalikasan, siya ay makumpleto ng tama.

Ang pagkakasunud-sunod ng pagsasagawa ng isang nakalarawan na pag-aaral ng ulo ng isang buhay na modelo: Unang yugto. Pagguhit gamit ang isang brush. Balangkas ang pangkalahatang hugis ng ulo at ang posisyon nito sa espasyo. Iguhit ang mga bahagi ng labi, ang hugis ng hairstyle nang walang mga hindi kinakailangang detalye.

Pangalawang yugto. Paglalagay ng pangunahing kulay ng mukha, buhok, background, pinapanatili ang tamang mga relasyon sa tonal at kulay.

Ikatlong yugto. Pagtatakda ng mga detalye, pagbubuod at pagkumpleto ng gawain, pagkamit ng pagkakahawig ng larawan, paghahatid ng karakter at imahe ng modelo.

3. 5 Mga pamamaraan ng paggawa sa isang nakalarawan na imahe ng isang pigura ng tao

Para sa mga layuning pang-edukasyon, ang pigura ng tao ay inilalarawan mula sa baywang pataas at sa buong taas. Ang pagpipinta ng figure ay nangangailangan ng kaalaman sa plastic anatomy, pananaw, at mga batas ng color science. Ito ay kapaki-pakinabang, bago gumawa sa isang nakalarawan na imahe ng isang pigura ng tao, upang magsagawa ng ilang mga pag-aaral ng bagay na ito na may isang pintura (grisaille).

Sa pinakadulo simula ng trabaho, mahalaga na hindi lamang umupo o ilagay ang modelo sa isang tiyak na pose, ngunit pag-aralan ang mga katangian at paggalaw nito, at isipin ang pagpili ng kasuutan. Samakatuwid, inirerekumenda na gumawa ng mga pictorial sketch ng kalikasan. Sa proseso ng paghahanap para sa pinakamatagumpay na compositional solution sa mga sketch, dapat matukoy ng isa ang plastic placement ng figure sa napiling format at ang pangkalahatang kulay. Ang karakter ng modelo ang nagpapasya sa buong komposisyon.

Sa underpainting, tinutukoy ang mga pangunahing kaalaman ng tonal at color scheme. Dagdag pa, ang paghahatid ng volumetric, materyal at spatial na mga katangian ng modelo, kinakailangan upang mag-sculpt ng form na may mga stroke at magtrabaho kasama ang mga relasyon.

Kapag naglalarawan ng isang pigura ng tao, kinakailangan na makahanap ng mga relasyon sa kulay na may kaugnayan sa nakapalibot na mga bagay at sa background. Ang parehong drapery sa tabi ng iluminado na bahagi ng kalikasan ay lilitaw na medyo mas madidilim, at sa paligid ng mga madilim na lugar nito - medyo mas magaan.

Sa huling yugto, dapat mong bigyang pansin ang mga katangian ng materyal at pagkakayari ng mukha, buhok, at pananamit. Ang mukha at mga kamay ay palaging ginagawa nang mas maingat kaysa sa mga accessory at background. Mahalagang kumpletuhin ang gawain sa oras, upang maiwasan ang pagkapira-piraso, labis na pagpapaliwanag ng mga detalye at hindi kumpletong sketch. Posible ang iba't ibang malikhaing diskarte sa paglalarawan ng pigura ng tao.

Ang pagkakasunud-sunod ng pagsasagawa ng pictorial sketch ng pigura ng tao: Unang yugto. Pagguhit gamit ang isang brush. Balangkas ang pangkalahatang paggalaw ng pigura, ang mga proporsyon at posisyon nito sa espasyo. Iguhit ang ulo at leeg. punit, braso, binti nang walang mga hindi kinakailangang detalye.

Pangalawang yugto. Paglalatag ng pangunahing kulay ng katawan, buhok, damit, background, na naghahatid ng tamang mga relasyon sa tonal at kulay.

Ikatlong yugto. Pagguhit ng mga detalye, pagbubuod at pagkumpleto ng gawain, paghahatid ng karakter at imahe ng modelo.

Na-post sa Allbest.ru

Mga katulad na dokumento

Mga pamamaraan para sa paglikha ng isang komposisyon sa isang eroplano gamit ang isang computer. Mga katangian at visual na paraan ng komposisyon. Ang kahalagahan ng anyo para sa pagpapahusay ng emosyonal na epekto ng isang akda. Mga pangunahing prinsipyo ng pagbuo nito, paraan ng pagkamit ng pagkakaisa.

pagsubok, idinagdag noong 02/14/2011

Ang graphic na komposisyon bilang isang istrukturang prinsipyo ng isang trabaho, pangunahing visual na paraan, mga tampok ng organisasyon. Pag-uuri at mga uri, pati na rin ang pag-andar ng mantsa, ang mga prinsipyo at pangunahing yugto ng pagbuo ng isang komposisyon sa tulong nito.

course work, idinagdag noong 06/16/2015

Ang kahulugan ng kulay sa isang pandekorasyon na komposisyon bilang isang visual at nagpapahayag na paraan. Mga pangunahing katangian ng mga kulay, ang kanilang sikolohikal na pang-unawa. Makasaysayang pag-unlad ng mga trend ng kulay, mga tampok ng magkatugma na mga kumbinasyon ng kulay sa isang suit.

course work, idinagdag 05/03/2011

Mga tampok ng pagbuo ng komposisyon sa pandekorasyon na pagpipinta. Ang mga pangunahing yugto ng trabaho sa pampakay na produksyon na "Fashion". Mga pamamaraan at pamamaraan para sa pagsasagawa ng isang likhang sining. Kaalaman sa mga pamamaraan at materyales sa pagpipinta, ang paggamit nito sa disenyo ng kapaligiran.

course work, idinagdag 03/01/2014

Pagsusuri ng mga makasaysayang aspeto ng paglitaw at pag-unlad ng lacquer miniature painting sa Russia. Pangunahing tema ng genre ng pangangaso. Mga yugto ng trabaho sa paglikha ng isang komposisyon sa temang "Duck Hunt". Pag-unlad ng isang teknolohikal na pagkakasunud-sunod para sa pagpipinta ng isang kahon.

thesis, idinagdag noong 07/29/2012

Mga problema sa komposisyon, mga pattern nito, mga pamamaraan, paraan ng pagpapahayag at pagkakatugma. Mga halimbawa ng asymmetrical composition construction. Asymmetry bilang isang paraan upang makamit ang balanse. Ang subordination ng mga bahagi ay isang paraan ng pag-iisa ng isang asymmetrical na komposisyon.

abstract, idinagdag noong 10/14/2014

Abstract expressionism ng ikalawang kalahati ng ika-20 siglo. Pagkamalikhain ni Jean-Michel Basquiat, G. Baselitz, N. Olivier. Mga posibilidad ng mixed media sa pictorial composition: collage, pagpipinta gamit ang acrylic at oil paint gamit ang mga graphic na materyales.

thesis, idinagdag noong 07/10/2015

Mga pormal na tampok ng komposisyon ng pagpipinta. Integridad, subordination ng pangalawa sa pangunahin. Balanse (static at dynamic). Mga uri at anyo, pamamaraan at paraan ng komposisyon at ang kanilang mga katangian. Ang aesthetic na aspeto ng pormal na komposisyon.

abstract, idinagdag noong 11/20/2012

Ang kahalagahan ng ritmo bilang prinsipyo ng pag-aayos ng isang komposisyon, ang mga tampok ng pagbuo nito sa sining ng iba't ibang mga makasaysayang panahon. Mga spatial na epekto at mga uri ng magkakaibang mga pagpapakita ng kulay. Ang konsepto ng isang masining na imahe, ang paglikha nito sa graphic na disenyo.

course work, idinagdag noong 04/16/2012

Mga paraan ng pagpapahayag sa larawang komposisyon ng isang tanawin. Mga prinsipyo ng pamamaraan para sa pag-aayos ng pampakay na pagguhit sa paksang "Landscape-mood" sa mga aralin sa sining sa isang sekundaryong paaralan. Mula sa karanasan ng pagtatrabaho sa komposisyon ng pagpipinta.

Ang konsepto ng "Pagpipinta" (didactic unit).

1. Alin sa mga kulay na ito ang hindi "mainit":
A) dilaw;
B) pula;
B) Kahel;
D) asul
2. Aling kahulugan ang pinakamahusay na tumutugma sa konsepto ng "perspektibo sa himpapawid":
A) ang sining ng paglalarawan ng three-dimensional na espasyo sa isang eroplano;
B) pagbabago sa laki ng mga bagay depende sa kanilang distansya mula sa punto ng pagmamasid;
C) isang pagbabago sa kulay ng isang bagay depende sa distansya nito mula sa punto ng pagmamasid;
D) proporsyonal na pagbabago sa mga bagay.
3. Ang mga pangunahing kulay ay
A) pula, lila, berde;
B) pula, asul, dilaw;
B) dilaw, asul, berde;
D) dilaw, asul, kahel.
4. Ang isang maayos na kumbinasyon, interrelation, tonal na kumbinasyon ng iba't ibang kulay sa isang larawan ay tinatawag na:
A) lokal na kulay
B) kulay
B) kaibahan
5. Kapag gumaganap ng isang pagpipinta, dapat kang sumunod sa sumusunod na pagkakasunud-sunod:
A) mula sa pangkalahatan hanggang sa tiyak;
B) mula sa malamig hanggang mainit;
B) mula sa liwanag hanggang sa dilim.
6. Anong uri ng pag-iilaw ang hindi nagpapakita ng hugis, lakas ng tunog at tekstura ng mga itinatanghal na bagay.
A) backlit
B) pangharap
B) lateral
7. Anong anyo ng pagpipinta ang maaaring maghatid ng dami ng mga bagay sa kalawakan, ang kanilang kaugnayan sa kapaligiran.
A) abstract
B) pampalamuti
B) makatotohanan
8. Aling yugto ang maaaring mapabayaan sa pagsulat ng isang panandaliang sketch ng isang ulo.
A) paghubog
B) mga relasyon sa kulay-tonal
B) pagpapaliwanag ng mga detalye
9. Ang uri ng pagpipinta ay batay sa prinsipyo ng stylization:
A) makatotohanan
B) pampalamuti
B) abstract
10. Isang uri ng pagpipinta batay sa hindi matalinghagang komposisyon ng kulay.
A) pampalamuti
B) abstract
B) makatotohanan
11. Sumulat ng buhay, sumulat nang malinaw, i.e. upang ganap at nakakumbinsi na ihatid ang katotohanan ay:
A) pagpipinta
B) pagguhit
B) DPI
12. Ang gawaing ginawa mula sa buhay ay:
A) sketch
B) sketch
13. Kapag nagsasagawa ng head sketch, aling anggulo ang pinaka-kapaki-pakinabang para sa paghahatid ng volume:
A) harap
B) profile
B) tatlong quarter
14. Ilang itinatag na sistema ng mga pamamaraan ng trabaho na binuo ng iba't ibang pambansang paaralan.
A) pamamaraan ng pagpipinta
B) mga materyales sa pagpipinta ng gouache
15. Ang pagguhit para sa pagpipinta ng gouache ay karaniwang ginagawa6
A) karbon
B) panulat ng felt-tip
B) lapis
16. Kapag gumagawa sa isang tanawin mula sa kalikasan, gaano katagal bago ganap na magbago ang estado ng kalikasan:
A) dalawang oras
B) apat na oras
B) tatlumpung minuto
17. Harmonious states, interconnection, tonal combination ng iba't ibang kulay sa isang larawan ay:
A) kulay
B) kagaanan
B) monochrome
18. Ang pangunahing kulay ng isang bagay nang hindi isinasaalang-alang ang mga panlabas na impluwensya ay:
A) reflex
B) lokal na kulay
B) semitone
19. Ang mga pangunahing gawain ng makatotohanang pagpipinta:
A) sumulat nang malinaw, kaakit-akit
B) magsulat sa mga relasyon
B) gumamit ng mas maraming kulay
20. Alin sa mga sumusunod na thinner ang ginagamit sa pagpipinta ng gouache:
A) tubig
B) turpentine
B) acetone
21. Ano ang pinakamahalagang yugto sa pagsulat ng sketch para sa isang estado:
A) paggawa ng mga detalye
B) mga relasyon sa kulay
B) paghubog
22. Paano nagsisimula ang paggawa sa isang pictorial sketch:
A) paggawa ng mga detalye
B) layout sa format
B) pagtatayo
D) paglalatag ng mga pangunahing ugnayan ng kulay at tonal
23. Alin sa mga kulay na ito ang hindi kabilang sa achromatic group:
Isang puting
B) lila
B) kulay abo
D) itim
24. Kung ang artista ay naglalarawan lamang ng mga seascape, kung gayon ang mga ito ay tinatawag na:
A) "Marinami"
B) "Svetlana"
B) "Elena"
25. Ang overlay ng isang layer ng pintura sa isa pa ay tinatawag na:
A) glazing
B) lahat ng prima
B) hilaw
26. Aling kulay ang hindi chromatic:
A) pula
B) puti
B) asul
D) asul
27. Sa itim, ang kulay abo ay lumilitaw na mas magaan, at sa puti, mas madidilim. Ang kababalaghang ito ay tinatawag na:
A) magaan na kaibahan
B) kulay
B) kaibahan ng kulay
28. Ang pagpinta ng isang kumplikadong plastic form - ang ulo ng sitter - ay dapat na batay sa kaalaman:
A) anatomical na istraktura ng bungo
B) kasaysayan ng sining
B) linear na pananaw
29. Ang reflex na may kaugnayan sa iluminado na bahagi ng ulo ng sitter ay palaging:
A) mas magaan
B) mas madilim
B) eksaktong pareho
30. Ang pamamaraan ng pagpipinta, kung saan ang kulay ng bawat detalye ng produksyon ay kinuha kaagad nang buong puwersa, sa isang layer, ay tinatawag na:
A) glazing
B) hilaw
B) "alaprima"
31. Piliin ang tamang pagkakasunod-sunod:
A) paglalahat, pag-aayos, paghubog, pagbuo
B) layout, paghubog, pagbuo, paglalahat
C) pagbuo, pag-aayos, paghubog, paglalahat
D) layout, pagbuo, paghubog, paglalahat.

MGA SAGOT SA PAGSUSULIT SA PAGPIPINTA

G
SA
B
B
A
A
SA
SA
B
B
A
A
SA
A
SA
A
A
B
B
A
B
B
B
A
B
B
A
A
B
SA
G

Naka-attach na mga file

Mga pagsusulit sa pagpipinta ng ika-4 na baitang, ika-2 kalahati.

1. Alin sa mga kulay na ito ang hindi "mainit":

A) dilaw;

B) pula;

B) orange;

D) asul

2. Aling kahulugan ang pinakamahusay na tumutugma sa konsepto ng "perspektibo sa himpapawid":

A) ang sining ng paglalarawan ng three-dimensional na espasyo sa isang eroplano;

B) pagbabago sa laki ng mga bagay depende sa kanilang distansya mula sa punto ng pagmamasid;

C) isang pagbabago sa kulay ng isang bagay depende sa distansya nito mula sa punto ng pagmamasid;

D) proporsyonal na pagbabago sa mga bagay.

3 . Ang mga pangunahing kulay ay...

A) pula, lila, berde;

B) pula, asul, dilaw;

B) dilaw, asul, berde;

D) dilaw, asul, kahel.

4. Ang isang maayos na kumbinasyon, interrelation, tonal na kumbinasyon ng iba't ibang kulay sa isang larawan ay tinatawag na:

A) lokal na kulay

B) kulay

B) kaibahan

5. Kapag nagsasagawa ng pagpipinta, dapat kang sumunod sa sumusunod na pagkakasunud-sunod:

A) mula sa pangkalahatan hanggang sa tiyak;

B) mula sa malamig hanggang mainit;

B) mula sa liwanag hanggang sa dilim.

6. Anong uri ng pag-iilaw ang hindi nagpapakita ng hugis, dami at texture ng mga itinatanghal na bagay.

A) backlit

B) pangharap

B) lateral

7. Anong anyo ng pagpipinta ang maaaring maghatid ng dami ng mga bagay sa espasyo, ang kanilang kaugnayan sa kapaligiran.

A) abstract

B) pampalamuti

B) makatotohanan

8. Aling yugto ang maaaring mapabayaan kapag nagsusulat ng isang panandaliang sketch ng isang ulo?

A) paghubog

B) mga relasyon sa kulay-tonal

B) pagpapaliwanag ng mga detalye

9. Sumulat ng buhay, sumulat nang malinaw, i.e. ang ganap at nakakumbinsi na paglalahad ng katotohanan ay:

A) pagpipinta

B) pagguhit

B) DPI

10 . Ang gawaing ginawa mula sa buhay ay:

A) sketch

B) sketch

11. Kapag nagsasagawa ng isang pag-aaral sa ulo, aling anggulo ang pinaka-kapaki-pakinabang para sa paghahatid ng lakas ng tunog:

A) harap

B) profile

B) tatlong quarter

12. Ilang itinatag na sistema ng mga pamamaraan ng trabaho na binuo ng iba't ibang pambansang paaralan.

A) pamamaraan ng pagpipinta

B) mga materyales sa pagpipinta ng gouache

13. Ang pagguhit para sa pagpipinta ng gouache ay karaniwang ginagawa

A) karbon

B) panulat ng felt-tip

B) lapis

14. Harmonious states, interconnection, tonal combination ng iba't ibang kulay sa isang larawan ay:

A) kulay

B) kagaanan

B) monochrome

15. Ang pangunahing kulay ng isang bagay nang hindi isinasaalang-alang ang mga panlabas na impluwensya ay:

A) reflex

B) lokal na kulay

B) semitone

16. Ang mga pangunahing gawain ng makatotohanang pagpipinta:

A) sumulat nang malinaw, kaakit-akit

B) sumulat sa mga relasyon

B) gumamit ng mas maraming kulay

17. Alin sa mga sumusunod na thinner ang ginagamit sa pagpipinta ng gouache:

A) tubig

B) turpentine

B) acetone

18. Kung ang artista ay naglalarawan lamang ng mga seascape, kung gayon ang mga ito ay tinatawag na:

A) "Marinami"

B) "Svetlana"

B) "Elena"

19. Ang overlay ng isang layer ng pintura sa ibabaw ng isa pa ay tinatawag na:

A) magpakinang

B) lahat ng prima

B) hilaw

20. Aling kulay ang hindi chromatic:

A) pula

B) puti

B) asul

D) asul

21. Sa itim, ang kulay abo ay lumilitaw na mas magaan, at sa puti, mas madidilim. Ang kababalaghang ito ay tinatawag na:

A) magaan na kaibahan

B) kulay

B) kaibahan ng kulay

22. Ang pagpinta ng isang kumplikadong plastic form - ang ulo ng sitter - ay dapat na batay sa kaalaman:

A) anatomical na istraktura ng bungo

B) kasaysayan ng sining

B) linear na pananaw

23. Ang pamamaraan ng pagpipinta, kung saan ang kulay ng bawat detalye ng produksyon ay kinuha kaagad sa buong puwersa, sa isang layer, ay tinatawag na:

A) magpakinang

B) hilaw

B) "alaprima"

MGA SAGOT SA PAGSUSULIT SA PAGPIPINTA

Gumagamit din ang mga artist ng mga format ng mga kumplikadong configuration, na binubuo ng kumbinasyon ng dalawang geometric na hugis, halimbawa, kalahating bilog at parihaba.

Kulay ng sining ng pagpipinta

Ang pagpipinta ay ang sining ng kulay Ang pagpipinta ay isang uri ng pinong sining kung saan ang kulay ay gumaganap ng malaking papel.

Kasama sa pagpipinta ang mga gawang sining na ginawa gamit ang mga pintura na inilapat sa ilang matigas na ibabaw.

Ang pagpipinta ay nangangahulugan ng pagpipinta ng buhay, pagpipinta nang matingkad, iyon ay, ganap at nakakumbinsi na naghahatid ng katotohanan.

Ayon sa praktikal na layunin nito, ang pagpipinta ay nahahati sa monumental, easel, icon painting, miniature, theatrical at decorative, decorative painting, atbp.

Ang bawat uri ng pagpipinta ay may sariling mga detalye. Nalalapat ito sa parehong teknikal na pagpapatupad at masining at makasagisag na mga gawain.

Ang mga larawan ng pagpipinta ay napaka-visual at maliwanag. Gumagawa ang mga artista ng mga canvases gamit ang pictorial at plastic na paraan. Ginagamit nila ang mga posibilidad ng pagguhit at komposisyon, ngunit ang pangunahing paraan ng pagpapahayag sa pagpipinta ay kulay.

Ang pagpipinta ay may kakayahang makuha ang kumplikadong mundo ng mga damdamin at mga karakter ng tao, na naghahatid ng mga banayad na pagbabago sa kalikasan, walang hanggang pilosopiko na mga ideya at kamangha-manghang mga imahe. Ang pagkakumpleto ng mga phenomena na sakop ng pagpipinta ay makikita sa mga likas na genre nito.

Ang kasaysayan ng pagpipinta ay nagsisimula sa mga kuwadro ng kuweba ng primitive na tao.

Napakalaking espirituwal na kayamanan ay naipon sa kurso ng pag-unlad nito.

Ang icon ng Lumang Ruso, na naglalaman ng ideya ng Diyos, ay parehong isang dambana at isang halimbawa ng pagpipinta na naghahatid hindi sa lupa, ngunit banal na kagandahan. Ang kulay ng mga icon ay kumbensyonal at pandekorasyon. Ang layunin ng icon ay hindi upang ihatid ang katotohanan, ngunit ang banal na ideya kung saan hinahangad ng pagpipinta ang perpekto.

Sa panahon ng Renaissance, ang tao ay naging sukatan ng lahat ng bagay at ang bayani ng mga pagpipinta. Ang imahe ng Madonna ay ang ideal ng makalupang pagiging perpekto. Ang mga artista ay nagsimulang magpinta ng mga makatotohanang canvases.

Ang mga diskarte sa pagpipinta ay patuloy na napabuti. Parami nang parami ang magkakaibang paksa ang nakaakit ng mga pintor. Ang lahat ng ito ay humantong sa paglitaw ng mga genre noong ika-17 siglo.

Ang isa sa mga pinaka sinaunang genre ay portraiture. Ang magagandang portrait na ginawa gamit ang wax painting technique ay natagpuan sa bayan ng Fayoum. Sila ay nilikha sa Sinaunang Ehipto noong ika-1-3 siglo AD. Ang mga larawan ng Fayyum ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang matingkad na imahe ng buhay at volumetric na liwanag at anino na pagmomodelo ng mga anyo.

Ang mga kahanga-hangang pintor ng larawan ng Russia ay sina F. Rokotov, D. Levitsky, V. Borovikovsky, V. Serov at iba pa.

Ang mga artista ay naglalarawan ng mga natatanging larawan ng mga bagay, ang kanilang tahimik na buhay sa buhay pa. Ang genre na ito ay lumitaw noong ika-17 siglo. Ang mga sikat na Dutch still lifes ay naghahatid ng saya ng buhay sa pagtingin sa kanila, tila nararamdaman mo ang lasa ng mga tunay na prutas, isda, at inumin. Tila kumakanta sila ng isang himno sa materyal na mundo.

Sa Russia, ang mga masters ng still life painting ay sina P. Konchalovsky, I. Mashkov, K. Petrov-Vodkin, M. Saryan at iba pa.

Ang mga pintura kung saan ang pangunahing imahe ay ang imahe ng kalikasan ay nagsimula ring likhain sa Holland noong ika-17 siglo. Ang genre ng landscape ay hindi lamang nagsasalita ng walang katapusang pagkakaiba-iba at kagandahan ng kalikasan sa iba't ibang oras ng taon, sa iba't ibang klimatiko na kondisyon, sa ilalim ng sikat ng araw at liwanag ng buwan, ngunit nagbibigay din ng mga damdamin at mood. Ihambing ang mga tanawin ng C. Corot, Van Gogh, P. Cezanne at ikaw

K. KORO. Tulay sa Nantes makikita mo na ang alinman sa mga ito ay nakabatay sa tunay na kalikasan, ngunit sa parehong oras ay iba't ibang mga imahe lumitaw, dahil

VAN GOGH. Mga puno ng trigo at cypress. Fragment

P. CEZANNE. Bahay ng magsasaka. Mga kastanyas sa Jas de Bouffan

F. VASILIEV. Basang parang

ang pangunahing bagay ay ang sariling katangian ng artist. Hindi siya palaging nagpinta tulad ng sa kalikasan, ngunit ipinapahayag ang kanyang panloob na estado sa pagpipinta, kaya ang bawat artist ay may sariling paboritong kumbinasyon ng kulay, mga diskarte, at indibidwal na saloobin sa kulay.

I. Ang Levitan ay maaaring tawaging isang mang-aawit ng kalikasang Ruso. Ang mga kahanga-hangang pintor ng landscape ng Russia ay sina F. Vasiliev, V. Polenov, A. Savrasov, I. Shishkin at iba pa.

Kung ang isang artista ay naglalarawan lamang ng mga seascape, kung gayon ang mga ito ay tinatawag na "marines"; Ang mga kuwadro na gawa ng I. Aivazovsky ay isang matingkad na halimbawa ng genre na ito.

Ang ilang mga artista ay itinalaga ang lahat ng kanilang pagkamalikhain sa paglalarawan ng mga hayop at ibon. Lumilikha sila ng mga gawa ng animalistic genre. Ang mga pintor ay bihirang pumili nito, ngunit ang mga graphic artist at sculptor ay mahilig gumuhit at mag-sculpt ng iba't ibang hayop at kanilang mga sanggol (A. Laptev, V. Vatagin, E. Charushin).

Ang mga kaganapan sa nakaraan, mga kwento sa Bibliya at mga epikong panahon ay nagbibigay inspirasyon sa mga artista na lumikha ng mga pagpipinta ng makasaysayang genre - ito ay, bilang isang panuntunan, mga canvases na may mga multi-figure na komposisyon, makatotohanan sa scheme ng kulay. Ang gawain ni V. Surikov ay isang kapansin-pansing halimbawa ng makasaysayang pagpipinta.

Sumulat si V. Vasnetsov ng maraming mga kuwadro na gawa sa mga engkanto at epikong paksa. Ang mga pagpipinta batay sa mga eksena mula sa mga alamat ay nabibilang sa mythological genre (ill. 15).

Hindi lamang ang mga makabuluhang kaganapan sa kabayanihan, kundi pati na rin ang pang-araw-araw na gawain ng mga tao, ang ordinaryong buhay ay maaaring ilarawan sa canvas. Ang ganitong mga kuwadro ay gawa ng pang-araw-araw na genre, kung minsan ay tinatawag silang mga canvases ng pagpipinta ng genre, halimbawa, mga kuwadro na gawa ng mga artistang Ruso: A. Venetsianov, P. Fedotov, V. Perov, G. Myasoedov, B. Kustodiev.

Sa makasaysayang at pang-araw-araw na mga genre, ang pagkakaugnay ng mga character ay mahalaga, at ang makasagisag na solusyon ay nilikha higit sa lahat sa tulong ng kulay.

Una, tinitingnan natin ang balangkas ng larawan, kung ano ang inilalarawan, kung sino ang bayani, kung kailan ito nangyari, at pagkatapos ay tinitingnan natin kung paano ito isinulat, kung paano inilalarawan ng artist ito o ang bagay na iyon, kung paano niya inilalapat ang pintura (glaze, alla prima), kung anong kulay ang pipiliin niya. Ang mood ng pagpipinta at ang emosyonal na epekto nito ay nakasalalay sa pagpili ng kulay. Kulay

ang mga canvases ay maaaring maging masaya at malungkot, mahinahon at balisa, mahiwaga at malinaw.

Subukang maunawaan ang intensyon ng artist, ang pangunahing ideya ng trabaho. Ang pagiging karampatang manonood ay hindi madali. Kailangan mong pag-aralan ang wika ng pagpipinta at patuloy na bumuo ng iyong pang-unawa, artistikong panlasa, at emosyonalidad.

Naipakilala ka na sa mga genre ng fine art sa elementarya, kaya isang maikling pangkalahatang-ideya lamang ng mga ito ang ibinigay dito. Kung gusto mong matuto nang higit pa tungkol sa mga ito, maaari mong tingnan ang “Concise Dictionary of Artistic Terms,” na bahagi ng educational kit na ito, o sumangguni sa espesyal na literatura, gaya ng nakalista sa dulo ng textbook.

Ang artist ay lumilikha ng isang natatanging mundo sa pamamagitan ng mga kaakit-akit na paraan na nakakagulat at nagpapasaya sa atin, nag-aalala sa atin at nagbibigay ng pagkain sa isip, nagpapakilala sa atin sa mga lihim at misteryo ng karunungan.

Ang kulay ay maaaring magpalilok ng hugis ng isang bagay, ilarawan ang kagandahan ng nakapaligid na mundo, ipahayag ang mga damdamin, mood, at isang tiyak na emosyonal na estado.

Ang kulay ay maaaring perceived sa iba't ibang paraan; Dapat mong pag-aralan ang mga pangunahing kaalaman ng agham ng kulay, makilala sa pagitan ng mga konsepto ng "kulay" at "pintura". Ang kinakailangang kulay para sa pagpipinta ay karaniwang nakakamit sa pamamagitan ng paghahalo ng mga pintura sa isang palette. Pagkatapos ay gagawing kulay ng pintor ang pintura sa eroplano ng pagpipinta, na lumilikha ng pagkakasunud-sunod ng kulay - kulay.

Ang salitang "kulay" ay isa, ngunit tumutukoy sa maraming mga katangian ng proseso ng pagpipinta, kaya ang kulay ay nararapat na batayan ng ganitong uri ng sining.

Praktikal na payo

Kapag gumaganap ng isang pagpipinta, dapat kang sumunod sa isang tiyak na pagkakasunud-sunod. Karaniwan, ang isang pintor ay nagsisimulang magtrabaho sa isang pagpipinta o pagpipinta sa dingding sa pamamagitan ng pagkumpleto ng ilang maliliit na sketch kung saan niya ikonkreto ang kanyang ideya. Para sa parehong layunin, maaari siyang magsagawa ng mga sketch mula sa buhay.

Pagkatapos ay iginuhit ng artist ang hinaharap na pagpipinta. Maaari siyang gumamit ng lapis, uling o manipis na diluted na pintura at isang manipis na brush para dito. Posibleng gumawa ng tinatawag na "tracing paper" o "cardboard" sa kaso kung kailan ang pagguhit ay kailangang isalin sa

ilang ibabaw. Minsan nilalaktawan ng mga artista ang yugtong ito ng trabaho at agad na nagsimulang magpinta nang walang paunang pagguhit.

Mayroong maraming mga paraan upang ilapat ang pintura sa isang eroplano. Mas gusto ng ilang artista na gumamit ng glazing technique: paglalagay ng manipis na transparent na mga layer sa ibabaw ng pinatuyong layer ng pintura. Ang iba ay nakamit kaagad ang nais na scheme ng kulay sa isang amerikana, habang ang iba

gumamit ng hiwalay na mga stroke.

Ang artist ay maaaring sabay na magtrabaho sa pagguhit, komposisyon, sculpting form, conveying space at kulay. Ganito si P. Cezanne gustong magtrabaho, lalo na noong pininturahan niya ang kanyang mga landscape o still lifes from life.

Gayunpaman, ang landas na ito ay hindi magagamit sa lahat. Dapat mayroon kang mahusay na visual na memorya, tumpak na pagguhit, pag-iisip ng komposisyon, at isang hindi nagkakamali na pakiramdam ng kulay.

Mas gusto ng karamihan sa mga artista na magtrabaho mula sa pangkalahatan hanggang sa tiyak, unti-unting inilalapat ang pangunahing kulay ng mga bagay at sinusubaybayan ang pagmomodelo ng lakas ng tunog. Pagkatapos ay linawin nila ang mga nuances ng kulay, color reflexes, at ang pangkalahatang kulay ng larawan. Sa huling yugto, muli silang nagpapatuloy sa pangkalahatan. Upang makamit ang integridad ng trabaho, maaari mong alisin ang mga hindi kinakailangang detalye, pahinain ang mga kaibahan, at i-highlight ang pangunahing bagay. Ganito ang gustung-gusto ng kahanga-hangang artista na si A. A. Ivanov na magtrabaho. Gumawa siya ng maraming gawaing paghahanda bago likhain ang pagpipinta na "Ang Pagpapakita ni Kristo sa mga Tao." Maraming mga pag-aaral sa larawan na ipinakita sa tabi ng pagpipinta na ito sa Tretyakov Gallery ay tumutulong sa pagsubaybay sa malikhaing paghahanap ng may-akda.

Para sa mga layuning pang-edukasyon, mas mahusay na magtrabaho sa isang nakalarawan na komposisyon nang sunud-sunod. Ang mga pahayag ng mga master sa dulo ng aklat na ito ay tutulong sa iyo na malaman ang ilan sa mga lihim at misteryo ng pagpipinta.

Inihahatid ng mga pintor ang kagandahan ng mundo sa kanilang paligid sa tulong ng mga pintura. Maaari kang pumili ng anumang base: canvas, papel, karton, board, dingding, atbp. Ang base ay karaniwang primed na may mga espesyal na compound. Gumagamit ang mga pintor ng iba't ibang pintura: gouache, watercolor, oil tempera, atbp. Inilapat ba ang mga pintura sa base? bilog at patag na mga brush na may iba't ibang kapal. Minsan gumagamit sila ng isang palette na kutsilyo, isang basahan, o kahit na naglalagay ng pintura gamit ang kanilang mga daliri para dito, ngunit mas mahusay pa rin na lumikha ng mga gawa ng sining gamit ang mga espesyal na tool kaysa sa mga improvised na paraan. Ang pamamaraan ng pagsulat at ang mga tampok nito ay higit na nakasalalay sa mga katangian ng mga pintura, solvent, at mga tool.

Hanggang sa katapusan ng ika-17 at simula ng ika-18 siglo, ang mga artista at mga apprentice ay naghanda ng mga pintura sa kanilang sarili; Sa pang-industriya na produksyon ng mga pintura, ang paleta ng kulay ay naging mas magkakaibang.

Ang mga pintura sa pagpipinta ay may mga espesyal na pangalan. Kadalasan ang mga pangalang ito ay nagsasabi sa amin mula sa kung anong kemikal o natural na mga elemento (mineral, halaman) ang ginawa nila. Ang batayan ng lahat ng mga pintura ay pigment (pinong lupa na may kulay na pulbos). Kadalasan ang pangalan ng mga pintura ay nagmumula sa binder na ginamit upang ihanda ang mga ito. Halimbawa, para sa mga pintura ng langis ang base ay linseed o ilang iba pang langis. Ang mga malagkit na pintura ay watercolor, gouache, tempera. Noong unang panahon, ang egg tempera ay ginawa mula sa pula ng itlog ng manok.

Watercolor, gouache at mga pintura ng langis

Pagpinta gamit ang mga watercolor at gouache na pintura

Bago mo simulan ang iyong mga takdang-aralin sa pagpipinta, inirerekomenda naming ihanda ang mga sumusunod na supply:

Ang lahat ng mga pintura, maliban sa mga pintura ng langis, ay natunaw ng tubig. Kinakailangan na baguhin ito nang madalas sa panahon ng operasyon.

Ang pinaka-maginhawang paraan upang paghaluin ang mga pintura ay sa isang palette. Nagmumula ito sa iba't ibang mga hugis at mula sa iba't ibang mga materyales. Para sa layuning ito, maaari kang gumamit ng isang puting platito at plastik o pagkatapos ay isang blangko na sheet ng makapal na papel.

Upang maprotektahan ang iyong mga damit mula sa hindi sinasadyang pintura, mas mahusay na magsuot ng apron o robe. Kailangan mong maglagay ng oilcloth sa mesa o upuan kung saan ilalagay ang mga pintura.

Pagpipinta ng langis

Para sa pagpipinta ng langis, ginagamit ang mga espesyal na thinner.

Mga brush Napakahalaga na laging mapanatili

panatilihing malinis ang iyong mga brush at banlawan ang mga ito bago gumamit ng bagong pintura.

Basahan Labis na pintura at tubig mula sa mga brush

maaaring tanggalin gamit ang isang tela.

Mga praktikal na gawain

Buhay pa rin ang taglagas(watercolor, grisaille)

1. Paggawa ng drawing. Matapos mahanap ang komposisyon, ang isang pagguhit ay ginawa kung saan ang lahat ng mga detalye ay napakatumpak na naihatid. Ang pagguhit ay dapat gawin gamit ang mga manipis na linya upang hindi sila makita sa pamamagitan ng watercolor. Kung sa panahon ng paghahanda sa trabaho ang pagguhit ay naging marumi, na may maraming mga pagwawasto, pagkatapos ay para sa kulay na trabaho maaari itong ilipat sa pamamagitan ng salamin sa bintana sa isang bagong sheet.

2. Ang unang laying tone. Kapag nagsisimulang magsulat, huwag madala sa mga detalye; subukang ilarawan ang buong ibabaw ng sheet sa pangkalahatang paraan. Huwag kalimutan na walang puting pintura sa watercolor, kaya ang kaputian ng sheet ay ang pinakamagaan na tono sa trabaho. Sa ibabaw ng pinatuyong layer ng pintura, ang isang mas madilim na tono ay inilalapat gamit ang glaze technique (sa pamamagitan ng paglalagay ng pintura sa ibabaw ng pinatuyong layer) upang gawin ang mga pangunahing masa. Mag-ingat ka. Ang pagpipinta ng watercolor ay halos hindi pinahihintulutan ang mga pagwawasto. Kung kailangan mo humina ang isang bagay sa tono, pagkatapos ay subukang banlawan ang lugar na ito ng malinis na tubig at isulat itong muli. Ang mga detalye ng imahe ay unti-unting ginagawa gamit ang isang manipis na brush sa isang tuyong layer ng pintura.

3. Pagsara. Ang natapos na trabaho, na ginawa gamit ang mga diskarte sa watercolor, hitsura

Still life na may teaware (watercolor)

1. Pagguhit gamit ang manipis na mga linya: gumuhit ng mga hindi nakikitang bahagi ng mga bagay, balangkas ang mga hangganan ng liwanag at anino.

2. Una, ang base na kulay ng teaware at draperies ay inilapat, na nagmamasid sa mga pagbabago sa tonal sa kulay sa liwanag at anino.

3. Pagsara. Ang paraan ng glazing ay ginagamit upang makamit ang impresyon ng materyalidad sa mga keramika at mga kurtina. Ang puting papel ay ginagamit para sa mga highlight sa mga pinggan. Gumuhit sila ng mga detalye, gawing pangkalahatan ang scheme ng kulay ng buhay pa rin upang makamit ang integridad.

Buhay pa rin "The Artist's World" (gouache)

1. Paggawa ng isang detalyadong pagguhit ng still life.

2. Ang unang pagtula ng mga lokal na kulay ng mga bagay at drapery. Ang kulay ay iginuhit sa isang palette gamit ang puti.

3. Pagkumpleto ng trabaho: elaborasyon at paglilinaw ng mga detalye mula sa liwanag hanggang sa dilim at sa dilim hanggang sa liwanag. Pinapayagan ka ng gouache na gumawa ng mga pagbabago sa iyong trabaho. Kung kung ang isang bagay ay hindi gumana, maaari mong takpan ang isang kulay sa isa pa.

Landscape na "Spring Morning" (watercolor, basa)